👾 ¿Mala conexión? ¡Esperemos que no porque el día de hoy #GISugoi te recomienda Sarazanmai!
✔️ Anime de 11 capítulos creado por Kunihiko Ikuhara en el 2019, sigue la historia de Kazuki, Toi y Enta, jóvenes de 14 años que se sienten desarraigados y tienen una difícil relación con quienes los rodean. Tras destruir accidentalmente una estatua, se ven transformados en kappas para salvar a la ciudad de zombies que son enviados por el Imperio Nutria. Uno de los puntos más llamativos de la trama es cómo la serie propone una “interconexión” en distintos niveles: en la interacción con otras personas; en la interacción entre los objetos, habitantes y espacios que coexisten en la ciudad; y en las interacciones que se realizan en la misma red o Internet.
La “interconexión” entre personas es planteada en la serie a partir del grado de cercanía, confianza y honestidad que se establece con familiares y amigos. En este sentido el caso de los protagonistas es emblemático, ya que ninguno es honesto con la persona que más ama, y de ser conocidos sus secretos, sería motivo de vergüenza y estigma. Cuando ellos establecen una “interconexión” con la ciudad, sus espacios y objetos -por ejemplo, cuando interactúan con Keppi, el príncipe kappa que habitaba dentro de una estatua en la ciudad, o cuando luchan contra los zombies que tienen una “fijación” sobre determinados objetos de la ciudad y los roban-, logran cuestionar sus decisiones, así como replantearse el por qué guardan determinados secretos, y el origen de sus traumas. Esta información que ellos desean mantener oculta es revelada a los coprotagonistas a partir de un “leak” de la información, una filtración de datos que se realiza a través de la conexión que se establece entre ellos cuando derrotan a un zombie. Esto último provoca una última “interconexión” que se presenta con un lenguaje y metáforas que hacen referencia al Internet.
Finalmente, Sarazanmai expone la importancia de aceptar los deseos (por más bienintencionados o “fuera de lo normal” que estos sean) y saber comunicarlos a los otros para que estos no sean llevados a cabo de forma egoísta. Una vez logrado eso es que las acciones que los personajes realicen pueden ser guiadas por el amor, lo cual permitirá a los protagonistas establecer, por fin, relaciones estables y sinceras con quienes los rodean.
Si deseas saber más sobre la serie te recomendamos:
A finales de agosto, Íbero Librerías tuvo la gentileza de alcanzarnos el manga 5 centímetros por segundo, escrito por Makoto Shinkai e ilustrado por Yukiko Seike.
Basado en la película homónima del 2007, la trama gira en torno a Takaki Tohno, quien conoce en la escuela primaria a Akari Shinohara. Debido al gusto que comparten por la lectura y las dificultades que ambos presentan en cursos como los de educación física, se vuelven cercanos rápidamente. Sin embargo, debido al trabajo de sus padres, Akari se mudará a la prefectura de Tochigi. Si bien los dos se mantienen el contacto por un tiempo por medio de cartas, deberán despedirse una vez Takaki viaje a Kagoshima por motivos familiares.
Esta separación resultará traumática para Takaki, quien siente que no pudo expresar abiertamente sus sentimientos, por lo cual arrastrará hasta la adultez una gran frustración. Esta no le permitirá establecer relaciones cercanas ni entablar amistad con otras personas, especialmente con otras mujeres.
El manga, dividido en diez capítulos y un epílogo, nutre la historia de la película porque profundiza en el punto de vista de Akari, Kanae y Risa, los tres intereses amorosos de Takaki. Asimismo, es de resaltar el trabajo de Yukiko Seike en las locaciones y los fondos, así como la capacidad de mostrar en Takaki las sutiles reacciones en momentos clave de la trama.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
“Forget me (not)”: memoria, nostalgia y olvido
La historia coloca en primer plano el vínculo entre memoria y olvido. El primero nace partir de la ausencia del ser amado -Akari en el caso de Takaki, y viceversa-, lo cual invita al intercambio de cartas. Este ejercicio de hacer memoria o recordar los días antes de la pubertad iniciará por parte de Akari, quien comparte su día a día y sus sentimientos con Takaki a partir de la palabra y la escritura. Ambas, volcadas en el papel, permitirán a los personajes ejercer memoria, con lo cual tienen una prótesis (1) que les permitirá prolongar el olvido.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Sin embargo, tanto la palabra hablada como escrita -esta última en la forma de cartas- son presentadas como algo efímero, que perece con el tiempo, al igual que los pétalos del sakura o cerezo. Por ello, la posibilidad de que el ser amado caiga en el olvido genera en Takaki un sentimiento de nostalgia y angustia (2).
Con el paso de los años, en la adolescencia y adultez de Takaki, podemos apreciar el reemplazo de las cartas por otro medio de comunicación: el de los celulares y los mensajes de texto (sms). Si bien estas tecnologías deberían facilitar el diálogo entre las personas, 5 centímetros por segundo presenta lo contrario: el protagonista no encuentra las palabras para poder comunicarse con Akari.
La separación entre Akari y Takaki ha sido tan traumática que generó en él un desapego que no le permite generar vínculos con las demás personas, ni siquiera con la persona amada. Así, pese a que podemos ver a Takaki escribir constantemente en su celular, los mensajes de texto que escribe no son enviados. De esta manera, hay un vínculo entre las cartas y los mensajes de texto, ya que pese al desarrollo de la tecnología en la comunicación, el mensaje -pensamientos y sentimientos de Takaki- no siempre llega al receptor -Akari-.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
El origen del trauma: tiempo, velocidad y la adultez
Las cartas, el teléfono y los mensajes de texto deberían ser un medio de conexión entre las personas. Sin embargo, la experiencia de Takaki demuestra lo contrario.
Takaki nunca tuvo la posibilidad de entablar relaciones duraderas con las demás personas por el trabajo de su padre. Esta imposibilidad de conexión se verá reflejada en las múltiples imágenes que representan la velocidad y el paso del tiempo, como el árbol de sakura, el cual es un reflejo de lo efímero debido al florecimiento súbito del árbol y la corta vida de sus flores, o la constante presencia del tren. Asimismo, hay una constante referencia al tiempo a partir del dato de la velocidad en la que caen los pétalos de cerezo, en la que sube el cohete, o en el que se aproxima a tierra el tifón.
Todas estas serán metáforas del paso del tiempo y la separación entre las personas.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Y como el tiempo no perdona, en Takaki surge el deseo de volverse más fuerte y de seguir avanzando, pero esto solo generará una sensación de urgencia y arrepentimiento, ya que no ha podido confrontar sus sentimientos. Además, esto también ahondará en un sentimiento de desarraigo, elcualprovocará no pueda establecer vínculo con sus compañeros de trabajo ni con Risa, su novia.
A este deseo de seguir avanzando se debe sumar las exigencias de la adultez (3): tener un trabajo fijo y una relación estable que encamine al matrimonio. No obstante, Takaki siente que lo que hace en el trabajo no vale la pena, y siente vergüenza de conocer a los padres de Risa, ya que teme comprometerse con ella.
Todas estas exigencias de la vida adulta serán un obstáculo creado por el mismo Takaki, quien muchas veces utiliza la excusa de “estar ocupado” para no ver a su familia ni a sus compañeros de escuela o trabajo. En otras palabras, le servirá como un medio para ocultar el pasado y sus sentimientos, y no confrontarlos.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Y pese a haber ignorado o dañado el sentimiento de las demás personas, sobre todo el de Risa, ella le enseña a que es importante que acepte sus arrepentimientos -lo que no pudo decirle a cada una de las personas importantes en su vida-, ya que eso le ha permitido ser la persona que es ahora: considerado y responsable, pero que huye apenas las cosas no resultan.
“Epílogo”: mirando el presente
Será el epílogo donde vemos una promesa de crecimiento y redención en Takaki. Ello se dará a partir de la imagen de Kanae, la “protagonista” en esta última sección.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Kanae es el “interés amoroso” de Takaki entre los capítulos 4 y 6 del manga. Ella se enamora del último en la secundaria, en Kagoshima. Y al igual que él, ella también siente una gran incertidumbre sobre su futuro. Sin embargo, aquí Takaki cumplirá un rol muy importante, porque será gracias a su amistad que descubre la posibilidad de poder entrar a la vida adulta y seguir descubriendo en el camino qué desea hacer uno.
De esta manera, el lector podrá entender por qué el epílogo se centra en Kanae, a diferencia de todo el manga, el cual está narrado, en su mayoría, desde la perspectiva de Takaki. La incertidumbre no genera angustia en Kanae, una propuesta que Takaki descubrirá recién al final del décimo capítulo y que les permitirá a los dos volver a entablar una conexión. Takaki podrá, por fin, mirar al presente y decidir qué hacer sobre el camino mientras abraza sus sentimientos.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
NOTAS:
(1) Sobre la prótesis como un medio que permite al ser humano ampliar su experiencia, revisar el artículo del video animado Shelter.
(2) Este sentimiento de angustia, vacío o suspenso ante lo efímero de las cosas genera el sentimiento de aware.
💫 ¿A quién de pequeño no le fascinaban las estrellas? ¿Soñaba con tener un telescopio para poder trasnocharse para ver los planetas solo ver las estrellas, no espiar, malpensados? El día de hoy #GISugoi presenta: Koisuru Asteroid.
☄️ Anime slice of life de la temporada de invierno 2020, basado en el 4-koma de Quro del mismo nombre. Presenta el sueño que tienen Mira y Ao, amigas de la infancia que se vuelven a reunir en la secundaria, de descubrir un nuevo asteroide. Para ello se unirán al club de “ciencias terrestres”, el cual reúne a los antiguos clubs de astronomía y geología. En dicho grupo no solo encontrarán las herramientas para aumentar su conocimiento sobre la astronomía, sino también verán su relación con otras ciencias como la geografía y la cartografía. En ese sentido, el anime llama la atención por dos puntos: su potencial educativo, en la cual el espectador aprende sobre estos (a veces nuevos) temas a la par que las chicas; y la propuesta humanista y de interdisciplinariedad.
Sobre el potencial educativo, el anime no solo busca ser una introducción amena a la astronomía, geología, geografía, metereología, e incluso la astrología. También trata de que estos datos, que pueden ser complejos en ocasiones, puedan ser de fácil entendimiento y acceso al público. Ello condice con el intento de las chicas por crear en la escuela una revista informativa sobre sus investigaciones en torno a las “ciencias terrestres”, así como las actividades de difusión de las ciencias que hacen en los festivales escolares.
Por otro lado, en cuanto a la propuesta humanista y de interdisciplinariedad, el anime resalta no solo la necesidad de comunicación entre las personas, sino también la importancia del diálogo en el desarrollo del conocimiento y de las ciencias. En ese sentido, es una propuesta en contra la atomización del sujeto y del saber. El primer y segundo caso se puede ejemplificar en el arco de Mikage Sakurai, miembro del ex club de geología, quien en un inicio insiste por mantener la separación de ambos grupos, pero a medida las demás chicas toman interés por su rama, no solo se entabla una comunicación entre las ciencias, sino también una mejor comunicación entre las integrantes del grupo. Esto nos lleva a reflexionar sobre una propuesta de la ciencia como interdisciplinaria, en la cual el conocimiento nace a partir del diálogo con otras disciplinas, y humanista, ya que invita a la apertura hacia las demás personas y compartir con ellas experiencias con el objetivo de desarrollar las ciencias.
✔️ Por lo tanto, Koisuru Asteroid es un anime que no solo nos permite aprender un poco sobre las ciencias naturales, sino también invita a entender el conocimientos como algo que se construye en diálogo con otras personas y con otras ciencias. Y posee uno de los endings más bellos y feelings de la temporada.
Devuelta a la… ¿rutina? ¿La “nueva normalidad”? La sola idea del regreso al trabajo y el tráfico, y buscar mil formas de subirnos el ánimo: ver de camino al trabajo guarde el celular, que viene el choro o ya en casa una serie, película o anime. Por eso, el día de hoy analizaremos Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru, dos series que parecen haber retratado casi a la perfección ese sentimiento de estrés y preocupación por la vida adulta.
Aggretsuko, o Agressive Retsuko (アグレッシブ烈子), es una franquicia basada en el personaje (un panda rojo antropomorfizado) creado por Yeti para la compañía Sanrio. Contó entre abril del 2016 y marzo del 2018 con una serie de cortos animados, y estrenó un anime de dos temporadas en Netflix en abril del 2018. Se centra en la vida de Retsuko, una oficinista que debe lidiar con las normas y jerarquías de la compañía. Estas, basadas en prejuicios absurdos, provocan en ella un estrés tal que su única forma de desahogarse es escapar al baño o al karaoke, y cantar heavy metal. En este deseo por solucionar su inconformidad en el trabajo es que decide buscar un novio y casarse. Sin embargo, a medida Retsuko se abre y confía en sus demás compañeros de oficina, esta opinión sobre el matrimonio madurará.
Rilakkuma y Kaoru es una serie en stop-motion de Netflix estrenada en abril del 2019 y cuenta con 13 episodios. Basada en la franquicia creada por San-X, su nombre es una unión de las palabras relax (リラックス, rirakkusu) y oso (熊, kuma), y cuenta tanto con mercadería como videos promocionales. Se centra en Kaoru, una oficinista que trabaja para una pequeña compañía y siente que, a medida pasan los años, su familia, compañeros y amigos la van dejando de lado. En este sentimiento de soledad es que encuentra un día a Rilakkuma, un oso flojo y dormilón que entró a su departamento y decidió instalarse ahí. Y al poco tiempo llega Korilakkuma, una pequeña osa que le encanta jugar. De esta manera, la serie explorará la convivencia entre Kaoru, su mascota Kiiroitori Rilakkuma y Korilakkuma, y el apoyo que entre ellos se brindan.
Lo interesante de ambas animaciones es que presentan como tema en común cómo es ser adulto en la sociedad japonesa, así como las normas, expectativas y sentimientos que estas dos producen en sus protagonistas.
La multiplicidad del “yo” y el jōshiki: “sentido común” y adultez en la sociedad japonesa
Para entender cómo ambas series representan y apelan a los problemas de la adultez en Japón tomaremos en cuenta a autores como Wim Lunsing y Sharon Chalmers, quienes desarrollan la tesis de que la sociedad japonesa, a través de sus roles, jerarquías y sistema legal provocan la exclusión de determinados sujetos.
Desde la juventud se le inculca al sujeto el jōshiki o “sentido práctico”, lo que se considera como “apropiado” y “normal”. En ese sentido, por ejemplo, se concibe el matrimonio como algo “natural” (shizen), un acontecimiento del cual se sirve el individuo para reafirmar ante la sociedad que ya es un adulto completo (ichininmae no shakaijin) o una adulta completa (ichininmae no onna). Con ello se traza una clara diferencia con las personas solteras, a las que se considera como hanninmae (“personas incompletas” o hasta “imperfectas” –mikon-). Dentro de un sistema de roles definidos, el matrimonio permitirá a los hombres demostrar que son adultos al proveer de bienes a su familia, y las mujeres a través de la maternidad y el ejercicio del rol de amas de casa.
El matrimonio como evento importante y que marca la adultez en Japón. Vía Nippon.com
Si bien los roles se han flexibilizado en los último años, y vemos tanto a hombres como mujeres en la esfera laboral, sigue existiendo un sistema -la familia, el trabajo, los medios de comunicación, las revistas especializadas, entre otros- donde se persuade a la mujer sobre la importancia de una crianza cercana de los hijos con el fin de evitar en ellos malas experiencias o problemas psicológicos. Asimismo, normas sociales implícitas invitan a que a estas labores se sume la del cuidado de los padres.
En ese sentido, el desarrollo exitoso de los hijos sería reflejo de una buena crianza por parte de la madre y una estabilidad en el hogar, lo cual repercute de manera positiva en la imagen social que proyecta la cabeza de familia (el padre). Con ello se busca encaminar a la mujer para que cumpla el rol de “buena madre” y “buena esposa”, ya sea dedicándose de manera exclusiva a ser ama de casa o, de ser necesario, en trabajos de medio tiempo que le permitirán luego dedicarse al hogar (1). De ser exitoso este modelo, se proyectará la imagen de una sociedad japonesa “estable”.
Los roles y la conformación de la familia japonesa. Vía Wikibooks
Otro concepto que deberán manejar los sujetos será la diferenciación entre el uchi y el soto. El uchi es lo interno, y en este se evocan sentimientos de privacidad, protección, seguridad y pertenencia. Además, es el espacio donde uno puede expresar sus verdaderos sentimientos (honne), e invita al relajo, la informalidad y al comportamiento casual. Por otro lado, el soto es lo exterior, donde se invita a camuflar los sentimientos y brindar una apariencia al exterior (tatamae) (2). Esto hace que el sujeto exprese el self de manera múltiple (3).
Los “otros” silenciados: el trato a las familias “disfuncionales”
Sin embargo, en la sociedad japonesa, todo individuo que sale de las normas será considerado como “anti social”. En una sociedad que evita que los sujetos resalten, esta “marca” supone un estigma, lo cual provoca que el individuo sea alienado, separado y hasta señalado con respecto a los otros miembros del grupo.
Tanto las mujeres sin esposo como las madres solteras se encuentran frente a una sociedad donde no pueden adquirir ni alquilar vivienda de manera fácil. Esta restricción se debe a las pocas oportunidades laborales que tienen, ya sea porque solamente pueden adquirir trabajos de medio tiempo o por la poca posibilidad de ascenso. Esta discriminación laboral se debe a que las empresas consideran a las mujeres como personal de paso, que solo se mantendrán hasta el matrimonio -demás está decir heterosexual-.
La «cultura del rechazo» hacia las madres solteras en Japón. Vía The Washington Post
Asimismo, los hijos de madres solteras o divorciadas sufren de discriminación por parte de la escuela y de sus compañeros. En el primero porque, para inscribir a un niño o niña en la escuela este debe estar registrado en el sistema familiar o koseki, y por parte del segundo, cuando los niños ven en actividades escolares la ausencia del padre. Además, existe el prejuicio de que estos niños sin padre causarán problemas. Ante este contexto, han surgido organizaciones de apoyo a madres solteras o de mujeres separadas que entre ellas se brindan apoyo, ya sea en el cuidado de los hijos como el brindar vivienda.
Por último, cabe resaltar que en este panorama la diversidad sexual tampoco bienvenida. Si bien hace unos años se ha legalizado el matrimonio LGBT en algunos distritos de Japón, la existencia de una inequidad económica provoca que algunas sexualidades divergentes, como el lesbianismo, sean sumamente marginadas. . En el caso del lesbianismo, el marcado sistema de roles y la concepción de que la adultez se alcanza con el matrimonio crea la imagen de las lesbianas como “inmaduras” e “incompletas”, ya que no cumplen con el papel de madre ni esposa. Incluso serán silenciadas en el discurso político, lo cual perpetúa una inequidad legal y económica que se verá reflejado en la dificultad para adquirir una vivienda o estar protegidas en caso sean expulsadas del hogar.
A partir de lo expuesto anteriormente es que el espectador podrá tener una mejor idea de las problemáticas retratadas en Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru, dos series que reflejan el sentimiento de la adultez en el Japón contemporáneo.
“KILL ’EM ALL!!!”: la inestabilidad laboral y emocional en Aggretsuko
Aggretsuko nos presenta a Retsuko, una empleada “dulce, obediente y responsable” de 25 años y soltera, quien finge estabilidad en todos los ámbitos de su vida: desde el laboral hasta el emocional y de pareja. Y como todos los que hemos visto la serie, ya sabemos cuál es su forma de desahogarse:
DEMOLER, DEMOLER la estación del tren. La única salida que encuentra Retsuko para su estrés es escapando al karaoke y cantando
En primer lugar, tenemos el retrato del ambiente laboral. Específicamente, una alusión al ideal del “sarariiman” -o asalariado- y la sacralización de las empresas en la economía japonesa. Este espacio es un segundo “hogar” para el sujeto, donde se reproducen las jerarquías propias de la sociedad. En este sentido, se considera que el individuo está en deuda con la empresa, ya que este invierte en la formación de él.
Este trabajador será considerado como un “nuevo samurái” o “guerrero corporativo”, quien da la vida por la empresa y, por qué no, por el bien de la sociedad y la economía del país. Este discurso lo podemos encontrar en Puko, amiga del colegio de Retsuko, quien agradece a la protagonista por su trabajo porque personas como ella son el sostén de la sociedad:
Una linda amistad, pero… Retsuko, ¿¡por qué cargas todo sobre tus hombros!?
Sin embargo, esta jerarquización incluye el traslado de las inequidades de la sociedad japonesa al ámbito laboral. Un ejemplo lo podemos encontrar en el trato que tiene el director Ton -quien se insertó a la vida laboral en 1987, en pleno auge de la burbuja financiera e inmobiliaria en Japón- hacia las mujeres del área de contabilidad. Él espera que las mujeres limpien su escritorio, coloquen flores y surtan con agua su hervidor. De esta manera se trata de imitar un modelo de servidumbre y ama de casa en la oficina, lo cual demuestra un inherente machismo en las relaciones laborales, especialmente por parte de trabajadores mayores (la mayoría de veces, jefes) hacia las más jóvenes:
Las mujeres inútiles son mejores que las mujeres competentes
Directo Ton (T.1, cap.1)
¿Cuánto dinero ha invertido esta empresa en su formación?
Director Ton (T.1, cap.3)
Otro ejemplo de misoginia y una cultura laboral que invisibiliza casos de abuso de poder y misoginia es el del Director General, quien duda si es real la queja hacia el director Ton, y argumenta que hoy en día los empleados se quejan por todo. Solamente cederá ante ese problema cuando se ve amenazado por Washimi, su secretaria y amiga de Retsuko.
Y al ser la oficina un ambiente jerárquico, requerirá de otro que permita a sus trabajadores -tanto jefes como empleados- entablar relaciones horizontales y expresarse abiertamente. Este espacio será el de las fiestas con bebida. La participación en estas, según Sharon Chalmers, es una muestra de aceptación, apertura y satisfacción por parte del empleado; no unirse significa rechazo, un acto de desafío y un signo de alienación. Si bien Retsuko no concibe su asistencia a las fiestas como importante, especialmente si no se siente satisfecha con el ambiente laboral, Washimi y Gori -amigas de la oficina y del yoga- le enseñan la finalidad de este: el poder entablar un diálogo sincero con sus compañeros y con el director sobre lo que le incomoda.
La fiesta con bebida como espacio donde Retsuko puede conversar «sin accidentes» con el Director Ton
Este será un punto de inflexión para Retsuko, ya que a partir de este momento será un poco más abierta con sus sentimientos, y el espectador entenderá las razones detrás de la sobre exigencia de Ton hacia los empleados más jóvenes (aunque eso no resta muchos de sus prejuicios). Sin embargo, todavía hay un elemento en la vida laboral que la protagonista debe superar: la confianza y comunicación con sus demás compañeros.
En ese sentido, la aparición de Anai, el nuevo integrante de la oficina, será importante. Él representa el temor que sienten los jóvenes al ingresar al “mundo adulto”. Este miedo reside en la presión y el “exceso de trabajo”. Y aunque el pánico de Anai está justificado -recordemos las noticias de trabajadores que fallecen o se suicidan por la sobrecarga laboral (karoshi)-, tendrá paz cuando encuentra su lugar en la oficina y sea reconocido por su habilidad en la cocina. Esto le permitirá abrirse a los demás y trabajar de manera eficiente en la oficina.
Las dos caras de Anai. Kowaidesu ne 〣( ºΔº )〣
Gracias a su relación con la protagonista, ambos aprenderán a establecer estrategias comunicativas con sus compañeros, identificar sus habilidades y confiar en ellos, ya que ese apoyo mutuo será la clave para el éxito de la empresa y crear un mejor ambiente laboral.
“DU HAS(S)T”: ¿felices por siempre? Familia y matrimonio en Aggretsuko
Cuando parece que la vida de Retsuko ha encontrado un equilibrio, regresa con fuerza un problema que era constante en la serie: la búsqueda de la protagonista por un novio, con el cual pueda contraer matrimonio y establecer una familia.
Desde la primera temporada pudimos ver cómo Retsuko percibía el matrimonio de manera idealizada: primero como una forma de escapar del trabajo, con Resasuke, luego como una forma de “madurar” antes de que “se le pase el tiempo”, con Shirota. Pero será en la segunda temporada, cuando conoce a Tadano, que la protagonista reafirmará que esto es algo que ella realmente desea (y ya no es producto de la imposición social).
La segunda temporada será vital para el desarrollo de las relaciones interpersonales en Retsuko. Por un lado, uno de los personajes que más urge a la protagonista a pensar en la familia y en el matrimonio es su madre:
De tal palo, tal astilla
Ella argumenta que el matrimonio es parte de la “realidad”. Con ello no solo apela al “sentido común” o jōshiki,del cual hablamos al inicio del artículo, sino también a la carga social que esta trae: un símbolo de “madurez” para la mujer y una “fuente de apoyo” (económico y a través de los hijos) en el futuro.
Lo digo como tu madre y nunca me equivoco
Madre de Retsuko (T.2, cap.1)
En una sociedad donde se espera que el hijo o hija no realicen actos que desagraden a la madre, la omisión de casi todos los consejos que le brinda resulta un acto de rebeldía e insatisfacción hacia las normas y prejuicios que existen en el imaginario social. Si bien al inicio accede a salir con Shirota, un funcionario público -con trabajo estable y socialmente aceptado- que es presentado como amigo de la familia, enamorarse de Tadano representa un nuevo desafío -de manera inconsciente- hacia la idea de estabilidad que tanto le insistía su madre a lo largo de la temporada.
Retsuko y Shirota. Mujer, ¿qué haces ahí?
Retsuko y Tadano se conocen en la escuela de manejo. Ella lo considera un “poco infantil”, y lo relaciona a su estatus de desempleado. No obstante, a medida conoce al personaje, descubre que es dueño de una empresa que optimiza a las compañías a través del uso de una inteligencia artificial. Él representa una forma alternativa de vivir a la que dicta el “sentido común”: no tiene vivienda fija -vive en su limosina y ahí trabaja-, es dueño de una exitosa empresa pese a que no aparenta serlo -ahí entra la importancia del traje o ropa en la sociedad japonesa como una forma de designar el estatus y trabajo-, y rechaza la importancia del matrimonio.
Y pese a que ambos están enamorados el uno del otro, el rechazo tajante al matrimonio por parte de Tadano, y la imposición de esta idea sobre Retsuko, supone un punto de quiebre en su relación. Aunque él propone unos cambios en la sociedad que pueden resultar interesantes -especialmente porque promete una reforma en el sistema económico que exalta a las empresas-, suponer que todos lo aceptarán es un error de su parte. Su incapacidad de tranzar o entender el punto de vista de Retsuko, cuando ella necesita ser escuchada y entendida, supone el fin de su relación.
Love is in the air
Finalmente, vale la pena detenerse brevemente en la elección de presentar una historia sobre el mundo laboral japonés y la búsqueda del matrimonio con personajes animalizados. La animalización es una figura literaria donde se le dota a los seres humanos de cualidades propias de los animales (3). El objetivo de esta es ligar al ser humano con la naturaleza para demostrar el caos de la sociedad -recordemos nuestro análisis de Mononoke Hime, donde se reflexionó sobre cómo Occidente contrapuso lo “civilizado” con la esfera natural-, y reflejar las jerarquías sociales y la inamovilidad del sujeto. Como Aggretsuko se centra en las jerarquías propias de la sociedad y el mundo laboral japonés, donde parece que la vida está predeterminada por las normas, simplemente parece que el recurso de la animalización se conjuga de forma perfecta con la trama.
Rilakkuma y Kaoru: la construcción de una “familia extendida”
Para los que ya éramos fanáticos de Rilakkuma no nos son raras las animaciones de este: personajes que presentaban, mes a mes, una temática sobre la cual girarían los nuevos productos de la marca. Se trataba, entonces, de una franquicia usaba la animación para generar un consumo. Sin embargo, ¿qué es lo que nuevo que propone esta serie?
Yo me relajo, tú te relajas, él/ella se relaja, nosotros nos relajamos
Esta se centra en Kaoru, oficinista que está en edad de casarse y, sin embargo, vive sola en su departamento, junto con Rilakkuma, Korilakkuma y Kiroitorii. La protagonista no se trata de un personaje nuevo en la franquicia: es aquel que busca generar una identificación con el consumidor. Al ser el público original uno femenino, muchos de los problemas que se señalan en la serie están dirigidos a los que atraviesan las mujeres en la sociedad japonesa.
A lo largo de los capítulos Kaoru sentirá cómo es dejada de lado por su familia y sus amigas, con lo cual se genera un sentimiento de soledad, y se identifica la necesidad de crear vínculos de cercanía y confianza con otras personas. En ese sentido, la aparición de Rilakkuma y Korilakkuma no solo permitirán a la protagonista romper con la rutina, sino también tener a alguien con quien reflexionar sobre sus problemas.
Un primer punto a analizar es el de la amistad entre mujeres. El primer capítulo nos presenta esta como un lazo que en algún momento fue fuerte. Sin embargo, esta relación de “familia extendida” que podría establecerse entre Kaoru y sus amigas de la universidad es retratada como inestable y pasajero. Este encuentra su fin cuando la mujer se casa; a partir de este momento ella pasará tiempo con los hijos, con el esposo, y con los amigos y familia de este.
La imagen de los cerezos en el primer capítulo será importante para entender el mensaje que se irá construyendo a lo largo de la serie: si bien los años “deseables” para que una mujer contraiga matrimonio van quedando atrás, Kaoru sigue manteniéndose vital y aprendiendo sobre sí misma. En ese sentido, no tiene por qué sentirse como un “desecho” de la sociedad (5).
Kaoru y compañía contemplando lo efímero de la belleza en el árbol de cerezo
Un segundo elemento a tomar en cuenta es la relación que Kaoru tiene con su familia. Kaoru, como hija, es vista de manera utilitaria: ya que Satoko, la esposa de su hermano, no se lleva bien con la madre, le insisten que regrese y ponga paños fríos entre las dos. Esto se debe a que la madre y su cuñada no coinciden en el rubro que debería desarrollar la granja familiar. No obstante, cuando el negocio propuesto por la última va bien, la relación entre las dos mejora, y de manera explícita le piden a Kaoru que ya no regrese.
De esta manera se puede identificar que las hijas mujeres en Japón o las esposas de los hijos son percibidas como aquellas que deben estar al cuidado de la madre del esposo. Con el matrimonio, se considera que la mujer entra a formar parte de la familia del esposo, por lo que es importante que tenga una buena relación con la suegra y le sirva en todo lo que necesita. Kaoru, quizás consciente de este sometimiento hacia su familia, desea no regresar a su pueblo porque quiere ser libre de la casa familiar.
En ese sentido, en el último capítulo, cuando el mismo hermano, le pide que no regrese al pueblo, le está otorgando de manera simbólica -como la cabeza de familia– la libertad para que siga viviendo en Tokio.
Asimismo, podemos ver en la serie una exposición sobre las dinámicas familiares en Japón. El capítulo dos nos presenta a Tokio, un niño que vive en el mismo edificio que Kaoru, y vive solo con su madre, quien está todo el día en el trabajo. Cuando le preguntan por su padre, opta por el silencio. Este puede ser señal de vergüenza, ya que una mujer sin esposo tiene una posición inestable en la sociedad japonesa, y los niños sin padre son vistos como “diferentes”.
Es así como la serie presenta en Tokio a otro personaje que es apartado por la sociedad y que, gracias a la compañía de Kaoru, Rilakkuma, Korilakkuma y Kiroitorii -su familia extendida- podrá encontrar hogar (uchi), aquel lugar seguro donde puede expresar sus verdaderos sentimientos.
La soledad de Tokio
Un último punto que la serie pone en cuestión es la del “sentido común”. Por ejemplo, cuando Kaoru le cuenta a Sayu, una compañera de su oficina, que desea adoptar un gato, esta le responde que es “sentido común” qué eso no es apropiado para una mujer soltera. Se trata de una norma implícita que, no obstante, Kaoru no aprendió ni le encuentra sentido. Con ello se muestra el absurdo detrás de algunas de estas normas y “sentidos comunes”.
Otro “sentido común” que se presenta al final de la serie es que “las cosas viejas son feas y de gente pobre”. Este discurso dicho por Tokio representa una forma de pensar extendida que rechaza lo antiguo con el motivo de mostrar un estatus y seguir promoviendo el consumo. Sin embargo, Kaoru le señala que en realidad hay que valorar los objetos y los espacios por lo que son y lo que fueron, ya que son valiosos por la carga emocional que llevan consigo.
A partir de esta última reflexión es que nos encontramos con una serie que busca rescatar lo antiguo y que invita a respetar cada etapa de la vida. En otras palabras, no todo lo antiguo debe ser desechado ni visto como inútil, y no se debe apresurar a que las mujeres contraigan matrimonio, ya que la vida es un proceso de aprendizaje y valoración de uno mismo.
Bye-bye, Rilakkuma ( ; ω ; )
Un balance final
Por lo tanto, Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru son dos series animadas en Netflix que presentan la problemática de la adultez femenina en Japón. Si bien en ambos hay una persistencia en la búsqueda del matrimonio -sin presentar una solución o alternativa a dicha imposición-, se invita al espectador a respetar los tiempos en los que cada sujeto opta por casarse. Incluso se llega a sugerir, a través de personajes como Washimi, que el matrimonio no es para todas las personas.
Es interesante cómo en los últimos años hay varios animes que abordan esta temática. Además de los analizados el día de hoy, otros que también abordan la adultez son Wotakoi y Kobayashi-san Chi no Maid Dragon. Al tema de la madurez y la vida laboral, se suma el de la identidad fan u otaku, y cómo esto no anula la sexualidad. Estos animes valdría la pena analizar en una siguiente ocasión.
NOTAS:
(1) Frente a esta problemática, hay animes como Love Live! que optan por anular la presencia masculina o del padre para prolongar o suspender la obligación del matrimonio. Se trata de un mundo alterno -que en una primera impresión da la apariencia de un girls’ power o liberación femenina- donde las mujeres pueden ocupar puestos de poder y altos en el trabajo, ya que no hay presencia masculina. De esta forma lo representado en el anime no choca con las nociones de verosimilitud -verdad, realidad- del público japonés.
(2) Quizás podemos establecer algunas semejanzas con el principio del rostro o miànzi, vistos en el análisis de Their Story.
(3) En otras palabras, el individuo tiene diversas formas en las cuales puede hacer “autorreferencia” o se concibe a sí mismo.
(4) Ejemplos en la literatura lo podemos encontrar en La ciudad y los perros de Mario Vargas Llosa y en el cuento Bestiario de Julio Cortázar, o en el cine en Zootopia.
(5) Las mujeres solteras han sido consideradas en Japón como un lastre para la sociedad. Esa discriminación se puede apreciar en mayor medida hacia las “viudas de la guerra”, mujeres mayores que en su momento no pudieron contraer matrimonio debido a la gran tasa de mortalidad masculina durante la Segunda Guerra Mundial. Un ejemplo de esta discriminación hacia las mujeres solteras de la tercera edad lo podemos encontrar en uno de los episodios de Flip Flappers.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Lunsing, Wim. 2001. Beyond Common Sense. Sexuality and Gender in Contemporary Japan. Nuevo York: Routledge.
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
🎮 “¿Qué sucede cuando el ajedrez… te pone horny?” (Gilbert 2019). Esta frase tan auténtica y tan precisa quizás es la mejor forma de introducir una de las franquicias de juegos de estrategia que más reconocimiento ha obtenido Nintendo en los últimos años. #GISugoi te presenta: Fire Emblem.
⚔️ Quienes hemos tenido el privilegio de crecer con esta franquicia desde que fue introducida a Latinoamérica el 2003 con Fire Emblem: The Blazing Blade,y el 2004 con Fire Emblem: The Sacred Stones, no solo sabemos de los desafíos que trae cada partida, sino también las posibilidades que tiene cada personaje de ser waifu material (o husbando,porque somos conscientes de la diversidad y somos así de inclusivos). Y entre la variedad de este cofcofguapocofcof cast, podemos distinguir dos elementos que llaman la atención: su mecánica y la complejización de la figura del “enemigo”.
En cada una de sus entregas, Fire Emblem nos presenta una misma trama: un protagonista, quien suele ser un Lord o una figura heroica, que debe escapar y derrotar al gobernante que está provocando el caos y la guerra en la región. Una vez se presenta la trama, se introduce rápidamente al jugador en la mecánica. Por lo general, el juego comienza por introducir el principio fundamental de Fire Emblem:el héroe o Lord es la unidad más importante que debe sobrevivir a toda costa; y este suele ir acompañado de una unidad más fuerte. Luego, hay una progresión en la presentación de las unidades y en la complejidad del mapa. Primero, se presentan aquellas unidades contrapuestas en rango o movilidad (los cavalier -unidades montadas a caballo con un alto rango de movimiento- y los knights -unidad de lanza con alta defensa pero baja movilidad-). Después, el mapa presenta obstáculos como montañas y bosques, para lo cual es ideal el uso de unidades aladas (pegasus knight); junto con ellos, surge la figura de los clérigos, support ideal ya que las unidades aladas pueden ser vulnerables a los ataques. Le siguen otras unidades melee, como el fighter, la clase trainee (que puedes promover más adelante), el ladrón y arquero (ambas, unidades ideales para el saqueo). Finalmente, una vez el jugador interactúa con un mundo que le resulta cercano y “verosímil”, se añade el componente sobrenatural y las unidades mágicas: el mago y el monje.
Finalmente, la franquicia llama la atención por la humanización de la figura del enemigo. A diferencia de los monstruos y la mayoría de las criaturas mágicas, las cuales son retratadas como el epítome del mal, ellos suelen tener un rostro y razones que los conduce a creer en la validez de la guerra: el patriotismo, el “cumplir un destino” -el cual creen no tiene otra forma de resolverse-, la reforma de la estructura social aún a costa de muchas vidas, o el mantener de manera irreflexiva el status quo. Fire Emblem ha podido complejizar en los últimos años la narrativa sobre el privilegio de la nobleza, el uso de la violencia y las secuelas de la guerra: el trauma por la pérdida y el abandono de los seres amados.
NOTA: Algunos datos, como la mecánica o el nombre de las unidades, son extraídos a partir de un análisis de Sacred Stones, por lo que pueden haber variaciones con las demás entregas. Asimismo, hay clases que son presentadas en determinadas entregas y luego son omitidas, como el villager (equivalente al trainee) en Shadows of Valentia, o el tactician, clase que aparece en The Blazing Blade y retorna en Awakening como el avatar con el que el jugador se puede identificar y que es una unidad de pelea.
Una introducción a la franquicia de Fire Emblem (AKA: Fire Emblem 101):
¿Cómo distinguir a los 596 personajes de Fire Emblem? (O de dónde rayos se obtuvo la cita de introducción):
El ser humano no es nada sin las tecnologías. El fuego, la ropa, la agricultura, la música, las estructuras y más recientemente los celulares y computadoras… Todas ellas son una ampliación de nuestro cuerpo, nuestra vida y experiencias, y el mismo principio sugiere el video musical Shelter.
Póster promocional del video musical Shelter
“Shelter”, canción de música electrónica lanzada el 2016, es una colaboración entre Madeon y Porter Robinson. Ese mismo año se estrenó su video musical, el cual era una colaboración entre Porter Robinson y A-1 Pictures. El video nos presenta a Rin, joven de 17 años que vive en una realidad virtual que puede construir y reconstruir gracias al uso de una tablet. Sin embargo, poco a poco unas memorias reprimidas irrumpen, cual bugs o errores de sistema, el mundo de la protagonista. Eso provoca que su entorno, en un primer momento colorido, se torne oscuro y hasta caótico -con elementos que no responden a nuestro “sentido común” de “naturaleza”-.
Esta realidad virtual que saldrá del control de Rin reactivará tanto su memoria como las del padre, las cuales estaban almacenadas en la nave espacial. En estos recuerdos se ve el esfuerzo del padre para construir una nave espacial que le permitiese a su hija sobrevivir en el espacio, ya que la Tierra sería destruida por la colisión con otro planeta. Él conectará a Rin a la máquina, tecnología que fungirá en adelante como una prótesis, es decir una prolongación del cuerpo de Rin, y de la memoria del padre. En este sentido, el video musical llama la atención por la importancia que le otorga a las tecnologías para la supervivencia del ser humano. Sin embargo, ante todo, no debemos olvidar que se trata de una canción de música electrónica, por lo que la canción en conjunto con su video musical reflexiona también (de manera implícita) sobre el uso de las tecnologías en la música. Por ello, veremos primero los antecedentes de la música electrónica, con especial ahínco en Japón.
Pero antes de leer el artículo, te invitamos a sufrir con nosotros y ver el video musical :’)
Porter Robinson… WHYYYY!?!?!? *insertar llanto*
Antecedentes: Música electrónica en Japón
Thom Holmes, en su libro Electronic and experimental music realiza un exhaustivo análisis de la música electrónica, cuyos antecedentes yacen en un ámbito académico, específicamente en Europa (Francia y Alemania) y Estados Unidos. El uso de tecnologías que permitirán la experimentación en el ámbito musical no será de fácil acceso: muchas de estas herramientas eran obtenidas gracias al trabajo en universidad, o en ámbitos como la ingeniería, las telecomunicaciones y la electrónica. Asimismo, llegó a ser considerada una música academicista, que no llegaba a ser del gusto del general. Incluso llegó a ser catalogada de “inarmoniosa” -como fue calificada en su momento la musique concrète-, y criticada hoy en día por algunos como “repetitiva” y que “limita” al ser humano (1).
https://youtu.be/q2o9VyuJSD4
Ejemplo de musique concrète, por Pierrer Schaeffer. ¡Ciudado! Realmente puede salir de lo que canónicamente entendemos por «armonía» xP
El autor estudia también el desarrollo de la música electrónica en Japón hasta los años 70. Se trata de una música que une elementos de la música asiática con teorías de composición Occidental, con una primera aproximación a la música electrónica de Alemania y Francia. Los años 50 verán el surgimiento del Jikken Kobo (Taller Experimental), un colectivo de poetas, pintores y músicos que trabajarán en proyectos multimedia. Ellos colaborarán con la empresa Sony, quienes, luego de ver el tape composition que realizaban a partir de una de sus grabadoras, vieron una oportunidad de promocionar sus tecnologías a través de la música y proyecciones de arte que realizaban.
Ballet Mirai no Eve del grupo Jikken Kobo, vía Frieze
Asimismo, Holmes señala que en 1953 llegará la musique concrète, con Toshiro Mayuzumi, y en 1955 la elektronische Musik luego de la visita del compositor Makoto Moroi al estudio Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) en Köln, Alemania. Moroi traerá de vuelta todo lo aprendido en Alemania y establecerá un estudio en la NHK -Nippon Hōsō Kyōkai (NHK, Corporación de Radiodifusión Japonesa)-. Y si bien es gracias al Jikken Kobo/Sony y la NHK que el público japonés estuvo expuesto desde los años 50 a la música electrónica, será un género marginalizado hasta los años 1970. En ese año despega gracias a la Feria Mundial en Osaka, donde el gobierno apoyará a numerosos compositores para que se presenten en dicho evento.
Hoy en día encontramos en Japón una producción diversa y numerosa de música electrónica: desde compositores y cantantes que pertenecen a conocidos sellos musicales como TeddyLoid, Mondo Grosso y Perfume; los que se mueven en un círculo underground como Goth-Trad; y quienes pertenecen a un medio de producción y difusión “alternativo” -los círculos dōjin y los espacios Comiket– como Shibayan Records y Alstroemeria Records.
Entonces, encontramos en este país un proceso de experimentación, popularización y difusión de la música electrónica no solo en círculos comerciales, sino también en espacios alternativos y de producción dōjin.
«Future Pop» de Perfume no solo es una canción dentro del electropop, sino también propone el uso de las tecnologías en su video musical.
The Anime Machine: las tecnologías en la animación japonesa
Un segundo elemento a tomar en cuenta para entender el surgimiento del video musical de Shelter es la reflexión inherente sobre el uso de tecnologías que tiene todo proceso de animación. Sobre el uso de las tecnologías en la animación japonesa, el libro The Anime Machine: A Media Theory of Animation de Thomas Lamarre es un referente. En su estudio expone dos elementos que permiten entenderla: la introducción y el impacto que tuvo el tren en Japón, y el uso de herramientas low-tech y la producción de bajo presupuesto.
El impacto del tren reside en cómo este permite a su usuario cambiar la percepción de lo que lo rodea. Se debe imaginar el cuerpo y la mirada -aparentemente inamovibles- como ejes centrales, y en una lógica donde existe la velocidad y el movimiento, los objetos externos son los que se mueven de manera secuencial. Si esta manera de percibir la secuencia de imágenes la aunamos al uso de la cámara multiplano y herramientas low-tech, tenemos lo que Lamarre llama “animetism” y efectos multiplano: un movimiento entre planos y superficies que permite la sensación de movimiento y profundidad.
Como el proceso de producción del anime implica inherentemente el uso de tecnologías -y explotar o innovar el uso que se le puede dar-, también invita a pensar en su uso y en la relación que el ser humano establece con estas: no solo permitirán al animador explorar el potencial de la imagen animada, sino también lo compromete a pensar en el uso de la misma tecnología, con nuevas formas de habitar y convivir en un mundo tecnologizado. De esta manera, el proceso de producción del anime, al igual que la música electrónica, nos invita a reflexionar sobre el uso de las tecnologías.
En ese sentido, pese a que el proceso de producción del video musical Shelter se sirve de las nuevas tecnologías para el desarrollo del corto animado, arrastra consigo las características inherentes del anime expuestas por Lamarre: la reflexión sobre el uso de las tecnologías.
Ok, ya tenemos las bases, ahora… Shelter! (?)
¡Chotto matte, joven-san! Antes sería bueno revisar la carrera musical de sus compositores (Madeon y Porter Robinson) y los vínculos que tienen con la cultura pop y las tecnologías, importantes para entender qué llevó a crear un corto animado como Shelter.
Porter Robinson, músico estadounidense nacido en 1992, se hizo conocido en los círculos en el 2010 con el sencillo “Say my Name”, el cual llegó a ser número uno en la plataforma Beatport. Asimismo, en esa misma época produce música que autodenomina dentro del género “complextro” (unión de los términos “complex” y “electro”). En 2012 comienza a hacer remixes oficiales de artistas como Avicii y Lady Gaga, y sacará “Language”, “complextro” con un inicio fuerte, que luego se torna melódico y profundo. En 2014 lanza su primer álbum titulado Worlds, con canciones como “Sea of Voices”, “Sad Machine”, “Lionhearted” y “Flicker”,las cuales presentan el interés del compositor por la cultura japonesa, los videojuegos, el anime y el programa Vocaloid, y evocarán una sensación de nostalgia.Por un año detendrá su producción musical, y en el 2016 lanza en colaboración con Madeon la canción “Shelter”, del cual se encargará, junto con A-1 Pictures de la elaboración de su video musical. Vemos entonces que, hasta el 2016, Robinson presenta una música que se caracteriza por un sonido profundo, introspectivo y nostálgico.
Por otro lado, Madeon es un compositor nacido en Nantes (Francia) en 1994. En el 2011 lanzó el sencillo “Pop culture”, un mashup de 39 de sus canciones favoritas. Su disco Adventure (2015), que en su edición, deluxe incluye canciones como “Imperium”, “You’re On”, “Pay No Mind”, “Home”, “Icarus” y “Cut the Kid”, es un álbum que según el mismo Madeon: “busca capturar el sentimiento y sensibilidad de su adolescencia. Busca ser un álbum vibrante y pop, y que termine con un tono contemplativo”. En ese sentido, “Cut the Kid” y “Pay No Mind” tienen esa energía y onda pop de la cual habla el compositor; y “Home” y “Technicolor” un tono contemplativo. Para la promoción del álbum creó una aplicación llamada “Adventure Machine” que permitía mezclar fragmentos seleccionados del disco usando el celular, la tablet o la computadora. Esta herramienta sería nominada a los Webby Award, premio concedido a la excelencia en el desarrollo del Internet. Y en el 2016 y 2017 realizará una gira con Porter Robinson del sencillo “Shelter”. Hasta ese momento apreciamos, entonces, que la música de Madeon se caracteriza por un estilo enérgico, vibrante y con momentos contemplativos.
Did you feel the energy?
Por lo tanto, podemos apreciar a dos compositores de música electrónica que se sirven de la nueva tecnología y se inspiran muchas veces en ella para darle nuevos usos. Es sobre la base de esta relación y reflexión que los compositores tienen sobre la tecnología que surge la trama del corto animado. Y en este proceso, será vital la participación de Porter Robinson, cuyo interés por la cultura pop japonesa -y la reflexión sobre el uso de tecnologías que tiene el anime- hará un buen match con la reflexión que tiene sobre la tecnología, el pasado y los procesos musicales.
Sujeto + Tecnologías: la inevitabilidad de la prótesis
Hemos visto entonces que el uso de la tecnología (animación y música) invita al ser humano ha repensar nuestra relación con ella. Especialmente, en el ámbito musical ha permitido al sujeto ampliar la creación de sonidos y su experiencia frente a la música. De esta forma se cumple lo que señala José Ignacio López Ramírez Gastón en su libro La guardia vieja: visiones sobre la música electrónica en el Perú. En este explora la interdependencia que existe entre la tecnología y la música, y apunta la importancia de la aparición de máquinas de creación sonora como medio para ampliar nuestras limitaciones naturales y la experiencia musical.
Este mismo proceso nos invita a pensar la producción musical como obra de las tecnologías, donde tanto las nuevas tecnologías como la música electrónica fungen de prótesis del ser humano, los cuales le permitirán ampliar su experiencia musical y auditiva, y experimentar nuevas sensaciones. Estassegún Paul B. Preciado y Marshall McLuhan no deben ser únicamente entendidas como una sustitución artificial de alguna parte del cuerpo, sino también se incluye toda tecnología de uso que permite ampliar nuestros sentidos, como el teléfono, el televisor o las computadoras. Con ello se implica que todo cuerpo por sí mismo es “incompleto” y que requiere de una tecnología que le permita superar los límites físicos y de los sentidos.
Entonces, con todo el marco presentado procedemos a analizar el video musical (o corto animado, sin ponernos tan exquisitos con la terminología) Shelter.
¡Ahora sí! Shelter: Rin y el antropocentrismo
ADVERTENCIA Si no has visto todavía el corto animado, te animamos a que lo hagas, porque a partir de ahora vamos a iniciar de lleno con el análisis (AKA spoiler alert)
Como recordarán en el artículo sobre Mononoke Hime, el sujeto en la sociedad occidental colonialista y capitalista es concebido como un cuerpo “completo”, es decir sano, sin enfermedades ni mutilaciones, el cual es productivo en sentido reproductivo y económico. Asimismo, se trata de un sujeto que se encuentra escindido de la esfera natural, con lo cual todo vínculo con ella es rechazado y considerada como “irracional”. Tenemos, entonces una sociedad occidental con una perspectiva antropocéntrica, donde el ser humano es concebido como la medida y centro de todas las cosas.
Bajo esta misma lógica todo vínculo que se pueda establecer entre el sujeto y la tecnología también será rechazado. Esto provoca dos tendencias: por un lado se percibe el avance de la tecnología y su inserción en la vida cotidiana con miedo, ya que se considera es motivo de alienación del ser humano y provocará su desplazamiento (cual narrativa de ciencia ficción o postapocalíptica); y por otro coloca en primer plano la “imperfección” del cuerpo, asemejándolo a aquellos discapacitados o mutilados, lo que la sociedad ha calificado bajo la etiqueta de “abyecto”. Asimismo, se concibe un riesgo de la tecnología como fuente de escape y aislamiento.
En ese sentido, los primeros minutos del corto animado nos presentan a Rin como un sujeto que puede ser identificado como un ser humano “completo”, es decir, sin enfermedades ni mutilaciones:
Rin como cuerpo «completo» pero que depende de la tecnología (tableta). Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Si bien se trata de un cuerpo “no productivo”, ya que la mayor parte del tiempo yace entre las paredes de su habitación -haciendo uso de su tableta para crear objetos y paisajes-, no es distinto al ser humano concebido desde el antropocentrismo. Esto debido a que se trata de un sujeto desconectado de su entorno, el cual construye, reconstruye y modifica este a su antojo con el único fin de adaptarlo a sus necesidad y que le ayude a escapar de su soledad. En otras palabras, el entorno que crea Rin gracias a su tableta y la realidad virtual tiene por finalidad satisfacer sus necesidades. Pero este colonialismo sobre la naturaleza no será perfecto porque hay algunos elementos que Rin no podrá controlar, como los cambios de clima y la aparición (cual glitches o bugs) de algunos objetos:
Rin frente a un columpio que no programó con su tablet. Estos bugs demuestran una falta de control absoluto hacia la realidad virtual (equivalente al territorio) por parte del sujeto. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Por lo tanto, en los primeros minutos del corto animado se puede identificar a una protagonista que pone en cuestión la aproximación occidental que tiene el ser humano con el territorio, ya que pese a ser un cuerpo con capacidad productiva, está aislado de su entorno y no tiene plena facultad para controlarlo. Asimismo, se puede apreciar un uso incorrecto de la tecnología y la realidad virtual por parte de Rin, ya que inicialmente serán un medio de escape y aislamiento.
Shelter, prótesis y tecnologías
Sin embargo, si profundizamos en el uso que se le da a las tecnologías, podemos identificarlas como una prótesis. La realidad virtual, según su creador Jaron Lanier, tiene el potencial de ser una prótesis ya que una vez el usuario sale de esta, ayudaría a percibir lo que lo rodea de forma más nítida y vívida. Asimismo, el autor rescata que esta debería ayudar al ser humano a ser más creativo, expresivo y empático. En el caso del corto animado, al tratarse de una narrativa postapocalíptica -donde Rin no tiene contacto alguno con otros seres humanos ni con la Tierra debido a la destrucción de esta-, la realidad virtual suplirá tanto las relaciones humanas, como el territorio o la naturaleza. De esta forma, las tecnologías fungirán para Rin como una prótesis de los sentidos y la experiencia.
La realidad virtual como «prótesis» de la naturaleza y una exploración de los sentidos para Rin. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Podemos apreciar, además, una resignificación del cuerpo según la lógica antropocéntrica, ya que el cuerpo “completo” de Rin requerirá de una nave espacial, es decir, una tecnología o prótesis, para sobrevivir en el espacio. Esta nave inventada por su padre demuestra la profunda interdependencia o interconexión que hay entre el ser humano y la tecnología, pues la máquina no cumpliría su objetivo sin el ser humano ni este puede sobrevivir sin el uso de estas. Con ello, el video está en contra de la noción de que la máquina va a desplazar al ser humano y, por el contrario, la inserción de las tecnologías a la vida se trata de un proceso inevitable e irreversible para la supervivencia humana. Por lo tanto, la tecnología se trata de una prótesis del cuerpo:
La interconexión (inevitable) entre el cuerpo y la máquina para sobrevivir. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
También es interesante cómo la tecnología (nave espacial y realidad virtual) funge de prótesis de la memoria de Rin y del padre. Por un lado, la realidad virtual es una prótesis de la memoria de Rin ya que esta, cuando se sale del control y presenta bugs, se asemeja a los recuerdos reprimidos de Rin, y la obliga a confrontarse con su pasado:
Recuerdos reprimidos por parte de Rin. El enfrentarse a ellas le permitirá reconectarse con su pasado. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Por otro lado, la nave espacial es una prótesis de la memoria del padre, ya que en esta se guardan los recuerdos de este: desde su preocupación por proteger y cuidar de su hija en los últimos días que le quedan a la Tierra, hasta el proceso de construcción de la máquina que le permitirá a Rin sobrevivir en el espacio. De esta forma, la nave será una prolongación de las memorias del padre, y un nuevo refugio que servirá de “hogar”.
Por último, el final del corto animado refuerza la idea de que es en el mismo cuerpo y mente de la protagonista donde se almacena la memoria de su padre: si no fuese por sus recuerdos, no habría podido liberar las memorias del padre, las cuales yacían almacenadas en la misma nave espacial. Con ello, la tecnología deja de ser aquel elemento expulsado de la esfera humana, y el que provoca la separación entre los mismos sujetos; por el contrario, ayuda a restablecer una (re)conexión entre Rin (sujeto), el padre (las otras personas) y la tecnología (que en la realidad virtual cumple también un equivalente a la naturaleza).
En conclusión, el video musical Shelter es producto de la reflexión inherente sobre el uso de tecnologías en la animación japonesa y en el proceso de producción de la música electrónica. Gracias a ello el espectador tiene un producto que lo invita a (re)pensar cómo nos aproximamos hoy en día a la tecnología: su uso y desarrollo es parte de un proceso inevitable e irreversible, y tiene el potencial de conectar a los seres humanos (todo esto, quizás, elementos que resonarán con nosotros después del coronavirus…).
La propuesta de Shelter: una interconexión entre Rin, su padre y la tecnología. Una visión esperanzadora, pero no por ello menos postapocalíptica. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
[EXTRA] Entre lo apocalíptico y lo lúdico: la “estética del error”
Una reflexión final. En el proceso de lectura e investigación para la redacción del trabajo (2017-2018) sobre el que se basa el presente artículo había surgido un discurso que defendía el “regreso a lo natural”. Asimismo, se había identificado que algunos autores teóricos consultados temían que la sociedad colocara las tecnologías por encima del ser humano, ya que este exceso de confianza en la tecnología empobrecería al sujeto y lo “deshumanizaría”. Frente a esta tendencia, ya desde hace un tiempo algunos artistas fueron conscientes de la posibilidad del error y fallo inherentes al uso de las tecnologías y la incorporaron en sus productos. En otras palabras, le dieron un fin lúdico. Ejemplo de ello lo podemos ver en el glitch art.
Algunos videos de música electrónica en la última década han incorporado dicha estética (2). Shelter es un ejemplo a nivel narrativo, ya que los bugs y glitches en la realidad virtual son lo que permiten el crecimiento de la protagonista, quien recuerda su pasado, y con ello se reconecta con su padre y la tecnología. La misma estética podemos identificar en otro videomusical de Porter Robinison: Flicker, donde el glitch art es una herramienta que permite al espectador percibir las imágenes desde una óptica nueva -creativa- y potenciar algunos elementos que existen en la realidad. Finalmente, tampoco sería descabellado identificar estéticas como el vaporwave -con álbumes como Floral Shoppe de Macintosh Plus- como cercanas a esta forma artística. Esto debido a que su estética rompe con el sentido lineal de tiempo, y yuxtapone elementos que no pertenecen a una misma era: el arte grecolatino con la estética de los años 80’s; una nostalgia y estética de la ciudad que supone un “error” en la lógica lineal del tiempo. Frente a todo ello, ¿a dónde nos llevará esta aproximación -más confiada, pero no por ello menos cuidadosa- que tenemos a la tecnología?
Glitches a más no poder en Flicker de Porter Robinson
El «error», lo «atemporal» y «alocal» en la estética vaporwave
NOTAS
(1) Sobre la crítica a la música electrónica, leer You are not a Gadget de Jaron Lanier, creador de la realidad virtual.
(2) Y si consideramos que los videos musicales apelan al pensamiento y la mirada de una generación, ¿será acaso que los nacidos a finales de la generación millennial y los de la generación Z son conscientes de la posibilidad de error en las tecnologías, y por ello no las perciben de manera fatalista como las generaciones anteriores?
¿Te gustan las tecnologías y la música electrónica? Te recomendamos…
Holmes, Thom. 2008. Electronic and experimental music. 3ra edición. Nueva York: Routledge.
Lamarre, Thomas. 2009. The Anime Machine. A Media Theory of Animation. Mineápolis: University of Minnesota Press.
Lanier, Jaron. 2010. You are not a Gadget. A Manifesto. Nueva York: Alfred A. Knopf.
Lanier, Jaron. 2017. Dawn of the Everything: Encounters with Reality and Virtual Reality. Nueva York: Henry Holt and Company.
López Ramírez-Gastón, José Ignacio. 2019. La Guardia Nueva: Visiones sobre la música electrónica en el Perú. Lima: IDE-PUCP.
Mayorá Román, Eduardo. 2015. “Pop atmosférico. Sobre Marshall McLuhan y la estética contemporánea”. La Trama de la Comunicación. 19, 331-345.
McLuhan, Marshall. 2002. Understanding Media. The Extensions of Man. Nueva York: Routledge.
Preciado, Paul B. 2011. Manifiesto contrasexual. Barcelona: Editorial Anagrama.
El presente trabajo es una ampliación y adaptación de
Arana Blas, María Alexandra. 2018. “Prótesis e Interconexión: un análisis del video musical Shelter de Porter Robinson” Ponencia presentada en el Congreso Internacional ALADAA 2018. Lima. (Documento enviado a las Actas de Congreso ALADAA 2018)
🐉 No solo de anime vive el hombre. Por ejemplo, ¿qué sería del shōjo sin todo el background literario de las revistas para chicas de inicios del siglo XX? ¿O Dragon Ball sin la mitología china? No sería raro, entonces, encontrar una cultura popular construida en base a la literatura o las tradiciones orales. ¿Pero puede suceder a la inversa, especialmente en el contexto latinoamericano? #GISugoi te presenta el día de hoy Imperio de sombras.
📖 Primera novela publicada por Nilton Maa, se ubica dentro del género fantástico. En ella no solo podemos establecer un nexo con la cultura y religiosidad de China y Japón (incluso, se llega a sugerir una sensibilidad andina) (1); también tiene elementos propios de algunas series y películas de la cultura pop. El lector será testigo de la convivencia entre las artes marciales, la magia y lo sobrenatural (¿alguien recuerda Avatar the Last Airbender?). Las primeras dos partes desarrollan la trama política: la organización del Imperio Wa, las líneas de sucesión y la inestabilidad política y social por la que atraviesa. Y la última parte colocará en primer plano el triunfo y la vuelta al orden gracias a la magia y lo sobrenatural, lo cual se da gracias a una conexión entre el ser humano y la naturaleza.
🥋 Llama la atención los personajes femeninos, los cuales el lector puede relacionar fácilmente a los de Hayao Miyazaki: mujeres fuertes, capaces de tomar las armas, que pueden comunicarse con los dioses y los espíritus, y que poseen una gran sabiduría. En ese sentido, la división de los capítulos responderá al personaje femenino que tome protagonismo: Xiao Mei, donde veremos el rol importante de las artes marciales y qué espera la sociedad de una princesa; la princesa Suyen, quien nos presenta cómo es la vida en el Palacio, las conspiraciones que se dan en su interior, y la débil presencia que tiene el gobierno en algunos territorios del reino; y Saori, quien nos presenta cómo es la vida fuera del reino, así como el nexo que tienen los dioses y los espíritus con los seres humanos. Además, llaman la atención otros personajes como el de la guerrera que lucha al lado de Xiao Mei en el bosque, o la princesa Mei. De ellos el lector desearía saber más, y podría dar lugar a una ampliación del mundo ficticio creado por el autor
Finalmente, Imperio de sombras resulta una obra atractiva y entretenida, la cual valdría la pena también ver en un formato gráfico, donde se podría aprovechar al máximo las secuencias de peleas y el worldbuilding.
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NOTA:
(1) Ello es pertinente, ya que la relación que establece el sujeto con el territorio es muy similar en la lógica japonesa y en la lógica andina. Asimismo, la costumbre de realizar “marcas” (por ejemplo, lugares de descanso) en el territorio y de delimitar lugares sagrados (como las montañas) es una práctica que se puede observar también en la cultura china.
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👉 Novela (vía Amazon):
Sobre la sensibilidad andina en la novela, revisar la reseña del libro en Lámpara de papel:
🎮🎶 Se acaba de anunciar en Twitter el próximo lanzamiento de la versión en anime del videojuego The World Ends With You (すばらしきこのせかい, It’s a Wonderful World).
Famoso juego lanzado en el 2007 para la consola portátil Nintendo DS, se centra en Neku Sakuraba, quien despierta en la ciudad de Shibuya y se ve obligado a participar en un juego del cual dependerá su vida. En su recorrido, tendrá el apoyo de otros adolescentes como Shiki Misaki, Yoshiya Kiryu (Joshua), Daisukenojo Bito (Beat) y Raimu Bito (Rhyme).
Quienes hemos tenido la oportunidad de jugarlo, recordaremos los increíbles gráficos, la música y la jugabilidad, la cual explotó al máximo la integridad del Nintendo DS: desde el uso de las dos pantallas, hasta la incorporación del micrófono y el puntero, y el uso de todos los botones.
Sin duda, se trata de una gran noticia para los fanáticos del videojuego (que ya se hacía extrañar) y esperaremos con ansias las noticias sobre el anime.
Y tú fanático de Sugoi, ¿qué experiencias tienes sobre este videojuego? 👀
¿Cuántas veces no hemos metido la pata en la adolescencia? ¿Acaso no hemos hecho tonterías con nuestros amigos y vivido al máximo nuestros sentimientos?
La misma premisa sigue el manhuaTheir Story, también conocido como Tamen De Gushi o SQ: Begin W/Your Name!,publicado desde el 2014 por Tan Jiu. Con 203 capítulo hasta la fecha, es un slice of life que presenta el desarrollo de la amistad entre Sun Jing y Qiu Tong, dos chicas que estudian en escuelas distintas. En paralelo se explorará el día a día de sus amigos, los eventos que ocurren tanto en el colegio como fuera de este, y la relación que tienen con su familia.
Si bien el manhua tiene como centro el desarrollo de la relación entre Sun Jing y Qiu Tong, llama la atención cómo la narrativa presenta múltiples capítulos centrados en otros personajes, lo cual permite complejizar no solo en la personalidad de las protagonistas, sino también en la de sus amigos. Ello permitiría al lector profundizar el contexto en el que estos adolescentes viven. Se trata, entonces, de una obra narrada desde múltiples perspectivas o, en otras palabras, una polifonía. Término acuñado por Mijaíl Bajtín, la polifonía consiste en la pluralidad de voces en una obra, cada cual con una personalidad y un punto de vista sobre lo que los rodea.
De esta manera, gracias a la polifonía encontramos la aproximación que tienen las protagonistas y sus amigos sobre la adolescencia yla adultez, la relación que tienen con su familia, el género, y la sexualidad; todo esto en el contexto de una China urbana y contemporánea. Por ello, antes de profundizar en estos aspectos, vale la pena revisar brevemente cómo el manhua se refiere a dicha sociedad.
https://twitter.com/i/status/960213462587654144
Construcción de una sociedad: ¿compañerismo o individualismo?
Their Story deconstruye el mito de una sociedad china que desea caracterizarse por la camaradería y el sentido de comunidad. Un ejemplo de ello lo podemos encontrar en el personaje de “Tattletale” -en su traducción al inglés, o “chismoso” en castellano-, quien desde los primeros capítulos es presentado como un personaje que respeta de manera desmedida y acrítica la “nación”. Ello se puede apreciar cuando en un día de lluvia decide salir corriendo del salón para “rescatar” la bandera y evitar que se moje:
Tattletale al «rescate» de la bandera. Capítulo 27 de Their Story, Tan Jiu.
Y si bien este amor por el territorio, costumbres y hasta la política podrían ayudar a crear un sentido de comunidad con sus compañeros, sucede lo contrario y, paradójicamente se lo construye como un personaje individualista. A ello se le debe sumar su poca capacidad de diálogo y de tolerancia, ya que siempre ignora las invitaciones de Sun Jing y Qi Fang para salir, y cree que el camino al éxito solamente se logra a través de una disciplina que lo obliga a ignorar los momentos de ocio -por lo cual, por ejemplo, siente celos hacia Qi Fang y le cuesta entender cómo logra alcanzar un mejor puesto que él-:
«¡Tenemos distintos valores!». Capítulo 81 de Their Story, Tan Jiu.
«…Tan molestos», el individualismo de Tattletale. Capítulo 10 de Their Story, Tan Jiu.
Por otro lado, el manhua cuestiona el ideal de camaradería y comunidad a través de la representación que hace del bullying. Ello se puede apreciar en el capítulo 122, en un flashback que tiene el presidente de clase Ashu:
Presidente de clase Ashu como contraposición de Tattletale. Capítulo 116 de Their Story, Tan Jiu.
Arco de crecimiento (físico y psicológico) de Ashu, el presidente de clase. Capítulo 123 de Their Story, Tan Jiu.
Él servirá como contraposición de “Tattletale”, ya que encarna los valores de la disciplina, la constancia y el apoyo a los demás, por lo cual sí podría encarnar el ideal de compañerismo. Con ello se demuestra que la camaradería, más que ser un valor adquirido por ceñirse al discurso oficial de una nación, es algo que se construye entre sus integrantes a partir de un compromiso y apoyo mutuo. En otras palabras, la comunidad solo se logra construir a partir del reconocimiento del otro y la apertura al diálogo.
Es así como Their Story presenta desde temprano en su narrativa una fuerte crítica social que se extenderá en la forma cómo se construye a los sujetos y cómo se los encamina a la adultez.
“Explorar nuestros límites”: Adolescencia vs. Adultez
El manhua plantea la adolescencia como aquella etapa donde el sujeto tiene mayor libertad y puede expresar sin temor sus emociones, a diferencia de la adultez, en la cual deben adaptarse a las normas y cumplir con las expectativas sociales. Esto se debe a que la sociedad entiende la adolescencia como aquella etapa donde el joven termina de asimilar qué es lo apropiado y qué no, y se encamina a las responsabilidades que le esperan en la adultez. Por ello, “pequeñas desviaciones” a la norma pueden ser toleradas. Sin embargo, en la adultez se esperará que estos mismos sujetos puedan obtener un trabajo estable, se casen y puedan hacerse cargo de la familia (teniendo hijos y cuidando a los padres).
Pero además de haber asimilado estas normas, en Asia, y específicamente en China, será importante que los jóvenes también hayan interiorización el cuidado del “rostro”. Este consiste en la reputación individual y familiar que debe mantener el sujeto. Bajo los nombres de miànzi (面子) -estima personal, reputación, prestigio, honor, posición social- y liǎn (臉子) -respeto, reputación, prestigio, influencia-, el “rostro” se le otorga al sujeto, pero también debe ser construido y se debe luchar por él. Por ello, será vital que el joven actúe en la esfera pública ciñéndose a la norma, cuidándose de no realizar alguna acción que sea juzgada por la comunidad y que provoque la pérdida de su reputación y la de su familia.
Sin embargo, llama la atención cómo los personajes de Their Story son abiertos en sus emociones. En lugar de mostrarse en la esfera pública -en la calle y en la escuela- como estoicos y con un perfecto control sobre sus emociones, son muy transparentes. Ello se puede apreciar cuando se contrasta a los transeúntes, quienes no suelen demostrar en exceso sus emociones, con los protagonistas. Y aunque hayan casos donde la gran alegría de los personajes se traslada a los personajes de fondo, estos tratan de mantenerse inamovibles:
Contraste de sentimientos: transeúntes y Sun Jing (¿soy yo o también hay concepto de “rostro” en la imagen? :pensando:). Capítulo 19 de Their Story, Tan Jiu.
Their Story plantearía, entonces, la adolescencia con un potencial transgresor, ya que en ella se permite a los jóvenes, todavía en tránsito de asimilar la norma, buscar sus límites y decidir si más adelante la cuestionan:
«Mamá, ¿acaso en la escuela no te morías de ganas de conocer los límites del ser humano?». Capítulo 93 de Their Story, Tan Jiu.
Si bien se percibe una “rebeldía” en los personajes, nada garantizaría que esta se mantendrá en la adultez. No obstante, la constante referencia que hacen los personajes sobre sus padres nos lleva a la pregunta: ¿realmente mantendrán el mismo sistema en el cual viven?
Entre la atomización y la gratitud: relación con los padres
La piedad filial es un aspecto muy importante en la sociedad china. Autores como Qijun Han señalan que el modelo tradicional de familia china se construye sobre una base patriarcal, patrilineal y patrilocal, donde los hijos tienen un sentido de responsabilidad con los padres y los mayores, lo cual los coloca en una relación jerárquica y de obediencia.
Y pese a que el manhua nos sitúa en un contexto urbano y contemporáneo donde la imponente figura de un “patriarca” ha desaparecido, se suma otro problema: la inserción de los sujetos a las dinámicas de globalización e industrialización. Este viraje económico se realizó en China en los años 90, especialmente en las grandes ciudades, y no solo provocó el cambio en las dinámicas familiares -como la inserción del hombre y la mujer a la esfera laboral-, sino también la separación de los padres con sus hijos por la sobrecarga laboral que deben asumir para mantener el hogar. Los efectos de esta pueden ser percibidos en el caso de la madre de Qin Xiong, quien se hace cargo de mantener a la familia y llega cansada al hogar, o la madre de Qiu Tong, quien trabaja horas adicionales y constantemente debe cancelar los planes que tenía con su hija:
Desmintiendo el mito de la familia: el libre mercado y la atomización del sujeto. Capítulo 93 de Their Story, Tan Jiu.
Todo esto construye un contexto donde hay una atomización del sujeto, donde el ideal de familia y de familia extendida, con la presencia de tíos o abuelos, es desmentido al mostrar la soledad en la que se encuentran. Y pese al desamparo en el cual se encuentran, llama la atención cómo estos no dejan de reconocer el esfuerzo de sus padres, y sienten una profunda gratitud hacia ellos:
Un regalo por el día de la madre: relación de Qiu Tong y su mamá. Capítulo 53 de Their Story, Tan Jiu.
“Gracias por tu arduo trabajo”: Qin Xiong agradece a su madre, quien los mantiene a ambos. Capítulo 196 de Their Story, Tan Jiu.
Ello se aprecia sobre todo cuando se refieren a la figura de la madre. No obstante la ausencia del padre es expresada por los personajes masculinos de forma violenta, y la relación con este parece tensa, como se puede observar en la forma cómo Qin Xiong se refiere a su padre, o cuando un personaje extra conversa con su padre en el restaurante:
Relación de Qin Xiong con su padre y su pueblo de origen. Su historia viene después del capítulo 107, donde un personaje extra discute con su padre sobre su ausencia y repentino interés en lo que hace. Capítulo 108 de Their Story, Tan Jiu.
El rechazo de Qin Xiong de visitar a su padre no solo sería una ruptura con la estructura patrilocal propia de la piedad filial, sino también es un desarraigo hacia la ciudad de origen, lo cual podría provocar un quiebre en el sujeto al romper de manera violenta con su pasado.
De esta manera, Tan Jiu señala un cambio en la estructura familiar de la sociedad china, así como múltiples quiebres que se dan en el sujeto, ya sea por la atomización que sufre debido a su inserción en la dinámica neoliberal o por la ruptura con el lugar de origen -vinculado a la patrilocalidad-. Y si bien la urbe china presenta una paulatina inserción de la mujer en el trabajo y la desaparición de la figura masculina como única cabeza de la familia, el manhua nos muestra que la sociedad atraviesa todavía por una inequidad.
Del arte a la crítica social: ¿cómo hablar del género?
En este contexto, si Their Story es una historia que cuestiona el modelo tradicional de familia, también dedica algunas secciones para criticar la construcción del género.
Para entender cómo se construye el género en China se debe tomar en cuenta las influencias del confucianismo. Este sistema de pensamiento apunta la necesidad de una diferenciación sexual con el objetivo de mantener la armonía social. Con ello, se construyeron roles de género de manera marcada: a las mujeres se les asignó el rol de esposas, concubinas o prostitutas, con una sexualidad al servicio del hombre y, de ser casadas, al cuidado del hogar; mientras que el hombre era considerado la cabeza de la familia, quien debía tener hijos para demostrar la “prosperidad” familiar -lo cual también es parte del concepto de “rostro”- y su trabajo se ubica en la esfera pública.
Sin embargo se pueden encontrar dos momentos que permitirán un cambio en el rol de la mujer en China: el surgimiento de las fábricas de seda y la Revolución Cultural (1949). Las fábricas de seda fueron espacios que, hasta 1920, permitieron a las mujeres obtener ingresos económicos, y a partir de ellos se formaron comunas que les brindaron una relativa libertad y donde no se les imponía el matrimonio. Por otro lado, en la era de Mao Zedong (1949-1978) se buscó una igualdad de la mujer en el ámbito legal y social. No obstante, este discurso de “equidad” se basó en introducir a la mujer en la esfera laboral -muchas veces en trabajos de “segunda clase”-, pero sin quitarles la carga de trabajo doméstico. Esto se mantendrá por décadas, inclusive con la inserción de China a la economía de libre mercado, a partir de los años 90.
Sun Jing presenta a sus papás, quienes trabajan en el rubro de fotografía y editorial. Capítulo 45 de Their Story, Tan Jiu.
Se trata, entonces, de un contexto donde si bien la mujer tiene un lugar en la esfera laboral y tiene mayor acceso a la educación, sigue existiendo la imposición del matrimonio y una reducción de su cuerpo a objeto de deseo. Asimismo, las leyes y el discurso oficial animan a las mujeres a focalizarse en la familia y en el cuidado del hogar a partir de una carencia de leyes que prohíben el acoso sexual, y a través del uso de la propaganda y los medios, respectivamente.
De esta manera, el manhua retrata la problemática de la inequidad de género de manera más clara a partir del 2018, meses después del surgimiento de los movimientos #MeToo en Asia. China no será ajeno a ello, ya que usará el hashtag en redes sociales, pero ante la censura será reemplazado por términos como #WoYeShi, #metoo o #RiceBunny -ya que el hashtag original “#MeToo” se asemeja en pronunciación a la palabra en mandarín “Mi Tu”, “conejo de arroz”-. Así, como toda obra de ficción, Their Story se verá influenciada por los discursos con los cuales entra en contacto su autor, quien decidirá a través de su historia si los avala, cuestiona o transgrede.
En un contexto donde se desea denunciar algo que produce malestar a un grupo de la población, pero se corre el riesgo de la censura, ¿cómo transmitirlo? A través del arte, ya sea desde la literatura, el cine, la música o el cómic. Y si Their Story ya había planteado desde entregas anteriores las problemáticas por las que atraviesan los jóvenes en relación con los ideales de familia y adultez, este tema no estará exento, solo que, a diferencia de los anteriores, llama la atención la manera directa en la cual lo denuncia. Ello se puede apreciar primero cuando Sun Jing defiende a Qiu Tong de un acosador, quien filmaba debajo de su falda durante una visita al parque temático. Ante ello la respuesta del parque fue recomendarle a Qiu Tong no use una falda corta en lugares con mucha gente, pero Sun Jing seguirá defendiendo la opción de vestimenta de su amiga:
Sun Jing recriminando a una trabajadora del parque de diversiones, quien critica la ropa que usó Qiu Tong. Capítulo 184 de Their Story, Tan Jiu.
Otro ejemplo de ello se presentará capítulos más adelante, donde un hombre -no se puede explicar con precisión si se trata del padre de Sun Jing, o si bien se trata de uno de los tantos personajes de fondo que toman en ocasiones protagonismo en la obra- imagina el futuro de su hija. Él espera que ella pueda vivir plenamente y con libertad, pero algunas decisiones que desea tomar no son aceptadas, muchas veces por el riesgo que supone para ella “por ser mujer”. Y si bien, pese a que ese camino parece encasillar a la joven, al final se abre la posibilidad de que logre -de alguna forma, sin que el lector sepa el proceso de cuestionamiento o simplemente si decidió “asumir el riesgo”- algunas de sus metas:
Cómo el padre se imagina a su hija pese a la realidad de la sociedad. (Capítulo no es de libre acceso), Their Story, Tan Jiu.
Lo visto hasta el momento nos demuestra que Their Story es un manhua que no es indiferente a los problemas sociales en los cuales se insertan sus protagonistas. Si este se ha visto influenciado por todas las denuncias de acoso y objetivización de la mujer que surgieron a partir del 2018, y lo expuso pese a los antecedentes de censura, ¿cómo pudo desarrollar casi desde sus inicios la relación entre Sun Jing y Qiu Tong?
“Y pese a todo… ‘buenos ciudadanos’”: la (homo)sexualidad
La homosexualidad no resulta nueva en la sociedad China, ya que se tiene registro de ello en las cortes, entre hombres de alto rango. Asimismo, Fung Kei Cheng señala que en estos mismos espacios las relaciones lésbicas fueron incentivadas no solo con el objetivo de crear una mayor armonía entre las mujeres y concubinas del palacio, sino también porque les permitiría a los hombres conservar su energía sexual -y con ello, según la doctrina taoísta, alcanzar la longevidad-. No obstante, estas relaciones entre personas del mismo sexo serán recién suprimidas en la China moderna, y encontrarán una mayor notoriedad a partir del 2000.
Con las reformas post-socialistas, la globalización e industrialización de los años 90, la población China podrá acceder al Internet y, con ello, entrará en contacto con los hábitos de consumo y las diversas comunidades de Taiwán y Hong Kong. Según Jamie Zhao, este antecedente permitirá no solo la visibilización del deseo lésbico, sino también su expresión a partir del 2000 en series de televisión. El caso emblemático sería el reality “Super Voice Girl”, en el cual compiten cantantes de China continental, Taiwán y Hong Kong, y donde algunas de ellas presentan una performance artística tomboyish, también conocido en China como “T-style” (1). Este programa será censurado en el 2006 porque la Administración Estatal de Radio y Televisión consideró que la competitividad entre las concursantes y las discordancias con los jueces “promovían un contenido vulgar y que representaba poco la ideología del Estado”. A pesar de la censura, la popularidad del programa permitió que el formato regresara en el 2009. En este resaltarían un ambiente de “felicidad” entre las competidoras -incluyendo todavía a aquellas con una performance de género no normativo-; con segmentos donde se muestra su día a día y se recalca que son ciudadanas “normales, positivas y ordinarias”. Este antecedente nos permitirá entender la construcción de la trama GL (Girls’ Love) del manhua.
Al inicio del artículo se propuso una construcción de la narrativa de Their Story a partir del uso de la polifonía. Esta permitirá que diversas “voces” o personajes presenten su posición sobre los discursos de familia, comunidad y adultez que giran a su alrededor. Pero fuera de ello, la mayoría son jóvenes que cumplen con sus responsabilidades como compañeros, estudiantes e hijos: se apoyan entre sí, se ubican en buenos puestos en la escuela y sienten gratitudhacia sus padres -especialmente hacia sus madres, con quienes tienen un vínculo más estrecho-. Se tratan entonces de “buenos ciudadanos” que no deberían suponer un “peligro para la comunidad” sea cual sea su sexualidad.
Y en lugar de presentar la atracción entre Sun Jing y Qiu Tong como un evento extraordinario, el manhua naturaliza la atracción que sienten los demás jóvenes tanto hacia personas de su mismo sexo como hacia las del sexo opuesto. Así, por ejemplo Qi Fang resulta atractivo para varias chicas de la escuela; y Xuezhang -estudiante de tercer año cuyo físico podría considerarse “masculino”- siente atracción hacia Qin Xiong -amigo de salón de Sun Jing y que también es considerado con rasgos “masculinos”-. Esta última pareja llama la atención porque rompe con el estereotipo del rol “pasivo”/“activo” que existe sobre la homosexualidad en la cultura popular.
Qi Fang con una compañera del colegio. Capítulo 144 de Their Story, Tan Jiu.
Relación de Qin Xiong con Xuezhang. Capítulo 38 de Their Story, Tan Jiu.
Aunque esta atracción es algo que Qin Xiong no esperaba, tampoco rechaza la presencia de Xuezhang, ni será objeto de burla por parte de sus amigos, lo cual demuestra una sociedad -o aunque sea un grupo pequeño como el de la escuela- donde el deseo hacia las personas del mismo sexo es normal.
Sun Jing con Mo Xiaonan, compañera del colegio que se siente atraída por la protagonista. Capítulo 87 de Their Story, Tan Jiu.
Otro ejemplo lo podemos encontrar en la imagen de Sun Jing, quien resulta atractiva tanto para Mo Xiaonan -compañera del colegio que, avanzada la historia, se declarará a Sun Jing- como para Qiu Tong -coprotagonista y principal interés amoroso-. Pero al ser el desarrollo de la relación entre Sun Jing y Qiu Tong el centro de la historia, esta tendrá que hacer uso de otro recurso para evitar la censura: una “treta del débil”. Término acuñado por Josefina Ludmer y aplicado mayormente a la literatura, consiste en la aceptación de los roles y lugares asignados a cada sujeto para cambiarlo y resignificarlo. En este sentido, Their Story construye una narrativa GL bajo los parámetros del “sentido común”, es decir, como una “imitación” de la heterosexualidad, donde una tendrá un rol y una estilo de vestimenta y comportamiento tomboyish o “T-Style”, y la otra será representada de manera más “femenina” -aunque llama la atención cómo su vestimenta cambiará, y sus prendas adquirirán una expresión más “neutra”-:
El manhua presenta cómo de a pocos la amistad de Sun Jing y Qiu Tong deviene en atracción. Capítulo 89 de Their Story, Tan Jiu.
El desarrollo del amor entre las protagonistas y la no imposición de los sentimientos. Capítulo 145 de Their Story, Tan Jiu.
Por lo tanto, Their Story presenta gracias a una polifonía narrativa distintos puntos de vista sobre los “valores tradicionales” y cómo estos evolucionan en la urbe. Asimismo, muestra cómo la inserción de la sociedad a las dinámicas de libre mercado ha generado una separación en la familia, el mismo núcleo que se supone el gobierno busca defender. Finalmente, llama la atención cómo hace uso de distintas estrategias, como la “treta del débil”, para evitar la censura. Con ello presenta a todos los personajes del manhua como “buenos ciudadanos”, y construye la relación entre Sun Jing y Qiu Tong bajo parámetros que la sociedad puede aceptar.
Primer beso in story entre Sun Jing y Qiu Tong. Llama la atención que en algunas plataformas este no pueda visualizarse completo, así como algunos capítulo «transgresores» señalados anteriormente. Capítulo 145 de Their Story, Tan Jiu.
Pese a que Tan Jiu no presenta un enfrentamiento de las protagonistas ante una sociedad que sigue siendo en algunos aspectos conservadora, ni complejiza qué se puede esperar de la relación de las protagonistas a futuro, resulta una obra muy entretenida, donde se puede apreciar el apoyo mutuo y el respeto entre los personajes.
NOTA:
(1) En ella queda un espacio de duda si dicha performance obedece a una identidad o si se trata de una exigencia de los agentes o representantes con la finalidad de atraer un público LGBT y una mirada no normativa de las fans. Además, Zhao argumenta que esta estrategia permitirá desexualizar a las artistas y construirlas bajo una imagen de “género neutro”.
Las viñetas se han tenido que adaptar. La lectura se realizará de izquierda a derecha, y luego se pasará al nivel de abajo.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Cheng, Fung Kei. 2018. “Dilemmas of Chiniese Lesbian Youths in Contemporary Mainland China”. Sexuality & Culture. Volumen 22, pp. 190-208.
Han, Qijun. 2019. “Diasporic Chinese family drama through a transnational lens: The Wedding Banquet (1993) and Saving Face (2004)”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 3, pp. 323-343.
Judge, Joan. 2004. “The Emerging Lesbian: Female Same-Sex Desire in Modern China by Tze-Ian D. Sang” (Review). Journal of the History of Sexuality. Texas, volumen 13, número 2, pp. 260-263.
Kam, Lucetta Y.L. 2014. “Desiring T, Desiring Self: ‘T-Style’ Pop Singers and Lesbian Culture in China”. Journal of Lesbian Studies. Volumen 18, número 3, pp. 252-265.
Lin, Hui-Ling. 2009. “Looking for Asian Butch-Dykes: Exploring Filmic Representations in Donna Lee’s Enter the Mullet”. Journal of Lesbian Studies. Volumen 13, número 1, pp. 68-76.
Zhao, Jamie J. 2018. “Queer, yet never lesbian: a ten-year look back at the reality TV singing competition show Super Voice Girl”. Celebrity Studies. Volumen 9, número 4, pp. 470-486.
📖 Aceptémoslo. Por más fan del anime y manga que seas, siempre habrá una obra que te lleva a nuevos territorios. Algunos han sido arrastrados al k-pop; otros, inevitablemente, hemos caído al manhwa y manhua. Y en una época donde los grupos de Facebook y plataformas como Tumblr o Twitter han reemplazado a los foros, estos pueden invitarte a explorar más sobre un género. #GISugoi te invita a leer Fluttering Feelings. Sí, ese Fluttering Feelings por el cual muchos de nosotros lloramos -y todavía sufrimos-.
✔️ Manwha hecho por Ssamba y publicado en Comico desde el 2014 hasta el 2016, presenta a Kim No-Rae y Baek Seol-A, dos jóvenes estudiantes de negocios, quienes de la amistad comienzan a caer en la cuenta de la atracción que sienten una por la otra, cosa extraña, ya que jamás habían considerado la posibilidad de enamorarse de una mujer. Se trata de un manhwa con mucho potencial; diferente a los yuris más populares, que suelen presentar la relación entre adolescentes y, en algunos casos, puede caer en la sexualización. Y pese a que la obra quedó inconclusa en el capítulo 68 debido a la temprana muerte muerte de la autora en el 2018, es indudable que la obra de Ssamba resultó un respiro y quizás un empuje para el género GL en los webcomics -sin olvidar, claro, otro gran referente que es Tamen De Gushi, el cual merece otro apartado-.
Quizás una de las cosas que mejor retrató es uno de los aspectos más realistas (y contemporáneos) del género del Girls’ Love (GL): la fluctuación de los sentimientos y cómo estos se aceptan paulatinamente en un contexto donde la atracción hacia las personas del mismo sexo es algo desconocido, silenciado o hasta rechazado. Otro aspecto que llama la atención es la gran influencia que ha tenido Fluttering Feelings para algunos fans del género, ya que su comunidad sigue viva pese a los años: es el intermediario para difundir otras obras dentro del mismo género, sobre todo aquellas que se crean en otros países asiáticos como China o Corea.
Es, en otras palabras, una obra que ayudó a variar el mapa de producción del GL y que, en una época donde obras como Citrus gozaban de popularidad, ter permitía tener una mirada distinta del género.
“… la humanidad es el verdadero enemigo”. ¿Cuántos no hemos escuchado este discurso que ya parece cliché en estos tiempos del Coronavirus? Es cierto. Históricamente no le hemos hecho ningún favor a la naturaleza, pero es indudable que las tecnologías nos han permitido sobrevivir. Y no son solo las computadoras, carros o celulares, también son nuestras ropas e infraestructuras lo que nos ha permitido protegernos de las fuerzas de la naturaleza y los animales. En este discurso se ubica la película Mononoke Hime: ¿si las tecnologías nos han dado una mejor calidad de vida, cómo puede la humanidad reconciliarlas con la naturaleza?
Espíritus del bosque. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Mononoke Hime, película de Hayao Miyazaki estrenada en 1997 por Studio Ghibli, presenta la intervención del príncipe Ashitaka en el conflicto que se desarrolla entre los espíritus del bosque -quienes cuentan con el apoyo de San, humana adoptada por lobos- y Lady Eboshi -gobernante en un pueblo que se especializa en la extracción del hierro y la producción de armas-. Con ello se puede apreciar una confrontación entre lo que se considera la naturaleza y lo “humano”, lo cual implica una organización social y el desarrollo de tecnologías. Pero quizás lo que resulte más llamativo al espectador será la capacidad de Miyazaki por mostrar una narrativa donde ninguna de las dos esferas es idealizada: en ambas hay destrucción, un desborde de emociones o incluso de desinterés hacia lo que sucede alrededor. Para ello tendremos que realizar, primero, un análisis de cómo se percibe la relación entre el sujeto y la naturaleza en la sociedad Occidental.
Occidente: el triunfo de la razón sobre el espíritu
A partir del s. XIX, con la introducción del método científico y el auge de la racionalidad, Occidente ha tendido a desplazar lo espiritual y lo subjetivo en favor de la ciencia. Asimismo, el auge del capitalismo creó una contraposición entre el ser humano -racional, ordenado y civilizado- y la naturaleza -caótica, “salvaje” y peligrosa-, con lo cual el primero era concebido como el centro del pensamiento y el segundo debía subordinarse en favor del crecimiento y el desarrollo. De esta manera surge un proceso de colonización, el cual se caracteriza por reducir el territorio a su productividad. Pero la separación del ser humano no solo se producirá con la naturaleza. También habrá un quiebre entre el sujeto -y su sociedad- y otros sujetos; un “nosotros” que se contraponen a un “Otro” que invita a tomar control sobre la vida y el cuerpo de determinado grupo bajo la justificación de obtener una mayor riqueza o productividad.
Un tercer efecto que se puede distinguir en el sistema de pensamiento Occidental es el de la concepción del cuerpo humano como completo y perfecto, con parámetros de lo que se considera como “normal” y “sano” -categorías designadas por lo general a partir de la capacidad productiva y reproductiva del sujeto-. Así, nace una división entre cuerpos “normales” y cuerpos “abyectos”, donde los últimos requieren de prótesis para ser considerados “productivos” y “completos”. Con todo ello, se puede intuir que hay dos formas en las que el ser humano se relaciona con las tecnologías: una incorporación de estas pero bajo el constante temor de que el ser humano se aliene; y una expulsión de la tecnología del campo de lo humano. En Occidente se puede apreciar, por lo tanto, una separación del sujeto de “Otros” sujetos o cuerpos, de la naturaleza y hasta de la tecnología.
Lo humano y la naturaleza: la propuesta de Hayao Miyazaki
Hayao Miyazaki y su propuesta sobre la relación entre la humanidad y la naturaleza
En contraste con la experiencia Occidental, autores como Castro y Miner proponen que en la cultura japonesa se puede apreciar una convivencia entre la tradición y la modernidad, lo cual podría ampliarse a una convivencia entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología.
Esto se debe gracias a las bases de pensamiento en Japón: el shintō y el budismo. El shintō, como sistema de pensamiento animista coloca al ser humano en relación con las fuerzas de la naturaleza, donde cada elemento que habita en ella se concibe como un dios, del cual el ser humano se siente bendecido por obtener bienes a cambio. Si bien esta religión reconoce la importancia del ser humano y la sociedad, estas se enmarcan en lo natural. Por otro lado, el budismo es el que brindará a la sociedad japonesa normas de organización familiar, social y de gobierno. Según Castro, el shintō será el que permitirá a la cultura japonesa no generar una división entre el ser humano y las distintas esferas con las que se relaciona, con lo cual existirá una asimilación entre lo humano, la naturaleza y la tecnología -o modernidad-.
En este contexto, Hayao Miyazaki propone en Mononoke Hime una relación entre lo humano y no humano distinta a la occidental. En la película se reconoce criaturas que han sido domesticadas por el ser humano, quien hace uso de tecnologías y vive en pueblos. Estos seres humanos se enfrentarán a la naturaleza, específicamente a aquellos seres que pertenecen a un plano espiritual o sobrenatural: los dioses y espíritus que son protegidos por otros animales. Y sobre todos ellos se sitúa el Dios Venado, ser que tiene poder sobre la vida y la muerte, y es impasible a los problemas que acontecen entre animales y hombres.
Asimismo, llama la atención cómo se complejiza el uso que hace la mayoría de personajes sobre la tecnología, en la cual entran elementos como la ropa, los edificios, las armas, el fuego y el acero. Se reconoce que estas lo han ayudado a tener cierta estabilidad y tranquilidad frente a algunos embates de la naturaleza, y han ayudado a evitar el total abandono de personas que suelen ser consideradas “impuras”, como los leprosos o las prostitutas. Pero el problema de su uso radica en que para desarrollarlo deben desplazar a las criaturas que habitan el bosque, quizás sin considerar que ellos también tienen un uso de la razón y llegan a tener una organización social –nómade, pero al fin y al cabo, responden a un líder y tienen un territorio en el que viven y que defienden–. Es así como la película de Hayao Miyazaki nos invita a revisar con mayor detenimiento el rol que cumplen las distintas cabezas de los grupos.
Más allá de los bandos: los principales actores en Mononoke Hime
A primera vista, el sentido común nos dictaría a separar a los personajes en la esfera de lo humano, la naturaleza o lo espiritual, sin un punto intermedio ni una posición fluctuante. Primero exploraremos a aquellos que se ubican en la esfera de lo humano y tienen una visión colonizadora: Lady Eboshi y Jigo.
Lady Eboshi y el colonialismo. Hayao Miyazaki de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Lady Eboshi es un personaje imponente: no le teme a la naturaleza ni a los dioses; tampoco cree en la tradición. Llama la atención la fuerza de carácter y decisión, las cuales la llevaron a establecer un próspero pueblo cuya economía se centra en la producción y distribución de hierro. En ella conforma una sociedad donde todos sus miembros (hombres, mujeres -en su mayoría prostitutas- y hasta personas enfermas –quienes serían considerados, según las categorías vistas anteriormente, como abyectas-) tienen un lugar dentro del orden social, y son percibidos como indispensables en el sistema de producción. Asimismo, le da a todos los miembros de su pueblo el poder de las armas –tecnologías-; inclusive manda a los leprosos a que adapten estas según la necesidad del usuario, como podemos apreciar en la escena donde las mujeres defienden la ciudad del intento de saqueo del Mikado. Y llama especialmente la atención la libertad con la que se desenvuelven las mujeres del pueblo: usan escote y, aun estando casadas, opinan libremente sobre el atractivo de un hombre. Todo ello podría invitarnos a pensar en una sociedad con un alto desarrollo tecnológico y que le brinda un lugar a los sujetos que normalmente son rechazados o considerados como abyectos.
Las mujeres y el rol central que cumplen en la economía del pueblo de Lady Eboshi. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Sin embargo, su pueblo y la sociedad que establece no están exentos de la misoginia y el colonialismo, como cuando algunos hombres de la ciudad toman a menos el valor del trabajo de las mujeres, o cuando Lady Eboshi es capaz de desplazar a los animales del bosque para extraer metal. Este exceso de codicia será castigado por los lobos, uno de los clanes de animales que existe en el bosque, quienes devoran su brazo.
Jigo y la manipulación de la naturaleza. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Jigo, por otro lado, es un monje que pertenece a la organización Shishoren, o “La Alianza de los Gobernantes”. Tiene el objetivo de conseguir la cabeza del Dios Venado con el objetivo de ganar el favor del Mikado. En su enfrentamiento contra los dioses y la naturaleza demuestra que tiene conocimiento de estas esferas, y las manipula a su favor, como cuando él y otros monjes se disfrazan con pieles de jabalí para infiltrarse en el bosque, o cuando hace uso del metal para envenenar a los animales y transformarlos en demonios. Con todo ello demuestra que tiene un el conocimiento y las tecnologías necesarias para mimetizarse con la naturaleza, pero con el único objetivo de beneficiar a la esfera humana y a sus gobernantes.
Okkoto, protector del bosque y líder del clan de los jabalíes. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
En un polo “opuesto” al humano podemos encontrar a los habitantes del bosque: los animales. Ellos están integrados por los clanes de los lobos, los jabalíes y los monos. Se consideran como defensores del Dios Venado, y están al cuidado de la naturaleza y luchan contra los humanos por recuperar el territorio. Si bien se puede apreciar en algunos clanes, como el de los jabalíes y el de los lobos, un sistema de organización encabezada por un líder –semejante al de los humanos, quienes tienen al Mikado o a Lady Eboshi–, se pueden dejar llevar por las pasiones y hasta la irracionalidad. Basta recordar a Okkoto, líder de los jabalíes, quien es orgulloso y decide atacar a los humanos sin ningún plan o sin reflexionar sobre las bajas que tendría su clan luego de la pelea; o los monos, quienes creen que al devorar a los humanos adquirirán su fuerza e inteligencia. A diferencia de los otros dos grupos, el clan de los lobos caracterizan por ser los animales más astutos, pero su mayor desventaja, si hablamos de su “organización social”, radicaría en los pocos integrantes que la conforman.
El Dios Venado y la esfera espiritual. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Y si bien los animales dan su vida por proteger al bosque y al Dios Venado, este suele presentarse como indiferente a lo que lo rodea (1). Ante una mirada Occidental, donde se construyó una imagen de los dioses que suelen intervenir en la vida de los hombres, resulta inverosímil cómo acontece una guerra entre animales y humanos, y el Dios Venado no interviene. Sin embargo, su imagen estaría construida bajo el ideal budista de la iluminación, donde todo lo sensorial sería concebido como un engaño, así como sería un engaño pensar que todo lo material es permanente; de esta forma, a partir del desprendimiento es que se alcanzaría la verdad y la sabiduría. Se puede apreciar, entonces, que el Dios Venado interviene poco o nada en la lucha entre animales y humanos; pertenece a la esfera divina, y su rol únicamente es el de ser espectador de los eventos que acontecen a su alrededor, así como otorgar la vida o quitarla en el momento que crea pertinente. Su muerte y el restablecimiento del orden –cuando restituye el bosque y la zona depredada con el fin de producir hierro- es una nueva oportunidad que tienen la esfera humana y la natural para convivir y crear una sociedad que pueda adaptarse mejor al entorno.
Una propuesta intermedia: una sociedad distinta
San y una propuesta nómade. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Fluctuando entre estas esferas se encuentran San y Ashitaka, personajes que se posicionan entre lo humano, lo natural y lo espiritual. San, en primer lugar, es una humana adoptada por los lobos, con lo cual se vincula a la naturaleza. Sin embargo, para algunos personajes, como Lady Eboshi, ella es una víctima más de las bestias porque la obligaron a perder su humanidad. Su decisión de rechazar vivir con los humanos y todavía vivir con los lobos para defender el bosque es una apuesta por una vida nómade, así como la defensa de una vida donde el ser humano vive exclusivamente de la naturaleza, sin recurrir a tecnologías que se imponen sobre el entorno.
Ashitaka y una reestructuración de la sociedad. Mononoke Hime de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki
Por otro lado, la propuesta de Ashitaka reside en quedarse a vivir en la ciudad de Lady Eboshi y, en lo posible, reestructurarla para que puedan convivir los humanos con la naturaleza, sin que la presencia del primero no implique un colonialismo sobre el segundo. Esta esperanza se debe al lugar de donde proviene: un pueblo, aparentemente basado en la tribu de los ainu, donde se respeta el vínculo entre el hombre y la naturaleza. En ella el desarrollo de tecnologías (arco, flechas, casas) no son invasivas con el territorio donde viven; no hay por lo tanto una colonización. Asimismo, la división del trabajo no parece basarse en el género, ya que tenemos en los primeros segundos de la película chicas jóvenes que, al igual que Ashitaka, son exploradoras; incluso la figura del oráculo -respetada por su saber en medicina y religión- es una mujer, y sus resoluciones son tomadas en cuenta por las cabezas de familia, quienes son hombres. Gracias a este contexto, no encuentra extraña la estructura social del pueblo de Lady Eboshi. Por ejemplo, no desprecia el trabajo de las mujeres en la herrería de Lady Eboshi, y hace caso omiso a los comentarios sexistas por parte de los otros habitantes sobre la poca calidad de su trabajo o el deprecio que ellas le dan con su trabajo al hierro.
Sin embargo, a diferencia de su pueblo, el cual carece de cuerpos enfermos, el de Lady Eboshi los acoge y les brinda un lugar en la estructura social. ¿Será porque al estar vinculados a la naturaleza se anula la enfermedad y la muerte? ¿O acaso todo signo de enfermedad e “impureza” –o, desde otro punto de vista, muerte y abyección- debe ser expulsado? Además, se trata de un personaje acostumbrado a estar en contacto con la naturaleza y a la existencia de espíritus, ya que al inicio de la película nos muestra que sabe de la existencia de demonios, y considera normal la aparición de los kodama -o espíritus del bosque-, a tal punto que interactúa con ellos. Será esto último lo que le permitirá fungir de intermediario, junto con San, entre la esfera de lo humano, lo natural y lo espiritual.
Conclusión: Ashitaka y San… ¿“pareja fundacional”?
San y Ashitaka. Mononoke Hime de Studio Ghlibli y Hayao Miyazaki
Podemos apreciar, por lo tanto, que Ashitaka y San son personajes que proponen a la esfera humana replantearse la forma cómo conviven con la naturaleza. Pero por ello, ante la tensión amorosa que surge entre ellos a lo largo de la película, ¿sería posible considerarlos como una “pareja fundacional”? La “pareja fundacional” es un término con el cual algunos críticos se refieren a los personajes del siglo XIX que, a partir de la consolidación de su relación, proponen la creación de una nueva sociedad y su reestructuración –no solo a nivel de económico y de clase, sino también de raza-.
La no consolidación de la “pareja fundacional”, entonces, anula cualquier propuesta de solución por parte de Miyazaki y, por el contrario, muestra un problema irresuelto para la época (1997) y que se extiende hasta el día de hoy: ¿qué posibilidades traerá la tecnología? ¿Puede esta convivir con el medio ambiente? ¿Hay posibilidad en el futuro de evitar la contraposición entre la sociedad/civilización y la naturaleza/territorio? ¿Se dará nuevamente un enfrentamiento entre ambos?
Nota:
(1) Quien haya visto Kaguya Hime no Monogatari quizás vea cierta semejanza con sus dioses.
¿Hambre de más? Te invitamos a leer los siguientes textos
CAMPOS RUNCIE, María José. 2017. El símbolo en la animación: el árbol en las películas de Hayao Miyazaki. Tesis para optar por el título de Licenciada en Comunicación Audiovisual. Lima: Pontificia Universidad Católica del Perú, Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación. Consulta: 8 de abril de 2019. <http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/bitstream/handle/123456789/8525/CAMPOS_RUNCIE_EL_SIMBOLO_EN_LA_ANIMACION_EL_ARBOL_EN_LAS_PELICULAS_DE_HAYAO_MYAZAKI.pdf?sequence=5&isAllowed=y>
CASTRO, Augusto. 2002. El buen halcón oculta la garra. Una reflexión sobre la modernidad del Japón. Lima: Fondo Editorial Pontificia Universidad Católica del Perú.
KIRSCH, Max H. 2000. Queer Theory and Social Change. Londres: Routledge.
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LAMARRE, Thomas. 2009. The Anime Machine: A Media Theory of Animation. Minneapolis: University of Minnesota Press.
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MCLUHAN, Marshall. 2002. Understanding Media. The Extensions of Man. Nueva York: Routledge.
MINER, Earl. 1968. “The traditions and Forms of the Japanese Poetic Diary”. Pacific Coast Philology. Pennsylvania, volumen 3, pp. 38-48. Consulta: 2 de febrero de 2019. <http://www.jstor.org/stable/1316671>
PATTON, Paul. 2012. “Deleuze’s political philosophy”. En The Cambridge Companion to Deleuze. Ed. Daniel W. Smith y Henry Somers-Hall. Cambridge: Cambridge University Press. 199-219.
SHILDRICK, Margrit. 2010. “Prosthetic Performativity: Deleuzian Connections and Queer Corporalities”. Deleuze and Queer Theory. Ed. Chrysanthi Nigianni y Merl Storr. Edinburgh: Edinburgh University Press. 116-133.
SCHMIDT, Mariana Andrea. 2014. “Territorio(s), desarrollo (in)sustentable y naturaleza colonizada. Una propuesta de abordaje conceptual”. Pampa. S/l, volumen 10, pp. 101-129.
TUHKANEN, Mikko. 2010. “Queer Hybridity”. Deleuze and Queer Theory. Ed. Chrysanthi Nigianni y Merl Storr. Edinburgh: Edinburgh University Press. 92-114.
El presente artículo es una ampliación de:
ARANA BLAS, María Alexandra. 2019. “Mononoke Hime: una lucha entre la sociedad y la naturaleza”. Ponencia presentada en CineArte PUCP, 12 de marzo de 2019.
📽️ ¿Qué pasa cuando un grupo de nerds se une para cumplir su sueño otaku? (Bueno, solo dos nerds, porque una sí piensa más allá del amor al arte). #GISugoi recomienda ver Eizouken ni wa te wo dasu na!.
✔️ Anime basado en el manga escrito por Sumito Owara, fue estrenado en la temporada de invierno de 2020. Trata sobre tres chicas de preparatoria -Midori Asakuza (creadora de contenido y directora), Tsubame Misuzaki (diseño de personajes, animación y promoción), Sayaka Kanamori (productora)- que, aburridas de ser solo espectadoras en el club de anime, deciden crear un club de animación donde podrán poner en práctica sus conocimientos de dibujo y experimentarán el proceso de creación, animación, promoción y venta de un anime. La trama llama la atención en dos puntos: la referencia a la cultura de fans y la construcción de «mundos posibles».
En primer lugar, la serie no solo reflexiona sobre el proceso de creación de un anime, sino también la recepción de este. Por ello, se debe estar atento a cómo la serie apela a la «cultura de fans», donde se defiende el hecho de que el consumidor no solo se queda en dicha posición, sino que también puede apropiarse de los medios de producción y ser creador/productor de contenido. Asimismo, esta «cultura de fans» muestra cómo la recepción del anime por parte de aquellos personajes que fungen de espectadores concluye en la posibilidad de que tiene una obra de resignificar el espacios. Ello se puede ver, por ejemplo, cuando el mundo creado por las chicas irrumpe en la realidad.
Por otro lado, tenemos un world building que aporta muchísimo a la serie. No solo los «mundos posibles» que crea Asakuza son llamativos y buscan ser verosímiles, sino también lo es el escenario donde se desarrolla la trama: es un espacio atractivo y laberíntico que invita al espectador a preguntarse qué ha sucedido para que en dicha ciudad la naturaleza y el capitalismo desplazaran a los seres humanos y los obligaran a reunirse en lugares cada vez más reducidos.
Si no has podido ver el anime, te invitamos a darle una chequeada. ¡Nada mejor que ver una serie ya acabada!
