Autor: Talia Vidal

  • Una fujoshi y un gamer. Reseña del manga «Qué difícil es el amor para un otaku»

    Una fujoshi y un gamer. Reseña del manga «Qué difícil es el amor para un otaku»

    La protagonista Narumi Momose esconde un secreto: es otaku. La única persona que lo sabe es su amigo gamer de la infancia Hirotaka Nifuji a quien no ve desde la secundaria. Sin embargo, por misterios del destino acaban trabajando en la misma oficina y ahora su secreto corre peligro de ser develado. Así empieza el manga «Qué difícil es el amor para un otaku» (o también conocido como «Wotakoi»), una historia con el que cualquier otaku y gamer puede sentirse altamente identificado. ¿Tus enamorados te han dejado por ser otaku? ¿Vas a comprar mangas de chicas moe a escondidas? ¿Prefieres quedarte en casa jugando shooters que salir a una cita? ¿Qué es una cita? ¿Shippeas a tu novio con el novio de tu amiga? Este manga josei retrata en una clave cómica las dificultades y peripecias de ser un adulto otaku. Entonces si deseas explorar un mundo cotidiano más allá de las historias situadas en la escuela, Wotakoi es para ti. Lo mejor es que el manga traducido al español ya llegó a Perú licenciado por ECC con una interesante edición y pueden encontrarlo en Ibero librerías.

    Nadie en la oficina se puede enterar que soy otaku (ni fujoshi)

    La protagonista es la romántica y kawaii Narumi Momose: una amante del yaoi (fujoshi) y los videojuegos otome (citas románticas) que oculta su identidad otaku porque todos los chicos con los que ha salido le terminaron cuando se enteraron de sus aficiones. Entonces imagínense cómo se sintió el primer día en su nuevo trabajo de oficina cuando se encuentra con Hirotaka, su amigo gamer de la infancia, quien la reconoce en el pasillo y le dice “No te veo hace años. ¿Irás al próximo Comiket?” (mercado de mangas de dibujantes aficionados que se celebra dos veces al año en Tokio). Para su suerte, solo escuchó el comentario su senpai llamada Hanako Koyanagi (que casualmente es una famosa crossplayer que también oculta su identidad en el trabajo) y el senpai de Hirotaka llamado Tarō Kabakura (el jefe de todos que teme revelar que también es un otaku. Además es novio de la crossplayer, pero ocultan su relación amorosa en la oficina).

    La mangaka Fujita publicó «Wotaku ni Koi wa Muzukashii» o «Qué difícil es el amor para un otaku» como webmanga en el 2014 directamente en la web Pixiv que según el portal Medium:

    “Pixiv funciona como un servicio de red social japonesa especializada en dibujo e ilustración, ya sean autores aficionados o profesionales. Para subir una obra es necesario crear un perfil de usuario gratuito. Cada usuario tiene un buzón de mensajes que le permite interaccionar con otras personas, valorar sus obras y dejarles comentarios”.

    Luego fue serializada por Comic Pool de Ichijinsha como un josei y acaba de terminar en julio 2021 tras 10 volúmenes. También cuenta con una adaptación al anime producida por A-1 Pictures que salió en el 2018 con 11 capítulos y 2 OVAs (se viene la tercera). La mangaka destaca por su humor. Inclusive cuando uno abre el manga de la edición de ECC, en la sinopsis ella describe su historia de la siguiente manera:

    Si colocas el manga a la luz aparecerá un kaomoji (emoticon japonés) satinado debajo de la descripción \( ´ ▿ ` )/
    Esta edición tiene la biografía de los cuatro personajes principales entre capítulos. Esta es la biodata de Narumi Momose. “Es del tipo polígamo, que ama al mismo tiempo y por igual a varios husbandos”. Este tipo de páginas extras entre capítulos le añade un toque especial a esta edición de la editorial ECC.

    El chico gamer, sus cigarros y el bar después del trabajo

    El punto fuerte de «Wotakoi» (el nombre que toma el manga en inglés) son sus personajes. Hay mangas que destacan por el estilo del dibujo del mangaka o por los magníficos escenarios, pero en Wotakoi resalta la capacidad de la mangaka Fujita para captar los momentos cotidianos. Esto le confiere profundidad a los personajes, pues el lector accede a sus mundos interiores en esos instantes que podrían no parecer importantes pero que definen la personalidad de uno.

    Un lugar al que suelen ir bastante después de la oficina es al bar. Los personajes tienen conversaciones interesantes que hacen avanzar la trama, pero a la vez se siente como un momento cotidiano. En Japón existe una tradición llamada “nomikai” que consiste en ir con los compañeros de oficina a tomar alcohol después de un largo día de trabajo para construir relaciones laborales sólidas. Y si tu jefe te ha dicho para ir, es imposible negarte a menos que quieras perder el trabajo (es una convención social algo complicada en ciertas situaciones. Existe mucha presión social detrás). Pero en Wotakoi se ve la parte agradable de esta tradición, pues los 4 amigos disfrutan de ir voluntariamente. Aquí surgen muchas conversaciones importantes para la trama como la que se muestra a continuación que aparece en la página 5 del manga: Narumi y Hirotaka van después del trabajo al bar luego de su primer encuentro en el pasillo. Ella le confiesa que nadie puede saber que es otaku y le cuenta sus traumas amorosos. Él responde: ¿Y por qué no buscas a alguien que comprenda a una otaku?

    Está claro que él quiere una relación romántica con Narumi, pero ella es tan despistada que no se ha dado cuenta y lo ve como su amigo otaku gamer. Hasta que él se confiesa y todo da un giro de 90 grados. El manga desarrolla toda esta relación atípica donde se supone que son enamorados, pero realmente parece una etapa de coqueteo porque Narumi aunque ha aceptado ser su novia, irá descubriendo de a pocos sus verdaderos sentimientos hacia Hirotaka.

    Hirotaka es un chico que juega videojuegos fuera del trabajo (y es bastante bueno). Es serio, callado, eficiente en el trabajo y fuma cigarros todo el día. También es considerado guapo por las chicas, pero a él no parece importarle. Puede entender a Narumi mejor que nadie por eso después del primer día de bar luego de trabajo le dice si acaso no es tonta:

    Narumi: ¿¡Se puede saber a quién llamas tonta!?
    Hirotaka: A ti claro. Eres tonta, tonta, tooonta (baka!) y pecho plano. Si estuvieras conmigo reuniría material, te subiría de nivel, saldría contigo cuanto quisieras, y aunque hicieras horas extras, te esperaría. No te decepcionaría ni te haría llorar, ni haría que dijeras que te habías equivocado. Y encima puedo ir contigo a vender en el evento del fin de semana que viene”.
    Narumi: ADMITIDO
    Y es así como los dos otakus empezaron una relación…
    ¿Es esta una Jojo referencia? Un manga sobre otakus por supuesto que tiene muchas referencias a otros mangas.

    El detalle de las carátulas que dividen cada episodio

    Ya se resaltó el fino humor de la mangaka Fujita. Lo interesante que le añade la edición en físico del manga de ECC Comics es continuar con esa clave de comedia inclusive en las ilustraciones que dividen cada episodio. También en la parte inferior de cada página (al costado del número) hay diferentes frases. Aquí van unos ejemplos:

    Hanako es la senpai de Narumi y también una famosa crossplayer. Ambas son fujoshis y tienen una relación amical bien particular y divertida (shippean a sus propios enamorados).
    Al costado de la página 24 dice: «(Índice de sincronización: 120%)». Esta es una referencia a Evangelion, pues en esta escena había una pelea por quién era la mejor waifu. Hirotaka imita a Gendo Ikari.

    El humor, el mundo otaku y la vida fujoshi

    Se destacó líneas arriba que el punto fuerte son los personajes. Otro punto para tener en cuenta es cómo se retrata el mundo otaku con tanto humor. Esto se manifiesta de diferentes formas, pero una bastante especial del manga es la relación amical entre las dos fans del yaoi Narumi y Hanako. Tienen una amistad que cualquier otaku desearía encontrar, pues su nivel de sincronicidad es altísima: van a comprar mangas juntas (directo a la sección Boys Love), se admiran mutuamente (Narumi no sabía que Hanako era la famosa crossplayer que admiraba y Hanako no sabía que Narumi era la gran escritora de doujinshi yaoi que admiraba) y hasta shippean a sus propios novios. También los obligan a cosas como estas:

    El chico del parche es Hanako en modo crossplayer. Narumi está al borde de las lágrimas. Los enamorados están viendo toda la escena de lejos. Este tipo de momentos cotidianos son el fuerte de Wotakoi: dos parejas otakus yendo a una convención todos juntos. Qué mejor que tus amigos y tu pareja comprendan tan de cerca y compartan las aficiones más cercanas a tu kokoro.

    Los capitanes del equipo de vóley y el epílogo donde la mangaka explica cómo se le ocurrió la historia

    Para finalizar, faltaba comentar sobre los otros dos protagonistas de esta historia: Hanako Koyanagi y Tarō Kabakura (aunque faltan dos más y son los personajes más tiernos. Pero hablar de ellos sería spoiler y aparecen mucho más adelante en el manga!). Hanako y Kabakura se conocieron en la secundaria, pues ambos eran capitanes del equipo de vóley femenino y masculino (sí, hay muchas alusiones a Haiykuu y es bello). Se llevan como perro y gato en público, pero cuando están en privado es otro cantar. Es interesante para el lector encontrar esos momentos donde se observa cómo se desarrolla su relación más allá de las peleas (que casi nunca pasa) porque uno se pregunta cómo han podido estar juntos por más de 10 años y qué es lo que los mantiene juntos. Gracias a ellos surge el contraste entre una pareja otaku que lleva junta muchísimos años (más tsunderes) y una pareja otaku que recién empieza a volar (más kuuderes).

    Sus peleas vienen desde la época donde tenían que competir por quién se quedaba a entrenar en la única cancha de vóley

    Finalmente, el epílogo de esta edición son dos hojas donde la mangaka Fujita explica cómo se le ocurrió la idea de crear Wotakoi y lanza datos interesantes para los fans. Por ejemplo menciona que en su familia el personaje más popular es Hirotaka, que todos sus amigos son fujoshis de primera categoría y que ellos le dieron el permiso de convertir en manga sus conversaciones porque estaba obsesionada. También les pide perdón por usarlos para sus chistes.

    Y así culmina esta reseña. Tanto la relación entre la crossplayer con el chico amante del shonen, como la relación de la fujoshi con el gamer, afirman lo difícil que es el amor para un otaku (ღ˘⌣˘ღ).

  • Sakuras, libros y melancolía: el manga «Quiero comerme tu páncreas»

    Sakuras, libros y melancolía: el manga «Quiero comerme tu páncreas»

    «Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:

    La brevedad de las cosas y el «mono no aware»

    La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.

    La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«. Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cual no hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.

    Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.

    La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo

    La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.

    Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.

    Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?

    El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.

    Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.

    Pero, las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.

    En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.

    Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español

  • Un Viento Llamado Amnesia

    Un Viento Llamado Amnesia

    Un Viento llamado Amnesia (Kaze no Na wa Amunejia) es una película animada de ciencia ficción dirigida por Kazuo Yamazaki en 1990. Está escrita por el gran Yoshiaki Kawajiri (creador de Ninja Scroll, Vampire Hunter D: Bloodlust), quien la adaptó de la novela homónima de Hideyuki Kikuchi. No es casualidad que el estudio que estuvo a cargo fuese Madhouse, pues fue fundado por Kawajiri y compañía.

    El film gira en torno a Wataru, un joven que se vio infectado por este viento que ha borrado la memoria de todos las personas del planeta Tierra causando caos y destrucción dado que nadie puede recordar cómo hacer las cosas más básicas de la experiencia humana. Y un día ¡se topa con un niño llamado Johnny que no ha perdido la memoria! Es así como le re-enseña todo lo que necesita saber para poder sobrevivir en el mundo como un hombre contemporáneo (aprender a manejar un carro, etc).

    Ahora Wataru tiene una nueva misión: viajar por el mundo en su jeep acompañado por la misteriosa Sophia (que siempre lo sigue sin mucha explicación) mientras tratan de encontrar humanos infectados en las calles desoladas para re-enseñarles costumbres de la vida antes de la llegada del viento llamado Amnesia.

  • Indigno De Ser Humano: reseña del manga de Junji Ito

    Indigno De Ser Humano: reseña del manga de Junji Ito

    El maestro del terror Junji Ito adapta en manga la segunda novela más vendida en Japón: Indigno de ser humano del reconocido escritor de posguerra Osamu Dazai, quien cometió suicidio doble (con su amante) tras acabar de escribir el libro. Y aunque la novela no tiene el tipo de terror característico de Ito, es interesante para todo amante de la obra del mangaka conocer cómo representa visualmente sentimientos humanos que no ha explorado antes demostrando así que es uno de los dibujantes más hábiles de su generación.

    El protagonista del manga es Yozo Ooba, un joven japonés que se refugia en el tabaco, alcohol y prostitutas para huir de su aversión a la sociedad. El parecido entre las vidas de Yozo y Osamu Dazai no es coincidencia.

    Está basado en la segunda novela más vendida en Japón

    La novela narra, en primera persona y de forma descarnada, el progresivo declive de Yozo, joven estudiante de provincias que lleva una vida disoluta en Tokio. Repudiado por su familia tras un intento de suicidio e incapaz de vivir en armonía con sus hipócritas semejantes, Yozo malvive como dibujante de historietas y subsiste gracias a la ayuda de mujeres que se enamoran de él pese a su alcoholismo y adicción a la morfina.

    Sinopsis de Íbero Librerías.

    Indigno de ser humano se publicó en 1948, el año de la muerte de Osamu Dazai (1909-1948). Como menciona el investigador Phyllis I. Lyons, son pocas las dudas existentes sobre que Dazai efectuó un gran cambio en la naturaleza de la literatura japonesa después de la Segunda Guerra Mundial. Él fue el primer autor en articular el terrible colapso tanto de la nación japonesa como el del individuo japonés, y el primero en contar sobre dicha caída con un humor doloroso. Cabe resaltar que sus novelas tienen un carácter autobiográfico y Ningen Shikkaku (Indigno de ser humano, 人間失格) no se escapa de la regla.

    El manga recoge todo ese espíritu, donde el protagonista -que prácticamente es la historia del mismo Dazai- se da cuenta a una corta edad que al provocar risa entre sus compañeros y familiares puede lograr camuflar sus propios miedos. Es decir, usa el humor como mecanismo de defensa. Por ello, Junji Ito decide titular uno de los primeros capítulos «Payasadas«. Además, en el primer tomo del manga (son tres) se muestra al protagonista desde que es un niño rico hijo de un político importante hasta el inicio de su juventud como estudiante en Tokio (con incursiones en el amor y el comunismo durante la época militarista de la década de los treintas).

    El manga es del 2017, pero en 2019 ECC Cómics publicó esta edición en tres tomos.

    En la niñez vive un par de experiencias bastante desagradables que hacen entender al lector el porqué de su actitud autodestructiva hacia la vida. Por supuesto, el mangaka logra plasmar visualmente estos «fantasmas del pasado» de una manera visceral y perturbadora al mejor Junji-estilo gracias a su gran habilidad para jugar con las sombras.

    Los personajes del manga existieron en la vida real

    Las obras de Dazai son de carácter autobiográfico y, en cuando a narrativa, Junji Ito se mantiene bastante fiel a Indigno de ser humano. Un ejemplo de dos personajes que aparecen en el manga y que están inspirados en personas reales son 1) el mismo protagonista (quien es Dazai porque viven la misma historia: adictos a la morfina, mismos intentos de suicidio individual y doble, nacieron en cunas de oro, etc) y 2) Tsuneko, basada en Shimeko Tanabe. Ella fue una camarera que conoció Dazai en un bar. Trataron de cometer suicidio doble en 1930, pero él sobrevivió. El manga recoge y profundiza esta historia.

    Tsuneko es una camarera sumamente pobre y con un aura de tristeza infinita. Ooba al conocerla, siente una profunda empatía por primera vez en su vida. Junji Ito plasma el sentimiento de tristeza con aquellas líneas serpenteantes a modo de humo. Un sentimiento poco explorado en sus mangas.

    Un buen dúo: Ito-Dazai y la crítica a la sociedad japonesa

    Junji Ito (Gifu, 1963) es uno de los mejores mangakas de terror contemporáneos. Sus obras Tomie, Uzumake y Gyo gozan de una alta popularidad. Todas ellas tienen en común que Ito no solo las ilustra, sino que también se dedica a escribirlas. Por ello sus obras se sienten siempre tan personales y giran en torno a temáticas parecidas como la sensación de lo inhumano o la muerte inevitable. Es así como Indigno de ser humano resalta entre su obra porque no es un guion hecho por el mismo Ito.

    Si bien la novela no tiene el terror visceral ni está llena de cuerpos que van más allá de lo humano, parece que Ito quería explorar una crítica a la sociedad japonesa desde otro ángulo y la novela de Dazai es perfecta para ello. Además, hay otros retos como el contexto histórico, pues está ambientada en la década de los treintas y los mangas que ilustra son contextos actuales.

    ¿Cómo una persona tan adorable crea mangas como Tomie? Un misterio.

    La historia contada visualmente al estilo Junji Ito

    Cada página tiene varias viñetas (un promedio de cinco) y esto contrasta con los momentos donde el mangaka quiere poner su propio acento en la historia y selecciona, por ejemplo, un solo rostro que aparece en la página entera. Por supuesto éste será dibujado por Ito con un exceso de líneas negras a modo de sombra. Por otro lado, Ito no es un autor que se caracterice por lograr el movimiento como Takehiko Inoue (Vagabond, Slam Dunk) sino que su maestría reside en poder volver aterrador cosas cotidianas como los rostros de un compañero de colegio, una aparente simple oreja, etc a través de su manejo de las líneas delgadas.

    Las referencias al Japón tradicional están a la orden del día. Conocer sobre el trabajo de las geishas o lo que se evoca al nombrar Kamakura (una ciudad costera con muchos templos budistas y santuarios shinto) puede ayudar a entender mejor el contexto, aunque no es del todo necesario en este caso. Ver el Gran Buda de Kamakura en un manga de Ito es inesperado.

    El trabajo de Junji Ito también resalta en la edición: de un momento aparentemente tranquilo pasa a uno perturbador porque sabe usar las viñetas de transición. Un ejemplo se encuentra en esta escena de tres páginas: en la primera se observa el apacible mar de Kamakura. En la segunda pone el acento sobre los rostros, pero cambia el fondo a un color oscuro. En la tercera vuelve al uso de blanco en el fondo para acentuar el dramatismo.

    Las cosas cambiaron algo rápido

    La tristeza gráfica y la incursión en el marxismo

    ¿Cómo representas la tristeza en dibujo? Esto es lo más interesante en el primer tomo del manga porque es un sentimiento pocas veces dibujado por Ito. Él lo resuelve con un trazo ondulante que imita al vapor (o sensación de calor) como en la imagen que está a continuación. Lo utiliza sobre todo cuando aparece este personaje llamado Tsuneko, pero también es utilizado cuando por ejemplo el protagonista camina por las calles de Tokio y varias mujeres lo siguen porque «sus instintos las hace oler su soledad y tristeza». Cabe resaltar que el manga está lleno de varios personajes que entran y salen de la vida del prota.

    La profunda tristeza los unía.

    La incursión del protagonista en el marxismo también es de carácter autobiográfico. En el manga, el joven estudiante está en una constante búsqueda de algún motor que lo saque del infierno en el que vive por dentro. Cuando conoce sobre las reuniones comunistas prohibidas en un sótano, acude de curioso, pero no le termina por satisfacer. Igual sigue yendo para matar el rato aunque cree que son personas falsas.

    Los movimientos socialista y comunista comenzaron en la era Taisho (1912-1926): un periodo conocido como de «paz», pero se sabe que realmente fue todo lo contrario. La era Taisho fue el paso entre la reforma Meiji (donde Japón se abrió camino hacia la modernización occidental) y el militarismo y nacionalismo japonés de la era Showa. Como menciona Mikiso Hane en Breve historia de Japón:

    Los comunistas organizaron un partido clandestino en 1922, pero el gobierno detuvo a sus líderes en 1923 y, un año después, el partido quedó disuelto. […] Los socialistas comenzaron por organizar su propio partido político en 1906, pero el gobierno lo prohibió al año siguiente. En 1920, constituyeron la Liga Socialista Japonesa, que contó nuevamente con la prohibición gubernamental. […] La persecusión a los comunistas continuó hasta la década de 1930, pero el movimiento comunista vivió presionado hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

    M. Hane

    El marxismo también tuvo sus seguidores en la comunidad académica, y eran muchos los profesores y estudiantes interesados en la ideología marxista. Pero también esta comunidad se vio afectada por la purga de «pensadores peligrosos»: se encarceló a muchos estudiantes y algunos profesores destacados fueron despedidos

    Se siente el poder visual de Ito: para mostrar el descontento del prota, los cuerpos se ven alienados yendo más allá de lo humano.

    «Somos camaradas unidos por Marx. Te llamas Ooba no?»

    Si aún no han leído la novela, el #GI Sugoi recomienda darse una vuelta por el maravilloso mundo de la literatura japonesa y quizá comenzar por ahí. Sino, también podrían iniciarse en este camino ninja con la novela número uno en ventas en Japón: Kokoro de Natsume Soseki de 1914, una obra brillante del cambio de siglo (y de época) que refleja las inquietudes de un hombre que es testigo del quiebre entre tradición y modernidad típico de la era Meiji. Finalmente, los tres tomos del manga de ECC Cómics pueden encontrarlos en Ibero Librerías que también tiene sucursal en Huancayo.

    Bibliografía (⁄ ⁄>⁄ ▽ ⁄<⁄ ⁄)

    ( ̄▽ ̄)ノ Breve historia de Japón de Mikiso Hane. Editorial: Alianza Editorial.

    ψ( ` ∇ ´ )ψ The saga of Dazai Osamu: A critical study with Translations (Traducido por la autora). Rescatado de: https://www.cambridge.org/core/journals/journal-of-asian-studies/article/saga-of-dazai-osamu-a-critical-study-with-translations-by-phyllis-i-lyons-stanford-calif-stanford-university-press-1985-xi-410-pp-appendixes-selected-bibliography-index-3850/09C2E67BB3C733F8451B3799202764A6

  • El huevo del ángel de Mamoru Oshii

    El huevo del ángel de Mamoru Oshii

    El huevo del ángel (Tenshi no Tamago (天使のたまご) es una OVA dirigida por Mamoru Oshii en 1985. La historia gira en torno a una pequeña niña que camina sin rumbo por un oscuro mundo post-apocalíptico lleno de edificios góticos, donde ella parece ser de las únicas sobrevivientes junto a algunos soldados y a un misterioso hombre que carga una cruz. Lo curioso es que ella lleva a todos lados un misterioso huevo -de un tamaño bastante considerable- que parece querer proteger.

    Pero, ¿qué hay dentro de ese huevo? ¿Por qué esta niña nunca habla? ¿Por qué ese hombre carga una cruz? El film de Oshii genera más preguntas que respuestas, pues está cargado de un alto nivel de simbolismo y tinte surrealista que ha logrado que, al terminar el film y  a lo largo de los años, nazcan muchísimas interpretaciones sobre esta obra. Cabe resaltar que el mismo Oshii ha declarado que no sabe de qué trata la historia y justo antes de realizar la OVA había perdido su fe en el cristianismo (lo cual es una gran pista para poder interpretarla).

    Esta obra maestra destaca por el impecable manejo del silencio por parte del director, pues el ritmo nunca decae a lo largo de los 70 minutos de duración por más que prácticamente no exista diálogo (solo en tres momentos hay un breve intercambio de palabras). Es así como Oshii se consagra como el maestro del ritmo, donde las largas secuencias de silencio se combinan con una edición visualmente brillante que atrapa al espectador y lo mantiene interesado en el vagabundeo de la misteriosa niña con su huevo por esta ciudad en ruinas. Estas largas tomas llenas de silencio nos recuerdan a las películas del director ruso Andrei Tarkovski, quien exploró este estilo en toda su filmografía.

  • Un recorrido por Ghibli. Reseña de Mi Vecino Miyazaki

    Un recorrido por Ghibli. Reseña de Mi Vecino Miyazaki

    «Mi vecino Miyazaki: Studio Ghibli. La animación japonesa que lo cambió todo» es el perfecto libro de cabecera para todo fan declarado del famoso estudio que quiera profundizar en su filmografía. La pluma de los españoles Álvaro López Martín y Marta García Villar permite al lector de cualquier generación entretenerse con todo el torrente de imágenes a full color que ofrece este volumen y a la vez aprender más sobre Ghibli gracias a un análisis riguroso lleno de referentes culturales, datos curiosos y debates filosóficos. Esta combinación de una alta cantidad de imágenes a color más conocimiento profundo dispuesto de manera lúdica es el gran logro del libro. Es así como se encuentra nada más y nada menos que en su SEXTA edición.

    Gracias a Íbero Librerías, se puede contar actualmente con Mi vecino Miyazaki en nuestro país en una impecable edición de tapa dura con papel satinado que permite apreciar de la mejor manera toda la información. Cabe resaltar que los libros de Diábolo Ediciones tienen este marcado estilo que los ha posicionado entre las mejores editoriales de cómics.

    El libro está dividido en 24 capítulos donde cada uno corresponde a una película de Ghibli ordenada cronológicamente. La lista comienza con Nausicaä del Valle del Viento (que técnicamente no es del estudio, pero los autores justifican su inclusión) y terminan con Mary y la flor de la bruja. De esta manera, el lector puede hacer un recorrido por la historia del estudio observando su evolución y los pasos que fueron tomando con los años.

    El índice de Mi vecino Miyazaki está acompañado de imágenes lo cual lo vuelve didáctico, accesible e interesante a la vez. Además, uno va interiorizando el orden cronológico de la filmografía Ghibli.

    Muchas muchas muchas imágenes (y a color)

    Mi vecino Miyazaki es un festín que rescata la esencia del espíritu de Hayao Miyazaki e Isao Takahata a través de varias formas y una de ellas es la selección de imágenes. Cada película tiene más de tres fotogramas por página y de un tamaño considerablemente grande por lo cual el libro también permite gozar de un recorrido visual interesante donde se aprende -o se recuerda- momentos claves del film en cuestión sin recurrir al texto. De esta manera, personas de distintas generaciones pueden acercarse al análisis sobre Ghibli tanto por la vía visual como textual.

    Imagen: Capítulo sobre Nausicaa del valle del Viento del libro Mi Vecino Miyazaki.
    Imagen: Capítulo de El castillo en el cielo del libro Mi Vecino Miyazaki.

    Cada película tiene un subtítulo preciso que sirve como brújula

    Cada autor se dedica a un capítulo por completo y abarcan entre cada uno la misma cantidad de películas. Por ejemplo, Marta García se ha encargado de El delivery de Kiki y La princesa Mononoke mientras Álvaro López analiza Recuerdos del ayer y Susurros del corazón. En la carátula de cada capítulo, se puede apreciar subtítulos que le han dado a las películas para tratar de resumir su enfoque de análisis. En el caso de Kiki, ella usa el subtítulo «Volando sola», el cual va orientando al lector sobre el viaje en el cual se embarca la protagonista, que es a su vez un viaje metafórico del crecimiento personal. Definitivamente, este es uno de los aciertos del libro, pues el enfoque de cada autor está impregnado por todo el capítulo y logran entender y transmitir a sus lectores la magia del Studio Ghibli en una corta frase que invita a la lectura.

    Carátula del capítulo sobre El delivery de Kiki. Recordar que en España el título cambió a «Nicky», pues la palabra Kiki tiene una connotación diferente en ese país. Fuente: Mi vecino Miyazaki.
    La manera en la cual las carátulas de cada capítulo están organizadas le agrega un extra al libro. Se trata de rescatar a los personajes principales de manera visual. Fuente: Mi vecino Miyazaki.

    ¿Querías todos los datos curiosos de Ghibli? Eso obtendrás.

    Si estás en un debate con amigos sobre cualquiera de las películas de Ghibli y necesitas corroborar datos curiosos apoyados en información verificada y rigurosa de manera rápida, este libro te puede salvar de apuros, pues cada capítulo tiene varios rectángulos a manera de apéndice del texto principal donde se resaltan curiosidades de los films que saltan a la vista rápidamente. Un ejemplo magnífico es -dentro del capítulo de El viaje de Chihiro- una imagen donde la protagonista está parada delante de un cuadro que contiene la imagen de la brujita Kiki, una cuestión que es difícil de avistar a menos que hayas visto la película por lo menos un buen puñado de veces.

    En el capítulo sobre Pompoko, se aprecian varios de los rectángulos que aluden a datos curiosos que vinculan el folclore japonés con el imaginario Ghibli. Fuente: Mi vecino Miyazaki.

    «La continuidad de un estilo». Incluyen el film Mary y la flor de la bruja

    Imagen: «Mary y la flor de la bruja. La continuidad de un estilo» por Álvaro López dentro del libro «Mi vecino Miyazaki».

    El último capítulo está dedicado al film Mary y la flor de la bruja, que no es de Studio Ghibli, sino de Studio Ponac. Entonces, ¿por qué fue incluida? Aquí los autores resaltan cómo la producción cinematográfica y la economía están estrechamente ligadas. López explica cómo en el 2014 hubo una fuga de creativos en Ghibli debido a un corte de presupuesto por lo cual los jóvenes animadores decidieron poner en marcha una nueva compañía. Por ello, se puede sentir «todas las características de Studio Ghibli y con gran parte de su equipo artístico» y es así como el espíritu Ghibli seguirá -esperamos- de generación en generación más allá de Miyazaki y Takahata.

    Mi Vecino Miyazaki cierra con broche de oro: se exponen a tres de los fundadores del estudio. Esto denota un gran manejo del tema, pues se suele dejar de lado al productor Toshio Suzuki. Además, incluyen al compositor Joe Hisaishi, hombre clave en el éxito de Ghibli gracias a su brillante aporte en la banda sonora.

    Álvaro López Martín y su archi-famoso blog Generación Ghibli

    Todo fan del Studio Ghibli de habla hispana se ha topado en internet con el famoso blog Generación Ghibli. Esto ha convertido a su autor, el español Álvaro López, en uno de los mayores referentes de estas películas de animación en nuestro idioma. El blog surge en 2010 «para intentar aportar mi granito de arena a su difusión en nuestro idioma» como menciona en su biodata al final del libro. De esta manera, es necesario reflexionar cuánta información de Ghibli ha venido circulando tanto en internet como en libros en idioma inglés desde hace varios años atrás, pero que en el idioma español no se corre con la misma suerte. Por ello, gracias al impulso de pioneros como Álvaro, podemos obtener valiosa y rigurosa información sobre Miyazaki y cía consolidados en libros como el de la reseña de hoy.

    La biodata del autor está escrita de manera lúdica y amena al igual que la de la co-autora Marta García.

    ¿Qué otros libros ha escrito el autor? Pues su conocimiento y dedicación a la filmografía de Ghibli es tan amplia que también ha dedicado libros a específicamente sólo una película de Miyazaki como es el caso de «El viaje de Chihiro. Nada de lo que sucede se olvida jamás» y «El castillo ambulante. Un corazón es una pesada carga». Cabe resaltar que también posee un libro dedicado al director Makoto Shinkai (quien fue catalogado como el sucesor de Miyazaki por su técnica de dibujo aunque tiene otro tipo de inquietudes narrativas). Si te interesa su trabajo, puedes seguir el blog en Twitter y Facebook para obtener imágenes diarias de los trabajos del estudio. Definitivamente un poco de Ghibli al día es lo que uno necesita y no puede olvidar jamás.

    Dedicado a Laura Montero-sensei

    En la última página, tanto Álvaro como Marta dan sus agradecimientos. Lo interesante es que ambos autores coinciden en mencionar a Laura Montero Plata como una de las personas que guió sus caminos por la escritura del libro (incluso Marta la nombra como «sensei Laura»). Pero, ¿quién es Laura Montero Plata? ¿Sabías que vino a Lima, Perú a dar un par de conferencias en la Asociación Peruano Japonesa en 2019 sobre Ghibli?

    Afiche promocional del evento realizado en el APJ gracias a Fundación Japón Madrid (pronto se abrirá una sucursal de Fundación Japón en Perú, estén atentos para todo lo que se viene).

    Doctora en Historia del Cine por la Universidad Autónoma de Madrid y licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad San Pablo-CEU. Forma parte de la redacción de A Cuarta Parede. Ha publicado en revistas como Secuencias, Cahiers du Cinéma España, Caimán Cuadernos de Cine, 24 Monthly o Con A de Animación, y ha sido colaboradora del Festival Cines del Sur. Ha sido programadora y co-organizadora de la Semana de Cine Japonés Actual de la EOI de Madrid desde 2010 a 2018. Sus líneas de investigación giran en torno al anime y al cine contemporáneo japonés. Es autora del libro El mundo invisible de Hayao Miyazaki (actualmente en su séptima edición) y de Biblioteca Studio Ghibli: La princesa Mononoke (Héroes de Papel, 2017). Ha publicado en inglés, francés y español sobre otros autores como Isao Takahata, Satoshi Kon, Kenzō Masaoka, Hirokazu Kore-eda, Kim Jee-woon o Shunji Iwai, entre otros.

    Biodata de Laura Montero en la página web de Fundación Japón Madrid

    Laura Montero es un hito en los estudios académicos sobre animación japonesa. Ella ha logrado abrir el camino a muchos otakus académicos fans del anime que les interesa la investigación y, sobre todo, el Studio Ghibli. Su tesis doctoral para ser Historiadora de Cine en la Universidad Autónoma de Madrid se basó en ello. Definitivamente, son nuevos tiempos en el ámbito universitario donde ahora la cultura popular está siendo estudiada con rigurosidad y seriedad.

    La española Laura Montero, doctora en Historia del Cine gracias a su tesis del Studio Ghibli.

    «Mi vecino Miyazaki: Studio Ghibli. La animación japonesa que lo cambió todo» no debe faltar entre los libros que tienes en casa. No hay mejor combinación que terminar de ver una de las películas del estudio e interiorizarla junto a Mi vecino Miyazaki como siguiente paso.

    Susurros del corazón, film del estudio que tiene a los libros como parte esencial de la trama.

    Bibliografía:

    «El mundo invisible de Hayao Miyazaki» de Laura Montero Plata. Primera edición, 2012.

  • Me lo contaron en Japón: La zorrita Kon y el tejoncito Pon

    Me lo contaron en Japón: La zorrita Kon y el tejoncito Pon

    Uno de los primeros encuentros que los peruanos tuvimos con el folclore japonés fue gracias a “Me lo contaron en Japón” transmitido por TNP (ahora TV Perú) por allá en la década de los noventas. El gobierno nipón decidió regalar a diversos países de Sudamérica programas educativos del canal nacional japonés NHK –entre ellos- éste llamado “Teatro de marionetas” (こども人形劇場) donde cada episodio era un encuentro lúdico con una historia de su folclore que transmitía valores como la amistad y promovía la reflexión.

    La zorrita Kon y el tejoncito Pon se encuentran por primera vez. Fuente: Video de «MiraBolivia».

    El programa se basaba en el bunraku: una antigua forma de teatro de marionetas. Entre uno de sus episodios se encuentra “La zorrita Kon y el tejoncito Pon”, una historia de amistad entre dos tipos de animales que comparten la capacidad de transformarse físicamente. Sin embargo, las familias de Kon y Pon se oponen a su amistad porque no confían en un animal que use su habilidad de metamorfosis para engañar y hacer daño a otros. Sin embargo, esto no es cierto como descubrirán luego, solo estaban juzgando a la otra especie sin conocerlos previamente.

    Esta desconfianza de los padres es un reflejo de la poca comprensión que suelen recibir estos animales por parte de algunos japoneses en la vida real, pues la tradición cuenta que tanto los kitsune (zorros) como los tanuki (tejones) poseen la habilidad para transformarse como un medio de supervivencia y adaptación al constante cambio que sufre su hábitat. Sin embargo, algunos juzgan esta habilidad negativamente y los condenan como seres dedicados al arte de engañar.

    «Los tejones no son nuestros amigos. Son malos y hacen travesuras» dice el señor zorro. Fuente: Video de MiraBolivia.

    Alguien que desarrolló esto a fondo es Isao Takahata en su película Pom Poko donde un grupo de tejones o tanukis tienen que luchar contra la demolición de su hogar (el bosque) y usan la metamorfosis como medio para sobrevivir. No se los retrata como viles, sino que se empatiza con este poder propio del tanuki. El trasfondo (al igual que en ”Me lo contaron en Japón”) remite el respeto por otras especies, la protección de su lugar en el mundo, la indiferencia del ser humano y el disfraz como un medio de supervivencia. Entonces, a través de estos productos audiovisuales, aprendemos sobre la particular representación de estos animales en el folclore japonés donde además son categorizados como espíritus llamados yōkai.

    Pom Poko dirigida por Isao Takahata en 1994. Aquí el tejón (tanuki) está en clases de metamorfosis junto a sus otros compañeros que han logrado transformarse en darumas.
    Intro de «Me lo contaron en Japón».
    https://www.youtube.com/watch?v=h7OFCE6O2ZE
    «La zorrita Kon y el tejoncito Pon» de «Me lo contaron en Japón». Parte 1.
    https://www.youtube.com/watch?v=FgTU1oDRSQM
    Parte 2.
  • Ninja Scroll: el vagabundo mercenario del periodo Edo

    Ninja Scroll: el vagabundo mercenario del periodo Edo

    El estilo del gran director Yoshiaki Kawajiri es inconfundible: altos niveles de violencia gráfica y sexual, personajes de ojos rasgados y de hombros anchos, batallas estilizadas y perfectamente coreografiadas, una tenue luz azul cada vez que los personajes se encuentran en la sombra y seres demoníacos con poderes demenciales. Estas son parte de las características esenciales que componen el universo de uno de los mejores y más respetados directores de anime, quien dirigió y escribió en 1993 la película Ninja Scroll. A nivel internacional, esta obra entró en el panteón de las obras más influyentes a inicios de la década de los noventas junto con Akira y Ghost in the Shell, pues apreciada por su destacada animación y escenas de acción, aumentó la popularidad del cine de animación japonés entre el público adulto.  

    Primera toma: un ninja (shinobi) cruzando un puente de manera tranquila en un día de viento.
    Lo interceptan, pero sale intacto al igual que su onigiri.

    Ninja Scroll: fuente de la memoria histórica de Japón

    El anime es un buen vehículo para preservar y rescatar la memoria histórica del pueblo japonés. En este caso, Ninja Scroll al basarse en una época real es una buena fuente para aprender dos cosas: saber quiénes eran los Tokugawa y los Toyotomi; y conocer más sobre cómo se retratan los shinobi o ninjas cuando se desea ser históricamente preciso.  Pero antes, un poco sobre qué va la trama:

    El film gira en torno a la lucha de poder entre el shogunato Tokugawa (el gobierno oficial) y el Shogun de la Oscuridad. Éste es un vasallo del clan Toyotomi (anterior gobierno) quien desea restaurar en el mando a sus amos nuevamente. Para ello, se servirá de los 8 demonios de Kimón quienes recolectarán el oro de una mina oculta (no reportada al gobierno) para así poder comprar poderosas armas de España y derrocar a los Tokugawa.

    Las cosas se complican cuando Jubei Kibagami, un habilidoso ninja mercenario, es interceptado por un ninja anciano espía del gobierno Tokugawa llamado Dakuan quien lo contrata para derrotar a estos demonios y recolectar información. Las cosas se le complican aún más al enemigo del gobierno cuando se une al dúo Kagero, una kunoichi (ninja mujer) del clan Koga quien tiene un poderoso jutsu (técnica) a base de veneno.

    Hasta aquí tantos datos históricos pueden marear y desalentar a seguir la narrativa. Sin embargo, un punto fuerte de la película es que uno puede hacer caso omiso de todos estos nombres y/o no conocer la parte histórica previamente (no te explican) e igual disfrutar del alto potencial visual y narrativo que ofrece Ninja Scroll mientras estés al tanto de quién pertenece a qué bando. Pero el nivel extra que le añade manejar los datos históricos es valioso para quien desee entender todas las pistas que va dejando el director Kawajiri en el guion y también para aprender un poco más sobre Japón.

    Ahora sí: ¿quiénes son los Tokugawa y qué implica que los Toyotomi los quieren sacar del poder?

    La película probablemente trascurra a inicios del periodo Edo (1603-1868) donde el clan liderado por Ieyasu Tokugawa marcó el inicio de la ansiada paz en Japón que reinaría por más de 200 años. Aquí hay que recordar una frase que el ninja anciano le dice al mercenario Jubei: “si el oro llega a manos del Shogun de la Oscuridad, serán probablemente lo suficiente poderosos para derrocar al gobierno Tokugawa y sumergir al país en otra guerra civil”.

    ¿Guerra civil? El anciano está aludiendo al periodo previo en la historia japonesa conocida como Sengoku o Era de los Estados Combatientes (1467-1573) donde Japón se vio inmerso en el episodio más largo y sangriento de toda su historia. Inició aproximadamente en 1467 cuando se creó un vacío en el poder estatal durante el débil reinado del shogunato Ashikaga durante el periodo Muromachi el cual fue aprovechado por diversos clanes y daimyō (señores dueños de tierras) para pelear por el control de Japón, pues el país se encontraba dividido en provincias (kuni) controladas de manera independiente.

    En 1573, un importante general llamado Oda Nobunaga disolvió el shogunato Ashikaga y lanzó una política de reunificación de Japón. Tras su asesinato, Hideyoshi Toyotomi subió al poder (este es el clan que en Ninja Scroll quiere restaurar su mandato). Como comenta Mikiso Hane en Breve Historia del Japón:

    A Nobunaga le sucedió otro antiguo seguidor. Hideyoshi Toyotomi, un campesino que empezó su carrera como portador de las sandalias de Nobunaga para acabar convirtiéndose en uno de sus mejores generales. Consiguió someter a sus rivales e imponerse en todo el territorio. Fue nombrado regente y canciller por el emperador, pero no pudo llegar a ser shogun porque para entonces ya existía la tradición de designar para tal puesto sólo a descendientes del clan Minamoto.

    Mikiso Hane

    Es decir, Toyotomi fue un líder militar crucial en la historia japonesa inscrito en la época de la guerra civil, aunque intentó que ésta acabase siguiendo los pasos de Nobunaga al fomentar la unificación de Japón. Cuando Nobunaga y Toyotomi subieron al poder, se creó un nuevo periodo llamado Azuchi-Momoyama (los nombres de los castillos de ambos), pero esto no significó un cambio en la atmósfera del país la cual aún era políticamente inestable. Es recién en 1600 tras la batalla de Sekigahara que Ieyasu Tokugawa asciende y ahora su clan instauraría un nuevo periodo llamado Edo. Pero, ¿cómo era este famoso Toyotomi que invocan en Ninja Scroll?

    A pesar de sus orígenes campesinos, en política interior se propuso evitar que este sector provocara más problemas en el futuro. Promulgó un decreto prohibiéndoles abandonar la tierra y les ordenó entregar todas las armas a las autoridades; asentó así las bases de una relación servil que quedaría instituida en los años siguientes, durante la era Tokugawa.

    Mikiso Hane

    No es muy diferente a los anteriores gobernadores en cuanto a su relación con la población, aunque sí marcó la historia con las bases serviles que comenta el autor. Volviendo a la película, ésta se ubica al inicio de Edo donde Tokugawa estaba logrando una atmósfera de paz que desencadenó, entre varias cosas, el ascenso de una nueva clase social comerciante llamada shonen y también se disparó el tema artístico y cultural donde surgieron varias manifestaciones artísticas como el ukiyo-e. ¿Y cómo era este nuevo líder?

    Ieyasu era tan ambicioso y despiadado como cualquier otro daimio. Obedeció a Nobunaga cuando éste le ordenó ejecutar a su propia esposa y obligar a su hijo a hacerse el harakiri. Se jactaba de ser descendiente del clan Minamoto y, tras ser nombrado shogun en 1603, decidió permanecer en Edo, que pasó a ser la sede del gobierno.  

    Entonces cuando el anciano ninja está preocupado por la misión del Shogun de la Oscuridad, uno puede simpatizar más con la causa de este shinobi, pues implica la vuelta a una era sangrienta e inestable que tanto esfuerzo costó terminar: nada más 100 años aproximadamente. Por ello, ese oro comienza a preocuparle más al espectador dado que los protagonistas están lidiando con el peso de evitar la repetición de su propia historia como japoneses.

    El director Yoshiaki Kawajiri

    Es uno de los cuatro fundadores del famoso estudio Madhouse junto a Masao Maruyama, Osamu Dezaki y Rintaro. Aquí pudo desarrollar sus películas caracterizadas por un tono oscuro y sangriento, donde las imágenes de violencia gráfica se han vuelto su sello. Entre sus obras se encuentran clásicos como Vampire Hunter D: Bloodlust (2000), Wicked City (1987), Demon City Shinjuku (1988), el segmento “The Running Man” de Neo-Tokio (1987) y el segmento “Programa” de Animatrix (2003).

    El mundo ninja a través de los personajes: Kagero, la kunoichi

    Kagero del clan Koga, es una ninja con una técnica peculiar. En palabras del ninja anciano: “su jutsu (técnica) es poderoso. Cualquiera que tenga relaciones sexuales con ella, morirá. Una mujer perfecta para este mundo infernal”.  El usar su propio cuerpo como arma le ha generado un desapego por la vida y su pulsión de muerte es notada por Jubei.  En uno de sus primeros encuentros, él le pregunta si es verdad lo del veneno (el anciano Dakuan le contó) con lo cual ella responde de manera desafiante: “abrázame y lo descubrirás”.

    Jubei, ante sorpresa de Kagero, dice calmado: “¿el veneno también retorció tu corazón?”. La reacción de asombro de la protagonista está muy bien lograda por el director Kawajiri, pues transmite un ser bastante solitario quien ha encontrado por primera vez otra persona igual o aún más solitaria que ella y que ha podido descifrar lo que oculta su kokoro. Finalmente, Jubei acaba la conversación diciendo “odio a las personas que no valoran su propia vida” que podría parecer una frase sin sentido para el espectador desatento, pero reafirma de manera sigilosa el profundo entendimiento que se iría desarrollando en pantalla entre ambos. La escena complejiza el personaje de Kagero porque no se convierte solo en el interés romántico del protagonista, sino que logra erigirse como un personaje independiente con dilemas propios.

    En la película, los demás personajes no la llaman “shinobi” sino “kunoichi” que quiere decir mujer ninja. Según el investigador Katsuya Yoshimaru, durante el periodo Edo no era común el empleo del término. Por otro lado, la página Ryuhikai menciona que este término es moderno. Esto indica que en la academia parece que existe un debate abierto sobre el tema.  También cabe resaltar que el entrenamiento ninja era igual para ambos géneros, pero contaban con ligeras diferencias. Ryuhijai también comenta lo siguiente:

    Aunque la belleza y los encantos femeninos eran medios que ayudaban a alcanzar su objetivo, las kunoichi también cargaban consigo armas mortales; teniendo presente que al estar en territorio enemigo no podrían usar espadas o armas de gran tamaño o peso que podrían delatarlas usaban en su lugar abanicos desplegables con cuchillas ocultas, accesorios en el cabello tipo dagas, pequeñas agujas con veneno y pequeñas shuriken, todos estos elementos podrían pasar desapercibidos bajo un kimono.

    Al buscar acerca de kunoichis históricas, el nombre que destaca como la más famosa es Chiyome Mochizuki. Hubo rumores de que ella era originalmente del clan ninja de Koga (uno de los más fuertes dentro del mundo shinobi real). Parece que el director Kawajiri hizo su tarea, pues la protagonista de Ninja Scroll era del clan Koga, pero trabajaba con el clan Mochizuki. Es decir, se basó en clanes reales para elegir los nombres.

    Jubei, el ninja vagabundo

    Poseedor de una gran habilidad con la espada y calma innata, él se autodenomina un vagabundo (ronin ninja) en busca de trabajos que impliquen espiar o asesinar por dinero. Él usa una ninjatō: una espada recta más corta que la katana y por ende más práctica. A diferencia de los samurái que solían portarla en el cinturón, debido a la movilidad que requerían los shinobi, la espada recta era portada en la espalda.

    Su pasado está atado a la mina de oro del Shogun de la Oscuridad y por ello se comienza a involucrar más en la misión independientemente de la recompensa monetaria (aunque cabe resaltar que el ninja anciano lo envenenó primero y le dijo que solo si lo ayudaba en este caso, le daría el antídoto. Es decir: trabaja o muere).

    Sin embargo, hay una razón extra por la cual Jubei se va involucrando con la misión: la hábil ninja Kagero. Es curioso como Ninja Scroll sabe equilibrar el romance dentro de un mundo cruel y sanguinolento. Su relación inicia con él salvándola de una violación (escena bastante gráfica y fuerte) a manos de uno de los demonios de Kimón. Ella siente que le debe de por vida ese rescate y poco a poco van desarrollando sentimientos el uno por el otro, pero que no son muy claros por las personalidades esquivas de ambos.

    El momento cumbre es cuando Kagero se entera que el veneno que se encuentra dentro de Jubei (a causa del shuriken envenenado del anciano ninja) se contrarresta con más veneno. Es decir, tener relaciones sexuales con ella salvaría a su compañero/nakama. Cuando ella se desnuda al frente de él como botín de salvación, Jurei de una manera muy consecuente con su carácter la abraza tiernamente, no se aprovecha de ella y se retira del lugar. Esto desestabiliza a la kunoichi, por supuesto.

    Finalmente, el ninja recibe quizá uno de los besos más poéticos del anime mientras ella está al borde de la muerte tras el espadazo que recibió del líder de los demonios de Kimón: ella le dice que fue el primer hombre que no la veía como una mujer ninja (kunoichi), sino como una mujer real (onna). El beso (y bueno parece que sí tuvieron relaciones sexuales) implica la salvación del protagonista a costa de los labios venenosos de la mujer que ama y está muriendo. Ella le extiende su hachimaki (cinta) la cual se la amarra en la frente como símbolo de fuerza motivadora para ahora sí terminar de asesinar a Genma-dono: el demonio inmortal asesino de Kagero.

    Dakuan: el anciano ninja

    ¿Qué nos enseña Dakuan sobre ser ninja aparte de poseer un jutsu increíble que le permite transformarse en madera? Quizá la escena final lo resuma en la frase que le dice a Jubei luego de la batalla: “leer y controlar los corazones de las personas es el verdadero secreto de un ninja. Aún así, solo la verdadera sinceridad puede conmover al corazón humano”. Dakuan está contento porque como espía Tokugawa logró su cometido, pero también es consciente del resultado de sus actos al mover sus hilos para unir a Kagero con Jubei. Por eso es interesante que cierre con la frase: “la combinación de una chica ninja con veneno en las venas y un talentoso lobo solitario funcionó aún mejor de lo que había planeado”.

    El mundo shinobi: una imagen ficticia de los ninja en el imaginario popular

    Los ninjas o shinobi se consideraron muy activos desde el siglo XV cuando comenzó la gran guerra civil de los samuráis (el periodo Sengoku que se acaba de exponer). Posteriormente, comenta el maestro de ninjutsu Jinichi Kawakami, en la era de Edo, ya con la paz establecida, los shinobis prosiguieron con sus actividades junto con su daimyo. Aquí es donde se instala el film. Es interesante que el director haya optado por un retrato acorde a la realidad del ninja histórico y no se haya dejado llevar por la imagen ficticia instaurada en la cultura popular.  Kawakami se pregunta:

    Los shinobis no eran guerreros, sino más bien espías y negociadores. Para que nadie se diese cuenta de quién era un shinobi, vestían de forma normal y no con el traje ninja con el que nosotros los identificamos hoy en día. Entonces ¿de dónde viene esta creencia relacionada con el traje negro de los ninja? A finales del siglo XVIII comenzaron a aparecer ninjas en las obras de teatro Kabuki. Normalmente representaban el papel de los personajes malos y se vestían de negro para facilitar el entendimiento de este hecho al público. Este fue el origen de la imagen del ninja con traje negro. A partir de ahí, los ninjas aparecieron en los teatros y novelas bélicas y a menudo se intensificaron sus habilidades hasta llegar a niveles sobrehumanos. De ahí viene nuestra concepción de los ninjas.

    El investigador J.M. Collado en su libro “Ninjutsu: Las escuelas tradicionales” alega el mismo origen teatral, pero con un importante cambio (parece que el mundo shinobi tiene varios debates académicos sin resolver):

    Pese a la creencia popular, el tradicional traje negro con capucha del ninja del folclore es solamente un concepto popular, derivado de las ropas que empleaban los tramoyistas del teatro kabuki, para confundirse con el fondo de color oscuro. La utilidad de ese ropaje para pasar inadvertido se asimiló sincréticamente como parte del atuendo del ninja en el folclore japonés.

    El universo ninja scroll: la serie y la continuación falsa

    Una serie de 13 capítulos llamada Ninja Scroll: la serie se estrenó en 2003 también dirigida por Kawajiri. Hay elementos en común con la película, pero es otra narrativa. Vuelve a aparecer Dakuan, el anciano espía del shogunato Tokugawa, y también el clan Kimón de donde provenían los demonios. Por estas y más referencias, algunos la consideran como una continuación aunque no hay un comunicado oficial.

    Por otro lado, necesitamos hacerles una advertencia si deciden ver las películas Ninja Resurrection dirigidas por Yasunori Urata: en Estados Unidos se publicitó como la secuela de Ninja Scroll con fines de marketing, pero en realidad es una historia sin relación alguna salvo que el personaje principal se llama Jubei debido a que están basadas en el mismo personaje histórico.

    Hasta el día de hoy muchos fans llegan a ella ansiando la anhelada continuación de las aventuras del mercenario ninja solitario Jubei, pero parece que eso no sucederá por lo pronto. Queda recordarlo yéndose por el puente por el que llegó, en busca de un nuevo camino, pero esta vez con la cinta de Kaguro atada a su espada.

  • Tomie: ópera prima del mangaka de terror Junji Ito

    Tomie: ópera prima del mangaka de terror Junji Ito

    Poseedora de una belleza fuera de este mundo, Tomie es la misteriosa protagonista del manga de terror que lleva su nombre y que catapultó a la fama a Junji Ito. La ópera prima del mangaka se centra en esta joven inmortal que impulsa a sus admiradores a la desesperación con el fin de obtener un beneficio personal. Entre sus intereses recurrentes está la simple satisfacción de observar cómo sus víctimas hacen su voluntad, pero esto suele desembocar en una tragedia dado que la obsesión y desesperación que Tomie crea en ellos llega a tal punto que la mayoría acaba por asesinarla o herirla de las maneras más sádicas y retorcidas.

    Para sorpresa de ellos, Tomie tiene la capacidad de regenerarse inmediatamente y también de multiplicarse. Es decir, cuando una Tomie muere genera una copia exacta de sí misma y así el proceso de clonación crea una eterna cadena de terror.

    Junji Ito comenta que se inspiró en el fenómeno de la regeneración de los lagartos para crear el manga. Su idea inicial era centrarse en una joven que había vuelto a la vida, pero que no recordaba su muerte por lo cual actuaba con despreocupación al presentarse en el colegio ante la mirada de terror de sus compañeros. Mientras la historia se desarrollaba, Ito convirtió a Tomie en una persona cruel, ya que creía que el manga sería más interesante si presentase a alguien que no fuera agradable.

    Fuente: Colección Junji Ito.

    El primer capítulo fue publicado en 1987 en una revista shōjo llamada Monthly Halloween y el último salió en el año 2000. En total existen 24 capítulos que no se conectan entre sí y técnicamente cada uno se trata de una copia nueva de Tomie. Cabe resaltar que en 1989 Junji Ito fue el ganador del premio Kazuo Umezu (uno de los padres del manga de terror) que lo convirtió en uno de los referentes del terror japonés gracias a esta perturbadora historia.

  • Gunbuster: ¿por qué el episodio 06 está en blanco y negro?

    Gunbuster: ¿por qué el episodio 06 está en blanco y negro?

    Top wo Nerae! Gunbuster es un OVA de 06 episodios dirigida por Hideaki Anno (también creador de Evangelion) en 1988. Este fue la ópera prima del director en Gainax y marcó un antes y un después en el género mecha (ya muy popular en la década de los ochentas) porque introdujo conflictos internos profundos en los personajes lo cual era una innovación en la época (esto fue llevado a un nivel épico en Evangelion). ¿Pero qué pasó en el episodio 06?

    Muchos creen que se le acabó el presupuesto a Gainax y animar las viñetas en blanco y negro era la solución más barata. Por otro lado, también se cree que Hideaki Anno tomó esta decisión con mucha conciencia y que estaba decidido a usar todos los recursos posibles para plasmar el dramatismo y sentimiento épico de la protagonista Noriko en su última misión dentro del Gunbuster.

    La duda queda despejada tras leer las memorias de Yasuhiro Takeda -productor de Gainax– titulada “Las memorias Notenki: Studio Gainax y los hombres que crearon Evangelion”. En el capítulo Tokyo Life, confirma que una de las intenciones de Hideaki Anno para el último episodio era rendir homenaje a sus películas bélicas favoritas como La Batalla de Okinawa de 1971.

    La Batalla de Okinawa (激動の昭和史 沖縄決戦, Gekidō no Shōwashi: Okinawa Kessen) de 1971 es una película japonesa de guerra dirigida por Kihachi Okamoto.

    Además, confirma un dato vital para este antiguo debate: la elección del blanco y negro efectivamente incrementó los costos de producción.

    Sin embargo, Anno se obsesionó completamente con el proyecto. Para el primer episodio, se mantuvo al margen del guion original, pero tras cada episodio su propio toque único se volvió cada vez más aparente. Para el último capítulo, hizo lo impensable—filmó el episodio completamente en blanco y negro sobre cinta de color.  Hacerlo intencionadamente le costó al estudio mucho más dinero y mucho más esfuerzo del necesario.

    Yasuhiro Takeda
    Ahora sí, caso cerrado.

    Bibliografía:

    Les dejamos el e-book de las memorias del productor de Gainax. Lamentablemente solo está disponible en inglés. Por ello, la autora tuvo que traducir la cita de manera libre. «The Notenki Memoirs: Studio Gainax And The Men Who Created Evangelion» (2002). https://www.gwern.net/docs/eva/2002-takeda-notenkimemoirs#the-new-gainax

  • Breve historia de la animación china

    Breve historia de la animación china

    La historia del donghua o animación china es bastante peculiar y fluye con un espíritu propio. Sus aportes han sido vitales dentro de la industria de animación del continente asiático aportando, por ejemplo, el primer largometraje de toda la región en 1941 con «La princesa del abanico de hierro» de los hermanos Wan. Sin embargo, diversas cuestiones políticas marcaron esta antigua historia que merece ser rescatada el día de hoy.

    La investigadora Daisy Yan Du propone la siguiente división para la historia de la animación china: Primera Edad de Oro, Periodo de la Revolución Cultural, Segunda Edad de Oro y la Era Digital. A continuación un breve repaso por ellas donde se presentarán también algunas de sus características como parte de un discurso nacional de identidad y re-creación de tradiciones plasmadas en el lenguaje audiovisual.

    Primera Edad de Oro: los hermanos Wan

    El inicio de esta historia comienza hacia 1926. Sólo existían unos pequeños intentos, pero no una industria como tal. Esto cambió a partir de la llegada de Laiming (1900-1997) y Guchan Wan (1900-1995), dos hermanos mellizos oriundos de Nankín conocidos actualmente como los pioneros del anime chino. La época en la que empezaron a construir esta industria era sumamente retadora: el país se vería pronto envuelto en la Segunda Guerra Sino-Japonesa (1937-1945) la cual apoyaron con material de propaganda al crear animaciones con canciones de guerra de fondo.

    En 1926 produjeron su primer corto animado llamado “Uproar in the Studio” que fue combinado con imágenes en vivo. Actualmente está cinta está perdida, pero los testimonios recogidos indican que la historia giraba en torno a un artista en su estudio el cual es interrumpido por un pequeño hombre de papel. Esto les valió el título de pioneros. En 1935, crearon la primera animación con sonido en China con el corto titulado “La danza del camello”. Cabe resaltar que en estos proyectos también participó otro hermano Wan llamado Chaochen (1906-1992) aunque su rol no era el de director.

    Otro de los grandes aportes de esta dupla pionera fue «La princesa del abanico de hierro» en 1941 marcando un hito al ser el primer largometraje de animación en Asia. Su influencia llegó hasta Japón donde inspiró piezas como «Momotaro, dios de las olas» de 1945 (primer largo de anime nipón) y más tarde la obra inicial de Osamu Tezuka.  Por último, como si fuese poco, Laiming Wan realizó la primera animación a colorWhy is the crow black-coated” en 1956 bajo el estudio que fundó con su mellizo llamado Shanghai Animation Film Studio en 1946.

    La importancia de este dúo es de los aspectos más resaltantes de la primera edad de oro que tendría su pico más alto en 1965 con el film “Havoc in Heaven. Este donghua está basado en los primeros episodios de la novela clásica china «Viaje al Oeste» con una puesta en escena influenciada en la tradicional Ópera de Pekín. El logro internacional no se hizo esperar y ganó múltiples premios colocando por primera vez a la animación china (y a ellos también) en el mapa mundial y demostrando su alta calidad de producción. Si bien la primera parte se estrenó en 1961 y la segunda parte se terminó de realizar en 1964, recién en 1965 se proyectó completa en el Festival de Cine de Locarno, pues se consideraba una crítica a Mao Zedong.

    ¿En qué momento acabó la era dorada? Pues cuando empieza la Revolución Cultural en 1966 la industria de animación se ve afectada por las nuevas disposiciones políticas y se cambia el rumbo que múltiples artistas habían tomado. Así, desde 1965 hasta 1972 el estudio de los hermanos Wan fue cerrado y con ello se cierran las puertas de la Primera Edad de Oro.

    La foto más temprana que se conoce de los tres hermanos Wan. El afiche es posterior a 1941. Se los promociona como 通作家 o «Creadores de animación»

    El espíritu del anime chino

    Antes de seguir con los efectos de la Revolución Cultural de 1966, primero es necesario detenerse en el espíritu que se había desarrollado en esta primera época. Según Daisy Yan Du en su libro “Animated Encounters: Transnational Movements of Chinese Animation, 1940s–1970s”:

    El estilo nacional es prominente en las películas de animación chinas que utilizan formas tradicionales artísticas, literarias y culturales, materiales y técnicas (como la Ópera de Pekín, el arte de cortar y doblar papel, la pintura con tinta, folclore, literatura clásica) para construir una supuesta identidad nacional china única, pura y auténtica. Esta identidad distingue la animación china de sus contrapartes en otros países -Japón y Estados Unidos en particular- y, más importante, articula sentimientos nacionalistas y de orgullo nacional en defensa de la influencia y dominio extranjero

    Daisy Yan Du

    Este estilo nacional fue fomentado por los mismos artistas, entre ellos, los hermanos Wan (recordar su tendencia nacionalista con el apoyo a la propaganda de guerra) quienes creían que había que desarrollar un estilo propiamente chino e influenciaron con su pensamiento a la industria por décadas. Un ejemplo es la película ya mencionada «Havoc in Heaven» donde el protagonista es el famoso Rey Mono de «Viaje al Oeste«, un personaje bastante conocido hasta el día de hoy en el país (y que influenció a Akira Toriyama para crear el personaje de Gokú).

    Pero, ¿esto mella de alguna manera la labor artística de los animadores al no usar los propios recursos del lenguaje cinematográfico? Aquí entra a tallar un argumento bastante interesante de la autora Yuanyuan Chen dentro de su estudio “Old or new art? Rethinking classical Chinese animation” donde comenta cómo desde la década de los cincuenta hasta los ochentas continuaban las producciones chinas con un alto reconocimiento internacional debido a su estilo único y estética oriental. Añade:

    Aunque muchos académicos aprecian sobremanera el estilo nacional y tradicional, y creen que este es el factor más importante que contribuyó a su éxito, argumento que este estilo también potencialmente limita la independencia y originalidad de la animación china. En este ensayo, re-pensaré la animación clásica china a través de la íntima relación entre la animación y la literatura clásica, pintura clásica y ópera tradicional, con el propósito de demostrar que, a pesar de su reputación internacional, la animación clásica china también fue influenciada negativamente por esas artes consideradas prestigiosas. Al apropiarse fielmente de la literatura clásica, limita la habilidad de la animación de explorar libremente los temas modernos y narrativas, y prioriza técnicas y convenciones de la pintura tradicional y la opera. De esta manera, ata la animación a las obras maestras del pasado y daña potencialmente su inherente naturaleza cinematográfica.

    Yuanyuan Chen
    Laiming Wan practicando una técnica china tradicional de papeles cortados.

    Este espíritu de identidad nacional que evoca la tradición se transformó con la llegada de la Revolución Cultural en 1966.

    La revolución cultural de 1966

    Los animadores chinos no la tuvieron fácil durante el periodo 1966-1976 en la afamada Revolución Cultural protagonizada por los Guardias Rojos. El contexto político dejó a la deriva económicamente a la mayoría y continuar en la industria no era una opción. Por otro lado, los que aún quedaban eran forzados a renunciar o recibían constantes amenazas si su trabajo no se adecuaba a la Revolución. De esta manera, la propaganda era la única vía para mantenerse en la industria lo cual produjo que los productos animados sigan una agenda política marcada a diferencia de la primera edad dorada.

    La investigadora Daisy Yan Du acota en el capítulo “Animals, Ethnic Minorities, and Villains in Animated Film during the Cultural Revolution” que los personajes zoomorfos fueron desapareciendo (un ejemplo es el Rey Mono). El concepto de estilo nacional que se entendía como marcador de una identidad china única comenzó a cambiar. Mientras a finales de los cincuentas y comienzos de los sesentas el estilo nacional estaba asociado con formas tradicionales de arte, literatura, folclore y cultura arraigada al pasado de China; ahora durante la Revolución Cultural se caracterizaba por héroes positivos y contenido revolucionario en un set contemporáneo.

    Segunda Edad de Oro

    Re-aperturó el estudio de los hermanos Wan.

    Tras la muerte de Mao en 1976, se renovaron las actividades en la industria y volvieron los grandes estudios. La explosión de creatividad artística (sobre todo la experimentada en Shanghai Animation Film Studio de los hermanos Wan) marcó un segundo periodo dorado en la animación china hasta la llegada de Internet en los noventas. Cabe recordar que la televisión era el nuevo invento de esta época y sirvió para su difusión masiva.

    Es aquí donde nacen varias de las denominadas obras maestras: «Nezha Makes Havoc in the Sea» de 1979, «Tres monjes» de 1980 y «Sentimientos de montaña y río» (Shanshui qing) de 1988.

    Sin embargo, a finales de los ochentas comenzó el declive de la industria de anime chino mientras en Japón sucedía lo contrario. Rolf Giesen explica:

    La anterior ‘economía planeada’ fue gradualmente reemplazada por una orientación económica de mercado lo cual produjo que China, con una velocidad asombrosa, se abriera al mundo capitalista. La televisión animada china fue dominada por compañías extranjeras, notablemente americanas y japonesas. Las compañías chinas no tenían casi oportunidad ante esta poderosa competencia cuyos productos parecían ser más atractivos para la audiencia doméstica que estaba hambrienta de nuevos y diferentes productos.

    Rolf Giesen

    Los productores chinos comenzaron a perder dinero en su propio territorio, pero en aquel momento ni ellos ni el gobierno parece que vieron un real problema en ello según el académico. ¿La razón? No veían un potencial futuro en la animación ni el arte digital. El tiempo probaría lo contrario.

    En 1997 fallece el considerado pionero de la animación china: Laiming Wan. En su tumba se aprecia al Rey Mono y el texto «Fundador de la industria de la animación china».

    Una nueva ola: la llegada de Internet

    La nueva tecnología que propició Internet a comienzos de los noventas –como la animación en flash– fomentó el despertar de nuevos caminos para los jóvenes animadores chinos. Pero el cambio no solo fue a nivel técnico, sino también a nivel de contenido dado que los artistas consumían nuevas obras de las cuales inspirarse y creó una gama de distintos personajes (ya no solo inspirados en el propio folclore) que atraían sobre todo al público internacional. 

    Un ejemplo es Thru the Moebius Strip del 2005: la primera cinta 3D-CGI china que además tuvo un estreno internacional (nada más y nada menos que en el Festival de Cine de Cannes) lo cual terminó por configurar el nuevo camino de la industria del donghua hacia un mercado interno y externo.

    Al año siguiente el gobierno chino declaró que la animación sería considerada como un factor clave en el nacimiento de una nueva identidad nacional y para el desarrollo cultural de China. Según el estudio de Vincenzo de Masi, “el gobierno ha comenzado a promover el desarrollo del cine y series de televisión con el propósito de alcanzar 1% del PIB en los siguientes cinco años en contra de una inversión de aproximadamente 250-350 millones de RMB (29-41 millones de euros). Esto respalda el nacimiento de alrededor de 6000 estudios de animación y 1300 universidades que proveen estudios de animación. En el 2010, fueron producidos 220.000 minutos de animación, haciendo de China el más grande productor de caricaturas para televisión a nivel mundial”.

    ¿Es el interés del gobierno una postura gratuita ante la animación? Definitivamente no. Rolf Giesen resalta que más allá de razones políticas superficiales, el despertar de este interés parte del gran capital monetario que está en juego. Quatech Market Research realizó una encuesta a personas entre 14 a 30 años en Pekín, Shangai y Guangzhou donde la data arroja que gastan alrededor de 1.3 billones RMB ($163 millones) al año en productos animados y merchandising. No obstante, más del 80% de los ingresos se iban fuera del país. No es casualidad entonces que a partir del 2016 el gobierno chino quiera fomentar una “fuerte nación en animación”, pues ha advertido el potencial de este producto cultural en la cultura de masas.

    Studio Ghibli en China

    «Mi vecino Totoro» se estrenó por primera vez en China el 14 de diciembre del 2018. Habían pasado 30 años desde su estreno en Japón y Studio Ghibli lanzó este hermoso afiche para celebrar el nuevo estreno chino: se observa a las hermanas Satsuki y Mei correr por el campo de su nuevo hogar donde más tarde conocerán al espíritu y guardián del bosque Totoro. Este estreno es un hito para Ghibli, pues es la primera película que proyectan en China, país que aún tiene una relación estrecha con la censura política.

    Afiche de edición especial para el estreno de «Mi vecino Totoro» en China en 2018.«

    «El Viaje de Chihiro» (2001) le siguió los pasos y tuvo su primer estreno en el país en junio del 2019. Studio Ghibli aprovechó en sacar nuevos afiches para la película y las reacciones de los fans alrededor del mundo no se hicieron esperar ante dichas obras de arte.

    Estudios académicos sobre animación china

    Los esfuerzos por teorizar la animación hecha en China no llevan más de dos décadas de existencia. Entre los estudios más importantes se encuentra la investigación del 2012 de Daisy Yan Du quien emprende un análisis sistemático de las producciones previas a 1980. Ella es doctora en Literatura china y Cultura visual de la Universidad de Wisconsin-Madison. Un par de trabajos resaltantes son “On the Move: The Trans/national Animated Film in 1940s-1970s China” y Socialism and the Rise of the First Camerawoman in History of Chinese Animation”.

    Otro estudio importante que arrojó luz sobre las producciones posteriores a 1980 fue la tesis doctoral de Weihua Wu en City University of Hong Kong titulada “Animation in Postsocialist China: Visual Narrative, Modernity, and Digital Culture del 2006. Su enfoque es sobre todo en la era digital.

    Este libro de Giesen también es parte de las investigaciones más reconocidas del ámbito académico de cultura popular china.

    El debate y las investigaciones aún están centradas alrededor del idioma inglés. Esperamos que empiecen a crecer los esfuerzos con rigurosidad académica acerca de la animación china en nuestro idioma.

    Bibliografía:

    •De Masi, Vincenzo (2013). “Discovering Miss Puff: a new method of communication in China”. KOME − An International Journal of Pure Communication Inquiry (Hungarian Communication Studies Association).

    •Yan, Daisy (2019). “Animated Encounters: Transnational Movements of Chinese Animation, 1940s–1970s”. Honolulu: University of Hawai’i Press.

    •Giesen, Rolf (2015). “Chinese Animation: A History and Filmography, 1922-2012”. North Carolina: McFarland & Company. Enlace: https://books.google.es/books?hl=es&lr=&id=2mjjBQAAQBAJ&oi=fnd&pg=PT6&dq=chinese+animation&ots=KG102J-6nn&sig=41zQd_fOohWocRVKC3T5LjuliNw#v=onepage&q=chinese%20animation&f=false

    •Chen, Yuanyuan (2017). “Old or new art? Rethinking classical Chinese animation”. Journal of Chinese Cinemas. Volume 11, 2017 – Issue 2: Chinese Animation.

    •Wu, Weihua (2017). “Chinese Animation, Creative Industries, and Digital Culture”. Routledge. Enlace: https://books.google.es/books?hl=es&lr=&id=QlsvDwAAQBAJ&oi=fnd&pg=PT12&dq=chinese+animation&ots=lvKc4GUcoc&sig=wXlM4wFHi2vS2Gds2AcGH5_No54#v=onepage&q=chinese%20animation&f=false

  • La primera película de animación china y Dragon Ball

    La primera película de animación china y Dragon Ball

    La primera película de animación hecha en China fue «La princesa del abanico de hierro» (鐵扇公主) de 1941 (sí, recién en el ’41 y durante plena Guerra Sino-Japonesa).

    La película está basada en un capítulo de «Viaje al Oeste», una de las cuatro novelas clásicas de la literatura china. El libro fue publicado de forma anónima en 1590 y narra la historia de un monje que emprende un viaje hacia India para encontrar unos textos sagrados budistas. Viaja con tres amigos inmortales entre ellos el Rey Mono en quien se basó Akira Toriyama para crear a Gokú. En esta parte del libro, el Rey Mono se topa con la Montaña de Fuego cuyo descontrolado fuego está amenazando al pueblo campesino cercano.

    Editorial Siruela, una de las pocas editoriales en español dedicadas a la traducción de literatura asiática.

    ¿Y cuál es la única manera de apagarlo? Adivinaron bien, con el legendario abanico de hierro de esta princesa. Si les suena a cierto capítulo de Dragon Ball, es cero coincidencia. Es más, el personaje de Milk se origina en esta princesa como ya se pudieron dar cuenta.

    Está dirigida por los hermanos Wan quienes fueron los primeros animadores chinos. Su primer trabajo de animación fue el corto de 1926 llamado «Uproar in the studio«. Tras ver en 1939 el largometraje «Blancanieves y los siete enanitos» de Disney, decidieron emprender un viaje hacia la creación de un largometraje animado con la misma calidad artística que le diera honor a su nación.

    Si desean ver la película, aquí una versión con subtítulos en inglés que pudimos encontrar:

    Y aquí el cartel promocional del film: