Autor: Elizabeth Pelaez

Amor, destino y memoria en Kimi no Na wa (o Your name)
Algunos días me despierto llorando sin saber por qué…
Y lo que haya estado soñando nunca lo recuerdo…
Es un sentimiento de pérdida que perdura durante mucho tiempo…
Ese sentimiento me consume desde ese día…
Taki y Mitsuha
Imagen promocional de la película
Kimi no Na wa (君の名は。, ‘Your name’ o ‘Tu nombre’) nos presenta la historia de Mitsuha Miyamizu y Taki Tachibana. La primera es una estudiante de instituto que vive en una pequeña ciudad rural en las montañas de la prefectura de Gifu, llamada también «pueblo de Itomori» (en honor al lago homónimo alrededor del cual se originó). Su padre es el alcalde de su localidad, y no pasa mucho tiempo en casa. Vive junto a su hermana pequeña y su abuela. Es una persona honesta, pero no le gustan las costumbres religiosas de su familia ni que su padre participe en la campaña electoral. Asimismo, lamenta que su vida se vea confinada en el pueblo y sueña con el estilo de vida de un joven Tokiota. Por su parte, Taki es un estudiante de instituto que vive en la capital nipona. Pasa el tiempo con sus amigos y trabaja en un restaurante italiano. Además, parece que le interesa la arquitectura y el dibujo. Un día, Mitsuha tiene un sueño en el que se convierte en Taki. Por su parte, el muchacho también tiene un sueño en el que se convierte en Mitsuha. Ambos viven la experiencia de estudiar y aprender la rutina del otro. ¿Cuál es el secreto que se esconde tras estos (aparentes) sueños? Intentaremos desvelar este misterio a medida que vayamos desarrollando este artículo.
Kimi no Na wa empieza con retazos de escenas (o hilos temporales) entrecortados y desordenados sobre la historia que ha de contarnos. Algunos de esos retazos nos muestran a Mitsuha y Taki ya adultos (en el 2021) en sus respectivas rutinas por la capital japonesa. Es en ese transcurrir cotidiano donde conocemos los pensamientos de los protagonistas que (seleccionados de un monólogo entrecortado y montado como un diálogo indirecto entre ambos personajes) fueron transcritos al inicio de este artículo, a través de los cuales conocemos la sensación que tienen en torno a una falta existencial en sus vidas. En ese contexto meditativo comienza el primer opening (o canción llamada así debido a su formato anime) de la película: «Yumetourou», de la banda japonesa RADWIMPS.
Fotograma que aparece en el primer opening de la película
LA HORA MÁGICA
La escena comienza con Mitsuha (de 17 años) repitiendo el nombre de Taki (en ese momento de 14 años), a quien le confiesa su nombre mientras le extiende el lazo rojo con que sujeta las trenzas de su cabellera. Luego despierta y nos damos cuenta de que Taki está en su cuerpo (quien asombrado por este hecho se toca los senos). A los pocos minutos, misteriosamente Mitsuha vuelve a su cuerpo. Mientras mira la televisión, aparece en las noticias un pronóstico astronómico sobre el cometa Tiamat, que pasará por Japón el 4 de octubre de ese año (2013). Mitsuha apaga la tele, desayuna con su abuela (Hitoha) y su hermana (Yotsuha), y luego va con ella a la escuela del pueblo.
- Taki despierta en el cuerpo de Mitsuha
- Mitsuha ve la noticia sobre el cometa Tiamat
- Mitsuha va al instituto de Itomori
En una de las clases de Mitsuha, una profesora está enseñando a los alumnos qué significa ‘crepúsculo’ o ‘Kataware doki’ : “…es cuando no es de día ni de noche. La frontera entre los mundos se desvanece y podemos encontrarnos con algo no humano”. En ese contexto linguístico, otra forma similar de conceptualizar el ocaso nipón la propone Japonismo, blog español especializado en turismo y cultura en el país del sol naciente: “…Es en este momento donde el día se encuentra con la noche y las fronteras entre lo real y lo ficticio se confunden”.
Durante dicha clase, la protagonista parece no prestar atención a la explicación del concepto mencionado porque se distrae cuando ve una nota en su cuaderno que dice: «¿quién eres?», frase que contrasta de forma graciosa y extraña con lo que le dice la profesora cuando la llama para hacerle una pregunta sobre la lección del día: “Veo que hoy si te acuerdas de tu nombre”. Como espectadores, intuimos que esta escena podría ser una prueba más de la extraña conducta que habría tenido la protagonista días atrás, según el testimonio de su familia y sus amigos (Teshigawara y Sayaka), actitudes que no parece recordar; sin embargo, sí declara recordar que siente “como si soñara con la vida de alguien más”, lo que nos lleva a pensar que quizás no recuerda lo sucedido porque en ese momento ella dormía (o “soñaba”) mientras otra persona (Taki) se introducía y tomaba posesión de su cuerpo.
- Cuaderno donde Taki le pregunta a Mitsuha: «¿quién eres?»
- Profesora explicando el ‘Kataware doki’
SINTOÍSMO Y LOS MIYAMIZU
Como sostiene Aníval Pinto, especialista en la cultura nipona en la Pontificia Universidad Católica del Perú:
Sintoísmo quiere decir “el camino de los dioses” y esta filosofía existe en el Japón desde el siglo VI a.C. No existe una doctrina fija, ni reglas de oración, ni un fundador de la misma, sino que es un conjunto de creencias de adoración y culto a los dioses de la naturaleza y a los ancestros, en donde los creyentes les hacen ritos y altares a los espíritus. Se le podría denominar la religión oficial y nativa de Japón.
[audiograbación de M.J. Campos (Tesis PUCP, 2017)]
El sintoísmo es, entonces, la filosofía y/o doctrina de vida que ha heredado Mitsuha como una Miyamizu, es decir, como descendiente de una familia de sacerdotes y sacedotisas sinto. Aunque ella no está interesada en este culto, prepara junto a la abuela los hilos a usar en la ceremonia (sintoísta) del pueblo. En ese momento, la anciana aprovecha para seguir transmitiendo su sabiduría mística y ancestral: “Escucha la voz de los hilos. Cuando los trenzas así, una y otra vez, comienzan a fluir sentimientos entre tú y el hilo. Entre los hilos entrelazados se cuentan miles de historias de Itomori, escuchen…». En efecto, la abuela le cuenta a su nieta la historia que generó un gran impacto en la memoria del pueblo de Itomori:
El baño del zapatero Mayugoro Yamazaki se incendió y toda esta área se quemó. El altar y viejos documentos se quemaron. El significado de nuestros festivales se perdió, por eso solo quedó la superficie. Pero aunque esas palabras se borraron, la tradición debe seguir. Esa es nuestra labor Miyamizu. Nuestra importante tarea.
A partir de esta cita referente al relato de la abuela de Mitsuha, entendemos porqué el pueblo de Itomori ha olvidado el significado de sus rituales tradicionales. No obstante, como guardianes sintoístas de los mismos, la familia Miyamizu, si bien ha perdido también esa memoria conceptual ancestral, aún conserva el modo como realizar dichos rituales.
Los hilos y el relato de Mayugoro
KUCHIKAMISAKE: LA BEBIDA DE LOS DIOSES
Kagura es una antigua ceremonia teatral japonesa en honor a los dioses de la religión sintoísta. Se celebraba habitualmente en el palacio imperial, y consistía en pasos lentos interpretados por sacerdotes, conjuros y danzas culturales y mitológicas. Mitsuha y su hermana menor asumen el papel de mikos (es decir, de sirvientas de un templo sinto) para ejecutar la danza ceremonial y así proceder también con la preparación del Kuchikamisake, un tipo de alcohol a base de arroz producido por un proceso que involucra saliva humana como iniciador de fermentación. En efecto, las chicas producen la bebida sacra con sus salivas y concluyen la ceremonia.
Mitsuha se siente avergonzada de que los chicos que la molestan en la escuela la hayan visto realizando el ritual del Kuchikamisake. Es por esto que antes de volver a casa, la muchacha se para justo debajo del portal del templo Sinto del pueblo y grita con todas sus fuerzas: «odio este pueblo, odio esta vida, quiero ser un chico guapo de Tokio en mi siguiente vida» (una alusión a la idea de «reencarnación» en la que se basa el budismo, otra doctrina oriental emparentada con el sintoísmo). Como fondo musical que culmina esta escena, aparece el segundo opening de la serie: «ZEN ZEN ZENSE», nuevamente de RADWIMPS.
- Celebración sintoísta en Itomori (Kagura)
- Mitsuha danzando en el papel de miko
- Portal sintoísta donde Mitsuha pide el deseo de cambiar de vida
RELATO DE MUSUBI (O UNIÓN EN EL TIEMPO)
Mitsuha amanece dentro de Taki, suceso que ella considera un extraño e increíble sueño, pues será su oportunidad para descubrir —entre días de escuela, deliciosos dulces y arduo trabajo de medio tiempo— cómo es la vida de un joven japonés en la ciudad tokiota. Por su parte, Taki está en el cuerpo de Mitsuha (también cree que está soñando), y así tiene la oportunidad de ir al Goshintai, un cráter —ubicado cerca de Itomori— considerado un santuario sagrado (de la familia Miyamizu) que alberga al Kakuriyo (‘mundo oculto’) y donde reposaría el cuerpo de Musubi. En ese contexto, la anciana le cuenta al protagonista la historia del dios de dicho santuario:
¿Sabes quién es Musubi? es como llamaban al dios local hace mucho tiempo. Significaba unión. Conectar con las personas es una unión, y el pasar del tiempo es una unión. Todo esto es parte del poder del dios, los hilos que trenzamos son un lazo con él, con una parte de él, representan el paso del tiempo mismo, se acomodan y toman forma, se enredan y se retuercen, a veces se desenredan se rompen y se vuelven a conectar. Eso es una unión.
A partir de lo anterior, se nos revela que Musubi es el kami (o dios sinto) del santuario Miyamizu que representa la unión en el tiempo. Al respecto, Brian Bocking, investigador sobre religiones de la Universidad de Lancaster, sostiene que “el sintoísmo moderno interpreta el concepto de musubi como el espíritu del nacimiento, de la armonía, del llegar a ser, del crecimiento”. Por consiguiente, todo lo que hay en la naturaleza sería (o formaría parte de) Musubi: fuerza vital, proceso orgánico de desarrollo, renovación y ocaso. Todo lo que nos llevaría a comprender de forma espiritual el mundo y el universo.
Antes de cruzar el río que antecede a la cueva donde está el altar de Musubi, la abuela dice que luego de cruzarlo entrararán en el mundo oculto donde residen los kami, y que para salir de él se debe dejar algo atrás. Es por esto que Mitsuha (ahora reemplazada por Taki) deja el Kuchikamikase (donde ha dejado una parte de sí misma) como ofrenda al dios sinto.
- Vista panorámica del cráter Goshintai
- Cueva-altar donde reside el kami Musubi
BUSCANDO EL HILO PERDIDO
Taki relata que los sueños de intercambio de cuerpo con la protagonista se van perdiendo, hasta llegar a un punto en el que siente que «le falta algo». En ese contexto, le surge una nostalgia por los recuerdos que tiene de un pueblo en las montañas Hida, a partir de la cual empieza a dibujar todo lo relacionado con ese lugar. No obstante, al no poder más con esa sensación decide buscar el susodicho pueblo. Finalmente lo encuentra, aunque no de la forma que esperaba: hace tres años, Itomori desapareció a causa del impacto de un meteorito. Este evento fue catalogado y registrado como “El accidente de Itomori».
De acuerdo al reporte del incidente, el cometa Tiamat que pasaba por Japón se fragmentó en meteoritos y cayó en Itomori. Esto habría ocurrido el 4 de octubre del 2013 a las 8:42 p.m, justo en la zona donde el pueblo se reunía para el festival de otoño. Como resultado, fallecieron más de quinientas personas. En el registro de víctimas figura la abuela, la hermana y Mitsuha (de 17 años en ese momento). A partir de este descubrimiento,Taki se pregunta si todo lo que pasó fue un sueño y si quizás estuvo hablando con un fantasma.
- Ilustración de Itomori creada por Taki a partir de sus recuerdos
- Taki descubre que el pueblo de Itomori fue destruido por el cometa Tiamat
DESENREDANDO LOS HILOS
Poco tiempo después de descubrir el incidente de Itomori, Taki empieza a olvidar todo lo relacionado a este. En ese ir y venir de recuerdos, resuena en su mente la voz de la abuela sintoísta hablando sobre los hilos y su conexión con Musubi, lo que a su vez reaviva el recuerdo de Mitsuha. Es por esto que decide volver al Goshintai, para hablar con el kami de la cueva-altar Miyamizu a fin de que le permita volver a conectarse/encontrarse con la protagonista: “Si es verdad que el tiempo se puede desenredar, dame una oportunidad”.
Ya en el interior del reciento sacro, Taki bebe el Kuchikamisake que contiene «la otra mitad de Mitsuha», se resbala, y con su celular alumbra una pared de la cueva donde aparece la pintura rupestre de un cometa (al parecer dividiéndose). Luego de esto es introducido en el hilo de vida de Mitsuha: vislumbra su nascimiento, infancia, hasta el día del incidente del cometa. Entre esas memorias, puede ver cómo ella fue a buscarlo a Tokio en el 2013, escena que a su vez nos conecta con otra donde ella lo encuentra en un tren de la capital y le dice que su nombre era Mitsuha, a la par que le daba el lazo de hilo rojo que Taki conserva desde ese día en una de sus muñecas (que simboliza a su vez el hilo rojo del destino que los une).
- Pintura rupestre de cometa en la cueva-altar de Musubi
- Taki ingresando a la línea de vida de Mitsuha
HILO ROJO Y COMETA: NUEVAS REVELACIONES
Taki ha vuelvo a ser Mitsuha justo la misma mañana en que ocurrirá el incidente del cometa Tiamat. La abuela sospecha que él no es su nieta. Lo invita a tomar té y le hace una confesión/revelación importante para la trama: “Cuando era pequeña, también tenía sueños muy extraños. […] los sueños eventualmente desaparecen […] yo pase por situaciones similares, al igual que tu madre”.
A partir de lo anterior se establece una doble conexión entre una memoria individual y una memoria colectiva enraizadas en Mitsuha (a la que ahora tiene acceso Taki ya que está dentro de ella).
La memoria individual es la que corresponde al hilo rojo del destino. En ese contexto, todos los miembros de la familia Miyamizu han tenido el privilegio (dado quizá por el kami Musubi) de poder no solo conocer a su otra mitad destinada, sino de poder intercambiar cuerpos con ellos a través del sueño. Lo que explica, a su vez, porqué Mitsuha (aun si es un fantasma) puede intercambiar su línea de vida cronológica con Taki.
La memoria colectiva es la que corresponde a la heredada a la familia Miyamizu como guardiana/protectora del culto sintoísta. Desde tiempos ancestrales los “brujos” o “chamanes” del antiguos Japón han precedido y visto suceder terribles desgracias. Es posible que alguno de los ancestros más arcaicos de Mitsuha haya vislumbrado el paso del cometa Tiamat hace 1200 años (y la amenaza de que este incidente se repita denuevo, como parte de un ciclo vital), dejando constancia de ello en la cueva (como un registro de memoria “documental”). Asimismo, dicha predicción habría sido transmitida de generación en generación entre los descendientes Miyamizu, hasta llegar finalmente a la protagonista junto con la llegada de su otra mitad destinada. De hecho, es a esta predicción catastrófica a la que llega Taki luego de escuchar a la anciana: “¿Qué pasa si todos los sueños que han tenido los Miyamizu están relacionados con lo que pasara hoy?” Sin embargo, la abuela no le cree (justamente porque ha perdido la memoria sobre la predición del impacto meteorológico), y el protagonista decide ir con los amigos de Mitsuha para junto a ellos prevenir la desgracia.
Fotografías de los ancestros Miyamizu
EL ORIGEN DE ITOMORI
Como se sostiene en la entrada titulada Cometa Tiamat, del blog de Amino, red social favorita de los fanáticos del anime y manga (en su versión en español):
“La principal formación del lago Itomori, fue el resultado de un fragmento del cometa Tiamat que se estrelló en la ciudad 1200 años antes de los eventos de la película Kimi No Na Wa […] Como se indica en la película, Tiamat posee un período orbital de 1200 años, y el cometa ha golpeado la ciudad al menos dos veces (una durante la formación del lago Itomori, otra durante la película el 4 de octubre de 2013). También está implícito, debido al tamaño y la estructura de Goshintai, un gran cráter, cuyo sitio se formó a través de otro fragmento del Tiamat que se estrelló contra el suelo”.
Lo anterior es revelado también por Teshigawara a Taki (en el cuerpo de Mitsuha), gracias a lo cual el protagonista confirma su teoría de que el impacto de hace 1200 años está por repetirse, y ahora deben evitarlo, pues de ello depende la vida del pueblo de Itomori.
Vista panorámica del lago Itomori que da origen a la ciudad rural homónima
(RE) ENCUENTRO MÁGICO
Taki y Mitsuha cruzan sus caminos en el Goshintai, pero no pueden verse ni entrar en contacto, hasta que llega la hora mágica, ya que, como se mencionó anteriormente, esta permite el contacto entre lo humano y lo no humano.
El académico japonés Shinjiro Kitasawa, quien —citando a Hirata, un importante personaje en el sinto— sostiene que “los espíritus de los muertos continúan existiendo en el mundo invisible, que está en todos lados, alrededor nuestro; y luego estos se convierten en dioses de distintas personalidades y niveles de influencia…continuando en brindar servicio a las personas”. A partir de lo anterior, es posible pensar que Mitsuha pudo haberse convertido en un kami (es decir, un espíritu cercano a la divinidad y de origen humano) que estaría encargado de proteger el santuario de Musubi, a fin de no perder lo que queda de su culto. Por consiguiente, y dado que su existencia está anclada al mundo invisible (kakuriyo), Taki solo es capaz de verla cuando la frontera entre el mundo humano y el mundo de los kamis se rompe con la hora mágica. Asimismo, esto explicaría porqué si bien Mitsuha pudo intercambiar cuerpo con Taki gracias al Kuchikamisake, una vez pasado el tiempo de intercambio no tendría un cuerpo propio «vivo» al que volver, razón por la que seguiría siendo un espíritu a menos que esa misma noche cambie el destino de Itomori.
Taki le devuelve a Mitsuha el lazo rojo que le dio tres años atrás, y le propone escribir sus nombres mutuamente en la mano del otro para no olvidarlos. No obstante, cuando la muchacha esta por escribir el suyo desaparece, pues ha desaparecido también la hora mágica. Triste pero decidido, Taki le promete: “Solo quería decirte que donde sea que estés en el mundo, te voy a volver a encontrar, pase lo que pase”. No obstante, pocos segundos después empieza a olvidar el nombre de su amada, ante lo cual termina con la desesperada pregunta ¿Cuál es tu nombre?, momento en el que empieza, a su vez, a resonar la lírica del opening número tres: «Sparkle», de Radwimps.
Taki y Mitsuha se (re)encuentran en la hora mágica (Kataware doki)
El INEVITABLE IMPACTO DEL COMETA
Mitsuha ha vuelto (a su cuerpo) tres años atrás en Itomori, pero poco a poco va olvidando a Taki. No obstante, la caída que tuvo mientras corría por la carretera le permite ver su mano, donde el joven escribió “te amo”, frase que es inútil para que Mitsuha recuerde su nombre, pero que le ayuda a mantener el recuerdo de un amor perenne que la motive a buscarlo (pues muchas veces un nombre propio no queda en la memoria, a diferencia de un sentimiento con mucho significado simbólico como el amor). No obstante, parece que a pesar de sus esfuerzos la protagonista no pudo evitar el impacto del cometa.
- Escena (montaje) donde recordamos como Mitsuha y Taki ven el paso del cometa Tiamat
  Fuente: Anime Couple (youtube)
¿FIN DEL AMOR? ¿QUÉ PASÓ CON ITOMORI?
…un cometa destruyó un pueblo en ese desastre, pero milagrosamente la mayoría de los que vivían ahí salieron ilesos. El pueblo estaba teniendo un simulacro ese día, y la mayoría de la gente estuvo fuera de la zona del impacto. No hubo muertos…
A partir de la cita anterior, extraída de un monólogo que hace un Taki adulto, descubrimos que valió la pena que el protagonista volviera a conectarse con Mitsuha, puesto que, si bien con ello no pudo evitar que el cometa Tiamat vuelva a destruir Itomori, los pobladores de dicha localidad lograron salir sanos y salvos del terrible incidente (lo que incluye, por supuesto, a la protagonista).
En este punto de la trama empieza a sonar «Nandemonaiya», de RADWIMPS (canción que será reutilizada como ending de la película), como acompañamiento musical de las escenas que aluden al transcurrir de las estaciones en la ciudad de Tokio: desde la primavera, representada por las flores de Cerezo (o Sakuras), hasta el invierno, representado por los copos de nieve (o Yuki) que caen sobre los grandes edificios de la urbe capitalina. En ese contexto, vemos a un taki de 22 años que acude a diversas entrevistas de trabajo, a la par que lo acompaña un mismo sentimiento de vacío existencial similar al que lo aqueja al inicio de la película, pero esta vez relacionado al recuerdo de Itomori: “el paisaje de un pueblo que ya no existe, ¿por qué siento una opresión en el pecho solo de verlo?”
- Pétalos de flores de Cerezo (Sakuras): símbolo de la primavera
- Copos de nieve (Yuki): símbolo del invierno
Fotogramas sobre el paso de las estaciones del año en la ciudad de Tokio
Finalmente, aparece la escena más conmovedora y suscitante del clímax final de esta historia: Taki y Mitsuha reconocen sus rostros a través de las ventanas de sus respectivos trenes, pero no pueden evitar ser separados por la velocidad de los vehículos que van en direcciones opuestas. Apenas llegan a sus destinos, aceleran en mutua búsqueda y se encuentran en una escalera con barandillas rojas (curioso color que nos recuerda al hilo rojo del destino) que (en el Tokio real) desembocan en el santuario de Suga. Ambos son tímidos y parece que seguirán de largo. No obstante, Taki inicia el diálogo, y al unísono ambos hacen la pregunta que da origen a la trama de la película: «¿PUEDO SABER TU NOMBRE?«
Taki y Mitsuha finalmente se (re)encuentran en la escalera del santuario Suga
CONCLUSIÓN
Como buena película sobre amor, destino y memoria, Kimi no Na wa contempla una narrativa verbal, visual y sonora que se articula bellamente en un universo místico, único y original. En ese sentido, si bien algunas escenas cronológicas quedaron inconclusas o inexplicadas, resolverlas no sería lo más importante, dado que quizás el mismo director (Makoto Shinkai) pudo haber dejado esos vacíos a propósito para acentuar la metáfora de los hilos de tiempo que se pierden y articulan contínuamente, hilos que además nosotros como lectores podríamos completar mentalmente a partir de las sugerencias místicas que nos ha dejado esta peculiar e inolvidable trama.
Imagen icónica y favorita de los fans de Kimi no Na wa
ANÁLISIS EXTRA
TRES GRANDES DESASTRES EN LA HISTORIA DE JAPÓN
En la película se narran algunos desastres naturales o artificiales que a su vez hacen referencia a eventos trágicos reales en la historia de Japón. Uno de estos es, por ejemplo, el Gran incendio de Mayugoro, el cual sería una alusión ficticia al Gran incendio de Meireki, que destruyó entre el 60 y el 70 % de la capital japonesa de Edo (hoy Tokio) el 2 de marzo de 1657. Por otro lado, los meteoritos (derivados del cometa Tiamat) que caen sobre el pueblo de Itomori representarían la caída de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki durante la segunda guerra mundial. Asimismo, podrían representar el terremoto y Tsunami que sufrió el país nipón en el 2011, dada la cercanía cronológica con el estreno de la película (en 2016), el tipo de impacto (movieron la zona terrestre y acuática) y el uso de un pronóstico meteorológico con el cual los desastres naturales reales aludidos pueden ser captados y, en teoría, evitados o reducidos en su impacto.
- El Gran incendio de Meireki (1657)
- Bombas atómicas en Japón (1945)
- Terremoto y Tsunami en Japón (2011)
KIMI NO NA WA Y LA MEMORIA EN LA PERCEPCIÓN JAPONESA
En una entrevista publicada en el diario Los Angeles Times en 1991, el famoso director tokiota Akira Kurosawa le comenta al escritor colombiano García Márquez que los japoneses de la posguerra han olvidado o no están interesados en hablar directamente de eventos traumáticos de su historia nacional como, por ejemplo, la caída de las bombas atómicas durante la segunda guerra mundial. Como resultado, existe una larga cronología animada en el país del sol naciente (especialmente la referida a la ciencia-ficción) cuya base es el tópico de la constante amenaza de un “tercer impacto” que destruye el mundo (empezando, en muchos casos, por la destrucción de Japón). En ese contexto, Kimi no Na wa es una película propicia para que la sociedad nipona contemporánea se anime a reencontrarse y reconciliarse con los hilos de su propia memoria histórica y colectiva, a través de una conmovedora y admirable historia de amor que, no obstante, está vinculada a su propia herencia mística oriunda, así como a todas las fracturas sufridas por diversas tragedias naturales o artificiales que no han podido acabar con su espíritu de lucha por seguir viviendo unidos en ese interface aún conflictuado entre la tradición y la modernidad; unidos, por qué no, más allá de los límites del tiempo y el espacio.
Barrio de Shibuya en Tokio, Japón
Fuente: Taiken Japan
NOTAS
- Mitsuha (三葉) significa ‘tres hojas’. El nombre de la abuela de la protagonista significa ‘una hoja’; la madre, ‘dos hojas’; y la hermana menor, ‘cuatro hojas’. El apellido Miyamizu (宮水) significa ‘agua del santuario’.
- Si quieren revisar con lujo de detalle todos los escenarios urbanos y naturales aludidos en la película, visiten la página de Japonismo que dejaré en las fuentes bibliográficas.
- Las 4 canciones u openings/endings de Kimi no Na wa cuentan la historia en un lenguaje musical muy bien vinculado/unido a la trama audiovisual. Para revisar un análisis muy bueno al respecto, acceder al siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=WYkT_5jT0yU&t=179s
¿TE GUSTÓ ESTE ARTÍCULO? PUEDES CONSULTAR LAS FUENTES AQUÍ:
AMINO
Cometa Tiamat. Consulta: 11 de junio de 2020
https://aminoapps.com/c/anime-es/page/item/cometa tiamat/G5qf_VILD8DJDz271xxwwdPkvQzMBDguB
Bower
2017 Kimi No Nawa | Análisis y Explicación | Your Name Película explicada. Consulta: 7 de
junio de 2020.
https://www.youtube.com/watch?v=QQ9ymN4fjSM
Campos Runcie, María-José Carmen. «El símbolo en la animación: el árbol en las películas de Hayao Miyazaki (Tesis de licenciatura).» Recuperada de http://tesis. pucp. edu. pe/repositorio/handle/123456789/8525 (2017).
DESINFORMEMONOS
La entrevista de Gabriel García Márquez a Akira Kurosawa. Consulta: 11 de junio de 2020.
https://desinformemonos.org/la-entrevista-de-gabriel-garcia-marquez-a-akira-kurosawa/
JAPONISMO
Kimi no Na wa o Your Name, análisis, significado y localizaciones de la película. Consulta: 11 de Junio de 2020.
https://japonismo.com/blog/kimi-no-na-wa-your-name-significado-anime
MUHIMU
La leyenda del hilo rojo. Consulta: 11 de junio de 2020.
https://muhimu.es/inspiracional/la-leyenda-del-hilo-rojo/
PINTO, Iván Entrevista a Iván Pinto, por Maria José Campos
2013 [audiograbación]. Lima. 30 de setiembre de 2013.
14 junio, 2020
Chihayafuru: poesía, deporte… ¿habrá una cuarta temporada?
“Cuando Chihaya Ayase cursaba el sexto grado de primaria, su máximo sueño era ver a su hermana convertida en una modelo reconocida. No obstante, este sueño se transforma cuando conoce a Arata Wataya, un compañero de clase transferido de Fukui, quien le muestra un juego de cartas tradicional japonés llamado Karuta. Chihaya rápidamente se contagiará de su pasión por este juego y decide que nuevo sueño será convertirse en la mejor jugadora de karuta de Japón”.
Fuente: Wikipedia
https://www.youtube.com/watch?v=rxebYxY9NXE
Opening 1 de Chihayafuru (el favorito de la redactora XD)
🌸🖌 Esta es la trama que caracteriza a Chihayafuru, un manga que fue llevado al anime gracias al estudio Madhouse, bajo la dirección de Mori Osaka, cuya emisión fue realizada durante tres temporadas correspondientes a los años [2011], [2013] y [2019-2020].
✔️ Durante el año 2016, bajo la dirección de Norihiro Koizumi, se estrenó en Japón una película, de imagen real, basada en dicho manga, la cual fue titulada Chihayafuru: Kami no ku. El 20 de abril del mismo año fue estrenada una segunda parte de la película, titulada Chihafuru: Shimo no ku. Dos años después, se estrenó la tercera parte del live action, bajo el nombre de Chihayafuru: Musubi.
El 2018 fue estrenada una serie de drama japonés llamada Chihayafuru. Tsunagu, la cual se encargó de conectar los acontecimientos ocurridos en la segunda película con los acaecidos en la tercera. Cuenta con un total de 5 episodios y fue transmitida por la cadena de streaming Hulu.
Se han producido una infinidad de narrativas alternas sobre Chihayafuru: novelas ligeras, nuevos mangas, series, etc. sobre esta obra. No obstante, en esta nota les mostramos las más resaltantes para que inicies tu propia exploración de este universo de cartas poéticas hecha deporte. ¿Qué esperas? ¿te animas a conocerlo?
CHIHAYAFURU (Imagen promocional del anime)
*DATO CURIOSO*:
- Entre los variados juegos de cartas que existen en japón, el que protagoniza la serie es el Uta-karuta, el cual está basado en una antología de poemas llamada Hyakunin Isshu («Cien personas, un poema»), en la que hay cien autores, y cada uno de ellos tiene recogido un poema waka (término que refiere a un poema japonés en un sentido tradicional). También es llamado habitulamente karuta, ya que es más corto.
- Acerca de si habrá una temporada 4: «todo depende de qué tanto falte por adaptar del manga de Yuki Suetsugu. Pero es seguro que nuevamente Madhouse se haga cargo de su adaptación. Sería muy raro que a estas alturas el comité del anime decidiera cambiar de estudio. De modo que solo resta esperar y ver qué sucede de aquí en adelante» (fuente: Universo Nintendo).
P.D: Si te animaste a aprender a jugar karuta, te recomendamos este vido tutorial en español:
https://www.youtube.com/watch?v=ZpWD-dOym8k
Tutorial para aprender karuta (español latino)
5 junio, 2020
La vida nunca será la misma…con Nichijou XD
Se han escrito diversas reseñas de blog interesantes sobre Nichijou que la describen como una serie de aspecto simplón y cliché pero que, al final, resulta sumamente cómica y original. En ese contexto, el presente artículo (si bien quisiera esbozar todas las perspectivas de análisis posibles sobre esta obra de arte) centrará su lectura (o “aproximación”, para decirlo en términos literarios) en el aspecto paródico que permite entender a esta serie como una representación “alternativa” de la vida cotidiana y contemporánea japonesa (y, en un sentido proyectado, de la vida de cualquier mortal de nuestros tiempos).

Opening 2 de Nichijou (escogido porque parece el más loco de la serie XD)
Nota: Existe un episodio adicional llamado «Episodio 0»
La primera mitad de Nichijou se centra en dos historias. Una de ellas nos cuenta la vida de tres amigas llamadas Yūko Aioi, Mio Naganohara y Mai Minakami, respectivamente. Estas asisten al mismo instituto escolar, donde vivirán situaciones con las cuales podemos identificarnos cotidianamente, pero que acaban derivando en eventos super cómicos que harán que empezar una tarea o terminar un juego de cartas se conviertan en situaciones de vida o muerte para nuestras protagonistas. Aparte de las tres niñas también nos cuentan las experiencias de sus compañeros(as) de clase: una chica tsundere (es decir, una chica reservada e incluso violenta cuanto es vinculada a temas amorosos, pero que con el paso tiempo va mostrando su lado «tierno» a su amado) que además maneja armas de guerra, un estudiante “aristócrata” del campo que anda sobre una cabra, un chico rico que va a la escuela en helicóptero cuando se le antoja, etc.
Izquierda a derecha: Mai, Yūko y Mio
La segunda historia nos cuenta las vivencias de la profesora Hakase Shinomone, una niña científica (al parecer, de ocho años de edad) que vive con su creación robótica, a la que llamó Nano, y un gato callejero que «adoptaron» y pusieron de nombre Sakamoto, quien ahora puede hablar gracias a un lazo-pañuelo que la niña inventó para él. Por su parte, la robot se muestra como una “chica joven” que quiere ser colegiala, o simplemente poder parecerse a una, pero su creadora nunca se lo permite. No obstante, tras llegar a la mitad de la serie, las dos historias se fusionan, ya que Nano por fin recibe el permiso de su creadora para asistir al mismo instituto escolar que Yūko y sus amigas.
Izquierda a derecha: Nano y Hakase Shinomone.
Nota: Al centro bajo (y aparentemente aplastado) está Sakamoto
ENTRE LA SÁTIRA Y LA PARODIA
Según el crítico literario francés Gerard Genette, la parodia y la sátira buscan producir un efecto cómico, pero señala una diferencia clasificatoria entre ambas. La parodia, sostiene, sería la imitación burlesca que hace un texto respecto de otro, donde la risa surge de una constante confrontación entre ambos textos, el parodiado y el parodiante. No obstante, esta imitación desvía el sentido original del texto con el fin de entretener al público. La sátira, por su parte, produce humor a partir de la crítica a personas, vicios o costumbres. Su característica es que no señala directamente como negativo aquello que critica: dice la verdad, pero como si fuera una broma.
Asimismo, el teórico señala que tanto la parodia como la sátira se valen de la ironía para lograr sus fines:
La ironía es un mecanismo presente tanto en la parodia como en la imitación satírica y requiere de la capacidad del lector para entender lo que se dice y sustituir el sentido […] implica un juego comunicativo que consiste en decir, en alguna forma o con alguna entonación que no deja lugar a dudas sobre el verdadero sentido, lo contrario de una cosa”.
El uso de la ironía en Nichijou está presente tanto en el plano verbal como visual de la serie. En ese contexto, analizaremos la parodia de los géneros y personajes anime, así como la sátira que, a partir de estos, podemos inferir sobre ciertos aspectos de la sociedad japonesa contemporánea. No obstante, antes de seguir desarrollando estas propuestas teóricas, se explicarán los conceptos de carnaval y la carnavalización, vinculados tanto a la sátira como a la parodia, y cómo funcionan en el anime.

Escena donde una colegiala le dice de forma irónica a otra que si revela quién es el chico que le gusta le dara un millón de yenes (evento que sorprendentemente sucede)
CARNAVAL y CARNAVALIZACIÓN
Como sostiene el crítico literario ruso Mijaíl Bajtín en su libro La cultura popular en la Edad Media y en el Renacimiento (Barral Editores, 1974), la cultura popular habría generado una lengua propia que refiere una parodia de la vida ordinaria, una cosmovisión que reúne la risa del pueblo […] en el carnaval. Una paráfrasis de dicha conceptualización es la que se propone en el artículo web «Definición: Carnavalización de acuerdo con Bajtin»:
Un carnaval es un espectáculo ritual donde participa un gran número de gente. No hay escenarios, ni actores, ni límites. Cada quien juega el papel que quiere representar y vive el famoso carpe diem de Horacio. El carnaval, en suma, es la fiesta que da paso a la exaltación de los impulsos y libera al cuerpo del alma.
Escritor Invitado (Revista Palabrerías)
Estas fiestas colocan el mundo al revés, con lo cual los personajes marginados y en posición subalterna toman por primera vez un rol protagónico. Si aplicamos esta noción de carnaval a Nichijou, constatamos que, efectivamente, los personajes que suelen ser secundarios en otros géneros de anime asumen (gracias al mangaka y a los animadores audiovisuales) el papel de protagonistas de esta comedia (las chicas kudere, dandere, etc.).
Sobre el concepto de carnavalización del crítico literario soviético, el artículo en mención sostiene:
Para Bajtin,el principal indicio de la carnavalización en la literatura es que exista un mundo al revés. Es decir, que la literatura adopte fenómenos del carnaval. El sexo, la bebida, el desinterés y la irresponsabilidad, son temas clave de la literatura carnavalesca […] Lo considerado sagrado socialmente es destruido, burlado o modificado en este tipo de literatura. Los temas cotidianos son aceptados en la carnavalización siempre y cuando se aborden con ojo crítico, desde una perspectiva diferente que haga de lo común algo innovador.
Si aplicamos la carnavalización bajtiniana al anime, constatamos que muchos personajes del folclore japonés y la religión cristiana que son respetados o temidos por los humanos, son desacralizados para convertirse en personajes ridículos y lamentables, que además coexisten de forma ilógica en un mismo espacio, digamos, «realista», o «verosímil» al mundo humano cotidiano. Es por esto que en la serie es común ver seres sobrenaturales japoneses y judeocristianos haciendo actividades muy humanas y corrientes (desayunando tostadas, tomando lecciones de lenguaje nipón, etc.). Un ejemplo de esto es ver a un Tengu (un yokai, es decir, un ser sobrenatural del folclore japonés) sin dinero que tiene que robar la guadaña de un Shinigami («deidad de la muerte») para pagar la renta a su casera y no morir de hambre, etc.
- Ilustración de Carnaval en la Edad Media
  Fuente: Bibloranca
- Ángel (católico) tomando desayuno
- Demonio (japonés) aprendiendo a pronunciar «correctamente» palabras niponas
Tengu «misio» intentado robar la guadaña de un torpe y asustadizo Shinigami
PARODIA DE GÉNEROS ANIME
Es común que los animes de comedia elaboren parodias de otras series. En ese contexto, Nichijou realiza parodias de varios géneros animados que no tienen como objetivo primario causar comicidad. Un ejemplo de esto es el caso de la famosa escena (capítulo 22 de la serie) donde Yūko y Mio se acercan a los perros de Mai (a los que la profesora Shinomone teme) y estos les muerden, luego de lo cual lanzan extraordinarios gritos que emanan un gran poder que llega al espacio cósmico, y que nos recuerdan a las escenas típicas de un Shounen (historias para chicos jóvenes) de acción o aventura, en tanto que este tipo de expresiones es propia de sus personajes protagonistas, como Gokú, por ejemplo (una imitación épica de sus gritos bélicos que por cierto nos mata de risa).

Escena donde Yūko y Mio son mordidas por los perros de Mai
PARODIA DE PERSONAJES ANIME
Yūko /Mai/ Mio
Yūko encarna al bufón de la comedia (el personaje idiota y chistoso del grupo) y a la Genki girl, un personaje femenino de anime muy hiperactivo y bueno en deportes. No obstante, con el tiempo vemos como este personaje se va volviendo más complejo, pero sin por ello perder su toque cómico. Esto sucede por ejemplo cuando en ciertos capítulos llega a tener reflexiones existenciales (simplonas pero “místicas”) que, a su manera, la llevan a tener una visión más madura de la vida escolar.
Por su parte, Mio presente inicialmente rasgos de una Deredere: una chica amable y cariñosa con todos a su alrededor. No obstante, a medida que avanza la serie va mostrando una faceta muy agresiva que la hace parecer más una Yanguire, sobretodo cuando se enoja por alguna broma tonta que le hace Yūko o cuando se ponen en evidencia sus gustos “prohibidos” por el Yaoi.
Por último, Mai parece una Dandere, ya que se muestra tranquila, silenciosa y ensimismada con sus pensamientos la mayor parte del tiempo (mostrando más sus sentimientos cuando entra en confianza). No obstante, su extraño gusto por esculpir estatuillas de Bodhisattvas (monjes que abandonaron la iluminación para guiar a otros a alcanzarla), su actitud siempre pacífica y meditativa aún en escenas super cómicas (entre Mio y Yūko especialmente) y su extraña pero también amable/compasiva forma de comprender lo que sucede a su alrededor nos lleva a pensar que puede ser también la parodia de un bodhisattva (o del mismo buda), como apreciamos en un capítulo donde Mai, en mitad de un examen de escuela, se recuesta (de forma inexpicable) en uno de los armarios de la clase en la misma posición de una estatua de buda en actitud de descanso.
- Mai descansando en la postura de Buda (en medio de un examen escolar)
  Fuente: Youtube
- Estatua de Buda en actitud de descanso
- Mai esculpiendo un bodhissatva Maitreya
- Mai con una estatuilla alusiva a la bodhisattva budista «Guan Yin», conocida como «Diosa de la misericordia»
Hakase y Nano
Hakase es, en primer lugar, la profesora-científica creadora de Nano (es decir, «su madre», aunque muchas veces se comporta paradójicamente como su pequeña «hija»). Asimismo, a simple vista parece una parodia del personaje moe, el cual se caracteriza por su ternura (cree algunas historias típicas para asustar a niños) así como por mostrar alguna debilidad (es adicta al chocolate). No obstante, esa actitud moe por momentos nos aleja de ella, ya que nos rebela la crueldad y maldad que también es propia de los niños, actitud que puede interpretarse como una sátira que desmitifica la visión inocente de la infancia. Prueba de esto es la actuación cruel que la niña tiene con Sakamoto, a quien le hecha la culpa de sus travesuras, o la creación de un nuevo robot solo para presumir su genialidad científica frente a Nano (robot que parece irse de casa, pero extrañamente vuelve al final de la serie). Asimismo, este personaje puede interpretarse como una parodia de los jóvenes adultos japoneses muy profesionales y capaces laboralmente, pero al mismo tiempo infantilizados, aspectos reflejados en la dependencia emocional y personalidad inmadura de los mismos, producto del contexto sociocultural que afectó a esta generación en su desarrollo (crisis económica del 90 y el consecuente deseo de querer escapar de esa realidad a través de mundos de fantasía proveidos, por ejemplo, el anime, el manga y los videojuegos). No obstante (y volviendo al análisis de la serie), a medida que avanza la trama, podemos constatar como la profesora Shinomone va mostrando (dentro de los parámetros creíbles para su edad) una actitud más madura, la cual se refleja en una mayor muestra de amabilidad y empatía hacia los demás gracias a su conexión con Yūko y sus compañeras, con quienes afianzará su amistad pasada la mitad de la serie.
Nano es el personaje que parodia a la madre de Hakase y ama de casa japonesa (Shufu). No obstante, su ferviente deseo de ser “una niña de verdad” la lleva a romper (parcialmente) dicho molde y acceder al mundo de las colegialas que le estaba vedado como robot, constituyéndose así en un personaje femenino «maduro» (por su rol aún preponderante como madre) y al mismo tiempo «kawaii» (en tanto ensoñador y tierno con el mundo colegial). Asimismo, también podemos verla como una parodia femenina de Astroboy (en una escena memorable donde sale volando a partir de las piernas-cohete que le pone su creadora), y de Pinocho, por su ya mencionado deseo de ser «una niña de verdad».
- Pinocho (Disney, 1940)
- Astroboy ( anime, 1963-1966)
- Nano Shinomone (anime, 2011)
NOTA: También puede considerarse una triada de personajes simbólico-familiares en la casa Shinomone: Hakase (la hija genio afectivamente dependiente), Nano (la madre esmerada e ingenua) y Sakamoto (el padre sensato y gruñon al que nadie escucha).
SÁTIRA DE LA CULTURA POPULAR JAPONESA
Lolicon y Loli
Lolita complex, más conocido por su abreviatura como «Lolicon», es un término que se usa en Japón para referirse a un sujeto que se siente atraído por las niñas o las jóvenes de aspecto infantil llamadas lolis. En el anime, el lolicon está encarnado por un profesor/tutor de Yūko que se siente atraído por su profesora de inglés, la cual, dada su apariencia y personalidad, encaja en el papel de loli. Lo paródico de la serie es que el profesor no llega a tener una relación más allá de lo cordial/amical con la profesora, ya que todos sus intentos de acercarse a ella como «hombre adulto» son frustrados de forma cómica por “el destino”. En ese sentido, lo satírico podría leerse, al menos, en dos sentidos:
1) El (profesor) lolicon admite frente a un alumno su perversión, con lo cual su gusto ya no es tan “tabú”, pero por ello mismo es más inmoral para la sociedad japonesa.
2) El que sea tan “patético” para no poder entablar una amistad, digamos, «normal» con su colega refleja la dificultad que tienen muchos (hombres) japoneses (con perversiones o gustos afines) para relacionarse con el sexo opuesto, razón por la que tienen o terminan apelando a fantasías para poder satisfacer dicho vínculo.
- Lolicon emocionado por ver foto de una loli
- Fantasía lolicon
Nota: Los cuadros de texto al interior de las imágenes pertenecen a la redactora de este artículo
Fujoshi y Yaoi
Yaoi es un término japonés utilizado para denotar la representación artística, erótica, sexual o romántica de relaciones centradas entre dos individuos de sexo masculino. Asimismo, las fanáticas de este amor son llamadas Fujoshis. El personaje que encarna a la fujoshi es Mio. La sátira radica en el exagerado y por eso mismo cómico miedo que tiene Mio de que se sepa que es una fujoshi que además es una talentosa mangaka del yaoi. Esta actitud refleja una realidad en Japón, dado que si bien las fujoshis son más visibilizadas gracias al fenómeno otaku, aún existe un estigma sobre sus gustos por parte de una sociedad con una mirada aún conservadora sobre las mujeres, razón por la cual el hecho de que se sienta atraída por prácticas eróticas y/o sexuales no heterosexuales es, digamos, «tolerable» hasta que crezca y se introduzca a la vida heterosexual (idealmente) como esposa y madre. Es por esto que la sátira animada de la fujoshi no es gratuita: como sostiene Lien Fan Shen, profesora asociada de La Universidad de Utah, el anime funciona como un espacio de resistencia donde los fans pueden experimentar placeres que son difíciles (sino imposibles) de concretar en un mundo real que está sometido a diversos poderes dominantes que impiden dichas realizaciones (como el poder dominante del régimen heterosexual). Por consiguiente, el anime, y a través de él el manga, ofrece a las fujoshis el espacio predilecto para gozar del placer (“prohibido”) por el yaoi.
Cuaderno con dibujos de manga yaoi ilustrados por Mio

Escena donde Mio intenta evitar que un policía descubra los dibujos de manga yaoi que lleva en su bolso
SÁTIRA DE LA VIDA ESCOLAR JAPONESA
La formación profesional japonesa comienza después de un relativamente relajado y divertido período de educación primaria, por lo cual es fácil imaginar cómo un estudiante de secundaria, enfrentado a la presión extrema de sus compañeros y todos los adultos que lo rodean, podría encontrar consuelo al mirar hacia atrás, hacia esos días de escuela primaria relajada y feliz”.
Como sostiene Masafumi Monden, académico de la universidad de Sydney, la vida en la secundaria es una etapa muy dura para los japoneses, ya que desde ese momento entrarán a un ciclo riguroso de estudios para ingresar, idealmente, a las mejores universidades y conseguir luego un buen trabajo. En ese contexto, la sátira permite que en el ambiente escolar de Nichijou todo pueda convertirse en algo extremedamente complejo y ridículo de ejecutar: dar un examen de inglés, hacer un dibujo que impresione a la maestra, hasta terminar un juego de fuerzas con los brazos se convierte en un asunto para morir en el intento.

Yūko intentando terminar un examen de inglés
PARODIA Y SÁTIRA DEL LENGUAJE
Actualmente el idioma japonés se ha apropiado de un variado léxico inglés, producto del cual ha surgido un nuevo lenguaje conocido como “japanglish”. No obstante, el nuevo léxico japanglish se ha popularizado tanto que, especialmente en las nuevas generaciones, ha ocasionado que el uso de las palabras niponas que serían sus equivalentes se olviden o desaparezcan. En el anime, esto se evidencia en una escena donde Yuko le propone a Mio no decir palabras en inglés para hacer su pedido en un restaurante que por el nombre (Daiku Burguer) parece la version japonesa de Burguer King, a lo que su amiga le contexta “ok”. Luego de regañarla por esto (y de seguir cayendo en usar expresiones en inglés) Yuko se da cuenta de que ya no tiene sentido seguir este tonto juego.
Yūko y Mio jugando (aburridas) a no pedir nada de comer en inglés
PARODIA Y SLICE OF LIFE
Japón es sumamente rico y complejo en lo que se refiere a su construcción como país moderno, dada la enorme influencia histórica recibida de la China milenaria y, desde el siglo XIX, de Occidente (especialmente de países europeos). En ese contexto, es ingenuo pensar que el anime y el manga son meros productos capitalistas que no evidencian rastros de la literatura, el arte y otros aspectos históricos y culturales del país del sol naciente. De hecho, es gracias a estas ficciones artísticas que somos testigos de los vínculos intercomunicativos entre la tradición y modernidad vigentes en el Japón contemporáneo.
El japonólogo español Carlos Rubio entiende este vínculo entre tradición y modernidad en términos de flujo y reflujo: tomar la cultura y ‘regurgitarla’, construyendo algo diferente».
Está es la razón por la cual, en lugar de encontrar una mera imitación de aspectos culturales foráneos en japón, evidenciamos un proceso de apropiación cultural que termina siendo mesclado con aspectos de la propia cultura nipona que dan como resultado un producto nuevo, digamos, un producto “japonizado”.
Escena de Nichijou alusiva al género Slice of life
A continuación, veremos a través de la parodia del género Slice of life (o «recuentos de la vida») cómo se expresa este vínculo intercomunicativo en tres ejes comparativos: Tradición versus Modernidad, Ciencia versus Religión y Realidad versus Sentido de la vida.
ESTÉTICA TRADICIONAL VS MODERNA
Muchas de las casas que aparecen en la serie mantienen un estilo que recuerda a las viviendas que eran comunes en el periodo «premoderno» de Japón, como el Edo (último estadio de dicho periodo). Entre ellas, resalta la fachada de la casa (y al mismo tiempo laboratorio científico) de la profesora Shinomone. En su interior, se aprecia un piso de tatami y puertas corredizas típicas de este estilo. Así tambien, un elemento decorativo tradicional destacado es el muñeco daruma, una figura votiva sin brazos ni piernas que representa a Bodhidharma, el primer patriarca y fundador del Zen. Asimismo, otro elemento o “artefacto” peculiar es Nano, la mencionada robot, quien, juntos a otros inventos de la profesora Shinomone, representa la ciencia y tecnología de avanzada producida en el Japón contemporáneo.
- Imagen 1. Fachada de la casa/laboratorio Shinomone
- Imagen 2. Interior de la casa Shinomone
Imagen 2: Nótese que el muñeco Daruma (objeto de tradición mística japonesa) tiene una función decorativa para con la refrigeradora (objeto producido por la tecnología y ciencia contemporánea)
CIENCIA/TECNOLOGÍA VS RELIGIÓN/MISTICISMO
En la serie aparece un chico con estilo de peinado «mohicano» (por cuya apariencia lo tildan de colegial-delincuente) que quiere ser científico para acabar con las absurdas creencias paranormales del folclore y misticismo japonés. A partir de sus desafortunados y cómicos encuentros con una falsa anciana clarividente y el monje dirigente de un templo, constatamos que sigue firme en su objetivo. No obstante, a medida que avanza la serie constatamos que si bien el misticismo tradicional puede ser “inútil” para la sabiduría contemporánea basada en la lógica racional, su existencia es necesaria para fines individuales (generar dinero para que la anciana adivina tenga algún ingreso) y colectivos (servir como un espacio de fe para los monjes y los ciudadanos, como vemos en una escena donde Yuko y sus amigas se refugian en un templo para protegerse de una repentina la lluvia, y ella aprovecha para hacer un pedido de buena suerte).
- Chico del mohicano que quiere ser científico
- Falsa adivina
- Yūko y sus amigas refugiadas en un templo
REALIDAD VS SENTIDO DE LA VIDA
Otro aspecto paródico interesante en Nichijou es el que está relacionado con diversas reflexiones sobre «el sentido de la vida», las cuales se presentan, a modo de proverbios, sobretodo en las secciones del relato denominadas “pensamientos cortos”. En una de estas, vemos como Mio está paseando en la calle con sus perros, quienes parecen sentir algo y voltean para ver a su dueña, como queriendo comunicarle ese deseo de buscar “ese algo” que han sentido. La escena termina con una frase que aparece en el aire, y que dice “una búsqueda arrojara todo tipo de resultados”, lo cual nos causa extrañeza y gracia porque al final las mascotas no han atinado a nada (ni siquiera sabemos si su dueña entendió lo que le están intentado comunicar). Por otro lado, también podemos interpretar este segmento como una referencia paródica al iroha-garuta: un juego de cartas basado en populares proverbios japoneses que van acompañados de sus respectivas ilustraciones.
- Proverbio de la sección titulada Pensamientos Cortos: “una búsqueda arrojará todo tipo de resultados”
- Juego de cartas contemporáneas japonesas (iroha-garuta) con un proverbio que dice: «Un perro que camina encontrará un palo«.
PARODIA Y GÉNERO PROGRESIVO
Nichijou puede entenderse como una serie experimental a partir del análisis de su estructura narrativa, la cual está dividida en pequeños subcapítulos (o arcos) que cuentan historias alternas de los personajes de la serie (o de sujetos «x» que aparecen con alguna historia igual de rara e hilarante). Otro aspecto interesante es como a la mitad de la serie la cronología narrativa empieza a alterarse a tal extremo que, en uno de los capítulos, un corto que quedó pendiente se muestra al final del ending, o incluso da pase a un pequeño sketch donde un objeto particular presentado en el capítulo aprovecha el momento para hacer un curioso y crítico monólogo. Entre estas historias destacan los ya mencionados “pensamientos cortos”; “Helvetica Estándar”, un conjunto de relatos externos donde seres mitológicos o personajes del Japón contemporáneo comparten sucesos ridículamente divertidos; o “Como amor”, una sección con historias de amor típicas y otras bastante peculiares entre personajes de diversas edades, géneros y hasta especies (como la historia de amor fraterno entre una mujer y su gato).
Presentación de algunos de los cortos (o pequeños «arcos») destacados en Nichijou: 1) Helvetica Standard, 2) Como amor, 3) Pensamientos Cortos
Sobre el uso de los planos audiovisuales en esta animación, podemos evidenciar como se van empleando de forma dinámica y creativa a medida que avanza la serie. Un ejemplo de esto es la escena donde un plano Picado que nos permite visualizar a dos colegialas (desde un poco más arriba a la altura de los ojos) se transforma en un plano Cenital que nos permite 1) visualizar el centro de la cabeza de las niñas y 2) visualizar (a modo de plano arquitécnico) el pabellón escolar. Todo esto para luego pasar a la visualización de otro plano donde se encuentran otros personajes estudiantiles. En suma, un forma de utilizar un recurso audiovisual que no es usual en el anime «convencional».
- Plano Picado
- Plano Cenital 1
- Plano Cenital 2
El estilo gráfico de los personajes es bastante variado entre los diversos cortos y relatos centrales de la serie donde; no obstante, la paleta de colores en tonos pastel predomina y se reinventa con éxito. Respecto a los recursos convencionales del anime de comedia, es peculiar el empleo que hace Nichijou de signos onomatopéyicos que eran comunes en series de los años 60 y 80 (como Osomatsu-san).
Escenas donde Mio persigue a Yūko por los pasadisos de la escuela. Nótese como el estilo gráfico varía equilibradamente al ritmo del movimiento y emocionalidad del personaje
Escena que exagera radicalmente la expresión onomatopéyica típica (de asombro y/o resignación por algo) de las comedias de anime clásicos
Por último, debe reconocerse el estratégico uso de los múltiples y variados endings, especialmente los elegidos a partir del ending 4, para transmitir en el espectador diversas emociones y sentimientos sobre una misma escena en movimiento: la vista panorámica y dinámica de la ciudad (japonesa) donde conviven Yūko, Mio, Mai y la profesora Shinomone junto a Nano.
Ending 4 de Nichijou. Fuente: Youtube. (Acceso vía link:)
https://www.youtube.com/watch?v=TM8_bjytll8
CONCLUSIÓN
No podemos terminar este artículo sin reiterar el peculiar y estratégico uso de la parodia que nos permite comprender a Nichijou no solo como una comedia animada ambientada en la vida escolar, sino también como un slice of life que satiriza diversos fenómenos sociales que coexisten y se intercomunican de forma compleja en el Japón contemporáneo. Una sátira que no tendría a su vez la misma potencia si no se valiera de las diversas estrategias audiovisuales que convierten a esta serie en una obra de arte crítica y original.
¿Cómo comunicarte con los creadores (animadores) de Nichijou?:
Página oficial del estudio Kyoto Animation:
http://www.kyotoanimation.co.jp/en/
Redes sociales:
https://twitter.com/kyoani
Canal de youtube:
https://www.youtube.com/user/KyoaniChannel
¿Te gustó este artículo? Puedes consultar las fuentes aquí:
Textos teóricos:
Bajtín, Mijaíl Mijáilovich, Julio Forcat, and César Conroy. La cultura popular en la Edad Media y en el Renacimiento. España: Barral Editores, 1974.
Genette, Gérard, and Celia Fernández Prieto. Palimpsestos. Madrid: Taurus, 1989.
Shen, Lien Fan. «Anime pleasures as a playground of sexuality, power, and resistance». MiT5, Media in Transition: Creativity, Ownership, and Collaboration in the digital Age: International Conference . 2007
Redacciones nativo-digitales:
https://revpalabrerias.com/2018/04/04/definicion-carnavalizacion-de-acuerdo-a-bajtin/
http://otakunomi.blogspot.com/2013/04/resena-anime-nichijou.html
http://ciudaddeinsomnio.blogspot.com/2015/09/resena-nichijou.html
https://pulsoslp.com.mx/opinion/carnavalizacion-el-mundo-al-reves/900234
http://elblogdemara5.blogspot.com/2008/07/la-parodia-y-la-stira-concepto-de.html
http://cosasdeteorialiteraria.blogspot.com/2012/09/bajtin-y-la-cultura-popular-de-la-edad.html
17 mayo, 2020
Banda peruana otaku
🎮🍚 La cultura popular japonesa ha influido notablemente en la creación de nuevas corrientes artísticas alternativas. Este es el caso de Kimochi 🍥 🎧
Omar Hernando, Anthony Curu, César Tapia, Iván Castro y Pedro Hoyos, miembros de Kimochi.
Fuente: Kimochi. Página Oficial de Facebook
✔️ Kimochi es una joven banda limeña independiente formada en el año 2016, la cual se ha vuelto muy popular entre los fans de la cultura kawaii y popular japonesa gracias a las redes sociales y plataformas digitales donde empezaron a difundir sus primeros singles.
Si bien el grupo empezó con un estilo post hardcore, a medida que fueron explorando nuevas estéticas fueron encontrando su sonido en el shoegazing, nu gaze y el j-rock.
Su repertorio musical está inspirado en conceptos japoneses que fusionan con los sentimientos de tristeza y melancolía propios de las relaciones amorosas fallidas. Sumado a ello, es notoria la influencia del anime y el manga en el diseño visual de sus singles y discos. Prueba de esto son los videoclips de “Shine” o “Umi/Sora”, donde aparecen imágenes de animes como Sailor Moon y Evangelion.

Han lanzado canciones como “Vapor Tea”, “Noodles”, entre otras, siendo una de las más destacadas y pedidas la ya mencionada “Shine”. Su último proyecto discográfico fue con el sello Coalición Records, con quien lanzaron un compilatorio musical el 2019, año en que también tuvieron dos pequeñas pero exitosas giras en Trujillo y Cajamarca.
*DATO CURIOSO* :
Si te animaste a escuchar a esta banda emergente que promete, te recomedamos seguirla en Spotify como “Kimochi” y buscar en youtube su más reciente Live Session de la canción «Primavera», a cargo de Origami Producciones:

8 mayo, 2020
Chicas mágicas y el poder del amor
Advertencia: En este artículo se analizarán diversas representaciones animadas de «chicas mágicas» del periodo de posguerra (2 de septiembre de 1945 – actualidad).
Qué fanático del anime y manga no conoce o ha oído hablar de Serena Tsukino, Sakura Kinomoto, y por supuesto, de la infaltable y genial Madoka Kaname. Todas ellas son chicas mágicas muy queridas tanto por el fandom femenino como masculino (e incluso se dice que serían, desde hace ya un tiempo, los íconos de la comunidad otaku LGTBQ+). No obstante, si bien se han realizado ciertos estudios académicos sobre la chica mágica (tanto en lengua hispana como anglosajona), fuera de estas instancias pocos conocen el origen, evolución y estado actual de este popular personaje shōjo. Es por esto que, a través de este breve e ilustrativo artículo, intentaremos aproximarnos a dichas fuentes de conocimiento y mágicas rebelaciones.

¿Mahō Shōjo?
Chica mágica (o mahō shōjo en japonés) es un término que refiere a un subgénero de fantasía del anime y manga shōjo que tiene como protagonistas a niñas o adolescentes que son poseedoras de algún objeto mágico o poder especial con el que han de salvar a la humanidad de alguna amenaza latente.
Sailor Moon (1992), una de las series de chica mágica más icónicas del Japón contemporáneo
Chica mágica de los años 60
Entre las influencias extranjeras que inspiraron la construcción de las chicas mágicas de los años 60 figura Hechizada: comedia de situación estadounidense, transmitida entre 1964 y 1972, que incorporó el concepto de la magia como poder femenino al que la protagonista debía renunciar después del matrimonio. Durante esta década aparecerán diversas series niponas que tendrán como protagonista una chica mágica. No obstante, Kumiko Saito, investigadora en cultura popular japonesa de la universidad de Pensilvania, sostiene que, a diferencia del caso americano, en Japón se optó más bien por conducir el tema de la libertad mágica a un periodo anterior a la aceptación del matrimonio y la maternidad.
De esta manera, el tópico de la chica común que accidentalmente gana un poder mágico se convirtió en un mecanismo útil para mostrar el tema subyacente de cómo la joven heroína está predestinada a decir adiós a la magia al final de la serie. La chica mágica presentó así un enfoque bastante conservador, que iba en contra del poder simbólico-subversivo que representaba la magia, en tanto expresaba ideas contundentes acerca de lo que las mujeres pueden y deben hacer de acuerdo a sus etapas vitales (en otras palabras, reforzaba la idea de educar a las niñas japonesas para que, más que ser buenas profesionales, sean buenas esposas y sabias madres). Dos series donde se evidencia este enfoque son Sally, la bruja (1966) y Los secretos de Julie (1969).

El amor entre chicas
El abandono de la magia por parte de la heroína se relaciona, así también, con otro rasgo característico del género: el amor entre chicas. Dicho tema ha sido asociado con la Literatura japonesa para mujeres de principios de 1900. Al respecto, la escritora Nobuko Yoshiya (1896-1973) sería la primera en cuya obra se vislumbra el romance de los personajes femeninos, así como los rasgos característicos que los convertirán en un tópico del manga shōjo contemporáneo:
“Dichas relaciones a menudo involucraban a una niña mágica alta, activa, independiente y guapa; y otra más bien pequeña, infantil, dulce e inocente, constituyendo de esa manera imágenes idealizadas de la masculinidad y feminidad”.
No obstante, el amor entre chicas fue representado como un estado efímero. Esto se debió a que las protagonistas eran incitadas a abandonar la magia para integrarse al romance heterosexual, ya sea porque la historia terminó trágicamente o porque una de las niñas murió para salvar a la otra. En consecuencia, no es de sorprender el apogeo que tuvo este género en un ambiente caótico de posguerra donde la autoridad paterna y los matrimonios por compromiso empezaban a declinar en Japón.
Fuente: favereys.blogspot.com
Chica mágica de los años 70
La popularidad de la chica mágica empezó a decaer en la década de los setenta, lo cual promovió un cambio hacia una visualidad femenina que atrajera a un público masculino. Es así como las nuevas tramas que caracterizarán a este género empiezan a incluir robots, escenas de acción y el servicio para fans. Dos series con estas características fueron Cutey Honey (1973) y Maggie, la brujita (1974).

Chica mágica de los años 80
A inicios de los ochenta, el anime y el manga de la chica mágica se presenta como un arte totalmente renovado en lo que respecta a la transformación de sus protagonistas. Como sostiene Saito,
“si antes ser chica mágica implicaba la transformación literal del cuerpo de una niña pequeña al de una mujer adulta; es decir, de dieciséis años o más, la nueva metamorfosis tiene como meta final abandonar el crecimiento físico real”.
Esta es la razón por la cual, si bien algunas series seguían presentando la transformación biológica de niña en mujer, la trama final sugería que las protagonistas dejarían de lado la misma para encontrar la auténtica fuente de su poder en la juventud, el amor y la ternura propia de su etapa infantil o adolescente. Dos series que expresan este enfoque fueron Las aventuras de Gigi (1982) y Magical Angel Creamy Mami (1983).

Chica mágica de los años 90 hasta la actualidad
La investigadora de Pensilvania sostiene que desde la década de los noventa, la nueva transformación de la chica mágica la llevará a adoptar una indumentaria donde los rasgos infantiles (o infantilizados) de su performance se confunden con los de su adolescencia: “La expresión visual y figurativa del poder de la chica mágica se muestra en su juventud y ternura, así como en las capas de falda con volados añadidos al uniforme de batalla”. De esta manera, la chica mágica de esta década proporcionó a los espectadores un personaje heroico e independiente que se oponía a la retórica visual del poder de la adultez al ofrecerle una indumentaria femenina que hacía cada vez más difícil equiparar las representaciones de su género con su sexo biológico real. Entre las series que expresan este enfoque se encuentran Sakura, la cazadora de cartas (1998) y Madoka, la chica mágica (2011).
Otros rasgo característico de esta nueva chica mágica serán su capacidad para transformarse en el género opuesto. Asimismo, aparecerán nuevos personajes de estética andrógina, o indefinida heterosexualmente, que servirán de inspiración y admiración para los fanáticos amantes de este nuevo poder. Al respecto, tres animes destacados son Pretty Soldier Sailor Moon (1992), Proyecto de Crianza de Chicas Mágicas (2016) y Magical Girl Boy (2018). En la primera aparece Haruka Tenou, un personaje femenino de apariencia masculina que mediante su transformación mágica se convierte en Sailor Urano. En la segunda aparece un personaje masculino llamado Souta Kishibe, quien gusta en secreto de las historias de chicas mágicas dado que considera que es un género para niñas. No obstante, gracias a un juego virtual, tiene la oportunidad de transformarse en una chica mágica real, conocida como “La Pucelle”, y cumplir la misión de ayudar a quien lo necesite. Por último, Magical Girl Boy relata la historia de Saki, una estudiante a la que se le plantea la posibilidad de convertirse en una chica mágica y así proteger al chico que le gusta, oferta que termina por aceptar. No obstante, cuando llega el momento de su transformación, no sólo sus ropas se convierten en un curioso y adorable conjunto mágico, sino que su cuerpo se tranforma en el de un chico mágico alto y musculoso que luchará contra las fuerzas del mal.
En su acepción sociospicológica, Masafumi Monden sostiene que la andrógina vendría a ser un estado psicológico que refiere a una forma específica en la que los aspectos “masculinos” y “femeninos” se presentan en un solo ser humano.
A partir de lo anterior, se infiere que existirían estados psicológicos que son asignados de manera dominante y no dominante a una categoría de género. Esto explicaría, a su vez, por qué un rasgo de género “no dominante” para las mujeres sería el deseo de autonomía y poder, mientras que el rasgo de género “no dominante” para los hombres sería la expresión de sentimientos de vulnerabilidad, dependencia y afecto por otros del mismo sexo. En ese contexto, la chica mágica de los noventa realizaría una performance andrógina en tanto revierte las nociones de masculinidad y feminidad asignadas por el sistema que regula las normas del género. Esto se corrobora, por ejemplo, si comparamos la serie de chicas mágicas con películas del cine estadounidense contemporáneo, donde las heroínas juveniles tienden a vestirse y actuar de una manera masculina (es decir, suelen usar trajes que pueden ser sensuales o coquetos, pero que a la vez mantienen ciertos elementos de la vestimenta heroica tradicionalmente masculina como las armaduras medievales), mientras que las heroínas japonesas, especialmente las del género shōjo, optan más bien por un uniforme de batalla de corte femenino infantil, acentuado por volantes y lazos.
“La ausencia de un traje de batalla masculino en la metamorfosis de la chica mágica ofrece una alternativa a la idea occidental de que el género es definido y redefinido a través de la ropa, a la par que su estética andrógina enfatiza la idea del mismo como precario e indefinido”.
De acuerdo a lo enunciado por Monden, uno de los rasgos identificatorios de la chica mágica contemporánea sería el demostrar que no necesita apropiarse de un rol estereotipadamente masculino (o masculinizante) para obtener la valentía, la magia y el poder suficientes para enfrentarse a las fuerzas del mal.
Conclusión
A través de este breve repaso sobre la historia de la chica mágica, se rebela cómo es que inicialmente se intentó utilizarla para encaminar a las niñas japonesas a asumir el rol de género que les era asignado tradicionalmente en la sociedad nipona. No obstante, a partir de la década del noventa, la chica mágica se convertirá, con particular énfasis, en un modelo transgresor de las normas que definen la feminidad y la masculinidad, razón por la cual es tan popular no solo entre los y las jóvenes del Japón contemporáneo, sino también entre los fanáticos de este fenómeno a nivel mundial.
Notas:
Si bien en este breve artículo “historiográfico” faltaron señalar diversas series, populares o menos conocidas comercialmente, sobre las chicas mágicas, lo cierto es que se intentó analizar algunos ejemplos que la redactora consideró claves para expresar su entendimiento sobre el origen, evolución y estado actual de estos personajes.
¿Te gustó este artículo? Puedes consultar las fuentes aquí:
Texto web original utilizado como fuente (de la misma redactora de Sugoi) para la redacción del presente artículo: https://liberoamerica.com/2018/10/26/chicas-magicas-luchando-contra-el-genero-con-el-poder-del-amor/
Magical Girl Raising Proyect
2017 «La Pucelle». Enciclopedia mágica. Consulta: 4 de octubre del 2018.
http://es.mahou-shoujo-ikusei-keikaku.wikia.com/wiki/La_Pucelle
Monden, Masafumi. Japanese Fashion Cultures: Dress and gender in Contemporary Japan. London: Bloomsbury Publishing, 2014.
Sailor Moon Wiki
2009 «Sailor Uranus». La wiki Lunar. Consulta: 4 de octubre del 2018.
http://es.sailormoon.com/wiki/Sailor_Uranus
Saito, Kumiko. «Magic, Shōjo, and Metamorphosis: Magical Girl
Anime and the Challenges of Changing Gender Identities in Japanese Society».The Journal of Asian Studies.Vol. 73, No. 1 (FEBRUARY 2014), pp. 143-164.
19 abril, 2020
El lado oscuro de la ternura japonesa
Hablar de la cultura pop japonesa es hablar del culto a la ternura y la lindura, o, para ser más precisos, del culto a lo kawaii. No obstante, actualmente existe una tendencia que, gracias al auge de las redes sociales, ha logrado visibilizar un polémico concepto que pretende mostrar el lado más oscuro de esta popular y dulce tendencia: Yami kawaii.

Géneros Kawaii: Yamikawaii
En japonés, la palabra Yami 闇 se puede traducir como “oscuro” o “enfermo”. Kawaii 可愛, por su parte, significa «lindo» o «tierno». No obstante, es preciso resaltar que Yami Kawaii no es el nombre de una subcultura específica, sino que engloba a todas las modas japonesas de apariencia oscura y depresiva, pero que a su vez lucen tiernas y adorables. Surge como contraparte de los estilos Yume Kawaii, que se caracterizan por tener una imagen más bien mágica y soñadora.
Entre los diversos estilos asociados al Yami Kawaii destacan el Menhera-kei, el Gloomy Bear y el Pastel Goth. El Menhera-kei es una estética que se basa en un personaje de manga web llamado Menhera-chan, una colegiala que se corta las muñecas para despertar sus poderes mágicos. Gurokawa es un término que fusiona el concepto de grotesco con kawaii. El personaje emblema de este estilo es Gloomy Bear, un lindo oso rosado manchado de sangre que gusta de atacar humanos con sus garras. Por último, el Pastel Goth es un estilo que nace de una mezcla de elementos del grunge noventero con temas góticos y la estética kawaii nipona.
Muestra del estilo Menhera-kei en Instagram
En redes se han suscitado fuertes críticas a los modelos e influencers que promueven el Yami Kawii, alegando que con ello romantizan y promueven las autolesiones, automedicaciones y deseos suicidas en la juventud atraída por esta estética. No obstante, Kuua Oyasumi, una de las mayores representantes del Menhera-kei, alega que gracias a este estilo ha podido lidiar mejor con sus intentos de suicidio mediante asfixia y sobredosis.
En conclusión, sea cual sea la postura que se tenga sobre el Yami Kawaii, lo cierto es que ha logrado visibilizar temas de salud mental que tanto urgen ser tratados en un país que, pese a los esfuerzos de las instituciones de salud pública y privada, aún manifiesta una alta tasa de suicidios en la estadística mundial.

Minidocumental sobre Yami Kawaii (en inglés)
10 abril, 2020
¿Lolicon o pedofilia japonesa?
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli, la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
Meme sobre lolicon
¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita. El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field (Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
(más…)
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli, la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
Meme sobre lolicon
¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita. El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field (Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
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29 marzo, 2020