Categoría: Artículos

Rin Hoshizora: el camino a la aceptación y madurez
Han pasado dos años desde nuestro último análisis de personajes de Love Live!. La franquicia ha seguido alimentando a sus fans y hemos tenido películas, tres nuevas series (Love Live! Sunshine!!, Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai y Love Live! Superstar!!) y hasta la proyección del concierto en cines locales.
Love Live! es una franquicia que ha seguido creciendo, y antes del estreno de la nueva generación en julio, Proyecto Sugoi retomará el análisis de las integrantes de μ’s ~~y para nada lo hacemos por pura nostalgia, cofcof~~.
Hemos analizado a las chicas de segundo año, y hemos visto que uno de los problemas que nos presenta Love Live! es el de la confrontación entre la modernidad y la tradición. Las chicas de segundo año representan la posibilidad de una convivencia entre ambos, lo cual no evita que pasen por ciertas dudas, inseguridades y tribulaciones con respecto al futuro: ¿qué será de su ciudad y su escuela, las cuales aman y representan un vínculo con las pasadas generaciones (sus madres y abuelas)?
Y desde las chicas de primer año, ¿cómo perciben esta tensión entre el pasado y el presente? ¿Acaso vemos una resignación frente a la realidad? Para responder estas dudas, continuaremos con el análisis de las integrantes de μ’s, en concreto, con las chicas de primer año. El día de hoy veremos a Rin Hoshizora.
Rin Hoshizora: características
Atlética, activa, con mucha energía y gran coraje, pero muy floja para los estudios. Es amiga de infancia de Hanayo Koizumi, y tiene algunos puntos en común con Honoka, por lo que será nombrada como la segunda al mando en el grupo. Incluso llega a reemplazarla como líder cuando, en el quinto episodio de la segunda temporada (“A New Me”), las chicas de segundo año se van de viaje.
Este capítulo no solamente explora el conflicto que genera en Rin llevar una responsabilidad muy grande como la de ser la líder suplente de μ’s -¡y gran tarea!, pues Honoka tiene una personalidad que integra a las chicas y le da la valentía para asumir la colosal tarea de salvar a su colegio-. También se reconoce la fuente de la inseguridad de Rin. Pero antes de explayarnos en el tema, veamos cuáles canciones representan a Rin y cómo las letras reflejan su personalidad.
Rin como protagonista en «A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Una música sobre la sinceridad y el optimismo
Algunas canciones de μ’s que tienen a Rin como centro son “Yuujou No Change”, “Love wing bell” y “Hello, Hoshi o Kazoete”. Asimismo, compartirá este con Hanayo en “Arashi no Naka no Koi dakara”. Como parte de la sub-unidad lily white, será centro en canciones como “Kimi no Kuse ni!”, “Onaji Hoshi ga Mitai” y “Shunjou Romantic”. Finalmente, tiene un dúo con Honoka, con quien canta “Mermaid festa vol.2 ~Passionate~”, y sus solos son “Kururin MIRACLE” y “Koi no Signal Rin rin rin!”.
Rin es el centro en la primera canción con temática amorosa en la franquicia de Love Live!. En “Yuujo No Change” (1) muestra optimismo frente a ese sentimiento tan nuevo que es el amor. La novedad de este sentir inevitablemente puede generar temor y cierto dolor, pero la “voz poética” (2) rescata el hecho de jamás darse por vencido ni paralizarse frente a los sentimientos.
I understand you’re falling in love
I understand that it’s something wonderful so
I hope no matter what you definitely won’t let it go
You’ll understand after losing it
I understand it’s precious but
Another chance will come swooping down evenly
«Yuujo No Change», μ’s

Este atisbo de personalidad decidida y enérgica podemos confirmarla en “Koi no Signal Rin rin rin!”. En esta canción descubre el amor. Y si bien no lo acepta con facilidad, prefiere ser honesta con sus sentimientos. Se sonroja con facilidad y da pequeños signos de atracción hacia el ser amado, y no se rinde aunque esta persona todavía no se da por enterado de lo que siente Rin.
Please let my ability to find mysterious awaken
I want to feel excited every day
But not because of you…you’ve got it all wrong!
I’m in a strange mood, it feels like all excuses […]
I wanna make sure, ren-ren-rendezvous
It’s so fun…isn’t this love?
In my heart, a colorful ren-ren-rendezvous
My reddening cheeks are too honest! […]
Here’s my small signal, rin-rin-ring a bell
You pretended to not hear, but I kept on ringing
Give me your answer, please!
«Koi no Signal Rin rin rin!», μ’s

«Love wing bell»: sobre la aceptación y la transformación
Por otro lado, “Love wing bell” y “Kururin MIRACLE” nos presentan la otra cara de la moneda de Rin. Se trata de un personaje que, pese a su optimismo y honestidad, tiene poca confianza en sí misma y no le gusta su apariencia. Sin embargo es gracias a sus amigas, quienes la acompañan en el camino y no la juzgan, que aprende a aceptarse a sí misma y explorar facetas de sí misma que reprimió.
«Love wing bell» es el insert song del capítulo «A new me”, en el cual las chicas de μ’s son invitadas a un evento donde Honoka desfilaría con un vestido de novia acompañada por las otras chicas del grupo, quienes estarían vestidas con un terno. Sin embargo, Honoka, Kotori y Umi deben cancelar su participación porque se irán de viaje de promoción a Okinawa. Es así como Honoka decide nombrar a Rin como segunda líder, cosa que no sería problema para ella de no ser porque, como líder y centro de la canción que van a presentar en dicho evento, debe usar un vestido.
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Es en este momento donde descubrimos la mayor inseguridad de Rin: no le gusta usar faldas porque de pequeña otros niños la molestaban por su aspecto poco “femenino”. Esta experiencia, sumada con el prejuicio de que las mujeres deben desarrollar por igual pechos y cadera, con lo cual se ignora la diversidad corporal, habría creado en el personaje un complejo que la lleva a rechazar su propio cuerpo. Rin considerará, entonces, que «no es linda ni femenina».
Pero este episodio será especial para el crecimiento de Rin, pues logra reconciliarse consigo misma, y acepta su cuerpo y sus características físicas. “Love wing bell” es signo de ello. Como dijo Iida Riho, seiyuu de Rin:
It’s a record of Rin-chan’s maturing…♡
Riho Iida, “μ’s Go→Go! LoveLive! 2015 ~Dream Sensation!~”
La letra de la canción expresa el asombro de Rin por descubrir que ella también puede ser linda y femenina como las demás chicas (3). Asimismo, la «voz poética» se asombra al descubrir que habían en su interior muchas cosas en potencia. Y será gracias a la confianza que le brindan sus amigas que será capaz de explorar ello y, por fin, “transformarse” y “renacer”. Se trata, entonces, de una canción de amor, pero, sobre todo, una que implica amarse y aceptarse a uno mismo.
This road we walk down, beckoned by the light,
Continues on to the future, brimming with hope.
Anyone can become cute? Yes, I know it’s possible!
Even someone like me… Transform!
So, I’ll give this to you. Cheer up! With our smiles just the way they are,
Let’s sing, let’s sing! I’ll give this to you. Cheer up!
Let’s stop worrying and look to our dreams.
If I’m with all of you, my beloved friends, new things are within my reach.
Let’s be reborn! From here, your world will grow even more.
Come on, I can see tomorrow!
Love wing… love wing… […]
Yes, that’s right, every girl will have her day to be a princess.
So happy, so happy, it’s just like magic.
Surprise brings forth the pulse of a dream.
Love is an important thing; it lets you do some wonderful things.
Let’s be reborn. Let’s go look for the next stage.
Now, what kind of ‘me’ shall I be tomorrow?
Love bell… love bell…
«Love wing bell», μ’s

Por otro lado, “Kururin MIRACLE” explora la resolución de la crisis de Rin frente a su cuerpo y, quizás, una armonización en la performance de género (4). La canción muestra una «voz» alegre, enérgica, llena de optimismo y que se ha aceptado a sí misma, lo cual le permite explorar un lado que no pudo por temor:
I want to dance as my brand new self
Twirl-twirl, whenever I twirl around and take a jump
The sight of my fluttering skirt makes me so happy
That I just have to twirl around again
I can be true to myself now, so
Twirl-twirl! I’ll twirl around and chase after my goal
To all of you, who gave me this bit of courage
I want to say I love you!
There’s still a lot more to go
If I run down the path to girlhood from the starting point
It might be there, waiting for me… Love’s signal! […]
I want to become cute — That’s one of my dreams!
«Kururin MIRACLE», μ’s

En el caso de Rin, se trata de una entrada a la adolescencia donde se da una aceptación del cuerpo y de la feminidad -que, nuevamente, ella misma temía explorar por haber sido objeto de bullying en su infancia-. Este inicio de la adolescencia y exploración del género se puede apreciar en el uso repetido de la palabra «girlhood» o «joshi» (女子) en la letra original, donde joshi suele hacer referencia a la etapa liminal, entre la niñez y la adultez (5).
Personajes femeninos, performances… ¿femeninas?
Finalmente, el arco de desarrollo de Rin trae a la luz otro tema importante en Love Live!: el género. Sabemos que Love Live! se caracteriza por tener en cada una de sus temporadas y generaciones de school idols un cast enteramente femenino. Esto nos invita a pensar en las diversas performances de género y en las dinámicas que se dan en los espacios homosociales femeninos.
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
A través de Rin -y más adelante, con personajes como You Watanabe de Love Live! Sunshine!!– el anime parecería apostar por una «fluctuación del género», ya que Rin abraza su lado más «femenino», lo cual permite que confluyan en ella elementos “femeninos” y “masculinos”. En otras palabras, uno no excluye al otro (6).
Para cerrar, podríamos tener dos lecturas con respecto al arco de Rin, y al tema del cuerpo y género en Love Live!. Por un lado, el anime podría enseñar al público que en la infancia una chica puede tener actitudes poco femeninas, pero que a medida crece, es normal abandonar esas actitudes y adoptar la feminidad. Para algunos esto podría hacer que el anime sea concesivo y que siga la norma social, ya que uno de los personajes logra convertirse en una «chica femenina», apoyando la idea de que lo «femenino» es deseable para las mujeres. Por otro lado, quizás como una lectura más esperanzadora y transgresora, es que Love Live! propone una aceptación del cuerpo, donde confluyen lo “masculino” y lo “femenino”. Y la armonización de ambos no solo permiten el crecimiento del sujeto, sino que es un paso necesario para alcanzar la verdadera madurez.
En conclusión…
Rin Hoshizora es un personaje lleno de energía y optimismo, cuyo crecimiento se da gracias a la aceptación de sí misma. Ello le permitirá explorar otras facetas y, en el proceso, madurar. Así como Umi daba luces sobre el problema de la tradición y la modernidad en Love Live!, Rin coloca en primer plano el tema de la representación del género y su diversidad.
Con ella se da un rescate de la «feminidad», donde esta no tiene por qué ser intrínsecamente negativa. Todo depende de qué valores se le asignan y cómo se reformula.
We must protect her smile :’) (Love Live! The School Idol Movie, Sunrise 2015)
Algunas recomendaciones 🎵
Algunas canciones que reflejan muy bien la energía, honestidad y crecimiento de Rin son:
1) Yuujou No Change: http://love-live.wikia.com/wiki/Yuujou_No_Change
2) Koi no Signal Rin rin rin!: http://love-live.wikia.com/wiki/Koi_no_Signal_Rin_rin_rin!
3) Love wing bell: http://love-live.wikia.com/wiki/Love_wing_bell
4) Hello, Hoshi o Kazoete: https://love-live.fandom.com/wiki/Hello,Hoshi_o_Kazoete 5) Mermaid festa vol.2 ~Passionate~: http://love-live.wikia.com/wiki/Mermaid_festa_vol.2~Passionate~
(BONUS) Hello, Hoshi wo Kazoete (Kimunyu): https://www.youtube.com/watch?v=ZGYqCVNrSt4
Notas:
(1) La primera canción de μ’s, “Bokura no LIVE Kimi to no LIFE”, trata sobre el sentimiento de alcanzar una meta junto con las personas que más quieres. Honoka, es el centro de esta canción, por lo que tiene sentido que se desprenda del tema amoroso.
(2) Acortado a “voz”, se refiere al “personaje” que tanto la letra de la canción nos brinda. En Literatura suele ser peligroso relacionar la “voz poética” con el mismo poeta, pero haremos una excepción con el análisis de las canciones de Love Live!. En el caso de las canciones y las images songs, podríamos relacionar el mensaje con el personaje que lo canta. De esta forma, las canciones serían un reflejo del personaje y ayudaría a profundizar en algún aspecto de su personalidad.
(3) Quizás se sienta, por fin, parecida a Hanayo, quien considera posee aquellas cualidades que a ella le faltan.
(4) Es importante no confundir “sexo” con “género”. El sexo no tiene por qué encajar con los estereotipos de género que se imponen al sujeto. En el caso del anime, probablemente a Rin no le gustaba de niña las cosas “típicas” de niña, y sus actitudes y gustos coincidían con el que la sociedad designaba de los niños. Al tender hacia lo “masculino”, y con esto escaparse de la norma, la sociedad la lastimó, lo cual generó en Rin un rechazo hacia sí misma. En consecuencia, no acepta su cuerpo, no cree merece ser calificada con términos propios de la «feminidad» como «linda», ni que tampoco pueda ropa «femenina» como las faldas.
(5) Semejante al término shōjo.
(6) Esta exploración del «género» más allá del sexo se propone también con el personaje de Yuu Takasaki, el self-insert character de Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai. Todos los espectadores se pueden identificar con ella, pero invita especialmente al público masculino a ingresar al mundo homosocial femenino desde la mirada de otra shōjo.
¿Hambre de más? Te recomendamos…
Joshi or josei? Japanese netizens discuss the age at which a “girl” becomes a “woman”
Nagaike, Kazumi. 2010. «The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics. Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives». Electronic journal of contemporary japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
13 marzo, 2021
«Sen to Chihiro»: El sueño de una niña
Este artículo está dedicado a una de las obras cinematográficas más populares de Hayao Miyazaki: El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し Sen to Chihiro no Kamikakushi). Pareciera casi imposible que alguien no haya visto o escuchado sobre esta película animada y mucho se ha hablado sobre ella, pero al ser una amante empedernida de esta obra, es justo y necesario que un texto más sea dirigido a la existencia de esta obra maestra.

Un comienzo fuera de lo común
Comencemos describiendo un poco de qué va la historia, Chihiro es una niña de aproximadamente 10 años que deja atrás su escuela, sus amigos y su antiguo hogar, para mudarse a un nuevo lugar junto con sus padres. Desde los primeros segundos de la película, podemos notar que Chihiro es una niña testaruda y un tanto miedosa. Así que este cambio de hogar le resulta bastante intolerable, aburrido y triste. Rumbo a su nuevo hogar, en el auto junto con sus padres, podemos ver que Chihiro no tiene ni la más ligera emoción por conocer el nuevo lugar al que se dirigen. Pero el giro de suspenso y misterio empieza a los pocos minutos que sus padres toman un extraño atajo y llegan a un tipo de templo antiguo que les intrigará tanto que tienen la gran necesidad de bajar del auto y adentrarse en ese templo que servirá (sin que ellos lo sepan) como una especie de puente o portal entre el mundo humano y el mundo mágico al que Chihiro deberá enfrentarse sola.
El viaje espiritual de Chihiro
Sin rebelar algunas de las partes más cruciales de esta película (si es que aún no ves esta película) se puede percibir el mundo casi irreal que se debela a los ojos de Chihiro, a partir del primer momento trágico y hasta terrorífico que sufre con sus padres al cruzar aquel templo. Un mundo que cobra vida justo cuando comienza a caer la oscuridad de la noche. No podemos negar que hay una gran belleza en este nuevo mundo que Chihiro está presenciando, a pesar del miedo y confusión que nos transmite la pequeña niña, hay un deleite visual en las luces, las construcciones y los colores que trae este lugar (característica de las producciones del Studio Ghibli).
Mucho se ha hablado o especulado si este lugar representa un tipo de “viaje espiritual” para la pequeña Chihiro. ¿Por qué de la nada tendría que aparecer ante ella un mundo en el que tiene que arreglárselas para sobrevivir ella sola? ¿Por qué tiene que enfrentarse a situaciones tan dolorosas y difíciles? ¿Acaso una niña de diez años tendría que vivir esta experiencia? Se puede hablar mucho de esta hipótesis y vamos, ¿quiénes somos para negar la posibilidad de esto en una película así? Pero Miyazaki bien ha explicado que la película está basada en un personaje real, en un viaje que tuvo con uno de sus amigos de trabajo, este llevó a su pequeña hija de la cual Miyazaki se inspiró para realizar esta obra. Si ya has visto la película, deja tu consideración está idea del “viaje espiritual”, seguramente te dejará algunas buenas ideas al respecto.
¿El viaje de Chihiro tiene similitud con Alicia en el País de las Maravillas?
Al tratarse de una historia sobre una niña que se cuestiona el por qué de su mundo, de las reglas que lo rigen y de sus emociones al respecto, pudiera ser que ambas obras tengan alguna relación. Pero eso sería una similitud creada más por los espectadores que por la propia obra. Si bien una de ellas es una creación dentro de la cultura occidental y a la otra, al contrario pertenece totalmente al mundo oriental, se debería apreciar a cada una por su contenido en particular e individual. En el viaje de Chihiro encontramos una gran variedad de elementos de la cultura japonesa, mismos que Miyazaki es capaz de plasmar de una manera mágica y al mismo tiempo melancólica en esta obra. Chihiro está en una constante situación de auto reflexión, descubrimiento de su personalidad, a la vez que lucha con un pasado que la atormenta pero que al mismo tiempo forma parte de ella. Todos estos puntos sin duda son parte del crecimiento del ser humano y realmente son procesos dolorosos y difíciles para todo aquel que se enfrente a ellos. Miyazaki nos muestra que desde la infancia nos enfrentamos a estos aspectos de la vida.

“Nada de lo que sucede se olvida jamás aunque tú no puedas recordarlo.”
Haku, el Shinto y la naturaleza
Ahora, es inevitable que no se hable sobre este personaje: Haku. Se trata del fiel amigo de Chihiro, un niño que es aproximadamente de la misma edad que ella. Siendo un niño, Haku es el dios del río de aquel pueblo-mundo. Durante toda la película podremos apreciar que es el personaje que más ayuda a nuestra pequeña protagonista, no solo le advierte desde un inicio a Chihiro sobre el peligro de su mundo, sino que la protege y sobre todo la ayuda a encontrar el camino que ha de llevarla a regresar a su mundo. Es curioso que el Dios Haku o como lo llaman: Amo Haku, sea un niño, a pesar de tu joven edad podemos ver la valentía y pureza que hay en su interior. El otro lado de Haku que impacta a Chihiro es que, puede cambiar su forma a la de un dragón de la cultura japonesa, ya que él es el dios del río. En este punto se puede pensar en la fuerte influencia del Shinto de Japón y cómo de alguna manera se plasma en la cinta.
Hay dos aspectos al respecto que sería interesante planear.
La experiencia personal emotiva ante la belleza de la naturaleza
La cultura japonesa tiene este elemento que resulta impresionante y tan significativo. El reconocimiento de la belleza de la naturaleza. “Una profunda admiración de un ¡oh! ¡ah! ante la belleza del paisaje del País del Sol Naciente. Es un profundo sentimiento, entrañable e inefable de su encuentro con el fascinosum et tremens de la naturaleza”.
Encuentros constantes y de renovación con la naturaleza
Sin entrar mucho en detalle sobre religiones, sabemos que en la gran mayoría de estas, la asistencia pública a los lugares en los que se llevan a cabo las ceremonias es una práctica común y se realiza de manera comunal. Pues en el caso del shinto: “La espiritualidad japonesa no contiene tal ceremonial de culto público; pero sí incluye una renovación periódica con encuentros personales con la naturaleza de carácter ambiental individual. En efecto, muchos japoneses buscan encuentros de comunión íntima con la naturaleza con la frecuencia y modalidad que su apretada jornada laboral les permite”.
Amor y Naturaleza

El amor y respecto que se tienen a los dioses de la naturaleza, según el shinto es una experiencia que nos abre la perspectiva y nos hace repensar los limites de nuestro pensamiento respecto a la importancia de la naturaleza y el papel del ser humano en y con ella. Una niña y a su vez su amigo, que recuerda su pasado gracias a la ayuda, primeramente de la fuerza y poder natural de un río y en segundo lugar del amor que surge entre el humano y su reencuentro con un elemento de la naturaleza. Esta mancuerna nos puede brindar una nueva visión de nosotros mismos, o eso es lo que no puede invitar a pensar esta película.
Fuentes
Edubcn
Japón secreto
Japón: identidad, identidades
1 SHINTOÍSMO: EL CAMINO DE LOS DIOSES DE JAPÓN, Lanzaco Salafranca, Federico. Universidad de Sophia, p. 20
2 SHINTOÍSMO: EL CAMINO DE LOS DIOSES DE JAPÓN, Lanzaco Salafranca, Federico. Universidad de Sophia, p. 21
28 febrero, 2021
¿Estigma o liberación?: «El club del divorcio»
Enamorarse, casarse y tener hijos. Ese es el camino que por años algunos han pensado que es el único. ¿Pero cómo te tratan si “te desvías” un poco? ¿Si te casas luego de determinada edad, decides separarte o explorar tu propio cuerpo y sexualidad? Kazuo Kamimura explora estas preguntas en El club del divorcio, manga que llega a nosotros gracias a Ibero Librerías.
El club del divorcio nos presenta a Yūko Sakurai, una hostess de veinticinco años, que administra un club llamado “El club del divorcio” en el barrio de Ginza. Divorciada, decidió conseguir un trabajo que le permitiese vivir a ella y a su hija sin la compensación económica de su exmarido. Y si bien el negocio puede mantenerse a flote, tendrá que sobrellevar la recesión económica por la que atraviesa Japón y también una crisis existencial y sentimental que le harán cuestionarse si es una buena madre y si desea establecer una relación con otro hombre.
Cuerpo y sociedad: la mirada de Kazuo Kamimura
La obra de Kamimura expone de forma clara el estigma social hacia el divorcio, la pobreza y el suicidio, así como la construcción social de la maternidad, el matrimonio y la sexualidad.
En primer lugar, Yūko es una mujer divorciada que en los años posteriores a la separación debe confrontar las expectativas que tenía del matrimonio con la realidad:
Casarse es como una obra de teatro. Si cada uno logra interpretar sus respectivos papeles y salir indemne, podrá ir constituyendo una forma de vivir. A medida se va interpretando un papel, se va asimilando esa personalidad como propia. La idea es que a medida que se vaya interpretando el papel de esposa, una se vea a sí misma como tal y como nada más. Solo esa clase de persona es capaz de ser una buena esposa
Yūko Sakurai
Yūko reconoce que no pudo cumplir con el rol y las expectativas que había sobre ella cuando estuvo casada. Este desencuentro entre la expectativa y la realidad no solo lo atraviesa la protagonista; vemos que también reúne en “El club del divorcio” a mujeres separadas y que, pese a vivir cierta independencia económica y vivir su cuerpo de una manera libre, se encuentran en una posición desfavorecida.
Estas hostess, si bien no viven en la pobreza, viven de forma inestable. Por ejemplo, se nos presenta el caso de una hostess que sufre un accidente de tráfico. La indemnización que recibiría sería ínfima porque su trabajo se considera al margen de la ley: si bien hay días que puede ganar una suma elevada de dinero, en estos casos juega en su contra el no tener registro de los pagos ni haber un contrato de por medio.
Las hostess de «El club del divorcio» («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Una hostess sufre un accidente automovilístico («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Asimismo, el manga nos presenta cómo es recibida la inestabilidad económica cuando esta la padecen los hombres. Vemos en el caso de Michio, exesposo de Yūko, quien es un pianista que sufrió de depresión y alcoholismo, y tras la separación solo encontró trabajo en locales de “baja categoría”. Y pese a que consigue un trabajo, al ser este como músico en un cabaret en Hokkaido, se ve con menosprecio y llega a decir que “ha perdido toda su reputación”.
¿Por qué un sistema que permite la existencia de espacios como los bares y cabarets, y trabajos como el de hostess siente animadversión por estos? El manga nos presenta, entonces, una serie de personajes que sienten que han “fallado” en su rol y en la sociedad.
Las altas expectativas que se tiene sobre los sujetos, unido con la realidad -donde no siempre se triunfa o uno logra sentirse a gusto con los roles-, provoca un quiebre, el cual se puede expresar en el suicidio. La obra señala, por ejemplo, una gran cantidad de suicidios que se realizan por parte de estudiantes y hostess.
Todo ello lleva a Yūko a cuestionarse sobre su rol como madre, del cual siente ha fracasado. Asimismo, vemos cómo Asako, la hija de la protagonista, comienza a ser discriminada por sus compañeros y padres de familia por el divorcio de sus padres, y porque su mamá es dueña de un bar en Ginza y su padre no tiene un trabajo fijo. Entonces, el manga nos presenta el estigma social que atraviesan toda la familia tras el divorcio.
Rechazo de la hija a su madre («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
La tristeza del padre ante su fracaso y la separación de su hija («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Rechazo a Asako por parte de otros padres («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Una vida amarga: el realismo en El club del divorcio
Si bien El club del divorcio es una historia sobre un grupo de marginados, no lo presenta con sordidez. Así, estamos frente a una narrativa realista y no naturalista, que trata de presentar las penurias y preocupaciones de hombres y mujeres rechazados por la sociedad. Con ello, Kazuo Kamimura busca desmentir los prejuicios alrededor de este grupo y mostrar el abandono por el cual atraviesan. En ese sentido, busca darles rostro, profundidad y memoria a sujetos que suelen ser olvidados por la sociedad.
La actriz porno y ex-hostess, Rika Segawa («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Memoria: recordar a Rika Segawa pese a haber sido una actriz porno («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Para ello se va a apoyar en gráficas sobre el divorcio y la tasa de suicidios, y en la exposición de las infraestructuras donde viven y trabajan las hostess. De esta forma el mangaka busca darle rostro o humanidad a estas personas y quitarles los estigmas que la sociedad impuso sobre ellos.
Representación de los espacios («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Manutención luego de la separación («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Experiencia sexual antes del matrimonio («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Bodas y divorcios al año («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
En conclusión…
El club del divorcio es un manga que nos muestra la vida de una hostess divorciada, quien debe vivir día a día con las penurias que trae la crisis económica y con el prejuicio de la sociedad. Kazuo Kamimura humaniza a sus personajes y nos muestra cómo todos, desde hombres y mujeres, hasta niños y estudiantes, pueden ser víctimas de una sociedad que les impone roles y normas rígidas, que no se adecúan con el tiempo.
De esta forma, por más deseos de cambio que tiene la protagonista, en una sociedad conservadora como la de los años 70, siente que jamás logrará alcanzar el ideal de liberación y felicidad para la mujer al que alguna vez aspiró la escritora e intelectual Raichō Hiratsuka (2):
Originariamente, las mujeres eran en Sol
Raichō Hiratsuka, Bluestocking
Notas
(1) El realismo es un movimiento literario donde la narrativa se caracteriza por hacer un retrato lo más detallado y objetivo posible de la realidad. Un exponente en este género es Honoré de Balzac. En paralelo surgió el naturalismo, movimiento que presentaba la realidad en su aspecto más desfavorecido, marginal y, en ocasiones, sórdido. Un ejemplo de ello lo encontramos en la novela Nana de Emile Zolá.
(2) Raichō Hiratsuka fue una escritora, periodista, activista política y anarquista japonesa. Cofundó en 1911 la revista Seitō (o Bluestocking), donde se cuestionaba el rol tradicional de la mujer en el hogar. Esta revista es considerada como el origen del movimiento feminista en Japón.
¿Hambre de más? Te recomendamos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Lunsing, Wim. 2001. Beyond Common Sense. Sexuality and Gender in Contemporary Japan. Nuevo York: Routledge.
27 febrero, 2021
Recordando a Candy Candy de Keiko Nagita (Parte I)
Advertencia:
1. Este ensayo está dividido en dos partes. La segunda será publicada el próximo 14 de marzo.
2. Si no estás familiarizado con las obra en ninguno de sus formatos, la reseña puede resultar un adelanto de contenido. Alerta de spoilers.
3. Las imágenes y videos han sido empleados como apoyo visual al desarrollo del contenido. Todas tienen sus respectivas citas y fuentes de origen descritas en las leyendas, y se ha contemplado una sección de bibliografía y referencias que irán en la segunda entrega del ensayo.
El pasado 28 de mayo de 2020 salió a la venta la novela ligera Candy Candy. La historia definitiva– CCHD– de la escritora y poetisa japonesa Keiko Nagita (Tokio, 1949). Y literal, esta novela le pone un final definitivo a la historia de vida de una de las heroínas animadas más recordadas y vistas por varias generaciones de televidentes hace ya 40 años. Esta publicación la ha realizado el sello editorial Arechi Manga, división de Yermo Ediciones y Publicaciones de Barcelona. Arechi Manga se especializa en sacar licencias al español de mangas de corte histórico o clásico, y novelas ligeras japonesas. Las traductoras encargadas han afirmado en entrevistas dadas para la promoción de la obra, que se ha empleado una traducción creativa, esto es el uso de recursos narrativos equiparables en el español para describir sensaciones y diálogos del japonés original.

Como sabemos, para que esta última versión novelada aparezca en Japón, pasaron varios hechos, no tan afortunados y con muchos sin sabores entre sus creadoras originales, Kyoko Mizuki, antiguo seudónimo de Nagita, y la mangaka Yumiko Igarashi. Ambas tuvieron una sonada controversia legal a fines de los años noventa por los derechos de la obra, lo cual generó una restricción de las licencias de publicación del manga así como la prohibición de la trasmisión del anime o cualquier producto derivado de la obra. Solo la escritora fue habilitada a publicar la novela ya que la justicia japonesa le reconoció la autoría plena de la obra original. Nagita, en su posfacio de la versión japonesa Shosetsu Candy Candy Final Story –CCFS– (Editorial Shodensha, 2010), contenida también la edición española, afirma que: “Sentía un cariño enorme por la historia que había escrito hacía 32 años [refiriéndose a la primera edición novelada de la obra, en 1978]. Me estaba preparando para abordar su cuarta edición [1er, 1978-1979; 2da, 1990; 3er, 2003]. En aquel momento, me pregunté si todo estaba perfecto, si realmente en esas páginas existía el universo que quería mostrarle a mis lectores. Aquella sería la última historia que contaría sobre Candy. Así que quería que todo fuera verdad. No quería arrepentirme de nada…” (CCHD, 2020: 396).

Portadas de edición japonesa de Candy Candy Final Story (dos tomos). Editorial Shodensha, 2010. Fuente
Entonces ¿Cuál es la novedad de esta última versión narrativa de la historia shōjo más conocida por estos lares? ¿Qué esperamos encontrar en la lectura de la novela?¿Vale la pena invertir en un libro de literatura “ligera” que no contiene ni uno solo de los hermosos diseños por los cuales reconocemos a nuestra amiga Candy, la huerfanita rubia pecosa Made in Japan de finales de los años setenta? Si me lees, podrás encontrar alguna respuesta, y quizá te animes a hacer este ejercicio que apela a tu memoria y nostalgia generacional.

Keiko Nagita en la presentación del primer tomo de su novela (edición francesa por Pika Édition) presentada en la feria del libro de Paris, Francia, 17 de marzo, 2019. Fotografía de Marie Carbonnier
Fuente
La novela CCHD debe ser vista como una historia independiente de los formatos anteriores, llámese manga y anime, pues para Nagita esta última versión contiene todo el espíritu de la historia original de Candy. Así, CCHD está dividida en tres partes, las cuales representan los recuerdos de la historia de vida de Candice White-Ardlay, quien ante el lector se presenta como una mujer adulta sobre sus treinta años que vive en una alguna villa del countryside del Reino Unido, cerca al río Avon durante la década del treinta del siglo XX. Todos estos datos son no menores dentro de las descripciones hechas por la autora, pues servirán como indicios para entender lo hechos que acompañaron a Candy, y nos brindarán un acercamiento al final de su relato de vida. Hay que darle crédito a la pluma de Nagita, ya que sus descripciones suplen de forma excepcional la ausencia de imágenes y nos trasportan a todos los recuerdos de las escenas que alguna vez vimos en el anime de la Toei Animation (1976-1979, 115 episodios), o a su primera versión en formato manga publicado en la revista mensual Nakayoshi (1975-1979, 55 capítulos, recompilados en 9 volúmenes en 1979) de la famosa editorial de manga juvenil Kōdansha.

Fotograma del opening original de la serie anime Candy Candy, 1976, propiedad de Toei Animation.
Portada de la revista Nakayoshi, #7, julio 1977. Fuente:
La primera parte de la novela nos anticipa este ejercicio de memoria que realiza Candy tras leer las cartas recibidas desde el Hogar de Pony. La Srta. Paulina Giddings, más conocida como la señorita Pony, se ha recuperado de un malestar según cuenta la carta de la Hermana Lane (otrora Hermana María), quienes escriben contándole los pormenores sobre su querido orfanato, su lugar en el mundo al sur del Lago Michigan en el Midwest estadounidense, al cual evoca para comenzar sus recuerdos de vida. Entonces, el lector acompañará a Candy en esta retrospección a través de los capítulos con una narración en tercera persona. Se nos irá contando los hechos que marcaron a la niña pecosa de nariz respingada y las dificultades de crecer sin padres en condiciones adversas; pero con el cariño y comprensión de sus tutoras, de lo cual está muy agradecida: “Me abandonaron en el orfanato más bonito del mundo… agradezco que mis padres me dejaran allí y no en otro lugar. Estoy convencida de que lo eligieron a propósito…” (CCHD, 2020: 242).
https://www.youtube.com/watch?v=6BFjMSyDlfo
Booktrailer del lanzamiento de la edición italiana de la novela Candy Candy. Il romanzo completo (2020) de la editorial Kappalab.
Tras la adopción de su amiga Annie y su triste separación (anticipándonos las fuertes emociones que se vienen), Candy se pregunta si ella tendría la misma suerte de ser adoptada por una familia rica, y la premura de esta por buscar un hogar para no ser más una carga económica en detrimento de los otros niños del orfanato. Las reflexiones de este tipo, unidas con la carga dramática se irán matizando con la mirada tierna y de esperanza de Candy. Desde el inicio, Candy recibe el primer mantra que guiará sus futuras motivaciones, sonreír ante la adversidad, dado por el famoso Príncipe de la Colina, el personajes etéreo y casi onírico de la obra. Seguidamente, vendrá la oportunidad de salir del orfanato para ser la niña compañera de juegos de una familia rica, lo que nos marcará el inicio de sus aventuras y desventuras, junto a su crecimiento y madurez personal.
En este sección, además, los capítulos van intensificando la presencia de los personajes que acompañaran la primera infancia Candy, algunos más entrañables que otros como Annie, Alistair, más conocido como Stair, Archiebald o Archie, y el tan recordado Anthony; así como los perversos antagonistas Eliza y Neil Lagan, quienes junto a su estirada madre, la Sra. Sara, y la tía abuela Elroy pondrán la cuota dramática a esta primera sección. Los diálogos nos hacen ver las situaciones tensas e injustas que atraviesa la protagonista en interacción con estos últimos personajes. Así, la autora utiliza términos como “maldita bastarda” o “huérfana”, que son marcadores de jerarquías sociales en un mundo que ha normalizado estas conductas, y que irán cambiando a través de los hechos ocurridos a lo largo del siglo XX. Aquí encontraremos también la primera interacción de Candy con Albert, el misterioso personaje “hippie” de alma libre que le salva la vida. Otro giro importante de destino para Candy será su adopción por parte del Tío Abuelo William Ardlay, el millonario de Chicago y principal miembro de la familia Ardlay.

Escena de la serie anime Akage no An –Ana de las tejas verdes- (1979) dirigida por Isao Takahata para Nippon Animation, basada en la novela juvenil Anne of Green Gables (1908) de la escritora canadiense Lucy Maud Montgomery, que narra la historia de Anne Shirley, una niña huérfana poseedora de una gran imaginación que vive en la Isla del Príncipe Eduardo en el Canadá Británico de finales del siglo XIX. Esta obra marcó a las generaciones del Japón de la posguerra, y también fue una obra que inspiró a Nagita para recrear el mundo de Candy.

Chibi Candy con traje escoses, fanart diseñado por Candymania inspirados en los diseños de Yumiko Igarashi. Fuente: https://www.facebook.com/candymaniaclasicshoujo
No faltarán los diálogos románticos entre Candy y Anthony, con una sutileza que describe las sensaciones del primer enamoramiento; el origen de la Dulce Candy, la emblemática rosa que identifica el nacimiento del amor en Candy, y que culmina con la escena más trágica de este primer arco, que también vimos en el anime: el accidente de Anthony el día de la cacería del zorro. Y es que esta es una de las escenas que marcó, por no decir traumó, a millones de niños en el mundo. Este “trauma global”, quizá no entendido por algunos, fue necesario para el desarrollo de la trama con respecto a las experiencias fuertes que vive la heroína, dándole un giro narrativo importante a la historia: “Anthony Brown. Tan solo tenía 15 años. Era un buen chico. Un muchacho que amaba las rosas ¿Cómo puede Dios ser tan cruel?…’Las flores mueren, sí, pero renacen aún más bellas. Las personas mueren y renacen de una forma hermosa en el corazón de aquellas que los recuerdan.’ Las palabras de Anthony resonaban en mi corazón…” (CCHD, 2020:138-139).
Las anécdotas sobre cómo se vivió esta escena son interesantes, los testimonios y comentarios de aquellos que vieron la serie en su momento subidos en las redes sociales coinciden en que jamás se lo hubieran esperado o que significó un gran dolor ver la muerte de un personaje querido. En Francia, por ejemplo, esta escena fue censurada durante sus primeras emisiones en los ochenta por considerarla demasiado fuerte para el público infantil, optándose por traducir los diálogos para que se entienda que lo acontecido a Anthony fue un accidente y no su muerte, lo que generaría una notoria confusión argumental en los televidentes francófonos. En una entrevista dada para la revista online francesa Coyote Mag (2019), Nagita afirmó que la escena de la muerte de Anthony lo relacionaba con la de su padre, acontecida cuando era aún una niña. Lo triste y duro que fue experimentar una pérdida de forma súbita y repentina, resultaba ser también un hecho real que no debía ser ajeno incluso para los niños: «La vida es fugaz y, aunque puede conmocionar a la gente, es la realidad. No me pareció mal transmitir este mensaje a los niños. Al ver a Candy superar un drama similar, los niños pueden decirse a sí mismos que ellos también pueden…« (Coyote Mag, 2019). Este hecho es el cierre perfecto de la primera parte de la novela, tan cruda y acertada a la vez, pues nada sería fácil para Candy, por más adopción que hubiese, su vida no se regiría por una sola opción, así lo decidió su autora: “’el pasado es algo doloroso y maravilloso al mismo tiempo, ¿no crees?’”(CCHD, 2020: 396).
“Candy, we have to escape the Pony House to find the ones who love us!” secuencia “J-Pop Talk Show” del programa Saturday Night Live, temporada 37 (2013). Parodia sobre el fenómeno Otaku en EEUU. Se hace mención a Candy Candy, hecho interesante teniendo en cuenta que la serie no se trasmitió en la televisión estadounidense, y solo es conocida por los connoisseur (y también geeks) de anime y manga en dicho país.
21 febrero, 2021
Otaku bunka, ¡otaku power!: modernidad y tradición en «Our Shining Days»
Los días de escuela, y hay cosas que no cambian: el trato hacia los “marginados”. Pero así como hemos visto en algunas películas estadounidenses para adolescentes, donde de pronto los chancones tienen un improvement, de igual manera vemos en la película china Our Shining Days que son los otakus quienes salvan el día.
Our Shining Days (闪光少女), película china dirigida por Wang Ren y estrenada el 2017, presenta a Jing Chen, una joven de segundo año que estudia en la Academia de Música Zhongxia. Esta se divide en dos áreas: el de música folklórica china y el de música “clásica” ¾occidental¾, donde sus estudiantes compiten y se menosprecian entre sí.
En este contexto, Jing Chen, quien es experta en yangqin ¾instrumento de cuerda emparentado con el guzheng, el koto japonés o incluso con el piano¾, se enamora de Wen Wang, joven
promesa del piano que se encuentra
en el último año de escuela y está próximo a realizar sus estudios
universitarios en el extranjero. Por ello, la protagonista decide declararle su
amor. Sin embargo, será rechazada no
solo porque Wen Wang no la conoce, sino también la menosprecia por tocar un instrumento
“no prestigioso”.
Y para sumarle mayor drama a su historia, su especialidad
corre el riesgo de cerrar porque el director no considera que esta sea
atractiva, importante ni fructífera a diferencia de los estudios de música
“clásica”. Por ello formará con su mejor amigo, You Li, y cuatro jóvenes marginales ~~cofcofotakuscofcof~~
una banda musical llamada “Dimensión 2.5”,
la cual les permitirá demostrar a maestros, padres y compañeros que la música folklórica china no es motivo de
vergüenza ni está próxima a desaparecer.
De esta forma, Our
Shining Days llama la atención por la aproximación que tiene sobre el pasado y la tradición, la cultura de fans y la cultura otaku, y la capacidad que tiene
este grupo de tomar una acción política
y reactualizar el pasado.
Los “marginados”: los otakus y los estudiantes de música tradicional
Our Shining Days presenta a los estudiantes de música tradicional como alumnos marginados dentro de la estructura social de la Academia de Música Zhongxia. No reciben el apoyo de los profesores del colegio y son percibidos como una carga, a diferencia de los alumnos de la especialidad de música “clásica”, a quienes se les otorgan la mayor cantidad del presupuesto y se les brindan espacios donde pueden presentarse como ensamble. Esta inequidad del trato por parte de las autoridades refuerza la diferencia entre ambas especialidades y alienta a los alumnos de música “clásica” a sentirse superiores a sus compañeros.
Sin embargo, dentro de este grupo hay uno aún más marginalizado: las chicas del dormitorio 502, quienes se dice están obsesionadas con la “segunda dimensión”. Estas otakus aman los animes, mangas y videojuegos, y pese a ser etiquetadas como las “raras” de la escuela, Jing Chen tendrá que recurrir a ellas si desea crear una banda de música folklórica que llame la atención de Wen Wang.
Anterior
Siguiente
De esta forma, la protagonista les ofrece a Xiao Mai, Ying Zi, Beibei y Tata ¾especialistas en guzheng, erhu, ruan y pipa respectivamente¾ comprarles muñecos originales de anime por cada semana que entrenen y pagarles por un año el servicio de Internet. Así nace el ensamble Dimensión 2.5, en el cual las chicas del dormitorio 502 representan la segunda dimensión ¾por sus gustos, “su estilización y belleza”, en palabras de una¾ y Jing Chen y You Li representan el mundo real.
Vemos, entonces, dos grupos que son marginalizados en la sociedad: los estudiantes de música tradicional ¾quienes por parte de los profesores y el alumnado se cree que no representan lo “moderno”, van en contra del “progreso”, tienen un conocimiento “obsoleto” y quedarán en la pobreza¾ y las jóvenes otaku ¾a quienes sus amigos conciben como “infantiles” y sus familiares consideran como “extravagantes” y no productivos¾ (1).
Anterior
Siguiente
Este discurso de la música folklórica como algo destinado al fracaso incluso ha sido asimilado por los mismos estudiantes, especialmente por la protagonista, quien criticará a sus compañeras:
“¿Cuál es la gloria de hacer algo que está destinado al fracaso? Admite que lo haces por tu propia gratificación” (Jing Chen, Our Shining Days).
Jing Chen ha internalizado el discurso de que la música tradicional está destinada al fracaso, y ella abandona la música folklórica cuando Wen Wang la rechaza por segunda vez y porque cree que dicho camino le es una carga; algo que le fue impuesto por su familia.
Anterior
Siguiente
El rechazo hacia los estudiantes de la especialidad de música folklórica y hacia los otakus encuentra un paralelo con la creencia de que los fans son inadaptados sociales.
Matt Hills en la introducción de su libro Fan Cultures, cita a Jenkins, quien señala que los fans suelen ser objeto de burla y sobre ellos se proyectan diversas ansiedades sociales. Asimismo, Federico Álvarez Gandolfi nos señala que la sociedad suele imponer diversos mecanismos que permiten la patologización del fan, en el cual se construye al sujeto como “vago”, “inútil”, “enfermo”, “solitario” u “obsesionado”.
Pero veremos, gracias a la teoría de fans, cómo la película deconstruye esta imagen y nos propone que los otakus pueden ser un grupo creativo, capaz de reactualizar el pasado y hacer que la gente retome atención en este. La búsqueda del fan joven no se basa en la nostalgia ¾en el regreso de un pasado que solo provoca la petrificación¾, sino en el respeto por el pasado y en el mensaje que buscaba transmitir, y tratar de adaptarlo a los nuevos tiempos.
De consumidores a productores: la teoría de fans
“Ser débil y pequeño está bien porque tenemos amigos” (Our Shining Days)
Por años, se ha señalado al fan como infantil, un consumidor pasivo que está inserto en las normas de mercado. Sin embargo, Matt Hills resalta que el fan, al igual que el niño, tiene una capacidad lúdica que le permite transformar los objetos y productos culturales, y usarlos de manera creativa. Asimismo, resalta que el fan también puede tener el rol de un productor.
Este proceso refleja que el fan tiene una capacidad auto reflexiva, la cual le permite entender las razones de su gusto o fijación por un producto, sistematizarlo y crear algo nuevo. Finalmente, Hills señalará que este proceso de producción implica por parte del fan una mezcla de entusiasmo y pasión que será transmitida al espectador.
En primer lugar, esta imagen del fan-productor lo podemos ver en la película en personajes como Xiao Mai, quien es conocida en Internet como “El señor de los mil dedos” y es una conocida intérprete de música ancestral. Ella recibirá el apoyo de Ying Zi, Beibei y Tata, quienes son expertas en historia, literatura, textos antiguos y en instrumentos folklóricos chinos.
Anterior
Siguiente
Ellas demuestran que la mujer ocupa en el fandom un lugar importante, y muchas de ellas suelen ser consumidoras y productoras. Robin Brenner, por ejemplo, en su artículo “Teen Literature and Fan Culture” rompe con el mito de un fandom mayormente masculino, y señala que los productos realizados por fans mujeres suelen cuestionar la norma.
De esta forma, la música ancestral que producen Xiao Mai y compañía cuestionan la petrificación ¾imposibilidad de renovación y cambio¾ de la música folklórica, y a partir de un profundo conocimiento de la música de antaño, ellas performan un género que respeta la tradición e inserta algunos elementos de la modernidad (2), como guitarras eléctricas o un espectáculo visual.
En segundo lugar, este entusiasmo y energía serán transmitidas al espectador en un momento clave de la película: la convención de ACGD ¾anime, cómics, juegos/games y donghua¾. Este espacio es vital no solo porque en él logran acercar la música ancestral a otros fans gracias a un elemento que apela a ellos: el cosplay (3). También conviven en este la modernidad y la tradición.
El show principal presenta a un grupo idol y al ensamble “Dimensión 2.5”. La primera se vincula a la cultura idol, género que proviene de Japón y que a su vez bebe de otros estilos occidentales. Este género se vincula a la modernidad y la tradición no solo porque nace por un proceso de globalización (4), sino también porque la concepción de sus cantantes se puede vincular a la construcción del cuerpo y las deidades en Japón. Por otro lado, la segunda banda performa música ancestral, la cual ya hemos visto, une elementos de la música folklórica china con otros más modernos, como la ropa en el caso de la convención o instrumentos y tecnologías contemporáneas, como se podrá apreciar en la última presentación, casi al final de la película.
Anterior
Siguiente
Entonces, tanto el espacio de la convención, el cual une modernidad y tradición, como la referencia a la cultura idol no deben pasar desapercibidos.
Asimismo, tampoco debe pasar desapercibido cómo la película propone que tanto la convención de ACGD, donde se presentó el grupo Dimensión 2.5, como el auditorio donde se presentó Wen Wang son espacios culturales válidos. Pese a que el primero sea menospreciado bajo la etiqueta de “cultura popular” o “baja cultura” y el otro como “alta cultura”, ambos deben ser reconocidos como espacios válidos para la difusión cultural. Lo interesante es que la película propone que la convención de ACGD es un espacio “alternativo” dentro del circuito musical, donde se revaloriza el pasado y la tradición. Esto se puede apreciar luego del concierto, cuando los asistentes le preguntan a Jing Chen qué instrumento tocó porque desean aprenderlo.
Dicha presentación no solo repercutirá en los espectadores del evento. Gracias a la tecnología ¾es decir, celulares, grabación e Internet¾ la presentación llegará a los ojos de la escuela, donde se sembrará una esperanza de cambio en los alumnos de la especialidad de música folklórica.
Anterior
Siguiente
Música ancestral: esperanza utópica y comunidad otaku
“Amamos el folklore, amamos la segunda dimensión. Amamos la música ancestral” (Xiao Mai, Our Shining Days)
Esta esperanza de cambio que se da a través de la cultura popular tiene un correlato con el concepto de “esperanza utópica”. En el libro Turning Pages de Sarah Frederick, la autora cita el concepto de Rita Felski para referirse al potencial que tiene la literatura melodramática para generar una esperanza de cambio social en el lector.
En este caso, podemos realizar una extrapolación, ya que las integrantes del grupo Dimensión 2.5 son okatus. Es decir, ellas consumen anime, manga y videojuegos, todos ellos productos de la cultura popular, en cuya categoría también entra la literatura melodramática, pues en su momento fue considerada parte de una “cultura de masas”. De esta forma, podemos intuir que el potencial que Felski identifica en la literatura melodramática también lo podríamos encontrar en algunos productos de la cultura otaku.
Por lo tanto, no es gratuito que la película nos muestre diferentes referencias al anime: los pósters en el dormitorio 502, el centro de convenciones de ACGD y las figuras que Jing Chen debe comprarles a las chicas ¾entre los cuales reconocemos a Kotori Minami de Love Live!, personajes de Kuroshitsuji, Kancolle y Touken-Ranbu¾.
Pero entre todas las referencias al anime, hay una que llama la atención: la recurrencia a Love Live! y la cultura idol. Entonces, será necesario entender esta película en una relación intertextual con dicha franquicia.
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
Anterior
Siguiente
La historia de Love Live! nos presenta personajes que, gracias a la pasión y amor que sienten hacia los espacios que frecuentan y que las conectan con sus madres, su familia y su pasado, logran evitar que su escuela cierre.
De igual manera, Jing Chen recuperará la pasión que sentía hacia el yangqin y utilizará ese amor que siente hacia la música folklórica para salvar a su especialidad. Es así como vemos que la pasión de la protagonista hacia la música tradicional china es semejante al concepto que propone Hills sobre el fan. Se trata de un sujeto que, luego de descubrir su pasión, pasa por una experiencia autotransformativa y sigue este camino de manera voluntaria.
Este camino le permitirá a Jing Chen y sus amigos cuestionar la supuesta superioridad de la cultura occidental sobre la local:
“¿Sabes lo que es un yangqin, Wen Wang? Al yangquin lo trajeron a China de Persia durante la dinastía Ming. Comparte sus raíces con el piano. El primer piano fue inventado en Alemania en 1709, ¡pero los chinos tocamos yangqin desde hace 400 años! ¡400 años! ¿Quién eres para menospreciarla? Cuando vayas al exterior, ¿no quieres decirle a todos lo grandiosa que es nuestra música? (You Li, Our Shining Days)
Luego de que Dimensión 2.5 adquiriera cierta notoriedad entre otros otakus y los estudiantes de la especialidad de música folklórica, y que Wen Wang rechazara por segunda vez a Jing Chen, es que los jóvenes dejan de menospreciar el conocimiento que tienen y lucharán para que este no sea olvidado ni desplazado por lo “moderno” y lo “occidental” (5). Ello tiene por consecuencia una lucha entre bandas, la cual se desarrollará durante la visita de un inspector del Estado a la escuela:
Como se puede apreciar en el video, entre ambas especialidades existía una reja ¾desde el lado de la especialidad de música folklórica¾ que los separaba. Ello demuestra que para las autoridades de la escuela la música tradicional china es rechazada y tratada de manera desigual. Sin embargo los alumnos demostrarán que la música folklórica china y la música occidental están al mismo nivel. Pero la música china tiene una ventaja. A diferencia de los instrumentos occidentales, poseen el suona, instrumento que logra emular el sonido de la naturaleza y hasta el habla (6).
Esta pasión que sintieron los jóvenes hacia la música folklórica les permitió posicionarse como iguales ante sus compañeros de la especialidad de música “clásica”.
“Oriente y Occidente se unen. No existen los conflictos en la música. Saquen la puerta. Es y santuario del arte. No lo haga ver como una cárcel” (Inspector del Ministerio de Educación, Our shining days).
El siguiente elemento intertextual con Love Live! es cuando se anuncia, casi al final de la película, que el departamento de música folklórica no admitirá estudiantes el siguiente año. Ante dicha noticia Xiao Mai y los integrantes de Dimensión 2.5 se ofrecen como voluntarios para tocar en un concierto en vivo que será transmitido por televisión. Y con ellos se unirán otros chicos del departamento, lo cual se asemeja al apoyo que las integrantes de μ’s y Aqours, de Love Live! y Love Live! Sunshine!! respectivamente, reciben de sus compañeras de colegio para salvar la escuela. De esta manera, la pasión que siente un pequeño grupo puede transmitirse a las demás personas, con lo cual pueden lograr algo mayor (7).
Gracias a la participación de todos los estudiantes de música folklórica y el apoyo de los chicos de la especialidad de música “clásica”, logran presentarse en vivo. En dicho lugar demostrarán ante los futuros estudiantes de la escuela que el folklore puede incluir elementos de la modernidad, con lo cual crean un producto que llama la atención a las nuevas generaciones.
De esta manera, la música ancestral no solo incluye elementos de la tradición, sino también de la contemporaneidad y la tecnología. Es así como en su performance, además de utilizar instrumentos chinos tradicionales, incorporan guitarras electrónicas y hasta hologramas. Con lo cual tienen como resultado un show que atrae a la nueva generación de alumnos y los convencerá para unirse a la especialidad de música folklórica.
Anterior
Siguiente
Conclusiones
Por lo tanto, Our
Shining Days propone una esperanza de cambio en la sociedad. Vemos por
parte de Jing Chen y los integrantes de Dimensión 2.5 una esperanza útopica que conduce a una acción política que permite la reactualización
del pasado, es decir, una renovación de la música tradicional. Ello permite
que la tradición y el pasado sigan vigentes, pero esto se da gracias a que esta
no es estática ni petrificada. Por
el contrario, debe entablar diálogo con nuevos género y nuevas tecnologías e
influencias, con lo cual se le da un nuevo carácter.
Por ello, queridos lectores,
piensen dos veces antes de burlarse de los nerds u otakus. Puede que nos salven
el pellejo ¾o
nuestra historia¾ un
día.

Notas
(1) Esto lo podemos ver en el caso de Xiao Mai, Beibei, Tata y Ying Zi, cuyos padres y amigas las consideran como infantiles e improductivas a nivel económico. Como contraparte tenemos a You Li, un otaku de clóset que, por presión de su familia, debe prepararse para estudiar en el extranjero. Él es un ejemplo de cómo los padres y la sociedad consideran a los jóvenes como competentes y productivos si es que acceden a la universidad, y mejor aún si llegan a realizar sus estudios en el extranjero. Sin embargo llama la atención cómo la película también parece criticar a quienes viajan al extranjero y pasan por un proceso de aculturación, como Wen Wang. De esta manera, cuando Jing Chen califica a You Li como un “traidor”, podría verse un reflejo de cómo la cultura china contemporánea concibe a quienes se van del país: como jóvenes que traicionan a la patria, ya que traerían ideas que van en contra de la norma y lo que instituye el Partido Comunista Chino.
(2) Esto nos lleva a pensar cuál es la aproximación, por ejemplo, que se tiene de algunas danzas folklóricas en los países latinoamericanos. Se percibe un enfrentamiento de perspectivas, donde se puede advertir un desplazamiento de algunas danzas sobre otras más populares. Sin embargo queda abierta la posibilidad de una renovación y evolución de estas a partir del conocimiento que tienen los más jóvenes de otras danzas.
(3) Se puede apreciar que Xiao Mai en sus presentaciones usa un traje inspirado en la estética del género Wuxia. Este es un género de ficción que presenta aventuras de artes marciales en la antigua China.
(4) Asimismo, la reciente internacionalización del fenómeno idol en Asia y hasta en Latinoamérica ¾como se pudo apreciar en las notas de los eventos “Kawaii Music” y “Lovely Maid Café Comeback!”, donde en el último sus integrantes tienen influencia de la cultura idol, específicamente animes como Love Live!¾ demuestra cómo la cultura popular y la cultura de fans china dialoga con otros países de la región.
(5) De igual manera se ve en Love Live! a través del conflicto entre A-Rise y μ’s, donde la escuela de la primera representa la modernidad y la escuela de la cual proviene la segunda representa la tradición. Para una ampliación sobre el tema se puede consultar el artículo “A-RISE: el auge del consumo y la modernidad (Love Live!)”.
(6) Instrumento relacionado con el oboe y la trompeta. Fue introducido a Centroamérica, especialmente en Cuba, tras las migraciones chines; allí es conocido por el nombre de corneta china. Este triunfo de un instrumento que imita los sonidos de la naturaleza y la voz humana representaría una idealización de la sociedad china, la cual une la naturaleza y la esfera humana. Un contraste con la cultura occidental, la cual se ha caracterizado por una oposición entre lo humano y la naturaleza.
(7) Premisa un poco distinta a Love Live!, donde las idols, gracias al apoyo de las demás personas, logran el éxito, lo cual conduce a su vez a un éxito grupal. En el caso de Our Shining Days se propone que un grupo inspira a las otras personas para que todos en conjunto puedan alcanzar la meta.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Álvarez Gandolfi, Federico. 2015. “Cultura de fans y cultura masiva. Prácticas e identidades juveniles de otakus y gamers”. La Trama de la Comunicación. Rosario, 19, 45-65.
Becker, Howard. 2010. Outsiders. Hacia una sociología de la desviación. Buenos Aires: siglo veintiuno editores.
Brenner, Robin. 2013. “Teen Literature and Fan Culture”. YALS. Young Adult Library Services. 33-36.
Chen, Jin-Shiow. 2007. “A Study of Fan Culture: Adolescent Experience with Animé/manga Doujinshi and Cosplay in Taiwan”. Visual Arts Research. Illinois, 33, 1, 14-21.
Frederick, Sarah. 2017. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Lyne, Charlie. 2014. Beyond Clueless [Documental]. Inglaterra.
Shamoon, Deborah. 2012. Passionate Friendship. The Aesthetics of Girls’ Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
“El instrumento chino más contundente — el Suona”. En Shen Yun Performing Arts. Recuperado el 15 de diciembre de 2020. <https://es.shenyunperformingarts.org/news/view/article/e/zd13dGAgDg8/el-instrumento-chino-m%C3%A1s-contundente-%E2%80%94-el-suona.html>
6 febrero, 2021
Kimba, el león blanco: Tezuka del blanco y negro al color
Cuando se realiza investigación sobre anime y manga, es inevitable toparse con Tezuka Osamu y su sorprendente historia, pero tal vez el título que es reconocido casi como sinónimo de su trabajo es Tetsuwan Atom, también conocido como Astro Boy, por todo lo que significó para la industria del manganime. Sin embargo, obviamente no es el único hito que marcó el dios del manga, pues también produjo la primera serie anime a color para televisión: Jungle Taitei, (conocido en occidente como Kimba, el león blanco), cuyo interesante camino desde la imaginación de Tezuka-sensei hasta las pantallas de Japón y el resto del mundo trataremos de seguir en el presente artículo.
Fuente: Tezuka Productions
Kimba, el león blanco, que se transmitió en señal abierta peruana, cuenta la historia de un pequeño león blanco llamado Kimba (Leo en la versión japonesa) cuyo padre, el “emperador de la selva” en África es asesinado por un cazador que también captura a su madre embarazada. No obstante, en medio del viaje en barco a un zoológico, nace Kimba y su madre lo ayuda a escapar no sin antes contarle de su padre y pedirle que regrese a África, pero—al huir—el cachorro de león termina en la Península Árabiga. Allí tiene contacto con humanos quienes lo crían y un año después lo llevan a la tierra de sus padres donde inicia su propio camino para volverse emperador.
Para los que vieron la serie y para los que revisan la trama, es claro que el conflicto entre los animales y la intervención humana en sus hábitats naturales es un tema central además de la misma dinámica de la selva, pero esto no sólo proviene del proceso creativo del dios del manga por idear una historia atractiva, sino que nace de los propios intereses que siempre tuvo Tezuka y que de forma curiosa también lo conectan desde el inicio con Disney, protagonista del gran debate Kimba/Rey León.
El hombre y la naturaleza
Desde una edad temprana, Tezuka fue un apasionado de la naturaleza y el mundo animal, los cuales observaba con maravilla y curiosidad. Según Tezuka Productions, a los 13 años, el dios del manga se avocó a coleccionar insectos y dibujar comics centrados en ellos y un año después, él y sus compañeros de escuela inauguraron un club de amantes de los animales. En el marco de este club, publica el boletín The World of Animals 1 que sería seguido por un par de números más y posteriormente lanzaría varias ediciones centradas en los insectos como The World of Insects que nació de la Sociedad de estudio de los Insectos Rikuryo que fundaría en 1943, a los 15 años.
Tezuka Osamu (13 años, 1941). Fuente: Tezuka Productions
The 1st series of the Illustrated Catalogue of Beetles de Tezuka. Fuente: Tezuka Productions
Osamu y Musashi es una animación que cuenta la historia de Tezuka en su infancia con el escarabajo Osamu. Fuente: Tezuka Productions.
Este interés por la entomología fue un primer paso hacia Kimba, pero otro momento clave sería, de acuerdo con Natsu Onoda, el acercamiento que tendría Tezuka con Disney y que lo motivaría a tratar de dedicarse a la animación más allá de la ausencia en Japón de una industria como la actual y de las dificultades que el país pasaba en 1945 tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Onoda recoge una afirmación muy conocida del mangaka en la que aseguraba haber visto ese año cincuenta veces Blancanieves y los siete enanos y Bambi, más de ochenta veces en 1946 y más allá de lo real de dichas cifras, es un hecho que esta última cinta dejó una fuerte impresión en el dios del manga.
Como señala Fred Patten, Tezuka declaró en una presentación en la Cartoon/Fantasy Organization en Los Angeles en 1978 que Jungle Taitei nació de un desacuerdo en la filosofía de la naturaleza y la inteligencia demostrada por los animales en la cinta de Disney. De acuerdo con el autor de Tetsuwan Atom, las criaturas del bosque de Bambi eran conscientes de sí mismos y seres sociales entre ellos a tal nivel que no le parecía lógico que se mantuviesen distanciados de los humanos o tan temerosos de ellos, sino que podrían haber tratado de comunicarse y reconocerlos como otra especie animal más. Este aspecto, precisamente, fue abordado en Jungle Taitei.
Encontrado en Disneyplus.com / Créditos: Walt Disney Pictures
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
Patten señala que para Tezuka la naturaleza y la civilización eran dos aspectos del mundo que convivían juntos y que ambos tenían tanto ventajas como desventajas que debían tomarse en cuenta y eso era notado por los animales del África en Jungle Taitei. Así, trataban de sacar ventajas de esa civilización que se les aproximaba al mismo tiempo que buscaban que el hombre los reconociese como su igual. Este balance se representa en la misma historia del protagonista, hijo del emperador de la selva y criado por humanos, que vuelve a su hábitat original regido por las leyes de la naturaleza (entre ellas, la cadena alimenticia) y está impregnada del legado de su familia.
Como se puede notar, un adolescente Tezuka, que tiene su propio amor y experiencia directa con la naturaleza a la cual luego ve representada en el lenguaje animado, es el punto de partida para el nacimiento de una manera de entender la relación hombre naturaleza que es la base de la historia de Jungle Taitei. No obstante, esta historia no se quedó en la imaginación de ese adolescente, sino que encontró su lugar en las viñetas del manga.
Jungle taitei: Mangaka contra viento y marea
Era 1950 y Tezuka ya había publicado hacía tres años Shin Takarajima, La nueva isla del tesoro, una obra que había sido un boom en la industria del manga, pero, al mismo tiempo, el joven de 22 años, era un estudiante de la escuela de medicina de la Universidad de Osaka que aún se graduaría en 1951 para iniciar posteriormente su internado. Según Onoda, si bien el dios del manga ya tenía experiencia enfocándose en historias de un solo tomo, en abril de ese año empezaba su primera obra serial, Tiger hakase no chin ryokō (Dr. Tiger´s Strange Journey), en una revista y debía adaptarse a los nuevos requerimientos narrativos de las diez páginas mensuales que debía presentar para la publicación Manga to Yomimono.
Fuente: Tezuka Productions
Fuente: Tezuka Productions
Dr. Tiger´s Strange Journey. Fuente: Tezuka Productions.
Para los que en algún momento hemos tocado fondo por las obligaciones pendientes, podemos entender las dificultades que tenía Tezuka, pero en medio de esta compleja agenda, le llegaría una buena oportunidad. Como señala Tezuka Productions, en primavera, mientras visitaba la editorial Gakudo Sha conoce a Katō Ken’ichi, quien lo reclutaría para que trabajase en la popular revista Manga Shōnen. En relación con ello, Ryan Holmberg señala que este sería un punto de inflexión para el creador de la Princesa Caballero, pues iniciaría su etapa en las revistas mensuales shōnen con base en Tokio con títulos como Tetsuwan Atom (1951-68) o The Adventure of Rock (1952-54).
La historia que Tezuka empezaría a publicar en 1950 para Manga Shōnen sería precisamente Jungle Taitei y, como apunta Holmberg, alcanzaría tal importancia al demostrar que era posible para el manga emocionar y hacer reír a los niños al mismo tiempo que proponía un modelo de carácter moral. Unos párrafos arriba nos referíamos a la compleja relación entre el hombre, los animales y la naturaleza que proponía el dios del manga y no debe sorprender que sea un escenario muy fructífero para el desarrollo de los personajes. Onoda complementa lo señalado por Holmberg al apuntar que se combinaba la épica a veces con un crudo realismo.
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
Fuente: Manga shōnen (Gakudo Sha) y Tezuka Productions
La autora precisa que Tezuka no temía mostrar la crueldad que envolvía a veces al mundo animal ni tampoco las relaciones de <<amistad, respeto, lealtad, celos, avaricia, honor y autosacrificio>> que involucraban a hombres y animales, los cuales a veces morían en el marco de ellas. Además, señala que si bien el estilo de narración era simple, Tezuka-sensei fue capaz de darse cuenta de que una parte importante de los lectores de Manga Shōnen (menores de 12 años) estaban preparados para una historia más profunda y tal vez hasta desafiante. No hay duda de que se trataba de una apuesta arriesgada, pero que convirtió a Kimba en un exitoso manga que se publicó hasta 1954.
La fascinación de Tezuka por el mundo animal así como su amor por el dibujo y la animación lo llevaron a emprender un complejo camino en el que trataba de balancear su carrera profesional con un sueño que trataba de perseguir en medio de la incertidumbre que envolvía al trabajo como mangaka. Empero, más allá de la casualidad, fueron lo diferencial de su historia lo que labró el camino de popularidad de Jungle Taitei, quien al igual que su hermano Atom daría el siguiente paso al saltar a la televisión, pero esta vez a color.
El león blanco a color
Como les comentamos en un artículo previo sobre la Maldición Tezuka, el dios del manga consiguió sortear muchos obstáculos para realizar y estrenar el anime de Tetsuwan Atom, que resultó todo un éxito, pero en el otoño de 1963, Jonathan Clements apunta que empezaba a tener competencia con Tetsujin 28, Tobor the Eighth Man y Wolf Boy Ken. Al mismo tiempo, el autor afirma que los clientes americanos y japoneses de Mushi Productions, la productora de Tezuka, habían dejado claras sus intenciones de que ya no iban a requerir más series en blanco y negro, así que el ahora animador debía enfrentar un nuevo reto y no se le ocurrió mejor idea que experimentar.
Fuente: Tezuka Productions
Encontrado en RightStufAnime / Créditos: Dentsu. Inc., TCJ Animation
Fuente: Tezuka Productions
Clements revela que Tezuka les indicó a sus animadores que el episodio 56 de Tetsuwan Atom sería una especie de piloto hecho a color y este finalmente fue estrenado el 2 de enero de 1964 consiguiendo el más alto rating para Tetsuwan Atom hasta ese momento y reestableciendo la imagen del sensei como innovador en el mercado. En medio del éxito, Clements señala que el padre de Astro anunció a su staff que ya se había asegurado la inversión de NBC Enterprises para adaptar Jungle Taitei en una serie anime totalmente a color. Esta división de NBC es la misma que compró la licencia de Testuwan Atom y ante el éxito de este último en Estados Unidos, querían más.
El interés era tal que Seiko Yasumoto afirma que NBC organizó una reunión para cuatro animadores de Mushi Productions con el reconocido animador Preston Blair que había participado en cintas de Disney como Fantasía y Pinocchio, incluso Bambi y los Picapiedra. El propósito era que aprendiesen a producir animación a color en el marco de una práctica gama de colores y enfatizando en estilizar y simplificar, que era el estilo de Blair. Ante esta oportunidad, Clemments destaca que Mushi Productions le dio total prioridad a la realización a Jungle Taitei que, de acuerdo con Onoda, se estableció en un presupuesto por episodio diez veces superior al inicial en el caso de Atom.

El episodio piloto resultante se transmitió en octubre de 1965 en medio de la recuperación económica de Japón después de la Segunda Guerra Mundial que, según Mary Hammond Bernson, marcó la llegada de la televisión a los hogares de los japoneses. A pesar de que Natsu Onoda señala que la mayoría tenía televisores con imagen en blanco y negro, Hammond destaca que los japoneses todavía recuerdan el poderoso impacto que tuvieron tanto Tetsuwan Atom como Jungle Taitei que se transmitió hasta setiembre de 1966. Sin embargo, en medio del meteórico ascenso del león blanco, que se volvió un clásico del anime, su creador experimentaba una serie de problemas tras las puertas de Mushi Productions.
De acuerdo con Onoda, a mediados de 1960, Tezuka-sensei estaba bastante frustrado por el rumbo que estaba tomando la historia de Atom y Mushi Productions cuando el staff crecía y se perdía el norte de la importancia de la calidad ante los ingresos económicos. El también animador lo explicó en su autobiografía, Boku wa manga ka (1969) y Oonoda lo recoge en la siguiente cita:
Estaba fuera de mi control. Mushi Productions había crecido muy grande para que yo la manejara. Yo lanzaba una idea para un episodio y el staff la ignoraba en favor de otra idea más rápida y fácil de ejecutar. Todo era acerca de los ingresos, no de la calidad. Los críticos empezaron a llamar a Astro Boy una potboiler [obra hecha para ganar dinero]. Algunos decían que no podían soportar verlo. Uno escribió: ‘Tezuka se ha quedado sin sus ideas geniales, ya no queda nada en él’. Me sentí destruido. El niño robot en la pantalla de la TV aún se veía como Atom, pero yo sabía que él ya no era el mismo Atom que era mi querido hijo.
Tezuka Osamu
Fuente: Tezuka Productions
El debate acerca de si el arte o la calidad deben sacrificarse por un producto rentable o que guste a la mayoría sin proponerles un reto o algo diferente a los espectadores siempre ha estado presente y seguirá existiendo, pero para un autor siempre será complejo cuando se priorice lo económico por lo que significa para la forma final del “hijo” que uno trae al mundo: la historia o el protagonista. No obstante, más allá de ello y del final que tuvo Mushi Productions, el dios del manga dejó un nuevo precedente con Jungle Taitei, la primera serie anime a color, y también sería internacional, pero tendría que pasar por una transformación.
De Jungle Taitei a Kimba, the white lion
Si bien en occidente usamos de manera intercambiable Tetsuwan Atom y Astro Boy, en realidad, Seiko Yasumoto cita la biografía de Fred Ladd, productor clave en la llegada del anime a Estados Unidos, para especificar que el segundo es el título que se le dio al remake para el público norteamericano de la serie original de Tezuka. Es decir, se incorporaron ciertos cambios al original teniendo en cuenta el nuevo público de Atom y al respecto, Clements cita a Yamamoto para señalar que cuando no se habían establecido lineamientos iniciales, Mushi Productions ya había enviado 12 episodios a NBC, pero la mitad fueron rechazados, tres fueron editados y tres no fueron transmitidos.
Encontrado en Amazon.co.uk / Créditos: Tezuka Productions
Algo muy similar ocurrió con Jungle Taitei, según Yasumoto, aunque desde una etapa más temprana en la que NBC Enterprises a través de Ladd y su equipo, quienes si bien consideraban que la idea base era adecuada para niños, realizaron cambios que se tradujeron en Kimba, the White lion. Un ejemplo es que Leo, ahora Kimba, se mantuvo siempre cachorro, ya que sostenían que si crecía (lo que ocurre en la serie original), la diferencia de edades con la audiencia podía alejarlos del protagonista. De la misma manera, Yasumoto recoge que Ladd remarcó la importancia de que se siguiesen los lineamientos de la US Federal Communications Commision y se debían remover muertes y violencia a menos que lo demandara la trama en cuyo caso se trataría de ocultar.
En esa misma línea, Yasumoto hace una comparación entre ambas e identifica que la original se centraba en la lucha de Leo para establecer su civilización animal a través de un estilo narrativo evocativo a nivel emocional cuyos episodios se construían con miras a un clímax de la serie en su conjunto que apostaba por el pensamiento moral confuciano. En ese sentido, era popular entre niños y adultos.
Encontrado en Amazon.com / Créditos: Tezuka Productions
En el caso de Kimba, the White lion Yasumoto señala que se centraba básicamente en las aventuras de la infancia de Kimba a quien se construía como un superhéroe cuya historia tenía un estilo narrativo directo con mucho más humor que se evidenciaba en los capítulos que eran narraciones independientes cuyo tema común era la felicidad desde la perspectiva de la niñez, el principal público seguidor de la serie. A pesar de estas diferencias, Yasumoto señala que no son series totalmente diferentes, sino que hay similitudes como la distintiva música de Tomita Isao, pero que en cuanto entraba en conflicto con el prospecto de serie infantil, allí se proponían las modificaciones.
Es innegable que fue Kimba, the White lion dejó su impronta en occidente debido a su éxito y quizás aquí cabe mencionar que, por esa razón, es bastante discutible que cierto estudio dijese que nadie de la producción conocía quién era Kimba cuando hicieron su propia cinta protagonizada por un león llamado Simba. Hablar de la controversia con Disney daría para todo un artículo, pero vale la pena decir que hay diferencias en las historias, pero un reconocimiento a Kimba como una referencia para las similitudes, hubiese sido el mejor camino (y el correcto).
Fuente: Tezuka Productions
Fuente: Tezuka Productions
Después del éxito internacional, Tezuka se animó a hacer una película de Jungle Taitei en 1966 que a excepción de un par de minutos, es una versión totalmente original que, según Anime News Network, transmite más adecuadamente la historia de acuerdo con el dios del manga. Esta fue seguida por una secuela de la serie de televisión titulada Jungle taitei: susume Leo! así como por otras producciones cinematográficas que se estrenaron incluso después del fallecimiento de Tezuka en 1989.
Parece increíble como una afición infantil y un sueño de adolescente, se puede complejizar con una mirada adulta del mundo y por azares del destino sumada a una visión del camino por recorrer y una determinación para llevarla a cabo (sí, esto ya se está poniendo en modo shōnen) pudieron concretarse en Jungle Taitei y Kimba, the White lion que no sólo representan el paso de Tezuka del blanco y negro al color, sino que marcaron la historia del manganime y apuntalaron aún más la omnipresencia del dios del maga en la misma.
Aquí les dejamos algunos artículos y libros para profundizar en la historia y carrera de Tezuka-sensei así como en Jungle Taitei (también hay más información sobre el debate Kimba/Rey León).
- Anime News Network (2021). Jungle Emperor Leo (movie 1966). Anime News Network. https://www.animenewsnetwork.com/encyclopedia/anime.php?id=3303
- Clements, J. (2013). Tezuka’s Anime Revolution in Context. Mechademia 8: Tezuka’s Manga Life, 8, 214-226. https://www.jstor.org/stable/10.5749/mech.8.2013.0214?seq=1
- Hammond Bernson, M. (2008). A case study of Late Twentieth Century Japan through Art: Tezuka Osamu and Astro Boy, Imagining Japanese History, Program for Teaching East Asia, University of Colorado. http://citeseerx.ist.psu.edu/viewdoc/download?doi=10.1.1.475.7079&rep=rep1&type=pdf
- Holmberg, R. (2013). Manga Shōnen: Katō Ken’ichi and the Manga Boys. Mechademia 8: Tezuka’s Manga Life, 8, 173-193. https://www.jstor.org/stable/10.5749/mech.8.issue-2013
- Onoda Power, N. (2009). God of Comics: Osamu Tezuka and the Creation of Post World War II Manga. University Press of Mississippi.
- Patten, P. (2004). Watching Anime, Reading Manga: 25 Years of Essays and Reviews. Stone Bridge Press.
- Tezuka Productions. (2021). About Tezuk Osamu. History. 1940s. https://tezukaosamu.net/en/about/1940.html
- Tezuka Productions. (2021). About Tezuk Osamu. History. 1950s. https://tezukaosamu.net/en/about/1950.html
- Yasumoto, S. (2012). Japanese Media Strategy: The Recognition of Economic Value Chains. Journalism and Mass Communication, 2(10), 998-1011. https://cutt.ly/NjjzMmp
- Yasumoto, S. (2008, Julio 1-3). From whence does popular culture emanate and how is it remade? Junguru Taitei or Lion King? [Paper presentation]. 17th Biennal Conference of the Asian Studies Association of Australia, Melbourne, Australia. http://citeseerx.ist.psu.edu/viewdoc/download?doi=10.1.1.535.400&rep=rep1&type=pdf
10 enero, 2021
Los colores del héroe de Konoha: Reseña de Naruto Illustration Book
Para los lectores de manga, es común quedarse maravillado ante la estética o calidad de una portada o ilustración y detener el flujo de la lectura para admirar alguna viñeta ante la que no podemos evitar contemplar cada detalle que nos interpela emocionalmente. Son esos momentos los que reafirman la creencia de que el manga es un arte con una increíble capacidad expresiva. Precisamente, los artbooks e illustration books capitalizan dicha creencia cuando congregan lo mejor de la obra de algún mangaka o del imaginario visual de alguna historia que acelera el kokoro de los otaku. Ese es el caso de Naruto Illustration Book, vibrante protagonista de esta reseña.
Viz media (2010). Fuente de fotografía: Alessandra Gamarra
Edición Naruto +
Naruto Illustration Book se lanzó originalmente en Japón casi 9 años después de la publicación del manga y es el segundo de tres libros de ilustraciones de la obra de Kishimoto Masashi . La edición es de un atractivo tamaño A4 con una cubierta plástica que exhibe al ninja rubio en todo su esplendor y si se remueve, podemos encontrar una tapa blanda con la famosa viñeta del manga que muestra a Naruto tras su regreso del viaje de entrenamiento con Jiraiya, específicamente cuando se sube a un poste para admirar a su querida Konoha. Los dibujos son presentados en hojas plastificadas y sin duda es un artículo que todo fan querrá tener además por los extras que incluye (¡Sí, regalos!).
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Cuando se abre el libro, se puede encontrar una plancha de stickers de las primeras 46 portadas de los tankōbon, muchas de las cuales son icónicas como la del primer tomo o marcan hitos en la historia de Naruto según su propio autor como la del tomo 4 que muestra a Naruto con Haku y Zabuza, la 26 y la 27 que presentan a Naruto y a Sasuke respectivamente en su primera pelea en el Valle del fin o la 42 que expone la última reunión de Naruto con Jiraiya. Además, la edición trae un poster desplegable de los nueve jinchūriki con sus bijū cuya información sobre sus nombres y aldeas de origen fue por primera vez revelada a través de esta obra que es un deleite visual.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
El ninja, su aldea y su lucha a todo color
Uno de los elementos clave del Naruto Illustration Book y que se puede notar incluso pasando rápidamente sus páginas es la explosión de color que son cada una de sus ilustraciones más allá de la paleta base del manga. En relación con ello, en una entrevista en el 2015, Kishimoto-sensei reveló que Naruto fue hecho analógicamente y que se divertía con sus asistentes aplicando los tonos de color. Precisamente, el coloreado, las sombras y la iluminación son los elementos distintivos de esta obra que revelan el trabajo de artesano de su autor y su equipo quienes le dan personalidad, fuerza, vida y belleza a los dibujos y que transmite exitosamente el espíritu de la historia y su protagonista.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Las ilustraciones no solamente incluyen a algunas de las portadas, sino también a dibujos realizados por Kishimoto-sensei para la publicación en la Weekly Shōnen Jump, así que en muchas se emplean técnicas artísticas o conceptos particulares que provoca coleccionar. Además, todas estas se encuentran limpias de cualquier logo del título o texto de la publicación, así que el foco se centra totalmente en el arte. Dicho arte está dividido en tres secciones temáticas referidas a través de kanjis, de las cuales la primera lleva el nombre de Shinobi y presenta (a excepción de una imagen) una diversa selección de ilustraciones individuales de Naruto tras su regreso a Konoha.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
A diferencia del primero, los otros dos apartados sí muestran a otros personajes y no solamente se restringen a la segunda parte del manga. En ese sentido, el segundo lleva el nombre de Hoja y se concentra en el equipo 7, los 11 de Konoha, los maestros del protagonista u otros shinobi que conoce en su camino ninja. No obstante, el capítulo más sobresaliente es el llamado Guerra en el que se exhiben potentes ilustraciones del arco de Pain, de Akatsuki, de los conflictos de Sasuke y de la eterna lucha de este último con Naruto. Al respecto, ovación de pie para el dibujo final que compara su batalla con la de los kami Raijun y Fujin (narufans, tengan cuidado con su kokoro).
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
El festival artístico para los ojos está asegurado, pero esta edición tiene un ingrediente adicional que plantea otra lectura al libro y que emocionará a los fanáticos.
Feat. Kishimoto-sensei
En una entrevista del año 2012, Kishimoto-sensei aceptó que la agenda de un mangaka es bastante demandante, pero que era el trabajo perfecto para él por su amor a dibujar manga y precisamente los fans pueden tener un vistazo de este mundo personal del autor a través del Naruto Illustration Book que incluye sus comentarios a cada una de las ilustraciones. Llegamos a conocer desde el cansancio que sentía por momentos hasta las recomendaciones que recibía de parte de sus asistentes o de la Weekly Shōnen Jump, la revista en la que siempre soñó publicar. Asimismo, Kishimoto-sensei revela los conceptos detrás de cada uno de los dibujos.
Dichos comentarios revelan también muchas de las vivencias de otros mangakas como la autocrítica, las historias detrás del quehacer artístico o los elogios y autosatisfacción que se llegan a conseguir por el resultado final como es el caso de la ilustración del número 52 que es una de las favoritas de esta redactora. Del mismo modo, queda patente el sentido del humor de Kishimoto-sensei que sin duda plantea divertidas relecturas a sus creaciones como cuando se ríe de su propio dibujo de un caballo o descubre la presencia de su propio gato Shu en una de las ilustraciones donde es presentado como una estatua. Sin duda, otro aspecto que los narufans amarán.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Veredicto final
Recomendado para todos los narufans coleccionistas y aquellos narufans que no quieren quedarse atrás de los coleccionistas. También, es una muy buena adición para los fanáticos de todo el arte de las obras de la Weekly Shōnen Jump o del manga en general y si aún no tienen ningún artbook o illustration book anímense a adquirir alguno, no se van a arrepentir. Naruto Illustration Book consigue el objetivo de transmitir la vibrante energía y la fuerza dramática de la obra de Kishimoto-sensei al mismo tiempo que acerca a los lectores al autor y viene con un par de extras que todo fan estaría contento de tener.
Puedes encontrar Naruto Illustration Book en Ibero Librerías.
Viz Media (2010)
Ficha técnica
Editorial: VIZ MEDIA
Año: 2010
Páginas: 100
Presentación: Tapa Blanda
Peso: 0.5kg
Ancho: 21cm
Alto: 29cm
Aquí les dejamos un par de entrevistas a Kishimoto Masashi, donde habla de su trabajo como mangaka:
Masashi Kishimoto at New York Comic-conThe Anime News Network Interview
INTERVIEW: Masashi Kishimoto – Feb 13, 2012
1 enero, 2021
«Snow Halation»: Love Live! y los 10 años de un clásico
Seamos honestos: toda comunidad de fans tiene sus discusiones y diferencias. Pero siempre podremos encontrar momentos o eventos que se consideran como espacios de reunión e hitos fundacionales, importantes para la conformación de una comunidad. Y para los lovelivers -o fanáticos de Love Live!– el espacio que nos congrega es «Snow Halation».

“Snow Halation” 101: Un poco de historia
Snow Halation es el segundo single de μ’s -banda conformada por los personajes Honoka Kousaka, Umi Sonoda, Kotori Minami, Maki Nishikino, Hanayo Koizumi, Rin Hoshizora, Nico Yazawa, Eli Ayase y Nozomi Toujou, miembros de la primera generación de school idols de la franquicia-, lanzado el 22 de diciembre de 2010, meses después de ser anunciado el proyecto multimedia Love Live! en la revista Dengeki G’s Magazine.
Se trata de una canción de los inicios de μ’s, cuando ni la franquicia ni todas sus seiyuus eran tan populares. Junto con la canción realizaron un promotional video (PV), donde vemos una mayor estilización en el diseño de los personajes (1). La canción también fue el tema central del episodio nueve de la segunda temporada de Love Live!, estrenada el 1 de junio de 2014.
“Snow Halation” y los fans: del concierto al anime
Desde las primeras presentaciones de Love Live! se ha usado un lightstick especial, llamado UO o “ultra orange”, para marcar el “camino de luz” que sigue a Honoka, quien es el centro de la canción, durante el PV. Y a medida fueron volviéndose más grandes y masivos los conciertos, el uso de este en las performances de “Snow Halation” se convirtió en una de las marcas de la comunidad loveliver.
Fuente: Lucia Hunter vía Tumblr
Y es que el UO no solo tiene un significado especial para los fans de Love Live!, sino también en el mundo idol, ya que posee una iluminación más fuerte que los lightsticks regulares, por lo que solo es usado en momentos especiales. En este contexto, el uso masivo de este demuestra la gran capacidad de organización de los fans, quienes se sirvieron de las redes sociales para promoverlo o incluso algunos regalaron UO en la entrada de los conciertos.
Estos eventos no solo permiten la formación de una comunidad entre los fans. También les brinda la sensación de formar parte de este mundo de ficción, donde las seiyuus encarnan por unas horas a los personajes y los fans representan tanto el escenario del MV como el público que hace posible la realización del concierto (2).
Dicha participación por parte del público, quienes hacen posible los eventos, apoyan y admiran a las jóvenes idols, se puede apreciar en el noveno capítulo de la segunda temporada de Love Live!, “Melody of the Heart”, estrenada el 2014. Cabe resaltar que para ese momento ya era conocido y difundido entre el público el uso de UO en las presentaciones de “Snow Halation”.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
El anime nos presenta las preliminares para las finales de la competencia de idols escolares, Love Live! Las nueve integrantes de μ ‘s deberán reunirse en el lugar donde se desarrollará el evento, pero antes las chicas de segundo año tendrán que estar presentes en la charla informativa de Otonokizaka, a la cual asistirán las alumnas interesadas en unirse a la escuela. Y si bien es un evento al cual Honoka, Umi y Kotori no desean faltar, ya que de ello también depende el futuro de su colegio, una fuerte tormenta podría impedirles asistir a la competencia.
Terminado el evento, se dirigen a la final, sin embargo están por rendirse debido a la tormenta de nieve. No obstante, salen a su encuentro todas las alumnas de la escuela, quienes han limpiado el camino para que puedan correr sin dificultades hasta el lugar de la competencia. Con ello vemos cómo se resalta que el éxito de las idols solo es posible gracias al apoyo de toda la comunidad. En ese sentido, el éxito de μ ‘s se dio a lo largo de la serie no solo gracias al apoyo de sus fans, la escuela y sus familiares, sino que se produjo, especialmente, por el soporte que les brindó la comunidad estudiantil. Así como las chicas de μ ‘s les brindaron a sus compañeras la esperanza de que el colegio no va a cerrar (3), toda la comunidad estudiantil les ayudará y las alentarán hasta el final.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Por lo tanto, la historia de “Snow Halation” representa todo el esfuerzo que tuvo que realizar la primera generación de seiyuus de la franquicia para que esta tuviese éxito. Pero también simboliza la organización y apoyo de los fans, quienes son el soporte y la razón de la popularidad que alcanzó Love Live!
10 años de una franquicia: su evolución (y sus memes)
Y como todo hito fundacional contemporáneo, el alcance de “Snow Halation” ha sido tal que ha repercutido en Internet y ha sido objeto de meme material (4).
Recordemos que hasta hace unos años, antes del 2016, era muy difícil acceder al contenido de la franquicia de manera legal, por lo que algunos usuarios compartían por redes las canciones y demás productos. Sin embargo, los videos y canciones subidas a YouTube serían luego censuradas, ya que infringían los derechos de autor. Como respuesta, algunos fans responderían de manera lúdica y harían mashups o rips de “Snow Halation”, de tal manera que no podría ser censurada nuevamente. Ejemplo de ello lo encontramos en las versiones de SilvaGunner o Triple-Q. Ello nos demuestra que la comunidad de fans, especialmente la de Internet, siempre encontrará una forma de superar la censura y compartir contenido de manera creativa.
Han pasado 10 años desde el lanzamiento de la franquicia; 10 años desde el hito que nos funda como comunidad.
“Snow Halation” es uno de los elementos que une a los fans más antiguos y más nuevos de la franquicia. Y es gracias al gran éxito que representa que el día de hoy tenemos un nuevo anime y una tercera generación de school idols. Incluso se ha anunciado a inicios de año una cuarta generación de Love Live! y quiénes serán las nuevas seiyuus (5).
Como fan de Love Live!, “Snow Halation” representa todo lo bueno de la serie y sus personajes: la pasión, la energía y la esperanza, así como la posibilidad de seguir lo que uno ama y en el camino encontrar una comunidad con la cual compartir y mejorar.
NOTAS:
(1) Diseño descartado en su momento, pero que parece haber sido recuperado y vuelto trabajar para el diseño de personajes del anime Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai.
(2) Este mismo principio, y la inmersión del espectador o jugador (en el caso del gacha Love Live! School Idol Festival) en la narrativa, fue rescatado en Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai a partir de la creación del personaje de Yū Takasaki, quien cumple el rol de compositora y manager del club.
(3) Y con ello no cerrará un espacio que ha congregado a distintas generaciones de mujeres, donde han estudiado abuelas, mamás e hijas. Este dato se sabe gracias al anime y a los School Idol Diaries, donde se señala que las mamás o las abuelas de Honoka, Eli, Kotori y Umi han estudiado en la Preparatoria Otonokizaka.
(4) Esto nos muestra un cambio de paradigma, donde los hitos fundacionales no tienen que ser momentos “sagrados”. Por el contrario, las personas pueden aproximarse a este de una forma lúdica y hasta creativa.
(5) Gratamente, se trata de un grupo más «internacional», ya que personajes como Kanon Shibuya y Keke Tang son ¼ española y china respectivamente. Incluso, la seiyuu de Keke Tang, Liyuu, es china, y la de Sumire Heanna, Naomi Payton, es japonesa-estadounidense.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos y links
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Significado y relevancia del color naranja durante los conciertos de Love Live!:
Snow halation over the years, and an explanation of its orange significance. pic.twitter.com/2vHVstLCI8
— Love Live! Wikia (@LL_Wikia) April 2, 2016

https://www.tumblr.com/luciahunter6/142128489647/an-explanation-of-snow-halations-orange

https://twitter.com/soreyoriramen/status/1258894451763605504/photo/1
https://youtu.be/Xb-v-kQBfyI
SilvaGunner y “Snow Halation”: porque los fans siempre trollearán el Internet y responderán ante la censura

https://knowyourmeme.com/memes/snow-halation

Snow Halation (REDSHiFT remix):
https://redshiftvocaloid.bandcamp.com/track/s-snow-halation-redshift-remix?fbclid=IwAR0oTdsaUW_e9-ebK6QPQlInOHf0pYuyIpoAfWDaKxRZWHNRMl_GOcuRUSw
Snow Halation (REDSHiFT remix feat. Kimuyu):

Notas originales de “Snow Halation” en Proyecto Sugoi:
https://www.facebook.com/ProyectoSugoi/photos/a.1262693407098542/1365091466858735
https://www.facebook.com/ProyectoSugoi/photos/a.1262693407098542/1365092973525251
23 diciembre, 2020
«Shiki Oriori»: esperanza y cambio en el donghua
Nada es fijo. La vida siempre es un constante cambio y Shiki Oriori reflexiona sobre la necesidad de adaptarse a estos.
Shiki Oriori (en Netflix Latinoamérica Shiki Oriori: Sabores de la juventud) es una película de anime estrenada el 2018. Es una coproducción chino-japonesa entre CoMix Wave Films y Haoliners Animation League que presenta tres relatos: “Fideos de arroz”, “Un pequeño desfile de modas” y “Amor en Shanghai”.
Si bien estos no se conectan hasta el final, el encuentro de los protagonistas en un aeropuerto es un elemento vital, ya que nos está planteando revisar las tres historias desde la perspectiva de la migración, el movimiento y el cambio. Estos temas nos pueden hacer recordar a las obras de Makoto Shinkai tanto por sus referencias al pasado, como lo efímero, la nostalgia y la pérdida del ser amado, pero Shiki Oriori los aborda desde una perspectiva distinta.
A partir de los “valores” y características de la cultura china, la película hace hincapié en la familia, los lugares y objetos de encuentro, la esperanza de una reunión y la reconciliación entre el presente y el pasado.

“Fideos de arroz”: ciudad, pasado y nostalgia
La primera entrega presenta a Xiao Ming, un joven adulto que vive en la ciudad de Beijing. En los primeros minutos lo vemos saliendo de una estación de tren y dirigiéndose a tomar desayuno en una tienda de comida rápida. Ahí reflexiona sobre sus sentimientos y su pasado: ¿vale la pena haber dejado su pueblo? ¿Qué recuerdos despierta en él dicho lugar?
La dura ciudad hace que los rostros sean inexpresivos. Probablemente yo soy uno de ellos […] siento que extravié algo. Adormecidos, perdemos el sabor del hogar […] ¿Adónde fueron todos los recuerdos?
Xiao Ming, “Fideos de arroz”
Para él la ciudad es un lugar con gente distante y sin afecto, donde algo se pierde. Y ni siquiera la comida que debería hacerle recordar al sabor de su hogar logra tranquilizar su alma. Así es como comienza una narración en racconto -cuando se presenta eventos del pasado que van progresando de manera lineal hasta el momento inicial de la historia-. Xiao Ming nos presenta sus días de niñez y juventud en Hunan, cuando desayunaba sopa de fideos San Xian con su abuela. Asimismo, recuerda su adolescencia y su primer amor.
En primer lugar, la historia nos presenta un contraste entre la ciudad (Beijing) y el campo/pueblo (Hunan). El primero es retratado como una ciudad donde siempre llueve y donde la comida -representada en la sopa de fideos- es diferente a la de su infancia: son fideos son casi perfectos, pero trae menos guarniciones y es más costosa. El pueblo de Hunan en el que nació y creció, por otro lado, es representado con colores brillantes y estaciones cambiantes (un gran verano o un lugar lleno de nieve). Y en cualquier clima, Xiao Ming recuerda que iniciaba su día tomando una sopa de fideos que se caracterizaba una preparación casera.
En estos recuerdos, vemos que el protagonista siente fascinación por la comida y su preparación, pero ante todo recuerda estos sabores con cariño porque le hace recordar a sus días con su abuela. De esta forma, la mesa y la comida son el espacio de reunión con su familia, especialmente con la abuela, quien representa su pasado.
Algunos autores han explorado la importancia de la comida en la cultura china, como Guansheng Ma, quien señala que esta ayuda a formar relaciones interpersonales y a crear una comunidad. En ese sentido, la comida en la sociedad china es importante para establecer o fortalecer vínculos, lo cual se puede apreciar en la costumbre de invitar a comer al otro, así como de servir los platos al centro de la mesa. Esta tradición de compartir la comida y comer en grupo permite el establecimiento y transmisión de una cultura.
A partir de ello podemos entender el fuerte apego que siente Xiao Ming hacia su abuela y, especialmente, la nostalgia hacia su lugar de origen. Asimismo, el hecho de que resalte la abundancia de ingredientes en la sopa San Xian que comía en Hunan no es un detalle gratuito ~~no es para sacarnos pica o un fanservice para los amantes del food porn xP~~.
Esta descripción tiene el objetivo de desmentir la pobreza del campo y hacer una crítica hacia la ciudad. Para sustentar ello podemos retomar el argumento de Guansheng Ma, quien señala que la comida suele ser signo de estatus social: la presencia de carnes o ingredientes raros suelen demostrar mayor adquisición económica y suelen ser presentados con el deseo de mostrar respeto a los invitados. Además, la importancia de la comida en la cultura china llega a ser tal que incluso cada alimento tiene un simbolismo y se utiliza para conmemorar eventos importantes, o con ella se premia o castiga algún logro.
Y es que, pese a la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china (1), para Xiao Ming la comida de la capital no puede equipararse a la de Hunan.
Este componente de unión y calidez que le brinda la comida le hará recordar también otros eventos de su pasado, como el primer amor y las horas antes de la escuela. A su primer amor la recuerda con cariño: una chica de clases superiores a la que veía pasar todos los días frente al local donde él tomaba sopa. Sin embargo, nunca pudo hablar con ella, y con el tiempo dejó de verla. Pero no por ello siente angustia, lo cual muestra un personaje consciente de lo efímero de las cosas y que se caracteriza por estar acostumbrado al cambio.
De igual manera, es testigo de los cambios del negocio donde solía tomar sopa antes de ir a la escuela. Y aunque estos cambios lo apenan, Xiao Ming no se opone a ellos. Por el contrario, muestra una predisposición, tal y como la misma comida china se adapta a su entorno.
Por último, el retorno al pueblo de origen y la visita a la casa familiar con motivo del fallecimiento de su abuela, es un último signo de cambio -y aparente fin- en “Fideos de arroz”. El protagonista no percibe este evento como traumático. Lo acepta como parte de la vida, con lo cual el espectador nuevamente se reafirma en una lectura donde el protagonista tiene la capacidad de aceptar y adaptarse ante los cambios.
Xiao Ming no podrá olvidar su pasado ni su lugar de origen, y queda en él cómo reformula su relación con la ciudad.
Familia y cultura de chicas en “Un pequeño desfile de modas”
“Un pequeño desfile de modas” transcurre en Cantón. Nos presenta a Yi Lin, una de las modelos más famosas de China que cree que será próximamente desplazada por otras modelos más jóvenes. Dicho temor aumenta cuando ingresa un nuevo jefe a la compañía en la que trabaja y cuando su enamorado toma interés en una modelo que considera su “contrincante”: Shui Jing.
En este contexto, la angustia de Yi Lin provocará que se distancie de su hermana, la única familia que le queda, y de Steve, quien pese a ser su manager es la única persona fuera del hogar que la aprecia y reconoce fuera de su belleza externa.
Lo único que tengo es este cuerpo. La belleza se esfumará si lo permites […] Cuando dejé de trabajar, parecía que había desaparecido. Hay muchos reemplazos. El mundo seguirá sin mí.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
La película resalta muchos elementos que nos podrían remitir al shōjo bunka japonés: el principio de hermandad, la vida burguesa y el consumo -moda, revistas y películas-. A partir del caso japonés, sabemos que el surgimiento de una “cultura de chicas” se dio en las grandes ciudades, gracias a un contexto de bonanza económica que permitió a un grupo de mujeres tener mayor acceso a la educación y/o la economía.
En China, una de las ciudades que se desarrolló económicamente gracias a la industria de la seda fue Cantón (Guangdong), lugar que vio hasta 1920 una migración de mujeres que trabajaron en dicho rubro. Se sabe que tuvieron una relativa independencia económica que les permitió formar gremios y no contraer matrimonio. Asimismo, la ubicación de esta ciudad fue vital para el comercio marítimo y el intercambio cultural.
Todos estos factores serán importantes para entender por qué la locación de esta historia y los temas que trata. Pero a diferencia del shōjo bunka japonés, que resalta los lazos de “hermandad” entre adolescentes en la escuela, esta narrativa coloca en primer plano la importancia de la unidad familiar y el apoyo mutuo.
Yi Lin es un sujeto que ha interiorizado los “valores” de la economía de consumo (2) (3): como modelo -cuerpo que trabaja en la industria de la moda- se percibe como cuerpo efímero y que puede ser fácilmente desechado. Y este temor se acentúa cuando conoce a Shui Jing, joven modelo que la va desplazando en el espacio de la moda e incluso genera interés en su enamorado, quien la deja por ella. De esta manera, Shui Jing representa un sistema que promueve la competitividad entre mujeres, la preferencia por la juventud -pues son cuerpos que representan la productividad y reproductividad– y el quiebre en las relaciones de comunidad.
Como contraparte, se encuentra Lu Lu, la hermana de Yi Lin. Las dos son huérfanas y fueron criadas por separado por unos familiares. Sin embargo, cuando la protagonista obtuvo empleo en la industria de la moda decidió hacerse cargo de su hermana menor. Pese a vivir juntas, Yi Lin no le confía sus problemas a Lu Lu, lo cual provoca un quiebre en la relación familiar (4). De igual manera sucederá con Steve, manager y amigo de Yi Lin, quien pese a los años de trabajo juntos, no logra que Yi Lin sea honesta y le comente sus miedos (5).
Todo lo anterior muestra a una protagonista que ha roto con los lazos de comunidad y que se siente atomizada en la sociedad. Tal es el estado de Yi Lin que espacios como el hogar -y en especial el comedor-, que deberían permitir la unión familiar y amical, demuestran en la película la separación y el quiebre de las relaciones amicales y familiares.
Pero al final de la película, lo que paradójicamente unirá a las hermanas será aquello que causó la atomización de Yi Lin: la moda. Lu Lu tiene interés en estudiar diseño y establecer su propia compañía, en la cual desea trabajar junto con su hermana. De esta forma, ambas no solo volverán a restablecer los vínculos familiares, sino también recordar que este interés por la moda y la costura se lo deben a su madre.
El mundo cambia rápidamente. Las modas, la gente y nosotras, las modelos. Esta carrera no durará para siempre. Pero aún quiero brillar por mi hermana, mi única familia.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
Por lo tanto, “Un pequeño desfile de modas” propone la posibilidad de un mercado de la moda y el consumo libre de la individualización y la atomización del sujeto. Esto se logrará a través de un modelo donde primen los lazos familiares y amicales, lo que se ve reflejado en el deseo de las hermanas por establecer en el futuro su propia firma de moda.
“Amor en Shanghai”: Recuperando la tradición (y el amor)
La última historia se titula “Amor en Shanghai”, y presenta a tres amigos de infancia -Pan, Li Mo y Xiao Yu- que viven durante su adolescencia en un antiguo barrio estilo shikumen.
Esta entrega nos presenta a Li Mo y Xiao Yu, quienes sienten atracción el uno por el otro, pero se tendrán que separar una vez terminen la escuela, ya que los padres de Xiao Yu desean que ella postule a la universidad de Yangpu. Sin decírselo a sus amigos, Li Mo decide sacrificar todo y postular a la misma universidad, ingresando a la carrera de arquitectura. Y aunque él es aceptado, no lo será Xiao Yu, lo cual supone una despedida para la pareja.
Dicho ingreso a la universidad supondrá una alegría para la familia, ya que encontrarán una razón para mudarse del antiguo shikumen, y con ello “progresar”y ascender socialmente. Aunque todo esto debería interpretarse como símbolo de éxito, para Li Mo aquellos sacrificios resultan ser una carga en la vida adulta. Pese a que estudió en una universidad prestigiosa y obtuvo trabajo en una compañía reconocida, siente que ha dejado de lado sus sueños y su creatividad -estos, desplazados ante la jerarquía y la obediencia a una autoridad-, así como el vínculo con sus amigos, su familia y su pasado.
Esta primera separación viene acompañada de una segunda, en la cual Xiao Yu viaja a Estados Unidos para estudiar. Vemos entonces como una constante la “idea del progreso” y la migración. Se considera de bajo estatus vivir en un lugar antiguo -pese a que el shikumen en algún momento fue símbolo de modernidad al ser un modelo arquitectónico basado en la estética occidental- y no lograr ingresar a una universidad estatal reconocida. Por ello, tanto los padres de Li Mo como de Xiao Yu estarán a la expectativa de que sus hijos logren los mejores puestos y trabajos.
En ese sentido, es tal el deseo de la familia de Xiao Yu por progresar que vemos cómo ella viaja a Estados Unidos con el fin de adquirir conocimiento en el extranjero y, en el mejor de los casos, quedarse, o retornar al país de origen para obtener un mejor trabajo. Este deseo que yace detrás de la migración se da con la expectativa de que la joven no pierda su cultura en el proceso.
Este “ideal del progreso” no solo lo vemos en las familias, sino también en la sociedad a través de la modernización de la ciudad. Al inicio de la película apreciamos que el jefe de Li Mo le encara que los inversionistas apuestan por grandes edificios. Y en la ventana de su cuarto él ve cómo, poco a poco, las zonas antiguas de Shanghai van desapareciendo.
Vemos entonces un proceso que busca “borrar” todo rastro de lo antiguo -edificios, objetos y hasta personas-, lo cual es considerado como signo de “atraso” y “pobreza”, y dar paso a lo “nuevo”. Esto lo podemos confirmar cuando Li Mo regresa al shikumen, el cual luce abandonado y casi destruido. Incluso parece habitar únicamente su abuela. De esta forma, podemos presenciar que en este ímpetu de modernización se desplaza e invisibiliza lo que se considera como “antiguo” e “inútil” o abyecto- para la sociedad (6).
No obstante, será la interacción con este espacio y con sus objetos lo que le permitirá a Li Mo reconciliarse con su pasado. Tras escuchar unos cassettes que había intercambiado con Xiao Yu, decide no abandonar su pasado y emprender un nuevo proyecto: modernizar el shikumen y convertirlo en un atractivo turístico. Con ello iría a contracorriente del sentido común: la destrucción de lo antiguo.
Finalmente, este rescate del pasado por parte de Li Mo vendrá acompañado con el retorno de Xiao Yu. Él, quien ha restaurado una zona llena de historia en Shanghai -lo cual simboliza un respeto por la tradición y el pasado-, podrá reencontrarse con Xiao Yu, quien regresa a China con el conocimiento del extranjero y la modernidad.
De esta forma, la narración propone la posibilidad de una sociedad que pueda lograr la modernidad sin que por ello tenga que borrar su pasado. Asimismo, este proceso de modernización y globalización no tiene que implicar una aculturación. Y por el contrario, se presenta a una generación de jóvenes que conciben el éxito como la posibilidad de establecer una convivencia entre la tradición y la modernidad.
CONCLUSIONES
Finalmente, llama la atención que Shiki Oriori cierre la película con los protagonistas de las tres historias en el aeropuerto. Y esto no debería extrañar al espectador, pues este espacio debe ser entendido como aquel que simboliza la esperanza de la adaptación, la comunicación y el cambio enuna sociedad globalizada.
Por lo tanto, a partir de los temas que hemos expuesto a lo largo del artículo –el pasado, la migración, la modernidad y la tradición– vemos cómo cada uno de los personajes se ha adaptado a su entorno. Y no solo eso; los protagonistas critican algunos sentidos comunes -la pérdida del pasado, la destrucción de lo antiguo y el desplazamiento de algunos cuerpos- y proponen nuevas soluciones ante los problemas que los rodean.
La película parecería recordarle al espectador que la sociedad china, tan acostumbrada al desplazamiento y la migración, siempre encuentra una forma de adaptarse al cambio sin perder en el proceso su pasado e identidad.
Notas:
(1) Autores como Chang señalan la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china, pudiendo reemplazar ingredientes o prescindir de estos. Incluso un mismo alimento puede ser preservado de diversas maneras y presentar diferentes sabores gracias a los distintos procesos de conservación que tiene la cocina china. Esta también se caracteriza por su capacidad de aprovechar al máximo los ingredientes para hacer con ellos la mayor cantidad de platos posibles. Según Kathy Lin esto se debe al principio llamado “yi xing bu xing”, en el cual se debe usar para la cocina todas las partes del animal así como el ser humano utiliza todas las partes de su cuerpo en la vida diaria.
(2) Hay que recordar que China tiene un modelo mixto, donde en el plano económico prácticamente es un país capitalista.
(3) Sobre la noción de los cuerpos en una sociedad capitalista, extractivista y tecnologizada, revisar los artículos de Mononoke Hime y Shelter.
(4) Resulta de más curioso que el nombre del personaje se asemeje al término “lala”, el cual hace referencia al lesbianismo en China. Este dato, junto con la presencia de una “cultura de chicas” -que en Japón llevó a la creación de una cultura que promovía las “amistades apasionadas” entre mujeres adolescentes- lleva a pensar en una reformulación de la “cultura de chicas” en China. En ella, se mezclarían conceptos de piedad filial y los vínculos familiares. Por ello, la película resalta esta “cultura de chicas” donde hay una fuerte relación de hermandad y amistad. Sobre las “amistades apasionadas” y el “amor espiritual” en el shōjo bunka, leer el artículo de Liz and the Blue Bird, y sobre la importancia de la piedad filial y los vínculos familiares, ver Their Story y el cine de Alice Wu.
(5) Es interesante cómo esta “cultura de chicas” permite la inclusión del homosexual -visto en la figura de Steve-, un cuerpo que, por lo general, no suele ser aceptado en la sociedad.
(6) Sobre los cuerpos abyectos, revisar el artículo de Mononoke Hime, en el cual se señala la separación entre un cuerpo “productivo” e “improductivo”, así como el lugar que le da Lady Eboshi en la sociedad a los leprosos.
Bibliografía
Chang, K.C. 2008. “Food in Chinese Culture”. En Asia Society. Consulta: 20 de octubre de 2020.
https://asiasociety.org/blog/asia/food-chinese-culture
Han, Qijun. 2019. “Diasporic Chinese family drama through a transnational lens: The Wedding Banquet (1993) and Saving Face (2004)”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 3, pp. 323-343.
Kennedy, Ryan. 2016. Fan and Tsai: Food, Identity, and Connections in the Market Street Chinatown. Doctorado en Filosofía, Departamento de Antropología. Indiana: Indiana University.
https://www.academia.edu/30904376/Fan_and_Tsai_Food_Identity_and_Connections_in_the_Market_Street_Chinatown
Li, Haili. 2019. “Representations and public discourse of Chinese family cultures across media platforms”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 2, pp. 239-247.
Lin, Kathy. 2000. “Chinese Food Cultural Profile”. En EthnoMED. Consulta: 20 de octubre de 2020.
Chinese Food Cultural Profile
Ma, Guansheng. 2015. “Food, eating, behavior, and culture in Chinese society”. Journal of Ethnic Foods. Volumen 2, número 4, pp. 195-199. Consulta: 20 de octubre de 2020.
https://www.sciencedirect.com/science/article/pii/S2352618115000657
“LGBTQ History”, blog en A Summers’ End: Hong Kong 1987. Consulta: 26 de octubre de 2020.
https://www.asummersend.com/blog/queering-history
El shikumen, historia y modelo arquitectónico:
https://en.wikipedia.org/wiki/Shikumen
7 noviembre, 2020
VTUBER: El nuevo mundo del contenido animado virtual
Estar vivo… ¿es ficción o realidad?
La cuestión es, si un objeto inanimado podría vivir realmente.
Motoko Kusanagi (Ghost in the Shell)
Con esta frase de Ghost in the Shell, mítica película de anime cyberpunk dirigida por Mamoru Oshii (1995), empezamos este tema que nos trae devuelta a los clásicos debates sobre la existencia abordados por los grandes intelectuales de la historia universal: realidad vs ficción, lo animado vs inanimado el hombre vs la máquina, en fin, lo interesante es que todas estas cuestiones nos llevan a pensar y a corroborar cómo el avance de las tecnologías en la aún llamada era de la posmodernidad nos nos ha llevado a resolver estas interrrogantes; por el contrario, nos han impulsado a potenciarlas con el nacimiento de nuevas expresiones de consumo digital de la (sub)cultura otaku, las redes sociales y nuevas tecnologías transmedia. Es así cómo hemos dado paso a un siguiente nivel que va más allá del anime y el vocaloid: la era Vtuber.
¿Qué significa ser VTuber?
Según el canal de youtube La Madriguera Del Doc, el término VTuber alude a youtubers que crean un avatar digital animado (2D o 3D) a través de programas/plataformas digitales de captura de movimiento facial, con el cual interactúan con la audiencia, ahorrándose así el tener que invertir en una cámara, o hasta del uso de su voz real. Muchos youtubers tienen un avatar masculino, tambien están los que se hacen pasar por chicas usando VTuvers femeninas (llamados por los fans/simps «trapitos»). No obstante, hasta el momento la gran mayoria de youtubers virtuales suelen ser mujeres.
Asimismo, señala que si bien este término alude a Youtube, recientemente el contenido de las Vtubers a cobrado popularidad en plataformas como Facebook Live o Twitch. La variedad de contenido VTuber es ilimitada: videojuegos en línea, shows de canto, charlas en vivo con los fans, tutoriales de idiomas, etc., etc.
Vtubers de Hololive Production en inglés, 1° generación
Tipos de VTuber
1. Los youtubers reales que prefieren ser representados a través de avatars digitales animados para publicar sus contenidos (sean grabados o en transmisión en vivo/streaming).
2. Los que son creados directamente como avatars virtuales animados por diversas compañías/corporaciones/empresas especializadas en el tema, que luego serán dotados de voz, una personalidad “propia” y un nombre o alias, para lo cual se contrata regularmente a un grupo de actrices/actores de doblaje (los llamados talentos virtuales) gracias a los cuales estos avatars adquirirán “vida”, y trabajaran como equipos de VTubers (al mismo estilo de las idols japonesas).
Orígenes
Siguiendo los comentarios del youtuber aludido, el origen de este fenómeno se remonta al año 2011; no obstante, estos avatars kawaii no surgieron en Japón (como yo misma pensé al inicio), sino en Gran Bretaña, pero tranquilos que hay un vínculo nipón de por medio: Ami Yamato, una bloguera japonesa radicada en Londres, que lanzaría una serie de videos animados con un avatar que le hablaba a la cámara como si fuera un videblog normal para la época (es decir como el que haría uno youtuber de carne y hueso). Este «personaje» tiene una inclinación por Starbucks y se pasea por el mundo «real», a veces junto a humanos vivos. Su formato es considerado el primer prototipo de lo que años más tarde serían las/los VTubers.
Ami Yamato desde Londres
Otro caso interesante es el Barbie, la muñeca de la compañia Mattel, que ha aparecido en las líneas de juguetes y programas de televisión americanos durante décadas, que hizo su debut virtual en vlogging en 2015.
Otro antecedente occidental de las VTubers es el caso de Any Malu, un personaje animado con un show llamado “El Mundo Surrealista de Any Malu”, una serie de televisión animada brasileña (estrenada en 16 de marzo de 2019) publicada originalmente en su canal de videos de Youtube, producida por Combo Estudio y actualmente mostrada por Cartoon Network Brasil.
Un antecedente “otaku” de las VTubers pueden ser los youtubers que usaban Loquendo, un programa de software que emulaba voces «de estilo robótico» para sus Walfas, avatars creados por ellos/ellas mismos/as gracias a una página web especializada en ello, con características preponderantemente de personajes manganime; o para sus Renders, personajes manganime que eran sacados de la web cuantas veces era necesario para tener diversas expresiones, poses, actitudes de los mismos según la necesidad del loquendero youtubero. Todo esto con el fin de que crear historias divertidas, y por qué no super bizarras, contextualizadas en un mundo ficticio llamado Loquendo City (una ciudad que en realidad es un fondo de pantalla estilo manganime, osea más otaku no podía ser XD).
Personajes anime en Loquendo City
Otro antecedente “friki” podría ser las/los personajes de Vocaloid. Este era un programa de computadora de síntesis de voz capaz de cantar lanzado por Yamaha Corporation en 2004, representado visualmente a través de avatars como la famosa Hatsune Miko, quien hasta hace unos años era la reina de los conciertos de “idols niponas virtuales”, papel que ahora han tomado con éxito muchas Vtubers de Asia del Este.
Hatsune Miku en uno de sus conciertos
En el 2016 aparecería Kizuna Ai, considerada la primer VTuber en alcanzar fama internacional (y una de las “idol virtuales” más populares del país del sol naciente). Fue Animada y modelada a través de un software de renderizado 3D, y su voz pertenece a la actriz de doblaje (seiju) Nozomi Kasuga. Debutó en YouTube con ayuda de la compañía Activ8. Las diversas actividades de Ai en pantalla ayudaron a crear una sensación de intimidad con sus espectadores, lo cual se reflejó el crecimiento descomunal de su canal: en menos de un año obtuvo más de dos millones de suscriptores y fue condecorada como embajadora cultural de Japón por la Organización Nacional de Turismo del país, e incluso fue seleccionada para aparecer en un programa de televisión junto con los ganadores nipones del Premio Nobel con una adorable bata blanca y lentes.
Impacto VTuber en Japón
«Muchas personas tienen el deseo de querer ser personajes’», afirma Sugiyama de la corporación Gree, una empresa de medios de comunicación de Internet japonesa que cuenta con una red social homónima a partir de la cual ofrece aplicativos para teléfonos móviles, entre los que destacan aquellos destinados a la realización de avatars para sus usuarios. El representante de Gree señala que la popularidad de los VTubers se debe a una proyección del fenómeno cosplay evidenciado en las convenciones globales otakus. Asimismo, comenta que el éxito de los VTubers en Japón no sólo se explica por la existencia de estos fieles fanáticos. Según el experto
Los japoneses no son buenos para expresarse abiertamente, y creo que hay muchas personas que realmente quieren enviar [su mensaje] al mundo, pero no quieren revelar su apariencia», aventura.
Por su parte, Izumi Tsuji, profesora de Sociología y Cultura en la Universidad de Chuo, evoca al famoso sociólogo japonés Munesuke Mita para explicar por qué en el país asiático hay una larga tradición de preferir personajes virtuales a reales. Mita planteó que, como resultado de la desaceleración del crecimiento económico tras la crisis mundial del petróleo en la década de 1970, muchos japoneses desarrollaron una apatía con la realidad, la que parece durar hasta el día de hoy.
Tienda «otaku» en Akihabara, Tokio
«En ese período empezamos a amar a los personajes de anime y los ídolos de juegos de video, por encima de las estrellas de cine y música», dice Tsuji, para quien un buen ejemplo de esto es Hatsune Miku, la famosa y ahora mítica estrella holográfica del pop en Japón, cuya voz se produce digitalmente.
En una entrevista del canal de youtube That Japanese Man Yuta se les preguntó a japoneses mayoriatariamente jóvenes por qué creen que los Vtubers son populares, a lo que argumentaron opiniones interesantes como las siguientes (traducción propia):
Sus movimientos son como los de una persona real, y además son tiernos…
Los VTubers se parecen a personajes de anime, y el anime es popular…
A diferencia de las personas, los VTubers son virtuales y pueden hacer muchas cosas»
A partir de los comentarios anteriores, podemos decir que el gusto por los VTubers en los japoneses se debe en parte a su fascinación por lo inanimado-animado: aquello sin vida que parece de pronto cobrarla. Idea a su vez evoca al sintoismo (considerada la religión nativa de Japón), en tanto creencia de que existe una energía (o «espíritu») que está conectada con nosotros y todas las formas de vida existentes en el mundo (otra prueba de esta fascinación por la inanimado-animado serían la fascinación por los mecca y los androides representados también en la cultura otaku). Esto explicaría a su vez el gusto nipón por pesonajes manganime que una vez proyectados en escenarios virtuales pueden conectarse de una forma amplificada y masiva pero al mismo tiempo personal con sus fans (tal como sucede con las «idols» vtubers al estilo vocaloid). Esto sin contar la multiplicidad de actividades que los VTubers pueden realizar como seres virtuales que amplifican lo humanamente conocido: habilidades de baile y rutinas físicas, shows virtuales de canto, y una personalidad «única y peculiar» proyectada a través de un avatar que maxifica la estética kawaii y las fantasías otaku.
Impacto VTuber en Latinoamérica
El éxito de los VTubers en Asia provocó interés por la idea del VTubing y sus exponentes en Occidente. En este caso, nos referiremos especialmente al caso latinoamericano, donde las VTubers han crecido gracias a los fanáticos del anime y la cultura japonesa centrado en los videojuegos y sus transmisiones en vivo. Nombraré a algunas Vtubers como Nimu, de Argentina; Lily-chan, Noa y Sora-chan de México, y JinaWolf de Venezuela. Más adelante comentaré sobre una posible Vtuber basada en un personaje de cómic peruano que anuncia su (esperemos pronto) debut en Perú.
Ya he nombrado anteriormente a Nimu, la Vtuber argentina que se autoproclamó como la más popular de nuestro continente, con una canal de youtube que rosa los 350 000 suscriptores y que cuenta además con una enorme cantidad de seguidores en Facebook Live, donde hace sus streamings. Entre los diversos factores a los que se les atribuyen su popularidad están su peculiar sentido del humor y su también peculiar voz, así como el hecho de que este avatar está poseída por una criatura morada que lleva como adorno en la cabeza (¿una referencia a una personaje manganime Yanguire, bastante popular en el fandom otaku?). Más adelante les comentaré sobre una fuerte polémica en torno a este personaje.
Entre oriente y occidente: el caso Hololive
La agencia de youtubers virtuales Hololive a implementado actividades para un nuevo subproyecto que tiene una fuerte presencia entre los fanáticos de habla inglesa (especialmente por la VTuber Inugami Korone, quien además se ha vuelto popular en Latam por sus famosas palabras dichas en español) para así ampliar su mercado extranjero ya asentado en Indonesia y China. Hololive English es el primer grupo en inglés de la compañía, que cuenta con cinco talentos femeninos diferentes que vienen con su propio arte oficial, cuenta de Twitter y, por supuesto, un canal de YouTube, que debúto el sábado 12 de octubre a las 8 pm JST cuando las chicas vtubers comenzaron a transmitir en YouTube en sus respectivos turnos designados por la compañía.

Polémicas VTubers
Projekt Melody
O Melody para abreviar, es una VTuber diseñada por el animador estadounidense DigitrevX. Apareció por primera vez cuando se abrió su cuenta de Twitter en julio de 2019 y ha transmitido en vivo en Chaturbate y Twitch desde principios de 2020.
Se enfoca en un contenido “adulto” que causó la indignación de muchos fans dado lo traslucído de su atuendo y el movimiento erótico exagerado del busto del personaje, asi como su alianza publicitaria con Faku, una plataforma que ofrece contenido pornografico anime (hentai) aparentemente de manera legal, pero que posee una reputación cuestionable. Es por esta razón que Twitch la suspendió indefinidamente el marzo pasado (si bien si sigue activa en Twitter, donde comparte/publicita otras actividades con sus fans).
Nota del diario Libero sobre un nuevo «escandalo» de Projekt Melody
El caso de Mano Aloe
Poco después del debut de la VTuber Mano Aloe el 15 de agosto de 2020, un individuo desconocido descubrió y publicó una grabación de una transmisión que Aloe había alojado meses antes en la plataforma de transmisión japonesa TwitCasting, en la que se la vio probando su modelo Live2D; también parte de la filtración fueron su información personal y la identidad de un conocido masculino. El 17 de agosto, Aloe publicó un video en el que explicaba que el video filtrado había sido aprobado originalmente por su gerente y que ella se había olvidado de eliminarlo, y que el incidente resultaría en una suspensión temporal de todas las actividades. El 31 de agosto, el día de su regreso programado, Cover Corporation, la empresa dueña y administradora de Hololive, anunció que Aloe había decidido dejar Hololive debido al estrés físico y mental. Asimismo, emitió una declaración el 8 de septiembre con respecto a sus respuestas planificadas al acoso futuro de talentos, anunciando que emprendería acciones legales contra los acosadores y establecería un sistema de informes para detectar incidentes.
Mano Aloe
Polémica VTuber en Latinoamérica
Loli vs Nimu
Muchos youtubers de Latam y otros internautas sostienen que las VTubers deberían ser censuradas o hasta desaparecer por el sinfín de polémicas que han surgido entre ellas (y la consecuente toxicidad que ello implica en la red). En esta ocasión, les hablaré del que ha sido calificado (por muchos fans) como el origen de toda la cadena de enfrentamientos tóxicos entre las Vtubers y sus famdoms: el encuentro via streaming entre las vtubers Nimu y Loli.
El 3 de setiembre del 2020, una youtuber principiante argentina llamada Loli hacia un streaming en su página de Facebook, cuando para su sorpresa, Nimu apareció en ese momento, y le empieza a decir de forma grosera que no puede usar su avatar porque tiene copyright y además se parece mucho al de ella. Al margen de la veracidad o no de esta acusación, los seguidores de Nimu llenaron el streaming con mensajes de odio hacia Loli, luego de lo cual la Vtuber novata termina llorando y cerrando el streaming. El asunto se volvió viral en la red, y Nimu fue fuertemente cuestionada/criticada por muchos internautas enterados del tema, quienes la consideraron como una ególatra por haber comentado además en sus redes que Loli debio tomar en cuenta que su avatar causaría conflictos con la Vtuber más famosa de Latinoamerica. Luego Nimu emitió una disculpa pública hacia Loli en un stream, excusando su actitud polémica bajo el hecho de «estaba con la regla», razón por la que muchos fans de ambos bandos no consideran sinceras sus palabras. Por su parte, Loli perdonó a Nimu y decidió alejarse brevemente del mundo VTuber para luego volver con sus streamings, pero con el compromiso de hacerlo con una nuevo avatar que fuera de su “propiedad” y denotara su “personalidad” como Vtuber (avatar conocido luego como Suwie).
El fraude de Asria
Otro caso polémico fue el de Asria, una supuesta VTuber muda que se volvió rápidamente famosa por sus discusiones/difamaciones en red con Suwie ( exVTuber Loli), y que empezó a recibir donaciones de dinero de sus fans para costear sus supuestos gastos médicos relacionados a su mudez; no obstante, este mes, tras una serie de rumores y acusaciones en red, Asria confirmó (a modo de disculpas “públicas”con sus fans) que en realidad no es una mujer sino un hombre, y además no sufre de mudez, luego de lo cual ha dejado inactiva sus cuentas de redes sociales y sus streamings. Esta revelación seria ha sido tan impactante que otros youtubers como Ecuadorean Blog se han visto involucrados en supuestos favores “marketeros” con Suwie y otros Vtubers de su círculo, y porsupuesto, ha generado una serie de videos de comentarios críticos al respecto por parte de otros colegas y youtubers «otakus».
VTuber: Ventajas y desventajas
Ser un personaje virtual personalizado permite desarrollar performances fuera del alcance de los humanos: pueden aparecer en videojuegos y aplicaciones fuera de YouTube y, a medida que mejora la tecnología VR y AR, incluso pueden celebrar conciertos de realidad virtual (La VTuber nipona Kaguya Luna fue una de las primeras que hizo este tipo de actividades). Un argumento en contra de esta posibilidad es que el vlogging de la vieja escuela (osea ser un youtuber real) es una de las formas más baratas de hacer videos, pues nada más se necesita que alguien encienda una cámara, hable y publique.
Entre otros argumentos que apoyan la industria Vtuber, han surgido aplicaciones de precios módicos que los YouTubers pueden usar en sus teléfonos inteligentes para hacer vloggers virtuales de sí mismos. Sumado a esto, la mencionada empresa Gree está realizando constantemente proyectos para lanzar aplicaciónes mejoradas de transmisión en vivo en la que los usuarios podrán crear un VTuber de sí mismos en sus teléfonos inteligentes.
Asimismo, Gree planea invertir 10.000 millones de yenes (US$ 88 millones de dólares) durante los próximos dos años para desarrollar este tipo de talento, crear más oportunidades de transmisión en vivo, crear estudios de filmación y animación y brindar recursos a los creadores.
Aunque el talento virtual actualmente es solo un área de entretenimiento, creemos que avatares 3D atractivos, y sus actividades en mundos virtuales, llevarán a las personas a la siguiente etapa de Internet», agrega Sukiyama (Gree).
Asimismo, cree que a medida que las tecnologías de realidad virtual y aumentada continúan desarrollándose, más vloggers y usuarios de Internet podrían transformarse en personajes fantásticos y coloridos, que a su vez podrían convertirse en marcas. Y Gree no es la única empresa interesada en este posible mercado. Kao, una compañía japonesa de cosméticos y productos químicos, «contrató» al VTuber Tsukino Mito para que apareciera en la pantalla inteligente de una lavadora durante un evento en vivo en Tokio y le ayudara a vender detergente para la ropa.
Tsukino Mito
VTubers: mercado, evolución y futuro
En Latam el sistema de sostenibilidad y sustentabilidad que la mayor parte de VTubers maneja es a través de un canal propio, o a través de su incorporación en colectivos con creadores de contenido afines (como el caso de Humans, donde estaban Asria y Suwie ante de que estallarán sus polémicas). Asimismo, sea de manera independiente o colectiva, suelen crear cuentas de Patreon para que sus fanáticos puedan colaborar económicamente con el fin de seguir ofreciendoles contenido virtual de cada vez mejor calidad. En el caso de las empresas japonesas del rubro, por ejemplo, han lanzado como parte del merchandising para sus fans desde perfumes hasta cartas coleccionables.
Holo Aroma, de Hololive Production
Existe una larga polémica respecto al futuro de las VTubers. Por un lado están los creadores de contenido que sostienen que es solo una moda pasajera (como sería el caso de Loquendo city, por ejemplo). Otros creen que, por el contrario, son la base de los youtubers del futuro, o del nacimiento de un siguiente nivel dentro del ecosistema digital.
Sugiyama comenta que la tendencia de los VTubers «permitirá que todos los seres humanos se liberen de las limitaciones físicas». Nakano, del equipo de Kizuna Ai, quiere algo similar para ella: «Nos gustaría crear un mundo como Ready Player One», dice, refiriéndose a la película y la novela ambientadas en una enorme dimensión virtual.
Asimismo existen artistas que también contribuyen a potenciar el crecimiento de este mercado digital al convertirse en creadores de contenido interesantes dentro o afines al universo Vtuber. Este es el caso de una youtuber que creó un cómic sobre Internet Explorer hecha waifu, o a un personaje similar llamado Lumituber. En España radica la youtuber Marina Golondrina, una ilustradora e historietista que, si bien no se declara Vtuber, utiliza un avatar 2D de “chica-pajaró” (creado por ella misma) en su canal de youtube dedicado a contenido analítico y de difusión de manganime. En Perú, Joaquín Ponce Vives, diseñador gráfico de profesión e historietista también, ha anunciado en sus redes sociales (Facebook e Instagram) que su personaje de cómic, Lima-chan, debutará como VTuber.
Reflexiones finales
No sabemos a cienta cierta qué futuro le depará al mundo Vtuber, pero lo que si sabemos es que ya no hay vuelta atrás luego de aceptar el camino evolutivo al que la (sub)cultura otaku, las redes sociales y el desarrollo de las nuevas tecnologías y entornos digitales están guiando al mundo. Solo esperemos que el enorme potencial que puedan propiciarnos no acabe con nuestra humanidad, sino, por el contrario, que expanda sus límites más allá del tiempo y el espacio.
¿Te gustó este artículo? Puedes consultar las fuentes aquí
http://cientoque.com/las-vtubers-youtubers-virtuales
https://www.bbc.com/mundo/vert-cap-46050784
https://www.milkcananime.com/2020/01/virtual-youtubers-new-and-refreshing_30.html
https://www.periodismo.com/2018/04/22/queres-convertirte-en-youtuber-virtual-esta-app-puede-ayudarte-a-conseguirlo/
https://libero.pe/esports/videojuegos/1546321-camgirl-projekt-melody-chaturbate-twitch-modelo-stream-streamer-virtual-youtube-youtuber-twitter
https://www.alertageekchile.cl/2020/06/23/preparense-otakus-llega-nueva-linea-de-perfumes-con-aroma-de-vtubers/
https://soranews24.com/2020/09/11/meet-hololives-brand-new-adorable-vtubers-designed-to-win-you-over-with-english/
https://www.123ish.com/en/entries/1793-vtubers–virtual-youtubers—is-this-the-future-of-entertainment-
https://www.youtube.com/watch?v=NxQjDcGZYcg
https://www.youtube.com/watch?v=ydZW9e-kJ_w
https://www.youtube.com/watch?v=_0hs76I-TjQ
https://www.youtube.com/watch?v=Lh7B3jBW-w4
1 noviembre, 2020
Revisitando un clásico: Reseña de Cardcaptor Sakura Collector’s Edition 1
Hay historias que marcaron a gran parte de la audiencia peruana que a inicios de la década del 2000 disfrutaba de series anime en señal abierta. Una de esas historias es Cardcaptor Sakura, basada en el manga del mismo nombre del grupo de autoras CLAMP. Este clásico del comic japonés shōjo así como del subgénero mahō shōjo es una obra imprescindible, además de ser una narración a la que muchos le tenemos un inmenso cariño. Por esa razón, el lector comprenderá la emoción que embargó a esta redactora cuando tuvo en sus manos el primer volumen de la Collector’s Edition del manga de Cardcaptor Sakura, flamante protagonista de esta reseña.
Una historia conocida y una edición que todos deberían conocer
Para los recién iniciados y para aquellos que se quieren regodear en la nostalgia, les decimos que Cardcaptor Sakura cuenta la historia de Kinomoto Sakura, una niña de 10 años que va en cuarto año de primaria en la Escuela Tomoeda, pero además de su vida normal se dedica a capturar las llamadas cartas Clow que se liberaron de un misterioso libro que encontró en la biblioteca de su padre. Dicho libro era resguardado por un—aparentemente—pequeño guardián llamado Keroberos (Kero-chan para los amigos) que al emerger del libro y notar el poder mágico de Sakura, la elige para evitar el desastre que caerá sobre el mundo si las cartas siguen libres.
Esta edición de Cardcaptor Sakura, publicada originalmente entre 1996 y 2000 en la famosa revista Nakayoshi que también fue el hogar de Candy Candy, destaca en, primer lugar, por tener un tamaño más grande que el formato normal tankōbon, así que podemos disfrutar en mayor detalle del arte de CLAMP. La tapa es resistente y cuenta con hojas plastificadas que suman a la elegancia ya conseguida por la bella carátula, dibujada por las autoras especialmente para esta edición. Si bien está en inglés, la traducción ha sido revisada para esta versión que viene acompañada de unas cartitas al estilo Clow que al unirse con las de los otros volúmenes forman un dibujo sorpresa.
Kodansha (2019)
La magia del dibujo de CLAMP
En una entrevista del año 2001, Ohkawa Nanase, una de las cuatro miembros de CLAMP y guionista de Cardcaptor Sakura, señaló que desde el inicio pretendía que toda la propuesta visual de la obra transmitiera suavidad, así que Mokona, una de sus compañeras, señala en la misma entrevista que ella les pidió que se apostara por líneas curvas y delgadas. Lo maravilloso de la Collector´s Edition es que—precisamente por el tamaño—el lector puede apreciar perfectamente los inicios y finales de cada uno de los delicados trazos de las mangakas, así que el dibujo se siente vivo. Ohkawa tenía toda la razón en su propuesta ya que este tipo de líneas muestra todo su potencial en el mahō shōjo.
Como deben saber los amantes de este subgénero, el diseño de personaje de las heroínas, especialmente los trajes, es clave para el código visual de las obras. En otra entrevista del 2000, Mokona mencionó que, al estilo de Daijdouji Tomoyo, la mejor amiga de Sakura, diseñó 200 vestidos para la ama de las cartas y el nivel de detalle del manga así como su calidad supera en gran medida al anime y deja al lector con el deseo de convertirse en una chica mágica. Además, los fondos conformados por tramados, flores y encajes son una prueba del trabajo de las autoras que incluso, como señaló Nekoi Tsubaki en el 2001, tuvieron que revisar diccionarios de flores para conseguir el efecto deseado.
Kodansha (2019)
El inicio de una historia más que disfrutable
A diferencia del anime que inicia con un día normal en la vida de Sakura, el cual es alterado por el encuentro del libro con el mazo de las cartas Clow, el manga empieza en medio de la captura de la tercera carta: salto. En ese sentido, desde el comienzo el relato demuestra su dinamismo y buen ritmo, al mismo tiempo que cuenta con una muy buena comedia que se alimenta de las peculiaridades de cada uno de los personajes que vemos en este primer volumen. Los globos de pensamiento y las cartelas generan efectos muy divertidos, mientras que las narraciones de Sakura que, incluso rompe la cuarta pared, nos transmiten la vitalidad de su particular punto de vista.
En correspondencia con la propuesta de suavidad en Cardcaptor Sakura, Nekoi mencionó en el año 2000 que el manga tenía el objetivo de apostar por el blanco en los paneles antes que por el negro, en ese sentido, las hojas se perciben ligeras y la lectura no se siente sobrecargada. El público de la revista Nakayoshi comprende a niñas de cuarto, quinto y sexto de primaria, así que pensando en ellas, tampoco hay un exceso de texto, sino que se apuesta por lo visual que también apunta a la sutileza. Estos rasgos se pueden percibir en cada uno de los siete números que congrega este volumen y que suelen centrarse en la lucha por capturar las cartas, pero también van más allá.
Kodansha (2019)
¿Sólo una historia kawaii?
Si bien CLAMP ya había trabajado shōjo antes, Tim Lehmonn remarca que sus obras tenían un tono bastante oscuro con tendencia a la tragedia y esto puede sorprender a muchos fans que sobre todo conocen el trabajo de las autoras a partir de Cardcaptor Sakura. Como afirmó Ohkawa en el 2001, cuando ya habían terminado Magic Knight Rayearth, querían hacer una historia kawaii, donde nadie muriera y el resultado fue la narración de nuestra querida Sakura. No obstante, a pesar del optimismo que transmite este título, el relato le da un lugar a la complejidad familiar y social correspondiente a partir de la mirada de una niña casi adolescente.
La muerte de la madre, el duelo de la familia, la dinámica familiar monoparental, la construcción de la feminidad y masculinidad, así como el cuestionamiento a las normas sociales en relación con el amor y la identidad de género son algunos de los temas que las CLAMP tratan en este primer volumen. Al mismo tiempo, no pierden la atención de su público, quien disfruta tanto de las batallas de su heroína, el enamoramiento de Sakura por Yukito, las ocurrencias de Kero y los trajes, así como es consciente de la pena de la familia Kinomoto, la controversia sobre el matrimonio entre los padres de la protagonista, el amor de Sonomi y Tomoyo por Nadeshiko y Sakura respectivamente y la sugerencia (al menos en este primer volumen) de los sentimientos entre Touya y Yukito.
Kodansha (2019)
Veredicto final
Cardcaptor Sakura Collector’s Edition volumen 1 es una edición más que necesaria para los fanáticos de la historia y del trabajo de CLAMP, además resulta atractiva para cualquier coleccionista de manga o recién iniciado que planea adentrarse en el subgénero mahō shōjo a través de un clásico en una muy buena versión. La obra es una combinación de calidad de formato, arte de gran nivel potenciado por las características de la edición y una historia divertida que no por ello sacrifica una complejidad pensada para su público. Sin duda, uno termina contando las monedas para adquirir los seis bellos volúmenes.
Puedes encontrar Cardcaptor Sakura Collector’s Edition 1-6 en Ibero Librerías, donde si eres seguidor de Proyecto Sugoi puedes adquirir tus mangas con 20% de descuento.
Kodansha (2019)
Extra
A raíz de esta reseña, la redactora se ha obsesionado un poco con las entrevistas a CLAMP, lo que ha dado como consecuencia que encuentre algunos datos curiosos. Uno de ellos es esta canción llamada Shoujo Jidai de la cantante Hara Yuko, la cual era escuchada por Ohkawa mientras trabajaba en Cardcaptor Sakura. La autora señaló que le inspiraba el ánimo correcto para recordar a su primer amor y escribir su obra. Este mismo tema es el ending número 3 del anime Yawara! que cuenta la historia de una chica que se debate entre su vida como judoka y como chica normal. Altamente recomendable para elevar la nostalgia al nivel dios.

Fuentes de las entrevistas
- Lehmon, T. (2005). Manga: Masters of the Art. Harper Design.
- CLAMP (2001). Card Captor Sakura Memorial Book. Kodansha. Entrevista traducida del japonés por Bell.
- Puff (2000, octubre 1) A Puff Exclusive!? The “I Pressed CLAMP About Their True Intentions ♡” Interview. Puff (Zassosha). Entrevista traducida por Silano Sepiæ.
Ficha Técnica
Editorial: Kodansha
Año de edición: 2019
Páginas: 192
Presentación: Tapa blanda
Peso: 0.75 kg
Ancho: 18cm
Alto: 25 cm
25 octubre, 2020
«Kakegurui»: despertando al monstruo interior
Los niños y los borrachos siempre dicen la verdad… al igual que los locos. Y Yumeko Jabami, protagonista de Kakegurui, no se queda atrás. Con sus excesos y locura, ella cuestionará y desestabilizará la jerarquía de la escuela, y con ello el sistema económico y político del país.
Basado en el manga escrito por Homura Kawamoto e ilustrado por Tōru Nomura, Kakegurui es un anime de estudio MAPPA que se estrenó el 2017. La trama transcurre en la Academia Hyakkaō, lugar donde estudian, en su mayoría, hijos e hijas de políticos y dueños de empresas. En este espacio, el éxito de los alumnos dependerá de su habilidad para las apuestas, con lo cual las mayores probabilidades para triunfar se la llevan los alumnos que forman parte de la élite política y económica.
De esa manera, la estructura social de la escuela imita la estructura jerarquizada de la sociedad: hay un grupo en el poder -el consejo estudiantil- que incentiva a que los alumnos luchen a través de las apuestas por el puesto que ocuparán en la jerarquía social. Con ello, algunos estudiantes pertenecerán al cuerpo estudiantil y otros serán las “mascotas” -grupo explotado, desfavorecido y abusado por los demás-. En esta jerarquía se tiene mayores probabilidades de éxito y capacidad de evadir lo más bajo de la estructura social si se posee holgura económica o se tiene conexiones y poder político.

En este contexto aparecerá Yumeko Jabami, la protagonista de Kakegurui, quien es una apostadaora compulsiva que, junto con Mary Saotome y Ryōta Suzui, desestabilizará las normas de la academia. Con ello, tenemos un anime que presenta la figura del loco que, aunado al tropo de la femme fatale, invita a otros personajes a cuestionar la estructura de la escuela.
Biopoder: las clases sociales en Kakegurui
La estructura social que nos presenta el anime es jerarquizada. En la cúspide se encuentra el consejo estudiantil, con Kirari Momobami a la cabeza, el cual maneja el dinero de la escuela y decide sobre la vida y el futuro de los estudiantes que tienen grandes deudas. Los siguientes en la escala son el cuerpo estudiantil, quienes tratan de mantener su estatus a partir de las apuestas y el uso de conexiones políticas y económicas. Y en la base se encuentran las “mascotas” -llamados “Bobby” (ポチ) o “Minina” (ミケ)-, quienes son objeto de maltrato por parte de los demás estudiantes, y de no poder pagar su deuda al consejo, tendrán que obedecer al “plan de vida” que este les imponga.
Podemos apreciar entonces un control sobre los cuerpos por parte de un grupo con poder, lo cual corresponde al concepto de biopoder.
Desde el primer episodio podemos apreciar, a través de la figura de Mary Saotome, una correlación entre el control de los cuerpos y el poder político. Mary, quien se encuentra en lo más alto de la jerarquía en su salón, reta a Yumeko un juego de “piedra, papel o tijeras”. Para ello, los estudiantes del salón deberán dibujar uno de los tres elementos en una carta. Mary “asegura” a su favor el juego a partir de los favores que le deben sus compañeros -el “cuerpo estudiantil”-.
Asimismo, se aprovecha del sistema de “mascotas”, del cual Ryōta es parte, para asegurarse que una de las tres opciones sea la más dibujada por los demás estudiantes. Con ello podemos ver que Mary es un personaje que, como parte del control político, toma control sobre el cuerpo y las decisiones de las demás personas.
Sin embargo, Yumeko descubre la lógica detrás del juego y el mecanismo por el cual se realiza la trampa, y con ello derrota a Mary, con lo cual esta última cae de lo más alto de la estructura del salón y acaba como “mascota”.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Luego del fracaso de Mary contra Yumeko, con lo cual adquiere la etiqueta de “minina”, vemos cómo sucede lo mismo con Yumeko cuando es derrotada por Yuriko -la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional-. Ante la caída del estatus de Mary y Yumeko, Ryota admite que, en el sistema de “mascotas”, las “mininas” son quienes se llevan la peor parte.
Ejemplo del abuso físico y psicológico que reciben las “mininas” lo podemos encontrar en Nanami Tsubomi, quien es maltratada por Jun Kiwatari y su grupo de amigos ya que la consideran su “juguete”. En el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), el consejo estudiantil crea un evento en el cual las “mascotas” y las personas que deben dinero pueden liquidar sus deudas. Kiwatari aprovechará esta oportunidad para demostrar su poder -en sus palabras, posicionarse como “amo”- y humillar a Mary y Yumeko, para lo cual manipulará a Tsubomi y le dará instrucciones que facilitarán el triunfo de él.
Yumeko y Mary, quienes aprovechan este evento para disminuir su deuda y evitar ser forzadas a casarse con altos funcionarios -siguiendo el “Plan de vida” que les impuso el consejo estudiantil-, se aliarán y serán una inspiración para que Tsubomi invierta los roles. A esta admiración que surge por parte de Tsubomi debe sumársele que Yumeko la convence de que deje su posición de “dominada” y desobedezca las instrucciones de Kiwatari, con lo cual se rebela en su contra.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Por lo tanto, el triunfo sobre Kiwatari, en un arco donde se muestra las jerarquías sociales y el control absoluto sobre los cuerpos más débiles -a tal punto que se les impone con quién deben casarse y tener hijos-, supone un rechazo sobre la concepción del cuerpo de la mujer como objeto de intercambio, el cual está al servicio del matrimonio heterosexual y la reproducción.
Esta posibilidad de rebelión por parte de las clases más desfavorecidas continuará en la segunda temporada, con la aparición de Rei Batsubami. En una competencia por quién obtiene la mayor cantidad de votos para ocupar el puesto de presidente del consejo estudiantil, ella concentrará los votos de los alumnos desfavorecidos o los indecisos. Con ello entrará en competencia y se sublevará contra los miembros del clan Momobami, quienes rebajaron a los Batsubami a ser sirvientes del clan.
La gente tratada como ganado desde que nace nunca se cuestiona el ser tratada así
Rei Batsubami, T. 2 cap. 11
Kirari: ¿Alguna vez pensaste que el comodín pudiera ganar?
Terano: Incluso si lo hiciera, seguiría siendo ganado, que pertenece al clan.
Kirari ¿[Acaso] El comodín no voltea el status quo en su cabeza?
Kirari y Terano, T. 2 cap. 12
No obstante, la rebelión de Rei será momentánea, hasta que es reconocida nuevamente como miembro del clan por parte de Kirari, con lo cual encontramos un límite en este personaje.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Entonces, quienes vemos se llevan el mayor abuso son las “mascotas” y la clase desfavorecida, los cuales deben cumplir con el “Plan de vida” que el consejo estudiantil les impone. Pero también el cuerpo estudiantil es controlado por quienes encabezan este sistema social.
Más allá del “Plan de vida”: luchas de poder y control del cuerpo estudiantil
Hemos visto en el anterior apartado cómo hay un control de los cuerpos por partede la élite hacia las “mascotas”, quienes deben cumplir con un “plan de vida” si es que sus deudas son muy grandes. Dicho “plan de vida” implica la entrega del cuerpo del estudiante a otra persona, sobre todo altos funcionarios. De esta forma, por ejemplo, cuando Mary es “minina” se designa que contraerá matrimonio con un funcionario -llamado Orita-, quien, a pesar de ser un “lolicon”, tiene garantizado el puesto de Ministro de Educación. Incluso el plan prevé cuántos hijos tendrá y cómo vivirá en ese matrimonio.
Otro ejemplo del control del cuerpo como una forma de castigo y dominio absoluto lo podemos apreciar en la apuesta entre la idol Yumemi Yumemite, quien forma parte del consejo, y Yumeko. Si la primera triunfa, tendrá el “Plan de vida” de la última. Ambas serán idols (1), pero Yumeko obligará a Yumeko a acostarse con ejecutivos y actuar en la industria pornográfica. De esta manera, Yumemi usaría el cuerpo de Yumeko como una moneda de intercambio.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Pero el dominio de la élite sobre los estudiantes se puede ver en pequeños detalles que nos presenta el anime, como en el tercer capítulo (“Mujer de ojos rasgados”). En este, Yumeko compite contra Yuriko Nishinotōuin, la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional. La primera se percata que todas las integrantes del club tienen perforaciones en las manos, las cuales le permiten a la presidenta hacer trampa en la partida de “Vida o muerte”.
Esto demuestra que la mayoría de los estudiantes o viven con la ilusión de ser independientes y tener poder dentro de la escuela -como Kiwatari-, o algunos voluntariamente obedecen a la élite -aunque eso signifique entregar sus cuerpos- para sobrevivir en el sistema y no caer en lo más bajo del sistema (2).
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Finalmente, podemos encontrar también una lucha por el control de los cuerpos dentro de la misma élite, a partir del personaje de Kaede Manyuda, tesorero del consejo. Él considera que “sacrificio” de las otras chicas es un “bien necesario” para poder él escalar en la jerarquía de poder. De esta forma, el sistema lo ha hecho creer que las personas que no pueden seguir avanzando en esta jerarquía no son iguales a él ~~¿alguien dijo “el pobre es pobre porque quiere”?~~. Entonces, Manyuda no es capaz de ver a los demás, incluyendo a los miembros del consejo que perdieron contra Yumeko, como sus iguales:
Yumeko: ¿Estás diciendo que Sumeragi es incompetente? ¿Quién eres tú para decir eso? Pero aunque fuera verdad, ¿por qué justificaría que abandone su ambición?
Yumeko a Manyuda, T. 1, cap. 10
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Sensual (y sucio) dinero: poder político y económico
Se ha dicho que la principal fuente del poder político por parte del consejo estudiantil viene del dinero que manejan. Asimismo, los alumnos que tienen mayor cantidad de dinero son los que menos probabilidad tienen de caer en el estatus de “mascota”. Ejemplo de este vínculo entre poder político y económico lo podemos apreciar en la figura de Itsuki Sumeragi, quien es parte del consejo estudiantil e hija del dueño de la fábrica de juguetes más importante de Japón.
El poder económico trae consigo poder político. Muchos estudiantes son familiares de empresarios y líderes políticos. Y en un contexto donde la posición social en la escuela se basa en las apuestas, no basta ser un jugador habilidoso para no sufrirán opresión; esta debe ir de la mano con el acceso al capital. Así, los alumnos que donen la mayor cantidad de dinero al consejo y puedan apostar sumas mayores son quienes se ubicarán en un mejor rango.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Son, entonces, quienes tienen control sobre los medios de producción los que tienen poder político y económico. Este control sobre la producción le permitirá a Sumeragi producir una línea de cartas que le beneficie en sus apuestas, lo cual suplirá, parcialmente, la falta de “habilidad” de Sumeragi para las apuestas. Esta excesiva confianza que tiene sobre el poder que le traen las tecnologías y el control de los medios de producción es lo que la llevará a perder contra Yumeko en un juego de memoria (3).
Y si bien Sumeragi luego apoyará a Yumeko en su plan por enfrentar a la presidenta del consejo, esto lo hace solamente para volver a tener poder, ya que su padre le dio la instrucción de entrar en este para tener contacto con los grupos que controlan la política y las finanzas. Quizás la mayor transgresión que realiza este personaje es ir en contra del “plan de vida” y proponerle a Manyuda liberarse de este.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Por lo tanto, en este contexto donde las personas que tienen conexiones y controlan los medios de producción son quienes tienen poder político y económico, surgirán aquellos que buscan rebelarse contra el sistema. Esto lo podemos apreciar en Mary Saotome, quien rechaza el puesto en el consejo estudiantil cuando logra liquidar su deuda:
Es su sistema, y dentro de ese sistema ganaré y perderé. Cuando pienso cómo me controlan, se me agita la sangre y quiero vomitar. ¿Estoy de acuerdo con esto?
Mary Saotome, T.1 cap. 6
Asimismo, en la misma posición se encuentra Yumeko Jabami, quien encarna la figura del jugador compulsivo. Alguien que se dejó llevar por el exceso y la locura, y quien podrá traer el cambio en esta estructura social.
El elogio de la locura (en versión anime):
Yumeko Jabami -la mujer tentadora, la jugadora compulsiva-, desde el primer día de escuela revela las fisuras en el sistema y lo desestabiliza.
La locura es la esencia de las apuestas. En una sociedad capitalista, el dinero y la vida son la misma cosa. Ningún cuerdo confiaría su vida a la fortuna. Y sin embargo, los casinos están llenos de gente que obtiene placer de la locura de arriesgar sus vidas. En ese caso, cuanto más loco estás, más disfrutas las apuestas
Yumeko, T. 1 cap. 1
Ella encuentra una correspondencia con la figura del loco o del bufón, concepto rescatado de Mijaíl Bajtín en sus estudios sobre la literatura medieval. Esta surge en el contexto del carnaval, donde las jerarquías sociales se subvierten y el pueblo -especialmente el bufón- puede confrontar al rey o autoridad.
La relación del anime con el carnaval se ve reflejada con las imágenes del opening~~, el cual es una genialidad~~. Con una estética sobrecargada, este nos muestra un festín lleno de alimentos y excesos (4). Estos excesos también se presentarán en el anime a partir de la exagerada gesticulación de los personajes en momentos de placer, soberbia, ira o frustración:

Un festín lleno de voluptuosidad y excesos
Entonces, la posición de bufón que ocupa Yumeko le permite hablar de manera franca y directa contra su oponente -la mayoría, personas que pertenecen a la élite de la escuela-, insultar a su contrincante y bromearle. Esta suerte de discurso inconexo, atributo que se le permite al loco, permitirá finalmente quebrar a su oponente.
Además, Yumeko representa la imagen de la mujer tentadora, una femme fatale que invita a que los demás personajes vayan en contra de la racionalidad y las normas. La femme fatale en la literatura es una figura cargada de sexualidad, quien subvierte el sistema y las normas (5). Si bien originalmente provoca la caída y la locura de los personajes masculinos, también lo puede lograr en los personajes femeninos, especialmente hacia la figura del “ángel del hogar”.
Ello sepuede apreciar, nuevamente, en el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), donde Yumeko es una femme fatale o mujer tentadora ante Tsubomi, quien representaría a la “mujer ángel”. La “seduce” e incita se rebele contra la figura de autoridad, en este caso masculina. Algunas imágenes que confirman esta «seducción” por parte de Yumeko son las constantes escenas de tensión lésbica que tiene con Mary o incluso con la misma Tsubomi:
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Incluso podemos apreciar momentos en los que «seduce» tanto a personajes femeninos como masculinos, como a Itsuki, Ryōta, Manyuda o Rei:
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Y no solo Yumeko será construida como femme fatale. Kirari Momobami, como antagonista y personaje que se contrapone de manera directa a Yumeko, también presentará una tensión lésbica con Sayaka Igarashi y, en momentos, con Mary Saotome:
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Por lo tanto, todo esto nos confirmaría en Kakegurui un triunfo de la femme fatale, y con ello de la “irracionalidad”. Asimismo, se trata de un triunfo de lo sensorial, los sentidos y el deseo, lo cual va en contra del “orden social” que, por un lado, genera una jerarquización entre los sujetos, y por otro, oprime los cuerpos mediante diferentes mecanismos (sumisión de las “mascotas” y el “plan de vida”) (6).
Conclusiones
En conclusión, tanto la primera como la segunda temporada de Kakegurui nos propone una crítica a las jerarquías sociales y una desestructuración de esta. Coloca en primer plano quiénes son los que hacen uso del poder y los mecanismos por los cuales lo obtienen. No se trata de un sistema justo; por el contrario, sus integrantes no se consideran entre sí como iguales ni poseen las mismas oportunidades para escalar y ejercer el poder.
Si bien algunos personajes retoman la posición perdida -como Rei Batsubami-, otros desean mantener su posición política para verse beneficiados a futuro -como Itsuki Sumeragi, Yumemi Yumemite o Yuriko Nishinotōuin-. Será en este contexto donde las figuras de Mary Saotome y Yumeko Jabami lucharán por desestabilizar al sistema y el poder, quizás en vista de proponer algo nuevo.
¿Qué cambios, tretas y apuestas veremos en las siguientes temporadas?
NOTAS:
(1) En la segunda temporada vemos una propuesta interesante que confronta la concepción de las idols y las actrices occidentales. Natari Warakubami es una actriz que tiene talento, pero oculta sus sentimientos. Ella critica a Yumemi, quien no puede controlar ni ocultar sus sentimientos. Y si bien no tiene el talento innato que posee Natari, ha realizado un gran esfuerzo para lograr su meta. Además, es gracias al apoyo de su manager y sus fans que ha logrado triunfar. Se trata, entonces, de un enfrentamiento entre la idea del “genio” Occidental y la del trabajo en equipo en Japón.
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
(2) En ese sentido, también es interesante cómo Yuriko desea mantener su puesto en el consejo estudiantil para mantener a salvo a las integrantes del club. Tanto ella como las demás integrantes saben las ventajas que trae ser parte de dicha élite, por lo cual son capaces de hacer múltiples sacrificios y adaptarse a las normas del sistema sin cuestionarlo. Esto se condice con un proceso de inversión, según Teresa de Lauretis.
(3) El castigo de Sumeragi, quien se arranca las uñas y debe sufrir dolor en sus manos por cada pequeño movimiento que realice, también se condice con el sufrimiento físico que padecen los obreros. El cuidado de las manos y las uñas por parte de Sumeragi acentúa su posición como alguien de la élite, mientras que el trabajo físico y el maltrato del cuerpo y las manos se vincula a la clase obrera. Entonces, la derrota de Sumeragi, quien se arranca las uñas, simboliza la pérdida de su estatus; deja su puesto en el comité y debe vivir bajo las reglas del cuerpo estudiantil.
(4) La imagen del festín y los excesos que se dan en este (gula, lujuria codicia, pereza, entre otros), es típica en el imaginario medieval. Esto lo aborda Bajtín en su análisis sobre la obra y las ilustraciones del Gargantúa y Pantagruel de François Rabelais.
(5) Autoras como Gilbert y Gubar señalan, a partir de la representación de los personajes femeninos en la literatura del siglo XIX, que la femme fatale representa una amenaza contra el poder patriarcal, ya que es lo diametralmente opuesto al ideal de la mujer pura, sumisa y con una sexualidad vinculada exclusivamente a la reproducción.
(6) Algo parecido podemos ver en la obra del Marqués de Sade, especialmente en las 120 jornadas de Sodoma o la escuela del libertinaje. En ella, Sade propone que las personas que sobreviven a los abusos del sistema son aquellos que se entregan a la irracionalidad y la locura. En el caso de sus personajes femeninos, son aquellas que abandonan las normas del recato y la “virtud”, símbolos de lo “civilizado”.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Bajtín, Mijaíl. 2003. La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. Madrid: Alianza Editorial. Consulta: 16 de setiembre de 2020. <https://ayciiunr.files.wordpress.com/2014/08/bajtin-mijail-la-cultura-popular-en-la-edad-media-y-el-renacimiento-rabelais.pdf>
Foucault, Michel. 2008. Historia de la sexualidad. 1. La voluntad del saber. Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores.
Gilbert, Sandra y Susan Gubar. 1998. La loca del desván: la escritora y la imaginación literaria del siglo XIX. Madrid: Ediciones Cátedra. <https://books.google.com.pe/books?id=WL7oMQ-p7DkC&pg=PA6&hl=es&source=gbs_toc_r&cad=4#v=onepage&q&f=false>
González-Linares, Mario. 2016. «Bajtín, Rabelais y el cuerpo grotesco». Amberes. Revista Cultural.
http://amberesrevista.com/bajtin-rabelais-y-el-cuerpo-grotesco/
Lauretis, Teresa de. 1987. Technologies of gender. Bloomington: Indiana University Press.
Marx, Karl. s/a. El capital. Tomo 1. En: Librodot.com.Consulta: 16 de setiembre de 2020. <http://biblio3.url.edu.gt/Libros/CAPTOM1.pdf>
¿Te gustó Kakegurui, la locura y la imagen de la femme fatale? Te recomendamos algunas obras literarias:
Pizarnik, Alejandra. La condesa sangrienta.
Sade, Marqués de. 120 jornadas de Sodoma o la escuela del libertinaje.
11 octubre, 2020