Proyecto Sugoi

Autor: Alessandra Gamarra

  • Ao no flag: Decisiones en primavera

    Ao no flag: Decisiones en primavera

    Al inicio del manga Ao no flag, el protagonista se plantea la siguiente pregunta: ¿Amor o amistad? Al respecto, en abril de este año, se publicó su capítulo final y hubo una serie de reacciones diversas debido a que el personaje principal, Ichinose Taichi, rompe con su novia de la secundaria, Kuze Futaba y, cuando es adulto, se le ve en una relación amorosa con Mita Touma, su mejor amigo de la infancia. Este cierre fue una sorpresa para muchos (grata para unos y no tan grata para otros), pues no es usual en los cómics de la popular Shonen Jump. No obstante, si bien su última entrega es una respuesta a la pregunta inicial, esta es más profunda de lo que parece y propone una mirada interesante del paso a la adultez en la cultura japonesa.

    Fuente: Shūeisha/Ivrea

    “En esta época jodidamente complicada, los tres acabamos en la misma clase”

    Ao no flag es un manga de la autoría de Kaito que empezó a publicarse en febrero del 2017 en la plataforma digital japonesa Shōnen Jump + y desde enero del 2019, está disponible también en la aplicación MANGA Plus. La premisa de esta historia parte de que la estudiante Futaba está enamorada de Touma, otro estudiante, así que le pide ayuda a su compañero Taichi, quien lo conoce desde la infancia, para acercarse más a él, pero en el camino, Taichi se enamora de Futaba y los dos ignoran a quién ama Touma. A muchos no les atrajo la historia al inicio, pues parecía confundirse con el estereotípico triángulo amoroso de un drama escolar. Sin embargo, lo que se revela es un retrato complejo de la llamada aoi haru o seishun, expresión japonesa que se puede traducir como la primavera azul (de ahí el nombre del manga, bandera azul) y que se refiere a los últimos años en la escuela o la adolescencia, que también puede entenderse, según Wesley H. W. Tong, como el mejor momento de la vida que cada vez se vuelve más adulta.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Para Manuel Hernández Pérez, siguiendo la teoría narratológica de Seymour Chatman, además de las acciones realizadas por los personajes, la ambientación o settings es otro elemento imprescindible para toda historia e implica tanto tiempo como espacio. La escuela japonesa no es un escenario ajeno para las historias shōnen, donde no solamente vemos los salones de clases, los patios o los jardines, sino que acompañamos a los estudiantes en las actividades extracurriculares, los festivales deportivos o las excursiones. No obstante, la ambientación que propone Ao no flag se nutre de la comedia y las tribulaciones internas de los personajes en esta etapa de sus vidas y ello hace que el lector sienta de forma más intensa sus conflictos.

    Tomando como punto de partida el concepto de focalización de Gerard Genette, Hernández-Pérez lo aplica al caso del manga y resalta el empleo de dibujos chibi o SD, los bocadillos de pensamiento y las narraciones autodiegéticas de los personajes focalizantes como elementos que construyen la perspectiva de los personajes. Adicionalmente, se reconocen el empleo de analepsis internas, definidas por Gaudreault y Jost como un viaje al pasado dentro del mismo relato, para demostrar la constante reflexión sobre los hechos ocurridos por parte de los jóvenes personajes. Eso es justamente lo que puede encontrar el lector de Ao no flag, quien consigue experimentar la vida escolar con una mirada realista a los dilemas internos que la componen.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    En el caso específico de los tres personajes principales y del resto del cast, están en el último año del bachillerato, así que el contexto escolar como setting se dinamiza aún más como detonante de las acciones de los personajes al componer una época de un importante impacto para su futuro. Yoneyama Shoko enmarca el ingreso a la universidad en la súpermeritocracia japonesa en el que las universidades a las que uno puede ingresar dependen del senior high school al cual ha atendido y, Park HyunJoon y Gary Sandefur agregan que, del mismo modo, ello determina las empresas que pueden contratarte siendo el juken (tomar el examen de admisión) un momento crucial en la transición a la adultez. Este escenario sumado a la rigurosidad de las escuelas japonesas, aterriza la historia de amor, pues si bien se ve florecer la relación amorosa entre Futaba y Taichi, al mismo tiempo que se refuerza la amistad con Touma, estos vínculos se enfrentan a las dificultades personales de la realidad.

    Las inseguridades de Futaba y Taichi sobre sí mismos se trasladan a su decisión de carrera frente a lo cual temen equivocarse y ser criticados por los demás, al mismo tiempo, hay tensión entre ellos por la posibilidad de separarse y mantener una relación a distancia cuando elijan sus universidades. En el caso de Touma, debe lidiar con la preocupación de su hermano mayor, Seiya, y de Taichi sobre su decisión de no ir a la universidad, que contrasta con la elección que todos esperan de él, pero que no corresponde con sus deseos. La experiencia interna de estos conflictos se expresa desde los bocadillos de pensamiento, las narraciones autodiegéticas y las analepsis. De este modo, las decisiones vinculadas al amor y la amistad no son tan idílicas como parecen, sino que a veces son difíciles, pues se vinculan con las metas y sentimientos personales de los individuos que, en este caso, son adolescentes que aún tratan de conocerse más a sí mismos para decidir sus caminos, pero que TIENEN que decidir ya porque el tiempo no se detiene.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    “Has decidido quién soy por mi apariencia”

    Al igual que la elección profesional, la ambientación de Kaito y su trabajo desde la focalización acerca al lector a la dinámica entre los estudiantes, la cual ejemplifica muchos rasgos socio-culturales de Japón que, según Mio Bryce, incluyen a la competencia y el control que él condensa en el tate shakai (sociedad vertical). El autor señala que las relaciones sociales en Japón se guían por la jerarquía o verticalidad dentro de los grupos sociales, lo que conlleva al constante reforzamiento de las normas del grupo en contra de la individualidad así como la constante vigilancia entre los miembros del grupo para cumplir el rol de cada uno. En resumen, ser adulto implica adaptarse a este status quo y poder lidiar con el conflicto interno que conlleva. Una de las razones por las que Futaba se enamora de Touma es justamente porque él entiende esa preocupación que también atormenta a la chica: ¿Por qué yo no puedo adaptarme como los demás?

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    El tate shakai se encuentra fuertemente relacionado con el tatemae (fachada social) y el honne (sentimientos personales) siendo el primero clave para la integración en el grupo y evitar ser sancionado. Touma es un ejemplo de alguien con un profundo conflicto acerca de su tatemae, pero que trata, en un inicio, por todos los medios de encubrir su honne. Desde el diseño de personaje y también en la parte de su comportamiento que forma su tatemae, Touma representa una masculinidad ideal que se confirma a partir de la visión de Taichi y de sus amigos que se sienten en un nivel inferior al compararse con él. Eso hace que, por un lado, se le asocien toda una serie de rasgos que no necesariamente corresponden con su personalidad y que se le restrinja salirse del rol.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    En comparación con él, tanto Futaba como Taichi se sienten inferiores, incluso el segundo llega a odiarse a sí mismo, porque no se gusta y siente envidia contra su amigo, lo que derivó en el distanciamiento de ambos después de la primaria. El protagonista cree que Touma lo tiene todo fácil y que desperdicia su potencial al no ir a la universidad, pero, como lo demuestra la misma historia, el concepto de felicidad de Touma está muy lejos de lo que piensan sus pares. A pesar de las restricciones del tate shakai y de las críticas que a veces reciben Futaba y Taichi por estar cerca de Touma al pertenecer a distintos estratos de la popularidad escolar, el manga retrata sus intentos por cambiar dentro de las reglas, por demostrar su individualidad tratando de salir del conformismo para construir las memorias de su último año escolar.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Además de la focalización durante la historia, Kaito dedica capítulos íntegros al dilema de alguno de sus personajes remarcando aún más la identificación del lector con el punto de vista del mismo y ese es el caso de Yagihara Mami, una estudiante que, como Futaba, también está enamorada de Touma. Ella representa un caso particular, ya que aun cuando trata de mostrar su honne al mostrarse genuinamente entusiasta a tener amigos y construir una relación de confianza con ellos, es tachada por una visión estereotipada de su tatemae. Al ser bonita, ir siempre bien vestida y ser franca con sus pensamientos y sentimientos, es vista por las chicas como un posible peligro para sus novios y por los chicos como una provocadora u objetivo de romance.

    De este modo, se cuestiona la imposibilidad de la amistad entre hombres y mujeres, al darse mayor importancia al rol de chico y chica por sobre el de persona. Shingo y Mami son amigos y no se ven como intereses amorosos, mientras que Kensuke no puede ver a Mami de otra forma que no sea como un objetivo romántico. Esas dos situaciones amplían el debate sobre los roles sociales y las posibilidades de vínculos entre las personas a partir de ellos, lo que evidencia la rigidez de los prejuicios del tatemae y el tate shakai para limitar a los individuos desde etapas tempranas y que son parte de ese marco social en el que también se vive el amor y la amistad en la adolescencia y la adultez.

    Fuente: Akihabara Station/Ivrea/Shūeisha

    “Quiero vivir con libertad”

    Tras la publicación del capítulo 5 de Ao no Flag, el manga se volvió trending topic en Twitter en Japón y, precisamente, al final de ese episodio, Masumi le revela a Touma que ella sabe su secreto, que es igual a ella. Con ese simple texto, se revela el honne de Touma y de Masumi a la audiencia: ambos están enamorados de sus correspondientes mejores amigos, Taichi y Futaba. Como señalan Gaudreault y Jost, el orden es una de las variables narrativas con las que cuenta el enunciador para construir su texto y ello es un interesante punto de partida desde el cual interpretar el hecho de que se le haya dado una ventaja de conocimiento a los lectores sobre el interés amoroso de Touma, pero recién esto es conocido por Taichi 36 capítulos más tarde. Mientras tanto, es innegable el impacto emocional que construye Kaito cuando el público puede leer las acciones de Touma desde el amor que siente por Taichi (quien no sabe nada) y reconoce su predicamento al estar con él, a evitar revelar cualquier indicio de sus sentimientos en sus conversaciones o al verlo con Futaba con quien desea que sea feliz. En resumen, Kaito pone a todos en el lugar del personaje para sentir su conflicto interno con él: tener que ocultar sus sentimientos.

    Fuente: Shōnen Jump +/Shūeisha

    De acuerdo con Marc López, en Japón, la masculinidad tradicional se construye en torno a conseguir empleo, casarse y tener hijos, pero las minorías sexuales en el marco social no reciben un rechazo abierto, sino más bien una invisibilización que Sam Shoushi, citado por López, denomina vivir en el mikage, es decir, en las sombras. Al respecto, Kakefuda Hiroko agrega que si no funciona ignorar a las minorías como las lesbianas, la sociedad las presiona al silencio. Cuando el secreto de Touma se revela en medio de un descuido que deriva en una pelea física con su amigo Kensuke en el colegio, detonan las reacciones de sus compañeros que expresan las distintas posturas ante la homosexualidad masculina generando un interesante diálogo que puede ser un punto de partida de reflexión para el público objetivo del manga: varones adolescentes entre 12 y 18 años, según Robin Brenner.

    Por un lado, Kensuke quien encarna la masculinidad tradicional y ha sufrido acoso por parte de un sujeto antes, considera que las relaciones amorosas entre hombres son desagradales y emplea el argumento biológico (características físicas y corporales) para establecer una diferencia entre hombres y mujeres resaltando que él nunca podría sentirse atraído por un hombre y no es natural que sea así. Por otro lado, Shouko y Sayaka, amigas de Touma y Mami, muestran una postura opuesta, destacando el respeto a la vida privada de todos, el cuestionamiento a la afirmación de que las personas gay son necesariamente depredadores sexuales y que todas las diferencias físicas entre hombres y mujeres no se cumplen en todos los casos además que destacan la libertad e inevitabilidad de los sentimientos de las personas y que, como Kensuke no ha experimentado la misma situación de Touma, no entiende y, por eso, rechaza sus sentimientos y los odia.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    En este punto, el discurso se podría haber decantado por darle la razón a Shouko y Sayaka, pero Kaito incluye una postura más, la de Shingo (otro amigo de Touma), quien subraya que ellas están tratando de imponer sus valores en Kensuke desacreditando sin más su punto de vista y atacándolo con la excusa de no discutir el asunto cuando el ser indulgente tampoco es una salida, pues así como Touma no puede evitar estar enamorado, Kensuke tampoco puede evitar sentir rechazo. Incluso, Shingo cuestiona la aproximación de las chicas a la pelea entre Touma y Kensuke, quienes como hombres, según él, estaban resolviendo sus problemas de manera masculina y saludable: con los puños (léase que Touma parece aún ser considerado masculino a pesar de su sexualidad). A partir de esta intervención, se pone en evidencia una crítica no a las posturas, sino al debate mismo sobre la homosexualidad y parece que se propone un cambio en el rumbo de la discusión cuando Taichi les pregunta a Shingo y a Kensuke, qué harán con Touma.

    Antes de que todo saliera a la luz, Touma no pretendía revelar sus sentimientos a Taichi ni mucho menos hacerlos público, pues como lo señala más adelante era impensable para él que su mejor amigo lo amara como hombre y peor aún que pretendiera iniciar una relación con él y la razón de ello se relaciona con el honne y el tatemae, pero también con el uchi  y el soto.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Uchi es donde las verdaderas opiniones, pensamientos personales o motivos reales son expresados.

    Brian J. McVeig

    Tamagawa Masami cita esta definición y la complementa señalando que se refiere al círculo más interno y cercano de familia y amigos, mientras que soto es lo opuesto, es decir, lo más público y externo. La revelación de la homosexualidad o la identificación con alguna otra orientación sexual en cuanto al soto ya ha sido referida, pero ¿qué hay del uchi? Durante el diálogo entre Akiko, la cuñada de Touma y Masumi, la segunda le dice que ella es feliz si las personas que le importan son felices, pero teme que si revela su secreto (que está enamorada de una mujer) no vayan a entenderla y no puedan perdonarla.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Precisamente, Tamagawa destaca que en la sociedad japonesa la homofobia en un sentido explícito y directo proviene del uchi, sobre todo de la familia que al ser un pilar social es el contexto en el que el odio o rechazo a la homosexualidad es expresada e internalizada. Es correcto decir que los tiempos están cambiando y que tanto Seiya, hermano mayor de Touma, como Kensuke (los que podrían oponerse) dan a entender que a pesar de sus opiniones propias, apoyarán al chico, pero de igual forma se entiende el temor de Masumi y el deseo de Touma de irse de su casa y trabajar para vivir por su cuenta, ya que ello constituye su felicidad:

    Quiero ser capaz de decir que amo lo que amo, estar feliz cuando esté feliz y estar triste cuando esté triste. Que no me digan que hacer. No lastimar a nadie ni ser lastimado por nadie.

    Touma

    En resumen, Touma desea escapar de las nociones del tatemae y el honne, así como no preocuparse en expresarse a sí mismo en el marco del uchi o del soto y es muy probable que Masumi querría lo mismo. Sin embargo, ello es muy difícil a menos que escapasen de su sociedad, pero incluso así tendrían que distanciarse de los vínculos con su uchi, donde se hallan las personas que quieren. En ese sentido, el debate sobre la homosexualidad se aterriza a los vínculos personales del uchi, donde se cuestiona si se debe juzgar al ser querido por el rol que le es impuesto por la sociedad o por la persona que se sabe que es y que trata de construir su felicidad. Al respecto, Akiko señala:

    Todo lo que podemos hacer es elegir el camino que creemos mejor. Como otros vean esa elección es su problema, aunque eso te duela, eso es algo ante lo que no puedes hacer nada.

    Akiko

    De este modo, una elección sobre el amor o la amistad para Touma y Masumi gravita en el soto, pero también en el uchi, de donde puede venir el apoyo como el de Kensuke, Shingo y Seiya o la comprensión, pero también el rechazo y el prejuicio.

    “¿Qué opinas tú de mis decisiones?”

    En las visual novels, una bandera se suele asociar con un evento que demanda una decisión por parte del usuario, la cual va a cambiar el rumbo de su ruta y puede también afectar la manera como lo ven las otras personas y un evento de ese tipo se puede asociar con la llamada primavera azul o seishun, de ahí una segunda interpretación del nombre de Ao no flag, bandera azul. En el comentado capítulo final del manga, Kaito nos muestra, como él mismo lo dice, el futuro que los personajes han elegido y partiendo del carácter cinemático de las viñetas en el cómic japonés, se puede señalar que el autor construye principalmente este episodio desde la ocularización. Gaudreult y Jost llaman ocularización interna primaria cuando la cámara refleja lo que ve un personaje cuya presencia se construye a partir de ciertas huellas en la imagen. En este caso, se eligió la mirada de Touma quien aparte de su mano, no se le ve ni se le escucha, sino que sólo se muestra lo que él observa.   

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Esta decisión fue vinculada por los fans, junto con el salto temporal, con un intento de censurar el desarrollo o exposición de la relación amorosa entre Taichi y Touma, pero es interesante analizar el efecto de esta decisión. Después de que se hace pública la homosexualidad de Touma en la escuela y de que este manifiesta su sueño de tratar de vivir en libertad en cuanto a lo que ama, esta empieza a formar parte de su tatemae, así que de todos los personajes, era el que había tomado la decisión que—en medio del tate shakai—iba a impactar más en su vida en sociedad. Al respecto, el capítulo 48 puede servir como un punto clave de interpretación del final, ya que también se construye con base en la misma ocularización, pero se centra en contar cómo Touma se enamora de Taichi y la angustia hacia la mirada social desde el soto que compone la escuela a la cual debe regresar el chico después de que todo ha salido a la luz. Sobre todo, a Touma le preocupan las reacciones y consecuencias para sus amigos, su uchi. En ese sentido, en contraste, el capítulo final muestra cómo el mundo de Touma se ve y se siente—desde su mirada—libre de esa angustia mientras comparte la felicidad que sus amigas, Masumi y Futaba, han elegido para ellas, y ve a Taichi, su pareja, incluso se deja entrever que Kensuke ha mantenido su vínculo y amistad con él después de tanto tiempo.

    Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha

    Asimismo, la elección de la mirada de Touma permite ver de una particular manera, la elección de Taichi. En el penúltimo episodio, Taichi señaló que aún no sabía qué era la felicidad para él, pero que parte de ella era su relación amorosa con Futaba y su amistad con Touma, pero años después Futaba está feliz casándose con otro hombre y Taichi está casado o comprometido con Touma, es decir, lo eligió a él y al mirar a su pareja se ve feliz. Como Taichi lo dice, dos años después del fin del bachillerato, él y Futaba decidieron terminar y en algún momento, posteriormente, se enamoró y tomó la decisión de comprometerse con Touma. Tomó una decisión durante su adolescencia que tuvo un resultado y cuando llegó el momento, en otra etapa de su vida, volvió a decidir. De esta manera, Kaito elabora un relato que apunta a señalar que el amor o la amistad son relaciones que se viven en medio de la serie de decisiones que componen la vida y que van desde la elección inconsciente de enamorarse o sentir cariño por una persona, hasta iniciar una relación pública en medio de una sociedad vigilante y las preocupaciones de cada individuo. Para Ao no flag, la bandera azul de la adolescencia enseña que ser adulto significa adaptarse a ese proceso de decisión, a la incertidumbre de no saber si te equivocarás, a la ansiedad sobre el qué dirán, al miedo a ser juzgado por los tuyos y a entender que la felicidad es algo que se construye pasando una y otra vez por esto, pero que puede alcanzarse.

    Para los interesados Ao no Flag es una lectura más que recomendable y si desean conocer más del arte de Kaito, les dejamos su cuenta en Pixiv y bibliografía para profundizar sobre el tema.

  • Tower of God: SIU y el fútbol

    Tower of God: SIU y el fútbol

    Si estás viendo Tower of God, recordarás a Khun-san, aliado y compañero del protagonista Baam, pero si tienes conocimiento de fútbol y escuchas el nombre completo del personaje, Khun Aguero Agnis, entonces te darás cuenta de que es una referencia al jugador argentino Sergio «El Kun» Agüero. Curiosamente, el mismo apodo del futbolista del Manchester City, proviene de la serie de animación japonesa Kum-Kum que veía cuando era niño.

    Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company/Fox Sports

    Aquellos que están al día con la publicación del Webtoon, encontrarán otros casos similares que han sido reconocidos por el mismo SIU, autor del cómic, o señalados por los fans como Arie Inieta (Andrés Iniesta), Fabregas (Cesc Fàbregas), Ha Yuri Zahard apodado Zahard de Effenberg (Stefan Effenberg), Grace Mirchea Luslec (Mircea Lucescu), Walcott (Theo Walcott), Chigrinsky (Dmytro Chygrynskiy), entre otros.

    • Fuente: Naver
    • Fuente: Getty Images
    • Fuente: Naver
    • Fuente: Reuters

    La razón de esto es que SIU, que significa Slave. In. Utero. y es el apodo de Lee Jong Hui, es un gran admirador del deporte rey, así que decidió evidenciarlo en su obra. Según Wolfram Manzenreiter y John Horne, Asia ocupa la periferia del mapa futbolístico mundial en cuanto a sus logros e impacto en el mismo. No obstante, la copa del mundo Corea Japón 2002 fue un momento clave para obtener reconocimiento internacional así como para motivar el fanatismo y nacionalismo de sus hinchas, los Diablos Rojos. SIU, nacido en 1986, pertenece a esa generación que vio cómo su país además de ser el anfitrión, venció a España e Italia y alcanzó las semifinales marcando un hito—aún no superado—en cuanto a resultados de equipos asiáticos en un mundial de fútbol. Actualmente, el balón pie comparte su popularidad en Corea del Sur con el béisbol, la selección coreana es considerada una potencia asiática y ha conseguido exportar jugadores a clubes importantes del mundo como Park Ji-sung (Manchester City), Park Chu-young (As Mónaco y Arsenal F.C.) y Son Heung-min (Hamburgo S. V., Bayer Leverkusen y Tottenham Hotspur).

    Fuente: Naver
    • Fuente: AFP / Jimin Lai
    • Fuente: ANSA

    La serie anime Tower of God está en su episodio 11 y puede ser vista por Crunchyroll, mientras que el webtoon, que sigue en publicación, ya tiene 478 capítulos (61 de la tercera temporada) y se puede leer por el sitio web o la aplicación Webtoon. En ese sentido, quizás veremos más referencias a jugadores de fútbol en los nombres de nuevos personajes.

    Si desean enterarse de más curiosidades de la historia, pueden revisar el blog oficial de SIU, pero les advertimos que lo lean con el traductor abierto en otra pestaña o le den clic a la opción de traductir en Google Chrome, porque está en coreano.

    Aquí les dejamos algunos artículos sobre el fútbol en Asia, los Diablos rojos y el deporte en Corea del Sur:

  • Otoyomegatari: Historias de novias en el Asia Central del s. XIX

    Otoyomegatari: Historias de novias en el Asia Central del s. XIX

    Muchas veces el manga retrata contextos distintos al japonés y nos permite aproximarnos a otras culturas. Ese es el caso de Otoyomegatari, también llamado Bride stories, de Mori Kaoru, que se centra en las tribus de las estepas centroasiáticas del S. XIX. Como su mismo nombre lo dice, cuenta la historia de distintas novias, es decir, mujeres que están casadas, que acaban de contraer matrimonio, están comprometidas o van a estarlo pronto. Cada una de ellas experimenta este evento social, personal, familiar y conyugal de manera particular al mismo tiempo que se nos dan detalles de las costumbres de estas sociedades. Eso puede ser chocante para algunos lectores debido a que pertenecemos a una cultura occidental a partir de la cual juzgamos todo, pero la autora trata estas diferencias sin morbo o exotismo, sino con sutileza y normalidad centrándose en el día a día de sus personajes.

    Fuente: Norma Editorial/Enterbrain

    La trama inicial es la de Amira, una joven de 20 años que ha sido enviada a casarse con Karluk, un niño de 12 años, para entablar una alianza entre sus clanes. Naturalmente, esto provocará toda una serie de complicaciones. Por un lado, el hecho de que ella es considerada muy mayor, así que tendrá menos años por delante para tener hijos y, además, ella tiene costumbres propias de las tribus nómadas, lo que a veces la convierte en una mujer demasiado audaz o diferente para la tribu de su esposo. Por otro lado, Karluk tendrá que demostrarse a sí mismo, a su familia y a la tribu de su esposa, que a pesar de su corta edad, puede y debe ser un hombre capaz de protegerla y ser el jefe de su propio hogar, al mismo tiempo que, como ella, debe acostumbrarse a su nueva vida en común que todavía no es la de un matrimonio real como lo entendemos debido a que él aún es un niño, pero que se basa igualmente en la confianza y el cariño.

    Fuente: Norma Editorial/Enterbrain

    Entre las demás líneas argumentales se encuentran la de Anis, una mujer casada de la alta sociedad persa; Laila y Leyli, un par de gemelas muy graciosas que se casan con un par de hermanos; Talas, una viuda que se enamora de un viajero inglés y Pariya, una niña con un carácter considerado demasiado fuerte para el ideal femenino de la época, lo que la convierte en una candidata poco atractiva para el compromiso. Cada personaje, incluidos los masculinos, son muy bien desarrollados y demuestran una complejidad que si bien coincide en algunos puntos con los preceptos sociales de la época en otros casos es divergente, lo que alimenta la profundidad de los discursos que propone Otoyomegatari.

    Fuente: Enterbrain

    Además del detallado costumbrismo de este drama con tintes románticos y de la narrativa llena de calidez y emotividad, el pincel de Mori es privilegiado, ya que cada dibujo contiene un detalle y un cuidado que los convierte en una obra de arte a los ojos. Es imposible no detenerse en la lectura para apreciar los patrones de los tejidos o de la ebanistería de la época así como la expresividad de los personajes en cada viñeta. Sin duda, una estética digna de una larga ovación de pie.

    • Fuente: Enterbrain
    Autorretrato de Mori Kaoru. Fuente: MyAnimeList

    En esta lista de reproducción, podrán ver el proceso de dibujo de Mori Kaoru para que admiren el minucioso trabajo de la mangaka.

    El manga empezó a publicarse en 2008 y sigue en curso en la revista Harta. La obra ganó el 7mo premio de manga Taishou en 2014 y el Intergénérations Prize en el Angoulême International Comics Festival en 2012. Mori Kaoru también es autora del drama victoriano Emma (2001-2008), que también cuenta con una adaptación al anime.

  • Pisando fuerte: El fenómeno webtoon y su entrada a la animación japonesa

    Pisando fuerte: El fenómeno webtoon y su entrada a la animación japonesa

    Era la década del 60 y, según Joon Yang Kim, los estudios de animación surcoreanos empezaron a ser subcontratados por la industria del anime para participar en la animación de las historias que eran provistas por Japón. Sin embargo, Sawada Yukari señala que en los años 80, los nombres de los animadores eran reemplazados por nombres japoneses en los créditos, lo que no cambió hasta la mitad de la década del 90. El primero de abril de este año, se estrenó Tower of God y el primer crédito en solitario que se vio en la pantalla durante el opening, reservado para los nombres más importantes en la producción, fue el de SIU, el autor surcoreano del comic en el que está basado el nuevo anime, realizado por Telecom Animation Film, un estudio japonés. Esto, señoras y señores, es el fenómeno webtoon y su entrada a la animación japonesa.

    Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company.

    Eto…¿qué es el webtoon?

    La palabra webtoon proviene de la unión de web y cartoon, así que podría traducirse como historieta para web. No obstante, para los recién iniciados, es importante entender que no cualquier cómic publicado en internet puede ser considerado un webtoon, ya que más allá de su soporte de difusión, se trata de un formato de origen surcoreano que tiene ciertas características que parten de su concepción para ser consumidos en dispositivos digitales, especialmente, smartphones. En ese sentido, hay varios rasgos que los diferencian de nuestros amados mangas, como el hecho de que se basan en la lógica del scrolling vertical, es decir, el desplazamiento de arriba abajo que es propio, por ejemplo, de la lectura de páginas web como está que están revisando. De esta manera, los autores tienen un lienzo casi infinito donde se disponen las imágenes y los textos que tampoco siguen la distribución de viñetas tradicional. En Corea del Sur, es muy común la snack culture que, de acuerdo con Ah-young Chung, se refiere a lo siguiente:

    Consumir información y contenidos culturales en un corto tiempo en lugar de involucrarse en una lectura profunda

    Fuente: Benoit Travers

    De este modo, los webtoon se caracterizan por tener poco texto y las imágenes, que son el elemento predominante, se encuentran bastante separadas en el espacio blanco lo que permite una lectura descansada, sencilla y rápida de izquierda a derecha (otra diferencia importante) que puedes hacer mientras esperas a tus chingu, tu oppa o tu noona bajo tu árbol de sakura preferido. Un punto muy importante es que debido a que se trata de un contenido digital, el gasto de impresión ya no impide que los gráficos sean a color e, incluso, pueden incluir otros efectos como animaciones simples o música que puedes disfrutar mientras lees. Actualmente, este formato cuenta con gran popularidad a nivel mundial, pero ¿cómo empezó todo esto?

    Acompáñenme a ver esta triste y luego feliz historia

    Cuando se anunció el anime de Tower of God, además de webtoon, se mencionó otra palabra para referirse al material fuente en el que está basada la historia y esa era manhwa, el nombre con el que se le conoce al cómic de Corea del Sur (independientemente de si es impreso o digital) y que se considera el antecesor de la historieta web. Su camino de evolución fue complejo a causa de muchas circunstancias históricas que incluyen a la anexión de los territorios coreanos por parte de Japón, la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea así como la competencia en el mercado surcoreano del cómic con el manga.

    • Carcicatura de Lee Do Yeong. Fuente: parkseokhwang.com
    • Posters de exhibición de Park Ki-jeong. Fuente: Korea Manhwa Museum

    Era 1945, la ocupación japonesa llegaba a su fin, así que finalmente el manhwa podría retomar su desarrollo que tuvo su inicio en 1909 con la primera tira cómica y esta vez estaba apoyado por el gobierno, ya que Paula Fernández señala que se decretó la prohibición de productos culturales japoneses como el manga y el anime (sí, el apocalipsis que todos tememos). En ese sentido, los surcoreanos tendrían que consumir los productos de su industria local, pero como señala Fernández la popularidad de su similar japonés no disminuyó, sino que aumentó debido a que el manga seguía ingresando por el mercado negro en desmedro de la historieta surcoreana. Esta es la parte triste, pero ¿qué ha cambiado desde entonces para que incluso algunos sectores de la industria del manga estén considerando adoptar el formato webtoon?

    La década del 90 es clave, pues en primer lugar, Fernández apunta que en 1997 se impuso en Corea del Sur una censura a los contenidos de los cómics en favor de la juventud, así que los autores que querían enfocarse en la crítica social adulta, tratamiento de la violencia o realismo se chocaban con las restricciones al manhwa impreso, así que decidieron migrar a la web. En esos mismos años, la autora señala que el mismo gobierno se enfocó en la expansión, desarrollo y abaratamiento de las telecomunicaciones, así que había una posibilidad de aumento de consumo de contenidos digitales. La autora señala que esta conjunción de circunstancias fue visibilizada por los dos principales monstruos en cuanto a portales de internet en Corea del Sur: Naver, propietaria de Webtoon (con mayúscula pues es el nombre de una de las plataformas para publicar webtoon) y Daum, que luego se fusionó con Kakao Corp. quienes crearon sus secciones para historieta web en 2004 y 2003 respectivamente. A ellos se les sumaría Lezhin Comics en 2013 terminando de formar esta triada principal del poder, aunque los fans saben que hay muchas más plataformas (gratuitas y de paga).

    • Fuente: Naver
    • Fuente: Naver
    • Fuente: Daum
    • Fuente: Daum
    • Fuente: Lezhin Comics
    • Fuente: Lezhin Comics

    En este periodo, se ubica la primera generación de creadores de webtoon a las que pertenece un estudiante universitario sin educación artística formal que en el 2002 decidió crear su sitio web y un año después publicaría en Daum su trabajo debut, la icónica Love Story, también llamada Hello Schoolgirl. El nombre de ese chico era Kang Full (o Kang Pool) y, de acuerdo con Korea.net, consiguió un récord de 2 millones de visitas en un día.

    Es más un Big Bang en la industria del webtoon a través del nacimiento de un genio creador como Kang Pool antes que una expansión gradual de la industria. Kang Pool era tan poderoso. Cuando sea que él actualizó sus series, todo el servidor de internet se volvía inestable.

    Entrevistado Z citado en Pyo, Yang y Joon 2019
    • Fuente: Babelio
    • Fuente: Daum

    Para los fans, es indiscutible que uno de los máximos atractivos del webtoon radica en sus historias que se centran en una amplia variedad de temas transmitiendo mucho a partir de gráficos muy expresivos y la simpleza en la diagramación de la página. Eso ya se encontraba, según Hyung-Gu Lynn, en la cálida y excéntrica comedia de la historia de amor entre un trabajador de cuello blanco y una colegiala en Hello Schoolgirl. El autor apunta a que el formato de esta primera generación se puede definir como diarios pictóricos o ensayos visuales con narrativa episódica y se encuentran ejemplos de esto en otros importantes títulos como Marine Blues, Snow Cat, Pape Popo Memories y Lunapark. 

    Pape Popo Memories y Marine Blues. Fuente: Kim’s Licensing.

    Con este nuevo sistema establecido, nació la segunda generación de autores de webtoon que, además, se vieron beneficiados no sólo con el éxito de sus predecesores, sino con los efectos a largo plazo de un fenómeno con el que los millones de fans de la cultura surcoreana deben estar familiarizados: el hallyu conocido también como korean wave u ola coreana. Paula Fernández explica que desde 1993 el gobierno surcoreano desarrolló un proyecto para exportar la identidad de su país a través de la globalización de sus industrias culturales entre las que se encuentran los K-dramas o el K-pop y, para convertir el plan en una realidad, tenía que apoyarlas. De este modo, Lynn apunta que el estado financia festivales de animación, manhwa (aquí entiéndase como impreso) y webtoon a nivel nacional e internacional, monitorea la piratería, invirtió en la creación de agencias y asociaciones dedicadas al estudio y promoción de contenidos digitales, motivó el desarrollo de departamentos artísticos afines en universidades, creó fondos para estudios en el extranjero, etc. En resumen, participó en la misma apuesta que los creadores y las plataformas, la cual está rindiendo importantes frutos.

    • Fuente: Group Eight
    • Fuente: YGEX

    Actualmente, Corea del Sur es un uno de los países con la mejor conexión a internet del mundo (prácticamente el cielo para los que estamos haciendo teletrabajo) y el mayor uso de dispositivos digitales. Lynn destaca la alta difusión de su banda ancha y su velocidad así como la mayoritaria posesión de teléfonos inteligentes que no plantean dudas de la popularización del webtoon  en su país natal. Korea.net señala que el 80% de surcoreanos leen webtoon en plataformas digitales y estas ya tienen versiones en inglés, chino y otros idiomas, lo que amplifica su audiencia al resto del mundo. ¿Cómo fue en el caso de Tower of God?

    Subiendo la Torre o ¿cómo llegamos al anime de Tower of God?

    Había una vez un chico llamado Lee Jong Hui, que era como tú y como yo. Había estudiado arte y al igual que muchos muchachos surcoreanos se fue a sus dos años de servicio militar obligatorio (las fanáticas del K-pop que esperan el regreso de sus idols con light stick en mano estarán familiarizadas con ello). Durante esos dos años, Jacob Parker-Dalton señala que Jong Hui tuvo la idea de una historia que decidió publicar a su regreso bajo el pseudónimo de SIU en el Challenge Corner de la plataforma de Naver, Webtoon, pues era un concurso abierto para exponer los comics web de novatos con miras a probar suerte con los lectores. Si conseguía llamar la atención, obtendría la oportunidad de un contrato profesional para una serialización. Era el año 2010 y, como en todo buen shōnen, nuestro héroe perdió esta primera batalla y no ganó el concurso.

    Fuente: Naver

    No obstante, Lynn menciona que SIU siguió publicando Tower of God durante seis meses sin mucha reacción hasta que recibió el llamado y como en su caso, el 80% de los autores de Webtoon son reclutados por concursos similares en el que se enfrentan a otros cerca de 120 000 aspirantes. La competencia es dura, pero Jane Yeahin Pyo, Minji Jang y Tae-jin Yoon destacan que es una puerta directa para los novatos que, en el caso de Corea del Sur, a veces no suele estar abierta por el sistema de aprendiz/asistente-maestro que se suele seguir para ascender a la publicación de trabajos propios. Del mismo modo, Lynn afirma que, para las plataformas, implica una apuesta sin mucho riesgo, pues se constata la calidad y aceptación de un producto a partir de estas publicaciones piloto. Además, este sistema pone de relieve la importancia del público como factor ya que la publicación en web permite, por un lado, un contacto directo con los seguidores o críticos que se sienten más involucrados con la historia así como con los creadores y, por otro lado, sirve como un punto de retroalimentación constante sobre las preferencias o tendencias. Sin embargo, más allá de ello ¿qué significa conseguir el contrato en realidad?

    Fuente: Naver

    A nivel económico, Liynn señala que significa un pago mensual por tu obra que se suma a los ingresos por publicidad y a las regalías por el uso de tu título o personaje y si hablamos de cifras reales los artistas top, es decir, con las series más populares y/o la mayor reputación recibían en 2015 entre 5 000 y 6 000 dólares mensuales mientras que la mayoría de los creadores gana entre 1 000 y 3 000 dólares mensuales. Al año, Lynn precisa que en ese año el 7.7% de todos los autores recibe 40 000 dólares y el 47.7%, 10 000 dólares. En este marco, hay que considerar el trabajo demandante que implica cumplir con los deadlines y las demandas editoriales al mismo tiempo que se trata de mantener la calidad, el público y la vida propia. Adicionalmente, Paula Fernández señala que el 7.7% son los que pueden llevar una vida verdaderamente cómoda con sus ganancias considerando el costo de vida en Corea del Sur. Entonces, ¿todo es horrible? No se trata de eso, pero es una realidad que hay que considerar y que de seguro experimentó SIU cuyo trabajo, Tower of God, es uno de los máximos éxitos de la plataforma Webtoon que aún publica religiosamente un episodio de su obra cada lunes, pero por el que también obtiene una ganancia. Ahora bien, siguiendo con su historia, es momento de pasar a la siguiente parte: el OSMU.

    One source, multiple use.

    A partir de los webtoon (historias y personajes) Wonho Jang y Jung Eun Song establecen que se han producido toda una serie de productos culturales que incluyen películas, dramas, musicales o juegos online. Hacer una lista parece interminable, pero Ji Hoon Park, Jeehyun Lee y Yongsuk Lee destaca los éxitos en audiencia de los dramas Misaeng (2014) y Cheese in the trap (2016), adaptaciones de las obras de  Yoon Tae-ho (Daum), y Soonkki, (Webtoon), respectivamente. El procedimiento para que estos productos audiovisuales y Tower of God se realizaran fue más o menos así considerando la información disponible sobre la industria del K-drama. Lee, Park y Lee describen que lo central para las productoras son los guiones (una verdad universal, amigos) y es difícil encontrar buenos escritores sin arriesgar, por eso prefieren adaptar webtoons que demuestran calidad y popularidad que además es un extra para convencer a los canales de querer transmitir sus dramas. En ese sentido, los autores precisan que las plataformas como Webtoon, con base en el OSMU, ya tienen listos catálogos de títulos con potencial para la adaptación y hay practicantes en las productoras revisando webtoons que pueden ser interesantes apuestas (el trabajo soñado).

    • Fuente: tvN/Daum
    • Fuente: tvN
    • Fuente: Eight Works y Kross Pictures/Navier

    En el caso del acuerdo entre Crunchyroll y Webtoon, siguió un esquema similar como lo afirman las declaraciones iniciales de la Administradora General del servicio de streaming que ahora también tiene su propia productora de contenido original:

    Estamos extremadamente emocionados de estar asociándonos con Webtoon…Webtoon tiene un tremendo catálogo de contenido y creadores que resuenan profundamente con nuestra audiencia y no podemos pensar en mejor manera de deleitar a los fans que trayendo estas historias a la vida a través de la animación.

    Joanne Waage

    Se puede especular sobre cuánto dinero recibieron la plataforma y SIU a partir de los 20 000 a 100 000 dólares que Lee, Park y Lee afirman que suelen costar los derechos televisivos de un drama de 16 a 24 episodios, pero una cuestión es clara: el fenómeno webtoon ya ha entrado a la animación japonesa y se vienen dos animes más basados en The God of High School, de la autoría de Yongje Park con la animación de estudio MAPPA y Noblesse, de la pluma de Jeho Son y Kwangsu Lee encargada a Production I.G..

    Ok. Te entendí, pero ¿por qué tanto escándalo?

    Bueno, si un producto audiovisual tiene éxito, los realizadores son felices, porque recibirán dinero al igual que reputación y el público será feliz porque habrá disfrutado una buena historia. Sin embargo, si Tower of God, The God of High School y/o Noblesse tienen éxito podría pasar lo siguiente (esta es la parte de las teorías conspirativas):

    • Se abriría la puerta para toda una camada de creadores e historias que serían una corriente de aire fresco para el anime. Los que leen webtoon saben a lo que me refiero, pues hay una variedad de narraciones que tienen a todos esperando cada semana para que salga el episodio gratuito en la app de su preferencia. Acción, ciencia ficción, comedia, drama, terror, psicológico, etc. hay para todos los gustos y colores.
    • Otros webtoon podrían ser adaptados y la gran cantidad de fans del formato estarían más que felices. Un anime de Solo Levelling podría ya no ser algo que se consiga con junta de firmas y no necesariamente tendría que ser realizado por Crunchyroll. Otros servicios de streaming o canales de difusión podrían seguir el modelo que ya demostró ser exitoso y traernos sorpresas gratas para todos.
    • El webtoon podría acceder como propiedad intelectual a otros espacios de mayor envergadura (como ejem ejem Hollywood) al entrar desde el anime. No sé si se lo han preguntado, pero ¿por qué no adaptaron Tower of God a la animación surcoreana? La respuesta es que actualmente el anime es una marca (hay un video de Gigguk que lo explica muy bien) debido a la popularidad que ha alcanzado a nivel mundial y ello es lo que ha generado tantas discusiones sobre qué es anime. Ahora muchos productos animados son etiquetados como tal cuando no son japoneses o no cumplen con ciertos rasgos que son señalados como los más comunes, pues ello llama la atención de las audiencias, sobre todo las poco familiarizadas con la animación japonesa. El público ve la sección de anime de Netflix e instantáneamente asume que eso es anime y son consumidos con esa premisa que los imbuye de la mística y de la popularidad del mismo. Tower of God como historia basada en un webtoon, un manhwa para web entraría con esa misma etiqueta y como tantos otros anime podría sumar puntos para futuros live action occidentales que sean adaptaciones de otros comic web del mismo país de origen.
    • Finalmente, una adaptación de un webtoon parte de la idea de que hay una audiencia esperando ver el mundo del cómic trasladado a otro medio, lo que incluye una fidelidad en la historia pero también en el diseño de los personajes si hablamos de animación. En ese sentido, en la misma línea de lo anterior y considerando la variedad de estilos de dibujo de los webtoon, quizás se iniciarían nuevas discusiones sobre cómo se debe ver un anime o una redefinición de ello (por favor, pensemos en la paz mundial). Esto no sería nada malo, sino quizás una evolución natural del medio sobre lo que habría que pensar en su momento si nuevos webtoon son adaptados al anime.
    • Fuente: Naver
    • Fuente: Naver
    • Fuente: Naver
    • Fuente: Daum Webtoon

    Tower of God está en su episodio 10 del anime de los 13 que tiene programados y el webtoon está en el capítulo 481 (para acceso gratuito), lo que nos indica que en las próximas 3 semanas podrían moverse fichas importantes que no sólo planteen una segunda temporada (incluso muchas más si se considera el tamaño de la obra sin contar el resto del universo de Talse Uzer), sino un cambio importante en la industria del anime y el webtoon que esperemos que sobre todo sea para beneficio de los autores y los consumidores. Seguiremos atentos a lo que ocurra.  

    Si quieren revisar más sobre la industria del webtoon, aquí les dejo algunos artículos:

  • Kenpū Denki Berserk: Guts vs. Resto del mundo

    Kenpū Denki Berserk: Guts vs. Resto del mundo

    Durante una entrevista en el año 2000, Miura Kentarō reveló que uno de los puntos iniciales para la creación de Berserk fue que quería escribir una historia sobre la ira y la trama se fue desarrollando a partir de la idea de hacer enfadar a su protagonista. Al inicio de cada capítulo de la adaptación animada de 1997, Kenpū Denki Berserk, se le pregunta al espectador si el destino de la humanidad está controlado por una fuerza o entidad trascendental o si la Mano de dios está sobre nosotros, pero que sin duda el hombre no controla su voluntad. Entonces, ¿cómo la respuesta a estas preguntas se relaciona con la ira de Guts y qué propone la serie a partir de ella?

    NOTA: Este texto SOLAMENTE analizará la serie de 1997. Se vienen spoilers cual festín del Eclipse.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Ficha técnica
    Título: Kenpū Denki Berserk (Berserk: The Chronicles of Wind Blades, Sword-Wind Chronicle Berserk).
    Sinopsis: En medio de un contexto medieval fantástico, el espadachín negro, Guts, fue un mercenario en medio de la Guerra de los Cien Años y fue reclutado por Griffith, líder de la Banda del Halcón. Con el resto de sus compañeros, enfrentará cruentas batallas contra fuerzas no sólo humanas sin sospechar el futuro que le aguarda.
    Episodios: 25
    Emisión: 1997-1998
    Fuente: Berserk (Miura Kentarō)
    Estudio: OLM
    Director: Takahashi Naohito
    Música: Hirasawa Susumu
    Opening: «Tell Me Why» by PENPALS
    Ending: «Forces» by Hirasawa Susumu
    «Waiting So Long» by Silver Fins
    Más información en: MyAnimelist, Anime News Network e IMdb.

    La historia comienza, atados por las cadenas del destino.

    Para responder las preguntas del párrafo inicial, primero debemos tener en cuenta que existen numerosos ejemplos de series anime que combinan elementos occidentales y orientales, lo que resulta bastante atractivo en cuanto al worldbuilding (sobre todo en una serie de corte fantástico), pero ello también implica la integración de conceptos culturales de tradiciones diversas. En este caso, empecemos por el principio, ¿qué es el destino? Según la Real Academia de la Lengua Española, el significado de destino es:

    Encadenamiento de los sucesos considerado como necesario y fatal.

    Por definición, el destino ya está determinado y no se puede escapar de él, en ese sentido, la manera cómo van a ocurrir los hechos en la vida de una persona ya está escrita y parecería que al ser humano sólo le queda experimentarlo, pero siempre ha habido un deseo de conocer el futuro ya sea para saciar la curiosidad o para cambiarlo. Laura Corso señala que en latín y en griego, se usaban los términos fatum y eimarméne respectivamente para referirse a las predicciones, oráculos y vaticinios del futuro establecido por los dioses. Llamo la atención sobre este punto, pues en Kenpū Denki Berserk hay dos momentos donde se puede identificar una situación similar, los cuales permiten entender la manera como el hombre se aproxima al destino en la serie. El primero es cuando Griffith recibe el beherit o Huevo del Rey carmesí y la viejiita con la rueca que se lo entrega le dice:

    El dueño está destinado a dominar el mundo a cambio de su carne y sangre.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    En el momento en que acepta el huevo, él se vuelve el dueño, así que, en teoría, lo dicho por la anciana se vuelve su destino. No obstante, al parecer, a partir de los intercambios de Griffith con Guts al respecto, el líder de la Banda del Halcón no creía o no era consciente de la veracidad de dicho fatum y veía al beherit como un símbolo de poder o un mero amuleto al que a veces parecía que se encomendaba o pedía deseos de victoria antes de una batalla. Al haber sido pobre en su infancia en medio de un contexto medieval, Griffith era consciente de que—de mantenerse pobre—su destino iba a estar determinado por su condición social, así que su deseo era fundar su propio reino para dominar su destino y además, acorde con su ambición, el de todos. Con eso en mente y por su experiencia, el cambio de su vida no iba a venir de algún regalo divino, él tenía que generarlo y lo hizo a partir de la Banda del Halcón. A pesar de esta manera de pensar y de que el mercenario nunca actúa deliberadamente para cumplir el fatum hasta el final, el destino efectivamente se cumple y en el Eclipse, el Halcón Blanco renuncia a su humanidad (cuerpo, sangre y alma) y sacrifica a sus amigos para volverse Femto. Lo más curioso es que, en cierta medida, antes que forjar su propio destino, termina aceptando uno predeterminado por alguien más, ya que si bien es otro camino, tiene el mismo punto final: ser rey.

    El segundo momento en que se enuncia un eimarméne es cuando Guts y Griffith pelean contra Zodd El Inmortal y este está a punto de matar al Halcón Blanco, pero ve el huevo carmesí y se detiene. Ante la extrañeza de Guts y del resto del público no iniciado, Zodd anuncia lo siguiente:

    Si tú y este hombre son realmente amigos, deberás tener en mente que cuando las ambiciones de este hombre se derrumben, estarás destinado a enfrentar tu muerte. Tu muerte será absolutamente inevitable.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Si el futuro Femto parece no darle una importancia real a la predicción del beherit, Guts ni siquiera vuelve a pensar en esta predicción durante toda la serie más allá de que sospecha del huevo en tanto artefacto aparentemente siniestro. Como espectadores, sabemos que esta es una historia de fantasía, pero antes de la aparición de Zodd, el protagonista y el resto de los personajes no se habían encontrado directamente con ningún elemento sobrenatural. Por lo hostil que ha sido el mundo humano con Guts desde que era niño, su destino ha estado ligado a la muerte desde que lo encontraron debajo del cadáver de su madre que falleció ahorcada, pero siempre ha enfrentado el peligro con sus propias manos y hasta ahora ha sobrevivido. Por esa razón, cuando ve por primera vez a Zodd, no sale de su asombro, pero no cree sin más en una profecía considerando que su amistad con Griffith estaba en su mejor momento. ¿Cómo iba a desconfiar de su mejor amigo? Incluso, cuando Guts se aleja de Griffith, no lo hace por evitar que se cumpla la profecía, sino que se decide cuando escucha a su compañero conversar con la Princesa Charlotte a la que le dice que no considera a ninguno de sus camaradas de la Banda del Halcón como amigos, porque no son sus iguales al no tener sueños propios por los que estén dispuestos a enfrentar todo, incluso a él. Sin embargo, más adelante la profecía se cumple aunque sea de manera parcial, ya que si bien, tras el Eclipse, Guts sobrevive sin explicarse bien cómo, no se puede garantizar que no muera después.

    Entonces, el destino es inevitable y ya está determinado, pero, en la serie, por más que el ser humano lo conoce, no le presta atención porque cree que es dueño de su futuro y sigue actuando como si nada, dirigiéndose al parecer de manera ineludible a cumplir el vaticinio. En el caso de Guts, su destino efectivamente motiva su ira, pues su mejor amigo lo traicionó e incluso ocasionó la muerte de sus camaradas de la Banda del Halcón y el terrible crimen cometido contra su amada Casca. Sin embargo, el retrato del destino como concepto en la serie no se reduce a una cuestión de cumplimiento necesario e ignorancia humana y para entender el por qué, propongo indagar en la fuerza o entidad que podría controlar dicho destino.

    Vivir como mártir de dios

    En Kenpū Denki Berserk, no se profundiza en el aspecto religioso de la sociedad a excepción de ciertas referencias como el sacerdote que parece dirigir los servicios funerarios de la reina de Midland o el hecho de que los mismos personajes de la serie parecen referirse a dioses y ángeles o demonios y monstruos cuando se refieren al bien y el mal respectivamente. La aparición de Zodd y de La Mano de dios como seres sobrenaturales tampoco aclara mucho este punto, pues si bien se identifican como demonios no se escucha nada específico y claro sobre un dios (menos aún uno bondadoso como el judeo-cristiano) o un panteón de ellos. Si tomamos la idea de entidad de forma más general, entonces encontramos tres momentos de intervención de esta fuerza en el destino que vale la pena mencionar. En primer lugar, cuando Griffith se salva de ser atravesado con una flecha gracias al beherit que le sirve de escudo. Si Griffith moría allí, no se cumplía el destino y fue muy conveniente que el Huevo del Rey estuviese precisamente en ese lugar donde apuntó el asesino. ¿Coincidencia? Si estamos en una serie que reflexiona sobre el concepto de destino, es difícil decir que sí.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    El segundo momento es cuando en la batalla de Doldrey, Zodd le lanza una espada a Guts en medio de su enfrentamiento contra el general Boscogn para ayudarlo, ya que su arma se había roto un momento antes mientras peleaba contra el militar enemigo. Si el protagonista no contaba con una manera para defenderse y atacar a su oponente, moría y es muy posible que no se cumplían los dos fatum ya mencionados. Más allá de las intenciones particulares de Zodd (que parece estar obsesionado con pelear con el Espadachín Negro), la figura de Guts es trascendental para el destino de Griffith y viceversa, así que la ausencia de uno en la ecuación podría cambiarlo todo. Finalmente, el último momento de intervención divina, es cuando el líder de la Banda del Halcón, lastimado por un año de tortura, está sentado en un arroyo y a pesar de que perdió el beherit en un desagüe de las mazmorras subterráneas del castillo, el huevo carmesí aparece frente a él justo en su momento de mayor quiebre emocional y cuando se va a dar el Eclipse, lo que detona en el festín con sus terribles consecuencias. Si recapitulamos, el destino no sólo esta predeterminado y la ilusa humanidad lo va a cumplir irremediablemente, sino que de ser necesario o correr peligro el cumplimiento de dicho destino, la entidad controladora (Mano de dios o no) interviene fuerte y directamente, entonces, ¿el ser humano tiene algo de poder de decisión sobre su vida?

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Para responder a esta pregunta conviene buscar una situación similar, así que pensemos. Entidades o fuerzas interviniendo de forma tan fuerte y directa en la vida de los seres humanos. ¿No les recuerda a algo? Edipo recibe del dios Apolo la profecía de que matará a su padre, por ello, decide huir de los que en realidad eran sus padres adoptivos y en el camino mata a un hombre por una disputa de preferencia de paso, ese hombre era su verdadero padre, así que el destino se cumple. No es casualidad que en la primera parte del artículo haya empleado dos términos de la cultura greco-romana, pues el esquema narrativo de Kenpū Denki Berserk tiene muchas similitudes con la tragedia griega.

    Basta sólo con pensar en el error trágico que comete Griffith, quien destruido por la partida de Guts, tiene relaciones sexuales con la princesa Charlotte ignorando trágicamente las nefastas consecuencias que tendría para su objetivo de ser rey, por el que tanto había trabajado, y para el destino de todos los personajes de la serie. Seguro que más de un espectador no podía creerlo y la compasión y angustia (catarsis) que despertó lo ocurrido en muchos fue igualmente sorprendente. De este modo, indagar en la tragedia griega puede ayudar a aclarar el discurso detrás de presentar a los dioses como controladores del destino humano.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Para Catalina López, en la tragedia griega, el planteamiento de que los dioses lo deciden todo, implica, por un lado, que los hombres no poseen libre albedrío y, por otro lado, no tienen responsabilidad de sus acciones en cuanto a juicios morales. Si colocas en el buscador Griffith no hizo nada malo, encontrarás toda una serie de artículos, videoensayos, discusiones en foros y hasta una web para comprar posters y polos con esa frase, pero la realidad es que el sacrificio de la banda del Halcón y la violación de Casca no son acciones realizadas por un títere de los dioses. La aparición de la Mano de dios y su discurso al ver a Griffith, señala que ellos tenían conocimiento de su destino, incluso mencionan que ellos lo eligieron a él para ser el protagonista de esa cadena de hechos y se muestran seguros de que el maltrecho hombre aceptará sacrificar su cuerpo y su sangre por el poder, pero agregan lo siguiente:

    Será su voluntad, no la nuestra.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    De manera similar a esta situación, la misma López señala que, en realidad, en la tragedia, la intervención divina no descarta el carácter actuante del hombre que labra en última instancia su propio destino. Como Edipo pudo evitar matar al hombre que encontró en el camino, Griffith se pudo haber negado al ofrecimiento de La Mano de dios y quizás aceptar la vida convencional (y limitante en cierta medida por su estado físico) con Casca que vio en su sueño, pero la realidad era que su deseo por el castillo, por ser el dueño del destino de todos y trascender fue más fuerte, así que decidió sacrificar a todos y renunciar al dolor que sentía por seguir caminando sobre los cadáveres de sus soldados.

    Si recapitulamos, entonces, más allá de la injerencia de los dioses, la Mano de dios, una fuerza o entidad controladora del destino, el hombre parece tener un cierto nivel de control sobre dicho destino a partir de su voluntad. Entonces, por qué la introducción de la serie dice que no es dueño de la misma (incluso dice que es una cosa cierta a diferencia de las otras partes del discurso que son interrogantes).

    La fragilidad de los seres humanos y mortales

    Roberto Soto señala que tras las Guerras Médicas, el siglo V a.C. en Grecia se caracterizó por una exaltación de la racionalidad humana, pues había sido gracias a las estrategias de la Liga de Delos que se había conquistado la victoria. Sin embargo, el autor señala que por esos años los autores trágicos siguieron escribiendo tragedias para que los seres humanos no olvidasen el poder de los dioses, lo que también puede traducirse con que no olviden su humanidad y el arquetipo de la caída en las tragedias es un ejemplo de ello que esquematiza bien el caso de Griffith. Según Charles R. Woodard, cuando los hombres lograban adquirir conocimiento, les devenía un castigo divino: su caída, con la que se le pretende dar cuenta al hombre de sus debilidades, de su imperfección.

    A Griffith, un hombre que había llegado casi a la cima por su capacidad para enfrentar batallas con estrategias, por su ecuanimidad y frialdad a pesar de la hostilidad de la corte o la presión del peligro y por su entrega total a su sueño, cae por una sola acción en la que se deja llevar por sus sentimientos de abandono, soledad y derrota tras el duelo y partida de Guts. En relación con la voluntad, Catalina Velarde reflexiona sobre cómo se inserta el libre albedrío en el conocimiento del destino que tiene el Dios cristiano y puede ser útil acudir a un punto que ella recoge del filósofo y poeta latino Boecio en La consolación de la filosofía:

    Necesariamente tanto más libre cuanto más se aplica a la contemplación de la mente divina y, tanto menos libre cuánto más desciende a los seres materiales; y todavía menos cuando queda atrapado en las redes de la tierra.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Velarde apunta, como queda ejemplificado en el caso de Griffith y en la cita de Boecio, que la razón precede a la voluntad y cuando es empleada antes de actuar, el hombre ejerce mucho más su libre albedrío, pero cuanto más humano es (con la vulnerabilidad emocional que ello supone) es menos dueño de su voluntad y de su libertad. Sin duda, esta es una cosa cierta. Además, como queda claro en Kenpū Denki Berserk eso no sólo afecta a una sola persona, sino a aquellos relacionados con ella y sus acciones.

    En resumen, si bien existe una fuerza o entidad trascendental que tienen un cierto control sobre el destino de la humanidad y existen seres con un poder como el de la Mano de dios que pueden tener una injerencia en nosotros, el hombre posee una voluntad que puede ejercer sobre la que, sin embargo, pierde dominio por sus emociones, su propia humanidad y puede perjudicar a otros con ello. Al tener en cuenta todos estos puntos, estar deprimido parece lo lógico, pues el escenario no es nada alentador. ¿Qué podemos hacer al respecto?

    La obra de Miura siempre ha sido asociada con el concepto budista de karma y la ley de causalidad que se emparenta con la lógica de hombre actuante de la tragedia griega, así que tal vez la tradición oriental tenga la respuesta. Máximo Lameiro señala que con base en las cuatro verdades del budismo efectivamente la vida es sufrimiento, porque el hombre está atado al deseo y al apego. Por esa razón, Chus Alonso y Ana Serrano señalan que el karma entendido como acción pendiente de efecto puede tener un resultado negativo en el futuro del hombre (a veces sin que sea consciente de ello puede lastimar a alguien o dejar de hacer algo importante), porque todo acto tiene consecuencias. Lameiro señala que antes que ver este principio de causalidad como una deuda se puede tomar consciencia de que es inherente a la vida y tomarlo como una oportunidad de transformación y de reconocimiento de nuestra identidad fundamental. La sensación que deja esta idea es mirar el lado bueno de las cosas, pero propongo cerrar este artículo refiriéndome a una escena más de la serie para reflexionar sobre la idea de identidad fundamental.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    En el capítulo 4, llamado la mano de dios, Guts recuerda cuando mató a Gambino (su figura paterna para bien o para mal) en defensa propia. Tras robarse un caballo, huye del lugar, pero recibe una flecha mientras escapa y cae por un acantilado. Al despertar en una playa y caminar herido un trecho, se ve rodeado por una manada de lobos. Desolado por lo ocurrido y adolorido, piensa que está bien para él morir, porque así ya no sufriría más desgracias en un mundo que le es hostil una y otra vez. Sin embargo, cuando el lobo lo ataca, él levanta su espada, como lo ha hecho siempre en batalla, como lo siguió haciendo después, como lo hizo cuando luchó hasta el final durante el Eclipse. Guts encarna un elemento fundamental de la identidad humana: la voluntad de vivir que antes que racional es casi presentada en la serie como un instinto, un acto reflejo y hasta un deseo como lo expresa en el primer episodio de la serie: a pesar de ser torturados y heridos por el destino, una fuerza trascendental o la Mano de dios (ya sea una divinidad o un grupo de enemigos poderosos), los humanos queremos seguir viviendo (al menos eso plantea la serie).

    El destino con final trágico y los que lo controlan, dioses, Mano de dios y otros seres humanos representan todas esas circunstancias de la vida que no podemos dominar y que nos seguirán provocando sufrimiento como a Guts y alimentarán la ira, pero ya sea para vengarse o ayudar a los suyos, todo indica que el espadachín negro seguirá luchando cada una de sus batallas, se lanzará sin dudar para enfrentarse a todo con el objetivo de seguir viviendo, lo que es un rasgo muy característico de la humanidad en un sentido universal y a eso apunta Kenpū Denki Berserk.

    Fuente:  Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP

    Si quieres seguir rompiendo tu cabeza tratando de dar relecturas a la serie, aquí hay textos para ello:

    El Bonus

    Mientras reflexionas sobre el destino, las fuerzas trascendentales y la voluntad del hombre con Guts y Griffith, puedes aprovechar para revisar el magnífico soundtrack de Berserk. Aquí unos temas:

    «Tell Me Why» de PENPALS

    https://youtu.be/ocQ6PDiP014

    «Waiting So Long» de Silver Fins

    «Forces» de Hirasawa Susumu

  • Kami no Toride: Tezuka Osamu en la Segunda Guerra Mundial

    Kami no Toride: Tezuka Osamu en la Segunda Guerra Mundial

    Tezuka Osamu es alguien que no necesita presentación, pero ¿habías escuchado hablar de su obra Kami no Toride o de sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial, las cuales moldearon en gran medida sus historias?

    Fuente: Tezuka Productions

    Tanaka Yuki señala que era finales de 1944, la Segunda Guerra Mundial aún no llegaba a su fin y las fuerzas norteamericanas empezaron una serie de intensos bombardeos contra las ciudades más grandes de Japón como Osaka, donde se llegaron a contar cerca de 10 000 civiles muertos. Tezuka tenía 16 años y si bien había nacido allí, llevaba viviendo en Takarazuka desde que tenía 5, pero después de que las clases escolares se habían cancelado a causa del conflicto armado, él junto a sus compañeros fueron movilizados a Osaka para trabajar en un arsenal del ejército japonés.

    En esos años, el dios del manga era constantemente reprendido por sus superiores, pues se la pasaba dibujando cómics en lugar de hacer su trabajo y un día su castigo consistió en subir a la torre de vigilancia para avisar si veía a los bombarderos B-29 de los Estados Unidos. No obstante, cuando empezó la alarma del ataque aéreo, no tuvo tiempo de bajar quedando expuesto en una de las edificaciones más altas de la fábrica. Entonces, una bomba cayó en el techo a dos metros de él y Tezuka cayó gritando de lo alto de la torre, pero milagrosamente logró sobrevivir. El futuro mangaka describe que el suelo y las casas de los alrededores estaban en llamas y del cielo caía una lluvia de hollín. En medio del caos, el chico decidió subir a la ribera del río Yodogawa y pudo apreciar los enormes cráteres donde habían caído las bombas y los cuerpos calcinados que se podían distinguir unos encima de los otros.

    Fotografías de Yuki Tanaka. Fuente de la obra: Daitosha

    Esta terrible experiencia junto con otras más son recogidas en la obra autobiográfica de Tezuka Osamu, Kami no Toride (Paper Fortess), publicada entre 1970 y 1977, una década clave para el discurso crítico a la guerra en el manga. Por esos años, según Jean Marie Bouissou, muchos autores de la generación del también animador japonés, crearon obras en las que mostraban su decepción ante los adultos qué habían decidido llevar a su país a un estado bélico y albergaban esperanzas en la juventud que podía cambiar el futuro. Tetsuwan Atomu del mismo Tezuka es un ejemplo de esta corriente y de la profunda importancia para el mangaka de los temas de la defensa de la paz y la condena a la guerra.

    Si te interesa saber más sobre la obra de Tezuka y su vinculación con los conflictos armados, puedes revisar los siguientes artículos:
    – “War and Peace in the Art of Tezuka Osamu: The humanism of his epic manga” de Yuki Tanaka https://apjjf.org/-Yuki-Tanaka/3412/article.html

    – “Manga: A historical overview” de Jean Marie Bouissou en Manga. En An anthology of global and cultural perspectives de Toni Johnson-Woods (Ed.)

  • Tsurune: el camino del arco no es de soledad

    Tsurune: el camino del arco no es de soledad

    Un señor feudal (daimyō) llamado Motonari Mōri se percató de que se avecinaba la guerra en sus tierras. Entonces, mandó a llamar a sus tres hijos, le dio a uno de ellos una flecha y le pidió que la rompiese. La flecha se rompió fácilmente, pero después Mōri le dijo que juntase tres flechas y tratase de romperlas. Esta vez, el hijo trató con todas sus fuerzas, pero le fue imposible, así que su padre le dijo que la fuerza de la humanidad era como esas tres flechas. De esa fuerza trata Tsurune.

    Fuente: Kyoto Animation

    Tsurune: Kazemai Koukou Kyuudoubu (2018) es una serie anime producida por el icónico estudio de animación Kyoto Animation y está basada en las novelas ligeras del mismo nombre de la autoría de Kotoko Ayano. Esta historia, dirigida al público shōnen, se centra en Narumiya Minato, un joven de preparatoria que había renunciado tiempo atrás a practicar kyūdō, un arte marcial japonés que consiste en apuntar y disparar una flecha con un gran arco lo más cerca posible del centro de una diana. A pesar de la insistencia de sus amigos, Minato se niega rotundamente a formar parte del club escolar de esa disciplina hasta que una noche ve a un misterioso hombre ejecutar un disparo tan hermoso que lo lleva a empezar a cuestionar su decisión. La palabra nipona tsurune precisamente hace referencia al sonido que hace el arco cuando la flecha es disparada y la primera vez que Minato–aún un niño de primaria–lo escuchó, quedó tan impresionado con el kyūdō que se empeñó en encontrar un maestro y aprender este arte marcial que no es una simple variación del deporte occidental del arco y flecha.

    El camino del arco  

    De acuerdo con la Federación Internacional de Kyūdō, la arquería en Japón era concebida como una técnica de batalla (bujutsu) que los samuráis practicaban hasta que en el Período Edo (1603-1868) se implementaron las armas de fuego y el entrenamiento militar occidental, así que la escuela militar del Shogunato Edo optó por excluirla de su currículo. Posteriormente, durante la Era Meiji (1868-1912), Yoshinobu Hamaguchi afirma que se empezó a practicar el tiro con arco japonés como una forma de vida (budo) y así nació el kyūdō. La primera vez que el pequeño Minato presencia un evento de esta disciplina se sorprende por lo artística que se ve: la solemnidad del ambiente silencioso cuando se preparan los tiros, las bellas posturas de los arqueros y, especialmente, el tsurune que corta el silencio. Al respecto, vale la pena destacar la labor del departamento de sonido de esta serie que bajo la dirección de Tsuruoka Yota, consigue un riguroso detalle en el doblaje de los efectos sonoros de las flechas cuando son liberadas al aire y cuando aciertan al pasto o a la diana enfatizando así la experiencia sensorial del kyūdō como arte. Sin embargo, esta disciplina es más que la belleza (bi) que aprecian los espectadores en un torneo o evento.

    Etimológicamente, Yamaguchi Yasuo señala que kyū significa arco; y –do, camino, así que el nombre de este arte marcial se traduciría como el camino del arco, una frase que el autor asocia con la orientación al proceso de todo lo relacionado con esta disciplina. Por ejemplo, hay una serie de rituales como el yawatashi que se ejecuta al inicio de cada evento público de kyūdō o en concentraciones para solicitar la buena fortuna al dios de los arqueros. Además, son ocho las posiciones y posturas que se deben seguir para lanzar una flecha que van desde abrir las piernas para posicionarse (ashibumi), disparar (hanne) y hasta observar el resultado del disparo (zanshin). Como todo proceso, cada acción en el kyūdō tiene una serie de pasos a seguir y lo mismo ocurre cuando es enseñada a otros, pues los kyūdōjin pasan meses antes de siquiera tocar un arco, pues primero deben aprender a limpiar el dojo, colocar las dianas, después usan bandas de hule para ganar fuerza y así sucesivamente hasta que se les permite disparar.

    Fuente: Kyoto Animation

    En ese sentido, el camino del arco tiene en su esencia al aprendizaje constante y paulatino que se compagina muy bien con la lógica narrativa de la evolución de todo protagonista en un anime shōnen de deportes (también llamado spokon), pues de acuerdo con John Ingulsrud y Kate Allen, este tipo de historias son narraciones de crecimiento o coming-of-age que implican que el personaje principal puede desarrollar tanto alguna habilidad física como alcanzar la maduración interior. Al inicio de Tsurune, el camino del arco de Minato se ve interrumpido por su alejamiento del kyūdō y los distintos episodios siguen su regreso al mismo que se ve muy bien representado por la flor blanca del opening que empieza marchita y vuelve a florecer. Sin embargo, la serie no se centra en que el protagonista desarrolla la técnica máxima de la arquería japonesa, que en realidad es muy buena en su caso, sino que hay otro obstáculo distinto que debe enfrentar y se vincula con la maduración interior mencionada por Ingulsrud y Allen.    

    Desde el comienzo, se revela que Minato sufre de pánico al amarillo que Marius Odegard define como un problema psicológico que provoca que, de forma aparentemente inexplicable, los arqueros pierdan control de su técnica y no puedan acertar al centro de la diana (las dianas del tiro con arco y flecha suelen tener el color amarillo en el centro, aunque eso no ocurre en el kyūdō). En el caso de Minato, su condición se manifiesta en que libera prematuramente la flecha, en consecuencia, no puede cumplir correctamente con la acción de apuntar (kai) y eso le costó la final del campeonato de secundaria a él y a su equipo. Tiempo antes su madre había fallecido, así que había perdido interés en sus sueños con respecto al kyūdō y si bien lo practicó un tiempo después, no tuvo la misma sensación al hacerlo, entonces, en el campeonato, apareció el pánico al amarillo que le hizo fallar y retirarse como arquero por el tormento que ello le causó. El maestro de Minato, Takigawa Masaki “Masa-san”, sufre de lo mismo y señala que en medio de la pérdida de confianza uno deja de reconocerse a sí mismo. En resumen, Minato debe lidiar con su propia mente que sabotea a su cuerpo, lo que implica una suerte de desafío no contra otro arquero o club, sino contra él mismo y eso también se vincula al kyūdō.

    Fuente: Kyoto Animation

    Según Diana Soeiro, el tiro con arco nipón promueve en su práctica una armonía entre la mente, cuerpo y el cosmos y para conseguir ello es necesario conocerse a uno mismo, lo que se consigue por el proceso de aprendizaje que significa el camino del arco. La autora revisa la etimología de la palabra kyūdō y destaca que el sufijo –do es empleado para la denominación de las distintas artes del budismo zen, una doctrina espiritual y filosófica que, en este caso, se evidencia a partir de la abstracción de la racionalidad y la exploración del propio carácter para alcanzar la iluminación (satori). En un sentido más concreto, el arquero persiste en la práctica, enfrenta la frustración, vacía la mente y nota en cada disparo sus motivaciones para liberar la flecha conociéndose a sí mismo. Esa es una pregunta constante en la serie, ¿por qué practicas el kyūdō? ¿por la belleza, por la competencia o siquiera te gusta? De este modo, el camino del arco es uno de crecimiento a partir del autoconocimiento y autorreflexión en el que, como sugiere el mismo Masa-san, el acertar no debe ser un objetivo del ego, sino un resultado del esfuerzo. Siguiendo esta idea, la batalla final de este anime shōnen es Minato vs. Minato, pero ¿realmente es así?

    ¿El kyūdō es una disciplina individual o de equipo?

    El rival y amigo de Minato, Fujiwara Shuu, le menciona una vez que el kyūdō es algo que haces solo y no algo que haces por otros. Si extrapolamos esa idea, Shuu postula que el camino del arco en el que uno busca conocerse, alcanzar la verdad de uno mismo (shin) se emprende y se transita en solitario, lo que tiene sentido si se considera el nivel de meditación e introspección que compone este arte marcial como filosofía y la voluntad necesaria que se requiere para enfrentar todo ello. Incluso, cuando realicé la investigación para escribir este artículo, no había casi ninguna mención a los equipos de kyūdō, sino que siempre se centraban en describirlo desde la experiencia individual. Cuando se referían al colectivo era para mencionar cómo debe haber una armonía en el conjunto cuando se realizan las posiciones y posturas de los arqueros en un evento de competencia individual o que, debido al perfeccionamiento del carácter que promueve el tiro con arco japonés, se promueve la armonía entendida como paz social. No obstante, me llamó la atención la cita a una acción tan pequeña y cotidiana como el apoyo que necesita un kyūdōjin de otro para poder tensar la cuerda de su arco por el tamaño del mismo. La serie sigue esta línea.

    Fuente: Kyoto Animation

    En el opening, se pueden apreciar cinco esferas de colores distintos que flotan, se admiran los casilleros con los guantes (yugake) que usan los arqueros, se muestran a cada uno de los cinco miembros del equipo de kyūdō de Kazemai disparando, luego en la serie, se muestran los cinco arcos o los cinco estuches de flechas diferenciados por el color. En resumen, hay una constante referencia no sólo a Minato, sino a todos los miembros de su club, los cuales tienen cada uno una personalidad distinta como lo refleja la diferenciación por colores de cada uno y a ellos debe sumarse Masa-san cuya presencia es determinante para el equipo y, sobre todo, para el protagonista que, en gran parte, regresa al tiro con arco motivado por él. Manuel Hernández-Pérez señala que el anime shōnen se caracteriza por basarse en una red de relaciones interpersonales entre personajes, lo que permite el desarrollo de múltiples líneas narrativas que sostienen la trama principal y que progresan con base en las motivaciones, deseos u objetivos de estos sujetos ficcionales. Si bien en el caso de Tsurune la línea base y de mayor desarrollo la tiene Minato, seguidos por Takehaya Seiya, su amigo más cercano y Masa-san, cada uno de ellos representa un elemento clave para el soporte de la historia central, la evolución del personaje principal y, por consecuencia, para su camino del arco.

    Las razones que tiene cada uno para practicar kyūdō es lo que determina su papel dentro del equipo y dentro del sendero de Minato en su regreso a su antiguo nivel como arquero. Al inicio de la serie, antes que unidad, el grupo se siente dividido, y se destaca, sobre todo, en el conflicto del protagonista con Onogi Kaito, uno de sus compañeros. Para Kaito, este arte marcial es una filosofía de vida, por lo tanto se lo toma con tal seriedad que cuando ve las dudas iniciales de Minato a causa de su pánico al amarillo, lo confronta y le dice que no piensa reconocerlo, lo cual funciona como un disparador para que, como dice el mismo personaje principal, esté dispuesto a renunciar a su orgullo (como se enfatiza en el camino del arco) para demostrarle lo importante que es el kyūdō para él. De este modo, Minato llega todos los días antes al dojo para limpiar el lugar, practica con dedicación y se muestra dispuesto a ayudar a sus compañeros, lo que hace que Kaito lo acepte, sobre todo cuando ayuda a Kisaragi Nanao, primo de Kaito y miembro también del equipo de arquería de Kazemai.

    Fuente Kyoto Animation

    En el caso de Nanao, sabe que el tiro con arco es algo muy importante para Kaito, pero conoce de su temperamento, su primo suele ser malinterpretado a pesar de ser una buena persona, así que Nanao acepta que si bien disfruta del deporte pues le gusta lucirse, no se lo toma tan en serio y tiene un talento básico que asegura que no le permitirá llegar muy lejos, pero sigue ahí para hacer que Kaito baje la guardia y se integre con las personas. A través de estas interacciones, Minato no sólo valora más a sus compañeros, sino que empieza a pensar en cuál es su propia motivación para ser kyūdōjin. Otro miembro del equipo, Yamanouchi Ryouhei, amigo de la infancia de Minato quedó admirado cuando lo vio practicar kyūdō por lo genial que se veía, así que decidió tomar clases y luego también unirse al club escolar, por eso es uno de los primeros en motivar a su amigo a volver. No obstante, cuando sabe de la muerte de la madre del protagonista y de su padecimiento del pánico al amarillo, se da cuenta de que a quien veía como un héroe en realidad es un ser humano, así que trata de buscar información de su condición y de mediar en los conflictos con Kaito para apoyarlo.

    Fuente: Kyoto Animation

    Estos esfuerzos hacen que el personaje principal se sienta cada vez más parte del grupo y también trate de retribuir ese apoyo, pero el mayor autoconocimiento lo obtiene a partir de su vinculación con Masa-san y Seiya. En el caso del primero, el maestro del equipo de arco y flecha de Kazemai pensaba retirarse del kyūdō, pero al ver la decisión de Minato de regresar, cambia de parecer. Cuando era joven, su abuelo era su mentor, siempre era duro con él, especialmente, cuando se manifestó su pánico al amarillo. Su abuelo decía que era una señal de debilidad y de falta de esfuerzo cuestionando así las razones de su alumno para practicar arquería cuando, en realidad, este luchaba contra su autodesprecio por no poder cumplir las expectativas de su maestro por más que se esforzase. Por eso, Masa-san desea enseñar a sus alumnos considerando sus sentimientos, esperando que los compartan y acepten sus falencias, en consecuencia, Minato se abre con él y sus amigos a la vez que acepta su condición enfocándose en su mejoría sin autocastigarse.  

    Fuente Kyoto Animation

    De esta forma, el equipo se une y durante los preliminares al campeonato interescolar el lazo se estrecha aún más cuando tienen que enfrentarse a otras escuelas. No obstante, Seiya empieza a cuestionar su motivación para emprender el camino del arco y para mantenerse en él luego de que Shuu le dijese que lo hace sólo para seguir a Minato y le hace pensar en la culpa que siente por la muerte de la madre de su amigo. Es en ese momento, cuando el protagonista trata de traer de regreso a su amigo al club se acerca–aún sin percatarse–a un punto importante de su propio proceso de autoconocimiento. Después del fallecimiento de la madre del protagonista, fue Seiya quien lo trajo de regreso diciéndole que practicara kyūdō con él, así que Minato le dice lo mismo. Frederik L. Schodt señala que la Weekly Shōnen Jump basa sus historias en tres elementos centrales: el esfuerzo, la amistad y el triunfo. En ese sentido, Tsurune plantea que el kyūdō no sólo es una experiencia que se vive cuando se está sólo frente a la diana, sino en todos los entrenamientos, en las ceremonias y los encuentros fuera del dojo que son circunstancias de aprendizaje también. Se trata de los vínculos de amistad que unen al equipo, un concepto que, en ese sentido, se afirma también como parte del camino del arco, pero, ¿cómo se integra ello en la filosofía del kyūdō?     

    Fuente: Kyoto Animation

    Las cinco flechas

    Como muchos otros anime shōnen, la serie cierra con la final del torneo entre Kazemai y Kirisaki, la escuela de Shuu, que es vencida gracias a Minato, quien como el ochi del equipo es el último en disparar. El héroe ha conseguido el triunfo por medio del esfuerzo, pero en el caso de Tsurune no es tan simple. En primer lugar, porque el protagonista no vence el principal obstáculo que se plantea al inicio: no se cura del pánico al amarillo, es decir, ¿en realidad no triunfa? Como lo señala Diana Soreiro, el kyūdō se trata de conocerse a uno mismo y en ello yace el verdadero triunfo de Minato. Todo el tiempo que estuvo alejado del arco no mejoró y cuando lo volvió a practicar seguía fallando, es recién cuando se vincula con sus compañeros y confía en ellos que es capaz de–a pesar de la ansiedad, el miedo y la presión–persistir, disparar y acertar. En otras palabras, su verdad o shin en este momento es que no puede enfrentar su problema solo y eso no es planteado como malo ni una señal de que sea débil o le falte esforzarse más.

    Fuente: Kyoto Animation

    Al inicio de la serie, el profesor Tommy, que dirige el club escolar de arquería decide que Minato sea el ochi y en la final del torneo, el protagonista entiende que el motivo es que esté al final de la fila en la que se colocan los arqueros para disparar y puede ver al resto de sus compañeros. De esa manera, puede sentir que si falla, el resto de su grupo enfrenta el reto junto a él y ellos podrán sumar los puntos que él pueda perder. De este modo, puede ver lo que los espectadores han visto durante toda la serie, que forma parte de un equipo en el que sabe que puede confiar. En ese sentido, puede dejar ir a la razón, armonizar su mente con su cuerpo y con el cosmos, concentrarse en calma y recordar el motivo por el que libera la flecha: para escuchar el tsurune junto a sus compañeros, sus amigos. Es correcto decir que el kyūdō plantea una introspección individual para llegar a esta conclusión como también es cierto que quizás sin Seiya, Kaito, Ryouhei, Nanao, incluso sin específicamente conocer a Masa-san, Minato hubiera podido decidir volver como arquero, pero no hubiera podido persistir y madurar para enfrentar mejor su pánico al amarillo sin darse cuenta de que necesitaba de otras personas y sin que estuviera dispuesto a confiar en ellas, esa es su victoria y un paso importante en su camino del arco.

    La serie no plantea si en algún momento Minato decidirá participar en una competencia individual enfrentándose sólo al pánico al amarillo o sea ir a la guerra con una sola flecha, pero hasta que lo consiga, puede recurrir, como lo harán los hijos del daimyō Mōri del cuento de Las tres flechas, a las otras cuatro flechas que lo acompañan y que le darán la fuerza que necesita.

    Si te interesa saber más sobre el kyūdō y el anime shōnen u otros temas que se tratan en este artículo, puedes revisar las siguientes fuentes:

    • Federación Internacional de kyūdō: https://www.ikyf.org/index.html
    • Hamaguchi, Yoshinobu (2006) Innovation in martial arts. En el libro Japan, sport and society. Tradition and change in a Globalizing World.
    • Ingulsrud, John y Kate Alenn (2010) Reading Japan Cool: Patterns of Manga Literacy and Discourse.
    • Odegard, Marius (2017) To what extent can classical conditioning and motor control systems serve as explanations to target panic?
    • Schodt, Frederik (2011) Dreamland Japan: Writings on Modern Manga.
    • Soeiro, Diana (2011) «Know thyself»: Mind, body and ethics. Japanese archery (Kyudo) and the philosophy of Gilles Deleuze.
    • Yamaguchi, Yasuo (2015) Traditional Sport from Cultural Perspectives in Japan. En la revista Journal of Asiania Sport for all, volumen 13, número 1.

  • Asper Kanojo: el manga slice of life y la necesidad de la empatía

    Asper Kanojo: el manga slice of life y la necesidad de la empatía

    Cada nueva temporada y cada mes, se pueden ver nuevos anime y mangas con el formato narrativo slice of life, en donde no podemos evitar empatizar o vernos a nosotros mismos en el día a día de los personajes en la escuela, en la rutina del hogar, en la oficina de trabajo o en algún mundo fantástico donde a pesar de ello nos reconocemos en el particular ritmo del transcurso de la vida. Algo muy similar ocurre en el manga Asper Kanojo (2018) que es uno de esos felices encuentros casuales que he tenido en mi búsqueda de nuevo material para leer. Esta historieta japonesa está centrada en la convivencia diaria de Yokoi Taku con Saitou Megumi en su pequeño departamento de Tokio, pero la diferencia es que esta última tiene asperger, un desorden del desarrollo que, entre otras cosas, le dificulta precisamente empatizar con la gente. En ese sentido, Asper Kanojo no es un slice of life típico y ello precisamente le sirve al autor, Hagimoto Souhachi, para reflexionar sobre el papel de la empatía en la salud mental y emocional.

    Fuente: Kodansha Comics
    Fuente: Kodansha Comics

    Asper Kanojo también llamado Asper Girl o Days with a girl es un manga seinen de los géneros drama y psicológico que tiene como punto de partida a Yokoi, un mangaka amateur que sobrevive repartiendo periódicos y dibujando dōujinshi erótico. Vive voluntariamente alejado de su familia en la capital japonesa y su dinero sólo le permite pagar un pequeño cuarto donde no tiene aire acondicionado, ni baño personal ni televisión. A pesar de ello, reserva tiempo para dibujar mangas con trama psicológica, donde sus protagonistas también tienen dificultades interactuando con otras personas debido a algún problema emocional y, aunque no se venden bien, encuentra placer creando estas historias y dibujándolas. Un día, toca a su puerta Saitou, quien ha decidido buscar al autor del cómic que ella siente que refleja muy bien el bullying escolar que ella sufrió cuando era niña por tener asperger. Por una serie de circunstancias, terminan viviendo juntos y a partir de esta premisa se desarrolla la narrativa del slice of life.

    Para ser más precisos, el slice of life o recuentos de la vida, es un relato que se centra en el rumbo cotidiano de la existencia de los personajes, los cuales, para Blautoothdmand tienen preminencia sobre la trama y presentan rasgos muy particulares y definidos, lo que le proporciona el encanto a seguir su día a día. En el caso de Asper Kanojo, nos encontramos con dos personajes principalmente. Por un lado, está Yokoi, un chico en sus veintes que a causa de su ansiedad social, ha decidido tener el mínimo contacto necesario con la gente, aunque cuenta con conocidos de su trabajo de repartidor, del edificio donde vive y suele responder o postear contenido en su blog y a los que leen sus trabajos. Por otro lado, está Saitou, una chica de dieciocho años que tiene asperger.

    De acuerdo con la Sociedad Nacional Autista del Reino Unido, el asperger es un desorden del neurodesarrollo a causa del cual la persona puede encontrar al mundo abrumador y motivo de ansiedad, ya que tiene problemas interpretando a la gente, tanto su lenguaje verbal (todo lo entiende literal, es decir, no comprende las bromas o el sarcasmo) como el no verbal (no reconoce el significado detrás de los gestos o el cambio en el tono de voz). Como resultado, el individuo actúa sin predecir las reacciones del resto de las personas lo que puede tener como resultado conductas consideradas bizarras, inadecuadas, impulsivas o violentas, en resumen, le cuesta empatizar. Según Víctor Ruggieri, la empatía se define como un componente emocional que nos permite compartir sentimientos con otros, lo que deriva en comprenderlos y sentir un compromiso con prestar ayuda. Para Saitou, la ausencia o poca presencia de este componente deriva en que, por ejemplo, no note la expresión de nerviosismo de Yokoi cuando ella lo mira tan fijamente o la molestia que puede ocasionar a las personas cuando estas le invitan comida y ella dice sin miramientos que no come comida preparada por extraños.

    Debo aceptar que cuando leí el inicio de la historia, esperaba el momento en que esta flaqueara en justificar la razón por la que Yokoi acepta que Saitou se quede a vivir con él dado que inician siendo desconocidos, pero no fue así. Yokoi comparte con ella la sensación de autodesprecio y una soledad elegida a causa de su incapacidad de relacionarse con otras personas, pero esta situación se ve eclipsada por la sensación de alegría que le produce cada pequeña cosa que comparte por primera vez con Saitou. Cuando ella entra a su habitación, cuando le sonríe, cuando lo recibe al volver del trabajo. Esta empatía que Yokoi siente por su compañera se expresa en el relato no sólo a través de las acciones de este y el desarrollo de su relación romántica, sino que se evidencia a nivel narrativo por el punto de vista de él, que constantemente está observándola y analizándola tratando de encontrar conexiones entre su comportamiento y su condición así como rescatando detalles que le impresionan o le gustan de su personalidad y buscando maneras de conseguir que sea más feliz. Para Saitou, si bien le cuesta empatizar, siente una mayor cercanía con Yokoi por las semejanzas en los sentimientos de ambos, pero también hay diferencias sobre las que ahonda este slice of life y de una forma particular.

    Si pensamos en la ficción actual, se pueden encontrar numerosos casos de representación de personajes con asperger o alguna otra condición del espectro autista y el manga no ha sido la excepción. Según el mangaka Yamada Reiji, autor de Zetsubō ni Kiku Kusuri, existe el arquetipo del asperger hero, el cual tiene dificultades empatizando con las personas a su alrededor, lo que hace que caiga mal, pero debido a que suele poseer habilidades analíticas, lógica e intuición o una alta sensibilidad artística es admirado. El autor pone como ejemplo al Sherlock de la serie del mismo nombre producida por la BBC y a L de Death Note, pero en Asper Kanojo, el autor de su historia, Hagimoto Souhachi se encarga de construir antes que talentos excepcionales, las fracturas humanas y los reveses de la complejidad mental y emocional de Saitou. En el primer capítulo de la historia, Yokoi vive solo hasta que ella irrumpe en su vida y la primera noche que Saitou se queda a dormir en su casa, él despierta y ve que ella se he hecho cortes en una de sus muñecas que yace junto a un charco de sangre. Esta caracterización realista-y a veces cruda- altera la forma más tradicional del slice of life. La razón es que ya no se trata de la peculiar manera en la que una pareja, donde a uno le cuesta expresar sus sentimientos, se va conociendo y resuelve las dificultades del día a día, sino que deben enfrentar los graves problemas que conlleva la condición específica de Saitou ante ese día a día.

    Además del asperger, Saitou tiene un trastorno obsesivo compulsivo derivado de su necesidad de tener algún control sobre lo que ocurre a su alrededor como cuando debe limpiarse rutinariamente sus zapatos 45 minutos para que sienta que están limpios o cuando va a comprar el mismo tipo de dulces a la misma tienda de conveniencia. Asimismo, cuando algo escapa de ese control, ya sea con las situaciones, las personas o ella misma como cuando se molestó con Yokoi y lo golpeó en un impulso, sufre ataques de pánico. Esta situación provoca que ella camine en una línea muy delgada entre estar bien y perder las ganas de vivir por lo abrumadoras que resultan sus emociones, lo que resulta en su caso en lastimarse a sí misma o posiblemente tratar de suicidarse sin que, en un inicio, pueda contenerse. Estos eventos implican un giro atípico en los relatos de recuentos de la vida. Como lo mencioné al inicio del artículo, es común que la audiencia que gusta de los slice of life se vea a sí mismo o empaticen con las historias que narran y, de acuerdo con Blautoothdmand, la razón es que siguen el pace o ritmo de la vida diaria en la que si bien se rescatan momentos significativos para la vida de los personajes no se trata de giros de trama de gran envergadura como la lucha del bien contra el mal. En Asper Kanojo, los días de Yokoi y Saitou están compuestos por muchos momentos de tranquilidad, dicha y comedia que se ven interrumpidos por crisis por parte de Saitou que alteran el pace normal y significan un giro o pico emocional en la trama de la sosegada viñeta diaria.

    Estas situaciones disruptivas distan del considerado como un subgénero del slice of life, el iyashikei, centrado precisamente en transmitir una calma y relajación al lector que se ve sorprendido también por el lenguaje del mismo manga cuyo arte está a cargo de Morita Renji. A través del empleo del cambio en los tamaños de plano así como de los juegos con los contrastes y la iluminación, se pone el acento en el punto crítico que posteriormente se va relajando a partir del apoyo, sobre todo, de Yokoi. Si desde la perspectiva del lector esto es sorpresivo o impactante, también tiñe a veces de tensión o ansiedad a los momentos de calma emocional para el mismo Yokoi, quien a veces sale a trabajar con miedo de que su novia se pueda lastimar en su ausencia o que no esté haciendo suficiente por ella. A nivel visual, Morita transmite esta sensación a partir de la disposición de las viñetas en la página cuya rectitud se conecta con la necesidad constante de control de la situación por parte de los dos protagonistas. El autor establece que este es el tipo de día a día de estos dos personajes, que se parece al de todos en cierta medida y a partir de eso construye la empatía que luego encara las diferencias que hace que Yokoi y Saitou tengan que lidiar con mucho más. Sin embargo, Hagimoto ahonda en el porqué tiene que ser tan difícil para ellos.

    Es bastante conocido que el índice de suicidios en Japón se encuentra entre los más altos del mundo, del mismo modo, en las noticias se menciona constantemente los casos de explotación laboral, así como los hikikomori, que son jóvenes aislados en sus casas casi sin contacto alguno con el exterior. En otras palabras, el cuidado de la salud mental en el país del sol naciente es un escenario complejo y la razón es que se enfrenta a las concepciones culturales en cuanto a lo que implica tener un desorden conductual. Según Nobutada Iwase, en la nación nipona, se reconoce un estigma hacia las personas con enfermedades mentales y síndromes que se manifiestan en el comportamiento, pues su cultura destaca la importancia del autocontrol y eso es algo que es usual reconocer en muchos personajes de anime y manga que suelen llorar en solitario o disculparse por hacerlo en público colocándose a veces una máscara de felicidad o tranquilidad que es la cara que se muestra a la sociedad (tatemae). Se considera una vergüenza no tener voluntad suficiente para poder controlar los pensamientos y las emociones personales que se mantienen privadas (honne), en consecuencia, eso implica que si se tiene algún problema y se exterioriza se puede ser juzgado por el resto del grupo, así que se decide no pedir ayuda para no ser condenado. Incluso, se considera culpable al paciente, no a la enfermedad o desorden. A este estigma se suma la importancia de la homogeneidad en la sociedad japonesa que deja poco espacio a la diferencia así como a las oportunidades para las personas que representan esa diferencia a la rígida norma.

    Cuando Saitou es diagnosticada con asperger, el doctor le dice que su condición es incurable, pero que es posible que se adapte a la sociedad y pueda vivir en ella. Es importante entender que existen terapias para personas con asperger que ayudan en el desarrollo de la empatía desde la niñez, pero debido a la cultura japonesa en relación con la salud mental y emocional puede ser complicado que eso se dé. En Asper Kanojo, el autor mantiene el formato slice of life para mostrar cómo el maltrato y rechazo total de su padre, la frialdad de su hermano, los poco comprometidos esfuerzos de su madre y la indiferencia por parte de su escuela ante su condición así como el bullying que sufría componen traumas que siguen persiguiendo a Saitou en su día a día, donde a veces tiene pesadillas o recuerdos que detonan las crisis ya mencionadas. De este modo, es natural que cuando Saitou se proponga buscar trabajo no encuentre ninguno en el que encaje, pues no cuenta con las herramientas para adaptarse a una sociedad que antes de Yokoi no empatizó con su situación y, por ende, no le ha dado una oportunidad ni siquiera dentro de su propia familia.

    El relato no revela cómo ha sido la cotidianeidad de Saitou antes de Yokoi, pero la narración demuestra que ha significado un cambio para bien cuando se observa su evolución en la misma historia, pero es claro que ello implica una dependencia hacia una sola persona que tiene mucho que enfrentar, no siempre se da abasto y desea fervientemente que su novia sea feliz. Si bien a lo largo de la historia aparecen personajes secundarios que empatizan con la situación de ambos, la cercanía aún no es suficiente para que la pareja reciba todo el apoyo que necesita. A pesar de lo contradictorio que suene, se trata de dos personajes para los cuales las personas y la sociedad en su conjunto resultan problemáticas por sí mismas y porque no los han visto con buenos ojos, pero necesitan de esas personas y de esa sociedad. A ese discurso es al que se dirige el autor con Asper Kanojo: el día a día de Saitou y Yokoi es parecido al nuestro, pero más complicado y ha mejorado por la empatía de este último, imaginen qué cambios se podrían generar con más personas como él en la vida de personas como Saitou. El manga de Hagimoto Saouhachi sigue en publicación en la plataforma de Kodansha, Comic Days, así que en estos días de cuarentena y considerando que nosotros vivimos en un país que lidia con sus propios prejuicios en cuanto al cuidado de la salud mental y emocional es una interesante elección de lectura.

    Fuente: Kodansha Comics

    Referencias:
    • https://the-artifice.com/slice-of-life-anime/
    • https://pdfs.semanticscholar.org/1bb8/3714f570897645350a44fd200a0edb452e3c.pdf
    • https://globalvoices.org/2017/05/13/how-aspie-is-misunderstood-mistranslated-and-misused-in-japan/
    • https://www.autism.org.uk/about/what-is/asperger.aspx
    • https://www.thelancet.com/action/showPdf?pii=S0140-6736%2802%2908698-1