En esta nota les hablaremos de Akiko Higashimura, una de las mangakas más reconocidas por la academia artística japonesa contemporánea que esta ganando mayor popularidad en Occidente y que, a pedido de nuestros nakamas, esperamos que pronto sus obras sean publicadas en español para el también deleite de sus fans latinoamericanos.
BIODATA
Akiko Higashimura nació en la ciudad de Miyagi, Japón, el 15 de octubre de 1975. Desde pequeña demostró ser una gran fan del manga shōjo, como por ejemplo del anime Chibi Maruko chan (1990-1992), de Momoko Sakura, manga que fue un boom durante la infancia de la mangaka. Así también se declaró una “niña Ribon», ya que durante su niñez fue una gran seguidora de la famosa revista Ribon, publicada de la mano con la famosa editorial nipona Sueisha. Pero su amor por el manga no quedaría ahí, pues ya soñaba con ser mangaka desde esa edad. De hecho, su talento como artista ya se hacía notar: cuando estaba en quinto grado de la escuela primaria, creó su primer manga sobre una niña detective, al que llamóTantei Puttsun Monogatari. En la escuela secundaria entró en el club de arte, y después estudió en la escuela kanezawa de arte. Finalmente, su sueño se hace realidad y debuta como mangaka a los 23 años en la revista de seinenWeekly Morning.
Fuente: Akiko Higashimura Documental (Youtube)
ESTILO E INFLUENCIA
Su estilo es característico por sus pocas líneas /trazos de dibujo en el diseño de sus personajes. Asimismo, Akiko declaró en una entrevista al también famoso mangaka Naoki Urasawa (autor de Monster 2004-2005) que su estilo está influenciado por la obra de Yokoyama Mitsuteru, celébre autor de Tetsujin 28‑gō, manga precursor del género mecca. Prueba de esto sería que en Kimawari- KenichiLegend se ve la influencia del manga Sangokushi, del maestro Yokoyama.
Para el diseño de sus personajes, Akiko ha recurrido a diversos modelos peculiares de la vida real. Por ejemplo, para Kugarehime, se inspiró en las historias que le contaban sus amigas otaku cuando salían a tomar una copa. En Himawari aparece retratado su padre, y en Mama no tenparist se inspira en su propio hijo como modelo protagónico.
Estilo de dibujo en personaje masculino, Bishoku Tantei Akechi Goro (Cocohana, 2015)
Mama wa Tenparist (Shueisha, 2007), donde el hijo de Akiko fue inspiración para el personaje protagónico
Princess Jellyfish (2008, Kodansha), inspirada en las amigas «otaku» de la mangaka
OBRAS
Akiko Higashimura tiene aproximadamente veinte años en la industria del manga, por lo que es normal que tenga una vasta lista de obras publicadas. En esta ocasión, mencionaremos algunos de sus títulos más resaltantes y exitosos no solo en Japón, sino en Occidente (es decir, EE.UU, hasta el momento): Kugarehime, traducida en inglés como Princess Jellyfish (2008, Kodansha), Tokio Tarareba Girls (2014, Kodansha), y su cómic autobiográfico Kakukaku Shikajika, más conocido como Himawari-Kenichi Legend (2012, Shueisha).
PREMIOS/RECONOCIMIENTOS
Ha sido nominada al premio Manga Taisho en repetidas ocasiones: en 2008 por kugarehime; en 2009 por Mama wa Tenparist; en 2011 por Omo ni Naitemasu, y en 2015 lo ganó por Kakukaku Shikajika.
Akiko Higashimura recibe el premio Manga Taisho por Kakukaku shikajika (2015)
DATO CURIOSO
Akiko tiene su propio bar dedicado a un teatro takarazuka cerca de Osaka, donde se viste con kimono para atender a los clientes.
En el manga Yukibana no Tora (2015, Shogakukan), la artista tiene como protagonista a Uesugi Kenshin, famoso daimyo de la era Sengoku de Japón, pero como un personaje femenino de la obra, la cual es su primera de temática histórica.
El propio Naoki Urasawa reconoció con mucho asombro que Akiko es una mangaka super veloz al momento de dibujar.
La mangaka acostumbra a trabajar en su estudio con buzo para estar más cómoda. Sin embargo, aun con un traje simple, su vestimenta suele ser colorida y detallada, “con mucho estilo”.
Su estilo de dibujo es muy meticuloso y detallado, sobretodo en cuanto a las expresiones emocionales y la vestimenta de los personajes que así lo requieran (como, por ejemplo, los históricos).
Cuando está muy cansada para seguir dibujando sus mangas, Akiko toma una pequeña siesta en su mesa personal de trabajo.
Ha llegado a trabajar con más de una decena de ayudantes para que entinten y perfilen 100 páginas de mangas distintos durante un mes.
Pese a lo atareado de su rutina, Akiko no pierde su sentido del humor.
También les recomendamos ver el video de Oriol Estrada Rangil, máster en Estudios de Asia Oriental, donde nos comenta su crítica sobre las obras de la mangaka en mención:
Devuelta a la… ¿rutina? ¿La “nueva normalidad”? La sola idea del regreso al trabajo y el tráfico, y buscar mil formas de subirnos el ánimo: ver de camino al trabajo guarde el celular, que viene el choro o ya en casa una serie, película o anime. Por eso, el día de hoy analizaremos Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru, dos series que parecen haber retratado casi a la perfección ese sentimiento de estrés y preocupación por la vida adulta.
Aggretsuko, o Agressive Retsuko (アグレッシブ烈子), es una franquicia basada en el personaje (un panda rojo antropomorfizado) creado por Yeti para la compañía Sanrio. Contó entre abril del 2016 y marzo del 2018 con una serie de cortos animados, y estrenó un anime de dos temporadas en Netflix en abril del 2018. Se centra en la vida de Retsuko, una oficinista que debe lidiar con las normas y jerarquías de la compañía. Estas, basadas en prejuicios absurdos, provocan en ella un estrés tal que su única forma de desahogarse es escapar al baño o al karaoke, y cantar heavy metal. En este deseo por solucionar su inconformidad en el trabajo es que decide buscar un novio y casarse. Sin embargo, a medida Retsuko se abre y confía en sus demás compañeros de oficina, esta opinión sobre el matrimonio madurará.
Rilakkuma y Kaoru es una serie en stop-motion de Netflix estrenada en abril del 2019 y cuenta con 13 episodios. Basada en la franquicia creada por San-X, su nombre es una unión de las palabras relax (リラックス, rirakkusu) y oso (熊, kuma), y cuenta tanto con mercadería como videos promocionales. Se centra en Kaoru, una oficinista que trabaja para una pequeña compañía y siente que, a medida pasan los años, su familia, compañeros y amigos la van dejando de lado. En este sentimiento de soledad es que encuentra un día a Rilakkuma, un oso flojo y dormilón que entró a su departamento y decidió instalarse ahí. Y al poco tiempo llega Korilakkuma, una pequeña osa que le encanta jugar. De esta manera, la serie explorará la convivencia entre Kaoru, su mascota Kiiroitori Rilakkuma y Korilakkuma, y el apoyo que entre ellos se brindan.
Lo interesante de ambas animaciones es que presentan como tema en común cómo es ser adulto en la sociedad japonesa, así como las normas, expectativas y sentimientos que estas dos producen en sus protagonistas.
La multiplicidad del “yo” y el jōshiki: “sentido común” y adultez en la sociedad japonesa
Para entender cómo ambas series representan y apelan a los problemas de la adultez en Japón tomaremos en cuenta a autores como Wim Lunsing y Sharon Chalmers, quienes desarrollan la tesis de que la sociedad japonesa, a través de sus roles, jerarquías y sistema legal provocan la exclusión de determinados sujetos.
Desde la juventud se le inculca al sujeto el jōshiki o “sentido práctico”, lo que se considera como “apropiado” y “normal”. En ese sentido, por ejemplo, se concibe el matrimonio como algo “natural” (shizen), un acontecimiento del cual se sirve el individuo para reafirmar ante la sociedad que ya es un adulto completo (ichininmae no shakaijin) o una adulta completa (ichininmae no onna). Con ello se traza una clara diferencia con las personas solteras, a las que se considera como hanninmae (“personas incompletas” o hasta “imperfectas” –mikon-). Dentro de un sistema de roles definidos, el matrimonio permitirá a los hombres demostrar que son adultos al proveer de bienes a su familia, y las mujeres a través de la maternidad y el ejercicio del rol de amas de casa.
El matrimonio como evento importante y que marca la adultez en Japón. Vía Nippon.com
Si bien los roles se han flexibilizado en los último años, y vemos tanto a hombres como mujeres en la esfera laboral, sigue existiendo un sistema -la familia, el trabajo, los medios de comunicación, las revistas especializadas, entre otros- donde se persuade a la mujer sobre la importancia de una crianza cercana de los hijos con el fin de evitar en ellos malas experiencias o problemas psicológicos. Asimismo, normas sociales implícitas invitan a que a estas labores se sume la del cuidado de los padres.
En ese sentido, el desarrollo exitoso de los hijos sería reflejo de una buena crianza por parte de la madre y una estabilidad en el hogar, lo cual repercute de manera positiva en la imagen social que proyecta la cabeza de familia (el padre). Con ello se busca encaminar a la mujer para que cumpla el rol de “buena madre” y “buena esposa”, ya sea dedicándose de manera exclusiva a ser ama de casa o, de ser necesario, en trabajos de medio tiempo que le permitirán luego dedicarse al hogar (1). De ser exitoso este modelo, se proyectará la imagen de una sociedad japonesa “estable”.
Los roles y la conformación de la familia japonesa. Vía Wikibooks
Otro concepto que deberán manejar los sujetos será la diferenciación entre el uchi y el soto. El uchi es lo interno, y en este se evocan sentimientos de privacidad, protección, seguridad y pertenencia. Además, es el espacio donde uno puede expresar sus verdaderos sentimientos (honne), e invita al relajo, la informalidad y al comportamiento casual. Por otro lado, el soto es lo exterior, donde se invita a camuflar los sentimientos y brindar una apariencia al exterior (tatamae) (2). Esto hace que el sujeto exprese el self de manera múltiple (3).
Los “otros” silenciados: el trato a las familias “disfuncionales”
Sin embargo, en la sociedad japonesa, todo individuo que sale de las normas será considerado como “anti social”. En una sociedad que evita que los sujetos resalten, esta “marca” supone un estigma, lo cual provoca que el individuo sea alienado, separado y hasta señalado con respecto a los otros miembros del grupo.
Tanto las mujeres sin esposo como las madres solteras se encuentran frente a una sociedad donde no pueden adquirir ni alquilar vivienda de manera fácil. Esta restricción se debe a las pocas oportunidades laborales que tienen, ya sea porque solamente pueden adquirir trabajos de medio tiempo o por la poca posibilidad de ascenso. Esta discriminación laboral se debe a que las empresas consideran a las mujeres como personal de paso, que solo se mantendrán hasta el matrimonio -demás está decir heterosexual-.
La «cultura del rechazo» hacia las madres solteras en Japón. Vía The Washington Post
Asimismo, los hijos de madres solteras o divorciadas sufren de discriminación por parte de la escuela y de sus compañeros. En el primero porque, para inscribir a un niño o niña en la escuela este debe estar registrado en el sistema familiar o koseki, y por parte del segundo, cuando los niños ven en actividades escolares la ausencia del padre. Además, existe el prejuicio de que estos niños sin padre causarán problemas. Ante este contexto, han surgido organizaciones de apoyo a madres solteras o de mujeres separadas que entre ellas se brindan apoyo, ya sea en el cuidado de los hijos como el brindar vivienda.
Por último, cabe resaltar que en este panorama la diversidad sexual tampoco bienvenida. Si bien hace unos años se ha legalizado el matrimonio LGBT en algunos distritos de Japón, la existencia de una inequidad económica provoca que algunas sexualidades divergentes, como el lesbianismo, sean sumamente marginadas. . En el caso del lesbianismo, el marcado sistema de roles y la concepción de que la adultez se alcanza con el matrimonio crea la imagen de las lesbianas como “inmaduras” e “incompletas”, ya que no cumplen con el papel de madre ni esposa. Incluso serán silenciadas en el discurso político, lo cual perpetúa una inequidad legal y económica que se verá reflejado en la dificultad para adquirir una vivienda o estar protegidas en caso sean expulsadas del hogar.
A partir de lo expuesto anteriormente es que el espectador podrá tener una mejor idea de las problemáticas retratadas en Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru, dos series que reflejan el sentimiento de la adultez en el Japón contemporáneo.
“KILL ’EM ALL!!!”: la inestabilidad laboral y emocional en Aggretsuko
Aggretsuko nos presenta a Retsuko, una empleada “dulce, obediente y responsable” de 25 años y soltera, quien finge estabilidad en todos los ámbitos de su vida: desde el laboral hasta el emocional y de pareja. Y como todos los que hemos visto la serie, ya sabemos cuál es su forma de desahogarse:
DEMOLER, DEMOLER la estación del tren. La única salida que encuentra Retsuko para su estrés es escapando al karaoke y cantando
En primer lugar, tenemos el retrato del ambiente laboral. Específicamente, una alusión al ideal del “sarariiman” -o asalariado- y la sacralización de las empresas en la economía japonesa. Este espacio es un segundo “hogar” para el sujeto, donde se reproducen las jerarquías propias de la sociedad. En este sentido, se considera que el individuo está en deuda con la empresa, ya que este invierte en la formación de él.
Este trabajador será considerado como un “nuevo samurái” o “guerrero corporativo”, quien da la vida por la empresa y, por qué no, por el bien de la sociedad y la economía del país. Este discurso lo podemos encontrar en Puko, amiga del colegio de Retsuko, quien agradece a la protagonista por su trabajo porque personas como ella son el sostén de la sociedad:
Una linda amistad, pero… Retsuko, ¿¡por qué cargas todo sobre tus hombros!?
Sin embargo, esta jerarquización incluye el traslado de las inequidades de la sociedad japonesa al ámbito laboral. Un ejemplo lo podemos encontrar en el trato que tiene el director Ton -quien se insertó a la vida laboral en 1987, en pleno auge de la burbuja financiera e inmobiliaria en Japón- hacia las mujeres del área de contabilidad. Él espera que las mujeres limpien su escritorio, coloquen flores y surtan con agua su hervidor. De esta manera se trata de imitar un modelo de servidumbre y ama de casa en la oficina, lo cual demuestra un inherente machismo en las relaciones laborales, especialmente por parte de trabajadores mayores (la mayoría de veces, jefes) hacia las más jóvenes:
Las mujeres inútiles son mejores que las mujeres competentes
Directo Ton (T.1, cap.1)
¿Cuánto dinero ha invertido esta empresa en su formación?
Director Ton (T.1, cap.3)
Otro ejemplo de misoginia y una cultura laboral que invisibiliza casos de abuso de poder y misoginia es el del Director General, quien duda si es real la queja hacia el director Ton, y argumenta que hoy en día los empleados se quejan por todo. Solamente cederá ante ese problema cuando se ve amenazado por Washimi, su secretaria y amiga de Retsuko.
Y al ser la oficina un ambiente jerárquico, requerirá de otro que permita a sus trabajadores -tanto jefes como empleados- entablar relaciones horizontales y expresarse abiertamente. Este espacio será el de las fiestas con bebida. La participación en estas, según Sharon Chalmers, es una muestra de aceptación, apertura y satisfacción por parte del empleado; no unirse significa rechazo, un acto de desafío y un signo de alienación. Si bien Retsuko no concibe su asistencia a las fiestas como importante, especialmente si no se siente satisfecha con el ambiente laboral, Washimi y Gori -amigas de la oficina y del yoga- le enseñan la finalidad de este: el poder entablar un diálogo sincero con sus compañeros y con el director sobre lo que le incomoda.
La fiesta con bebida como espacio donde Retsuko puede conversar «sin accidentes» con el Director Ton
Este será un punto de inflexión para Retsuko, ya que a partir de este momento será un poco más abierta con sus sentimientos, y el espectador entenderá las razones detrás de la sobre exigencia de Ton hacia los empleados más jóvenes (aunque eso no resta muchos de sus prejuicios). Sin embargo, todavía hay un elemento en la vida laboral que la protagonista debe superar: la confianza y comunicación con sus demás compañeros.
En ese sentido, la aparición de Anai, el nuevo integrante de la oficina, será importante. Él representa el temor que sienten los jóvenes al ingresar al “mundo adulto”. Este miedo reside en la presión y el “exceso de trabajo”. Y aunque el pánico de Anai está justificado -recordemos las noticias de trabajadores que fallecen o se suicidan por la sobrecarga laboral (karoshi)-, tendrá paz cuando encuentra su lugar en la oficina y sea reconocido por su habilidad en la cocina. Esto le permitirá abrirse a los demás y trabajar de manera eficiente en la oficina.
Las dos caras de Anai. Kowaidesu ne 〣( ºΔº )〣
Gracias a su relación con la protagonista, ambos aprenderán a establecer estrategias comunicativas con sus compañeros, identificar sus habilidades y confiar en ellos, ya que ese apoyo mutuo será la clave para el éxito de la empresa y crear un mejor ambiente laboral.
“DU HAS(S)T”: ¿felices por siempre? Familia y matrimonio en Aggretsuko
Cuando parece que la vida de Retsuko ha encontrado un equilibrio, regresa con fuerza un problema que era constante en la serie: la búsqueda de la protagonista por un novio, con el cual pueda contraer matrimonio y establecer una familia.
Desde la primera temporada pudimos ver cómo Retsuko percibía el matrimonio de manera idealizada: primero como una forma de escapar del trabajo, con Resasuke, luego como una forma de “madurar” antes de que “se le pase el tiempo”, con Shirota. Pero será en la segunda temporada, cuando conoce a Tadano, que la protagonista reafirmará que esto es algo que ella realmente desea (y ya no es producto de la imposición social).
La segunda temporada será vital para el desarrollo de las relaciones interpersonales en Retsuko. Por un lado, uno de los personajes que más urge a la protagonista a pensar en la familia y en el matrimonio es su madre:
De tal palo, tal astilla
Ella argumenta que el matrimonio es parte de la “realidad”. Con ello no solo apela al “sentido común” o jōshiki,del cual hablamos al inicio del artículo, sino también a la carga social que esta trae: un símbolo de “madurez” para la mujer y una “fuente de apoyo” (económico y a través de los hijos) en el futuro.
Lo digo como tu madre y nunca me equivoco
Madre de Retsuko (T.2, cap.1)
En una sociedad donde se espera que el hijo o hija no realicen actos que desagraden a la madre, la omisión de casi todos los consejos que le brinda resulta un acto de rebeldía e insatisfacción hacia las normas y prejuicios que existen en el imaginario social. Si bien al inicio accede a salir con Shirota, un funcionario público -con trabajo estable y socialmente aceptado- que es presentado como amigo de la familia, enamorarse de Tadano representa un nuevo desafío -de manera inconsciente- hacia la idea de estabilidad que tanto le insistía su madre a lo largo de la temporada.
Retsuko y Shirota. Mujer, ¿qué haces ahí?
Retsuko y Tadano se conocen en la escuela de manejo. Ella lo considera un “poco infantil”, y lo relaciona a su estatus de desempleado. No obstante, a medida conoce al personaje, descubre que es dueño de una empresa que optimiza a las compañías a través del uso de una inteligencia artificial. Él representa una forma alternativa de vivir a la que dicta el “sentido común”: no tiene vivienda fija -vive en su limosina y ahí trabaja-, es dueño de una exitosa empresa pese a que no aparenta serlo -ahí entra la importancia del traje o ropa en la sociedad japonesa como una forma de designar el estatus y trabajo-, y rechaza la importancia del matrimonio.
Y pese a que ambos están enamorados el uno del otro, el rechazo tajante al matrimonio por parte de Tadano, y la imposición de esta idea sobre Retsuko, supone un punto de quiebre en su relación. Aunque él propone unos cambios en la sociedad que pueden resultar interesantes -especialmente porque promete una reforma en el sistema económico que exalta a las empresas-, suponer que todos lo aceptarán es un error de su parte. Su incapacidad de tranzar o entender el punto de vista de Retsuko, cuando ella necesita ser escuchada y entendida, supone el fin de su relación.
Love is in the air
Finalmente, vale la pena detenerse brevemente en la elección de presentar una historia sobre el mundo laboral japonés y la búsqueda del matrimonio con personajes animalizados. La animalización es una figura literaria donde se le dota a los seres humanos de cualidades propias de los animales (3). El objetivo de esta es ligar al ser humano con la naturaleza para demostrar el caos de la sociedad -recordemos nuestro análisis de Mononoke Hime, donde se reflexionó sobre cómo Occidente contrapuso lo “civilizado” con la esfera natural-, y reflejar las jerarquías sociales y la inamovilidad del sujeto. Como Aggretsuko se centra en las jerarquías propias de la sociedad y el mundo laboral japonés, donde parece que la vida está predeterminada por las normas, simplemente parece que el recurso de la animalización se conjuga de forma perfecta con la trama.
Rilakkuma y Kaoru: la construcción de una “familia extendida”
Para los que ya éramos fanáticos de Rilakkuma no nos son raras las animaciones de este: personajes que presentaban, mes a mes, una temática sobre la cual girarían los nuevos productos de la marca. Se trataba, entonces, de una franquicia usaba la animación para generar un consumo. Sin embargo, ¿qué es lo que nuevo que propone esta serie?
Yo me relajo, tú te relajas, él/ella se relaja, nosotros nos relajamos
Esta se centra en Kaoru, oficinista que está en edad de casarse y, sin embargo, vive sola en su departamento, junto con Rilakkuma, Korilakkuma y Kiroitorii. La protagonista no se trata de un personaje nuevo en la franquicia: es aquel que busca generar una identificación con el consumidor. Al ser el público original uno femenino, muchos de los problemas que se señalan en la serie están dirigidos a los que atraviesan las mujeres en la sociedad japonesa.
A lo largo de los capítulos Kaoru sentirá cómo es dejada de lado por su familia y sus amigas, con lo cual se genera un sentimiento de soledad, y se identifica la necesidad de crear vínculos de cercanía y confianza con otras personas. En ese sentido, la aparición de Rilakkuma y Korilakkuma no solo permitirán a la protagonista romper con la rutina, sino también tener a alguien con quien reflexionar sobre sus problemas.
Un primer punto a analizar es el de la amistad entre mujeres. El primer capítulo nos presenta esta como un lazo que en algún momento fue fuerte. Sin embargo, esta relación de “familia extendida” que podría establecerse entre Kaoru y sus amigas de la universidad es retratada como inestable y pasajero. Este encuentra su fin cuando la mujer se casa; a partir de este momento ella pasará tiempo con los hijos, con el esposo, y con los amigos y familia de este.
La imagen de los cerezos en el primer capítulo será importante para entender el mensaje que se irá construyendo a lo largo de la serie: si bien los años “deseables” para que una mujer contraiga matrimonio van quedando atrás, Kaoru sigue manteniéndose vital y aprendiendo sobre sí misma. En ese sentido, no tiene por qué sentirse como un “desecho” de la sociedad (5).
Kaoru y compañía contemplando lo efímero de la belleza en el árbol de cerezo
Un segundo elemento a tomar en cuenta es la relación que Kaoru tiene con su familia. Kaoru, como hija, es vista de manera utilitaria: ya que Satoko, la esposa de su hermano, no se lleva bien con la madre, le insisten que regrese y ponga paños fríos entre las dos. Esto se debe a que la madre y su cuñada no coinciden en el rubro que debería desarrollar la granja familiar. No obstante, cuando el negocio propuesto por la última va bien, la relación entre las dos mejora, y de manera explícita le piden a Kaoru que ya no regrese.
De esta manera se puede identificar que las hijas mujeres en Japón o las esposas de los hijos son percibidas como aquellas que deben estar al cuidado de la madre del esposo. Con el matrimonio, se considera que la mujer entra a formar parte de la familia del esposo, por lo que es importante que tenga una buena relación con la suegra y le sirva en todo lo que necesita. Kaoru, quizás consciente de este sometimiento hacia su familia, desea no regresar a su pueblo porque quiere ser libre de la casa familiar.
En ese sentido, en el último capítulo, cuando el mismo hermano, le pide que no regrese al pueblo, le está otorgando de manera simbólica -como la cabeza de familia– la libertad para que siga viviendo en Tokio.
Asimismo, podemos ver en la serie una exposición sobre las dinámicas familiares en Japón. El capítulo dos nos presenta a Tokio, un niño que vive en el mismo edificio que Kaoru, y vive solo con su madre, quien está todo el día en el trabajo. Cuando le preguntan por su padre, opta por el silencio. Este puede ser señal de vergüenza, ya que una mujer sin esposo tiene una posición inestable en la sociedad japonesa, y los niños sin padre son vistos como “diferentes”.
Es así como la serie presenta en Tokio a otro personaje que es apartado por la sociedad y que, gracias a la compañía de Kaoru, Rilakkuma, Korilakkuma y Kiroitorii -su familia extendida- podrá encontrar hogar (uchi), aquel lugar seguro donde puede expresar sus verdaderos sentimientos.
La soledad de Tokio
Un último punto que la serie pone en cuestión es la del “sentido común”. Por ejemplo, cuando Kaoru le cuenta a Sayu, una compañera de su oficina, que desea adoptar un gato, esta le responde que es “sentido común” qué eso no es apropiado para una mujer soltera. Se trata de una norma implícita que, no obstante, Kaoru no aprendió ni le encuentra sentido. Con ello se muestra el absurdo detrás de algunas de estas normas y “sentidos comunes”.
Otro “sentido común” que se presenta al final de la serie es que “las cosas viejas son feas y de gente pobre”. Este discurso dicho por Tokio representa una forma de pensar extendida que rechaza lo antiguo con el motivo de mostrar un estatus y seguir promoviendo el consumo. Sin embargo, Kaoru le señala que en realidad hay que valorar los objetos y los espacios por lo que son y lo que fueron, ya que son valiosos por la carga emocional que llevan consigo.
A partir de esta última reflexión es que nos encontramos con una serie que busca rescatar lo antiguo y que invita a respetar cada etapa de la vida. En otras palabras, no todo lo antiguo debe ser desechado ni visto como inútil, y no se debe apresurar a que las mujeres contraigan matrimonio, ya que la vida es un proceso de aprendizaje y valoración de uno mismo.
Bye-bye, Rilakkuma ( ; ω ; )
Un balance final
Por lo tanto, Aggretsuko y Rilakkuma y Kaoru son dos series animadas en Netflix que presentan la problemática de la adultez femenina en Japón. Si bien en ambos hay una persistencia en la búsqueda del matrimonio -sin presentar una solución o alternativa a dicha imposición-, se invita al espectador a respetar los tiempos en los que cada sujeto opta por casarse. Incluso se llega a sugerir, a través de personajes como Washimi, que el matrimonio no es para todas las personas.
Es interesante cómo en los últimos años hay varios animes que abordan esta temática. Además de los analizados el día de hoy, otros que también abordan la adultez son Wotakoi y Kobayashi-san Chi no Maid Dragon. Al tema de la madurez y la vida laboral, se suma el de la identidad fan u otaku, y cómo esto no anula la sexualidad. Estos animes valdría la pena analizar en una siguiente ocasión.
NOTAS:
(1) Frente a esta problemática, hay animes como Love Live! que optan por anular la presencia masculina o del padre para prolongar o suspender la obligación del matrimonio. Se trata de un mundo alterno -que en una primera impresión da la apariencia de un girls’ power o liberación femenina- donde las mujeres pueden ocupar puestos de poder y altos en el trabajo, ya que no hay presencia masculina. De esta forma lo representado en el anime no choca con las nociones de verosimilitud -verdad, realidad- del público japonés.
(2) Quizás podemos establecer algunas semejanzas con el principio del rostro o miànzi, vistos en el análisis de Their Story.
(3) En otras palabras, el individuo tiene diversas formas en las cuales puede hacer “autorreferencia” o se concibe a sí mismo.
(4) Ejemplos en la literatura lo podemos encontrar en La ciudad y los perros de Mario Vargas Llosa y en el cuento Bestiario de Julio Cortázar, o en el cine en Zootopia.
(5) Las mujeres solteras han sido consideradas en Japón como un lastre para la sociedad. Esa discriminación se puede apreciar en mayor medida hacia las “viudas de la guerra”, mujeres mayores que en su momento no pudieron contraer matrimonio debido a la gran tasa de mortalidad masculina durante la Segunda Guerra Mundial. Un ejemplo de esta discriminación hacia las mujeres solteras de la tercera edad lo podemos encontrar en uno de los episodios de Flip Flappers.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Lunsing, Wim. 2001. Beyond Common Sense. Sexuality and Gender in Contemporary Japan. Nuevo York: Routledge.
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
No había pasado mucho desde que Miura Kentarō había empezado a publicar Berserk y hasta ese momento había mantenido muchos de los rasgos propios de un manga dirigido al público masculino. Su máximo referente era la obra de Buronson y Tetsuo Hara, Hokuto no Ken (también conocido como Fist of the North Star o El puño de la estrella del norte) y su arte se enfocaba en la acción y la violencia de la historia de Guts. No obstante, mientras trabajaba con el mismo Buronson en las obras que ilustró para él (Ōrō, Ōrō Den y Japan), Berserk llegabaa un punto crucial para que los lectores se identificaran con el protagonista, así que Miura decidió dar un giro en su aproximación a su propio manga. Allí entra en escena la historia de nuestra querida Oscar.
En una entrevista del año 2017, el autor confesó ser fanático del manga shōjo y señaló que le interesaba mucho la manera cómo se retrataban las relaciones y emociones tristes y dolorosas en las obras dirigidas a esta demografía, entonces, mencionó la influencia de La Rosa de Versalles. Había llegado el momento de contar por qué Guts quería vengarse de Griffith y al mangaka no le gustaba la idea de pequeños flashbacks dentro de la historia principal, pues pensaba que eso podría resultar en sólo dar información al lector antes que en expresar los sentimientos de los personajes. En consecuencia e inspirado en la historia de Lady Oscar, creada por la autora Ikeda Riyoko, y en otros títulos como el dramón Kaze to Ki no Uta de Takemiya Keiko, Miura dio vida a El Arco de la Edad de Oro desplegando todo el desarrollo de historia que consideraba que era necesario.
Fuente: Young Animal Comics/Hakusensha/ Shūeisha
Siguiendo el ejemplo de las autoras, Miura dedicó un poco más de 10 volúmenes publicados a lo largo de cerca de 6 años para crear un arco que por sí mismo es un relato potente emocionalmente en el que presenta el duro pasado de su protagonista, hace que el lector simpatice con sus compañeros de la Banda del Halcón y construye con especial cuidado la amistad entre Guts y Griffith. Esto deriva en un profundo compromiso sentimental por parte de la audiencia, así que cuando llega al trágico punto climático—el fatídico Eclipse—da un golpe de gracia directo al kokoro. El propósito era que los lectores pudiesen sentir la misma ira de Guts para que entendieran su deseo de venganza y fue tal la reacción del público que muchos dejaron de leer Berserk después del fin del arco y La Edad de Oro se convirtió para muchos en la mejor parte de toda la obra. En una entrevista del año 2000, el mismo Miura confesó que él mismo terminó deprimido cuando el destino de sus personajes quedó sellado. No es difícil imaginarlo y relacionarlo con la misma desolación que sentimos muchos al final de La Rosa de Versalles, otra historia que no es ajena al kokoro.
Posteriormente, el resto de Berserk y el arte del mismo mangaka mantuvieron esa influencia que incluía una mayor delicadeza en el dibujo y énfasis en la expresión de emociones propio de la obra de Ikeda. Además, Miura mencionó que el personaje de Serpico, el sirviente medio hermano de Farnese, está basado en André, el devoto interés amoroso de Oscar y muchos fans han encontrado paralelos entre la misma protagonista y Griffith en cuanto a su diseño de personaje y su androginia. Las vinculaciones han llegado a tal punto que incluso el autor señala que para él tiene sentido que consideren a su obra en parte como un manga shōjo.
Al inicio del manga Ao no flag, el protagonista se plantea la siguiente pregunta: ¿Amor o amistad? Al respecto, en abril de este año, se publicó su capítulo final y hubo una serie de reacciones diversas debido a que el personaje principal, Ichinose Taichi, rompe con su novia de la secundaria, Kuze Futaba y, cuando es adulto, se le ve en una relación amorosa con Mita Touma, su mejor amigo de la infancia. Este cierre fue una sorpresa para muchos (grata para unos y no tan grata para otros), pues no es usual en los cómics de la popular Shonen Jump. No obstante, si bien su última entrega es una respuesta a la pregunta inicial, esta es más profunda de lo que parece y propone una mirada interesante del paso a la adultez en la cultura japonesa.
Fuente: Shūeisha/Ivrea
“En esta época jodidamente complicada, los tres acabamos en la misma clase”
Ao no flag es un manga de la autoría de Kaito que empezó a publicarse en febrero del 2017 en la plataforma digital japonesa Shōnen Jump + y desde enero del 2019, está disponible también en la aplicación MANGA Plus. La premisa de esta historia parte de que la estudiante Futaba está enamorada de Touma, otro estudiante, así que le pide ayuda a su compañero Taichi, quien lo conoce desde la infancia, para acercarse más a él, pero en el camino, Taichi se enamora de Futaba y los dos ignoran a quién ama Touma. A muchos no les atrajo la historia al inicio, pues parecía confundirse con el estereotípico triángulo amoroso de un drama escolar. Sin embargo, lo que se revela es un retrato complejo de la llamada aoi haru o seishun, expresión japonesa que se puede traducir como la primavera azul (de ahí el nombre del manga, bandera azul) y que se refiere a los últimos años en la escuela o la adolescencia, que también puede entenderse, según Wesley H. W. Tong, como el mejor momento de la vida que cada vez se vuelve más adulta.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Para Manuel Hernández Pérez, siguiendo la teoría narratológica de Seymour Chatman, además de las acciones realizadas por los personajes, la ambientación o settings es otro elemento imprescindible para toda historia e implica tanto tiempo como espacio. La escuela japonesa no es un escenario ajeno para las historias shōnen, donde no solamente vemos los salones de clases, los patios o los jardines, sino que acompañamos a los estudiantes en las actividades extracurriculares, los festivales deportivos o las excursiones. No obstante, la ambientación que propone Ao no flag se nutre de la comedia y las tribulaciones internas de los personajes en esta etapa de sus vidas y ello hace que el lector sienta de forma más intensa sus conflictos.
Tomando como punto de partida el concepto de focalización de Gerard Genette, Hernández-Pérez lo aplica al caso del manga y resalta el empleo de dibujos chibi o SD, los bocadillos de pensamiento y las narraciones autodiegéticas de los personajes focalizantes como elementos que construyen la perspectiva de los personajes. Adicionalmente, se reconocen el empleo de analepsis internas, definidas por Gaudreault y Jost como un viaje al pasado dentro del mismo relato, para demostrar la constante reflexión sobre los hechos ocurridos por parte de los jóvenes personajes. Eso es justamente lo que puede encontrar el lector de Ao no flag, quien consigue experimentar la vida escolar con una mirada realista a los dilemas internos que la componen.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En el caso específico de los tres personajes principales y del resto del cast, están en el último año del bachillerato, así que el contexto escolar como setting se dinamiza aún más como detonante de las acciones de los personajes al componer una época de un importante impacto para su futuro. Yoneyama Shoko enmarca el ingreso a la universidad en la súpermeritocracia japonesa en el que las universidades a las que uno puede ingresar dependen del senior high school al cual ha atendido y, Park HyunJoon y Gary Sandefur agregan que, del mismo modo, ello determina las empresas que pueden contratarte siendo el juken (tomar el examen de admisión) un momento crucial en la transición a la adultez. Este escenario sumado a la rigurosidad de las escuelas japonesas, aterriza la historia de amor, pues si bien se ve florecer la relación amorosa entre Futaba y Taichi, al mismo tiempo que se refuerza la amistad con Touma, estos vínculos se enfrentan a las dificultades personales de la realidad.
Las inseguridades de Futaba y Taichi sobre sí mismos se trasladan a su decisión de carrera frente a lo cual temen equivocarse y ser criticados por los demás, al mismo tiempo, hay tensión entre ellos por la posibilidad de separarse y mantener una relación a distancia cuando elijan sus universidades. En el caso de Touma, debe lidiar con la preocupación de su hermano mayor, Seiya, y de Taichi sobre su decisión de no ir a la universidad, que contrasta con la elección que todos esperan de él, pero que no corresponde con sus deseos. La experiencia interna de estos conflictos se expresa desde los bocadillos de pensamiento, las narraciones autodiegéticas y las analepsis. De este modo, las decisiones vinculadas al amor y la amistad no son tan idílicas como parecen, sino que a veces son difíciles, pues se vinculan con las metas y sentimientos personales de los individuos que, en este caso, son adolescentes que aún tratan de conocerse más a sí mismos para decidir sus caminos, pero que TIENEN que decidir ya porque el tiempo no se detiene.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
“Has decidido quién soy por mi apariencia”
Al igual que la elección profesional, la ambientación de Kaito y su trabajo desde la focalización acerca al lector a la dinámica entre los estudiantes, la cual ejemplifica muchos rasgos socio-culturales de Japón que, según Mio Bryce, incluyen a la competencia y el control que él condensa en el tate shakai (sociedad vertical). El autor señala que las relaciones sociales en Japón se guían por la jerarquía o verticalidad dentro de los grupos sociales, lo que conlleva al constante reforzamiento de las normas del grupo en contra de la individualidad así como la constante vigilancia entre los miembros del grupo para cumplir el rol de cada uno. En resumen, ser adulto implica adaptarse a este status quo y poder lidiar con el conflicto interno que conlleva. Una de las razones por las que Futaba se enamora de Touma es justamente porque él entiende esa preocupación que también atormenta a la chica: ¿Por qué yo no puedo adaptarme como los demás?
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
El tate shakai se encuentra fuertemente relacionado con el tatemae (fachada social) y el honne (sentimientos personales) siendo el primero clave para la integración en el grupo y evitar ser sancionado. Touma es un ejemplo de alguien con un profundo conflicto acerca de su tatemae, pero que trata, en un inicio, por todos los medios de encubrir su honne. Desde el diseño de personaje y también en la parte de su comportamiento que forma su tatemae, Touma representa una masculinidad ideal que se confirma a partir de la visión de Taichi y de sus amigos que se sienten en un nivel inferior al compararse con él. Eso hace que, por un lado, se le asocien toda una serie de rasgos que no necesariamente corresponden con su personalidad y que se le restrinja salirse del rol.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En comparación con él, tanto Futaba como Taichi se sienten inferiores, incluso el segundo llega a odiarse a sí mismo, porque no se gusta y siente envidia contra su amigo, lo que derivó en el distanciamiento de ambos después de la primaria. El protagonista cree que Touma lo tiene todo fácil y que desperdicia su potencial al no ir a la universidad, pero, como lo demuestra la misma historia, el concepto de felicidad de Touma está muy lejos de lo que piensan sus pares. A pesar de las restricciones del tate shakai y de las críticas que a veces reciben Futaba y Taichi por estar cerca de Touma al pertenecer a distintos estratos de la popularidad escolar, el manga retrata sus intentos por cambiar dentro de las reglas, por demostrar su individualidad tratando de salir del conformismo para construir las memorias de su último año escolar.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Además de la focalización durante la historia, Kaito dedica capítulos íntegros al dilema de alguno de sus personajes remarcando aún más la identificación del lector con el punto de vista del mismo y ese es el caso de Yagihara Mami, una estudiante que, como Futaba, también está enamorada de Touma. Ella representa un caso particular, ya que aun cuando trata de mostrar su honne al mostrarse genuinamente entusiasta a tener amigos y construir una relación de confianza con ellos, es tachada por una visión estereotipada de su tatemae. Al ser bonita, ir siempre bien vestida y ser franca con sus pensamientos y sentimientos, es vista por las chicas como un posible peligro para sus novios y por los chicos como una provocadora u objetivo de romance.
De este modo, se cuestiona la imposibilidad de la amistad entre hombres y mujeres, al darse mayor importancia al rol de chico y chica por sobre el de persona. Shingo y Mami son amigos y no se ven como intereses amorosos, mientras que Kensuke no puede ver a Mami de otra forma que no sea como un objetivo romántico. Esas dos situaciones amplían el debate sobre los roles sociales y las posibilidades de vínculos entre las personas a partir de ellos, lo que evidencia la rigidez de los prejuicios del tatemae y el tate shakai para limitar a los individuos desde etapas tempranas y que son parte de ese marco social en el que también se vive el amor y la amistad en la adolescencia y la adultez.
Fuente: Akihabara Station/Ivrea/Shūeisha
“Quiero vivir con libertad”
Tras la publicación del capítulo 5 de Ao no Flag, el manga se volvió trending topic en Twitter en Japón y, precisamente, al final de ese episodio, Masumi le revela a Touma que ella sabe su secreto, que es igual a ella. Con ese simple texto, se revela el honne de Touma y de Masumi a la audiencia: ambos están enamorados de sus correspondientes mejores amigos, Taichi y Futaba. Como señalan Gaudreault y Jost, el orden es una de las variables narrativas con las que cuenta el enunciador para construir su texto y ello es un interesante punto de partida desde el cual interpretar el hecho de que se le haya dado una ventaja de conocimiento a los lectores sobre el interés amoroso de Touma, pero recién esto es conocido por Taichi 36 capítulos más tarde. Mientras tanto, es innegable el impacto emocional que construye Kaito cuando el público puede leer las acciones de Touma desde el amor que siente por Taichi (quien no sabe nada) y reconoce su predicamento al estar con él, a evitar revelar cualquier indicio de sus sentimientos en sus conversaciones o al verlo con Futaba con quien desea que sea feliz. En resumen, Kaito pone a todos en el lugar del personaje para sentir su conflicto interno con él: tener que ocultar sus sentimientos.
Fuente: Shōnen Jump +/Shūeisha
De acuerdo con Marc López, en Japón, la masculinidad tradicional se construye en torno a conseguir empleo, casarse y tener hijos, pero las minorías sexuales en el marco social no reciben un rechazo abierto, sino más bien una invisibilización que Sam Shoushi, citado por López, denomina vivir en el mikage, es decir, en las sombras. Al respecto, Kakefuda Hiroko agrega que si no funciona ignorar a las minorías como las lesbianas, la sociedad las presiona al silencio. Cuando el secreto de Touma se revela en medio de un descuido que deriva en una pelea física con su amigo Kensuke en el colegio, detonan las reacciones de sus compañeros que expresan las distintas posturas ante la homosexualidad masculina generando un interesante diálogo que puede ser un punto de partida de reflexión para el público objetivo del manga: varones adolescentes entre 12 y 18 años, según Robin Brenner.
Por un lado, Kensuke quien encarna la masculinidad tradicional y ha sufrido acoso por parte de un sujeto antes, considera que las relaciones amorosas entre hombres son desagradales y emplea el argumento biológico (características físicas y corporales) para establecer una diferencia entre hombres y mujeres resaltando que él nunca podría sentirse atraído por un hombre y no es natural que sea así. Por otro lado, Shouko y Sayaka, amigas de Touma y Mami, muestran una postura opuesta, destacando el respeto a la vida privada de todos, el cuestionamiento a la afirmación de que las personas gay son necesariamente depredadores sexuales y que todas las diferencias físicas entre hombres y mujeres no se cumplen en todos los casos además que destacan la libertad e inevitabilidad de los sentimientos de las personas y que, como Kensuke no ha experimentado la misma situación de Touma, no entiende y, por eso, rechaza sus sentimientos y los odia.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En este punto, el discurso se podría haber decantado por darle la razón a Shouko y Sayaka, pero Kaito incluye una postura más, la de Shingo (otro amigo de Touma), quien subraya que ellas están tratando de imponer sus valores en Kensuke desacreditando sin más su punto de vista y atacándolo con la excusa de no discutir el asunto cuando el ser indulgente tampoco es una salida, pues así como Touma no puede evitar estar enamorado, Kensuke tampoco puede evitar sentir rechazo. Incluso, Shingo cuestiona la aproximación de las chicas a la pelea entre Touma y Kensuke, quienes como hombres, según él, estaban resolviendo sus problemas de manera masculina y saludable: con los puños (léase que Touma parece aún ser considerado masculino a pesar de su sexualidad). A partir de esta intervención, se pone en evidencia una crítica no a las posturas, sino al debate mismo sobre la homosexualidad y parece que se propone un cambio en el rumbo de la discusión cuando Taichi les pregunta a Shingo y a Kensuke, qué harán con Touma.
Antes de que todo saliera a la luz, Touma no pretendía revelar sus sentimientos a Taichi ni mucho menos hacerlos público, pues como lo señala más adelante era impensable para él que su mejor amigo lo amara como hombre y peor aún que pretendiera iniciar una relación con él y la razón de ello se relaciona con el honne y el tatemae, pero también con el uchi y el soto.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Uchi es donde las verdaderas opiniones, pensamientos personales o motivos reales son expresados.
Brian J. McVeig
Tamagawa Masami cita esta definición y la complementa señalando que se refiere al círculo más interno y cercano de familia y amigos, mientras que soto es lo opuesto, es decir, lo más público y externo. La revelación de la homosexualidad o la identificación con alguna otra orientación sexual en cuanto al soto ya ha sido referida, pero ¿qué hay del uchi? Durante el diálogo entre Akiko, la cuñada de Touma y Masumi, la segunda le dice que ella es feliz si las personas que le importan son felices, pero teme que si revela su secreto (que está enamorada de una mujer) no vayan a entenderla y no puedan perdonarla.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Precisamente, Tamagawa destaca que en la sociedad japonesa la homofobia en un sentido explícito y directo proviene del uchi, sobre todo de la familia que al ser un pilar social es el contexto en el que el odio o rechazo a la homosexualidad es expresada e internalizada. Es correcto decir que los tiempos están cambiando y que tanto Seiya, hermano mayor de Touma, como Kensuke (los que podrían oponerse) dan a entender que a pesar de sus opiniones propias, apoyarán al chico, pero de igual forma se entiende el temor de Masumi y el deseo de Touma de irse de su casa y trabajar para vivir por su cuenta, ya que ello constituye su felicidad:
Quiero ser capaz de decir que amo lo que amo, estar feliz cuando esté feliz y estar triste cuando esté triste. Que no me digan que hacer. No lastimar a nadie ni ser lastimado por nadie.
Touma
En resumen, Touma desea escapar de las nociones del tatemae y el honne, así como no preocuparse en expresarse a sí mismo en el marco del uchi o del soto y es muy probable que Masumi querría lo mismo. Sin embargo, ello es muy difícil a menos que escapasen de su sociedad, pero incluso así tendrían que distanciarse de los vínculos con su uchi, donde se hallan las personas que quieren. En ese sentido, el debate sobre la homosexualidad se aterriza a los vínculos personales del uchi, donde se cuestiona si se debe juzgar al ser querido por el rol que le es impuesto por la sociedad o por la persona que se sabe que es y que trata de construir su felicidad. Al respecto, Akiko señala:
Todo lo que podemos hacer es elegir el camino que creemos mejor. Como otros vean esa elección es su problema, aunque eso te duela, eso es algo ante lo que no puedes hacer nada.
Akiko
De este modo, una elección sobre el amor o la amistad para Touma y Masumi gravita en el soto, pero también en el uchi, de donde puede venir el apoyo como el de Kensuke, Shingo y Seiya o la comprensión, pero también el rechazo y el prejuicio.
“¿Qué opinas tú de mis decisiones?”
En las visual novels, una bandera se suele asociar con un evento que demanda una decisión por parte del usuario, la cual va a cambiar el rumbo de su ruta y puede también afectar la manera como lo ven las otras personas y un evento de ese tipo se puede asociar con la llamada primavera azul o seishun, de ahí una segunda interpretación del nombre de Ao no flag, bandera azul. En el comentado capítulo final del manga, Kaito nos muestra, como él mismo lo dice, el futuro que los personajes han elegido y partiendo del carácter cinemático de las viñetas en el cómic japonés, se puede señalar que el autor construye principalmente este episodio desde la ocularización. Gaudreult y Jost llaman ocularización interna primaria cuando la cámara refleja lo que ve un personaje cuya presencia se construye a partir de ciertas huellas en la imagen. En este caso, se eligió la mirada de Touma quien aparte de su mano, no se le ve ni se le escucha, sino que sólo se muestra lo que él observa.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Esta decisión fue vinculada por los fans, junto con el salto temporal, con un intento de censurar el desarrollo o exposición de la relación amorosa entre Taichi y Touma, pero es interesante analizar el efecto de esta decisión. Después de que se hace pública la homosexualidad de Touma en la escuela y de que este manifiesta su sueño de tratar de vivir en libertad en cuanto a lo que ama, esta empieza a formar parte de su tatemae, así que de todos los personajes, era el que había tomado la decisión que—en medio del tate shakai—iba a impactar más en su vida en sociedad. Al respecto, el capítulo 48 puede servir como un punto clave de interpretación del final, ya que también se construye con base en la misma ocularización, pero se centra en contar cómo Touma se enamora de Taichi y la angustia hacia la mirada social desde el soto que compone la escuela a la cual debe regresar el chico después de que todo ha salido a la luz. Sobre todo, a Touma le preocupan las reacciones y consecuencias para sus amigos, su uchi. En ese sentido, en contraste, el capítulo final muestra cómo el mundo de Touma se ve y se siente—desde su mirada—libre de esa angustia mientras comparte la felicidad que sus amigas, Masumi y Futaba, han elegido para ellas, y ve a Taichi, su pareja, incluso se deja entrever que Kensuke ha mantenido su vínculo y amistad con él después de tanto tiempo.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Asimismo, la elección de la mirada de Touma permite ver de una particular manera, la elección de Taichi. En el penúltimo episodio, Taichi señaló que aún no sabía qué era la felicidad para él, pero que parte de ella era su relación amorosa con Futaba y su amistad con Touma, pero años después Futaba está feliz casándose con otro hombre y Taichi está casado o comprometido con Touma, es decir, lo eligió a él y al mirar a su pareja se ve feliz. Como Taichi lo dice, dos años después del fin del bachillerato, él y Futaba decidieron terminar y en algún momento, posteriormente, se enamoró y tomó la decisión de comprometerse con Touma. Tomó una decisión durante su adolescencia que tuvo un resultado y cuando llegó el momento, en otra etapa de su vida, volvió a decidir. De esta manera, Kaito elabora un relato que apunta a señalar que el amor o la amistad son relaciones que se viven en medio de la serie de decisiones que componen la vida y que van desde la elección inconsciente de enamorarse o sentir cariño por una persona, hasta iniciar una relación pública en medio de una sociedad vigilante y las preocupaciones de cada individuo. Para Ao no flag, la bandera azul de la adolescencia enseña que ser adulto significa adaptarse a ese proceso de decisión, a la incertidumbre de no saber si te equivocarás, a la ansiedad sobre el qué dirán, al miedo a ser juzgado por los tuyos y a entender que la felicidad es algo que se construye pasando una y otra vez por esto, pero que puede alcanzarse.
Para los interesados Ao no Flag es una lectura más que recomendable y si desean conocer más del arte de Kaito, les dejamos su cuenta en Pixiv y bibliografía para profundizar sobre el tema.
Brenner, R. (2007). Understanding anime and manga. Westport, Irlanda: Libraries unlimited.
Park, H. and Sandefur, G.D. (2005), «TRANSITION TO ADULTHOOD IN JAPAN AND KOREA: AN OVERVIEW», Bass, L. (Ed.) Sociological Studies of Children and Youth (Sociological Studies of Children and Youth, Vol. 10), Emerald Group Publishing Limited, Bingley, pp. 43-73. https://www.emerald.com/insight/content/doi/10.1016/S1537-4661(04)10004-4/full/html
Muchas veces el manga retrata contextos distintos al japonés y nos permite aproximarnos a otras culturas. Ese es el caso de Otoyomegatari, también llamado Bride stories, de Mori Kaoru, que se centra en las tribus de las estepas centroasiáticas del S. XIX. Como su mismo nombre lo dice, cuenta la historia de distintas novias, es decir, mujeres que están casadas, que acaban de contraer matrimonio, están comprometidas o van a estarlo pronto. Cada una de ellas experimenta este evento social, personal, familiar y conyugal de manera particular al mismo tiempo que se nos dan detalles de las costumbres de estas sociedades. Eso puede ser chocante para algunos lectores debido a que pertenecemos a una cultura occidental a partir de la cual juzgamos todo, pero la autora trata estas diferencias sin morbo o exotismo, sino con sutileza y normalidad centrándose en el día a día de sus personajes.
Fuente: Norma Editorial/Enterbrain
La trama inicial es la de Amira, una joven de 20 años que ha sido enviada a casarse con Karluk, un niño de 12 años, para entablar una alianza entre sus clanes. Naturalmente, esto provocará toda una serie de complicaciones. Por un lado, el hecho de que ella es considerada muy mayor, así que tendrá menos años por delante para tener hijos y, además, ella tiene costumbres propias de las tribus nómadas, lo que a veces la convierte en una mujer demasiado audaz o diferente para la tribu de su esposo. Por otro lado, Karluk tendrá que demostrarse a sí mismo, a su familia y a la tribu de su esposa, que a pesar de su corta edad, puede y debe ser un hombre capaz de protegerla y ser el jefe de su propio hogar, al mismo tiempo que, como ella, debe acostumbrarse a su nueva vida en común que todavía no es la de un matrimonio real como lo entendemos debido a que él aún es un niño, pero que se basa igualmente en la confianza y el cariño.
Fuente: Norma Editorial/Enterbrain
Entre las demás líneas argumentales se encuentran la de Anis, una mujer casada de la alta sociedad persa; Laila y Leyli, un par de gemelas muy graciosas que se casan con un par de hermanos; Talas, una viuda que se enamora de un viajero inglés y Pariya, una niña con un carácter considerado demasiado fuerte para el ideal femenino de la época, lo que la convierte en una candidata poco atractiva para el compromiso. Cada personaje, incluidos los masculinos, son muy bien desarrollados y demuestran una complejidad que si bien coincide en algunos puntos con los preceptos sociales de la época en otros casos es divergente, lo que alimenta la profundidad de los discursos que propone Otoyomegatari.
Fuente: Enterbrain
Además del detallado costumbrismo de este drama con tintes románticos y de la narrativa llena de calidez y emotividad, el pincel de Mori es privilegiado, ya que cada dibujo contiene un detalle y un cuidado que los convierte en una obra de arte a los ojos. Es imposible no detenerse en la lectura para apreciar los patrones de los tejidos o de la ebanistería de la época así como la expresividad de los personajes en cada viñeta. Sin duda, una estética digna de una larga ovación de pie.
Fuente: Enterbrain
Autorretrato de Mori Kaoru. Fuente: MyAnimeList
En esta lista de reproducción, podrán ver el proceso de dibujo de Mori Kaoru para que admiren el minucioso trabajo de la mangaka.
El manga empezó a publicarse en 2008 y sigue en curso en la revista Harta. La obra ganó el 7mo premio de manga Taishou en 2014 y el Intergénérations Prize en el Angoulême International Comics Festival en 2012. Mori Kaoru también es autora del drama victoriano Emma (2001-2008), que también cuenta con una adaptación al anime.
Si estás viendo Tower of God, recordarás a Khun-san, aliado y compañero del protagonista Baam, pero si tienes conocimiento de fútbol y escuchas el nombre completo del personaje, Khun Aguero Agnis, entonces te darás cuenta de que es una referencia al jugador argentino Sergio «El Kun» Agüero. Curiosamente, el mismo apodo del futbolista del Manchester City, proviene de la serie de animación japonesa Kum-Kum que veía cuando era niño.
Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company/Fox Sports
Aquellos que están al día con la publicación del Webtoon, encontrarán otros casos similares que han sido reconocidos por el mismo SIU, autor del cómic, o señalados por los fans como Arie Inieta (Andrés Iniesta), Fabregas (Cesc Fàbregas), Ha Yuri Zahard apodado Zahard de Effenberg (Stefan Effenberg), Grace Mirchea Luslec (Mircea Lucescu), Walcott (Theo Walcott), Chigrinsky (Dmytro Chygrynskiy), entre otros.
Fuente: Naver
Fuente: Getty Images
Fuente: Naver
Fuente: Reuters
La razón de esto es que SIU, que significa Slave. In. Utero. y es el apodo de Lee Jong Hui, es un gran admirador del deporte rey, así que decidió evidenciarlo en su obra. Según Wolfram Manzenreiter y John Horne, Asia ocupa la periferia del mapa futbolístico mundial en cuanto a sus logros e impacto en el mismo. No obstante, la copa del mundo Corea Japón 2002 fue un momento clave para obtener reconocimiento internacional así como para motivar el fanatismo y nacionalismo de sus hinchas, los Diablos Rojos. SIU, nacido en 1986, pertenece a esa generación que vio cómo su país además de ser el anfitrión, venció a España e Italia y alcanzó las semifinales marcando un hito—aún no superado—en cuanto a resultados de equipos asiáticos en un mundial de fútbol. Actualmente, el balón pie comparte su popularidad en Corea del Sur con el béisbol, la selección coreana es considerada una potencia asiática y ha conseguido exportar jugadores a clubes importantes del mundo como Park Ji-sung (Manchester City), Park Chu-young (As Mónaco y Arsenal F.C.) y Son Heung-min (Hamburgo S. V., Bayer Leverkusen y Tottenham Hotspur).
Fuente: Naver
Fuente: AFP / Jimin Lai
Fuente: ANSA
La serie anime Tower of God está en su episodio 11 y puede ser vista por Crunchyroll, mientras que el webtoon, que sigue en publicación, ya tiene 478 capítulos (61 de la tercera temporada) y se puede leer por el sitio web o la aplicación Webtoon. En ese sentido, quizás veremos más referencias a jugadores de fútbol en los nombres de nuevos personajes.
Si desean enterarse de más curiosidades de la historia, pueden revisar el blog oficial de SIU, pero les advertimos que lo lean con el traductor abierto en otra pestaña o le den clic a la opción de traductir en Google Chrome, porque está en coreano.
Aquí les dejamos algunos artículos sobre el fútbol en Asia, los Diablos rojos y el deporte en Corea del Sur:
Durante una entrevista en el año 2000, Miura Kentarō reveló que uno de los puntos iniciales para la creación de Berserk fue que quería escribir una historia sobre la ira y la trama se fue desarrollando a partir de la idea de hacer enfadar a su protagonista. Al inicio de cada capítulo de la adaptación animada de 1997, Kenpū Denki Berserk, se le pregunta al espectador si el destino de la humanidad está controlado por una fuerza o entidad trascendental o si la Mano de dios está sobre nosotros, pero que sin duda el hombre no controla su voluntad. Entonces, ¿cómo la respuesta a estas preguntas se relaciona con la ira de Guts y qué propone la serie a partir de ella?
NOTA: Este texto SOLAMENTE analizará la serie de 1997. Se vienen spoilers cual festín del Eclipse.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Ficha técnica Título: Kenpū Denki Berserk (Berserk: The Chronicles of Wind Blades, Sword-Wind Chronicle Berserk). Sinopsis: En medio de un contexto medieval fantástico, el espadachín negro, Guts, fue un mercenario en medio de la Guerra de los Cien Años y fue reclutado por Griffith, líder de la Banda del Halcón. Con el resto de sus compañeros, enfrentará cruentas batallas contra fuerzas no sólo humanas sin sospechar el futuro que le aguarda. Episodios: 25 Emisión: 1997-1998 Fuente: Berserk (Miura Kentarō) Estudio: OLM Director: Takahashi Naohito Música: Hirasawa Susumu Opening: «Tell Me Why» by PENPALS Ending: «Forces» by Hirasawa Susumu «Waiting So Long» by Silver Fins Más información en:MyAnimelist, Anime News Network e IMdb.
La historia comienza, atados por las cadenas del destino.
Para responder las preguntas del párrafo inicial, primero debemos tener en cuenta que existen numerosos ejemplos de series anime que combinan elementos occidentales y orientales, lo que resulta bastante atractivo en cuanto al worldbuilding (sobre todo en una serie de corte fantástico), pero ello también implica la integración de conceptos culturales de tradiciones diversas. En este caso, empecemos por el principio, ¿qué es el destino? Según la Real Academia de la Lengua Española, el significado de destino es:
Encadenamiento de los sucesos considerado como necesario y fatal.
Por definición, el destino ya está determinado y no se puede escapar de él, en ese sentido, la manera cómo van a ocurrir los hechos en la vida de una persona ya está escrita y parecería que al ser humano sólo le queda experimentarlo, pero siempre ha habido un deseo de conocer el futuro ya sea para saciar la curiosidad o para cambiarlo. Laura Corso señala que en latín y en griego, se usaban los términos fatum y eimarméne respectivamente para referirse a las predicciones, oráculos y vaticinios del futuro establecido por los dioses. Llamo la atención sobre este punto, pues en Kenpū Denki Berserk hay dos momentos donde se puede identificar una situación similar, los cuales permiten entender la manera como el hombre se aproxima al destino en la serie. El primero es cuando Griffith recibe el beherit o Huevo del Rey carmesí y la viejiita con la rueca que se lo entrega le dice:
El dueño está destinado a dominar el mundo a cambio de su carne y sangre.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
En el momento en que acepta el huevo, él se vuelve el dueño, así que, en teoría, lo dicho por la anciana se vuelve su destino. No obstante, al parecer, a partir de los intercambios de Griffith con Guts al respecto, el líder de la Banda del Halcón no creía o no era consciente de la veracidad de dicho fatum y veía al beherit como un símbolo de poder o un mero amuleto al que a veces parecía que se encomendaba o pedía deseos de victoria antes de una batalla. Al haber sido pobre en su infancia en medio de un contexto medieval, Griffith era consciente de que—de mantenerse pobre—su destino iba a estar determinado por su condición social, así que su deseo era fundar su propio reino para dominar su destino y además, acorde con su ambición, el de todos. Con eso en mente y por su experiencia, el cambio de su vida no iba a venir de algún regalo divino, él tenía que generarlo y lo hizo a partir de la Banda del Halcón.A pesar de esta manera de pensar y de que el mercenario nunca actúa deliberadamente para cumplir el fatum hasta el final, el destino efectivamente se cumple y en el Eclipse, el Halcón Blanco renuncia a su humanidad (cuerpo, sangre y alma) y sacrifica a sus amigos para volverse Femto. Lo más curioso es que, en cierta medida, antes que forjar su propio destino, termina aceptando uno predeterminado por alguien más, ya que si bien es otro camino, tiene el mismo punto final: ser rey.
El segundo momento en que se enuncia un eimarméne es cuando Guts y Griffith pelean contra Zodd El Inmortal y este está a punto de matar al Halcón Blanco, pero ve el huevo carmesí y se detiene. Ante la extrañeza de Guts y del resto del público no iniciado, Zodd anuncia lo siguiente:
Si tú y este hombre son realmente amigos, deberás tener en mente que cuando las ambiciones de este hombre se derrumben, estarás destinado a enfrentar tu muerte. Tu muerte será absolutamente inevitable.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Si el futuro Femto parece no darle una importancia real a la predicción del beherit, Guts ni siquiera vuelve a pensar en esta predicción durante toda la serie más allá de que sospecha del huevo en tanto artefacto aparentemente siniestro. Como espectadores, sabemos que esta es una historia de fantasía, pero antes de la aparición de Zodd, el protagonista y el resto de los personajes no se habían encontrado directamente con ningún elemento sobrenatural. Por lo hostil que ha sido el mundo humano con Guts desde que era niño, su destino ha estado ligado a la muerte desde que lo encontraron debajo del cadáver de su madre que falleció ahorcada, pero siempre ha enfrentado el peligro con sus propias manos y hasta ahora ha sobrevivido. Por esa razón, cuando ve por primera vez a Zodd, no sale de su asombro, pero no cree sin más en una profecía considerando que su amistad con Griffith estaba en su mejor momento. ¿Cómo iba a desconfiar de su mejor amigo? Incluso, cuando Guts se aleja de Griffith, no lo hace por evitar que se cumpla la profecía, sino que se decide cuando escucha a su compañero conversar con la Princesa Charlotte a la que le dice que no considera a ninguno de sus camaradas de la Banda del Halcón como amigos, porque no son sus iguales al no tener sueños propios por los que estén dispuestos a enfrentar todo, incluso a él. Sin embargo, más adelante la profecía se cumple aunque sea de manera parcial, ya que si bien, tras el Eclipse, Guts sobrevive sin explicarse bien cómo, no se puede garantizar que no muera después.
Entonces, el destino es inevitable y ya está determinado, pero, en la serie, por más que el ser humano lo conoce, no le presta atención porque cree que es dueño de su futuro y sigue actuando como si nada, dirigiéndose al parecer de manera ineludible a cumplir el vaticinio. En el caso de Guts, su destino efectivamente motiva su ira, pues su mejor amigo lo traicionó e incluso ocasionó la muerte de sus camaradas de la Banda del Halcón y el terrible crimen cometido contra su amada Casca. Sin embargo, el retrato del destino como concepto en la serie no se reduce a una cuestión de cumplimiento necesario e ignorancia humana y para entender el por qué, propongo indagar en la fuerza o entidad que podría controlar dicho destino.
Vivir como mártir de dios
En Kenpū Denki Berserk, no se profundiza en el aspecto religioso de la sociedad a excepción de ciertas referencias como el sacerdote que parece dirigir los servicios funerarios de la reina de Midland o el hecho de que los mismos personajes de la serie parecen referirse a dioses y ángeles o demonios y monstruos cuando se refieren al bien y el mal respectivamente. La aparición de Zodd y de La Mano de dios como seres sobrenaturales tampoco aclara mucho este punto, pues si bien se identifican como demonios no se escucha nada específico y claro sobre un dios (menos aún uno bondadoso como el judeo-cristiano) o un panteón de ellos. Si tomamos la idea de entidad de forma más general, entonces encontramos tres momentos de intervención de esta fuerza en el destino que vale la pena mencionar. En primer lugar, cuando Griffith se salva de ser atravesado con una flecha gracias al beherit que le sirve de escudo. Si Griffith moría allí, no se cumplía el destino y fue muy conveniente que el Huevo del Rey estuviese precisamente en ese lugar donde apuntó el asesino. ¿Coincidencia? Si estamos en una serie que reflexiona sobre el concepto de destino, es difícil decir que sí.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
El segundo momento es cuando en la batalla de Doldrey, Zodd le lanza una espada a Guts en medio de su enfrentamiento contra el general Boscogn para ayudarlo, ya que su arma se había roto un momento antes mientras peleaba contra el militar enemigo. Si el protagonista no contaba con una manera para defenderse y atacar a su oponente, moría y es muy posible que no se cumplían los dos fatum ya mencionados. Más allá de las intenciones particulares de Zodd (que parece estar obsesionado con pelear con el Espadachín Negro), la figura de Guts es trascendental para el destino de Griffith y viceversa, así que la ausencia de uno en la ecuación podría cambiarlo todo. Finalmente, el último momento de intervención divina, es cuando el líder de la Banda del Halcón, lastimado por un año de tortura, está sentado en un arroyo y a pesar de que perdió el beherit en un desagüe de las mazmorras subterráneas del castillo, el huevo carmesí aparece frente a él justo en su momento de mayor quiebre emocional y cuando se va a dar el Eclipse, lo que detona en el festín con sus terribles consecuencias. Si recapitulamos, el destino no sólo esta predeterminado y la ilusa humanidad lo va a cumplir irremediablemente, sino que de ser necesario o correr peligro el cumplimiento de dicho destino, la entidad controladora (Mano de dios o no) interviene fuerte y directamente, entonces, ¿el ser humano tiene algo de poder de decisión sobre su vida?
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Para responder a esta pregunta conviene buscar una situación similar, así que pensemos. Entidades o fuerzas interviniendo de forma tan fuerte y directa en la vida de los seres humanos. ¿No les recuerda a algo? Edipo recibe del dios Apolo la profecía de que matará a su padre, por ello, decide huir de los que en realidad eran sus padres adoptivos y en el camino mata a un hombre por una disputa de preferencia de paso, ese hombre era su verdadero padre, así que el destino se cumple. No es casualidad que en la primera parte del artículo haya empleado dos términos de la cultura greco-romana, pues el esquema narrativo de Kenpū Denki Berserk tiene muchas similitudes con la tragedia griega.
Basta sólo con pensar en el error trágico que comete Griffith, quien destruido por la partida de Guts, tiene relaciones sexuales con la princesa Charlotte ignorando trágicamente las nefastas consecuencias que tendría para su objetivo de ser rey, por el que tanto había trabajado, y para el destino de todos los personajes de la serie. Seguro que más de un espectador no podía creerlo y la compasión y angustia (catarsis) que despertó lo ocurrido en muchos fue igualmente sorprendente. De este modo, indagar en la tragedia griega puede ayudar a aclarar el discurso detrás de presentar a los dioses como controladores del destino humano.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Para Catalina López, en la tragedia griega, el planteamiento de que los dioses lo deciden todo, implica, por un lado, que los hombres no poseen libre albedrío y, por otro lado, no tienen responsabilidad de sus acciones en cuanto a juicios morales. Si colocas en el buscador Griffith no hizo nada malo, encontrarás toda una serie de artículos, videoensayos, discusiones en foros y hasta una web para comprar posters y polos con esa frase, pero la realidad es que el sacrificio de la banda del Halcón y la violación de Casca no son acciones realizadas por un títere de los dioses. La aparición de la Mano de dios y su discurso al ver a Griffith, señala que ellos tenían conocimiento de su destino, incluso mencionan que ellos lo eligieron a él para ser el protagonista de esa cadena de hechos y se muestran seguros de que el maltrecho hombre aceptará sacrificar su cuerpo y su sangre por el poder, pero agregan lo siguiente:
Será su voluntad, no la nuestra.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
De manera similar a esta situación, la misma López señala que, en realidad, en la tragedia, la intervención divina no descarta el carácter actuante del hombre que labra en última instancia su propio destino. Como Edipo pudo evitar matar al hombre que encontró en el camino, Griffith se pudo haber negado al ofrecimiento de La Mano de dios y quizás aceptar la vida convencional (y limitante en cierta medida por su estado físico) con Casca que vio en su sueño, pero la realidad era que su deseo por el castillo, por ser el dueño del destino de todos y trascender fue más fuerte, así que decidió sacrificar a todos y renunciar al dolor que sentía por seguir caminando sobre los cadáveres de sus soldados.
Si recapitulamos, entonces, más allá de la injerencia de los dioses, la Mano de dios, una fuerza o entidad controladora del destino, el hombre parece tener un cierto nivel de control sobre dicho destino a partir de su voluntad. Entonces, por qué la introducción de la serie dice que no es dueño de la misma (incluso dice que es una cosa cierta a diferencia de las otras partes del discurso que son interrogantes).
La fragilidad de los seres humanos y mortales
Roberto Soto señala que tras las Guerras Médicas, el siglo V a.C. en Grecia se caracterizó por una exaltación de la racionalidad humana, pues había sido gracias a las estrategias de la Liga de Delos que se había conquistado la victoria. Sin embargo, el autor señala que por esos años los autores trágicos siguieron escribiendo tragedias para que los seres humanos no olvidasen el poder de los dioses, lo que también puede traducirse con que no olviden su humanidad y el arquetipo de la caída en las tragedias es un ejemplo de ello que esquematiza bien el caso de Griffith. Según Charles R. Woodard, cuando los hombres lograban adquirir conocimiento, les devenía un castigo divino: su caída, con la que se le pretende dar cuenta al hombre de sus debilidades, de su imperfección.
A Griffith, un hombre que había llegado casi a la cima por su capacidad para enfrentar batallas con estrategias, por su ecuanimidad y frialdad a pesar de la hostilidad de la corte o la presión del peligro y por su entrega total a su sueño, cae por una sola acción en la que se deja llevar por sus sentimientos de abandono, soledad y derrota tras el duelo y partida de Guts. En relación con la voluntad, Catalina Velarde reflexiona sobre cómo se inserta el libre albedrío en el conocimiento del destino que tiene el Dios cristiano y puede ser útil acudir a un punto que ella recoge del filósofo y poeta latino Boecio en La consolación de la filosofía:
Necesariamente tanto más libre cuanto más se aplica a la contemplación de la mente divina y, tanto menos libre cuánto más desciende a los seres materiales; y todavía menos cuando queda atrapado en las redes de la tierra.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Velarde apunta, como queda ejemplificado en el caso de Griffith y en la cita de Boecio, que la razón precede a la voluntad y cuando es empleada antes de actuar, el hombre ejerce mucho más su libre albedrío, pero cuanto más humano es (con la vulnerabilidad emocional que ello supone) es menos dueño de su voluntad y de su libertad. Sin duda, esta es una cosa cierta. Además, como queda claro en Kenpū Denki Berserk eso no sólo afecta a una sola persona, sino a aquellos relacionados con ella y sus acciones.
En resumen, si bien existe una fuerza o entidad trascendental que tienen un cierto control sobre el destino de la humanidad y existen seres con un poder como el de la Mano de dios que pueden tener una injerencia en nosotros, el hombre posee una voluntad que puede ejercer sobre la que, sin embargo, pierde dominio por sus emociones, su propia humanidad y puede perjudicar a otros con ello. Al tener en cuenta todos estos puntos, estar deprimido parece lo lógico, pues el escenario no es nada alentador. ¿Qué podemos hacer al respecto?
La obra de Miura siempre ha sido asociada con el concepto budista de karma y la ley de causalidad que se emparenta con la lógica de hombre actuante de la tragedia griega, así que tal vez la tradición oriental tenga la respuesta. Máximo Lameiro señala que con base en las cuatro verdades del budismo efectivamente la vida es sufrimiento, porque el hombre está atado al deseo y al apego. Por esa razón, Chus Alonso y Ana Serrano señalan que el karma entendido como acción pendiente de efecto puede tener un resultado negativo en el futuro del hombre (a veces sin que sea consciente de ello puede lastimar a alguien o dejar de hacer algo importante), porque todo acto tiene consecuencias. Lameiro señala que antes que ver este principio de causalidad como una deuda se puede tomar consciencia de que es inherente a la vida y tomarlo como una oportunidad de transformación y de reconocimiento de nuestra identidad fundamental. La sensación que deja esta idea es mirar el lado bueno de las cosas, pero propongo cerrar este artículo refiriéndome a una escena más de la serie para reflexionar sobre la idea de identidad fundamental.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
En el capítulo 4, llamado la mano de dios, Guts recuerda cuando mató a Gambino (su figura paterna para bien o para mal) en defensa propia. Tras robarse un caballo, huye del lugar, pero recibe una flecha mientras escapa y cae por un acantilado. Al despertar en una playa y caminar herido un trecho, se ve rodeado por una manada de lobos. Desolado por lo ocurrido y adolorido, piensa que está bien para él morir, porque así ya no sufriría más desgracias en un mundo que le es hostil una y otra vez. Sin embargo, cuando el lobo lo ataca, él levanta su espada, como lo ha hecho siempre en batalla, como lo siguió haciendo después, como lo hizo cuando luchó hasta el final durante el Eclipse. Guts encarna un elemento fundamental de la identidad humana: la voluntad de vivir que antes que racional es casi presentada en la serie como un instinto, un acto reflejo y hasta un deseo como lo expresa en el primer episodio de la serie: a pesar de ser torturados y heridos por el destino, una fuerza trascendental o la Mano de dios (ya sea una divinidad o un grupo de enemigos poderosos), los humanos queremos seguir viviendo (al menos eso plantea la serie).
El destino con final trágico y los que lo controlan, dioses, Mano de dios y otros seres humanos representan todas esas circunstancias de la vida que no podemos dominar y que nos seguirán provocando sufrimiento como a Guts y alimentarán la ira, pero ya sea para vengarse o ayudar a los suyos, todo indica que el espadachín negro seguirá luchando cada una de sus batallas, se lanzará sin dudar para enfrentarse a todo con el objetivo de seguir viviendo, lo que es un rasgo muy característico de la humanidad en un sentido universal y a eso apunta Kenpū Denki Berserk.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Si quieres seguir rompiendo tu cabeza tratando de dar relecturas a la serie, aquí hay textos para ello:
Mientras reflexionas sobre el destino, las fuerzas trascendentales y la voluntad del hombre con Guts y Griffith, puedes aprovechar para revisar el magnífico soundtrack de Berserk. Aquí unos temas:
📽️ ¿Qué pasa cuando un grupo de nerds se une para cumplir su sueño otaku? (Bueno, solo dos nerds, porque una sí piensa más allá del amor al arte). #GISugoi recomienda ver Eizouken ni wa te wo dasu na!.
✔️ Anime basado en el manga escrito por Sumito Owara, fue estrenado en la temporada de invierno de 2020. Trata sobre tres chicas de preparatoria -Midori Asakuza (creadora de contenido y directora), Tsubame Misuzaki (diseño de personajes, animación y promoción), Sayaka Kanamori (productora)- que, aburridas de ser solo espectadoras en el club de anime, deciden crear un club de animación donde podrán poner en práctica sus conocimientos de dibujo y experimentarán el proceso de creación, animación, promoción y venta de un anime. La trama llama la atención en dos puntos: la referencia a la cultura de fans y la construcción de «mundos posibles».
En primer lugar, la serie no solo reflexiona sobre el proceso de creación de un anime, sino también la recepción de este. Por ello, se debe estar atento a cómo la serie apela a la «cultura de fans», donde se defiende el hecho de que el consumidor no solo se queda en dicha posición, sino que también puede apropiarse de los medios de producción y ser creador/productor de contenido. Asimismo, esta «cultura de fans» muestra cómo la recepción del anime por parte de aquellos personajes que fungen de espectadores concluye en la posibilidad de que tiene una obra de resignificar el espacios. Ello se puede ver, por ejemplo, cuando el mundo creado por las chicas irrumpe en la realidad.
Por otro lado, tenemos un world building que aporta muchísimo a la serie. No solo los «mundos posibles» que crea Asakuza son llamativos y buscan ser verosímiles, sino también lo es el escenario donde se desarrolla la trama: es un espacio atractivo y laberíntico que invita al espectador a preguntarse qué ha sucedido para que en dicha ciudad la naturaleza y el capitalismo desplazaran a los seres humanos y los obligaran a reunirse en lugares cada vez más reducidos.
Si no has podido ver el anime, te invitamos a darle una chequeada. ¡Nada mejor que ver una serie ya acabada!
Tezuka Osamu es alguien que no necesita presentación, pero ¿habías escuchado hablar de su obra Kami no Toride o de sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial, las cuales moldearon en gran medida sus historias?
Fuente: Tezuka Productions
Tanaka Yuki señala que era finales de 1944, la Segunda Guerra Mundial aún no llegaba a su fin y las fuerzas norteamericanas empezaron una serie de intensos bombardeos contra las ciudades más grandes de Japón como Osaka, donde se llegaron a contar cerca de 10 000 civiles muertos. Tezuka tenía 16 años y si bien había nacido allí, llevaba viviendo en Takarazuka desde que tenía 5, pero después de que las clases escolares se habían cancelado a causa del conflicto armado, él junto a sus compañeros fueron movilizados a Osaka para trabajar en un arsenal del ejército japonés.
En esos años, el dios del manga era constantemente reprendido por sus superiores, pues se la pasaba dibujando cómics en lugar de hacer su trabajo y un día su castigo consistió en subir a la torre de vigilancia para avisar si veía a los bombarderos B-29 de los Estados Unidos. No obstante, cuando empezó la alarma del ataque aéreo, no tuvo tiempo de bajar quedando expuesto en una de las edificaciones más altas de la fábrica. Entonces, una bomba cayó en el techo a dos metros de él y Tezuka cayó gritando de lo alto de la torre, pero milagrosamente logró sobrevivir. El futuro mangaka describe que el suelo y las casas de los alrededores estaban en llamas y del cielo caía una lluvia de hollín. En medio del caos, el chico decidió subir a la ribera del río Yodogawa y pudo apreciar los enormes cráteres donde habían caído las bombas y los cuerpos calcinados que se podían distinguir unos encima de los otros.
Fotografías de Yuki Tanaka. Fuente de la obra: Daitosha
Esta terrible experiencia junto con otras más son recogidas en la obra autobiográfica de Tezuka Osamu, Kami no Toride (Paper Fortess), publicada entre 1970 y 1977, una década clave para el discurso crítico a la guerra en el manga. Por esos años, según Jean Marie Bouissou, muchos autores de la generación del también animador japonés, crearon obras en las que mostraban su decepción ante los adultos qué habían decidido llevar a su país a un estado bélico y albergaban esperanzas en la juventud que podía cambiar el futuro. Tetsuwan Atomu del mismo Tezuka es un ejemplo de esta corriente y de la profunda importancia para el mangaka de los temas de la defensa de la paz y la condena a la guerra.
Si te interesa saber más sobre la obra de Tezuka y su vinculación con los conflictos armados, puedes revisar los siguientes artículos: – “War and Peace in the Art of Tezuka Osamu: The humanism of his epic manga” de Yuki Tanaka https://apjjf.org/-Yuki-Tanaka/3412/article.html
– “Manga: A historical overview” de Jean Marie Bouissou en Manga. En An anthology of global and cultural perspectives de Toni Johnson-Woods (Ed.)
Un señor feudal (daimyō) llamado Motonari Mōri se percató de que se avecinaba la guerra en sus tierras. Entonces, mandó a llamar a sus tres hijos, le dio a uno de ellos una flecha y le pidió que la rompiese. La flecha se rompió fácilmente, pero después Mōri le dijo que juntase tres flechas y tratase de romperlas. Esta vez, el hijo trató con todas sus fuerzas, pero le fue imposible, así que su padre le dijo que la fuerza de la humanidad era como esas tres flechas. De esa fuerza trata Tsurune.
Fuente: Kyoto Animation
Tsurune: Kazemai Koukou Kyuudoubu (2018) es una serie anime producida por el icónico estudio de animación Kyoto Animation y está basada en las novelas ligeras del mismo nombre de la autoría de Kotoko Ayano.Esta historia, dirigida al público shōnen, se centra en Narumiya Minato, un joven de preparatoria que había renunciado tiempo atrás a practicar kyūdō, un arte marcial japonés que consiste en apuntar y disparar una flecha con un gran arco lo más cerca posible del centro de una diana. A pesar de la insistencia de sus amigos, Minato se niega rotundamente a formar parte del club escolar de esa disciplina hasta que una noche ve a un misterioso hombre ejecutar un disparo tan hermoso que lo lleva a empezar a cuestionar su decisión. La palabra nipona tsurune precisamente hace referencia al sonido que hace el arco cuando la flecha es disparada y la primera vez que Minato–aún un niño de primaria–lo escuchó, quedó tan impresionado con el kyūdō que se empeñó en encontrar un maestro y aprender este arte marcial que no es una simple variación del deporte occidental del arco y flecha.
El camino del arco
De acuerdo con la Federación Internacional de Kyūdō, la arquería en Japón era concebida como una técnica de batalla (bujutsu) que los samuráispracticaban hasta que en el Período Edo (1603-1868) se implementaron las armas de fuego y el entrenamiento militar occidental, así que la escuela militar del Shogunato Edo optó por excluirla de su currículo. Posteriormente, durante la Era Meiji (1868-1912), Yoshinobu Hamaguchi afirma quese empezó a practicar el tiro con arco japonés como una forma de vida (budo) y así nació el kyūdō. La primera vez que el pequeño Minato presencia un evento de esta disciplina se sorprende por lo artística que se ve: la solemnidad del ambiente silencioso cuando se preparan los tiros, las bellas posturas de los arqueros y, especialmente, el tsurune que corta el silencio. Al respecto, vale la pena destacar la labor del departamento de sonido de esta serie que bajo la dirección de Tsuruoka Yota, consigue un riguroso detalle en el doblaje de los efectos sonoros de las flechas cuando son liberadas al aire y cuando aciertan al pasto o a la diana enfatizando así la experiencia sensorial del kyūdō como arte. Sin embargo, esta disciplina es más que la belleza (bi) que aprecian los espectadores en un torneo o evento.
Etimológicamente, Yamaguchi Yasuo señala que kyū significa arco; y –do, camino, así que el nombre de este arte marcial se traduciría como el camino del arco, una frase que el autor asocia con la orientación al proceso de todo lo relacionado con esta disciplina. Por ejemplo, hay una serie de rituales como el yawatashi que se ejecuta al inicio de cada evento público de kyūdō o en concentraciones para solicitar la buena fortuna al dios de los arqueros. Además, son ocho las posiciones y posturas que se deben seguir para lanzar una flecha que van desde abrir las piernas para posicionarse (ashibumi), disparar (hanne) y hasta observar el resultado del disparo (zanshin). Como todo proceso, cada acción en el kyūdō tiene una serie de pasos a seguir y lo mismo ocurre cuando es enseñada a otros, pues los kyūdōjin pasan meses antes de siquiera tocar un arco, pues primero deben aprender a limpiar el dojo, colocar las dianas, después usan bandas de hule para ganar fuerza y así sucesivamente hasta que se les permite disparar.
Fuente: Kyoto Animation
En ese sentido, el camino del arco tiene en su esencia al aprendizaje constante y paulatino que se compagina muy bien con la lógica narrativa de la evolución de todo protagonista en un anime shōnen de deportes (también llamado spokon), pues de acuerdo con John Ingulsrud y Kate Allen, este tipo de historias son narraciones de crecimiento o coming-of-age que implican queel personaje principal puede desarrollar tanto alguna habilidad física como alcanzar la maduración interior. Al inicio de Tsurune, el camino del arco de Minato se ve interrumpido por su alejamiento del kyūdō y los distintos episodios siguen su regreso al mismo que se ve muy bien representado por la flor blanca del opening que empieza marchita y vuelve a florecer. Sin embargo, la serie no se centra en que el protagonista desarrolla la técnica máxima de la arquería japonesa, que en realidad es muy buena en su caso, sino que hay otro obstáculo distinto que debe enfrentar y se vincula con la maduración interior mencionada por Ingulsrud y Allen.
Desde el comienzo, se revela que Minato sufre de pánico al amarillo que Marius Odegard define como un problema psicológico que provoca que, de forma aparentemente inexplicable, los arqueros pierdan control de su técnica y no puedan acertar al centro de la diana (las dianas del tiro con arco y flecha suelen tener el color amarillo en el centro, aunque eso no ocurre en el kyūdō). En el caso de Minato, su condición se manifiesta en que libera prematuramente la flecha, en consecuencia, no puede cumplir correctamente con la acción de apuntar (kai) y eso le costó la final del campeonato de secundaria a él y a su equipo. Tiempo antes su madre había fallecido, así que había perdido interés en sus sueños con respecto al kyūdō y si bien lo practicó un tiempo después, no tuvo la misma sensación al hacerlo, entonces, en el campeonato, apareció el pánico al amarillo que le hizo fallar y retirarse como arquero por el tormento que ello le causó. El maestro de Minato, Takigawa Masaki “Masa-san”, sufre de lo mismo y señala que en medio de la pérdida de confianza uno deja de reconocerse a sí mismo. En resumen, Minato debe lidiar con su propia mente que sabotea a su cuerpo, lo que implica una suerte de desafío no contra otro arquero o club, sino contra él mismo y eso también se vincula al kyūdō.
Fuente: Kyoto Animation
Según Diana Soeiro, el tiro con arco nipón promueve en su práctica una armonía entre la mente, cuerpo y el cosmos y para conseguir ello es necesario conocerse a uno mismo, lo que se consigue por el proceso de aprendizaje que significa el camino del arco. La autora revisa la etimología de la palabra kyūdō y destaca que el sufijo –do es empleado para la denominación de las distintas artes del budismo zen, una doctrina espiritual y filosófica que, en este caso, se evidencia a partir de la abstracción de la racionalidad y la exploración del propio carácter para alcanzar la iluminación (satori). En un sentido más concreto, el arquero persiste en la práctica, enfrenta la frustración, vacía la mente y nota en cada disparo sus motivaciones para liberar la flecha conociéndose a sí mismo. Esa es una pregunta constante en la serie, ¿por qué practicas el kyūdō? ¿por la belleza, por la competencia o siquiera te gusta? De este modo, el camino del arco es uno de crecimiento a partir del autoconocimiento y autorreflexión en el que, como sugiere el mismo Masa-san, el acertar no debe ser un objetivo del ego, sino un resultado del esfuerzo. Siguiendo esta idea, la batalla final de este anime shōnen es Minato vs. Minato, pero ¿realmente es así?
¿El kyūdō es una disciplina individual o de equipo?
El rival y amigo de Minato, Fujiwara Shuu, le menciona una vez que el kyūdō es algo que haces solo y no algo que haces por otros. Si extrapolamos esa idea, Shuu postula que el camino del arco en el que uno busca conocerse, alcanzar la verdad de uno mismo (shin) se emprende y se transita en solitario, lo que tiene sentido si se considera el nivel de meditación e introspección que compone este arte marcial como filosofía y la voluntad necesaria que se requiere para enfrentar todo ello. Incluso, cuando realicé la investigación para escribir este artículo, no había casi ninguna mención a los equipos de kyūdō, sino que siempre se centraban en describirlo desde la experiencia individual. Cuando se referían al colectivo era para mencionar cómo debe haber una armonía en el conjunto cuando se realizan las posiciones y posturas de los arqueros en un evento de competencia individual o que, debido al perfeccionamiento del carácter que promueve el tiro con arco japonés, se promueve la armonía entendida como paz social. No obstante, me llamó la atención la cita a una acción tan pequeña y cotidiana como el apoyo que necesita un kyūdōjin de otro para poder tensar la cuerda de su arco por el tamaño del mismo. La serie sigue esta línea.
Fuente: Kyoto Animation
En el opening, se pueden apreciar cinco esferas de colores distintos que flotan, se admiran los casilleros con los guantes (yugake) que usan los arqueros, se muestran a cada uno de los cinco miembros del equipo de kyūdō de Kazemai disparando, luego en la serie, se muestran los cinco arcos o los cinco estuches de flechas diferenciados por el color. En resumen, hay una constante referencia no sólo a Minato, sino a todos los miembros de su club, los cuales tienen cada uno una personalidad distinta como lo refleja la diferenciación por colores de cada uno y a ellos debe sumarse Masa-san cuya presencia es determinante para el equipo y, sobre todo, para el protagonista que, en gran parte, regresa al tiro con arco motivado por él. Manuel Hernández-Pérez señala que el anime shōnen se caracteriza por basarse en una red de relaciones interpersonales entre personajes, lo que permite el desarrollo de múltiples líneas narrativas que sostienen la trama principal y que progresan con base en las motivaciones, deseos u objetivos de estos sujetos ficcionales. Si bien en el caso de Tsurune la línea base y de mayor desarrollo la tiene Minato, seguidos por Takehaya Seiya, su amigo más cercano y Masa-san, cada uno de ellos representa un elemento clave para el soporte de la historia central, la evolución del personaje principal y, por consecuencia, para su camino del arco.
Las razones que tiene cada uno para practicar kyūdō es lo que determina su papel dentro del equipo y dentro del sendero de Minato en su regreso a su antiguo nivel como arquero. Al inicio de la serie, antes que unidad, el grupo se siente dividido, y se destaca, sobre todo, en el conflicto del protagonista con Onogi Kaito, uno de sus compañeros. Para Kaito, este arte marcial es una filosofía de vida, por lo tanto se lo toma con tal seriedad que cuando ve las dudas iniciales de Minato a causa de su pánico al amarillo, lo confronta y le dice que no piensa reconocerlo, lo cual funciona como un disparador para que, como dice el mismo personaje principal, esté dispuesto a renunciar a su orgullo (como se enfatiza en el camino del arco) para demostrarle lo importante que es el kyūdō para él. De este modo, Minato llega todos los días antes al dojo para limpiar el lugar, practica con dedicación y se muestra dispuesto a ayudar a sus compañeros, lo que hace que Kaito lo acepte, sobre todo cuando ayuda a Kisaragi Nanao, primo de Kaito y miembro también del equipo de arquería de Kazemai.
Fuente Kyoto Animation
En el caso de Nanao, sabe que el tiro con arco es algo muy importante para Kaito, pero conoce de su temperamento, su primo suele ser malinterpretado a pesar de ser una buena persona, así que Nanao acepta que si bien disfruta del deporte pues le gusta lucirse, no se lo toma tan en serio y tiene un talento básico que asegura que no le permitirá llegar muy lejos, pero sigue ahí para hacer que Kaito baje la guardia y se integre con las personas. A través de estas interacciones, Minato no sólo valora más a sus compañeros, sino que empieza a pensar en cuál es su propia motivación para ser kyūdōjin. Otro miembro del equipo, Yamanouchi Ryouhei, amigo de la infancia de Minato quedó admirado cuando lo vio practicar kyūdō por lo genial que se veía, así que decidió tomar clases y luego también unirse al club escolar, por eso es uno de los primeros en motivar a su amigo a volver. No obstante, cuando sabe de la muerte de la madre del protagonista y de su padecimiento del pánico al amarillo, se da cuenta de que a quien veía como un héroe en realidad es un ser humano, así que trata de buscar información de su condición y de mediar en los conflictos con Kaito para apoyarlo.
Fuente: Kyoto Animation
Estos esfuerzos hacen que el personaje principal se sienta cada vez más parte del grupo y también trate de retribuir ese apoyo, pero el mayor autoconocimiento lo obtiene a partir de su vinculación con Masa-san y Seiya. En el caso del primero, el maestro del equipo de arco y flecha de Kazemai pensaba retirarse del kyūdō, pero al ver la decisión de Minato de regresar, cambia de parecer. Cuando era joven, su abuelo era su mentor, siempre era duro con él, especialmente, cuando se manifestó su pánico al amarillo. Su abuelo decía que era una señal de debilidad y de falta de esfuerzo cuestionando así las razones de su alumno para practicar arquería cuando, en realidad, este luchaba contra su autodesprecio por no poder cumplir las expectativas de su maestro por más que se esforzase. Por eso, Masa-san desea enseñar a sus alumnos considerando sus sentimientos, esperando que los compartan y acepten sus falencias, en consecuencia, Minato se abre con él y sus amigos a la vez que acepta su condición enfocándose en su mejoría sin autocastigarse.
Fuente Kyoto Animation
De esta forma, el equipo se une y durante los preliminares al campeonato interescolar el lazo se estrecha aún más cuando tienen que enfrentarse a otras escuelas. No obstante, Seiya empieza a cuestionar su motivación para emprender el camino del arco y para mantenerse en él luego de que Shuu le dijese que lo hace sólo para seguir a Minato y le hace pensar en la culpa que siente por la muerte de la madre de su amigo. Es en ese momento, cuando el protagonista trata de traer de regreso a su amigo al club se acerca–aún sin percatarse–a un punto importante de su propio proceso de autoconocimiento. Después del fallecimiento de la madre del protagonista, fue Seiya quien lo trajo de regreso diciéndole que practicara kyūdō con él, así que Minato le dice lo mismo. Frederik L. Schodt señala que la Weekly Shōnen Jump basa sus historias en tres elementos centrales: el esfuerzo, la amistad y el triunfo. En ese sentido, Tsurune plantea que el kyūdō no sólo es una experiencia que se vive cuando se está sólo frente a la diana, sino en todos los entrenamientos, en las ceremonias y los encuentros fuera del dojo que son circunstancias de aprendizaje también. Se trata de los vínculos de amistad que unen al equipo, un concepto que, en ese sentido, se afirma también como parte del camino del arco, pero, ¿cómo se integra ello en la filosofía del kyūdō?
Fuente: Kyoto Animation
Las cinco flechas
Como muchos otros anime shōnen, la serie cierra con la final del torneo entre Kazemai y Kirisaki, la escuela de Shuu, que es vencida gracias a Minato, quien como el ochi del equipo es el último en disparar. El héroe ha conseguido el triunfo por medio del esfuerzo, pero en el caso de Tsurune no es tan simple. En primer lugar, porque el protagonista no vence el principal obstáculo que se plantea al inicio: no se cura del pánico al amarillo, es decir, ¿en realidad no triunfa? Como lo señala Diana Soreiro, el kyūdō se trata de conocerse a uno mismo y en ello yace el verdadero triunfo de Minato. Todo el tiempo que estuvo alejado del arco no mejoró y cuando lo volvió a practicar seguía fallando, es recién cuando se vincula con sus compañeros y confía en ellos que es capaz de–a pesar de la ansiedad, el miedo y la presión–persistir, disparar y acertar. En otras palabras, su verdad o shin en este momento es que no puede enfrentar su problema solo y eso no es planteado como malo ni una señal de que sea débil o le falte esforzarse más.
Fuente: Kyoto Animation
Al inicio de la serie, el profesor Tommy, que dirige el club escolar de arquería decide que Minato sea el ochi y en la final del torneo, el protagonista entiende que el motivo es que esté al final de la fila en la que se colocan los arqueros para disparar y puede ver al resto de sus compañeros. De esa manera, puede sentir que si falla, el resto de su grupo enfrenta el reto junto a él y ellos podrán sumar los puntos que él pueda perder. De este modo, puede ver lo que los espectadores han visto durante toda la serie, que forma parte de un equipo en el que sabe que puede confiar. En ese sentido, puede dejar ir a la razón, armonizar su mente con su cuerpo y con el cosmos, concentrarse en calma y recordar el motivo por el que libera la flecha: para escuchar el tsurune junto a sus compañeros, sus amigos. Es correcto decir que el kyūdō plantea una introspección individual para llegar a esta conclusión como también es cierto que quizás sin Seiya, Kaito, Ryouhei, Nanao, incluso sin específicamente conocer a Masa-san, Minato hubiera podido decidir volver como arquero, pero no hubiera podido persistir y madurar para enfrentar mejor su pánico al amarillo sin darse cuenta de que necesitaba de otras personas y sin que estuviera dispuesto a confiar en ellas, esa es su victoria y un paso importante en su camino del arco.
La serie no plantea si en algún momento Minato decidirá participar en una competencia individual enfrentándose sólo al pánico al amarillo o sea ir a la guerra con una sola flecha, pero hasta que lo consiga, puede recurrir, como lo harán los hijos del daimyō Mōri del cuento de Las tres flechas, a las otras cuatro flechas que lo acompañan y que le darán la fuerza que necesita.
Si te interesa saber más sobre el kyūdō y el anime shōnen u otros temas que se tratan en este artículo, puedes revisar las siguientes fuentes:
Y nos damos un cambio radical en nuestras acostumbradas foto reseñas para dar una mirada a un producto que realmente nos ha dejado impresionados. Gracias a las marca Yolopark, Dimension Studio e Eastern Model que nos enviaron este model kit para armar y mostrarlo a nuestros lectores ¿De qué se trata? Vamos a conocerlo.
Muchas gracias a las empresas que confiaron en nuestro blog para promocionar su producto, pues fuimos elegidos en base al historial y alcance de nuestras redes junto a otros 99 afortunados a los que nos fue enviado este genial model kit completamente gratis. Gracias mil a:
Debemos ser su primera reseña en castellano y para esta zona, y le da una oportunidad al blog de expandernos a otros temas que no son Transformers, y con la suerte de que su humilde redactor es un gran fan de los Ultras tanto como de Transformers. Sin más… ¡Empecemos!
¿DE DONDE SALE ESE ULTRAMAN? ASÍ NO ERA… ¿O SÍ?
Bueno, mucho seguramente recordarán al gran Ulltra Siete, o mejor dicho Ultra Seven. Un ícono de nuestra infancia (o juventud).
Ahora, este model kit nos trae un ligero cambio en el nombre siendo “Ultraman Suit Ver 7.3”. Esta es una radical actualización e historia de los Ultraman en general que vino a hacerse más conocida por la nueva serie animada de CGI de Netflix titulada simplemente “Ultraman”.
¿Nani?
Y bueno, los que sean fans de Ultraman podrán reconocer rápidamente a Ultraman (centro) Ultraman Ace (derecha) y a Ultraseven (izquierda con la espada), a pesar del radical cambio de diseños.
Esta historia es un reboot total de la historia de Ultraman, y empieza años despuès del final de la primera serie antigua de Ultraman para luego tomar su propio rumbo. Básicamente, luego de la partida del Ultraman original, se ha logrado crear armaduras que usar el poder de los Ultras o SPECIUM para poder ser usadas para combatir a los enemigos.
En la historia aparece por supuesto Dan Moroboshi, pero adaptado a esta historia. Se nos presenta más joven y como un rudo y curtido combatiente. El lado opuesto al idealista y noble Shinjiro (hijo de Hayata, el humano que se unió al primer Ultraman).
Y antes de que vengan los gritos de “Arruinaron mi infancia”, les recordamos que esta serie es pensada precisamente NO EN LOS FANS RETRO sino en los jóvenes de hoy para que se enganchen en una nueva franquicia.
Ultraman 7 es definitivamente el Wolverine de esta serie, pues es relamente duro y oscuro, y mata sin menor duda cuando sea necesario. Dan es muy duro a veces con Shinjiro, pues sabe que esto es una guerra y no hay tiempo para sentimentalismos o dudas en combate.
A pesar de todo hay muchos homenajes a las series originales como los lentes de Dan que son una referencia al clásico “Ultraojo” que usaba Ultraseven en su serie, y de paso su armadura está completamente basada en el diseño original. Por otro lado, muchos recordarán que Ultraseven era algo diferente en poderes y ambiente comparado con otros Ultras, y Dan no es le excepción aquí. En la historia las armaduras están pensadas para ser usadas por personas con el “Factor Ultraman”, pero Dan no lo posee, así que hace uso de habilidades únicas siendo un humano común básicamente.
El punto fuerte de esta serie son sus escenas de acción. Si bien empieza un poco lento para presentar la premisa nueva, luego pisa el acelerador con todo y es precisamente Ultraman 7 el que nos da grandes batallas, siendo el más experimentado en combate.
Bueno, para los curiosos la primera temporada está disponible en Netflix en todos los idiomas, sabores, colores y con todas las cremas. Son solo 12 episodios y pueden darle una oportunidad.
Ahora ya presentado el personaje, pasemos a ver este model kit, que encima nos trae algo de spoilers pues está basado en el primer “power up” que tiene la armadura y que de momento solo ha aparecido en el manga, y esperemos verlo en la segunda temporada.
A VER, A VER
EMPAQUE
Empecemos por la cajita… de 45 cm de alto. Para los amigos que no arman modelos a escala, no es raro que los model kits vengan en cajas muy grandes, pero hasta nosotros nos sorprendimos de ver esto que poco más y era un microondas. Este modelo es escala 1/6 lo que significa que su tamaño es un sexto de lo que sería en la vida real.
Ahí les dejamos al popular Siege Soundwave para que tengan una idea del tamaño
Grandecito, como nos gusta.
La caja trae los logos de Dimension Studio e Eastern Model que trbajaron juntos este kit. Los lados tienen una genial foto con medio rostro de Ultraman Ver. 7 o mejor dicho, Ultra Siete.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOOOH
Seven, Seven….
La parte posterior tiene fotos del modelo terminado en todos sus modos y accesorios y además pintado con acabados metálicos. El model kit viene en plástico moldeado en colores mate realmente pero es una muestra de como lo puedes dejar.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOH x2
La cajita de fósforos esta trae una genial solapa externa. Se retira y liberamos la caja que trae una cubierta en rojo para una elegante caja negra. La solapa está troquelada en varios puntos y por si no lo notaron, se asemeja al pecho del personaje.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOOH x3
Y aquí abrimos el tesoro. Como ya lo dijimos este es un model kit, que trae pnacjas de piezas para armar, y que debemos cortar y unir. Afortunadamente, este es de tipo que no requiere pegamento para armarlo.
Piecitas, piezotas, un montón de partes. Mucho trabajo por delante.
INSTRUCCIONES
Uno de los detalles que nos sorprendió gratamente fue el hecho de que las instrucciones vinieran en fino papel coché y con tapas de papel grueso con muchas ilustraciones a color. Un detalle que se aprecia mucho, pues la calidad está muy por encima de la de otros manuales en otras marcas.
Si bien las instrucciones están en chino, no hay problema alguno pues todo es muy visual y las numeración y nombres de las placas de piezas si están en nuestro idioma.
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ARMANDO, ANDO – CÓMO ARMAR UN MODEL KIT
Bueno, los model kit requieren armado, mucha paciencia y gusto por el detalle. Mucho podrán decir que es aburrido tener que armarlos, pero es precisamente ahí donde está la gracia. Estos kits son como construir algo desde cero realmente involucrándote más con el proceso de creación. Ya no es solo una figura, es una figura que armaste TÚ MISMO.
Le damos algunos consejos muy básicos, sin meternos aún en el tema de materiales o herramientas profesionales. Ten a la mano:
Una pinza o alicate de corte (punta fina mejor).
Una cuchilla o cutter (si puedes tener dos, uno grueso y otro delgado es mejor).
Lija de agua.
Si bien existen herramientas de modelismo más adecuadas, con esto pueden empezar. Eso sí, usen herramientas de calidad y no cuchillas escolares.
El armado es sencillo pero hay que ser muy ordenado.
Encuentra en el manual el número de plancha de piezas. Suele ser una letra con un número.
En el manual, al costado del nombre de la plancha verás un número. Busca la pieza con ese número en tu plancha. Usando tu pinza corta las uniones. NO LO HAGAS AL BORDE, tampoco trates de doblar para arrancar la piezas. Deja siempre un sobrante.
Usa tu cuchilla y cuidadosamente ve cortando el excelente. vas rebajando poco a poco. Así evitamos que queden marcas.
Como toque final, usa tu lija de agua para rebajar los detalles del corte y que casi no se note ni deje marcas blancas.
Repetir el proceso ad infinitum.
Antes de empezar es bueno tener a la mano las planchas que vamos a usar para cada paso. El manual es completamente paso a paso y bien marcado.
Armar un model kit es un gran pasatiempo. No te pongas como meta acabarlo en una tarde. Toma tu tiempo y disfruta cada avance. Siempre deja todo ordenado para seguir de nuevo y ten cuidado con las piezas pequeñas.
WE BUILD THIS CITY – LA CABEZA
Detallaremos como nos fue con cada parte. Empezaremos con la cabeza. Como ya dijimos es sencillo si siguen todos los pasos del manual.
Ordenaditos.
La cabeza es muy detallada y contiene partes internas que no veremos después, solo si lo armas tú mismo. Incluso debemos instalar el visor de Ultraman con mucho cuidado. El ensamble es exacto y perfecto. No requieres pegamento.
Para nuestra sorpresa, aquí ya debemos instalar el primer sistema de luces. No se preocupen que viene ya armado y con sus conectores e interruptores. Solo hay que acomodarlo dentro de la cabeza. Requiere 2 pilas pequeñas de reloj.
La tapa del casco es removible para poder acceder al interruptor. Empezamos bien.
Empecemos con las comparativas de escala. Este modelo en 1/6 así que significa que es una sexta parte de la altura real del personaje. Siege Soundwave no ayudará a ver el tamaño.
WE BUILD THIS CITY – EL TORSO
El torso incluye varias partes que se arman por separado y se unen junto a la cabeza. Cada parte se une por conectores internos de bolita.
Aquí hago notar que la unión del pecho con el abdomen fue muy dura de conectar. El conector no es de plástico suave como en el cuello, sino de plástico duro. Usamos bastante fuerza pero curiosamente una vez unido, se mueve sin problemas.
En este punto, debo hacer notar todo el mecanismo interno de movimiento para los hombros. Es notable el trabajo de ingeniería.
Hablando del pecho, este es removible y también posee su sistema de iluminación. Solo basta conectarlo a unas pestañitas.
Además, la espalda posee paneles que revelan partes internas y un parte de la espalada se mueve para permitir que el cuello y cabeza se puedan posar más cómodamente.
Una vez conectadas todas las partes, ya podemos ver como crece nuestro muchacho. Soundwave aún lo ve como su hermano menor.
WE BUILD THIS CITY – LOS BRAZOS
Otro punto interesante, pues los brazos prácticamente recrean los músculos de un brazo real en cantidad de piezas. Poseen articulación doble en el codo, giro interno y placas de hombros con doble eje. Los puntos de articulación también son bastante duros de conectar y algo duros para mover, pero esto tiene su explicación más adelante.
Échame una mano varón.
Soundwave ya puede jugar con su amigo, aunque el piedra, papel y tijeras está difícil aún.
WE BUILD THIS CITY – LA CADERA
Todo un reto de partes y sobre todo la articulación interna de las piernas pues permite abrirlas hacia los lados ampliamente. El cinturón es articulado y no está fijo a la cintura para dar más libertad de movimiento a las piernas.
Conectarlo al torso fue otro parto para lograr que se una la bolita con el conector, pero luego no hay problemas para poder moverlo.
¿Recuerdan que les dijimos que el torso era bien articulado? No estábamos bromeando.
Aquí de paso vemos la gran libertad de movimiento de los hombros, gracias a todo su sistema interno que mostramos antes.
Soundwave ya tiene un amiguito de su talla… pero mirándolo bien… es incluso ya más alto.
WE BUILD THIS CITY – LAS PIERNAS
Es en te punto que te das cuenta lo que significa armar un modelo desde dentro hacia afuera. Las piernas se arman en base a un esqueleto interno y cuentan con doble rodilla, tobillos, punta del pie, y varias partes móviles de la armadura para poder posarlo como debe ser.
La parte posterior de las piernas poseen ventanas para revelar partes internas. Un detalle que nos gusta mucho y que hace que el modelo sea muy dinámico.
Solo la pierna ya es mas alta que el buen Soundwave.
Las piernas se conectan fácilmente a diferencias de otras articulaciones. La cosa no pinta muy bien para nuestro querido Decepticon.
WE BUILD THIS CITY – LAS MANOS
Esta parte si puso a prueba la paciencia y el detallismo de su humilde redactor. Me tomó prácticamente dos días el poder armar los 8 pares de manos.
El hecho es que por cada mano hay que armar la armadura de los dedos uno por uno, así como la parte externa y los pulgares aparte. Cada manito tiene entre 13 a 15 piezas que hay que cortar y lijar con mucho cuidado pues son chicas.
Si bien no son manos articuladas, hay varias opciones y diseños (algunos específicos para ciertas armas, pero lo veremos más adelante) y se pueden combinar para darle un dinamismo extra a los brazos y el cuerpo.
WE BUILD THIS CITY – ¡CUERPO COMPLETO!
Ya con las manos, finalmente podemos apreciar a nuestro buen muchacho terminado. Una pose estoica para empezar.
¿Y QUE TAMAÑO ES? Bueno, véanlo junto a nuestro buen Voyager Siege Soundwave que nos ha acompañado hasta aquí y su amiguito ya lo dejó bieeen abajo.
El viejo molde MP-10 también nos quedó corto.
Solo con el MP Star Saber ya está mas parejo, pero igual Ultraman le saca algo de ventaja.
Yo, broda!
POSABILIDAD
En este campo es donde la figura brilla. Puedes recrear cualquier pose heroica que se te ocurra sin problemas. Su torso puedes doblarlo como si fuera una persona real. Muy interesante la libertad de movimiento que tiene.
Hiiii Yaaaaaaaaaaaa!
Aquí esperando algo de la vida…
Noten la curva de la espalda.
Round one… FIGHT!
En estas fotos pueden ver lo que destacamos de las articulaciones del torso. La espalda y cuellos dejan ponerlo como una “S”, permitiendo que las poses sean naturales.
No podía faltar esta pose.
WE BUILD THIS CITY – ARMAMENTO
Una de las características de esta nueva representación de Ultraman es que tienen armamento de todo tipo, basado en la tecnología de uso del Specium. Como era de esperarse, este model kit nos trae varias armas que nos permiten más opciones de display. Como ya lo mencionamos, estas armas son la razón de que el traje sea la versión 7.3 pues es su primer power-up visto de momento solo en el manga. Tenemos tres componentes:
ESPADAS SPECIUM
Dos impresionantes katanas, cada una con su propia funda la cual viene con esponjas internas para que al espada entre y no se caiga. No apto para niños pues la punta es realmente aguda. Las fundas pueden ir colgando de dos soportes articulados de la cintura o con una pieza opcional de las piernas para ir colgando directamente en ellas.
Aquì también podemos ver alternativas de las manos para el display. Ya sea con espada envainada o libre.
Y no podía falta una foto en pose de corte. Sencillamente genial como puedes doblar el cuerpo.
Menos mal que no es mi espalda.
EX RIFLE
Dos rifles para el combate a larga distancia. Estos rifles no son solo para poner en las manos pues vienen con un soporte articulado para poder desplegarlos y posarlo como si los estuviera recibiendo.
Es curioso como instalar los soportes. Hay dos diminutas paneles en la espalda que debes mover a los lados para revelar los conectores.
Las duras articulaciones aseguran la estabilidad, a pesar del peso adicional. Aquì debemos usar un par de manos que son específicas para los rifles. En estas hay que sacar el dedo pulgar, encajar los dedos y recolocar el pulgar para que las sostenga.
SPECIUM CRUSHER
Creados para aprovechar el poder de combate de Ultraman 7 en cuerpo a cuerpo. Dos enormes unidades que funcionan como cañones de Specium, guantes de combate o garras para aplastar a sus enemidos. Estas dos piezas PESAN MUCHO, y ahora veo porque las articulaciones de todo el cuerpo son tan duras. Gracias a ello, puede sostener estas armas sin problemas. No le vence el peso en ninguna pose.
Aquí una foto para que se den una idea del tamaño de estas armas.
Recalco que ninguna pose requiere apoyo. Todas se logran fácilmente.
BIEN AHI
Ya con todo el armamento encima esta figura pesa realmente bastante, al punto que podrías pensar que tiene die-cast. El plástico es muy bueno y pesado, en particular con el que se arma el Specium Crusher.
El modelo es la versión PLAMO en plástico en color base que no se ve nada mal, pero también puedes ir mas allá y pintarle detalles o pintarlo por completo (o mandar que te hagan ese trabajo).
La figura incluye decals al agua para agregar logos, emblemas y muchos detalles extra, pero de momento queríamos mostrarles como es el modelo armado por completo. Actualizaremos con fotos extra más adelante.
Lastimosamente, debido a la cuarentena por la amenaza del Coronavirus no me ha sido posible comprar las pilas para demostrar las luces, pero lo actualizaremos ni bien sea posible.
COMENTARIOS FINALES
No negaré que he quedado mas que impresionado con este model kit. Su cantidad de piezas y trabajo de armado es simplemente genial y es un buen reto. Siendo sinceros, no lo recomiendo para quienes no hayan armado un modelo antes, o no tengan paciencia.
La figura en tema de posabilidad, diseño y detalle es top. Altamente recomendada así no sepas mucho del personaje y brillará en cualquier vitrina.
Su rango de precio va entre 60 a 80 dólares dependiendo el proveedor (sin envío) pero se ve reflejado el costo con el producto.
Si no tienes habilidades para el pintado, está a punto de salir la versión pre-pintada en acabado metalizado por alrededor de 80 dólares. Puedes verla desde la página de Yolopark (hagan click en la imagen y los redireccionará).
Esperamos les haya gustado la reseña y hayan podido al menos conocer algo más de Ultraman, el modelismo y que les haya despertado la curiosidad por estos temas.
Además estén atentos al Facebook deYolopark, pues ellos también ya tienen licencia de Transformers y están trabajando en una IMPRESIONANTE figura articulada no transformable del Optimus Prime de la película de Bumblebee, así como más personajes de esta película
Les dejamos el video promocional del Internal Interconnect Endoskeleton System Optimus Prime.
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli,la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
Meme sobre lolicon
¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita.El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field(Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli,la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
Meme sobre lolicon
¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita.El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field(Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
