Este anime estaba al fondito de mi lista. El diseño de personajes no me resultaba muy atractivo. El hecho de que un doctor se encargara de «enfermedades raras” sí llamó mi atención. Al comenzar a verlo empaticé con la idea de que “si lo que siente la mente o el corazón, no es expresado. Es el cuerpo quien lo expresa”. Este anime lleva esta idea al nivel más absurdo que pueda uno imaginar.
Ramune le hace perder la paciencia a Kuro
Ramune es el especialista en dolencias extrañas al que acuden pacientes desesperados pues la medicina moderna no encuentra solución o la situación es demasiado “grotesca e irreal” para ser mostrada en un consultorio. Si bien conmueven algunos casos otros definitivamente son hilarantes. Los pacientes de este inusual doctor manifiestan no sólo el sufrimiento sino también el sentimiento de culpa por sus acciones o las de sus familiares.
Ramune, especialista en afecciones raras
A primera vista, el joven doctor no inspira nadita de confianza. Yo saldría corriendo. Su cabello es rubio y corto, viste un kimono blanco de mangas cortas sujetado con un obi púrpura, las mangas están recogidas lo que le da una apariencia rebelde. Usa sandalias adornadas con un cascabel. Es de apariencia relajada y tosco hablar. Pero se preocupa por sus pacientes y es muy acertado en el tratamiento. Utiliza implementos mágicos para ayudarlos a superar por si mismos sus problemas con la consecuente desaparición de los engorrosos síntomas.
Kuro, asistente de Ramune
Su asistente, de nombre Kuro es un joven de cabello negro que cursa la preparatoria, es serio y organizado. La mayoría de las veces se le ve con uniforme escolar. No es muy sociable pero es muy correcto al hablar y su rostro no manifiesta sus emociones. Su familia tiene un dojo por lo que sabe defenderse muy bien. Y aunque aplica un correctivo de cuando en cuando a Ramune porque le colma la paciencia; lo respeta y reconoce que es un gran doctor. De un momento a otro comenzó a ver cosas que los demás no y eso le afectaba sobremanera. Ramune le ayudó y desde entonces lo apoya.
Tener las uñas de ají, avergonzaba a este inteligente joven
Esta dupla junto a la abuela Ayame y Nico, resolverá casos de “lágrimas de condimentos”, “uñas de ají”, “orejas de gyoza”, un joven que fue poseído por usar el artilugio mágico llamado “Cola de gato” que lo hacía indetectable. Y si creen que esto es muy jalado de los pelos pues el doctor también ayudará a un mujeriego cuyo órgano viril se convirtió en un palito de pescado y a un compañero de clases de Kuro a quien le salían palomitas de maíz de la cabeza. Casos increíbles y entretenidos que concluyen en un capi o máximo dos. Mientras vamos conociendo más a Ramune y sobre la vida familiar de Kuro.
Esta madre con las orejas de gyoza evitaba escuchar lo que le desagradaba
Sola en un casa donde se observan objetos de valor, llora una niña llamada Koto. Al llorar siente dolor porque en lugar de segregar lágrimas normales, llora mayonesa. Kuro se encuentra con ella cuando salía apenada de un hospital. El doctor y la enfermera se habían burlado pues es imposible que alguien llore mayonesa. El joven asistente le ofrece llevarla con un especialista que conoce hace algún tiempo.
Koto llorando salsa soya
El doctor Ramune no pierde oportunidad de reírse a espaldas de Kuro pues su asistente trajo a una niña y parecía un secuestrador. A lo que Kuro prontamente deja un chichón en la cabeza del risueño doctor para que se ponga serio. La pequeña es una joven actriz que ha participado en lacrimógenas historias y es famosa justamente por la facilidad que tiene para llorar. Cuando lo intenta frente al doctor llora “salsa de soya”. Definitivamente esta pequeña requiere su ayuda.
El doctor le recomienda un té especial y usar unos lentes de contacto cuando lo crea necesario. De regreso en su casa, al tomar el té, los efectos no se hacen esperar. Comienza a expresar verbalmente lo que siente. Cuando su madre escucha que desea renunciar a la actuación,se molesta mucho. Cuando no era famosa, había mucho amor en su casa aunque solo eran ella y su mamá. Pero en cuando comenzó a ganar más dinero por su trabajo de actriz, su madre se volvió más fría, distante y materialista.
Reciben la visita de unos periodistas en casa para una entrevista. La madre, orgullosa muestra las joyas, ropa y zapatos caros que obtuvo por ser manager de su hija. La niña se puso los lentes de contacto y como bloquean sus emociones ocasiona que los condimentos que segregan sus ojos se mantengan en su interior. La madre exige que participe en la entrevista lo que ocasiona que Koto pierda el sentido y caiga al suelo.
Los sentimientos reprimidos de Koto destruyen los objetos de valor de su madre
Ramune y Kuro entran en escena sin invitación. Se presenta como el médico que ve a la niña y la madre exige que la salve. El doctor le da de beber el té a la niña. Las palabras que no se atrevió a expresar la pequeña salen con tal fuerza que pulverizan los preciados objetos de su progenitora. Ramune le hace entender que de no haber expulsado todo lo que realmente sentía, la niña hubiera muerto. La madre finalmente abraza a su hija diciendo que todo lo que necesita en esta vida es a su hija.
Al día siguiente, las noticias anuncian que la famosa niña actriz se tomará un descanso. Ramune, Kuro, Koto y su madre se reúnen para merendar en el campo. Ambas son más felices ahora.
A Shun, compañero de clases de Kuro, le saltan palomitas de maíz de la cabeza
Esta historia es del género Fantasía y Comedia. Comenzó como un manga creado por Aho Toro, publicado por Kodansha en la Revista Monthly Shonen Sirius desde setiembre de 2017 a julio de 2018. Luego fue transferido a la app Magazine Pocket de la misma Kodansha. Tiene 5 volúmenes publicados hasta febrero de este año.
La versión manga de Ramune
La animación está dirigida por Hideaki Oba con el estudio Platinum Vision (Servamp, Saiyuki Reload, Kono Oto tomare!) El diseño de personajes es bastante similar al manga. Y la música es gracias a Tetsuro Oda.
El opening lleva el nombre de «SHAKE! SHAKE! SHAKE!» y lo canta Yūma Uchida, con un ritmo bastante bailable. En las escenas que acompañan la canción veremos los casos que solucionará Ramune y los personajes que irán apareciendo. Incluso su estricto maestro Momiji.
La canción que lleva el ending se llama «Arcacia» y el intérprete es Saji. Un tema más lento en el que vemos a Kuro de pequeño y cómo cuando crece comienza a ver cosas inusuales. También vemos su encuentro con Ramune y cómo desde entonces se acompañaron y apoyaron.
Es un anime bastante diferente y entretenido. Cada vez que empieza un episodio me inquieta saber de qué tratará esta vez y me preparo mentalmente para la locura que traiga.
Aunque llevo años siguiendo animes y mangas, Inuyasha fue el manga con el que comencé a hacer traducción y edición. En ese entonces me hacía llamar Chio-san y junto a un grupo de mil almas disfrutábamos de cada nuevo capítulo semana tras semana hasta que el manga llegó a su fin en el 2008 y el anime en el 2010.
Kagome e Inuyasha finalmente juntos
El final del manga/anime fue muy dulce luego de hacernos sufrir un poco. El pozo estuvo desactivado por tres años impidiendo la comunicación entre las épocas de los protagonistas. Cuando finalmente Kagome e Inuyasha se reencuentran, ella decide quedarse en el época feudal como sacerdotisa junto al hanyou; Miroku y Sango forman una familia teniendo gemelas para alegría de los fans; Shippou se toma en serio su formación zorruna y Sesshoumaru deja ver que gusta de los humanos aunque lo niegue. Deja a la aún niña, Rin, en la aldea de Kaede para que pueda decidir qué vida elige tener.
Kagome regresa al lado de Inuyasha
Cuando se anunció la secuela de la animación, algunos fans de Inuyasha me manifestaron su temor de que se arruinase el buen recuerdo que tienen de esta querida historia, así que busqué información y así saber qué se venía con esta secuela. Me alegró mucho que Rumiko Takahashi diseñara los personajes y supervisara el storyboard, así también otros miembros del staff original estaban a su lado. Incluso Kaoru Wada tuvo a cargo la composición de la música.
Sabiendo todo esto comencé a verlo y no voy a negar que aparecían más y más preguntas en mi cabeza que no se contestaban muy rápido que digamos, haciendo que esperara con ansias cada sábado para saber qué pasó con Kagome e Inuyasha, pues Moroha, la hija de ambos, creció sin ellos a su lado; Towa y Setsuna, las hijas de Rin y Sesshie, están no sólo en diferentes tiempos sino también SOLAS. Y Rin… ¿Dónde está? La anciana Kaede sigue siendo un personaje fijo en la aldea aunque hayan pasado algunos años desde la última vez que la vimos. Tanto ella como otros personajes irán mostrando lo que ha sucedido conforme se vaya desarrollando la historia.
Towa y Setsuna cuando aún estaban juntas de niñas
Moroha es de cabello negro y largo sujetado con un listón rojo en una cola de caballo, viste de rojo (hecho de piel de rata de fuego), tiene el carácter muy parecido al de Inuyasha. Es impaciente y lucha más por instinto. Usa algunos ataques similares a los de su padre y es capaz de lanzar flechas purificadoras como su madre. Hachiemon la lleva de bebé con la tribu de los Lobos Youkai cuando sus padres son atacados por Kirinmaru. Al ser un ¼ youkai es muy fuerte pero cuando llega a su límite se ayuda con el carmín de Izayoi, su abuela, el cual desata toda su fuerza youkai en batalla terminando dormida dos días luego de gastar todas sus energías. Usa una espada llamada Kurikaramaru.
Setsuna, Towa y Moroha
Setsuna es de cabello largo negro, con un mechón rojo y sujetado en una cola de caballo, viste como los exterminadores y no solo usa una boa de piel como Sesshoumaru, también tiene la seriedad de él. Es reservada e implacable con sus enemigos. Usa la técnica de su padre Dokkosu «Garras venenosas»; también técnicas de la aldea de exterminadores de Sango, cuyo jefe ahora es Kohaku; y prefiere usar como arma una Naginata, semejante a una alabarda europea. Al ser un hanyou (mitad humana, mitad youkai) cuando aumenta su poder tiende a volverse inestable y pierde el control, es por ello que le pide a Miroku que selle su sangre youkai para lograr mantenerse lúcida en todo momento. A causa de que una mariposa youkai le robó sus recuerdos, desconocía la existencia de su hermana, también le impide dormir y no se ve afectada por la pérdida de sus poderes una noche al año como le sucede a todos los hanyous. Muestra su lado sensible al tocar muy bien el violín que le obsequió la esposa de Souta Higurashi.
Setsuna se ve feroz cuando se libera su sangre youkai
Finalmente, Towa, hermana gemela de Setsuna. Vivió en la época actual siendo adoptada por Souta Higurashi, hermano de Kagome. Es muy buena al tratar con niños y le disgustan mucho las injusticias, es por ello que en la escuela se enfrentaba a los abusivos. Teniendo que cambiar de colegio más de una vez. Towa es de cabello corto blanco y tiene un mechón rojo. Prefiere vestir uniforme de varón, incluso su ropa interior es deportiva. Cuando viaja al pasado se preocupa de no dejar nada que pueda afectar la línea temporal (El asiento de bicicleta de Kagome ó las semillas de la manzana que llevó para merendar). Al haber crecido en una era de paz y teniendo que esconder sus habilidades hanyou, no las desarrolló como su hermana. Al volver al pasado es cuando comienza a mostrar sus dones. Ama las espadas, usa una replica de la espada Kikujumonji, la cual se rompe en batalla pero ella logra para sorpresa de todos hacer surgir una espada de energía. Quiere encontrar a la mariposayoukai que robó los recuerdos de su hermana pues le apena que ella no pueda dormir.
Es así como las «Tres Princesas mitad demonio» unirán fuerzas para enfrentar a estos enemigos que ellas no buscaron tener y en la resolución de este embrollo los fans esperamos que logren rescatar a Rin, Kagome e Inuyasha.
En una noche lluviosa, el vice-shogun Danjo Ogigayatsu junto a su sirviente Sokyu interrogan a una joven que niega ser YashaHime (princesa demonio). Le muestra un libro de la época actual que su prima no debió traer consigo pues podría causar un cambio en el curso de la historia. También le muestran un asiento de bicicleta que fue encontrado en un río. Towa desconoce el porqué de la presencia en la era Sengoku de tal implemento del futuro. Sokyou comienza a contarle de una sacerdotisa que cruzó el “pozo devorador de huesos” desde un lugar llamado Tokio y que junto a Inuyasha iban eliminando monstruos. Su narración nos lleva a un escenario de hace varios años atrás.
Sango y sus hijos junto a Kagome
¡Una delicia ver la versión animada del epílogo del manga! En una aldea algunos años en el pasado, Sango lava la ropa al lado del río. Le acompañan sus gemelas Kinu y Gyokuto, en su espalda lleva a su pequeño bebé Hisui. La sacerdotisa Kagome la saluda al acercarse y mientras se acompañan en el camino conversan sobre Inuyasha y Miroku, quienes han ido a una aldea cercana a lidiar con un youkai que está quitándoles la cabeza a las personas.
“Cabeza de raíz” es un youkai que fue sellado por Kikyou, la anterior y difunta sacerdotisa. Al derrumbarse una tumba, el sello se dañó y fue liberado. Ahora busca apoderarse de la Perla de Shikon la cual hace 4 años desapareció de este mundo. Les cuesta eliminarlo pues es muy escurridizo bajo tierra. Es por ese medio que llega a la aldea donde están Kagome, Sango con los niños y Rin. Al estar todos juntos suman fuerzas y eliminan finalmente a esta amenaza. Pero una pequeña raíz brilla y se expande hacia el Árbol de las Edades o Goshinboku.
Yotsume es descubierto y escapa
Sokyu termina de contar la historia afirmando que el pozo ya no sirve. El vice-Shogun está convencido que ella puede decirles que pasará con su clan con el pasar de los años. Las advertencias de Towa son ignoradas. Sus amigas fácilmente ingresan y la rescatan. Moroha reconoce por el olor a Yotsume, un youkai tipo búho que tiene cuatro ojos y que con la apariencia de humano se hacía llamar Sokyu, huye al verse descubierto. Más adelante se sabrá que sirve a uno de los Cuatro Peligros y que posee una de las Perlas Arcoíris. Sí, hay mucha información y cada capítulo te va dando detalles de a pocos para que vayas armando el rompecabezas.
Inu no Taisho y Kirinmaru
Kirinmaru es un youkai muy poderoso de otras tierras que respetaba y luchaba con el padre de Inuyasha y Sesshoumaru. Cuando alguna fuerte amenaza se presentaba podían unir fuerzas. Incluso vemos que cuando Inu no Taisho estaba muy malherido luego de su enfrentamiento con Ryūkotsusei, Kirinmaru desprecia el consejo de aprovechar de ir y vencer a su rival de tantos años. Más bien, en un acto de nobleza hacia su eterno rival, envía a uno de sus sirvientes a que le lleve las mejores medicinas para asegurar su recuperación. Dicho sirviente, Riku, llega muy tarde, el Castillo deIzayoi arde en llamas y el gran youkai ha muerto.
Kirinmaru respetaba a Toga, el Inu no Taisho
Con la desaparición de la Perla de Shikon, llega a oídos de Kirinmaru una profecía que anunciaba que unos seres que «no son ni humanos, ni youkais y que poseen el poder de viajar en el tiempo” serán quienes acaben con su vida. Por lógica podría ser un hanyou o 1/4 de hanyou que viaje en el tiempo. Ante esto, el gran youkai se enfrenta a Inuyasha, quien estaba con Kagome y la bebé Moroha. Ante el peligro, la joven sacerdotisa le pide al tanuki Hachiemon que se lleve a su pequeña lejos de ahí.
Sesshoumaru aparece en escena, le quita la Perla Negra del ojo a Inuyasha. Encerrando a su hermano y a Kagome en el interior de dicha esfera. A su manera, ha puesto a salvo a su hermano. Recordemos que esa Perla Negra es una entrada a la tumba de Inu no Taisho.
Zero hermana de Kirinmaru
En esta secuela tendremos la presencia de 7 perlas arcoíris; Moroha tiene la suya en el carmín de su abuela, Towa y Setsuna las tienen en uno de sus ojos. Estas perlas se originaron de las lágrimas de Zero, hermana de Kirinmaru, y contienen su poder youkai .Ella trata de proteger a su hermano de que se cumpla la profecía. Ordena la muerte de las hijas de Sesshoumaru pero solo logra separarlas. Incluso vincula su vida con la de Rin de tal manera que sea intocable. Rin está dormida dentro del Árbol de las Edades, aún no se explica cómo es que termina ahí pero de hecho Zero tuvo algo que ver.
“Los Cuatro Peligros” son los poderosos youkai que sirven a Kirinmaru. Zero le entrega una Perla Arcoíris a cada uno para que puedan cumplir su misión de eliminar a las YashaHime con mayor facilidad. Las primas son muy fuertes pero les falta práctica y deben aprender a trabajar en equipo.
Escena graciosa antes de empezar el capi
La animación es de género Isekai, aventura, romance y por supuesto comedia. Estudio Sunrise se encargó de animarlo como en los viejos tiempos y fue dirigida por Teruo Sato. El diseño de personajes es muy semejante al original. La bella música se lo agradecemos a Kaoru Wada. Quedé satisfecha como fan.
El abuelo obsequiando a Moroha la mano de Kappa que Kagome rechazó en su momento.
El opening lleva el nombre de “New Era” lo interpretan SixTONES. Vemos a las gemelas Towa y Setsuna con Moroha en la era antigua junto con las perlas que posee cada una. Se les ve corriendo y luchando contra enemigos demostrando sus habilidades.
https://youtu.be/VFgbGTChWmk
El ending se titula “Break” y lo interpreta Uru. Una canción más suave en ritmo que viene acompañada por diseños de Setsuna, Moroha y Towa dignos de colección.
¿Aún no te animas a darle una oportunidad a la secuela de esta maravillosa historia? Se ha confirmado que habrá una segunda temporada y la esperaré con ansias porque ACABO DE VER EL ÚLTIMO CAPI y fue TODO lo que esperabaver. Estoy muy feliz con el desarrollo de esta secuela. Así que voy a volver a ver el anime de Inuyasha mientras se preparan los siguientes capítulos.
Una obra magnífica de Masaaki Yuasa que se transmite múltiples mensajes de vida a través del golpe de una raqueta.
En el año 2014, llega a las pantallas de televisión japonesas una de las mejores series del género spokon de la historia. El autor es el director de The Tatami Galaxy, Devilman Crybaby, Kaiba, entre otros excelentes animes. Como es costumbre, Yuasa cuenta la historia de una manera bastante particular, en esta ocasión nos propone: animaciones y dibujos dinámicos en los que destaca el movimiento y la percepción de cámara; una edición trepidante, creativa y divertida; y un fuerte mensaje, o en el caso de Ping Pong muchos, los cuales te dejan reflexionando bastante sobre tu vida y cómo la afrontas.
Evidentemente, la temática de la serie es el ping pong. Se plantea un escenario típico de preparatoria, en el que los personajes se enfrentan los unos a los otros en los campeonatos interescolares. Sin embargo, el deporte tiene un significado distinto para cada uno de los jóvenes. Todos los atletas y demás personas involucradas en la narrativa tienen una enseñanza. Se preguntan constantemente: “para quién y por qué juegan al ping pong”. Es exactamente esta interrogante la que articula todo el sentido de la narrativa. Repasemos las respuestas que nos dan los personajes.
Makoto Tsukimoto
“Smile” es uno de los dos protagonistas de la serie. Extremadamente introvertido, altamente inexpresivo, parece incluso que su apodo es una metáfora irónica respecto a su personalidad. En su infancia sufría bastante de acoso escolar, por lo cual, desde pequeño ha sido también apodado robot, como burla hacia su falta de emociones, y ya de más grande, en referencia a su talento nato: al jugar es una auténtica máquina. No obstante, como Smile dice en una ocasión, a pesar de que no parezca, él sí tiene emociones, pues siente como cualquier humano, y aunque el ping pong ya no le resulte tan divertido, se encuentra a la espera de que un “héroe” lo rescate de su desgracia. Un héroe que le recuerde lo divertido que es jugar. El símbolo de Smile es la luna (Tsuki), la cual no brilla por si sola, necesita reflejar la luz de su salvador.
Tsukimoto «Smile»
Kong Wenge
“China” llega a Japón tras ser expulsado de su equipo. Es una gigantesca estrella del deporte y está en Japón para saltar a la fama. Es individualista, se aliena a sí mismo de resto por su complejo de superioridad. Con el pasar de los capítulos, se convierte en una suerte de mentor para su equipo, ayudándolos a mejorar. En su último partido, pierde de manera contundente y ve cómo sus sueños de regresar a China se desvanecen. Sin embargo, el personaje chino ha transformado completamente su personalidad para este punto. Cuando uno de sus pupilos le pregunta que, si es que entrenando duro podría jugar como Smile, China replica de manera compasiva que tal vez cuente con un talento oculto. Antes, probablemente hubiese respondido de manera mucho menos amigable. Puede que Kong perdiera el avión, pero ahora tiene una familia.
Wenge «China»
Yutaka Hoshino
“Peco” es el segundo ultra talentoso protagonista y el catalizador de la evolución de todos los demás personajes. Es el bien llamado héroe que quiere hacerles recordar a todos que el ping pong no se trata de aplastar al oponente, limpiar una tachada reputación familiar, regresar a tu país de origen, vengarte de tu archienemigo, convertir al deporte en un negocio o proyectar tus remordimientos pasados sobre tus aprendices; sino que se trata, aunque la frase parezca algo cliché, de DIVERTIRSE. Peco también nos demuestra que el talento es crucial para el éxito, pero si no se combina con dedicación, resulta insignificante. Hoshino (apellido cuya primera parte significa estrella) demuestra, luego de una fuerte crisis depresiva, que jugar al ping pong es diversión, pero que cada uno tiene un motivo diferente para hacerlo. Entonces, allí estará la estrella: el héroe listo para guiar al resto.
Hoshino «Peco»
Si amas algo, déjalo ir
El último personaje, y el más interesante en mi opinión, es Manabu Sakuma “Demonio”. Desde pequeño estuvo fascinado por el ping pong, aunque nunca logró vencer al héroe Peco. Desarrolló una obsesión con el deporte y trabajó arduamente para tratar de vencer a su rival, pero nunca lo consiguió realmente. Sakuma descubre que no importa qué tanto entrene, es imposible para una persona sin talento ser la estrella. Como con todo en la vida, si amas algo, déjalo ir. Es así como el demonio encuentra finalmente la felicidad, abandonando el ping pong y siendo libre de una vez por todas.
Han pasado dos años desde nuestro último análisis de personajes de Love Live!. La franquicia ha seguido alimentando a sus fans y hemos tenido películas, tres nuevas series (Love Live! Sunshine!!, Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai y Love Live! Superstar!!) y hasta la proyección del concierto en cines locales.
Love Live! es una franquicia que ha seguido creciendo, y antes del estreno de la nueva generación en julio, Proyecto Sugoi retomará el análisis de las integrantes de μ’s y para nada lo hacemos por pura nostalgia, cofcof.
Hemos analizado a las chicasde segundoaño, y hemos visto que uno de los problemas que nos presenta Love Live! es el de la confrontación entre lamodernidad y la tradición. Las chicas de segundo año representan la posibilidad de una convivencia entre ambos, lo cual no evita que pasen por ciertas dudas, inseguridades y tribulaciones con respecto al futuro: ¿qué será de su ciudad y su escuela, las cuales aman y representan un vínculo con las pasadas generaciones (sus madres y abuelas)?
Y desde las chicas de primer año, ¿cómo perciben esta tensión entre el pasado y el presente? ¿Acaso vemos una resignación frente a la realidad? Para responder estas dudas, continuaremos con el análisis de las integrantes de μ’s, en concreto, con las chicas de primer año. El día de hoy veremos a Rin Hoshizora.
Rin Hoshizora: características
Atlética, activa, con mucha energía y gran coraje, pero muy floja para los estudios. Es amiga de infancia de Hanayo Koizumi, y tiene algunos puntos en común con Honoka, por lo que será nombrada como la segunda al mando en el grupo. Incluso llega a reemplazarla como líder cuando, en el quinto episodio de la segunda temporada (“A New Me”), las chicas de segundo año se van de viaje.
Este capítulo no solamente explora el conflicto que genera en Rin llevar una responsabilidad muy grande como la de ser la líder suplente de μ’s -¡y gran tarea!, pues Honoka tiene una personalidad que integra a las chicas y le da la valentía para asumir la colosal tarea de salvar a su colegio-. También se reconoce la fuente de la inseguridad de Rin. Pero antes de explayarnos en el tema, veamos cuáles canciones representan a Rin y cómo las letras reflejan su personalidad.
Rin como protagonista en «A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Una música sobre la sinceridad y el optimismo
Algunas canciones de μ’s que tienen a Rin como centro son “Yuujou No Change”, “Love wing bell” y “Hello, Hoshi o Kazoete”. Asimismo, compartirá este con Hanayo en “Arashi no Naka no Koi dakara”. Como parte de la sub-unidad lily white, será centro en canciones como “Kimi no Kuse ni!”, “Onaji Hoshi ga Mitai” y “Shunjou Romantic”. Finalmente, tiene un dúo con Honoka, con quien canta “Mermaid festa vol.2 ~Passionate~”,y sus solos son “Kururin MIRACLE” y “Koi no Signal Rin rin rin!”.
Rin es el centro en la primera canción con temática amorosa en la franquicia de Love Live!. En “Yuujo No Change” (1) muestra optimismo frente a ese sentimiento tan nuevo que es el amor. La novedad de este sentir inevitablemente puede generar temor y cierto dolor, pero la “voz poética” (2) rescata el hecho de jamás darse por vencido ni paralizarse frente a los sentimientos.
I understand you’re falling in love I understand that it’s something wonderful so I hope no matter what you definitely won’t let it go
You’ll understand after losing it I understand it’s precious but Another chance will come swooping down evenly
«Yuujo No Change», μ’s
Este atisbo de personalidad decidida y enérgica podemos confirmarla en “Koi no Signal Rin rin rin!”. En esta canción descubre el amor. Y si bien no lo acepta con facilidad, prefiere ser honesta con sus sentimientos. Se sonroja con facilidad y da pequeños signos de atracción hacia el ser amado, y no se rinde aunque esta persona todavía no se da por enterado de lo que siente Rin.
Please let my ability to find mysterious awaken I want to feel excited every day But not because of you…you’ve got it all wrong! I’m in a strange mood, it feels like all excuses […]
I wanna make sure, ren-ren-rendezvous It’s so fun…isn’t this love? In my heart, a colorful ren-ren-rendezvous My reddening cheeks are too honest! […]
Here’s my small signal, rin-rin-ring a bell You pretended to not hear, but I kept on ringing Give me your answer, please!
«Koi no Signal Rin rin rin!», μ’s
«Love wing bell»: sobre la aceptación y la transformación
Por otro lado, “Love wing bell” y “Kururin MIRACLE” nos presentan la otra cara de la moneda de Rin. Se trata de un personaje que, pese a su optimismo y honestidad, tiene poca confianza en sí misma y no le gusta su apariencia. Sin embargo es gracias a sus amigas, quienes la acompañan en el camino y no la juzgan, que aprende a aceptarse a sí misma y explorar facetas de sí misma que reprimió.
«Love wing bell» es el insert song del capítulo «A new me”, en el cual las chicas de μ’s son invitadas a un evento donde Honoka desfilaría con un vestido de novia acompañada por las otras chicas del grupo, quienes estarían vestidas con un terno. Sin embargo, Honoka, Kotori y Umi deben cancelar su participación porque se irán de viaje de promoción a Okinawa. Es así como Honoka decide nombrar a Rin como segunda líder, cosa que no sería problema para ella de no ser porque, como líder y centro de la canción que van a presentar en dicho evento, debe usar un vestido.
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Es en este momento donde descubrimos la mayor inseguridad de Rin: no le gusta usar faldas porque de pequeña otros niños la molestaban por su aspecto poco “femenino”. Esta experiencia, sumada con el prejuicio de que las mujeres deben desarrollar por igual pechos y cadera, con lo cual se ignora la diversidad corporal, habría creado en el personaje un complejo que la lleva a rechazar su propio cuerpo. Rin considerará, entonces, que «no es linda ni femenina».
Pero este episodio será especial para el crecimiento de Rin, pues logra reconciliarse consigo misma, y acepta su cuerpo y sus características físicas. “Love wing bell” es signo de ello. Como dijo Iida Riho, seiyuu de Rin:
It’s a record of Rin-chan’s maturing…♡
Riho Iida, “μ’s Go→Go! LoveLive! 2015 ~Dream Sensation!~”
La letra de la canción expresa el asombro de Rin por descubrir que ella también puede ser linda y femenina como las demás chicas (3). Asimismo, la «voz poética» se asombra al descubrir que habían en su interior muchas cosas en potencia. Y será gracias a la confianza que le brindan sus amigas que será capaz de explorar ello y, por fin, “transformarse” y “renacer”. Se trata, entonces, de una canción de amor, pero, sobre todo, una que implica amarse y aceptarse a uno mismo.
This road we walk down, beckoned by the light, Continues on to the future, brimming with hope.
Anyone can become cute? Yes, I know it’s possible! Even someone like me… Transform!
So, I’ll give this to you. Cheer up! With our smiles just the way they are, Let’s sing, let’s sing! I’ll give this to you. Cheer up! Let’s stop worrying and look to our dreams. If I’m with all of you, my beloved friends, new things are within my reach. Let’s be reborn! From here, your world will grow even more. Come on, I can see tomorrow! Love wing… love wing… […]
Yes, that’s right, every girl will have her day to be a princess. So happy, so happy, it’s just like magic. Surprise brings forth the pulse of a dream. Love is an important thing; it lets you do some wonderful things. Let’s be reborn. Let’s go look for the next stage. Now, what kind of ‘me’ shall I be tomorrow? Love bell… love bell…
«Love wing bell», μ’s
Por otro lado, “Kururin MIRACLE” explora la resolución de la crisis de Rin frente a su cuerpo y, quizás, una armonización en la performance de género (4). La canción muestra una «voz» alegre, enérgica, llena de optimismo y que se ha aceptado a sí misma, lo cual le permite explorar un lado que no pudo por temor:
I want to dance as my brand new self Twirl-twirl, whenever I twirl around and take a jump The sight of my fluttering skirt makes me so happy That I just have to twirl around again
I can be true to myself now, so Twirl-twirl! I’ll twirl around and chase after my goal To all of you, who gave me this bit of courage I want to say I love you!
There’s still a lot more to go If I run down the path to girlhood from the starting point It might be there, waiting for me… Love’s signal! […] I want to become cute — That’s one of my dreams!
«Kururin MIRACLE», μ’s
En el caso de Rin, se trata de una entrada a la adolescencia donde se da una aceptación del cuerpo y de la feminidad -que, nuevamente, ella misma temía explorar por haber sido objeto de bullying en su infancia-. Este inicio de la adolescencia y exploración del género se puede apreciar en el uso repetido de la palabra «girlhood» o «joshi» (女子) en la letra original, donde joshi suele hacer referencia a la etapa liminal, entre la niñez y la adultez (5).
Personajes femeninos, performances… ¿femeninas?
Finalmente, el arco de desarrollo de Rin trae a la luz otro tema importante en Love Live!: el género. Sabemos que Love Live! se caracteriza por tener en cada una de sus temporadas y generaciones de school idols un cast enteramente femenino. Esto nos invita a pensar en las diversas performances de género y en las dinámicas que se dan en los espacios homosociales femeninos.
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
A través de Rin -y más adelante, con personajes como You Watanabe de Love Live! Sunshine!!– el anime parecería apostar por una «fluctuación del género», ya que Rin abraza su lado más «femenino», lo cual permite que confluyan en ella elementos “femeninos” y “masculinos”. En otras palabras, uno no excluye al otro (6).
Para cerrar, podríamos tener dos lecturas con respecto al arco de Rin, y al tema del cuerpo y género en Love Live!. Por un lado, el anime podría enseñar al público que en la infancia una chica puede tener actitudes poco femeninas, pero que a medida crece, es normal abandonar esas actitudes y adoptar la feminidad. Para algunos esto podría hacer que el anime sea concesivo y que siga la norma social, ya que uno de los personajes logra convertirse en una «chica femenina», apoyando la idea de que lo «femenino» es deseable para las mujeres. Por otro lado, quizás como una lectura más esperanzadora y transgresora, es que Love Live! propone una aceptación del cuerpo, donde confluyen lo “masculino” y lo “femenino”. Y la armonización de ambos no solo permiten el crecimiento del sujeto, sino que es un paso necesario para alcanzar la verdadera madurez.
En conclusión…
Rin Hoshizora es un personaje lleno de energía y optimismo, cuyo crecimiento se da gracias a la aceptación de sí misma. Ello le permitirá explorar otras facetas y, en el proceso, madurar. Así como Umidaba luces sobre el problema de la tradición y la modernidad en Love Live!, Rin coloca en primer plano el tema de la representación del género y su diversidad.
Con ella se da un rescate de la «feminidad», donde esta no tiene por qué ser intrínsecamente negativa. Todo depende de qué valores se le asignan y cómo se reformula.
We must protect her smile :’) (Love Live!The School Idol Movie, Sunrise 2015)
Algunas recomendaciones 🎵
Algunas canciones que reflejan muy bien la energía, honestidad y crecimiento de Rin son:
(1) La primera canción de μ’s, “Bokura no LIVE Kimi to no LIFE”, trata sobre el sentimiento de alcanzar una meta junto con las personas que más quieres. Honoka, es el centro de esta canción, por lo que tiene sentido que se desprenda del tema amoroso. (2) Acortado a “voz”, se refiere al “personaje” que tanto la letra de la canción nos brinda. En Literatura suele ser peligroso relacionar la “voz poética” con el mismo poeta, pero haremos una excepción con el análisis de las canciones de Love Live!. En el caso de las canciones y las images songs, podríamos relacionar el mensaje con el personaje que lo canta. De esta forma, las canciones serían un reflejo del personaje y ayudaría a profundizar en algún aspecto de su personalidad. (3) Quizás se sienta, por fin, parecida a Hanayo, quien considera posee aquellas cualidades que a ella le faltan. (4) Es importante no confundir “sexo” con “género”. El sexo no tiene por qué encajar con los estereotipos de género que se imponen al sujeto. En el caso del anime, probablemente a Rin no le gustaba de niña las cosas “típicas” de niña, y sus actitudes y gustos coincidían con el que la sociedad designaba de los niños. Al tender hacia lo “masculino”, y con esto escaparse de la norma, la sociedad la lastimó, lo cual generó en Rin un rechazo hacia sí misma. En consecuencia, no acepta su cuerpo, no cree merece ser calificada con términos propios de la «feminidad» como «linda», ni que tampoco pueda ropa «femenina» como las faldas. (5) Semejante al término shōjo. (6) Esta exploración del «género» más allá del sexo se propone también con el personaje de Yuu Takasaki, el self-insert character de Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai. Todos los espectadores se pueden identificar con ella, pero invita especialmente al público masculino a ingresar al mundo homosocial femenino desde la mirada de otra shōjo.
Nagaike, Kazumi. 2010. «The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics. Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives». Electronic journal of contemporary japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Hace dos semana ha llegado a Netflix, un spin off ,de uno de los animes más aclamados de todos los tiempos, JoJo´s Bizarre Adventure, titulado, Thus Spoke Kishibe Rohan y sinceramente estuve un poco desanimada al verlo ya que es la historia de la cuarta temporada de la franquicia del controvertido y extraordinario mangaka, Hirohiko Araki, titulada ¨Diamond Is Unbreakable¨ pero bueno. Es Jojo´s pues, debo darle una oportunidad y no puedo dejar de verlo para realizar un análisis veraz , a parte, al ser fan de esta saga, los estándares estarán altos.
episodios 1
No tenía en mente que la cuarta temporada de Jojo´s se basaba en crímenes sin resolver y mucho misterio, lo que hace más jugosa esta historia y la cereza que corona el vaso es que el protagonista es el mismo mangaka, sí, Araki, ha comentado en varias oportunidades que Kishibe Rohan, es su personificación en un personaje de papel.
Ya con eso tenemos varios puntos ganados para que le des una oportunidad, este spin off es publicado por la revista Weekly Shonen Jump, además el primer volumen fue el 68° volumen de manga más vendido de 2014 en Japón y fue bien recibido por los críticos. La historia fue llevada a la pantalla chica acertadamente por el estudio David Production, que ha realizado toda la saga de Jojo´s desde su primera temporada.
Cover de la primera edición de Kishibe Rohan wa Ugokanai
La trama se basa en historias de misterios que Rohan Kishibe , va contando a diversas personas en la mesa de un café en la ciudad de Morioh, Japón, donde se desarrolla la historia de la temporada a la cual pertenece el personaje. Rohan es un mangaka famoso en esa ciudad, que es capaz de viajar miles de kilómetros con tal de encontrar inspiración para sus historias de papel y pluma. Nada alejado de la realidad con ,Araki, que viajó por varios años a Italia para poder crear la saga de Vento Aurio de Jojo´s.
Parte del trailer oficial: Thus Spoke Kishibe Rohan
Es en estos 4 capítulos de la OVA que los episodios son círculos, se inicia y el misterio se resuelve en el mismo episodio. Lo cual es gratificante para los que sufrimos de ansiedad con tantas historias que uno ve actualmente. Existen guiños, para los fanáticos de JoJo´s reconfortantes, como en el primer episodio que nuestro prota viaja a Italia para desarrollar un manga, obvio que es una confirmación de que el mismo Araki viajó a Italia ha desarrollar su quinta temporada.
La estética y la animación de David Production, sigue intacta, siendo fiel a sus predecesoras adaptaciones del manga. Las historias son frescas, además de incluir algunos personajillos de la cuarta temporada. El ritmo y la cadencia para el desarrollo de los hechos es de menos a más lo cual logra captar la atención de espectador.
Como conclusión puedo comentar que este spin off cumple con su cometido y más, así no seas seguidor de la saga de los herederos Joestar, estoy segura que Thus Spoke Kishibe Rohan gustará a muchos.
Usualmente no investigo mucho antes de ver los animes de cada temporada para no «prejuzgarlos» y permitir que se de el «click» de manera natural. Con Jujutsu me pasó así. De inicio el diseño de personajes, los colores, el ritmo y la narrativa me arrancó carcajadas y de pronto me vi sumergida de entrada en una historia de exorcistas y posesiones. Quise más, por lo que ese mismo día busqué el manga y me spoileé. Y no me arrepiento.
Jujutsu Kaisen, cuya traducción literal es «Guerra de Magia», te transporta a un mundo de magia que desde el primer capítulo te darán ganas de ver el siguiente. El protagonista, un estudiante de preparatoria, parece un chico cualquiera hasta que hace algo que no es «normal». Y poco a poco vemos que definitivamente no lo es.
La vida de Yuji Itadori siempre fue diferente a la de sus compañeros de clase. Criado por su abuelo desde temprana edad y dueño de una fuerza y velocidad descomunal, no gusta de los deportes y más bien prefiere estar en el Club de Ocultismo.
Itadori es retado a lanzamiento de bala
Tiene una actitud relajada, es algo despistado y acepta de buena gana los retos. Se lleva bien con todos, incluso con el renegón de su abuelo.
Su vida cambia cuando obtienen en el club de Ocultismo un elemento maldito que prontamente se dedicarán a abrir, y tras la triste muerte de su abuelo, cuyas últimas palabras fueron “ayuda a los demás”. Las escenas se vuelven oscuras, la escuela es poseída por un espíritu maligno que amenaza la vida de sus compañeros.
Las maldiciones invaden la escuela buscando el dedo de Sukuna
Aparece en escena Megumi Fushiguro, un chamán que tiene como misión exorcizar y recuperar el “Dedo de Sukuna” que era lo que estaba sellado desde hacía siglos en esa escuela. Dicho sello estaba debilitado por el paso del tiempo. Ryomen Sukuna era llamado el Rey de las Maldiciones, poseía 4 brazos, y fue sellado por partes pues era demasiado poderoso. Al retirarse el sello la oscuridad se apodera de todo.
Megumi Fushiguro entra en escena
Horrendos monstruos, también llamados «Maldiciones», aparecen y atacan a los pocos alumnos que estaban en la escuela al final del día de clases. Itadori no se amilana y reparte golpes con toda su fuerza, sorprendiendo a Fushiguro, a quién le está costando lidiar con estos horribles seres que han nacido de las energías negativas que guardan los seres humanos en su corazón y que son atraídos por el “Dedo de Sukuna” pues el que se apodere de dicho dedo se hará muy poderoso.
Itadori trata con toda su fuerza de ayudar a sus compañeros de clases
Fushiguro está muy lastimado. Acorralado, Itadori decide comer el dedo de Sukuna para poder salvar a todos. Es un acto descabellado que causaría la muerte instantánea de cualquier humano común y corriente.
Luego de ingerirlo, un poder extraordinario emana del cuerpo de Itadori, vence con facilidad a las maldiciones y los ojos de Sukuna ven el mundo moderno con ansias de destrucción y muerte. Increíblemente, se escucha la voz de Itadori reclamando su cuerpo ante la sorprendida y casi apagada voz de Sukuna, quien es finalmente contenido en el cuerpo del joven, al recobrar éste el dominio de su propio cuerpo.
Itadori poseído
Ahora Itadori es foco de atención de todos los chamanes. Pues ahora es “El Portador” de la maldición de Sukuna y le presentan dos opciones: lo eliminan en ese momento o le van dando a comer los dedos que faltan poco a poco, los cuales son 20 en total. Una vez que logren obtener todos y que él los ingiera, lo exorcizarían con la consecuente muerte del portador, pero se lograría liberar al mundo de la peligrosa presencia de Sukuna.
Kugisaki, Fushiguro, Itadori y Satoru Gojo
Se opta por lo segundo y vemos a Itadori entrar a una escuela de chamanes, que está muy disimulada en el mundo moderno. Debe hacerse fuerte física y emocionalmente. Afortunadamente aprende rápido pues el poder que ahora posee lo anhelan otras Maldiciones. Y algunos de los maestros chamanes buscarán eliminarlo pues consideran que es un peligro andante y que en cualquier momento podría perder la lucha constante de contener a Sukuna. Aunque al joven no aparenta causarle mucho esfuerzo reprimirlo. Salvo cuando queda inconsciente de un golpe. Felizmente tiene el apoyo de Satoru Gojo, un poderoso chamán al cual temen y respetan incluso los chamanes más antiguos de la escuela.
Itadori relajado aún estando poseído
Todo esto le pone de cuadritos el día a día a Itadori. Y para rematar, Sukuna tiene sus propias intenciones y aprovechará cada ocasión que se le presente para demostrar su fuerza.
La animación es estupenda, divertida y fascinante; las escenas de acción son para no perder detalle. Acompañada por escenas gore de rigor al tratar con posesiones deformantes y hechicería chamanesca. Momentos cómicos inesperados y efectivos. Personajes complejos que te cautivan capítulo a capítulo.
La animación es bastante fiel
El diseño de personajes es similar al manga de estilo shonen. El cual es escrito e ilustrado por Geke Akutami y aún sigue en publicación desde marzo del 2018 . Teniendo ya 15 volúmenes publicados en la revista Shukan Shonen Jump.
Las secuencias de la trama están bien logradas. Y no es para menos pues el estudio de animación es MAPPA(Maruyama Animation Produce Project Association) y su DirectorSunghoo Park. El estudio que nos deleitó con Yuri on Ice, Kakegurui, Dororo, Dorohedoro, Banana Fish, The God of High School y ahora se encarga de la tan esperada última temporada de Shingeki no Kyojin.
Una historia muy buena y bien animada. Les dejo el opening y el ending al final de esta reseña para que los disfruten. Denle una oportunidad. No se arrepentirán.
La animación del Opening es tipo abstracta, dejando entrever que Itadori se moverá por ambos mundos. Va al ritmo de Kaikai Kitan del reconocido EVE.
La canción del Ending es Lost in Paradise de Ali Feat AKLO, es bastante fresh y relajada. La animación tiene un toque draft de muy buen gusto, recordando a los diseños de modas por sus trazos rápidos y pintado fuera de líneas.
Hace más de dos años una de mis mejores amigas me preguntó qué estaba viendo en Netflix y le respondí: ¨anime, como siempre¨pero que últimamente no había alguno en esa plataforma que me llamara la atención, es así que ella se atrevió a recomendarme una a pruebas de balas, osea, un título que es muy bueno y que me haría disfrutar toda la historia de principio a fin. Por ello accedo a escuchar su recomendación: se trataba de Puella Magi Madoka Magica y apenas vi la imagen en la descripción de la plataforma streming, dije : ¨No, no me gustan las historias para niñas¨. Y mi amiga me replicó: ¨No es un anime para niñas, no te dejes llevar por las apariencias¨.
Comencé a ver cada episodio con un poco de expectativa, pero cuando iban pasando más capítulos comencé a darme cuenta que lo que dijo mi amiga era real. No, no es una historia para niñas, ni del género Kodomo. Esto es un Thriller y es ahí cuando caes en cuenta que estás frente a una obra que no solo es buena sino que rompe el famoso esquema de las protagonistas en los Maho shojo. Para que entremos en contexto, Maho Shojo es un subgénero del anime que relata historia de chicas con poderes sobrenaturales, de por sí, me encanta este subgénero, pero nunca lo vi mezclado con un thriller psicológico.
Puella Magi Madoka Magica, nos relata la historia de Madoka Kaname y su amiga, Sayaka Miki, quienes viven en un Japón futurista, donde las reglas de convivencia son menos machistas, y los roles de género se flexibilizan, con lo cual vemos a mujeres que trabajan y esposos que están en la casa con los niños. Lo interesante viene cuando las dos colegialas se encuentran con un ser extraterrestre, de apariencia adorable, llamado Kyūbey quién les comenta que puede cumplir el mayor deseo de las niñas a cambio de luchar contra seres diabólicos llamados brujas. La cosa se pone más intensa cuando aparece, Homura, que al inicio será la antagonista de la historia que intentará eliminar a Kyūbey a toda costa.
No les comento más de la historia por que no deseo spolearlos, pero la trama promete, y mucho. La adaptación al anime de la historia de Gen Urobuchi es una declaración de guerra contra el género del Maho Shojo, un disparo perfecto a la chica mágica, ya que Madoka tiene muchas características de sus protas antecesoras del género, como la inocencia de Sakura o la ingeniudad de Usagi, pero Madoka va más allá. Nos muestra la realidad de una niña que se va volviendo adolescente, los vacíos que debe atravesar, los desamores, y demás sin sabores que el mundo real tiene, agregándole una chispa de thriller psicológico más la acertada banda sonora de Yuki Kajiura.
Akiyuki Shinbo, director de la adaptación al anime, no deja escapar ningún detalle. Del nivel alto que tenía la historia la explotó al máximo con las herramientas audiovisuales, tanto las escenas, los silencios y la música . Este anime, fácilmente debe ser considerado como uno de los mejores del subgénero de las chicas mágicas, un infaltable, por ser el anti Maho Shojo.
Así que si deseas ver un anime que te llame la atención, te hago reflexionar de la vida y te asuste un poco no dejes de ver Puella Magi Madoka Magica, y si eres un poco miedoso/a como yo, les aconsejo que no lo vean antes de dormir.
¿Qué puede unir a animes como K-On! y Love Live! Sunshine!! (además del género musical 😅)? Detalles que pueden pasar desapercibidos, por los que a veces hay que ver una y otra vez una serie para darse cuenta (agradezcamos que hoy se pueden ver de manera digital, sino chau DVD!). El día de hoy #GISugoi te presenta: a William S. Clark y su famosa frase “Boys, be ambitious!”.
🤔 Quizás los fanáticos de K-On!! (segunda temporada) pueden recordar el capítulo 7, donde Megumi Sokabe, expresidenta del consejo de estudiantes y fundadora del club de fans de Mio, está de viaje con sus compañeros de universidad y ve una estatua de un señor señalando al horizonte. O en Love Live! Sunshine!!, en el capítulo 6 de la primera temporada, donde se puede ver escrito en el panel de la escuela la frase ya referida. ¿Qué podría significar dicha estatua y frase en las narrativas de las dos series? Primero veamos quién fue William S. Clark y por qué es importante en Japón.
🌾 William S. Clark, nació en 1826 en Massachusetts, Estados Unidos. Fue un profesor con especialidad en química, botánica y biología, y líder en educación agrícola. Participó en la Guerra de Secesión (1861-1865), y jugó un rol importante en la reforma de la Escuela de Agricultura de Massachuetts (MAC). Actor importante en la modernización de Japón, fue invitado a trabajar como consejero en 1876, en plena época donde se dejó de lado la organización feudal y se abrió paso a una serie de reformas gracias a la Restauración Meiji. Parte de sus funciones incluyó fundar la Escuela de Agricultura de Sapporo (SAC), hoy en día la universidad de Hokkaido, y sus ideas tuvieron un gran impacto científico y económico en la región. Es conocido por sus palabras de despedida a los alumnos del SAC: “Boys, be ambitious. Be ambitious not for money, not for selfish aggrandizement, not for the evanescent thing which men call fame. Be ambitious for the attainment of all that a man can be”.
🧠 ¿Por qué la figura de William S. Clark puede ser importante en K-On!! y Love Live! Sunshine!!? En primer lugar, la frase “Boys, be ambitious!” parece referirse al deseo de alcanzar el éxito como “nación” a través del esfuerzo conjunto, así como la capacidad de modernización y adaptación. Es una invitación a llevar al máximo el esfuerzo con el objetivo de lograr la plenitud misma del ser humano, y no por cosas pasajeras como la fama o el dinero. Asimismo, implícitamente está una invocación a un esfuerzo conjunto al referirse a dejar de lado el “engrandecimiento egoísta” 🏆
K-On!! capítulo 7. Se puede apreciar la estatua de William S. Clark.
🎸 Entonces, en K-On! podemos apreciar la unión entre las integrantes de Ho-kago Tea Time, así como el apoyo mutuo entre las protagonistas para que todas puedan desarrollarse de manera satisfactoria en la escuela y en la banda. Pero esta colaboración no queda solo entre los miembros de la banda: resulta claro que tanto sus profesores, amigas de otras bandas, alumnas de la escuela y el mismo club de fans juegan un rol importante en el desarrollo de las chicas. Se trata, finalmente, de un grupo con personalidades diversas que encuentra como punto de unión su pasión por la música, y eso las lleva a mantenerse unidas 🎤
Love Live! Sunshine!! capítulo 6. En el panel, en la esquina superior derecha, se puede apreciar una reformulación del motto original: «Girls, Be ambitious!».
☀️ Por otro lado, en Love Live! Sunshine!! vemos un principio parecido: las nueve integrantes de Aqours son chicas con diferente personalidad, pero las une la pasión por las idols y el deseo por salvar su escuela. La trama del capítulo y la frase tendrán mucha relación entre sí. En este, las protagonistas desean promocionar en un video promocional los principales atractivos del pueblo, y para lograrlo necesitarán del apoyo de las personas de su escuela y su pueblo. Es en este momento cuando se puede apreciar el vínculo con la frase de William S. Clark: el éxito y el desarrollo se logran por la perseverancia de uno, el apoyo entre los integrantes del grupo y, sobre todo, de quienes están alrededor 🌈
✔️ Por lo tanto, el principio del “Boys, be ambitious!” se puede ver en ambas series a través de la importancia de la unión, pasión y perseverancia para lograr el éxito. Asimismo, resalta el rol que juegan todos los integrantes de una comunidad para el triunfo de un grupo o, incluso, de una persona.
¿Y tú lector de Sugoi, pudiste encontrar otros vínculos o intertextualidades en otros animes y mangas?
Uno de los animes que en el 2018 nos hizo voltear la mirada, es sin duda,Violet Evergarden, anime que por culpa de un incendio en el estudio Kyoto Animation no vio la luz su última película. Igual, si obviamos ese pequeño detalle, lo importante es que en Netflix podemos encontrar este título con sus temporadas completas y hasta la película Violet Evergarden: Eternity and the Auto Memory Doll.
La verdad que al inicio, me atrajo mucho este título por el diseño de los personajes y el estilo de dibujo, Dios, es pulcro y muy estilizado. Un estilo que te hace recordar a las aclamadas señoritas del estudio CLAMP que nos han traído títulos tan memorables como Magic Knight Rayearth o Cardcaptor Sakura.
La magia que hay detrás de esa estética hace invita a darle una oportunidad al anime. Pero no se queda sólo en el aspecto estético; también presenta una narrativa compleja, separada de lo superfluo y que invita a revisar en lo más profundo del ser: el porqué de nuestra existencia, y de lo simple y a la vez tan complejo que resulta ser la humanidad. Todo ello dentro de un mundo que solo se diferencia del nuestro por la sucesión de los hechos y algunas tecnologías. Eso es lo que hace especial a esta historia, hay capítulos que uno reflexiona del mundo y se pregunta: ¿talvez pude vivir en el mundo de Violet?
Y lo más sorprendente es que este drama viene inspirado en una serie de novelas ligeras. Sí, novelas ligeras de Kana Akatsuki, publicadas en 2015, y que por su éxito fueron llevadas a la pantalla chica por el estudio Kyoto Animation.
El resultado fue una serie con harto valor en lo estético, en el detalle, no solo de las formas, si no de la misma vida. Y es así como nosotros acompañamos a Violet a redescubrir el mundo, después de haber sido “moldeada” como un arma de guerra, haber sido utilizada por Dios sabe quién o qué. Pero tuvo suerte de caer al final de la guerra en los brazos de Gilbert Bougainvillea, la única persona que la trató como ser humano, y al verse separada de él, entra en un vacío existencial terrible. Sin embargo, en lugar de amilanarse, prefiere buscar la solución lógica a las últimas palabras que Gilbert le dijo la última vez que la vio.
Es así que se nos presenta una peculiar profesión en este mundo paralelo, la del Auto Memory Doll, desarrollado por señoritas que ayudan a las personas, por medio de la escritura, a expresar sus más profundos sentimientos. Violet, queda impactada con este oficio y ve su desarrollo como medio de solución a las últimas palabras que le dejó Gilbert.
La historia es un viaje en ferrocarril, uno sencillo, sin artificios, que por medio de diversas historias escuetas llevarán al espectador a preguntarse sobre sí mismo, sobre la vida y la misma esencia de la raza humana, a parte que la estética enriquece a los ojos. Es un anime rico en detalles que te llevará a un viaje introspectivo muy interesante.
Hace más de un mes me sorprendí al ver en la barra ¨recomendaciones¨ de Netflix el afiche de Food Wars. Sinceramente, revisé el título hace tiempo por un ranking de animes que tuve que evaluar en el 2019. Y para qué… ¡Me llamó la atención! Pero no soy tan fan del género ecchi, así que no lo volví a ver después de mucho tiempo.
Sin embargo, tenerlo disponible, en una plataforma tan cómoda como Netflix, me dio el ímpetu de darle una segunda oportunidad. Y ¡chan!, quedé enganchada. Partamos por el género y la trama . Si te gusta la comida y has visto todas las temporadas de Master Chef disponibles, este anime te va a encantar, y si te gusta comer, ni que decir… Bueno, yo soy una amante de la comida asiática y la comida en general, por ello no puede dejar de revisar el título. Mientras van pasando los capítulos te va gustando más la trama por el tema educativo y artístico de la maestría culinaria que puedes encontrar en un sencillo dibujo animado. Creo que eso es parte del encanto de Food Wars.
Yūto Tsukuda nos regala una historia común, pero que funciona si la mezclas con algo tan cautivante como la comida y el placer. El manga toca esos tópicos cada vez que puede y el director, Yoshitomo Yonetani, supo cómo plasmarlo en la adaptación al anime, que comenzó el 2015.
Tenemos a Soma Yukihira, un típico prota , que ingresa a una escuela de ricos. Pero no a cualquier academia, sino a la mejora academia culinaria de Japón. Ahí la cosa se va cocinando lentamente. De por sí el protagonista es el típico pero no llega a hostigarte; por ahí sus personajes secundarios comunes, la verdad, y algunos están de sobra. Pero bueno, un contundente anime escolar debe tener todos los ingredientes para ser del agrado de todo el público.
Es así que Soma , un chico talentoso para la cocina, es enviado a este escuela para convertirse en un gran chef profesional. Acostumbrado a los grandes retos, gracias a su padre –Yohichiro Yukihira, quien es uno de los últimos alumnos destacados de la academia Totsuki-, tiene un gran reto que está dispuesto a alcanzar. En el camino se encontrará tanto con personas que lo menospreciarán, como Erina Nakiri, la chica más adinerada y talentosa de la academia, como con personajes que siempre lo apoyarán como, Megumi Tadakoro, la clásica chica tímida que se enamora del protagonista.
La trama se va volviendo interesante mientras más avanzan los capítulos. Pienso que la adaptación al anime es muy buena, por ello que ha ganado una gran cantidad de admiradores alrededor del mundo. La comida es un arte y el anime también; solo era cuestión de tiempo para que algún mangaka lo fusionará con un toque de ecchi y lo volviera un boom.
No puedo tampoco mentirles y decirles que Food Wars es el mejor anime del 2020 pero si deseas ver una comedia ligera, relajarte y reírte un poco antes de dormir, Food Wars es una excelente opción que puedes encontrar con tan solo apretar el botón de tu control remoto.
Cuando se realiza investigación sobre anime y manga, es inevitable toparse con Tezuka Osamu y su sorprendente historia, pero tal vez el título que es reconocido casi como sinónimo de su trabajo es Tetsuwan Atom, también conocido como Astro Boy, por todo lo que significó para la industria del manganime. Sin embargo, obviamente no es el único hito que marcó el dios del manga, pues también produjo la primera serie anime a color para televisión: Jungle Taitei, (conocido en occidente como Kimba, el león blanco), cuyo interesante camino desde la imaginación de Tezuka-sensei hasta las pantallas de Japón y el resto del mundo trataremos de seguir en el presente artículo.
Fuente: Tezuka Productions
Kimba, el león blanco, que se transmitió en señal abierta peruana, cuenta la historia de un pequeño león blanco llamado Kimba (Leo en la versión japonesa) cuyo padre, el “emperador de la selva” en África es asesinado por un cazador que también captura a su madre embarazada. No obstante, en medio del viaje en barco a un zoológico, nace Kimba y su madre lo ayuda a escapar no sin antes contarle de su padre y pedirle que regrese a África, pero—al huir—el cachorro de león termina en la Península Árabiga. Allí tiene contacto con humanos quienes lo crían y un año después lo llevan a la tierra de sus padres donde inicia su propio camino para volverse emperador.
Para los que vieron la serie y para los que revisan la trama, es claro que el conflicto entre los animales y la intervención humana en sus hábitats naturales es un tema central además de la misma dinámica de la selva, pero esto no sólo proviene del proceso creativo del dios del manga por idear una historia atractiva, sino que nace de los propios intereses que siempre tuvo Tezuka y que de forma curiosa también lo conectan desde el inicio con Disney, protagonista del gran debate Kimba/Rey León.
El hombre y la naturaleza
Desde una edad temprana, Tezuka fue un apasionado de la naturaleza y el mundo animal, los cuales observaba con maravilla y curiosidad. Según Tezuka Productions, a los 13 años, el dios del manga se avocó a coleccionar insectos y dibujar comics centrados en ellos y un año después, él y sus compañeros de escuela inauguraron un club de amantes de los animales. En el marco de este club, publica el boletín The World of Animals 1 que sería seguido por un par de números más y posteriormente lanzaría varias ediciones centradas en los insectos como The World of Insects que nació de la Sociedad de estudio de los Insectos Rikuryo que fundaría en 1943, a los 15 años.
Tezuka Osamu (13 años, 1941). Fuente: Tezuka Productions
The 1st series of the Illustrated Catalogue of Beetles de Tezuka. Fuente: Tezuka Productions
Osamu y Musashi es una animación que cuenta la historia de Tezuka en su infancia con el escarabajo Osamu. Fuente: Tezuka Productions.
Este interés por la entomología fue un primer paso hacia Kimba, pero otro momento clave sería, de acuerdo con Natsu Onoda, el acercamiento que tendría Tezuka con Disney y que lo motivaría a tratar de dedicarse a la animación más allá de la ausencia en Japón de una industria como la actual y de las dificultades que el país pasaba en 1945 tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Onoda recoge una afirmación muy conocida del mangaka en la que aseguraba haber visto ese año cincuenta veces Blancanieves y los siete enanos y Bambi, más de ochenta veces en 1946 y más allá de lo real de dichas cifras, es un hecho que esta última cinta dejó una fuerte impresión en el dios del manga.
Como señala Fred Patten, Tezuka declaró en una presentación en la Cartoon/Fantasy Organization en Los Angeles en 1978 que Jungle Taitei nació de un desacuerdo en la filosofía de la naturaleza y la inteligencia demostrada por los animales en la cinta de Disney. De acuerdo con el autor de Tetsuwan Atom, las criaturas del bosque de Bambi eran conscientes de sí mismos y seres sociales entre ellos a tal nivel que no le parecía lógico que se mantuviesen distanciados de los humanos o tan temerosos de ellos, sino que podrían haber tratado de comunicarse y reconocerlos como otra especie animal más. Este aspecto, precisamente, fue abordado en Jungle Taitei.
Encontrado en Disneyplus.com / Créditos: Walt Disney Pictures
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
Patten señala que para Tezuka la naturaleza y la civilización eran dos aspectos del mundo que convivían juntos y que ambos tenían tanto ventajas como desventajas que debían tomarse en cuenta y eso era notado por los animales del África en Jungle Taitei. Así, trataban de sacar ventajas de esa civilización que se les aproximaba al mismo tiempo que buscaban que el hombre los reconociese como su igual. Este balance se representa en la misma historia del protagonista, hijo del emperador de la selva y criado por humanos, que vuelve a su hábitat original regido por las leyes de la naturaleza (entre ellas, la cadena alimenticia) y está impregnada del legado de su familia.
Como se puede notar, un adolescente Tezuka, que tiene su propio amor y experiencia directa con la naturaleza a la cual luego ve representada en el lenguaje animado, es el punto de partida para el nacimiento de una manera de entender la relación hombre naturaleza que es la base de la historia de Jungle Taitei. No obstante, esta historia no se quedó en la imaginación de ese adolescente, sino que encontró su lugar en las viñetas del manga.
Jungle taitei: Mangaka contra viento y marea
Era 1950 y Tezuka ya había publicado hacía tres años Shin Takarajima, La nueva isla del tesoro, una obra que había sido un boom en la industria del manga, pero, al mismo tiempo, el joven de 22 años, era un estudiante de la escuela de medicina de la Universidad de Osaka que aún se graduaría en 1951 para iniciar posteriormente su internado. Según Onoda, si bien el dios del manga ya tenía experiencia enfocándose en historias de un solo tomo, en abril de ese año empezaba su primera obra serial, Tiger hakase no chin ryokō (Dr. Tiger´s Strange Journey), en una revista y debía adaptarse a los nuevos requerimientos narrativos de las diez páginas mensuales que debía presentar para la publicación Manga to Yomimono.
Fuente: Tezuka Productions
Fuente: Tezuka Productions
Dr. Tiger´s Strange Journey. Fuente: Tezuka Productions.
Para los que en algún momento hemos tocado fondo por las obligaciones pendientes, podemos entender las dificultades que tenía Tezuka, pero en medio de esta compleja agenda, le llegaría una buena oportunidad. Como señala Tezuka Productions, en primavera, mientras visitaba la editorial Gakudo Sha conoce a Katō Ken’ichi, quien lo reclutaría para que trabajase en la popular revista Manga Shōnen. En relación con ello, Ryan Holmberg señala que este sería un punto de inflexión para el creador de la Princesa Caballero, pues iniciaría su etapa en las revistas mensuales shōnen con base en Tokio con títulos como Tetsuwan Atom (1951-68) o The Adventure of Rock (1952-54).
La historia que Tezuka empezaría a publicar en 1950 para Manga Shōnen sería precisamente Jungle Taitei y, como apunta Holmberg, alcanzaría tal importancia al demostrar que era posible para el manga emocionar y hacer reír a los niños al mismo tiempo que proponía un modelo de carácter moral. Unos párrafos arriba nos referíamos a la compleja relación entre el hombre, los animales y la naturaleza que proponía el dios del manga y no debe sorprender que sea un escenario muy fructífero para el desarrollo de los personajes. Onoda complementa lo señalado por Holmberg al apuntar que se combinaba la épica a veces con un crudo realismo.
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
La autora precisa que Tezuka no temía mostrar la crueldad que envolvía a veces al mundo animal ni tampoco las relaciones de <<amistad, respeto, lealtad, celos, avaricia, honor y autosacrificio>> que involucraban a hombres y animales, los cuales a veces morían en el marco de ellas. Además, señala que si bien el estilo de narración era simple, Tezuka-sensei fue capaz de darse cuenta de que una parte importante de los lectores de Manga Shōnen (menores de 12 años) estaban preparados para una historia más profunda y tal vez hasta desafiante. No hay duda de que se trataba de una apuesta arriesgada, pero que convirtió a Kimba en un exitoso manga que se publicó hasta 1954.
La fascinación de Tezuka por el mundo animal así como su amor por el dibujo y la animación lo llevaron a emprender un complejo camino en el que trataba de balancear su carrera profesional con un sueño que trataba de perseguir en medio de la incertidumbre que envolvía al trabajo como mangaka. Empero, más allá de la casualidad, fueron lo diferencial de su historia lo que labró el camino de popularidad de Jungle Taitei, quien al igual que su hermano Atom daría el siguiente paso al saltar a la televisión, pero esta vez a color.
El león blanco a color
Como les comentamos en un artículo previo sobre la Maldición Tezuka, el dios del manga consiguió sortear muchos obstáculos para realizar y estrenar el anime de TetsuwanAtom, que resultó todo un éxito, pero en el otoño de 1963, Jonathan Clements apunta que empezaba a tener competencia con Tetsujin 28, Tobor the Eighth Man y Wolf Boy Ken. Al mismo tiempo, el autor afirma que los clientes americanos y japoneses de Mushi Productions, la productora de Tezuka, habían dejado claras sus intenciones de que ya no iban a requerir más series en blanco y negro, así que el ahora animador debía enfrentar un nuevo reto y no se le ocurrió mejor idea que experimentar.
Fuente: Tezuka Productions
Encontrado en RightStufAnime / Créditos: Dentsu. Inc., TCJ Animation
Fuente: Tezuka Productions
Clements revela que Tezuka les indicó a sus animadores que el episodio 56 de Tetsuwan Atom sería una especie de piloto hecho a color y este finalmente fue estrenado el 2 de enero de 1964 consiguiendo el más alto rating para Tetsuwan Atom hasta ese momento y reestableciendo la imagen del sensei como innovador en el mercado. En medio del éxito, Clements señala que el padre de Astro anunció a su staff que ya se había asegurado la inversión de NBC Enterprises para adaptar Jungle Taitei en una serie anime totalmente a color. Esta división de NBC es la misma que compró la licencia de Testuwan Atom y ante el éxito de este último en Estados Unidos, querían más.
El interés era tal que Seiko Yasumoto afirma que NBC organizó una reunión para cuatro animadores de Mushi Productions con el reconocido animador Preston Blair que había participado en cintas de Disney como Fantasía y Pinocchio, incluso Bambi y los Picapiedra. El propósito era que aprendiesen a producir animación a color en el marco de una práctica gama de colores y enfatizando en estilizar y simplificar, que era el estilo de Blair. Ante esta oportunidad, Clemments destaca que Mushi Productions le dio total prioridad a la realización a Jungle Taitei que, de acuerdo con Onoda, se estableció en un presupuesto por episodio diez veces superior al inicial en el caso de Atom.
El episodio piloto resultante se transmitió en octubre de 1965 en medio de la recuperación económica de Japón después de la Segunda Guerra Mundial que, según Mary Hammond Bernson, marcó la llegada de la televisión a los hogares de los japoneses. A pesar de que Natsu Onoda señala que la mayoría tenía televisores con imagen en blanco y negro, Hammond destaca que los japoneses todavía recuerdan el poderoso impacto que tuvieron tanto Tetsuwan Atom como Jungle Taitei que se transmitió hasta setiembre de 1966. Sin embargo, en medio del meteórico ascenso del león blanco, que se volvió un clásico del anime, su creador experimentaba una serie de problemas tras las puertas de Mushi Productions.
De acuerdo con Onoda, a mediados de 1960, Tezuka-sensei estaba bastante frustrado por el rumbo que estaba tomando la historia de Atom y Mushi Productions cuando el staff crecía y se perdía el norte de la importancia de la calidad ante los ingresos económicos. El también animador lo explicó en su autobiografía, Boku wa manga ka (1969) y Oonoda lo recoge en la siguiente cita:
Estaba fuera de mi control. Mushi Productions había crecido muy grande para que yo la manejara. Yo lanzaba una idea para un episodio y el staff la ignoraba en favor de otra idea más rápida y fácil de ejecutar. Todo era acerca de los ingresos, no de la calidad. Los críticos empezaron a llamar a Astro Boy una potboiler [obra hecha para ganar dinero]. Algunos decían que no podían soportar verlo. Uno escribió: ‘Tezuka se ha quedado sin sus ideas geniales, ya no queda nada en él’. Me sentí destruido. El niño robot en la pantalla de la TV aún se veía como Atom, pero yo sabía que él ya no era el mismo Atom que era mi querido hijo.
Tezuka Osamu
Fuente: Tezuka Productions
El debate acerca de si el arte o la calidad deben sacrificarse por un producto rentable o que guste a la mayoría sin proponerles un reto o algo diferente a los espectadores siempre ha estado presente y seguirá existiendo, pero para un autor siempre será complejo cuando se priorice lo económico por lo que significa para la forma final del “hijo” que uno trae al mundo: la historia o el protagonista. No obstante, más allá de ello y del final que tuvo Mushi Productions, el dios del manga dejó un nuevo precedente con Jungle Taitei, la primera serie anime a color, y también sería internacional, pero tendría que pasar por una transformación.
De Jungle Taitei a Kimba, the white lion
Si bien en occidente usamos de manera intercambiable Tetsuwan Atom y Astro Boy, en realidad, Seiko Yasumoto cita la biografía de Fred Ladd, productor clave en la llegada del anime a Estados Unidos, para especificar que el segundo es el título que se le dio al remake para el público norteamericano de la serie original de Tezuka. Es decir, se incorporaron ciertos cambios al original teniendo en cuenta el nuevo público de Atom y al respecto, Clements cita a Yamamoto para señalar que cuando no se habían establecido lineamientos iniciales, Mushi Productions ya había enviado 12 episodios a NBC, pero la mitad fueron rechazados, tres fueron editados y tres no fueron transmitidos.
Encontrado en Amazon.co.uk / Créditos: Tezuka Productions
Algo muy similar ocurrió con Jungle Taitei, según Yasumoto, aunque desde una etapa más temprana en la que NBC Enterprises a través de Ladd y su equipo, quienes si bien consideraban que la idea base era adecuada para niños, realizaron cambios que se tradujeron en Kimba, the White lion. Un ejemplo es que Leo, ahora Kimba, se mantuvo siempre cachorro, ya que sostenían que si crecía (lo que ocurre en la serie original), la diferencia de edades con la audiencia podía alejarlos del protagonista. De la misma manera, Yasumoto recoge que Ladd remarcó la importancia de que se siguiesen los lineamientos de la US Federal Communications Commision y se debían remover muertes y violencia a menos que lo demandara la trama en cuyo caso se trataría de ocultar.
En esa misma línea, Yasumoto hace una comparación entre ambas e identifica que la original se centraba en la lucha de Leo para establecer su civilización animal a través de un estilo narrativo evocativo a nivel emocional cuyos episodios se construían con miras a un clímax de la serie en su conjunto que apostaba por el pensamiento moral confuciano. En ese sentido, era popular entre niños y adultos.
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
En el caso de Kimba, the White lion Yasumoto señala que se centraba básicamente en las aventuras de la infancia de Kimba a quien se construía como un superhéroe cuya historia tenía un estilo narrativo directo con mucho más humor que se evidenciaba en los capítulos que eran narraciones independientes cuyo tema común era la felicidad desde la perspectiva de la niñez, el principal público seguidor de la serie. A pesar de estas diferencias, Yasumoto señala que no son series totalmente diferentes, sino que hay similitudes como la distintiva música de Tomita Isao, pero que en cuanto entraba en conflicto con el prospecto de serie infantil, allí se proponían las modificaciones.
Es innegable que fue Kimba, the White lion dejó su impronta en occidente debido a su éxito y quizás aquí cabe mencionar que, por esa razón, es bastante discutible que cierto estudio dijese que nadie de la producción conocía quién era Kimba cuando hicieron su propia cinta protagonizada por un león llamado Simba. Hablar de la controversia con Disney daría para todo un artículo, pero vale la pena decir que hay diferencias en las historias, pero un reconocimiento a Kimba como una referencia para las similitudes, hubiese sido el mejor camino (y el correcto).
Fuente: Tezuka Productions
Fuente: Tezuka Productions
Después del éxito internacional, Tezuka se animó a hacer una película de Jungle Taitei en 1966 que a excepción de un par de minutos, es una versión totalmente original que, según Anime News Network, transmite más adecuadamente la historia de acuerdo con el dios del manga. Esta fue seguida por una secuela de la serie de televisión titulada Jungle taitei: susume Leo! así como por otras producciones cinematográficas que se estrenaron incluso después del fallecimiento de Tezuka en 1989.
Parece increíble como una afición infantil y un sueño de adolescente, se puede complejizar con una mirada adulta del mundo y por azares del destino sumada a una visión del camino por recorrer y una determinación para llevarla a cabo (sí, esto ya se está poniendo en modo shōnen) pudieron concretarse enJungle Taitei y Kimba, the White lion que no sólo representan el paso de Tezuka del blanco y negro al color, sino que marcaron la historia del manganime y apuntalaron aún más la omnipresencia del dios del maga en la misma.
Aquí les dejamos algunos artículos y libros para profundizar en la historia y carrera de Tezuka-sensei así como en Jungle Taitei (también hay más información sobre el debate Kimba/Rey León).
Yasumoto, S. (2012). Japanese Media Strategy: The Recognition of Economic Value Chains. Journalism and Mass Communication, 2(10), 998-1011. https://cutt.ly/NjjzMmp
Seamos honestos: toda comunidad de fans tiene sus discusiones y diferencias. Pero siempre podremos encontrar momentos o eventos que se consideran como espacios de reunión e hitos fundacionales, importantes para la conformación de una comunidad. Y para los lovelivers -o fanáticos de Love Live!–el espacio que nos congrega es «Snow Halation».
“Snow Halation” 101: Un poco de historia
Snow Halation es el segundo single de μ’s -banda conformada por los personajes Honoka Kousaka, Umi Sonoda, Kotori Minami, Maki Nishikino, Hanayo Koizumi, Rin Hoshizora, Nico Yazawa, Eli Ayase y Nozomi Toujou, miembros de la primera generación de school idols de la franquicia-, lanzado el 22 de diciembre de 2010, meses después de ser anunciado el proyecto multimedia Love Live! en la revista Dengeki G’s Magazine.
Se trata de una canción de los inicios de μ’s, cuando ni la franquicia ni todas sus seiyuus eran tan populares. Junto con la canción realizaron un promotional video (PV), donde vemos una mayor estilización en el diseño de los personajes (1). La canción también fue el tema central del episodio nueve de la segunda temporada de Love Live!, estrenada el 1 de junio de 2014.
“Snow Halation” y los fans: del concierto al anime
Desde las primeras presentaciones de Love Live! se ha usado un lightstick especial, llamado UO o “ultra orange”, para marcar el “camino de luz” que sigue a Honoka, quien es el centro de la canción, durante el PV. Y a medida fueron volviéndose más grandes y masivos los conciertos, el uso de este en las performances de “Snow Halation” se convirtió en una de las marcas de la comunidad loveliver.
Y es que el UO no solo tiene un significado especial para los fans de Love Live!, sino también en el mundo idol, ya que posee una iluminación más fuerte que los lightsticks regulares, por lo que solo es usado en momentos especiales. En este contexto, el uso masivo de este demuestra la gran capacidad de organización de los fans, quienes se sirvieron de las redes sociales para promoverlo o incluso algunos regalaron UO en la entrada de los conciertos.
Estos eventos no solo permiten la formación de una comunidad entre los fans. También les brinda la sensación de formar parte de este mundo de ficción, donde las seiyuus encarnan por unas horas a los personajes y los fans representan tanto el escenario del MV como el público que hace posible la realización del concierto (2).
Dicha participación por parte del público, quienes hacen posible los eventos, apoyan y admiran a las jóvenes idols, se puede apreciar en el noveno capítulo de la segunda temporada de Love Live!, “Melody of the Heart”,estrenada el 2014. Cabe resaltar que para ese momento ya era conocido y difundido entre el público el uso de UO en las presentaciones de “Snow Halation”.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
El anime nos presenta las preliminares para las finales de la competencia de idols escolares, Love Live! Las nueve integrantes de μ ‘s deberán reunirse en el lugar donde se desarrollará el evento, pero antes las chicas de segundo año tendrán que estar presentes en la charla informativa de Otonokizaka, a la cual asistirán las alumnas interesadas en unirse a la escuela. Y si bien es un evento al cual Honoka, Umi y Kotori no desean faltar, ya que de ello también depende el futuro de su colegio, una fuerte tormenta podría impedirles asistir a la competencia.
Terminado el evento, se dirigen a la final, sin embargo están por rendirse debido a la tormenta de nieve. No obstante, salen a su encuentro todas las alumnas de la escuela, quienes han limpiado el camino para que puedan correr sin dificultades hasta el lugar de la competencia. Con ello vemos cómo se resalta que el éxito de las idolssolo es posible gracias al apoyo de toda la comunidad. En ese sentido, el éxito de μ ‘s se dio a lo largo de la serie no solo gracias al apoyo de sus fans, la escuela y sus familiares, sino que se produjo, especialmente, por el soporte que les brindó la comunidad estudiantil. Así como las chicas de μ ‘s les brindaron a sus compañeras la esperanza de que el colegio no va a cerrar (3), toda la comunidad estudiantil les ayudará y las alentarán hasta el final.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Por lo tanto, la historia de “Snow Halation” representa todo el esfuerzo que tuvo que realizar la primera generación de seiyuus de la franquicia para que esta tuviese éxito. Pero también simboliza la organización y apoyo de los fans, quienes son el soporte y la razón de la popularidad que alcanzó Love Live!
10 años de una franquicia: su evolución (y sus memes)
Y como todo hito fundacional contemporáneo, el alcance de “Snow Halation”ha sido tal que ha repercutido en Internet y ha sido objeto de meme material (4).
Recordemos que hasta hace unos años, antes del 2016, era muy difícil acceder al contenido de la franquicia de manera legal, por lo que algunos usuarios compartían por redes las canciones y demás productos. Sin embargo, los videos y canciones subidas a YouTube serían luego censuradas, ya que infringían los derechos de autor. Como respuesta, algunos fans responderían de manera lúdica y harían mashups o rips de “Snow Halation”, de tal manera que no podría ser censurada nuevamente. Ejemplo de ello lo encontramos en las versiones de SilvaGunner o Triple-Q. Ello nos demuestra que la comunidad de fans, especialmente la de Internet, siempre encontrará una forma de superar la censura y compartir contenido de manera creativa.
Han pasado 10 años desde el lanzamiento de la franquicia; 10 años desde el hito que nos funda como comunidad.
“Snow Halation” es uno de los elementos que une a los fans más antiguos y más nuevos de la franquicia. Y es gracias al gran éxito que representa que el día de hoy tenemos un nuevo anime y una tercera generación de school idols. Incluso se ha anunciado a inicios de año una cuarta generación de Love Live! y quiénes serán las nuevas seiyuus (5).
Como fan de Love Live!,“Snow Halation” representa todo lo bueno de la serie y sus personajes: la pasión, la energía y la esperanza, así como la posibilidad de seguir lo que uno ama y en el camino encontrar una comunidad con la cual compartir y mejorar.
NOTAS:
(1) Diseño descartado en su momento, pero que parece haber sido recuperado y vuelto trabajar para el diseño de personajes del anime Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai.
(2) Este mismo principio, y la inmersión del espectador o jugador (en el caso del gacha Love Live! School Idol Festival) en la narrativa, fue rescatado en Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai a partir de la creación del personaje de Yū Takasaki, quien cumple el rol de compositora y manager del club.
(3) Y con ello no cerrará un espacio que ha congregado a distintas generaciones de mujeres, donde han estudiado abuelas, mamás e hijas. Este dato se sabe gracias al anime y a los School Idol Diaries, donde se señala que las mamás o las abuelas de Honoka, Eli, Kotori y Umi han estudiado en la Preparatoria Otonokizaka.
(4) Esto nos muestra un cambio de paradigma, donde los hitos fundacionales no tienen que ser momentos “sagrados”. Por el contrario, las personas pueden aproximarse a este de una forma lúdica y hasta creativa.
(5) Gratamente, se trata de un grupo más «internacional», ya que personajes como Kanon Shibuya y Keke Tang son ¼ española y china respectivamente. Incluso, la seiyuu de Keke Tang, Liyuu, es china, y la de Sumire Heanna, Naomi Payton, es japonesa-estadounidense.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos y links
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Significado y relevancia del color naranja durante los conciertos de Love Live!:
