La inmortalidad es un concepto que ha fascinado al ser humano desde sus orígenes. Ha sido parte de muchas culturas y religiones además de ser un elemento muy usado en diversas artes y entretenimientos; en su mayoría se convierte un un objetivo o ideal de búsqueda, una promesa luego de una vida terrenal, pero también nos hace entender que una existencia eterna hace que el valor de la vida pierda sentido, una bendición que a la larga se puede convertir en una terrible cruz.
Mugen no Jūnin (El habitante del infinito) , más conocido en occidente como La Espada del Inmortal, es un manga seinen de género histórico con guion y arte de Hiroaki Samura, empezó a publicarse en la revista Monthly Afternoon de Kodansha desde junio de 1993 hasta diciembre del 2012, llegando a publicar 30 volúmenes; cuenta con dos adaptaciones al anime, una novela, una película Live Action y un manga secuela.
Inmortal conoce a chica
La historia gira en medio de la era Edo, en la cual vive un ronin llamado Manji, conocido como «El asesino de 100 hombres», el cual recibió de una extraña anciana llamada Yaobikuni (una especie de sirena del folclore japonés) unos extraños gusanos conocidos como «kessen-chū», los cuales le permiten curar cualquier herida que su cuerpo reciba. Luego de vivir dos años en esa condición, llega a un acuerdo con la anciana, en la cual se compromete a matar a 1000 criminales para redimirse de los crímenes anteriores, y así dejar de ser inmortal. Yaobikuni se pone en contacto con una joven que requiere un guardaespaldas ; de esa forma se inicia el sangriento y brutal camino de venganza y redención.
Rin es una joven de 16 años, dos años antes el dojo de su padre fue atacado por un grupo grupo llamado Itto-Ryu, liderados por el carismático Anotsu Kagehisa, cuyo objetivo es derrotar y unificar a todos los dojos de Japón bajo un único concepto: ganar sin importar que técnicas o armas uses, y permitiendo que cualquier persona pueda practicarlo. Ellos asesinaron al padre de Rin y violaron a su madre, la cual luego desapareció. A pesar de no ser muy hábil en la lucha, está decidida en lograr su objetivo de venganza. Manji decide ayudarla ya que Rin le recordaba a su hermana menor, la cual murió por su culpa.
Nuestro protagonista es cínico por naturaleza, en parte a los sucesos que lo condujeron a ser inmortal , en un inicio acepta de mala gana ser guardaespaldas de Rin, pero a medida que la historia avanza, muestra una mayor preocupación por ella; por otro lado, Rin suele ser ingenua e impulsiva, lo que ocasiona que Manji tenga que salvarla en varias ocasiones; poco a poco la veremos madurar y volverse mas fuerte a su manera ,e incluso arriesgar su vida para salvar a Manji.
Mientras se dedican a dar caza a los miembros del Itto-Ryu, surge otro grupo llamado Mugai-ryu, los cuales también se encuentran persiguiendo a los del Itto-Ryu, peor aún las cosas se complican para todos cuando un poderoso magistrado empiece a involucrarse . Esta historia cuenta con un grupo variopinto de personajes, con diversas motivaciones por la cual luchar, destacando a Kagehisa, el serio líder del Itto-Ryu , el cual esta decidido a todo a cumplir su objetivo ; Otono Tachibana Makie, la melancólica guerrera; la astuta Hyakurin; el desquiciado Shira; entre otros.
Muchas, pero muchas armas y un arte de primera
Hay que destacar la cantidad de armas y técnicas que usan la mayoría de personajes, las cuales le pueden hacer competencia a Rurouni Kenshin , por lo estrambóticas y curiosas que son. Solo ver a Manji desplegar todas sus espadas, katanas, puñales, cuchillos, ect. ya en sí es una locura; el resto de armas que veremos son de lo más llamativos: la espada tipo hacha de Kagehisa, La lanza de Makie, las hoces con cadenas de Giichi, la espada doble de Taito, los puñales de Rin, etc. Las escenas de batalla son intensas y sangrientas, el autor no deja nada a la imaginación y veremos usar los mas variados estilos de lucha.
El arte de Samura es una de los mejores que haya visto, un manejo integral del dibujo, composición, diseño de personajes y escenarios, cada escena de pelea parece una obra de arte, sin dejar de lado que el autor no escatima en mostrarnos escenas de mucha crudeza.
Una excelente adaptación anime
El 2008 tuvo su primera adaptación al anime, la cual contó con 13 episodios; de forma sorpresiva el 2019 se realizó una nueva versión, esta vez abarcando toda la historia del manga, la cual fue producida por los estudios Liden y fue proyectada en streaming por Amazon Prime Video. Hay que resaltar la buena calidad de esta última adaptación, la cual supo transmitir la esencia del material original. Esta serie contó con 24 episodios y contó con la participación del reconocido seiyuu Kenjirō Tsuda (Tatsu en Gokushusfudo) como Manji.
Un detalle para resaltar es el símbolo que figura en el kimono de Manji, el cual es una esvástica invertida, conocida como sauvástica , el cual es considerado como símbolo de prosperidad y buena fortuna, no tiene nada que ver con el símbolo del partido Nazi ,por culpa de ello ha habido mucha polémica (en occidente) con el uso de esta imagen ,en especial con el anime de Tokyo Revengers, el cual curiosamente es también producido por el mismo estudio que hizo la versión anime de La Espada del Inmortal.
Estamos ante uno de los mejores exponentes de su género, una historia adulta, perturbadora, con toques fantásticos y mucha acción, personajes carismáticos y un hermoso arte. Un clásico inmortal del manga.
Un temible yakuza se retira de la vida criminal para dedicarse a su hogar y así apoyar a su amada esposa. Y sí, es un amo de casa PERFECTO. Podrá ponerse un delantal kawai pero es el yakuza de su hogar.
el temible Tatsu
Esta historia comencé a seguirla casi desde su inicio y me resultó demasiado cómica. Tatsu no era un yakuza cualquiera, era conocido como el “Dragón Inmortal”. Incluso se cuenta que acabó con una banda él solo, aunque ayudó mucho que también tenía un tubo en la mano. Pero ahora que se dedica a su casa, viste siempre un lindo delantal que contrasta demasiado con la fría y dura mirada que pone cuando se pone intenso en algún quehacer. Es el campeón en coger las ofertas con cupones y no teme enfrentarse a nadie cuando la carne está en rebaja. La presentación de las comidas que prepara es impecable, la ropa blanca nunca lucirá una mancha y su esposa será conejillo de indias de todo artilugio inventado para relajarla y aliviarle el stress.
Un amo de casa no descuida su físico
En las situaciones mas usuales como seguir clases de cocina, su manera de hablar como yakuza sumada a su afilada mirada hace que la gente se dé un buen susto y si creyeron que todas estas cualidades eran geniales, les cuento que apoya el lado otaku de su esposa Miku. Siempre procura consiguir para ella alguna edición especial de su anime favorito, cards de colección o figuras originales.
Protagonistas
EL estilo del manga es bastante similar al del anime
Tatsu
Es un ex-yakuza conocido como El Dragón Inmortal. Tiene tatuada toda la espalda y parte de los brazos. Tiene cicatrices en varias parte del cuerpo, siendo las del rostro que infunden temor cuando mira fríamente. Cuando Miku lo encontró ensangrentado luego de una pelea entre bandas se retiró de la mafia y al no tener estudios u otro tipo de preparación decide quedarse en casa y hacer las labores del hogar.
La aspiradora fue aprobada
Pese a vivir una vida más tranquila mantiene ciertos comportamientos de su vida anterior: Viste formal, lleva anteojos oscuros, habla en jerga yakuza y las compras las suele llevar en un maletín. Fácilmente es reconocido por antiguos yakuzas y también por la policía que lo persigue pensando encontrar drogas en su maletín pero solo encuentran hierbas aromáticas en sobrecitos.
Toda la lealtad que ofrecía a su anterior jefe ahora la ofrece a Miku y a las labores que desempeña les pone muchas ganas. Llegando a ser demasiado detalloso y exigente. Como cuando se encuentra con Massa, un aún yakuza, y le enseña sus mejores técnicas de lavado.
Tatsu está atento a los días de ofertas, a recolectar los sellos del Centro Comercial para participar en la lotería y busca siempre la mejor manera de hacer sus quehaceres. Asiste a talleres de cocina, participa en vóley y en las actividades del Centro Comunitario de barrio. Eso le ha permitido conocer a sus vecinas quienes lo tienen en alta estima. Está siempre listo para toda situación y en caso no tuviera todos los implementos necesarios improvisa muy bien.
Que pareja más bonita XD
Miku
Esposa de Tatsu, es una exitosa diseñadora profesional, muy guapa, dulce y correcta, pero es un desastre en las labores de la casa y ni hablar de la cocina. Le encanta el anime Crimewatch PriCure y colecciona lo que puede permitirse. No se engañen con su apariencia, es muy buena en artes marciales y puede, si lo quisiera, someter al «Gran Dragón Inmortal». Sus padres estiman mucho a Tatsu. La madre de Miku le pide que comparta algunas recetas, y su padre ve en él al hijo varón que no tuvo, por lo que siempre trata de hacer cosas que haría con un hijo. Aunque termine empotrado contra un árbol ante la fuerza bruta de su yerno.
No sólo le queda delicioso sino digno de foto
Cada capítulo, sea del manga o el anime muestra la vida cotidiana de Tatsu. No hay un orden en específico así que se puede disfrutar de manera relajada en cualquier orden.
El manga
Fue escrito por Kousuke Oono y publicado por Shinchosha en la revista Kurage Bunch. Se comencó a publicar el 23 de febrero del 2018 y sigue en publicación. Los capítulos son cortos de unas 15 páginas. pero ya van 7 volúmenes publicados.
El anime
Fue dirigido por Chiaki Kon con el Estudio de animaciónJ.C Staff licenciado por Netflix. Son 10 episodios de los cuales solo han sido emitidos la mitad. Son super divertidos y cortos (16-19 minutos) por lo que en un pestañeo se acaban y te quedas con ganas de más.
Han llovido las críticas por el estilo de animación, incluso por ahí se lee que parece una mala presentación de Powerpoint, que no parece una “animación” y hay algunos que opinan que estropearon la historia. Los productores le indicaron a Chiaki kon que la animación sea similar a un manga y a mi parecer, lo ha logrado. Para todos los gustos y colores hay en este mundo. A mí me gustó ver una animación diferente y puedo decir que no pierde su gracia.
Gin pasea por el vecindario y casi pone en aprietos a su gato-vecino
Cada capítulo trae alguna aventura de Gin, el gato de Tatsu y Miku. Son realmente hilarantes.
La versión Dorama también es muy divertida
Incluso hay un dorama de 10 episodios que se emitió en el 2020. Que puedes disfrutar si te quedas enganchado y quieres disfrutar de todas las versiones.
Opening: Canción: «Shufu no Michi» – Interpretada por Uchikubi Gokumon Doukoukai
Una música con mucha fuerza acompaña un collage de imágenes que se combinan mostrando el pasado y presente de Tatsu. Muy dinámico por lo que hay que verlo varias veces para poder tomar detalle de lo visto.
https://youtu.be/haOHYI3QMMk
Cabe decir que el nombre de la banda de Punk Rock «Uchikubi Gokumon Doukoukai» se traduce como «El Club de la Pelea de la Prisión» y su el estilo aparte de ser pegajoso calza perfecto con el personaje principal.
Ending: Canción: «Goku・Fufukaidou» Interpretada por Uchikubi Gokumon Doukoukai
Con una canción más pausada pero con ímpetu y con la imagen de un gato caminando de fondo, vemos a Tatsu en diferentes escenas de su día a día . Cabe decir que el nombre de la banda de Punk Rock «Uchikubi Gokumon Doukoukai» se traduce como «El Club de la Pelea de la Prisión» y su el estilo aparte de ser pegajoso calza perfecto con el personaje principal.
Imagínense al mundo asolado por una infección desconocida que obliga a la humanidad a permanecer escondida, impedida de vislumbrar la luz de la superficie para salvaguardar su vida. No, no estoy describiendo al planeta Tierra bajo la amenaza del COVID-19, sino al universo de BLAME!, manga seinen de ciencia ficción escrito e ilustrado por Tsutomu Nihei, publicado originalmente para la revista mensual Afternoon, desde 1997 hasta2003.
Portada del primer volumen del manga BLAME! Master Edition
Virus cibernético
Sin embargo, en este caso, el virus mortal no ataca a los terrícolas, sino a las máquinas, las cuales se transforman en artefactos infatigables de construcción y muerte. Estos seres mecanizados cuentan con dos funciones matrices: la reproducción de estructuras metálicas y la desaparición de todo agente no cibernético. Es decir, el exterminio de la humanidad para la proliferación de sus afanes arquitectónicos.
Pero los hombres y las mujeres de BLAME! no están solos. Killy, un enigmático y huraño guerrero, portador de una poderosa arma conocida comoEmisor de Rayos Gravitacionales, surgirá cual haz de esperanza en medio de las sombras robóticas. Su origen es un misterio, pero su propósito es claro: consumar el hallazgo de una persona que tenga la capacidad genética de conectarse a laRed Esfera (una especie de red de redes que es capaz de controlar a todas las máquinas).
Killy
Los páramos de Nihei
Los exterminadores
Acero letal
Cibo
Este es, a grandes rasgos, el argumento central de BLAME! Aparentemente, se trataría de una típica historia de tintes cyberpunk, que se desarrolla en un escenario apocalíptico donde reina la anomia, por parte de las máquinas, y la anarquía, por parte de los humanos. Pero el encanto de este título está en otros flancos. Por medio de esta reseña a dos adaptaciones audiovisuales (la miniserie web de Group Tac y la versión cinematográfica distribuida por Netflix), trataré de aproximarme a las particularidades que hacen de BLAME! un manga cyberpunk de excepción.
Antes de comenzar, cabe hacer la precisión que ambos productos relatan la misma anécdota.Lo que diferencia a una adaptación de la otra es, aparte del metraje y el presupuesto, los tratamientos estéticos y narrativos.
Group Tac: De la fuente impresa a la web
La primera adaptación audiovisual vio la luz en el año 2003.La realización estuvo a cargo del experimentado estudio de animación Group Tac., casa productora responsable de algunos títulos imprescindibles del anime e incluso de la historia de la animación.
A ella le debemos piezas emblemáticas como Acorazado Espacial Yamato (Uchuu Senkan Yamato, 1974), Una Noche en el Tren Intergaláctico (Ginga Tetsudou no Yoru, 1985), Street Fighter II: The Animated Movie (1994), Street Fighter II V (1995), Those Who Hunt Elves (1996), Twin Spica (2003) y hasta Superman: la serie animada, famosísima adaptación de las aventuras del último hijo de Kriptón, producida por Bruce Timm y Paul Dini.
Space Battleship Yamato
Una Noche en el Tren Galáctico
Street Fighter II: La Película Animada
Street Fighter II V
Los Cazadores de Elfos
Superman: La Serie Animada
Lamentablemente, en el año 2010, meses después del fallecimiento de uno de los fundadores, Atsumi Tashiro, Group Tac. se declaró en quiebra. La empresa fue liquidada por completo. Su último proyecto fue la cinta Konchuu monogatari Mitsubachi Hacchi: Yuuki no merodi (una versión cinematográfica del afamado anime del estudio Tatsunoko, conocido en Hispanoamérica como Las Aventuras de José Miel o La Abeja Hutch.)
Páramos metálicos
La miniserie de BLAME! contó con seis episodios de aproximadamente seis minutos cada uno y estuvo pensada para ser transmitida a través de internet. Es decir, se trató de una ONA (acrónimo de Original Net Animation), un producto que se caracteriza por su exclusividad web y su breve metraje. Estos mini episodios fueron dirigidos por Shintaro Inokawa.
La factura técnica de la serie web se caracteriza por el uso de colores fríos, privilegiando los grises y las tonalidades purpúreas y desaturadas. Este detalle le imprime al conjunto un carácter monocromático, muy a tono con el manga original. También, al igual que la fuente impresa, la narrativa de la ONA nos enfrenta con un relato hermético y atmosférico. Los diálogos son mínimos y las secuencias de acción son la excepción y no la regla.
La ausencia de claridad no afecta el desarrollo. Por el contrario, el espectador tiene la oportunidad de experimentar la misma desolación que Killy, el androide taciturno. Su trayectoria a través de las urbes decrépitas y hostiles de Nihei son exactamente eso: traslados y nada más. El resto es solo ruina.
Esta primera adaptación posee la misma aura que transmite el manga: el de estar recorriendo un páramo metálico y estéril, donde la vida y el color son solo destellos reservados para el asomo de la violencia, la máquina o la muerte.
Polygon Pictures + Netflix: ciencia ficción de alto calibre
La adaptación de Netlix, en cambio, se encuentra en las antípodas. Lanzada en el año 2017, esta cinta fue dirigida por Hiroyuki Seshita y producida por el estudioPolygon Pictures, los mismos responsables de otros títulos importantes del anime contemporáneo: Caballeros de Sidonia (adaptación en formato serie de otro manga de Tsutomu Nihei, lanzada en el 2014); Ajin (la trilogía de cintas y también la serie de TV lanzados entre 2015 y 2016); Godzilla: Planeta de monstruos, Godzilla: Ciudad al Filo de la Batalla y Godzilla: El Devorador de Planetas (trilogía de films que adaptan el universo del rey de los kaijus en formato anime.)
Caballeros de Sidonia, adaptación de otra obra de Nihei
Si bien la trama sigue siendo básicamente la misma, en este caso el tratamiento se aproxima más a una película tradicional de suspenso, acción y ciencia ficción. Además, el foco del protagonismo cambia, apartando al héroe Killy y limitándolo a un rol secundario. Más bien, el énfasis se coloca en una tribu de humanos que se ocultan para no ser pulverizados por robots asesinos, pero que se ven obligados a exponerse en la intemperie con la finalidad de encontrar alimento.
Como se puede inferir, gracias a su condición de largometraje y su asociación con Netflix, las principales virtudes de este film residen en sus valores de producción, ahora potenciados gracias a un mayor presupuesto. Las estructuras laberínticas de Nihei cobran vida y se convierten en auténticas mazmorras cuadrangulares, zigzagueadas de cabo a rabo por circuitería y chatarra.
Perfiles tridimensionales
Las bondades de la animación otorgan al espectador la oportunidad de apreciar con nitidez la voluminosa plasticidad de la pesadilla tecnológica del manga original. Al mismo tiempo, los humanos protagonistas y los robots dejan de ser figuras filiformes y sombrías, para pasar a convertirse en cuerpos de peso y flexibilidad semejantes.
Esta variación con respecto al manga (que se caracteriza por el rechazo de la uniformidad, privilegiando las formas serpenteantes y enrevesadas) le resta originalidad al apartado visual de la adaptación, y lo emparenta estéticamente con otros largometrajes en 3D, como Resident Evil: Degeneration (2008), Appleseed (2004) o Final Fantasy: The Spirits Within (2001).
Dejando de lado las particularidades artísticas de cada uno de esos títulos, los acabados de las figuras y el dinamismo de los movimientos de todos ellos presentan más coincidencias que contrastes.
Metal y melancolía
Sin embargo, donde la cinta se desprende de todas esas generalidades es en la introducción de sus dos héroes: Killy y Cibo. Ambos se presentan como guardianes renuentes, seres que se encuentran a medio camino entre una naturaleza humana y otra artificial. Tales detalles les otorgan a ambos una capa adicional de complejidad. Sumado a ese acierto, está el de dejar sus objetivos en una oscura imprecisión. Es decir, su atractivo reside en el magnetismo de unas presencias que son en verdad asomo de suspenso y peligro. Es imposible saber si sus intenciones son benévolas o pérfidas.
Killy + Cibo
A pesar de tratarse de una historia lineal y predecible, la adaptación 3D de BLAME! tiene la virtud de ser un vehículo perfectamente digerible, que tiene como mérito mayor el ser capaz de aproximar los espectadores casuales a la obra gráfica de Tsutomu Nihei, quizá una de las más originales y profundas de los últimos tiempos.
Porque, tras ese laberinto críptico de acero y fibra de vidrio, BLAME! se perfila como una reflexión sobre la frontera que separa la esencia vital del ser humano de su obsolescencia física. Esa frontera, para Nihei, no es otra cosa que el hocico voraz de la tecnología, capaz de triturar la voluntad y escupir nuestros huesos.
Tras más de diez años de perseverancia e imaginación, Naoya Ishikawa logró materializar uno de sus sueños en agosto de 2010. Se trata de una historia que va más allá de un guion con poco brillo o de un proyecto no muy bien dotado técnicamente. Esto es Kuttsukiboshi, el “epítome” del anime yuri independiente de Ishikawa Pro.
[Spoilers] «Watashi no 71%», ending 2 de Kuttsukiboshi.
Como saben muy bien los fans, el yuri es un género en el que no sobran nombres. Los pocos que existen son adaptaciones, y la mayoría nunca ha pintado en lo mainstream. Kuttsukiboshi es un OVA de dos episodios (uno de 20 y el otro de 24 minutos) producido independientemente por Naoya Ishikawa, un hombre cuya pasión por el medio lo llevó a crear animes a través de sus propios medios.
La historia de Aaya Saitou y de Kiiko Kawakami logró cultivar un fandom pequeño –pero muy fiel-, y es el único de los proyectos de Ishikawa que es al menos identificado por la mayoría de simpatizantes del yuri. Se trata de una obra que está lejos de ser una creación maestra, y de hecho no se encuentra muy bien pulida en ningún aspecto. No obstante, tiene el mérito de, con todas sus limitaciones, haberse hecho un espacio en el corazón de muchos.
Lo que le gusta y no a la gente
Kuttsukiboshi –para ponerlo en términos coloquiales- se mama en muchos sentidos. Se trata de la relación entre Aaya y Kiiko, pero es un relato accidentado que mezcla elementos sobrenaturales explicados a la ligera, plot twists muy cuestionables y conductas que hacen dudar del sentido común de los personajes. A pesar de ello, logra resultar entretenido y tener un carisma muy particular que nos lleva a recordarlo hasta la fecha.
Kiiko (sentada) y Aaya (echada) comiendo helados.
Aparentemente tras el shock derivado por un accidente de tránsito, Kiiko obtuvo poderes psíquicos un año antes de los eventos del OVA. Este es el secreto que ella comparte con Aaya, su compañera de clase y el amor de su vida. Y sí, bastaron apenas los dos primeros minutos de la serie para que la propia Kiiko deje en claro que el viento existe solamente para hacer suspirar su cabello gris.
Esto último hace sonar como si estuviésemos frente a un lindo romance de dos colegialas con un toque fantasioso, pero Kuttuskiboshi decidió matar las expectativas de manera cruel. Sin caer en spoilers, el primer episodio acaba con uno de los twists más infames e inexplicables en la historia del yuri. Uno como fan del género desearía mandarlo al olvido, pero al menos el final de la serie hace el trabajo de literalmente hacer como si nunca hubiese sucedido.
Yuri para los que la conocen
¿Por qué, entonces, podría uno guardarle cariño a semejante caos de relato? “Me gustaban los personajes femeninos, y quería yo mismo convertirme en uno”. Así explicó Ishikawa en una entrevista el origen de su fuerte interés en el yuri, el cual se vio concretado cuando descubrió Koutetsu Tenshi Kurumi 2, secuela del popular harem de Otoño 1999. Como un fan más, él supo incluir también en su creación favorita aquello que quiere la gente.
Kiiko lo logró en menos de un capítulo.
¿Te hartaste de esperar trece episodios de Sasameki Koto por un beso? Pues seguramente el buen Naoya también, y por eso no se tomó más de seis minutos y medio en dibujar y animar a Aaya y Kiiko bajo un árbol haciendo lo suyo. Kuttsukiboshi juega con escenas que bordean el terreno R+18, y en el segundo OVA las cosas se ponen más turbias, pero finalmente los momentos felices entre ambas terminan imponiéndose.
La popularidad de la serie, además del amor de su autor hacia ella, lo llevó a que publique una serie de dōjinshis oficiales hasta varios años después. Son side stories breves de Aaya y Kiiko posteriores al final del anime. El componente oscuro es dejado de lado a favor de escenas H moderadas, y todo fan termina satisfecho con ver que sus dos personajes favoritas lograron seguir felices y juntas para siempre.
Página 14 del dōjinshi oficial Kuttsukiboshi -Sekai ni Houkago-.
Puntos extra
Un detalle muy llamativo es que dentro del cast se encuentra la popular Asami Imai, cantante y seiyū que hace la voz de Kiiko. Su rol más conocido es probablemente el de Kurisu Makise en Steins;Gate, y entre sus singles en animes están Asayake no Starmine (ending 2 de Plastic Memories) y Hoshikuzu no Ring (opening de Corpse Party: Tortured Souls). Ishikawa mencionó que el proceso de grabar voces era nuevo para él, y resulta muy curioso que haya podido contar con semejante nombre para esta producción.
[Spoilers] «Hatsukoi Kasoku Kūkan», ending 1 de Kuttsukiboshi, por Asami Imai. Lamentablemente coincide con la peor parte del anime.
Por otro lado, es difícil no sentir algo de admiración por cómo logró hacer realidad las ideas que apuntó por muchos años antes de dormir. Él ni siquiera pudo dibujar a Aaya y a Kiiko en aquellos tiempos porque sentía que sus habilidades de dibujo eran malas. Trabajo duro, pulió sus capacidades, y terminó animando por su cuenta un anime de dos episodios. El cariño de los fans hacia su obra permitió que ellas dos sigan amándose eternamente en los mangas.
Ishikawa Naoya es uno de muchos creadores independientes, pero lamentablemente es un nombre que pasa desapercibido en la industria. Su historia, con otros de sus proyectos como Docchi mo Maid, merece al menos un artículo aparte. El suyo es un ejemplo de alguien que no destaca precisamente por ser un genio o por gozar de un talento innato: el amor de Naoya por el anime lo llevó a convertirse en creador, para así poder volver a encontrarse con los personajes que tanto quería.
«Una persona es feliz cuando logra su felicidad» – César Acuña.
Fueron tres películas las que se extrajeron de Fatal Fury, el videojuego de luchas cuerpo a cuerpo diseñado por Takashi Nishiyama y desarrollado por la compañía SNK en el año 1991. La compañía Studio Comet se encargó de su producción y su lanzamiento en años consecutivos.
La Leyenda del Lobo Hambriento
La Nueva Batalla
Fatal Fury: La Película
Las dos primeras se exhibieron como especiales de televisión en la cadena Fuji TV y llevaron por nombre Fatal Fury: La Leyenda del Lobo Hambriento (1992) y Fatal Fury: La Nueva Batalla (1993). La última se trató de una producción cinematográfica y se denominó Fatal Fury: La Película.
La Leyenda del Lobo Hambriento
Fatal Fury: La Leyenda del Lobo Hambriento (conocida como Battle Fighters: Garou Densetsu en Japón) narra los acontecimientos de la primera iteración del videojuego, casi sin alteraciones: Geese Howard, caudillo supremo de una mafia que regenta South Town, elimina a Jeff Bogard, antiguo rival y padre adoptivo de Terry y Andy, a plena luz del día. Ambos niños, al ser testigos de la sangría, jurarán cobrar venganza cuando crezcan. Tras años de entrenamiento, buscarán una oportunidad en el torneo The King of Fighters (el rey de los peleadores), el cual es organizado por el mismo verdugo del patriarca de los Bogard.
Un personaje nuevo es añadido al conjunto:Lilly McGuire, la Reina de South Town, especie de hija adoptiva de Geese e interés sentimental de Terry. Entre ambos surgirá un romance tórrido, avivado por las ansias de redención de Lilly. Después de todo, su intervención en la emboscada del padre resultó decisiva para la victoria de Geese años antes.
Terry & Lily: amor imposible
The King of Fighters: torneo sin participantes
Además de las comparsas de Terry (Andy Bogard, hermano de Terry, y Joe Higashi, colega y rival amistoso de Andy), el OVA incluye en roles secundarios a Billy Kane y Raiden, ambos con apariciones cortas donde se limitan a actuar como secuaces sin voluntad propia. Cabe recordar que su rol en las consolas se circunscribe al torneo que sirve de subtítulo al videojuego original (Fatal Fury: The King of Fighters). El cachascanista enmascarado Raiden sí llega a pisar el cuadrilátero, pero no más que eso. Billy Kane, por el contrario, ni se asoma.
Algo similar ocurre con Tung Fu Rue, aunque desde el otro lado de la moneda. Al igual que en la versión para consolas, aquí Fu Rue es el anciano mentor de los hermanos Bogard. Su participación se reduce a una mera excusa para poner en marcha el aprendizaje de una técnica que no forma parte del juego original (el «Puño Huracán», un movimiento que transforma al luchador en una tromba de aire). Finalmente, dos antagonistas más del juego original, Hwa Jai y Richard Meyer, realizan anecdóticos cameos como contrincantes del torneo.
Dicho sea de paso, el susodicho certamen es un episodio aislado, sin mayor alcance sobre el resultado de la trama. Es una lástima, más aún teniendo en cuenta que el evento de lucha conocido como El Rey de los Luchadores, es un acontecimiento crucial de escala mundial en el universo de los juegos de pelea de SNK (universo que es reproducido en la franquicia de juegos con el mismo nombre, The King of Fighters, al cual pertenecen Terry y compañía, junto a una larguísima galería de contendientes, algunos más famosos que otros.)
The King of Fighters, el torneo que da nombre a la franquicia más exitosa de SNK
Van Damme made in Japan
Lo que en el papel parecía una sólida cinta de acción y artes marciales, en la imagen es un cúmulo de viñetas desarticuladas que suman peleas sin tensión física ni dramática. Es cierto que la animación posee personalidad y dinamismo (el diseño de personajes de Masami Obari es notable), pero el desarrollo argumental sufre. Los protagonistas suelen sobre explicar sus motivaciones de forma reiterada y algunas acciones no tienen consecuencia con su derrotero principal (como los cameos inconsecuentes de personajes secundarios.)
El romance «central» entre Terry y Lily tampoco se desarrolla. Su naturaleza es fortuita y no evoluciona más allá de la irreconciliable búsqueda de perdón por parte de la hija adoptiva de Geese. Su rol en la cinta parece solo una añadidura argumental para darle un objetivo más trascendental al protagonista, Terry Bogard.
Retroceder Nunca, Rendirse Jamás
Kickboxer (Fatal Fury en Tailandia)
Terry Bogard versión belga
Ciertamente, es una lástima. La fuente poseía una factura que lo asemejaba a cintas de acción muy populares de fines de los ochenta y principios de la década siguiente. El potencial para elaborar una suerte de versión anime de un film de Jean Claude Van Damme no se concretó, a pesar que los ingredientes estaban servidos (tres de sus éxitos más conocidos, Retroceder Nunca Rendirse Jamás, Kickboxer y León, luchador sin ley, son, en esencia, Fatal Fury sin los proyectiles mágicos).
Porque, a pesar de ser un lugar común, Fatal Fury esla vieja historia del luchador que busca justicia por mano propia, abriéndose paso entre calles que son junglas de cemento, mientras lidia con pasiones terrenales como la lealtad, el amor y la sed de venganza. Estos ingredientes deberían garantizar una experiencia plagada de ferocidad, truculencia, color y diversión, pero el efecto es el opuesto.
La Nueva Batalla
Fatal Fury: The New Battle (Battle Fighters: Garou Densetsu 2 en Japón) es una prolongación de lo narrado en el OVA previo. Esta cinta, igual que su predecesora, incorpora la trama de un videojuego de la misma saga (Fatal Fury 2, la secuela lanzada en Junio de 1992).
En este segundo especial televisivo, una nueva amenaza surge: se trata de Wolfgang Krauser, un guerrero de noble estirpe y opacos intereses, que además guarda parentesco sanguíneo con Geese Howard, su hermanastro. Su papel como guardaespaldas de la realeza mundial es tan solo una pantalla para sus verdaderas intenciones: dominar el mundo tras las sombras, derrocando gobiernos a través de caos y destrucción (?).
Wolgang Krauser, aristócrata, ocultista y melómano
Se trata del mismo antagonista de su contraparte en consolas, Fatal Fury 2, pero con una estampa diferente. Mientras que en el videojuego se aprecia a un corpulento hombre de mediana edad, que luce un frondoso bigote púrpura que adorna la comisura de su boca, en su representación fílmica es más joven y lampiño.
Y aunque Krauser parezca un villano menos memorable que Geese, se trata de un personaje tanto o más vistoso. Como en el juego, Krauser hace gala de un físico que lo vuelve una mole con delirios de grandeza y ausencia total de humildad. Sin embargo, la cinta deja de lado sus ínfulas monárquicas para enfatizar su megalomanía y su demencia. Este detalle le resta matices y convierte a Krauser en un villano acartonado.
Krauser, villano con buen gusto musical
Versión anime (con bigote seguro ganaba)
Trío del mal: Krauser, Geese y Mr Big
Incluso, está ausente su insólito fanatismo por la música clásica, específicamente por el Requiem de Mozart (los que hayan tenido la oportunidad de batirse a duelo con Krauser en el videojuego, recordarán que sus temas de combate alternan entre las célebres secuencias Lacrimosa y Dies Irae, ambas provenientes de la pieza póstuma compuesta por el genio del periodo clásico.)
Fan service, gamer style
Mención aparte merece el ingreso de uno de los personajes más populares de SNK, Mai Shiranui, la ágil ninja que nunca se deja pisar el poncho, pero que se desvive por acaparar la atención de su amado, el santón rubicundo,Andy Bogard. Sus escenas juntos son una suma divertidísima de disfuerzos y travesuras que rompen con la monotonía de los hechos previos.
Adorada tanto por incondicionales de la franquicia como por gamers ocasionales, Mai Shiranui es una suerte de respuesta a la igualmente famosa Chun-li, personaje icónico de la franquicia rival, Street Fighter. A diferencia de esta, sin embargo, Mai no es circunspecta ni impasible, sino todo lo contrario: jovial, cándida y exuberante (en todas las acepciones posibles de la palabra).
Mai Shiranui, la ninja favorita de los gamers
Versión anime de Mai
Mai y Andy, amor eterno
Sprite de Mai en acción
Además, quizá se trate de uno de los primeros usos por parte de una compañía de videojuegos del fan service(la inclusión de elementos vistosos e irrelevantes, mayoritariamente vinculados a la exhibición gratuita de voluptuosidades femeninas). Como prueba, solo basta darle un vistazo al guardarropa (o a la falta de aquel) lucido por la radiante y temeraria ninja.
A pesar de este detalle (que muchos agradecerán, estoy seguro), la aparición de Mai Shiranui es un evento favorable. Todas sus escenas gozan de dinamismo y le añaden al conjunto desenfado y cierto suspenso (después de todo, al tratarse de un personaje femenino, sabemos de antemano que la cinta la colocará en desventaja con respecto a los peligros que se le imponen).
Franquicia con nuevos aires
Qué duda cabe, esta secuela es un salto favorable con respecto a la OVA previa. La inclusión de los nuevos personajes es orgánica y no desentona con el conjunto. Incluso, la cinta se da el lujo de incluir a otra figura afamada: Kim Kaphwan, el maestro coreano de taekwondo, quien tiene oportunidad de medir fuerzas con Terry Bogard.
Kim Kaphwan, justiciero coreano
Axel Hawk, Tyson made in SNK
Jubei Yamada, maestro de Mai y Andy
Laurence Blood, matador mafioso
Torero SNK style vs torero marca CAPCOM
Otros personajes que se alcanzan a apreciar son: Jubei Yamada, el maestro manolarga de Mai y Andy; Axel Hawk, el boxeador pelón; y Laurence Blood, principal sicario de Krauser, un torero con barba de candado que en verdad es una versión menos divertida de otra estrella de los juegos de lucha: Vega, el hermoso matador enmascarado, insigne partidario de las armas punzocortantes y el sadomasoquismo.
A pesar de caer nuevamente en el mismo error de la primera parte (un villano principal de dimensiones rígidas, que ignora cualquier escala de grises), el metraje avanza sin baches y con diligencia. Y esta vez, el lobo hambriento es reducido a sus instintos más básicos: su principal enemigo deja de ser la venganza o la búsqueda de la superación personal; su reto más grande, por el contrario, es ahora la lucha contra el alcoholismo.
Este cambio de prioridades, sumado a otros detalles adicionales (como el escarceo romántico entre Mai y Andy), sería un factor decisivo para el posterior salto a la pantalla grande.
El peor villano: el alcoholismo del lobo sediento
El lobo aulla en el cine
Fatal Fury: La Película corrige desaciertos pero incurre en unos pocos excesos. La cinta fue dirigida por el diseñador de los personajes de las OVAs, Masami Obari. El desarrollo estuvo nuevamente a cargo de Studio Comet, la casa productora predilecta para las adaptaciones de SNK (también se encargaron de Art of Fighting (1993) y Samurai Showdown (1994))
La estética de Masami Obari es reconocible gracias a la popularidad de algunos proyectos en los que participó, de los cuales destacan la elaboración de los openings para Tekkaman Blade y Magic Knight Rayearth (si uno observa con cuidado ambas secuencias de apertura, podrá reparar de inmediato en la similitud de los ojos grandes y rasgados, los mentones alargados y esféricos, los contornos espigados de las figuras y la fluidez vaporosa de sus acciones.)
Fatal Fury: en busca del arca perdida
Esta vez, el argumento de la cinta se desembaraza de su fuente y apuesta por una historia original, que es ahoraun típico relato de aventuras: Laocorn Gaudeamus, un misterioso joven de ascendencia mística, busca recuperar las piezas de una armadura legendaria para someter al planeta bajo su voluntad. Por capricho del destino, Terry y compañía se verán involucrados en las correrías de sus secuaces, y como no podría ser de otra forma, se tomarán a pecho la obligación de salvar al mundo a punta de zapatazos.
Otro interés sentimental de Terry aparece en esta última iteración: Sulia Gaudeamus, hermana del maloso principal. Es una mejora con respecto a la anterior damisela en peligro, Lily McGuire, debido a su conflicto interior que la hace batallar entre su amor por Terry y la lealtad a su hermano demente y ansioso de revancha y poder (el padre de ambos, el arqueólogo responsable de encontrar la armadura del dios Marte, fue asesinado por un colega avaricioso).
Sulia, Terry y Laocorn, triángulo trágico
La integración de la armadura dividida es el detonante para esta última contienda y, aunque se trate solo de un pretexto argumental, cumple su función de elemento movilizador de los acontecimientos. Esta vez, todos nuestros protagonistas tienen que involucrarse en favor del más poderoso de todos los objetivos cinematográficos: la salvación de un planeta al borde del apocalipsis.
El triunfo del lobo
La afiliación al género cinematográfico aventurero reconfigura el funcionamiento de este episodio. Los personajes ahora tienen que moverse en función de la acción y no al revés. Sus viajes a diversos países obedecen a la lógica de los relatos de aventuras en escenarios exóticos (en la tradición de películas como la saga de Indiana Jones, por ejemplo) y las escenas que se producen a partir de esta particularidad se sienten legítimas en su propósito argumental. Los cameos dejan de ser tal cosa y se convierten en participaciones genuinas de secundarios valiosos. Favoritos de siempre de los fans brillan en sus respectivos cuadros, desde Kim Kaphwan hasta Duck King.
Eso sí, y una vez más, el nuevo villano carece de complejidad (parece una versión bamba de Wolgang Krauser). Las batallas son pintorescas, pero se sustentan en la repetición de los poderes mágicos de los luchadores, lo que elimina la chance de gozar con la plasticidad de la animación.
Hechas estas salvedades, la anécdota cumple su papel de entretener. Los héroes de Fatal Fury, todos, dan a rienda suelta a su carisma y complicidad en varias escenas. Fatal Fury: La Película, sufre un poco por la ausencia de artes marciales de verdad, pero la devoción a un guion sencillo y lineal, que privilegia la mecánica humana de sus personajes y su desenvolvimiento en el factor viajero, logran que esta última aparición de los tres mosqueteros de South Town sea cálida y memorable.
Una oficinista común y corriente llega a su departamento donde vive sola. No ha terminado de poner los pies en su hogar cuando de pronto es arrancada del mundo moderno hacia un reino parecido a nuestra época medieval. Un mundo donde la magia existe y donde necesitan una “Santa” que los ayude a enfrentar la creciente magia oscura que los amenaza. El ritual ha funcionado pero para su sorpresa no trajeron a una, sino a dos muchachas.
Sei es transportada a otro mundo
La traducción del título original Seijo noMaryoku wa Bannou Desu es “El poder de la Santa es omnipotente”. Tenemos la clásica historia de una chica que es llevada a otro mundo. Sí, un isekai de los que no soy mucho de elegir. Entonces ¿Por qué esta historia me gustó? Simple, me sentí identificada con la protagonista porque se reinventó. En un mundo tan diferente al suyo, Sei no sabe en qué ocupar su tiempo, comienza a aprender magia y a hacer cosas para las que ya no tenía tiempo en su mundo. No solo las hace, sino que disfruta de hacerlas y sin saber le suma su recién adquirido poder.
Sei tiene que aceptar que no volverá a su mundo
La Historia de la Santa
El resplandor que la rodeaba se disipa y Sei Takanashi aparece rodeada de gente que no conoce. Todos están alborotados pues la invocación tuvo éxito. El mago que ofició la ceremonia está inconsciente pues agotó su poder mágico. La recién llegada nota que no es la única «extranjera», cerca se encuentra una muchacha más joven. Es una chica de preparatoria que se ve tan asustada como ella. Ambas se encuentran ahora en un Reino llamado Salutalia.
El príncipe Kyle da por hecho de que Aira es la Santa
Ingresa al alborotado salón el príncipe Kyle y saluda a la más joven dando por hecho que ella es la esperada Santa. Aira Misono es el nombre de la joven y poco se verá de ella al inicio. A Sei le disgusta el haber sido dejada de lado. Quizás por ser mayor, usar lentes o tener un semblante algo cansado. Los presentes comentan que quizás como el miasma ha estado tan agresivo en los últimos tiempos es lógico que llegaran dos santas.
Johan cuida y orienta a Sei en el reino
Johan Valdec le informa que no será posible devolverla a su hogar pero que pueden ofrecerle vivir en palacio. Se disculpa por lo irrespetuoso del comportamiento del príncipe, aunque ella guarda un pequeño resentimiento. Todos se dirigen a ella con mucho respeto y la llaman «santa». Ella le pide a Johan que no la llamen así.
Sei comienza a aprender magia con Jude
Ubicada en una parte del Palacio, Sei es tratada con mucho respeto. Tiene un personal que cuida de ella y está pendiente de lo que pueda necesitar. Así que no tiene mucho que hacer. Muerta de aburrimiento consigue salir al gran jardín, donde conoce a Jude que trabaja en el Centro de Investigación donde realizan pociones con ayuda de las plantas y flores. Sei queda encantada y solicita a Johan convertirse en investigadora. Comienza a preparar pociones con la ayuda de la magia que aprende a manejar gracias a Jude. Se vuelve muy eficiente y sus pociones resultan tener un efecto mayor que el esperado.
Sei siempre se esmera y termina haciendo más de lo que le piden
Pasan los meses y un grupo de soldados de la Tercera Orden es atacado por una enorme salamandra. Se requieren todas las pociones posibles. Sei guarda en su bolsillo una poción de alto calibre que le dijeron que no era fácil de preparar pero para ella fue como cantar. Dicha poción ayuda a salvar la vida del capitán Hawke de la Tercera Orden.
La poción de alto calibre de Sei salva la vida del capitán Hawke
Gracias al estupendo trabajo de Sei, le dan un mejor presupuesto al Centro de Investigaciones por lo que le ofrecen lo que ella pida. Sin pensarlo dos veces, pide una cocina bien implementada. La comida del reino le resulta un poco sosa pero eso nunca se los dirá por el cariño y respeto que les tiene. Las recetas que prepara son novedad para todos. Es así que se solicita no solo más ingredientes para sus pociones sino también para sus recetas.
Los ingredientes que se requieren se obtienen del bosque. La incursión podría ser peligrosa pues los animales se tornan muy agresivos por la presencia del miasma. El capitán Hawke, se ofrece con todo y su escuadrón para resguardar a Sei y su grupo de investigadores. En dicha misión Sei cocina feliz para todos, lo cual trajo como descubrimiento que no solo eran deliciosas las comidas sino que también mejoraban las capacidades físicas de quien las deguste. Por lo que le prohíben cocinar en público.
Sei deja los anteojos y al estar feliz con sus logros practicamente brilla de hermosura
Sei sospecha que la verdadera Santa es ella, pero no quiere perder la libertad que goza por ahora. Usa lo aprendido en ella misma y deja de usar anteojos. El buen descanso y la buena comida prácticamente la hacen brillar. Está hermosa.
Elizabeth es la primera y única amiga de Sei. Y también es la prometida del príncipe
En su afán por aprender más sobre magia visita continuamente la biblioteca. Ahí conoce a Elizabeth Ashley, la prometida del príncipe Kyle, ella será su primera amiga. Otro personaje que toma mucho interés en Sei es el Capitán Hawke. Él la admira y comienza a verla con ojos más cariñosos. Cosa que Sei nota y no puede evitar sonrojarse pues disfruta mucho de su compañía.
Sei y el capitán Hawke salen a pasear
Entre salidas y paseos con el capitán, Sei no deja de lado su afán de aprender. Ahora se interesa en los encantamientos, los cuales logra hacer mejor que muchos magos. Por lo que le piden su apoyo en la Asamblea de Magos donde realiza un estupendo trabajo.
Su día libre lo aprovecha en aprender más sobre hechizos y sanación. Y al visitar un hospital encuentra a un soldado que conoce y que tendrá que volver a ser civil por haber perdido un brazo. Sei intenta un nuevo hechizo que vio en un libro y logra regenerar el brazo del joven y ya que hizo algo tan evidentemente grandioso que no iba a pasar desapercibido, decide sanar a todos los del hospital ejecutando un hechizo de alto nivel.
Todos los heridos y enfermos recuperaron su salud gracias a Sei
Ante lo sucedido no se puede evitar que el Gran Mago Yuri Drewes se entreviste con ella, casualmente ya despertó luego de quedarse varios meses inconsciente luego de la invocación. Él determinará si ella es la verdadera santa.
Luego de entrevistarse con Sei, el Gran Mago determina que la magia de ella es más poderosa que la de él. Ahora es el mismo Rey que quiere entrevistarse con ella. Lo primero que hace el rey es pedirle disculpas por el comportamiento de su hijo, el príncipe Kyle. El monarca le ofrece cualquier cosa que pida y aunque ella no necesita de tierras o palacios piensa en una mejor opción. Le pide acceso a los libros de magia prohibida y que le asignen un profesor. El rey se conmueve de su humilde petición y se la concede.
El príncipe Kyle insiste tercamente que Aira es la Santa
Por otro lado, el príncipe se entera de que su padre se disculpó por él con Sei. Él tercamente insiste en que la santa es Aira. Aunque Sei y Aira hagan magia, el destello dorado que emite Sei es único.
El Gran Mago será quien enseñe a Sei
El entrenamiento con el Gran Mago es duro y a Sei le cuesta un poco seguirle el paso pero lo toma como un reto pues cree que tanta preparación significa que acompañará a las expediciones en el futuro. Cuando finalmente pregunta directamente a Yuri si ella estará presente en las incursiones, el Gran Mago le dice que eso no era parte del plan, pero le parece una buena idea siempre y cuando él también le acompañe. Yuri nunca se topó con alguien más fuerte que él y siente mucha curiosidad por el desarrollo de la capacidad de Sei.
Una capacidad que ni ella misma entiende. Lo que queda claro es que se siente tan feliz y cómoda en este mundo que se está olvidando de su lugar de origen. Su bondadoso corazón es lo que le permite desarrollar su potencial y su creciente amor por el capitán Hawke será el detonante que liberará El Poder de la Santa.
Tal como Sei va progresando, el miasma que envenena este mundo tiene los días contados. Pero aún falta más por contar de esta historia que comenzó como una Novela Ligera escrita por Yuka Tachibana, quien empezó a escribirla en el 2016 y hasta ahora continua.
En Febrero del 2017 inició como Novela Gráfica siendo Yuka Tachibana apoyada en la ilustración por Yasuyuki Syuri. Siendo publicada por Fujimi Shobo. Van 6 volúmenes publicados y la historia aún continúa.
En su versión Manga inició en Julio del 2017. Continuando Yuka Tachibana como escritora pero en la ilustración estuvo a cargo de Fujiazuki. Es publicado por Kadokawa Shoten. Van 5 volúmenes publicados y aún no ve un final.
La versión Anime está dirigida por Shota Ihata con el estudio Diomedea (Kodomo no Jikan, Ika Musume, Gingitsune, Fuuka, etc) y ha sido licenciada por Funimation. Y constará de 12 episodios.
Opening
La canción de inicio se titula «Blessing» y la canta Aira Yuuki. Una hermosa y melodiosa canción que no solo nos va mostrando lo personajes que acompañan a Sei en su nueva aventura, sino también una hermosa variedad de fondos bellamente dibujados. La magia de Sei envuelve a sus amigos y aparecen algunos personajes aún en grises y sin rostro que son los que irán apareciendo más adelante.
https://youtu.be/qLnnjGEcZrw
Ending
La canción al final del anime se titula «Page of Tomorrow» y la canta NOW ON AIR. Una hermosa canción en la que vemos a Sei avanzar con paso decidido para finalmente llegar a lo alto de una colina donde puede apreciar el Reino de Salutalia. Pero Johan y Jude han seguido sus pasos. Johan la mira con mirada comprensiva pero Jude tiene un gesto de disgusto. Al parecer Sei salió sin permiso.
Un anime que plasma la exploración del lore como ningún otro. Made in Abyss es lindo, mágico e increíblemente cruel.
Mitty y Nanachi, dos amigas inseparables, se encuentran en la sexta capa del abismo. Han sido engañadas para formar parte de un experimento mortal que probablemente acabe con la vida de miles de niños en el nombre de la ciencia. El silbato blanco Bondrewd, conocido como “El Señor de las Profundidades”, jala la palanca y activa el ascensor que envía a las dos niñas varios metros hacia abajo. A los pocos segundos la inocencia ha desaparecido. Mitty se ha transformado en un adefesio y Nanachi ya no es humana.
Esta es una de las muchas historias que el abismo tiene para ofrecer. Made in Abyss narra la aventura de Riko, una niña problemática de 12 años que es nada más y nada menos que la hija de la legendaria exploradora Lyza, y que junto a Reg, robot reliquia que proviene de las profundidades, comenzarán su travesía por las profundidades del abismo en búsqueda de la madre de Riko, donde vivirán sucesos que dejarán impactados a más de un espectador. Pues, aunque no lo parezca, Made in Abyss no es un anime tan lindo como parece.
Lolis y sadismo
En el 2017 el anime recibe bastante atención, porque como ya mencioné, resulta altamente misleading. A lo largo de los 13 episodios, vemos cómo lo que parece una travesía lighthearted se torna en una pesadilla sombría. A uno le cuesta creer que personajes como Riko puedan verse tan afectados por la “maldición del abismo” que terminen tosiendo y llorando lágrimas de sangre. Tenemos también la emotiva historia de Mitty y Nanachi, que además de ser sumamente cruel, toca los corazones de los espectadores por su emotividad, sobre todo gracias a su conclusión: un acto desesperado para acabar con una vida de sufrimiento.
No obstante, si bien Made in Abyss destaca por bastantes aspectos, considero que su fuerte es que se trata de un anime de aventura con todas las letras. El jugo de la serie se concentra en la exploración del abismo, el cual está lleno de enigmas, reliquias y personas por conocer. Y no. No se trata de cualquier anime en el cual el protagonista se embarca en una aventura, pues en este caso se siente bastante el feel de la exploración y de lo que el anime pretende emular, un JRPG y vaya que lo consigue.
made in abyss
Adentrándonos en el abismo
Otro de los aciertos de la propuesta audiovisual es la musicalización. Particularmente, el tema de Hanezeve Caradhina recibió bastante cariño por parte de la comunidad. Es una canción bellísima la cual se presenta en una escena de la puesta de sol, donde se presenta el universo del abismo con un trabajo de luz excelente y unos fondos excelentemente dibujados.
https://www.youtube.com/watch?v=KPxSS1zHWwQ
Finalmente, la serie de 13 episodios tuvo como secuela una película canon. La cual continúa la relación de Nanachi, Mitty y Bondrwed. Por otro lado, la serie tiene anunciada una segunda temporada, así como un videojuego. Así que tenemos Made in Abyss para rato. ¡La aventura nos aguarda!
Aunque en estos tiempos esté visto como “políticamente incorrecto”, el morbo de un vistazo perverso de un hombre hacia una mujer siempre ha existido. ¿Cómo sería recibido en pleno 2021 Colorful, un anime que literalmente trata acerca de hombres mirando mujeres? ¿Cambiaría en algo si dijera que fue dirigido por Ryūtarō Nakamura, director de Serial Experiments Lain?
Colorful es un anime poco recordado que estuvo en emisión en la temporada de Verano 1999. Con 16 episodios de aproximadamente seis minutos y medio cada uno, resulta aún más difícil de encontrar por llamarse igual que la aclamada película de Keiichi Hara. Tiene una serie de opiniones mixtas, especialmente alrededor de qué tan graciosa resulta en realidad la sátira o de cómo presuntamente celebra el voyerismo.
«Boku no Taion wa 37.5C», opening de Colorful.
Siguiendo la misma línea de Lain, Colorful tiene aún más la pinta de anime low budget, pero esto tampoco representa un factor contraproducente para la propuesta de Nakamura. Quizá hoy en día resultaría asqueroso o muy bajo para quienes están acostumbrados a visuals del nivel de Kyoto Animation o ufotable, o en general para los fans de algo más ‘pulcro’. Sin embargo, y al margen de si gusta o no la temática de los mirones, es sin duda un producto audiovisual muy curioso que vale la pena revisar.
Secuencias surrealistas
Considero que, superficialmente, uno podría describir a Colorful como un anime dotado de expresionismo con algo de surrealismo integrado en él. Que esto no suene a que pretende ser algo serio o profundo, porque realmente no lo es. Lo llamativo de la serie es que logra hacer funcionar una premisa básica, ordinaria y ridícula con una presentación y dirección bizarra.
Crossover anime x Word Art 1998(?)
Mientras en Lain tenías a la protagonista viendo como le emanaba vapor(?) de la yema de sus dedos, en Colorful te presentan a una escolar gigante saliendo del mar. El primer caso se trata más quizá de un simbolismo respecto a la distorsión de la barrera entre el mundo “real” y el de la Wired, mientras en el otro es un hecho inverosímil e inexplicable, cuya naturaleza insólita se ve relegada a un segundo plano ante la perversión del hombre. Por ello, no son exactamente paralelos, pero sí ejemplos que contribuyen a plasmar una deformación subjetiva de la realidad.
Episodio 1 de Serial Experiments Lain.
Episodio 12 de Colorful.
Dos usos distintos -pero igualmente llamativos- de elementos surrealistas.
Algo más propio de Colorful son las breves secuencias que colocan entre cada skit del episodio. Imágenes no animadas, planos aparentemente aleatorios, repetición de elementos, colorizaciones variadas, son montadas de distintas maneras, y son estas combinaciones las que rememoran aquella vibra de las escenas nocturnas de Serial Experiments Lain. No parecen tener un significado más allá de ser una muestra de la creatividad y el estilo del director, pero no las hace menos interesantes de ver.
Secuencia de transición del episodio 12 de Colorful.
Sonido, ambientación y particularidades
Algo muy reconocible en las obras de Ryūtarō Nakamura es su utilización del sonido, y en este campo también es posible hacer algunas comparaciones llamativas. Hay una escena en el episodio 1 de Lain en el cual ella se sube a un tren para ir a la escuela, y se queja del ruido de la gente. Además del ruido ambiental, está presente un efecto de sonido que genera tensión. No hay música de fondo.
Escena del tren del episodio 1 de Serial Experiments Lain.
El contexto y lo que busca transmitir la escena es totalmente distinto, pero resulta gracioso comprarla con una escena de tren en el episodio 13 de Colorful. Tampoco hay música que acompañe el momento, y todo es el ambiental y las voces. Hasta que llega también el uso de esta especie de efecto de tensión, pero con un nivel de seriedad sustancialmente opuesto. Es muy curioso el intentar encontrar las similitudes.
Escena del tren del episodio 13 de Colorful.
Por otro lado, un detalle llamativo de Colorful es cómo se diferencia de algún ecchi genérico más moderno en cuanto a la presentación de las mujeres. Más allá del surrealismo mencionado anteriormente, en este anime no hay caídas ni accidentes de protagonista de harem, ni waifus sexualizadas gritándole “¡pervertido!” a alguien mientras se cubren avergonzadas. Se logra una mezcla extraña de situaciones mundanas con una serie de componentes absurdos.
¿La recomendación?
Si bien Colorful es sin duda un anime original e interesante –especialmente- desde una mirada audiovisual, no es el título más fácil para recomendar al espectador casual. Está lejos de ser perfecto, y podría pasar incluso más como algo experimental o una creación divertida para su director. Más allá de las secuencias surrealistas, la animación y el arte pueden alejar tranquilamente a la mayoría de espectadores.
Habría que sumarle también que hoy la temática no esté bien vista por todos, a pesar de se trata un dibujo animado ficticio. Como sucede siempre con el género comedia, puede que el humor del anime tampoco guste a todo el mundo. No obstante, no creo que estaría mal darle una oportunidad si uno busca algo raro o distinto, y la corta duración de los episodios lo hace más fácil de ver.
Ya hablando a gusto personal, a mí me llamó la atención el carácter experimental y la premisa ridícula del anime. Me gustaron más en particular los episodios 12 (la waifu gigante que sale del mar), el 13 (la visita del amigo de Steve) y el 15 (un dilema entre las mujeres 2D vs las 3D). Así ratifico que es una pieza audiovisual que vale la pena, que también constituye otra faceta más colorida del reconocido Ryūtarō Nakamura, que en paz descanse.
La anécdota arranca así: dos muchachos presencian el asesinato de su padre a sangre fría, en un parque y a pleno sol. El autor de la masacre es Geese Howard, cabecilla de una mafia que asola la ciudad costeña de South Town, en EEUU. Desde ese momento, ambos niños emprenderán una ardua preparación en el sendero de las artes marciales, con un solo propósito: cobrar venganza del verdugo de su benefactor.
Dicha premisa parece prestada de una película de Jean Claude Van Damme, pero no es así. Se trata de Fatal Fury: Legend of the Hungry Wolf (Batoru Faitazu: Garou Densetsu en su título original), un OVA de 45 minutos producida para Fuji TV en diciembre de 1992. La OVA está basada en Fatal Fury: King of Fighters, videojuego de peleas desarrollado por la compañía japonesa SNK y lanzado en noviembre del año 1991. Es, asimismo, la primera adaptación en formato anime de un título de lucha cuerpo a cuerpo.
Fatal Fury OVA, primera adaptación de un juego de peleas
Takashi Nishiyama, sensei gamer
Fatal Fury fue diseñado por Takashi Nishiyama como una respuesta a su creación previa, Street Fighter. Efectivamente, el cerebro responsable del juego que originaría la inmensa franquicia de la compañía CAPCOM es el mismo autor de dicho título. Y su influencia no alcanza solo a aquellos, sino muchos productos más, todos emblemáticos: Art of Fighting (que tiene como protagonistas a dos “clones” de Ryu y Ken, de Street Fighter, bautizados aquí como Ryo y Robert), The King of Fighters (quizá la franquicia más exitosa de SNK), Samurai Showdown y Metal Slug.
Takashi Nishiyama, el padre de Ryu, Ken, Sagat, Terry, etc…
Originalmente, Nishiyama-san anhelaría desempeñarse como periodista, pero los azares del destino lo llevarían a trabajar en IREM, una empresa productora de hardware para galerías de entretenimiento y tiendas pequeñas. Era el inicio de la década de los ochenta y el incipiente negocio de los video juegos ya se consideraba un emprendimiento rentable. Esto alentaría a la compañía a probar suerte con títulos propios.
Gracias a la incorporación temprana de Takashi Nishiyama en el área de desarrollo de dicha empresa, el primer gran éxito de IREM vería la luz en el año 1984 de la mano de su realizador estrella.
Kung-fu Master: Bruce Lee de 8 bits
Kung-fu Master (conocido como Spartan X en Japón) se roba el argumento de la famosa película de Bruce Lee de 1972, El Juego de la Muerte. El objetivo del juego es sencillo: escalar un templo de cinco pisos para rescatar a Sylvia, la novia del protagonista que fue raptada por Mr. X, líder de una pandilla de karatecas delincuentes.
Kung-fu Master, el primer beat ‘em up
El juego en mención contiene el germen de lo que luego pasaría a conformar la marca Nishiyama: una trama influenciada por el cine de acción hongkonés, un protagonista con un propósito claro y tangible (salvar a su amada) y un complejo sistema de batalla cuerpo a cuerpo (que incluye la posibilidad de hacer combinaciones múltiples). No por nada se convirtió en el punto de partida de un exitoso género en el rubro de los juegos de acción, el beat ‘em up(nombre con el que se designa a aquellos títulos donde un luchador debe deshacerse de varios enemigos a la vez, mientras avanza para alcanzar su objetivo).
El éxito le permitió a Nishiyama trasladarse al equipo de CAPCOM, donde una vez más daría en el clavo con un nuevo proyecto: Street Fighter.
Street Fighter: éxito en forma de hadoken
Tomando nuevamente como punto de partida una cinta de Bruce Lee (Operación Dragón, 1973), Street Fighter se sitúa en un torneo de artes marciales de escala mundial. Ryu, el luchador protagonista, debe visitar China, Japón y EEUU para poder tener oportunidad de batirse a duelo con el rey del muay thai, Sagat.
Kame Hame Ha… doken
Street Fighter incorporaría en su dinámica características que luego heredarían los juegos de pelea posteriores. Desde los ubicuos y famosísimos Hadoken y Shoryuken hasta la distribución de los botones que separaba puñetes y patadas de acuerdo a su intensidad.
Sin embargo, la imposibilidad de incorporar elementos tangenciales (un argumento más truculento, profundidad psicológica a los personajes, etc.), causarían la insatisfacción de Nishiyama-san, que decidiría abandonar CAPCOM para incorporarse en las filas de SNK.
Ya instalado en SNK, el desarrollador pondría manos a la obra en seguida con Fatal Fury, su magnum opus.
Fatal Fury: El lobo hambriento emerge
Fatal Fury agrupa todas las ideas que no obtuvieron luz verde para Street Fighter. En palabras del propio Nishiyama, su primera creación para SNK es la secuela no oficial de su ópera debut (Street Fighter), que hubiera confeccionado para CAPCOM de haber tenido carta blanca. Y en términos comparativos, tal afirmación es evidente: Street Fighter II de CAPCOM es básicamente una reproducción robustecida de su predecesor. Fatal Fury, en cambio, es un paso adelante.
Y me remito a las pruebas. Primero, el protagonista deja de ser un karateca empecinado en luchar porque sí, y se convierte en un huérfano víctima de una tragedia, que se cachuelea con trabajos pesados para subsistir, mientras entrena sus puños en la lucha callejera para vengarse del asesino de su padre.
Terry Bogard, el lobo hambriento
Power Wave, el hadoken del pueblo
Burn Knuckle en King of Fighters ’99
Andy, Terry y Joe, los tres mosqueteros
listo para la batalla
Kirby luego de papearse a Terry. A buen hambre…
Terry Bogard es su nombre y su estampa lo delata como miembro ejemplar de la clase trabajadora norteamericana: polo blanco sin adornos y con las mangas rasgadas, chaleco rojo, jean azul desgastado, zapatillas de tela tipo Converse y una vistosa gorra rojiblanca que lo acompañara siempre. Como aliados contará con Andy Bogard, su hermano menor, diestro alumno de un estilo de lucha ninja; y Joe Higashi, el actual campeón mundial de muay thai.
South Town, la horrible
Otra pieza crucial es el universo donde se sucede la acción: la ciudad ficticia de South Town, situada en algún lugar de la costa estadounidense. Este único espacio abandona los parajes exóticos alrededor del globo para enfocarse en los rincones sórdidos de una urbe acordonada por el mar y erosionada por la mafia (no, no es Lima, pero se parece).
Añádanse a esta metrópoli una galería de personajes que, en vez de artistas marciales, son auténticos parias de la sociedad: Duck King, un bailarín callejero de breakdance; Raiden, un cachascanista venido a menos que se esconde tras una máscara; Richard Meyer, un maestro de capoeira retirado que regenta el restaurante Pao Pao Café; Billy Kane, un aficionado al hardcore punk venido de Inglaterra para dedicarse al crimen organizado.
Billy Kane
Duck King
Raiden
Richard Meyer
Finalmente,está el villano entre villanos:Geese Howard, el despiadado gobernante de facto de South Town. Sin duda, se trata de una figura endiabladamente célebre y un eterno favorito de los fans de los videojuegos de lucha. Y no es para menos, teniendo en cuenta las cualidades que lo conforman: desde su origen trágico como hijo bastardo, sumido en el abandono, por lo cual posteriormente quedaría huérfano de madre; hasta su fallida tentativa parricida, echada a perder por intromisión de su despiadado medio hermano, Wolfgang Krauser.
Geese Howard… ¿villano otaku?
Es oportuno enfocarse, además, en su apariencia: su ascendencia anglosajona se refleja en la cabellera lisa y dorada, y su vanidad se constata con aquella mirada altiva permanente, coronada por un peinado impecable, engominado hacia atrás.
Pero sus vestidos revelan algo más: un afiebrado entusiasmo por la cultura tradicional japonesa. Geese siempre será visto engalanado con una uwagi blanca (la chaqueta del gi, el uniforme japonés de artes marciales), una hakama granate (el pantalón ancho y grueso de pliegues), tabi blancos (los calcetines con división en los dedos), muñequeras púrpuras y un obi negro (cinturón de tela de extremos rectangulares).
Entonces, ¿es acaso Geese un japonófilo confeso (los angloparlantes han acuñado un vocablo propio, si bien despectivo, para referirse a los amantes de la tierra del sol naciente: weebo) o tan solo un otaku solapado?
Street Fighter II: CAPCOM contraaca
Lamentablemente, Fatal Fury no fue un éxito rotundo cuando se lanzó por primera vez. Recordemos que Street Fighter II apareció el mismo año, aunque nueve meses antes, en febrero de 1991. Si bien el título de Nishiyama contaba con un argumento más atractivo y personajes coloridos, fue CAPCOM quien excedió todas las expectativas en el terreno de la jugabilidad.
Street Fighter II
Street Fighter II avasalló a sus competidores gracias a la eficacia de sus controles y la configuración de su sistema de peleas. Fatal Fury, en cambio, era menos a atractivo para los usuarios (en una partida normal, solo se podía escoger entre Terry, Andy y Joe) y su mecánica de lucha era confusa (las batallas se daban en dos planos de profundidad distintos y los ataques especiales exigían comandos contraintuitivos.)
Aún con estas cortapisas, Fatal Fury caló hondo. La fiebre por los juegos de pelea le otorgó un espacio dentro de las preferencias del público y aquel triunfo relativo le permitió hacer el crossover hacia la televisión, primero, y a la pantalla grande, después.
En la segunda parte de este artículo, nos ocuparemos de las adaptaciones que trasladaron a Terry y Geese al imaginario fílmico de todo el mundo.
Japón le tiene camote al gato. Cuán singular es su aprecio de dicho felino doméstico que el símbolo nipón de la buena fortuna es uno: el maneki-neko, famoso tótem de la suerte que es representado con una pata alzada y con una moneda de oro del periodo Edo.
La estrecha relación de ambos, país y criatura, viene de antaño y no es sorpresa para nadie. Y los ejemplos sobran: he ahí el raudo gato bus de Hayao Miyazaki en Mi Vecino Totoro, o la guardiana felina y parlante de Usagi Tsukino en Sailor Moon, e incluso Doraemon, el famosísimo gato robot enviado del futuro por su dueño, para que ayude a su nieto a subir las notas del colegio.
Maneki-Neko, ubicuo símbolo patrio de la fortuna
Gato bus de Mi Vecino Totoro
Doraemon, el cyborg michifuz
Luna & Usagi, best friends forever
Haru en el reino de losdigo Amor de Gata
Una característica particular se puede desprender de los ejemplos citados, y esta es la naturaleza sobrenatural de todos ellos. Sin duda, se trata de un lugar común: muchas figuras felinas ostentan una naturaleza real maravillosa. Tanto es así que incluso Netflix estrenó en el 2020 una película sobre este asunto: Amor de gata, que narra la historia de una niña capaz de convertirse en un minino blanco con la ayuda de una máscara hechizada.
No es el caso, en absoluto, de Nekojiru Gekijou, que se encuentra en la orilla opuesta de las consabidas representaciones fantásticas de dichos animales nocturnos.
Nutritiva sopa de mininos en la pantalla chica
Nekojiru Gekijou (algo así como teatro de sopa de gato) es un anime de 27 episodios de 2 minutos cada uno. Fue estrenado en el año 1999, como parte de un programa de TV conducido por la dupla cómica Bakusho Mondai. La miniserie se encargó de adaptar por primera vez los trabajos de la mangaka Chiyomi Hasiguchi, más conocida en el mundo de las artes gráficas por su nombre de pluma, Nekojiru (nuevamente, sopa de gato.)
Afiche de la serie de Nekojiru Gekijou
El anime narra las desventuras de Nyako, una gatita avispada que, junto a su hermano Nyatta, se encargará de hacerle la vida de cuadritos a todo aquel que ose interferir con la conquista satisfactoria de sus travesuras. Además, el recorrido diario de los mocosos contará con la asistencia involuntaria de la madre, una hacendosa felina de carácter insobornable, y el padre, un gato desempleado y obeso que se la pasará todo el tiempo empinando el codo.
A pesar de tratarse de episodios muy breves (desde uno hasta tres minutos), la huella que imprime cada uno de ellos es indeleble. Esto se debe a que cada relato nos confronta con una visión cínica e implacable de la vida cotidiana de dos escolares de clase media. Se trata de una mirada tan apática sobre la insignificancia del hombre común que, cualquier acción, accidental o no, encaminará a las personas que se crucen con los gatos hermanos hacia un destino infeliz e incluso mortal.
La curiosidad no mató al gato
Tal cinismo se hace evidente desde el primer episodio, que se desarrolla en el colegio de los protagonistas: habiendo concluido las clases, un compañero de aula se dirige a Nyako a preguntarle sobre sus planes para el día siguiente. Ella le contesta que faltará a clases, ya que quiere pescar cangrejos de río. El niño hace visible su decepción y, acto seguido, le pregunta si es que la puede acompañar. Sin siquiera pestañear, Nyako responde: “Ni hablar, porque eres un cerdo.”(En honor a la verdad, cabría acotar que su amigo es, efectivamente, un cerdito parlante.)
Nyako y Nyatta no aguantan pulgas a nadie
Cerditos afuera, gatos adentro
A partir de hoy te llamarásTonkatsu (chicharrón)
Pom poko bye-bye
Pequeños y peligrosos
Nunca olvidar ver el semáforo antes de cruzar
Y esa es solo la punta del iceberg. Las situaciones por las que se desenvuelven los mininos oscilan desde las más pueriles (como el rechazo desbocado a la comida de un familiar) hasta las más atroces (como el homicidio consecutivo de ocho personas, con la ayuda de un tractor gigante). La violencia explícita, la crudeza de los sucesos y la sorpresa de las víctimas (cuyas reacciones incluyen el rencor, el desconsuelo o la más plana indiferencia) le otorgan al conjunto un clima absurdo que alcanza picos desternillantes. Aquí la comedia no tiene bandera ni principios.
Gatos de culto en formato OVA
Por otro lado, cabe anotar que Nekojiru Gekijou no es la única adaptación alrededor de la obra de Chiyomi “Nekojiru” Hasiguchi. Un cortometraje de 34 minutos, intitulado Cat Soup (Nekojiru Grass), se estrenó en el mercado de video en el 2001. La producción estuvo a cargo de la casa de animación J.C. Staff, que tiene entre sus franquicias más conocidas a animes como Revolutionary Girl Utenao Food Wars. El director del film fue Tatsuo Sato, el mismo responsable de la realización de Martian Successor Nadesico, la célebre space-opera noventera que homenajea y parodia al mismo tiempo a otros colosos del género, como Macross, Gundam y Space Battleship Yamato.
Esta OVA se aleja del carácter lenguaraz y la chispa jocosa de la obra original. Más bien, es una adaptación libre en clave surrealista, donde los hermanos gatunos llevan a cabo un viaje de carácter astral, alternando así el mundo de los vivos con el de los muertos. Personajes célebres de la adaptación televisiva también concurren (los padres, el amigo cerdito), pero lo hacen brevemente y sin mayor relieve sobre el curso del relato.
Nyatta y Niako surrealistas
Rumbo al limbo
Cameos de papá gato y mamá gato
El Planeta Salvaje, de René Laloux
Los Draags
La cinta contiene muchos elementos afines a su fuente impresa. Sin embargo, la sustancia fundamental, ese humor caricaturesco que era enfatizado por su perfidia infantil, está ausente. Por el contrario, ahora prevalece el aspecto visual, con una estética similar a la de clásicos de la animación francesa, comoEl Planeta Salvaje (1973). El carácter de la anécdota es hermético, y posee una atmósfera onírica y solemne. Esa seriedad desentona con los personajes, y por ende la violencia se torna densa y un tanto gratuita.
Aún así, la gran mayoría de escenas que compone Cat Soup son de antología. La infinidad de cuadros alucinados que se suceden uno tras otro le ha garantizado a esta pieza un culto único entre los feligreses del cine bizarro. No es para menos. La textura expresionista de las figuras, sumada a un cromatismo de carácter tenebrista, hacen del film una experiencia inquietante e impredecible. No es frecuente encontrar encarnaciones tan vívidas del mundo de los muertos.
Nekojiru Gekijou: vida después de la muerte
Es probable que la perspectiva nihilista que adoptaron la serie y el ova se deba al pesimismo inflexible de la autora del manga original, Nekojiru. Si bien en sus primeras obras (una suerte de bitácoras que registraban su día a día, y donde la mangaka se dibujaba a sí misma como un gato) su apatía no era evidente, es a partir de la creación de Nyako y Nyatta que su desidia por lo ordinario surge. En los títulos Nekojiru Udon, Nekogamisama o Nekojiru Dangoprevalece la indiferencia por todo tipo de ansia humana, sin distinción entre necesidades elementales como el hambre, o sentimientos nobles, como el amor al prójimo.
Chiyomi “Nekojiru” Hasiguchi
Lamentablemente, esa misma indolencia se reflejó en la propia vida de Nekojiru. La mangaka, nacida el 19 de enero de 1967 con el nombre de Chiyomi, se quitaría la vida treinta y un años después, el 10 de mayo de 1998. Desde ese momento, su esposo, Yamano Hajime, adoptó el alias Nekojiru-y en honor a su pareja, y se encargó de reeditar sus obras completas, además de continuar las aventuras de los mininos Nyako y Nyatta. Gracias a aquel esfuerzo, el legado de Nekojiru, contra todo pesimismo, permanece vivo hasta el día de hoy.
No hay que confundirse. No es Nekojiru Gekijou una oda a la indolencia ni la malicia. Más bien, todo lo contrario: es una celebración a la niñez más insumisa, aquella que se regocija con travesuras inocentes. Los irreverentes mininos de Nekojiru-san reflejan la mirada cándida del infante que abre los ojos por vez primera: la de un recreo eterno y sin consecuencias.
Imagínense El Show de los Looney Tunes, pero mezclado con el universo retro futurista de Cowboy Bebop. Añádanle todo el arsenal infernal de Hellboy y la brusquedad física de Mad Max: Fury Road. Tomen el film y proyéctenlo a través de una lámpara estroboscópica. El resultado es una delirante cinta de ciencia ficción llamadaDead Leaves, estrenada en el año 2004 y dirigida por Hiroyuki Imaishi.
Afiche de Dead Leaves
Imai Toonz, pinceles y psicodelia
Dead Leaves es la adaptación de una serie de ilustraciones originales de Imai Toonz, un mangaka y animador japonés. Dicho artista es famoso en Tokyo por sus contribuciones de diseños de personajes y escenarios para marcas muy populares como SONY, Reebok, Nike y Sega. Sus dibujos se han visto replicados en animes, películas, videojuegos, comerciales de TV, e incluso en prendas de vestir.
Su estilo salta a la vista por sus matices tornasolados, siluetas onduladas y superficies discontinuas. Sus bocetos conforman un tejido barroco de colores, parábolas y polígonos, todos superpuestos entre sí. Los cuadros de Imai Toonz son como pirámides psicotrópicas, colmadas de extremidades que sugieren una acción circular e infinita.
Pirámides psicotrópicas de Imai Toonz
Pólvora y azúcar, sus preferidos
Colores y turbinas
Su talento no pasó desapercibido. Tanto es así que las productoras Manga Entertainment y Production I.G. lo buscaron para trabajar con él. Ambas le propusieron llevar a cabo la realización del proyecto que luego se intituló Dead Leaves.
Tarantino, otaku confeso
La sociedad con Production I.G. fue el matrimonio ideal. Dicha casa de animación venía de acaparar la atención del mundo cinéfilo gracias a Kill Bill Vol. 1, la cinta de Quentin Tarantino del año del 2003.
Aquel film narra el periplo de la Novia, alias Mamba Negra (Uma Thurman), quien emprende un viaje desde Texas hasta Tokyo para cobrar venganza contra el Escuadrón Asesino Víbora Letal. Su senda la trasladará hasta el núcleo de operaciones de la Yakuza, donde se batirá a duelo con la cabeza del sindicato, O-Ren Ishii, alias Boca de Algodón.
O-Ren vs la Novia
La cinta aglomera todas las filias de Tarantino: las artes marciales al estilo hongkonés, la mitología cinematográfica de la Yakuza, la mística y el misterio de las espadas samurái, la grandilocuencia de los spaghetti western y, por supuesto, la ultra estilizada plasticidad del anime.
Production I.G. se tiñe de sangre
Fue gracias a que Tarantino decidió incorporar una escena animada que Production I.G. pudo involucrarse en el largometraje. La secuencia que desarrollaron fue un flashback que daba cuenta de la estirpe criminal de O-Ren-Ishii: al presenciar el asesinato de sus padres por parte de la Yakuza, O-Ren buscará vengarse saciando su sed de sangre, lo que la conducirá finalmente a formar parte del mundo del hampa.
O-Ren, sedienta de sangre
Yakuza en acción
Primer plano de la crueldad
Katana asesina
Dicha escena encierra los ingredientes que hacen de Production I.G. una casa de animación excepcional: colores vivos, siluetas serpentinas, gestos exaltados y un dinamismo esquizoide y expresionista. Claro, el guion y la puesta en escena pertenecían a Tarantino, pero en lo que respecta a la textura de los trazos, la marca de la productora japonesa es evidente.
Por supuesto, no era la primera vez que Production I.G. cosechaba éxito. La casa de animación ya había llevado a cabo proyectos de envergadura considerable, auténticos caballitos de batalla que serían el germen de la sucesiva dominación mundial del anime: Patlabor 2 (1993), Ghost In The Shell (1995) y The End of Evangelion (1997).
Imaishi-san, artífice del color
Luego de la experiencia de Kill Bill, arrancaría la producción de Dead Leaves, a cargo del flamante cineasta Hiroyuki Imaishi. Y el realizador no era en absoluto un novato, pues antes se había desempeñado como animador clave en Neon Genesis Evangelion, FLCL, Fullmetal Alchemist, entre otros.
Afiche de Promare (2019)
En verdad, es irrelevante el detalle que se trató del debut de Imaishi en el sillón de director. Si uno observa su última obra, Promare (2019), las coincidencias con Dead Leaves saltan a la vista: he ahí esa violencia chisporroteante que divide el plano, bañándolo de tonos pastel muy encendidos. Su primer film es semejante, aunque menos solemne, a pesar de privilegiar matices más opacos.
¿Animatrix, BNA y Ergo Proxy en un mismo lugar?
Aparte de Imai Toonz, otras luminarias de la animación nipona serían convocadas.
En primer lugar, Takeshi Koike, director de dos disparatadas cintas en el año 2003, ambas de carreras, ambas de ciencia ficción: Redliney World Record. Recordemos que este último título, basado en el mundo apocalíptico de robots autoritarios creado porlas hermanas Wachowski, fue uno de los mejores segmentos del film antológico Animatrix (una carrera olímpica se convierte en un poético ensayo sobre los límites físicos de la libertad humana.)
World Record, de Takeshi Koike
También, Yoh Yoshinari, antiguo colaborador de GAINAX y futuro director de la exitosa miniserie de animales antropomorfos, BNA. Años después volvería a colaborar con Imaishi en Gurren Lagann (2007), Kill la Kill (2013) y Promare (2019).
Finalmente, Yoshihiro Ike, prolífico compositor de bandas sonoras para cine, televisión e incluso videojuegos. Entre sus trabajos más populares está la música para Ergo Proxy, compuesta en el 2006 (que no es otra cosa que una extensísima colección de atmósferas electrónicas, minimalistas e hipnóticas, en clave ambient espacial, como si se tratase de un Vangelis narcotizado.)
Existencialismo y electrónica en Ergo Proxy
Bonnie y Clyde interestelares
Dead Leaves narra las peripecias de dos agitadores amnésicos: Pandy, una mujer con heterocromía (ojos de colores distintos), y Retro, un hombre con cabeza de televisor de tubos catódicos y libido encendido. Ambos despiertan en un lugar desolado, totalmente ignorantes de su pasado, pero colmados de una destreza física que los desconcierta a la vez que los empuja a delinquir. Y tal cosa es lo primero que hacen: un robo a mano armada sirve de excusa para que la trama empiece a avanzar a ritmo vertiginoso. Y desde ahí, nunca se detiene.
Pandy y Retro, listos para la acción
Carácter explosivo
Socios en el crimen
Lo que acontece después es tan difícil de describir como de entender por el mismo espectador. Basta saber que un grupo armado quiere retener a la pareja y que ellos se oponen. El resto es un rosario de episodios que van desde la violencia más desorbitada hasta el humor más obsceno (como cuando a Retro lo cuelgan en un almacén para extraer sus heces con una manguera. Su reacción ante esa salvajada es insólita, justamente por el contraste que genera con su primera impresión de horror). Por supuesto, El resultado es divertidísimo.
60 minutos de frenesí
Porque la cinta es un ejemplo de claridad expositiva y síntesis narrativa. El objetivo de los protagonistas es evidente: escapar de sus captores, es decir, ir del punto A al punto B. Esta trayectoria no se extravía en todo el metraje. Son 60 minutos que apilan disparate tras disparate hasta el desenlace, que no es otra cosa que un remate desquiciado para resolver todos los absurdos. Esto, en la práctica, construye un relato impredecible.
Y es que rizar el rizo hasta las últimas consecuencias no tiene que ser un ejercicio de tremendismo o inverosimilitud. Este film hace de ello un asunto primordial: usa su brevedad como autorización para no explicar nada. En cambio, cada vuelta de tuerca del guion multiplica los problemas de los héroes, añadiendo embrollos que parecen nudos imposibles de desenredar.
Escape de Alcatraz
Encuentro de cartoons: Hellboy + el Pato Lucas
Finalmente, está la imagen: desde los personajes, que son una suma de esperpentos alucinados, hasta la escenografía que, con sus sombras, sus formas y sus colores remite a los inframundos poliédricos del creador de Hellboy, Mike Mignola.
Parece una semejanza improbable, ya que el carácter de las ilustraciones de Imai Toonz se opone a la de Mignola. Pero ambos poseen una técnica sobrecargada de puntas y curvas, tanto en sus personajes como en sus escenarios. Aunque Imai Toonz privilegia la saturación pictórica de sus matices, sus dibujos contienen la misma perversidad psicodélica que caracteriza a Mignola.
Ilustración de Mike Mignola
Es un detalle que también lo acerca a los cortometrajes de Charles Martin «Chuck» Jones, el formidable dibujante que fue parte de la Warner Brothers en la era dorada de la animación. El estilo de Chuck también poseía esa picardía vivaz y cruel, pero muy lúdica.
Como en Dead Leaves, sus creaciones eran víctimas de desdichas con carácter acumulativo. Mil desgracias se podían imponer, siempre que estuvieran en función de la farsa. En El Pato Dodgers en el Siglo número 24 y medio, por ejemplo, el pato Lucas se bate a muerte con Marvin, el marciano, por un planeta que ambos quieren conquistar. La ineptitud de ambos los llevará a pulverizar por completo el objeto celeste, dejándolos, literalmente, sin tener donde caerse muertos.
Duck Dodgers y Marvin, el marciano
Hipnosis tornasol
Es una obra singular Dead Leaves. Reúne influencias actuales y de antaño, y las deforma tanto como para instalar una experiencia estrambótica. Desde el primer plano, con Retro y Pandy desnudos sobre un terral, el efecto es parecido a la activación de un zootropo (ese tambor rodeado de ventanas que, al girar, crea la ilusión de movimiento sobre las imágenes que esconde en su interior).
Como ocurre con aquel arcano juguete, la cinta posee un encanto hipnótico, aunque fugaz. Y cuando la aventura concluye, cuesta convencer a nuestros ojos que aquel irisado espejismo se ha esfumado.
Now and Then, Here and There plasma una crítica cruda hacia el imperialismo, la explotación de recursos, el abuso infantil, la avaricia y toda la destrucción bélica que los humanos pueden ocasionar.
Bienvenido al infierno
Shu Matsutani es un chico promedio con las características típicas de un protagonista de shonen: amable, determinado y de buena fe. Una tarde mientras se sienta a observar el atardecer sin demasiadas preocupaciones, aparece una chica misteriosa de ojos azules introvertida que tímidamente le pide que la ayude. Acto seguido, llegan unos soldados armados con robots que parecen salidos del futuro, y en un encuentro caótico transportan a Shu y a la chica enigmática -que para entonces ya sabemos que se llama Lala-Ru– a un mundo distópico en el que son secuestrados dentro de la nave de “Hellywood”-nombre que parece una especie de guiño a lo que Shu y los demás personajes están apunto de acontecer.
Lala-Ru
Un bien escaso
Como siempre ha sucedido en la guerra, el anime plantea un argumento en el que existe una lucha por recursos. La narrativa propone un conflicto por el agua y la dominación global, ya que al parecer es un bien escaso y las personas literalmente se mueren de sed. Es entonces donde aparece la figura de Lala-Ru, una niña que utilizando sus poderes canalizados en un pendiente de cristal que cuelga de su cuello, puede generar agua de la nada a costa de su energía vital. Es por esto que el dictador Hamdo (líder de Hellywood) y sus tropas tienen tanto interés en capturar a la jovencita.
La nación de Hellywood cumple el rol del imperio sometedor, el cual se encarga de “reclutar” o más bien literalmente forzar y esclavizar a los habitantes de las naciones que encuentra a su paso. Aquí es que aparecen personajes como el de Nabuca, Boo y Tabool, niños quienes han sido secuestrados por Hamdo para ser entrenados como soldados que le sirvan fielmente, con la falsa promesa de que una vez que la guerra termine- lo cual nunca sucederá- podrán regresar a su pueblo natal y vivir tranquilos, cosa que también resulta imposible, pues como se exhibe más adelante en la serie, una vez que los miembros son anexados a las filas del tirano, los escombros restantes de las aldeas son bombardeadas hasta desaparecer.
Nabuca
La moraleja sin cambio (Spoiler)
El final de Now and Then, Here and There nos deja un sabor muy amargo en la boca, así como una sensación de tristeza que emula ciertamente el sinsentido de la guerra. Shu retorna a su época como si nada hubiese ocurrido, parece como si todas las muertes de sus amigos fueran parte de solo un mal sueño. Lala-Ru se desvanece mirando el atardecer mientras escuchamos un soundtrack de la serie nostálgico que solo profundiza el sentimiento de vacío. El personaje de Sala (amiga de Shu que también fue secuestrada de su tiempo) termina por aceptar a su hijo -el cual ha sido producto de múltiples abusos sexuales por parte de las tropas de Hellywood- y que la dejo desesperanzada y trastornada por gran parte de la serie. Y Hamdo termina muriendo ahogado de manera irónica, producto de su insaciable codicia .Finalmente, el mensaje que nos deja la serie es que la guerra trae muerte. Shu no cambió demasiado como personaje porque la guerra solo trae eso: muerte.
