El canal de Youtube Kids TV:Pokémon Kids TV lanzo un corto animado llamado: «Poketoon Zuruggu y Mimikyu», la «novedad» es que esta inspirado en los Looney tunes, programa animado que inicio sus andadurias por el año 1930 y llego a estar vigente hasta finales de los 90’s.
Fuente: wikimedia.org
El corto mencionado tiene una duración de 4 minutos, aunque carece de dialogo, al parecer fue echo de esta manera para que los fanáticos de todo el mundo la puedan apreciar sin ninguna barrera idiomática.
El equipo esta compuesto por:
Director: Taku Inoue.
Productor: Yoshiyuki Koie
Animación: Miyako Makio, Ryousuke Senbo, Shinichi Suzuki y Shūya Yoshisato.
La banda japonesa BabyMetal, se unirá al evento virtual YouTube Music Week STAY HOME #WithMe, la cual tendrá lugar durante la Semana Dorada de Japón del 29 de abril al 6 de mayo.
Dicho evento tendrá una duración de 8 días, pasado ese tiempo el concierto dejara de estar en línea tal como sucedió anteriormente con sus dos conciertos publicados en la misma plataforma.
Youtube Music Week tiene como finalidad transmitir conciertos de J-pop los que serán en total 50, que irán estrenandose poco a poco en los canales oficiales de las bandas.
Millones de personas se han infectado por el nuevo coronavirus en todo el mundo, y miles de ellas han fallecido.
En condiciones en las que aún no se han determinado métodos de tratamiento efectivos, se supo que en los Estados Unidos, donde la cantidad de personas infectadas es la mayor del mundo, se planean ensayos clínicos a gran escala en los que utilizarán sangre de pacientes recuperados.
En China, cuando se transfirió plasma sanguíneo de personas que se habían recuperado a diez personas gravemente enfermas en Wuhan, el virus dejó de detectarse en siete de ellas, y se publicó un documento que informaba que los síntomas habían mejorado significativamente. Este es un método de tratamiento ampliamente utilizado.
Según uno de los pacientes que recibió este tratamiento, “Tan pronto como me hicieron la transfusión del plasma, mejoré mucho. Ahora que he recuperado la función pulmonar en un 90 %, incluso puedo levantarme de la cama y moverme”.
La enfermera que se convirtió en donante dijo: “¿Qué otra cosa podía hacer sabiendo que mi sangre podía salvarle la vida a alguien?”
En los Estados Unidos, se les ha pedido a las personas cuya recuperación tuvo lugar hace más de dos semanas que donen sangre para su uso en ensayos clínicos, y según los medios de comunicación, el jugador profesional de baloncesto de la NBA Marcus Smart (Boston Celtics), que superó la infección, también ha presentado una solicitud de donación.
¿Qué conecta este método con Japón?
En el siglo XIX, el profesor Kitasato Shibasaburō, conocido como “el padre de la bacteriología japonesa», descubrió junto con sus asistentes el suero inmunológico como método para tratar el tétanos y otras enfermedades. El método referido utiliza el mismo principio que este. Una vez se contrae la primera infección, se producen anticuerpos en el organismo que atacan al patógeno. El principio es transfundir el plasma sanguíneo de un paciente que contiene una gran cantidad de estos anticuerpos.
Kitasato Shibasaburō
Preguntamos sobre el método a un profesor de la Universidad de Kitasato, Kitasato Hideo, el bisnieto del profesor Kitasato Shibasaburō: “La ventaja de este método es que se considera eficaz en los casos en que aún no se han desarrollado nuevos medicamentos, y la desventaja es que debido a que hay muchas otras sustancias además de anticuerpos, se sabe que pueden ocurrir efectos secundarios y otras consecuencias”, comenta.
Este método ya se ha utilizado en Corea del Sur para tratar a un hombre de 71 años y a una mujer de 67 años que se encontraban en estado grave. Cuando inyectaron el plasma sanguíneo de una persona recuperada junto con una preparación de esteroides, la sombra blanca en los pulmones desapareció y hubo una recuperación completa.
Sin embargo, el médico del hospital de Corea del Sur que empleó este método también señaló el riesgo de efectos secundarios. Según el Dr. Jin-Young Choi del Hospital Severance, “Falta evidencia científica y pueden darse efectos secundarios. Las circunstancias aún no nos permiten afirmar que este método de tratamiento sea útil y recomendable para cada paciente”.
¿Será realmente efectivo este método? Tendremos que esperar los resultados de los ensayos clínicos en los Estados Unidos para saberlo.
Inicia el proyecto ‘Session Starducks’ con su grupo » The Seatbelts» para crear música mientras estás en casa.
¿Qué debe hacer un artista cuando le dicen que se quede en casa? Continuar haciendo música, por supuesto. La aclamada compositora Yoko Kanno ha comenzado un proyecto con su grupo The Seatbelts llamado «Session Starducks», cuyo objetivo es conectar a la gente de todo el mundo con la música, todo mientras se quedan en casa. Su primer proyecto es recrear el tema de apertura de Macross Frontier «Lion» mientras cada miembro se queda en su propia casa.
Su compañero músico Mataro Misawa, quien toca la batería, publicó un video de todos tocando su parte para la canción. En particular, Yoko Kanno está sentada en su bañera en el centro del video. A la mitad del video, se pone de pie y comienza a tocar la música.
La canción todavía no tiene vocalistas. Session Starducks está actualmente audicionando para vocalistas y otros músicos para una variedad de partes. Incluso están buscando traductores voluntarios y «personas creativas».
La sesión Starducks está dirigida por el ‘Capitán Patito’. La sesión se extenderá más allá del tiempo y el espacio, ya que todos contribuimos juntos. Solo un buen niño que se queda en casa como un buen perrito puede participar. Usando los SEATBELTS como nuestra música de fondo , ¿no nos gustaría tener la oportunidad de rugir como un león? De ahora en adelante, buenos niños que no son buenos en japonés usen deepl.com , lol.
El proyecto se describe en inglés de la siguiente manera
Dato: The Seatbelts es una banda japonesa de blues/jazz dirigida por la compositora e instrumentista Yōko Kanno. El nombre de la banda derivó de una advertencia dada en el anime Cowboy Bebop a los artistas o grupos al momento de tocar un hardcore jam y llevar puesto cinturón de seguridad.
Lupin y su amigo Jigen roban en el casino nacional, pero el dinero que obtienen es «dinero cabra», el misterioso dinero falso fantasma. Lupin decide entonces ir una vez más tras los orígenes del fraudulento medio de cambio. La búsqueda los lleva hasta el ducado de Cagliostro, el cual es señalado como el lugar de donde sale el dinero cabra, y particularmente del castillo de la familia Cagliostro. Por un percance en una llanta, ambos se quedan abandonados en la carretera, pero mientras la están cambiando, una bella joven vestida de novia pasa rauda en un auto seguida por otro llena de maleantes. Lupin y Jigen no pueden evitar inmiscuirse y ayudan a la joven, pero la misma está desmayada al volante; todo termina con Lupin y ella en el fondo de un barranco, a salvo.
Una vez allí, ella moja el rostro de un desmayado Lupin con su guante húmedo y huye nuevamente, para luego ser capturada por sus perseguidores. Al despertar, Lupin nota que en el guante que ella ha olvidado contiene un anillo, y el signo de la cabra del mismo le trae muchos recuerdos. Él y Jigen se desplazan adonde estaba el castillo del duque y lo encuentran en ruinas, y Lupin se ve obligado a contarle parte de sus razones a Jigen. Él sabe que el dinero cabra sale del castillo Cagliostro porque una vez intentó entrar ahí de joven, y casi pierde la vida. Ahora intentarán hacerlo una vez más, pero para salvar a la bella novia. Mientras, el conde, que ha decidido casarse con la novia, de nombre Clarisse, se da cuenta de que la dama ha perdido el anillo que lo llevaría a encontrar un fabuloso tesoro.
Por otro lado, en los sótanos del castillo, su inmensa imprenta se dedica a falsificar dinero de todos los países del mundo. Al poco se une al grupo Goemon, y al mismo tiempo llega el Inspector Zenigata con sus hombres tras Lupin; él mismo fue quien los puso sobre aviso. Lupin y Jigen tratan de entrar por el acueducto pero sólo Lupin lo logra, y una vez en el castillo se desplaza por los pasadizos. En uno de ellos tropieza con Fujiko, la cual se ha hecho pasar como empleada para investigar al conde. Ésta le dice que Clarisse está en la torre norte, y Lupin se escabulle hasta allá. Conversa con Clarisse y le promete ayudarla a huir, pero en ese momento son descubiertos por el conde y éste arroja a Lupin a las catacumbas donde ya estaba Zenigata, por andar husmeando en el castillo. Allí ambos pactan una tregua al mismo tiempo que encuentran las imprentas. Lupin está tranquilo pues conserva en su poder el anillo original de Clarisse. Tras escapar, roban el autogiro del conde y con él tratan de rescatar a Clarisse y a Fujiko, pero el conde logra herir a Lupin y obligar a Clarisse a recuperar el anillo verdadero.
Empiezo confesando que no soy un especialista en la animación japonesa, ni siquiera en el cine de animación en general, que es un mundo muy vasto y complejo. Tampoco he visto alguna otra película de Isao Takahata, el director de La Tumba de las Luciérnagas. Mi acercamiento a esa cinta ha sido, pues, la de un espectador desprejuiciado, más o menos ignorante del asunto y el género del filme, pero abierto e interesado en lo que iba a ver.
Mi impresión sobre esta película de itinerario, suerte de fábula moral sobre el horror y la belleza como experiencias básicas para el aprendizaje de la vida, fue contradictoria. Por un lado, la película evoca en mí las travesías físicas y morales de las cintas del neorrealismo italiano de la inmediata post-guerra. Esa asociación tal vez haya sido provocada por la presencia de dos niños protagonistas que recorren un paisaje devastado por la guerra y eso les enseña en un principio a sobrevivir, pero también a morir. Los recuerdos del cine de Roberto Rossellini, como Alemania, Año Cero (1947) o Europa ‘51 (1951) son inevitables.
Europa 51
Alemania año cero
Y es que en esas películas, como en La Tumba de las Luciérnagas, los espectadores nos vinculamos, solidarios, con esa mirada entre aterrada y perpleja que mantienen los niños sobre una agresividad que no entienden, sobre un mundo que se desordena ante sus ojos y se vuelve caótico e inexplicable. Ellos hacen un trabajo de duelo (en este caso, de la figura materna) interminable. No pueden deshacerse de la figura perdida porque ella se reactualiza a cada paso en la destrucción de su entorno. En La Tumba de las Luciérnagas vemos ruinas, bombardeos, matanzas, un mundo en crisis. Y, sin embargo, la película pone un filtro emocional entre la barbarie y lo que vemos.
Es que la fuerza y el carácter perturbador de este filme viene dado por la posición en la que se ubica. Mantiene una equidistancia entre la representación realista y la deriva onírica. Se trata de una cinta de animación y sus grafías nos alejan de modo casi esencial tanto del fresco realista como de la visión subjetiva y fantástica desbocada. Viendo la película, recordamos un episodio narrado por Akira Kurosawa en su autobiografía. Luego de un terremoto que asoló Tokio en los años veinte, su hermano mayor le llevó a recorrer la ciudad en ruinas. Los cadáveres descompuestos se apilaban y el niño Kurosawa cerraba los ojos ante el horror acumulado. Su hermano, en cambio, le decía que abriera los ojos, que mirara ese paisaje, que no lo olvidara. Que la experiencia de formación pasaba también por eso. Es la paradoja de enfrentar el horror con la conciencia y la lucidez. Y eso sentimos frente a La Tumba de las Luciérnagas: el horror está allí para contemplarlo con la mirada bien atenta.
Hotaru no haka
Pensemos tan sólo lo que sería una película con actores de carne y hueso en un drama así: la dimensión melodramática de la situación sofocaría nuestra capacidad crítica. No ocurre lo mismo tratándose de una película de animación. Y es que en esta vertiente del cine, podemos aceptar los hechos más terribles y conmovedores porque tenemos la salvaguarda de la convención del trazo gráfico, el esencial irrealismo provocado por el uso de las técnicas de animación, el pacto que mantenemos con esa irrealidad con el fin de dar fe de su verosimilitud. En la animación, las representaciones más alucinadas y grotescas (las escenas de destrucción masiva, la monstruosidad, la distorsión en la representación de los espacios físicos) adquieren una dimensión plástica que resulta atractiva, seductora, convincente y, por qué no, bella. La animación se impone por sus formas y colores, por la “falsedad” esencial de sus trazos, por el carácter ilusorio de su movimiento. Y en este campo, hasta la potencia emocional de una historia como la narrada por La Tumba de las Luciérnagas se hace admisible y la sentimos próxima.
Y, sin embargo, las dimensiones de la realidad y la fantasía están presentes. Takahata tiene entre manos un material dramático de gran sordidez. Los protagonistas recorren una tierra baldía en la que sólo resta caer vencido por la inanición. Hay una dimensión cotidiana muy fuerte en la película, pues es el relato de dos figuras que atraviesan un mundo hostil. Y en medio de eso, se crea un lugar para lo imaginario. Los bombardeos, el fuego, la desnutrición, el esfuerzo físico, la hostilidad del mundo conviven con la luz de las luciérnagas. Por un lado, el documento se transfigura en trazos, líneas y colores animados; por el otro, irrumpe a cada momento el destello de la violencia o la poesía.
La puesta en escena de la película sigue tres movimientos o fases. En la primera, se presenta a los personajes en su entorno; ése es el filón realista del asunto. La cámara sigue su travesía y nos informa de las circunstancias en que viven y el modo en que sus vidas se alterarán para siempre. Luego, en una segunda fase, la cámara se aproxima a los personajes y los enfrenta a sus sueños y pesadillas: el recuerdo de la madre es una presencia permanente y las luces de las luciérnagas aparecen. En el tercer movimiento, ellos están ya inmersos en su espacio imaginario. Las luciérnagas forman parte de su realidad. La dinámica del relato se basa en una alternancia entre lo de fuera y lo de dentro, entre la violencia y el reposo, entre el camino que no termina y los remansos de colaboración entre los hermanos, que se expresan en visiones compartidas.
Impresiona además en la película el uso discreto, pero enérgico, de la elipsis. Por ejemplo, el director no necesita mostrarnos la muerte de la niña: simplemente la prepara y la sugiere. Cuando nos enfrentamos a ella, ya es un hecho irreversible. Hemos visto el proceso, pero sin sentir el pathos de las situaciones.
Por cierto, existe una tradición en el cine japonés que nos presenta las relaciones entre dos personas que comparten el mundo de la violencia y la poesía, el de la tranquilidad y el sobresalto, el de la luz del fuego y el de las luciérnagas. Es el mundo de Takeshi Kitano en Flores de Fuego (1997) o El Verano de Kikujiro (1999); es el de Akira Kurosawa en Dodes’kaden (1970) o algunos episodios de Sueños (1990). Todas esas películas hablan de la muerte y la violencia que coexiste con el color de los cerezos y el sabor del sake. Pero eso nos llevaría a un tema que podríamos desarrollar en otra edición de esta revista.
Ricardo Bedoya Wilson, abogado de profesión, está vinculado al cine desde hace mucho. Es autor de diversos libros y artículos, y actualmente es profesor de la especialidad en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Lima. Alterna la docencia con la conducción del programa televisivo “El Placer de los Ojos” por la señal abierta de TNP.
Una escena de la icónica película de animación japonesa Akira de 1988 predijo que Tokio ganaría el derecho a realizar los Juegos Olímpicos de 2020 pero que además augura un futuro desalentador, hace que el país del sol naciente se estremezca por una posible cancelación de los juegos.
https://youtu.be/UpHZWpebaMw
Una escena de la película «Akira», ambientada en 2019, muestra un letrero que cuenta los días hasta los Juegos Olímpicos. El letrero dice «147 días hasta los juegos» y alienta a los ciudadanos a prestar su apoyo para que el evento sea un éxito. Debajo, alguien ha hecho un graffiti, «¡Se cancela!»
Desde el viernes 27 marcando de febrero exactamente 147 días hasta la ceremonia de apertura el 24 de julio, se está hablando de la posibilidad de cancelar los juegos debido al crecimiento del coronavirus a medida que el brote se propaga en Japón, el tema «¡Solo cancela!» está en tendencia en la cima del Twitter japonés.
La película animada cyberpunk, ambientada en un Neo Tokyo post-apocalíptico, es considerada como una de las películas de anime y ciencia ficción más influyentes de todos los tiempos, y ha servido como inspiración para propiedades desde «The Matrix» hasta «Stranger Things».
Luis Alfonso Mendoza, actor de doblaje mexicano que dio voz a grandes personajes como Gohan en Dragon Ball Z, Bugs Bunny en Looney Tunes, o Sheldon Cooper en The B/g Bang Theory, muri6 en la noche de este sábado, a los 55 años de edad.
Según las primeras versiones, el actor murió en una balacera en la que además perdieron la vida su cuñado y su esposa, Lourdes Adame. Los hechos habrían ocurrido en la colonia Portales, en Ciudad de México.
«En relación a los hechos ocurridos en calles de la #ColoniaPortales, la #SSC informa que las primeras versiones señalan que la gresca
posiblemente se suscitó por el litigio de un
inmueble; policías de la SSC acordonaron la zona para facilitar las labores de la Fiscalía capitalina. Efectivos tomaron conocimiento del deceso de tres personas y un lesionado en la colonia», reportó la Secretaría de Seguridad Ciudadana de la metrópoli, sin revelar la identidad de los tres fallecidos.
Desde los años 80, Luis Alfonso Mendoza trabajó en el mundo del doblaje, donde prestó su voz a icónicos personajes de películas, anime y caricaturas. ÉI fue la voz de Daniel San en Kárate Kld, y también dobló a Carlton Banks, el irritante primo de Will Smith en El Principe de BelAlr. En los últimos años, participó además en el doblaje
de The Big Bang Theory, donnie dio su voz a uno de los personajes principales, el brillante Sheldon Cooper.
El pasado fin de semana (15 y 16 de febrero) varios cines en Lima nos sorprendieron con la proyección del reciente concierto por el noveno aniversario de la popular franquicia Love Live, que reunió a las seiyuus de la franquicia, incluyendo el retorno a la “generación original”: Muse. Que pasen anime en las salas limeñas ya es bastante raro, pero que pasen un concierto era una cosa que ni en los más locos sueños de los fans.
Este 15 y 16 de febrero te sentirás en el estadio Saitama Super Arena viviendo el LOVE LIVE! FEST 2020 desde nuestras butacas. 🎉🇯🇵 Compra tus entradas aquí 👉 https://t.co/VLfSwsvGdU y prepárate para celebrar el 9no aniversario de #LoveLive! *Disponible en cines seleccionados. pic.twitter.com/Gdt1uEr2Q5
Antes de empezar a contar sobre la experiencia de este inesperado estreno, debo aclarar un punto: no soy fan “de sangre pura” de esta franquicia. Soy lo que podría llamarse un otaku “vieja escuela”, veterano de la era pre-internet. Mis amigos ya saben mi famosa frase sobre un anime “si no tiene un tanque o un robot, no me interesa”. Caigo a conocer Love Live de manera tangencial, por no decir “no me quedó otra”, gracias a mi hijo (cuando dije que era veterano no era en broma). Mi hijo, fan de Love Live y responsable de que mi hogar sea una especie de templo a Umi Sonoda, me hizo ver todas las series, películas, especiales, escuchar soundtracks, juegos y demás yerbas relativas a esta franquicia. He arrastrado mi hijo a muchos eventos, animes y películas, así que consideré justo compartir su entusiasmo con esta franquicia, y acompañarlo a ver este concierto.
Love Live, como dije, es una franquicia que he “descubierto” recientemente. Una serie sencilla que no se complica ni descubre la pólvora (ni trata de hacerlo). Nueve amigas, lideradas por la hasta entonces más discreta del grupo, deciden formar su grupo de “idols escolares” para ganar el popular concurso Love Live, y que eso haga que su escuela sea más popular y evitar que cierre. Esta es la historia de las Muse, y por supuesto todas las pegajosas canciones que vienen en combo con todo esto. En lo personal, me entretuvo mucho la serie original, casi me duermo con la segunda (con Yohane agregada a mi baúl de personajes insoportables del anime, al lado de Chibi-Usa y Ranka Lee), y gracias a las notificaciones de Instagram conozco algo del nuevo grupo. Debo reconocer que algunas de sus canciones lograron llegar a estar en mi playlist del teléfono. Algo de alegría musical no cae mal en un alma oscura después de todo.
Sabiendo que este concierto llegaría a las salas limeñas desde el 2019, era cuestión de esperar hasta enero, que fue cuando anunciaron la preventa de entradas. La sala 4 del Cineplanet del Mall del Sur nos esperaba, y quede sorprendido al ver que a unas horas nada más de haber iniciado la preventa ya estaba vendida más de media sala. Ya gracias a mi hijo, pude ver cuán grande y popular ha sido, y es, Love Live por todos lados. Recordé entonces algunos eventos relacionados que hubo aquí en Lima que vi en Facebook pero que no tome atención en su momento.
Llegó el día, y estábamos listos. Cola inexistente, y entramos al cine. Ya empapado no solo de la música de las Muse, sino de la siguiente generación, Aqours, y algo de las chicas de Nijigasaki High School, del nuevo juego, nos sentamos a esperar. Momento gracioso, solo había menos de 20 o 30 personas a poco menos de 15 minutos de empezar la función. Por un momento pensé que nos habíamos equivocado de sala y hasta salí a ver si no nos habíamos confundido pues no había nada en la entrada de la sala sobre esta función. Ya más calmado, veo que recién habían puesto el banner promocional luminoso en la entrada. Pero yo aún me sentía algo extrañado de que la sala siguiera medio vacía.
6:00 pm… Se apagan las luces… y… un regimiento enorme de fans, amigos, admiradores, y entusiastas entra a la sala y la llena casi por completo. Este fue el primer indicador de que esta no sería una función de cine normal y corriente. El concierto inicia con las Aqours, dando la respectiva bienvenida a los “asistentes” con un coliseo más lleno que un bar con cerveza gratis. Luego vendría la parte de “compra niño, compra” presentando a todas las integrantes del juego nuevo, que me dicen ya tendrán pronto su serie. Ya para este momento, no entraba ni un alma más en la sala. Los gritos de los fans asistentes al ver a las seiyuus, que eran presentadas junto sus versiones animadas, en las enormes pantallas del concierto resonaban más que la música. “Te amo”, “lindura”, “preciosa” se podía escuchar entre todos los gritos de la platea. No importaba que se cumpliera esa regla de que el parecido de un seiyuu con su contraparte animada sea inversamente proporcional a cuan bello/a o voluptuoso/a sea en su animación. Esto no era una función de cine, era teletransportarse al concierto en vivo en Japón. Llegamos a la parte de los solos de las nuevas integrantes, luego sazonados con las sub-unidades de Aqours y la participación especial de las “Saint Snow”, rivales de este grupo que terminaron siendo muy populares (dicho sea de paso fueron lo único que me gustó de “Love Live Sunshine” jejeje). Ya en este nivel, no escuchabas una sola palabra en castellano, ya que la meta de los chicos (y no tanto) era corear todos los temas. Aplausos, coros, gente emocionada. Es en este momento, es que a mi cabeza viene esa hermosa nostalgia de las gloriosas funciones del club SUGOI en el colegio Champagnat. Esa energía, ese calor, esa emoción de la gente. Los orgullosos otakus demostrando que el anime es una gran diversión pero solo cuando te unes a otros de tu misma afición es que llevas la experiencia a otro nivel.
La puesta en escena es soberbia. Pantallas enormes, videos coordinados, luces y efectos por todos lados, las cantantes eran transportadas en tres enormes módulos por todo el escenario, y hasta vimos UN BARCO con todas las Aqours salir del escenario y moverse al centro. Era tan espectacular, que te hacía olvidar el hecho de que algunas de las chicas no cantan ni en fiesta de cumpleaños ¿Eso importa? Para nada. Los fans siguen cantando. Una pena que los encargados del cine prohibieron los light sticks, pero un aplauso al público que supo respetar las reglas… Bueno al menos hasta esta parte…
Pasaron ya dos horas de concierto. Mucho cuchicheo en algunas filas, pero nada que distraiga. En eso, durante uno de esos momentos en que las seiyuus hablan y hacen los guiños de sus personajes, se acerca un entusiasta fan a mi hijo para ofrecerle el listado y las letras de todas las canciones del concierto. Otro salto en el tiempo, cuando veía a los primerizos otakus limeños vendiendo mercadería o merchandising en las reuniones. El ambiente de la sala era familiar, ya no había grupitos. Muchos se preguntaban o se pasaban la voz sobre algo del concierto y hasta se compartían canchitas. Todos eran Love Live. Y finalmente… Mi hijo me grita “¡POR FIN!”. Era EL MOMENTO. El retorno de las Muse, el grupo original que dio origen a toda esta locura y que estaba retirado ya varios años. Locura total. Gritos, risas, llantos… emoción, el Retorno del Rey. Las chicas saludan al público generando histeria colectiva. “Nico Nico Niiiiiiiiiiiiiii” retumbó en toda la sala. Las Muse anuncian que harán un “medley” (potpurrí) con sus canciones. Los tres módulos llevan a las divas por toda el área del concierto, y las canciones suenan en versiones cortas pero eso no importa. Los coros son cantados sin parar, y no faltan los que se saben toda la letra (un chico me mira raro de escucharme cantar “Sore Wa Bokutachi No Kiseki” completa). Dato curioso: son las mismas canciones que tengo en el celu. Ya en estos momentos la sala está transportada a la dimensión Love Live… y… las Muse van al centro del escenario y se vienen los acordes de LA CANCIÓN: Snow Hallation. Empieza a sonar y ya no hay quien pare esto. Aplausos, gritos y la platea pateando el piso al ritmo de la canción, al punto de generar algunos grados Richter. Los light stick salen finalmente, no importa nada más. A mi cabeza saltan las funciones del SUGOI con la gente entonando el “Zankoku na No Tenshi No Teeze” de Evangelion. El final del tema, es una locura… los silbidos, gritos y demás hacen la magia.
Ya cerramos las tres horas. No queda más que la despedida ya agradecimiento de las todas las Seiyuus y se cierra el telón. Muchos esperando un encore, pero se apaga la pantalla. No hay escena extra jejeje. Los fans salen, comentan, rostros felices, todos vieron algo que sus amigos no. La salida del cine es alegría general, pues la fiesta no acaba con la función. Vemos a los grupos tomándose la foto respectiva junto al banner luminoso de la entrada del cine (como dije lo pusieron casi para empezar la función). Foto solo, foto grupal, en pareja y en todas las combinaciones posibles. Un fan con rostro de hombre realizado sonríe para cámara. Ovaciones. La salida está llena de merchandising, fotos, figuras, peluches. Muchos nuevos amigos intercambian números. Mi nostalgia me trae más recuerdos de las viejas funciones noventeras de Sugoi. Nadie se quiere ir, y ya hay planes para “repetir el plato” con la segunda función del domingo. Salgo más que contento, no solo porque fue una buena presentación en general, no. Asumo que no capté ni la mitad de los “easter eggs” de los verdaderos fans de la franquicia, pero creo lo mejor fue sentir de nuevo esta genial experiencia de ver una proyección de cine rodeado de personas que aman lo que están viendo y disfrutan compartiéndolo. Eso hizo de esta función algo muy diferente.
En estos tiempos de redes donde el contacto y calor humano parece perdido, y donde el anime parece ser algo para pasar el rato dentro del bus con tu celu, ha sido grato ver otakus de todas las edades disfrutando música (que no es reeggaeton sobre todo) y que sepan mantenerse unidos alrededor de una afición. Mi hijo a la salida: “Viejo, gracias por acompañarme”. Me, Grimlock: “No, gracias a ti por regresarme a una de las mejores etapas de mi vida”. Dato extra: anunciaron el próximo estreno de la película de “Goblin Slayer”. Cineplanet se ha puesto las pilas con los estrenos de anime.
¡Celebra los diez años del Natsumatsuri, festival de verano de la cultura japonesa, en un día lleno de talleres, gastronomía, arte, música y más!
El sábado 22 de febrero se llevará a cabo el Natsumatsuri, festival de verano que congrega distintas expresiones culturales de Japón, en las instalaciones de la Asociación Estadio La Unión (AELU), en Pueblo Libre. Este año, además, este festival cumple diez años de acercar al país del sol naciente a niños, jóvenes y adultos, a través de una variedad de actividades que muestran aspectos tradicionales y modernos de la cultura japonesa: talleres, gastronomía, conciertos, exposiciones y arte.
Para este evento, llega al Perú Rina Katsuta, cantante tokiota recientemente graduada del grupo ANGERME, quien desde muy joven perteneció a agrupaciones idol, bajo el conglomerado de Hello! Project y que tendrá su primera presentación como solista en Latinoamérica durante el Natsumatsuri 2020. Por otra parte, estará presente Kaname, reconocido cosplayer japonés que goza de mucha popularidad en el extranjero, entre cuyos cosplays más conocidos se encuentran Lavi (D. Gray-Man), Eren Jagger (Shingeki no Kyojin), Portgas D. Ace (One Piece), entre otros. De la misma manera, será la primera presentación de Kaname en Perú. Como parte de las presentaciones de cultura japonesa tradicional, Hamano Ryuho, aclamado calígrafo y sello grabador, hará una demostración única de su arte con el pincel y la tinta en el Natsumatsuri 2020.
Hamano Ryuho
Kaname cosplayer
Rina Katsuta
Entre los artistas nacionales, se presentará Karin Idol Perú, intérprete peruana de conocidas canciones de J-pop, anime y videojuegos japoneses, quien cuenta con seis años de trayectoria y quien es la primera cantante solista de anime de nuestro país cuyos covers llegaron a las plataformas de música de Spotify y iTunes. A lo largo de su
carrera musical, ha realizado presentaciones en diferentes ciudades de Perú y Chile, y se desenvuelve en el escenario con un estilo “kawaii” muy característico.
Por otra parte, se presentarán la banda japonesa Takoyaki y las agrupaciones nikkei Inmigrantes y Okinawa-shi Kyoku Band, quienes interpretan temas de J-Rock y J-Pop y que recientemente fueron partícipes del concierto musical “N-Fest”, como parte de las celebraciones por los 120 años de la inmigración japonesa al Perú. Por otra parte, la banda nacional Godlike, fundada en 2007, que rinde tributo a la música de videojuegos, también estará presente en esta décima edición del Natsumatsuri, con sus covers exclusivamente instrumentales de populares juegos como Street Fighter, Super Mario Bros., King of Fighters, entre muchos otros.
Asimismo, en cuanto a las actividades que el público podrá disfrutar durante todo el día estarán los talleres prácticos de Bunkasai, que son breves sesiones donde los asistentes se involucran directamente en clases de doblado de papel (origami) y caligrafía japonesa (shodo), y el Expo Kawaii, donde las personas podrán aprender a realizar distintos tipos de manualidades, adornos y accesorios con un estilo ‘kawaii’. Por un lado, habrá una Zona Manga, donde creadores de ilustraciones podrán compartir su arte y difundir el talento peruano al estilo manga.
Por otra parte, para las personas interesadas en Japón, habrá un espacio denominado Nihon de benkyoshimasho! donde se brindará información sobre las universidades y los diferentes tipos de becas del gobierno japonés que existen para realizar estudios en dicho país. No podría faltar la Zona de Juegos, donde personas de todas las edades podrán disfrutar de juegos tradicionales de un matsuri o festival japonés y la Zona Gastronómica, donde se deleitarán con platos típicos japoneses.
En el escenario también se llevará a cabo el Tada Dance Final Stage, concurso de baile en el que se compiten los mejores grupos de baile (J-POP) que se presentaron en diciembre del año pasado en el Tada Dance. A su vez, se realizará el NatsuCosplay, pasarela cosplay que premiará a los mejores cosplayers en sus interpretaciones de personajes de anime, películas y videojuegos. Además, durante todo el día, habrán trivias que pondrán a prueba el conocimiento de los asistentes en cuanto a Japón en sus diversas facetas.
¡No te pierdas esta gran oportunidad de experimentar un festival japonés durante todo un día lleno de actividades para todas las edades!
Datos
• Natsumatsuri 2020, organizado por el Keijiban Kurabu
• Fecha: sábado 22 de febrero
• Lugar: AELU – Av. Lincoln 100, Pueblo Libre
• Hora: 12:00 PM – 9:00 PM
• Entradas: Disponibles en Tienda Akemi, en el Centro Comercial Arenales
• Más información en: https://www.facebook.com/KeijibanKurabu/
Y ahora, don Panda decide comentar la vida y milagros de la gente que usa las redes. ¡Vaya, si será hipócrita el «chateador» éste!
Supongo que alguno de los asiduos lectores de esta humilde e incomprendida página habrán tenido alguna ocasión de usar una cabina de Internet. Y de seguro se dirán a qué viene esa pregunta. Bueno. sólo aprovecho la oportunidad para hablar precisamente sobre este tema, la Internet. Sin duda recordarán (muchos de ustedes) lo que era poder usar este servicio antes. En ese tiempo (hablo de 4 años atrás, más o menos), encontrar locales que se prestaran para la «novedad.’ era difícil y, más aún por la falta de competencia, estaban centraliza-dos en lugares privilegiados y con precios como para que no se envicie uno en el caprichito. Hoy en día, en cambio. puedes encontrarlos en todos lados, y me extrañaría que no hubiera por lo menos cinco en tu barrio. Esta proliferación ha sido tan rápida que no ha dado tregua a la adaptación. Prueba de ello es hallarlos en los sitios más improvisados e inverosímiles; un día es tu pollería favorita (en donde ya habías enamorado a la mesera para que te de una «pierna» extra) y al siguiente es una base de comunicaciones del tío Bill Gates 98. Y no menosprecies un antiguo local de pompas fúnebres, que también es sitio ideal para una cabina (claro, si no te molestan los Poltergeist mientras navegas). Aunque los más graciosos son los café-net, cuyo gancho es servirte un buen café caliente, cuando en la calle puede haber tal temperatura que quien se siente en la vereda dolorosamente… pierde.
Esta gran red sirve para casi todo: acudes en ayuda de un trabajo, le anuncias al mundo que existes o simplemente pasas el rato. Este «pasar el rato» involucra varias cosas como el «chateo» (muy popular hoy en día). Si me lo preguntan. es una de las formas de perder el tiempo más adictivas que hay. Si te pones a pensar un momento, te darás cuenta de lo absurdo que parece. Piensa: llegas. te conectas y empiezas a «conversar» con una persona «X» en un sitio posiblemente muy lejano. A esa misma persona te diriges como si fuera un amigo de hace muchos años, contándole tus intimidades después de tan sólo unos minutos de charla. Al final, sigue siendo alguien a quien nunca has visto y en la mayoría de los casos nunca verás (porque algunos creen que así se acaba el encanto). Para entrar a los llamados «»rooms», primero es obligatorio el uso de un seudónimo o Nick. Aunque no lo creas, ese seudónimo que siempre usas dice mucho de lo que eres o lo que quieres ser, y das la posibilidad de dejar a tu oscura personalidad dar un paseo por el parque de la irrealidad. Por ejemplo, si visitas la zona Manga y Anime. de seguro vas a poner «SSJ3», «Bulmgetto». «Aburatsubo Senpai» o «A.P.M.P (adicto a Pokémon, mátenme por favor)», etc. Otros escogen «A que no me atrapas» , «El cáncer del amor», «No tengo Nick» . «Adictas al asunto» y demás. No es secreto que en el chat uno puede hacer lo que quiera y decir lo que le plazca. sin consecuencias más allá de que te respondan igualmente. pero con más «ares» al terminar la frase. Por ejemplo, algunos hinchas de Dragón Ball liberan su agresividad en el chat, en donde pelean entre ellos, lanzándose sendos ataques y estruendosas Genki-damas. Uno avisa que está atacando y el otro le responde que lo ha podido esquivar «con dificultad» o lacónicamente le manifiesta: -Me diste maldito, estoy muriendo. Trunks, cuida a tu madre, aaah…-. Y no faltan ese miserable grupillo de energúmenos que, aprovechando que ignoras quiénes son, se dedican a proferir mil y un insultos a quien sea. y te recuerdan por puro gusto hasta a una prima-hermana que hace tiempo no veías. Una de las últimas tendencias del Chat son los noviazgos virtuales. Me explico: son parejas que. después de haberse conocido un buen tiempo chateando (entiéndase gastando sus buenos soles en la maquinita) terminan una relación de amistad de 300 horas, dos maratones y veinte colgadas de red. en noviazgo e incluso, si sus padres. amigos y malvadas hermanas gemelas no se interponen, hasta el matrimonio. Y no es cualquier matrimonio: invitan a todos su amigos que frecuentan la sala con ellos y también a todo el mundo, hasta al que no tiene vela en el entierro. A mí me llegaron varios (literalmente hablando), inclusive de segundos matrimonios. Crean para la ceremonia su propio room y el cura. un amigo en común, se encarga de dar la aprobación, mayormente con el título de «Gran Boda de Lorenzo con Pepita». Me he enterado de que estas uniones terminan cuando tales parejas cometen el error, después de algún tiempo de casados, de querer conocerse. Concretan una cita en un buen lugar y se visten con sus mejores atuendos para la especial ocasión… Ocasión que termina irremediablemente en divorcio cuando se llevan la gran sorpresa (por lo menos uno de ellos) de que el otro también se llama Fernando. Pero si en algún momento llegaras a entablar una conversación inteligente (entiéndase con un tema en común), es definitivo que en el transcurso del tiempo cambies tus propias realidades, con mentirillas a preguntas como qué edad tienes, qué estudias o si trabajas, eres adorador de Satanás, etc. Claro, la otra persona tendrá que aceptarlas como verdaderas, sin preocuparle de que pueden estar viéndole la cara de tonto (ya que él podría hacerte lo mismo). Sin embargo, algunos ya se pasan en la mentiras. El otro jura que es rubio natural, tiene ojos azules y sus antepasados eran alemanes (cuando es más autóctono que la cancha), o también que tiene 17 añitos (cuando su mamá pudo ser el primer amor de Belaunde), que mide metro ochenta (cuando lo confunden a cada rato como niño perdido).
Las chicas se expresan como si fueran unas «femme fatale», todas desinhibidas ellas (cuando en el colegio las eligieron Miss Halloween por contumacia o Betty la Fea del sexto piso. favorita para Miss Moticuco de todo el cole). Otro se cree argentino diciendo que es de la tierra gaucha y sólo come churrasco y bife (cuando el che puede estar chateando en una cabina de San Juan de Lurigancho comiendo su menú de a sol). Algunos se pavonean de que son unos perfectos «latin lovers» (cuando sólo borrachos pueden sacar a bailar a su prima). Incluso. hay quienes dicen ser hombres de mundo (cuando aún le piden permiso a su mamá para una fiesta al frente de su casa). En fin. Y claro están las que dicen que «son» y no son. Juro que esto nunca me ha pasado ni me volverá a pasar. Claro, todo esto se cumple si encuentras a alguien -a quien no se le ocurrió otra forma de dilapidar su dinero- que se digne a responderte. Antes de esto (la primera hora por lo menos) tienes que soportar por un tiempo barbaridad y media. Entras todo bacán y anuncias tu llegada con un «Hola». y todos en mancha te responden «Adiós», «Muérete», «Ya llegó otro tarado… entre otras cosas aun peores. Pero un día, tuviste suerte: entras a una sala con 30 personas y ninguna te responde mal: es más, no te dicen nada y así se quedan durante varias horas. Pero como todo tiene su limite, después de esperar un tiempo razonable (hora u hora y media), tratas de romper el hielo: -Hola. ¿hay alguien ahí? Responda quien sea, quiero chatear con alguien. No hablen en secreto… ¡Dios mío, no me ignoren por favor, ahahah!-. En resumen, el chat es popular porque puedes ser y hacer lo que quieras… Y ahí está el chiste. Por el momento dejamos aquí este recuento de mis aventur… de las aventuras de alguien más. que no conozco (y que no es el editor de esta revista). El próximo mes terminaré de contarles todas las cosas que me han pasad… que me han contado. iSayonara! (¿,o era sandalia?)
Al Panda le gustó mucho la película de Utena y por eso este mes lo tenemos disfrazado de Anthy. Sólo esperamos que ahora no le dé por andar «ligero de ropa», en patineta y por toda la Av. Javier Prado. Se puede resfriar…
El anime y el manga japonés se caracterizan por desafiar de manera constante el orden establecido y el “buen gusto” de la sociedad. Si bien estas producciones estaban dirigidas originalmente a un público oriental, los géneros se han vuelto tan populares que tienen fans en todo el mundo. En esta ocasión nos enfocaremos solamente en el anime y sus versiones más extrañas. Había bastante de donde elegir, pero nos quedamos con los que creemos son los más peculiares, por decirlo de algún modo.
Assassination Classroom Luego de haber destruido el setenta por ciento de la luna, una especie de pulpo amarillo llega a un acuerdo con el gobierno japonés para postergar la destrucción de la tierra. ¿Las condiciones? Darle clase a un grupo de estudiantes mediocres de secundaria, quienes tienen luz verde para intentar asesinarlo antes de que lo destruya todo, el ganador recibirá una recompensa de cien millones de dólares. El detalle es que conforme pasa el tiempo los alumnos comienzan a mejorar académica mente y le empiezan a tomar cariño a su extraño profesor. Además, aparecen otros personajes quienes también quiere asesinar al maestro, lo cual complica la situación todavía más.
Rio: Rainbow Gate! Este anime gira en torno a la vida de Rio Rollins, una dealer de casino bastante popular que trabaja en el Howard Resort. Rio es conocida como la “Diosa de la Victoria” dado que les da buena suerte a los apostadores por el solo hecho de pasar junto a ellos. La trama se pone interesante dado que se revela que es poseedora de una de trece cartas mágicas, y para obtenerlas todas y ganarse el título de “dealer de casino más valiosa”, tiene que jugar en varios torneos especiales. Este anime es perfecto para los fanáticos de los juegos de casino, especialmente aquellos que disfruten de las partidas de blackjack online, como las que se ofrecen en https://www.mrgreen.com/pe/blackjack y que cuentan con delaers en vivo. Para aquellos que no son tan fanáticos de los juegos de casino, pueden echarle un ojo a ese sitio para revisar las reglas y estrategias, con lo cual podrán entender más a fondo este intrigante animé.
Polar Bear Cafe Ya el hecho de que exista un anime de animales parlantes que están a cargo de un restaurante no es lo más normal que digamos, pero lo que hace de esta serie algo especial es que los personajes son tan comunes y corrientes que hasta parece que estamos viendo un capítulo de Seinfeld. Que hablando del rey de roma, existe la posibilidad de que exista un regreso según lo que el mismo Jerry platicó: https://www.infobae.com/teleshow/infoshow/2018/02/13/a-20-anos-del-final-de-su-emblematica-serie-jerry-seinfeld-hablo-de-un-posible-regreso/. Así podremos tener lo mejor de dos mundos, a las especies en peligro de extinción de Polar Bear Cafe y los neoyorquinos desquiciados de Seinfeld.
Serial Experiments Lain El asunto se pone extraño para Lain cuando una compañera de clase fallecida dice estar viva en un espacio de realidad virtual llamado “El alambrado”, en donde dice que también encontró a Dios. En esta serie los creadores se aventuran en profundas reflexiones acerca de la realidad, la consciencia, y la relación que tienen los seres humanos con el Internet. Además de ser extraña, Serial Experiments Lain también se gana a pulso un lugar en otro tipo de listado, el de series y animes perturbadores: https://es.gizmodo.com/las-series-de-anime-mas-oscuras-y-perturbadoras-que-no-1691394005
Como ves animé hay para todos los gustos y preferencias ¿Te animas?
