Hace dos semana ha llegado a Netflix, un spin off ,de uno de los animes más aclamados de todos los tiempos, JoJo´s Bizarre Adventure, titulado, Thus Spoke Kishibe Rohan y sinceramente estuve un poco desanimada al verlo ya que es la historia de la cuarta temporada de la franquicia del controvertido y extraordinario mangaka, Hirohiko Araki, titulada ¨Diamond Is Unbreakable¨ pero bueno. Es Jojo´s pues, debo darle una oportunidad y no puedo dejar de verlo para realizar un análisis veraz , a parte, al ser fan de esta saga, los estándares estarán altos.
episodios 1
No tenía en mente que la cuarta temporada de Jojo´s se basaba en crímenes sin resolver y mucho misterio, lo que hace más jugosa esta historia y la cereza que corona el vaso es que el protagonista es el mismo mangaka, sí, Araki, ha comentado en varias oportunidades que Kishibe Rohan, es su personificación en un personaje de papel.
Ya con eso tenemos varios puntos ganados para que le des una oportunidad, este spin off es publicado por la revista Weekly Shonen Jump, además el primer volumen fue el 68° volumen de manga más vendido de 2014 en Japón y fue bien recibido por los críticos. La historia fue llevada a la pantalla chica acertadamente por el estudio David Production, que ha realizado toda la saga de Jojo´s desde su primera temporada.
Cover de la primera edición de Kishibe Rohan wa Ugokanai
La trama se basa en historias de misterios que Rohan Kishibe , va contando a diversas personas en la mesa de un café en la ciudad de Morioh, Japón, donde se desarrolla la historia de la temporada a la cual pertenece el personaje. Rohan es un mangaka famoso en esa ciudad, que es capaz de viajar miles de kilómetros con tal de encontrar inspiración para sus historias de papel y pluma. Nada alejado de la realidad con ,Araki, que viajó por varios años a Italia para poder crear la saga de Vento Aurio de Jojo´s.
Parte del trailer oficial: Thus Spoke Kishibe Rohan
Es en estos 4 capítulos de la OVA que los episodios son círculos, se inicia y el misterio se resuelve en el mismo episodio. Lo cual es gratificante para los que sufrimos de ansiedad con tantas historias que uno ve actualmente. Existen guiños, para los fanáticos de JoJo´s reconfortantes, como en el primer episodio que nuestro prota viaja a Italia para desarrollar un manga, obvio que es una confirmación de que el mismo Araki viajó a Italia ha desarrollar su quinta temporada.
La estética y la animación de David Production, sigue intacta, siendo fiel a sus predecesoras adaptaciones del manga. Las historias son frescas, además de incluir algunos personajillos de la cuarta temporada. El ritmo y la cadencia para el desarrollo de los hechos es de menos a más lo cual logra captar la atención de espectador.
Como conclusión puedo comentar que este spin off cumple con su cometido y más, así no seas seguidor de la saga de los herederos Joestar, estoy segura que Thus Spoke Kishibe Rohan gustará a muchos.
Hace más de un mes me sorprendí al ver en la barra ¨recomendaciones¨ de Netflix el afiche de Food Wars. Sinceramente, revisé el título hace tiempo por un ranking de animes que tuve que evaluar en el 2019. Y para qué… ¡Me llamó la atención! Pero no soy tan fan del género ecchi, así que no lo volví a ver después de mucho tiempo.
Sin embargo, tenerlo disponible, en una plataforma tan cómoda como Netflix, me dio el ímpetu de darle una segunda oportunidad. Y ¡chan!, quedé enganchada. Partamos por el género y la trama . Si te gusta la comida y has visto todas las temporadas de Master Chef disponibles, este anime te va a encantar, y si te gusta comer, ni que decir… Bueno, yo soy una amante de la comida asiática y la comida en general, por ello no puede dejar de revisar el título. Mientras van pasando los capítulos te va gustando más la trama por el tema educativo y artístico de la maestría culinaria que puedes encontrar en un sencillo dibujo animado. Creo que eso es parte del encanto de Food Wars.
Yūto Tsukuda nos regala una historia común, pero que funciona si la mezclas con algo tan cautivante como la comida y el placer. El manga toca esos tópicos cada vez que puede y el director, Yoshitomo Yonetani, supo cómo plasmarlo en la adaptación al anime, que comenzó el 2015.
Tenemos a Soma Yukihira, un típico prota , que ingresa a una escuela de ricos. Pero no a cualquier academia, sino a la mejora academia culinaria de Japón. Ahí la cosa se va cocinando lentamente. De por sí el protagonista es el típico pero no llega a hostigarte; por ahí sus personajes secundarios comunes, la verdad, y algunos están de sobra. Pero bueno, un contundente anime escolar debe tener todos los ingredientes para ser del agrado de todo el público.
Es así que Soma , un chico talentoso para la cocina, es enviado a este escuela para convertirse en un gran chef profesional. Acostumbrado a los grandes retos, gracias a su padre –Yohichiro Yukihira, quien es uno de los últimos alumnos destacados de la academia Totsuki-, tiene un gran reto que está dispuesto a alcanzar. En el camino se encontrará tanto con personas que lo menospreciarán, como Erina Nakiri, la chica más adinerada y talentosa de la academia, como con personajes que siempre lo apoyarán como, Megumi Tadakoro, la clásica chica tímida que se enamora del protagonista.
La trama se va volviendo interesante mientras más avanzan los capítulos. Pienso que la adaptación al anime es muy buena, por ello que ha ganado una gran cantidad de admiradores alrededor del mundo. La comida es un arte y el anime también; solo era cuestión de tiempo para que algún mangaka lo fusionará con un toque de ecchi y lo volviera un boom.
No puedo tampoco mentirles y decirles que Food Wars es el mejor anime del 2020 pero si deseas ver una comedia ligera, relajarte y reírte un poco antes de dormir, Food Wars es una excelente opción que puedes encontrar con tan solo apretar el botón de tu control remoto.
«Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:
Izquierda:La portada de la sobrecubierta muestra dos estudiantes y árboles de sakura. No hay rastro de una historia de terror (aunque quién sabe. Solo hay que recordar el videojuego Doki Doki Literature Club!). Derecha: Por otro lado, la contraportada contiene la sinopsis que revela el motor de la trama: la enfermedad del páncreas de Sakura.
La brevedad de las cosas y el «mono no aware»
La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.
El prota es un introvertido ratón de biblioteca(o˘◡˘o)
La prota es una extrovertida ratona de biblioteca (≧◡≦) ambos empiezan a interactuar porque trabajan como encargados ahí.
La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«.Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cualno hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.
Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.
La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo
La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.
Las tres primeras páginas son a todo color. Cortesía de la editorial ECC. Así se puede apreciar que el árbol que suele aparecer es el sakura con su característica flor rosada.
Izquierda: Momento importante donde por primera vez el prota mira a Sakura y el árbol aparece de fondo acompañándola. Derecha: árbol aparece en primer plano. ¿Quizá es el tercer protagonista de la historia? Eso parece querer decirnos el mangaka.
Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.
Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?
El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.
Mientras Sakura en el anime está retratada como una adolescente; en el manga tiene una apariencia más infantil y moe debido al dibujo de los ojos y su corta estatura, . Esto hace que el manga sea aún más sad unu
Lo mismo sucede con el prota: su aspecto es infantil en el manga mientras en el anime parece un escolar de último año de secundaria por las facciones de su rostro y su alta estatura.
Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.
Pero,las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.
En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.
La alegre prota es un contraste con el chico serio de la clase, quien será el único que sepa su secreto y la acompañe hasta el fin de sus días. Se prioriza el uso de líneas delgadas en las comidas y bebidas que aparecen constantemente.
Cubierta original de la editorial japonesa. La edición de ECC Cómics trae ambas versiones: si le sacas la contracubierta se encuentra esta belleza.
Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español
El estilo del gran director Yoshiaki Kawajiri es inconfundible: altos niveles deviolencia gráficay sexual,personajes de ojos rasgados y de hombros anchos, batallas estilizadas y perfectamente coreografiadas, una tenue luz azul cada vez que los personajes se encuentran en la sombra y seres demoníacos con poderes demenciales. Estas son parte de las características esenciales que componen el universo de uno de los mejores y más respetados directores de anime, quien dirigió y escribió en 1993 la película Ninja Scroll. A nivel internacional, esta obra entró en el panteón de las obras más influyentes a inicios de la década de los noventas junto con Akira y Ghost in the Shell, pues apreciada por su destacada animación y escenas de acción, aumentó la popularidad del cine de animación japonés entre el público adulto.
Primera toma: un ninja (shinobi) cruzando un puente de manera tranquila en un día de viento.
Lo interceptan, pero sale intacto al igual que su onigiri.
Ninja Scroll: fuente de la memoria histórica de Japón
El anime es un buen vehículo para preservar y rescatar la memoria histórica del pueblo japonés. En este caso, Ninja Scroll al basarse en una época real es una buena fuente para aprender dos cosas: saber quiénes eran los Tokugawa y los Toyotomi; y conocer más sobre cómo se retratan los shinobi o ninjas cuando se desea ser históricamente preciso. Pero antes, un poco sobre qué va la trama:
El film gira en torno a la lucha de poder entre el shogunato Tokugawa (el gobierno oficial) y el Shogun de la Oscuridad. Éste es un vasallo del clan Toyotomi (anterior gobierno) quien desea restaurar en el mando a sus amos nuevamente. Para ello, se servirá de los 8 demonios de Kimón quienes recolectarán el oro de una mina oculta (no reportada al gobierno) para así poder comprar poderosas armas de España y derrocar a los Tokugawa.
Las cosas se complican cuando Jubei Kibagami, un habilidoso ninja mercenario, es interceptado por un ninja anciano espía del gobierno Tokugawa llamado Dakuan quien lo contrata para derrotar a estos demonios y recolectar información. Las cosas se le complican aún más al enemigo del gobierno cuando se une al dúo Kagero, una kunoichi (ninja mujer) del clan Koga quien tiene un poderoso jutsu (técnica) a base de veneno.
Demonios de Kimón
Hasta aquí tantos datos históricos pueden marear y desalentar a seguir la narrativa. Sin embargo, un punto fuerte de la película es que uno puede hacer caso omiso de todos estos nombres y/o no conocer la parte histórica previamente (no te explican) e igual disfrutar del alto potencial visual y narrativo que ofrece Ninja Scroll mientras estés al tanto de quién pertenece a qué bando. Pero el nivel extra que le añade manejar los datos históricos es valioso para quien desee entender todas las pistas que va dejando el director Kawajiri en el guion y también para aprender un poco más sobre Japón.
Ahora sí: ¿quiénes son los Tokugawa y qué implica que los Toyotomi los quieren sacar del poder?
La película probablemente trascurra a inicios del periodo Edo (1603-1868) donde el clan liderado por Ieyasu Tokugawa marcó el inicio de la ansiada paz en Japón que reinaría por más de 200 años. Aquí hay que recordar una frase que el ninja anciano le dice al mercenario Jubei: “si el oro llega a manos del Shogun de la Oscuridad, serán probablemente lo suficiente poderosos para derrocar al gobierno Tokugawa y sumergir al país en otra guerra civil”.
¿Guerra civil? El anciano está aludiendo al periodo previo en la historia japonesa conocida como Sengoku o Era de los Estados Combatientes (1467-1573) donde Japón se vio inmerso en el episodio más largo y sangriento de toda su historia. Inició aproximadamente en 1467 cuando se creó un vacío en el poder estatal durante el débil reinado del shogunato Ashikaga durante el periodo Muromachi el cual fue aprovechado por diversos clanes y daimyō (señores dueños de tierras) para pelear por el control de Japón, pues el país se encontraba dividido en provincias (kuni) controladas de manera independiente.
En 1573, un importante general llamado Oda Nobunaga disolvió el shogunato Ashikaga y lanzó una política de reunificación de Japón. Tras su asesinato, Hideyoshi Toyotomi subió al poder (este es el clan que en Ninja Scroll quiere restaurar su mandato). Como comenta Mikiso Hane en Breve Historia del Japón:
A Nobunaga le sucedió otro antiguo seguidor. Hideyoshi Toyotomi, un campesino que empezó su carrera como portador de las sandalias de Nobunaga para acabar convirtiéndose en uno de sus mejores generales. Consiguió someter a sus rivales e imponerse en todo el territorio. Fue nombrado regente y canciller por el emperador, pero no pudo llegar a ser shogun porque para entonces ya existía la tradición de designar para tal puesto sólo a descendientes del clan Minamoto.
Mikiso Hane
Es decir, Toyotomi fue un líder militar crucial en la historia japonesa inscrito en la época de la guerra civil, aunque intentó que ésta acabase siguiendo los pasos de Nobunaga al fomentar la unificación de Japón. Cuando Nobunaga y Toyotomi subieron al poder, se creó un nuevo periodo llamado Azuchi-Momoyama (los nombres de los castillos de ambos), pero esto no significó un cambio en la atmósfera del país la cual aún era políticamente inestable. Es recién en 1600 tras la batalla de Sekigahara que Ieyasu Tokugawa asciende y ahora su clan instauraría un nuevo periodo llamado Edo. Pero, ¿cómo era este famoso Toyotomi que invocan en Ninja Scroll?
A pesar de sus orígenes campesinos, en política interior se propuso evitar que este sector provocara más problemas en el futuro. Promulgó un decreto prohibiéndoles abandonar la tierra y les ordenó entregar todas las armas a las autoridades; asentó así las bases de una relación servil que quedaría instituida en los años siguientes, durante la era Tokugawa.
Mikiso Hane
No es muy diferente a los anteriores gobernadores en cuanto a su relación con la población, aunque sí marcó la historia con las bases serviles que comenta el autor. Volviendo a la película, ésta se ubica al inicio de Edo donde Tokugawa estaba logrando una atmósfera de paz que desencadenó, entre varias cosas, el ascenso de una nueva clase social comerciante llamada shonen y también se disparó el tema artístico y cultural donde surgieron varias manifestaciones artísticas como el ukiyo-e. ¿Y cómo era este nuevo líder?
Ieyasu era tan ambicioso y despiadado como cualquier otro daimio. Obedeció a Nobunaga cuando éste le ordenó ejecutar a su propia esposa y obligar a su hijo a hacerse el harakiri. Se jactaba de ser descendiente del clan Minamoto y, tras ser nombrado shogun en 1603, decidió permanecer en Edo, que pasó a ser la sede del gobierno.
Entonces cuando el anciano ninja está preocupado por la misión del Shogun de la Oscuridad, uno puede simpatizar más con la causa de este shinobi, pues implica la vuelta a una era sangrienta e inestable que tanto esfuerzo costó terminar: nada más 100 años aproximadamente. Por ello, ese oro comienza a preocuparle más al espectador dado que los protagonistas están lidiando con el peso de evitar la repetición de su propia historia como japoneses.
El director Yoshiaki Kawajiri
Es uno de los cuatro fundadores del famoso estudio Madhouse junto a Masao Maruyama, Osamu Dezaki y Rintaro. Aquí pudo desarrollar sus películas caracterizadas por un tono oscuro y sangriento, donde las imágenes de violencia gráfica se han vuelto su sello. Entre sus obras se encuentran clásicos como Vampire Hunter D: Bloodlust (2000), Wicked City (1987), Demon City Shinjuku (1988), el segmento “The Running Man” de Neo-Tokio (1987) y el segmento “Programa” de Animatrix (2003).
El mundo ninja a través de los personajes: Kagero, la kunoichi
Kagero del clan Koga, es una ninja con una técnica peculiar. En palabras del ninja anciano: “su jutsu (técnica) es poderoso. Cualquiera que tenga relaciones sexuales con ella, morirá. Una mujer perfecta para este mundo infernal”. El usar su propio cuerpo como arma le ha generado un desapego por la vida y su pulsión de muerte es notada por Jubei. En uno de sus primeros encuentros, él le pregunta si es verdad lo del veneno (el anciano Dakuan le contó) con lo cual ella responde de manera desafiante: “abrázame y lo descubrirás”.
Jubei, ante sorpresa de Kagero, dice calmado: “¿el veneno también retorció tu corazón?”. La reacción de asombro de la protagonista está muy bien lograda por el director Kawajiri, pues transmite un ser bastante solitario quien ha encontrado por primera vez otra persona igual o aún más solitaria que ella y que ha podido descifrar lo que oculta su kokoro. Finalmente, Jubei acaba la conversación diciendo “odio a las personas que no valoran su propia vida” que podría parecer una frase sin sentido para el espectador desatento, pero reafirma de manera sigilosa el profundo entendimiento que se iría desarrollando en pantalla entre ambos. La escena complejiza el personaje de Kagero porque no se convierte solo en el interés romántico del protagonista, sino que logra erigirse como un personaje independiente con dilemas propios.
En la película, los demás personajes no la llaman “shinobi” sino “kunoichi” que quiere decir mujer ninja. Según el investigador Katsuya Yoshimaru, durante el periodo Edo no era común el empleo del término. Por otro lado, la página Ryuhikai menciona que este término es moderno. Esto indica que en la academia parece que existe un debate abierto sobre el tema. También cabe resaltar que el entrenamiento ninja era igual para ambos géneros, pero contaban con ligeras diferencias. Ryuhijai también comenta lo siguiente:
Aunque la belleza y los encantos femeninos eran medios que ayudaban a alcanzar su objetivo, las kunoichi también cargaban consigo armas mortales; teniendo presente que al estar en territorio enemigo no podrían usar espadas o armas de gran tamaño o peso que podrían delatarlas usaban en su lugar abanicos desplegables con cuchillas ocultas, accesorios en el cabello tipo dagas, pequeñas agujas con veneno y pequeñas shuriken, todos estos elementos podrían pasar desapercibidos bajo un kimono.
Al buscar acerca de kunoichis históricas, el nombre que destaca como la más famosa es Chiyome Mochizuki. Hubo rumores de que ella era originalmente del clan ninja de Koga (uno de los más fuertes dentro del mundo shinobi real). Parece que el director Kawajiri hizo su tarea, pues la protagonista de Ninja Scroll era del clan Koga, pero trabajaba con el clan Mochizuki. Es decir, se basó en clanes reales para elegir los nombres.
Jubei, el ninja vagabundo
Poseedor de una gran habilidad con la espada y calma innata, él se autodenomina un vagabundo (ronin ninja) en busca de trabajos que impliquen espiar o asesinar por dinero. Él usa una ninjatō: una espada recta más corta que la katana y por ende más práctica. A diferencia de los samurái que solían portarla en el cinturón, debido a la movilidad que requerían los shinobi, la espada recta era portada en la espalda.
Su pasado está atado a la mina de oro del Shogun de la Oscuridad y por ello se comienza a involucrar más en la misión independientemente de la recompensa monetaria (aunque cabe resaltar que el ninja anciano lo envenenó primero y le dijo que solo si lo ayudaba en este caso, le daría el antídoto. Es decir: trabaja o muere).
Sin embargo, hay una razón extra por la cual Jubei se va involucrando con la misión: la hábil ninja Kagero. Es curioso como Ninja Scroll sabe equilibrar el romance dentro de un mundo cruel y sanguinolento. Su relación inicia con él salvándola de una violación (escena bastante gráfica y fuerte) a manos de uno de los demonios de Kimón. Ella siente que le debe de por vida ese rescate y poco a poco van desarrollando sentimientos el uno por el otro, pero que no son muy claros por las personalidades esquivas de ambos.
El momento cumbre es cuando Kagero se entera que el veneno que se encuentra dentro de Jubei (a causa del shuriken envenenado del anciano ninja) se contrarresta con más veneno. Es decir, tener relaciones sexuales con ella salvaría a su compañero/nakama. Cuando ella se desnuda al frente de él como botín de salvación, Jurei de una manera muy consecuente con su carácter la abraza tiernamente, no se aprovecha de ella y se retira del lugar. Esto desestabiliza a la kunoichi, por supuesto.
Finalmente, el ninja recibe quizá uno de los besos más poéticos del anime mientras ella está al borde de la muerte tras el espadazo que recibió del líder de los demonios de Kimón: ella le dice que fue el primer hombre que no la veía como una mujer ninja (kunoichi), sino como una mujer real (onna). El beso (y bueno parece que sí tuvieron relaciones sexuales) implica la salvación del protagonista a costa de los labios venenosos de la mujer que ama y está muriendo. Ella le extiende su hachimaki (cinta) la cual se la amarra en la frente como símbolo de fuerza motivadora para ahora sí terminar de asesinar a Genma-dono: el demonio inmortal asesino de Kagero.
Dakuan: el anciano ninja
¿Qué nos enseña Dakuan sobre ser ninja aparte de poseer un jutsu increíble que le permite transformarse en madera? Quizá la escena final lo resuma en la frase que le dice a Jubei luego de la batalla: “leer y controlar los corazones de las personas es el verdadero secreto de un ninja. Aún así, solo la verdadera sinceridad puede conmover al corazón humano”. Dakuan está contento porque como espía Tokugawa logró su cometido, pero también es consciente del resultado de sus actos al mover sus hilos para unir a Kagero con Jubei. Por eso es interesante que cierre con la frase: “la combinación de una chica ninja con veneno en las venas y un talentoso lobo solitario funcionó aún mejor de lo que había planeado”.
El mundo shinobi: una imagen ficticia de los ninja en el imaginario popular
Los ninjas o shinobi se consideraron muy activos desde el siglo XV cuando comenzó la gran guerra civil de los samuráis (el periodo Sengoku que se acaba de exponer). Posteriormente, comenta el maestro de ninjutsu Jinichi Kawakami, en la era de Edo, ya con la paz establecida, los shinobis prosiguieron con sus actividades junto con su daimyo. Aquí es donde se instala el film. Es interesante que el director haya optado por un retrato acorde a la realidad del ninja histórico y no se haya dejado llevar por la imagen ficticia instaurada en la cultura popular. Kawakami se pregunta:
Los shinobis no eran guerreros, sino más bien espías y negociadores. Para que nadie se diese cuenta de quién era un shinobi, vestían de forma normal y no con el traje ninja con el que nosotros los identificamos hoy en día. Entonces ¿de dónde viene esta creencia relacionada con el traje negro de los ninja? A finales del siglo XVIII comenzaron a aparecer ninjas en las obras de teatro Kabuki. Normalmente representaban el papel de los personajes malos y se vestían de negro para facilitar el entendimiento de este hecho al público. Este fue el origen de la imagen del ninja con traje negro. A partir de ahí, los ninjas aparecieron en los teatros y novelas bélicas y a menudo se intensificaron sus habilidades hasta llegar a niveles sobrehumanos. De ahí viene nuestra concepción de los ninjas.
El investigador J.M. Collado en su libro “Ninjutsu: Las escuelas tradicionales” alega el mismo origen teatral, pero con un importante cambio (parece que el mundo shinobi tiene varios debates académicos sin resolver):
Pese a la creencia popular, el tradicional traje negro con capucha del ninja del folclore es solamente un concepto popular, derivado de las ropas que empleaban los tramoyistas del teatro kabuki, para confundirse con el fondo de color oscuro. La utilidad de ese ropaje para pasar inadvertido se asimiló sincréticamente como parte del atuendo del ninja en el folclore japonés.
El universo ninja scroll: la serie y la continuación falsa
Una serie de 13 capítulos llamada Ninja Scroll: la serie se estrenó en 2003 también dirigida por Kawajiri. Hay elementos en común con la película, pero es otra narrativa. Vuelve a aparecer Dakuan, el anciano espía del shogunato Tokugawa, y también el clan Kimón de donde provenían los demonios. Por estas y más referencias, algunos la consideran como una continuación aunque no hay un comunicado oficial.
Por otro lado, necesitamos hacerles una advertencia si deciden ver las películas Ninja Resurrection dirigidas por Yasunori Urata: en Estados Unidos se publicitó como la secuela de Ninja Scroll con fines de marketing, pero en realidad es una historia sin relación alguna salvo que el personaje principal se llama Jubei debido a que están basadas en el mismo personaje histórico.
Hasta el día de hoy muchos fans llegan a ella ansiando la anhelada continuación de las aventuras del mercenario ninja solitario Jubei, pero parece que eso no sucederá por lo pronto. Queda recordarlo yéndose por el puente por el que llegó, en busca de un nuevo camino, pero esta vez con la cinta de Kaguro atada a su espada.
Algunos días me despierto llorando sin saber por qué…
Y lo que haya estado soñando nunca lo recuerdo…
Es un sentimiento de pérdida que perdura durante mucho tiempo…
Ese sentimiento me consume desde ese día…
Taki y Mitsuha
Imagen promocional de la película
Kimi no Na wa (君の名は。, ‘Your name’ o ‘Tu nombre’) nos presenta la historia de Mitsuha Miyamizu y Taki Tachibana. La primera es una estudiante de instituto que vive en una pequeña ciudad rural en las montañas de la prefectura de Gifu, llamada también «pueblo de Itomori» (en honor al lago homónimo alrededor del cual se originó). Su padre es el alcalde de su localidad, y no pasa mucho tiempo en casa. Vive junto a su hermana pequeña y su abuela. Es una persona honesta, pero no le gustan las costumbres religiosas de su familia ni que su padre participe en la campaña electoral. Asimismo, lamenta que su vida se vea confinada en el pueblo y sueña con el estilo de vida de un joven Tokiota. Por su parte, Taki es un estudiante de instituto que vive en la capital nipona. Pasa el tiempo con sus amigos y trabaja en un restaurante italiano. Además, parece que le interesa la arquitectura y el dibujo. Un día, Mitsuha tiene un sueño en el que se convierte en Taki. Por su parte, el muchacho también tiene un sueño en el que se convierte en Mitsuha. Ambos viven la experiencia de estudiar y aprender la rutina del otro. ¿Cuál es el secreto que se esconde tras estos (aparentes) sueños? Intentaremos desvelar este misterio a medida que vayamos desarrollando este artículo.
Kimi no Na waempieza con retazos de escenas (o hilos temporales) entrecortados y desordenados sobre la historia que ha de contarnos. Algunos de esos retazos nos muestran a Mitsuha y Taki ya adultos (en el 2021) en sus respectivas rutinas por la capital japonesa. Es en ese transcurrir cotidiano donde conocemos los pensamientos de los protagonistas que (seleccionados de un monólogo entrecortado y montado como un diálogo indirecto entre ambos personajes) fueron transcritos al inicio de este artículo, a través de los cuales conocemos la sensación que tienen en torno a una falta existencial en sus vidas.En ese contexto meditativo comienza el primer opening (o canción llamada así debido a su formato anime) de la película: «Yumetourou», de la banda japonesa RADWIMPS.
Fotograma que aparece en el primer opening de la película
LA HORA MÁGICA
La escena comienza con Mitsuha (de 17 años) repitiendo el nombre de Taki (en ese momento de 14 años), a quien le confiesa su nombre mientras le extiende el lazo rojo con que sujeta las trenzas de su cabellera. Luego despierta y nos damos cuenta de que Taki está en su cuerpo (quien asombrado por este hecho se toca los senos). A los pocos minutos, misteriosamente Mitsuha vuelve a su cuerpo. Mientras mira la televisión, aparece en las noticias un pronóstico astronómico sobre el cometa Tiamat, que pasará por Japón el 4 de octubre de ese año (2013). Mitsuha apaga la tele, desayuna con su abuela (Hitoha) y su hermana (Yotsuha), y luego va con ella a la escuela del pueblo.
Taki despierta en el cuerpo de Mitsuha
Mitsuha ve la noticia sobre el cometa Tiamat
Mitsuha va al instituto de Itomori
En una de las clases de Mitsuha, una profesora está enseñando a los alumnos qué significa ‘crepúsculo’ o ‘Kataware doki’ : “…es cuando no es de día ni de noche. La frontera entre los mundos se desvanece y podemos encontrarnos con algo no humano”. En ese contexto linguístico, otra forma similar de conceptualizar el ocaso nipón la propone Japonismo, blog español especializado en turismo y cultura en el país del sol naciente: “…Es en este momento donde el día se encuentra con la noche y las fronteras entre lo real y lo ficticio se confunden”.
Durante dicha clase, la protagonista parece no prestar atención a la explicación del concepto mencionado porque se distrae cuando ve una nota en su cuaderno que dice: «¿quién eres?», frase que contrasta de forma graciosa y extraña con lo que le dice la profesora cuando la llama para hacerle una pregunta sobre la lección del día: “Veo que hoy si te acuerdas de tu nombre”. Como espectadores, intuimos que esta escena podría ser una prueba más de la extraña conducta que habría tenido la protagonista días atrás, según el testimonio de su familia y sus amigos (Teshigawara y Sayaka), actitudes que no parece recordar; sin embargo, sí declara recordar que siente “como si soñara con la vida de alguien más”, lo que nos lleva a pensar que quizás no recuerda lo sucedido porque en ese momento ella dormía (o “soñaba”) mientras otra persona (Taki) se introducía y tomaba posesión de su cuerpo.
Cuaderno donde Taki le pregunta a Mitsuha: «¿quién eres?»
Profesora explicando el ‘Kataware doki’
SINTOÍSMO Y LOS MIYAMIZU
Como sostiene Aníval Pinto, especialista en la cultura nipona en la Pontificia Universidad Católica del Perú:
Sintoísmo quiere decir “el camino de los dioses” y esta filosofía existe en el Japón desde el siglo VI a.C. No existe una doctrina fija, ni reglas de oración, ni un fundador de la misma, sino que es un conjunto de creencias de adoración y culto a los dioses de la naturaleza y a los ancestros, en donde los creyentes les hacen ritos y altares a los espíritus. Se le podría denominar la religión oficial y nativa de Japón.
[audiograbación de M.J. Campos (Tesis PUCP, 2017)]
El sintoísmo es, entonces, la filosofía y/o doctrina de vida que ha heredado Mitsuha como una Miyamizu, es decir, como descendiente de una familia de sacerdotes y sacedotisas sinto. Aunque ella no está interesada en este culto, prepara junto a la abuela los hilos a usar en la ceremonia (sintoísta) del pueblo. En ese momento, la anciana aprovecha para seguir transmitiendo su sabiduría mística y ancestral: “Escucha la voz de los hilos. Cuando los trenzas así, una y otra vez, comienzan a fluir sentimientos entre tú y el hilo. Entre los hilos entrelazados se cuentan miles de historias de Itomori, escuchen…». En efecto, la abuela le cuenta a su nieta la historia que generó un gran impacto en la memoria del pueblo de Itomori:
El baño del zapatero Mayugoro Yamazaki se incendió y toda esta área se quemó. El altar y viejos documentos se quemaron. El significado de nuestros festivales se perdió, por eso solo quedó la superficie. Pero aunque esas palabras se borraron, la tradición debe seguir. Esa es nuestra labor Miyamizu. Nuestra importante tarea.
A partir de esta cita referente al relato de la abuela de Mitsuha, entendemos porqué el pueblo de Itomori ha olvidado el significado de sus rituales tradicionales. No obstante, como guardianes sintoístas de los mismos, la familia Miyamizu, si bien ha perdido también esa memoria conceptual ancestral, aún conserva el modo como realizar dichos rituales.
Los hilos y el relato deMayugoro
KUCHIKAMISAKE: LA BEBIDA DE LOS DIOSES
Kagura es una antigua ceremonia teatral japonesa en honor a los dioses de la religión sintoísta. Se celebraba habitualmente en el palacio imperial, y consistía en pasos lentos interpretados por sacerdotes, conjuros y danzas culturales y mitológicas. Mitsuha y su hermana menor asumen el papel de mikos (es decir, de sirvientas de un templo sinto) para ejecutar la danza ceremonial y así proceder también con la preparación del Kuchikamisake, un tipo de alcohol a base de arroz producido por un proceso que involucra saliva humana como iniciador de fermentación. En efecto, las chicas producen la bebida sacra con sus salivas y concluyen la ceremonia.
Mitsuha se siente avergonzada de que los chicos que la molestan en la escuela la hayan visto realizando el ritual del Kuchikamisake. Es por esto que antes de volver a casa, la muchacha se para justo debajo del portal del templo Sinto del pueblo y grita con todas sus fuerzas: «odio este pueblo, odio esta vida, quiero ser un chico guapo de Tokio en mi siguiente vida» (una alusión a la idea de «reencarnación» en la que se basa el budismo, otra doctrina oriental emparentada con el sintoísmo). Como fondo musical que culmina esta escena, aparece el segundo opening de la serie: «ZEN ZEN ZENSE», nuevamente de RADWIMPS.
Celebración sintoísta en Itomori (Kagura)
Mitsuha danzando en el papel de miko
Portal sintoísta donde Mitsuha pide el deseo de cambiar de vida
RELATO DE MUSUBI (O UNIÓN EN EL TIEMPO)
Mitsuha amanece dentro de Taki, suceso que ella considera un extraño e increíble sueño, pues será su oportunidad para descubrir —entre días de escuela, deliciosos dulces y arduo trabajo de medio tiempo— cómo es la vida de un joven japonés en la ciudad tokiota. Por su parte, Taki está en el cuerpo de Mitsuha (también cree que está soñando), y así tiene la oportunidad de ir al Goshintai, un cráter —ubicado cerca de Itomori— considerado un santuario sagrado (de la familia Miyamizu) que alberga al Kakuriyo (‘mundo oculto’) y donde reposaría el cuerpo de Musubi. En ese contexto, la anciana le cuenta al protagonista la historia del dios de dicho santuario:
¿Sabes quién es Musubi? es como llamaban al dios local hace mucho tiempo. Significaba unión. Conectar con las personas es una unión, y el pasar del tiempo es una unión. Todo esto es parte del poder del dios, los hilos que trenzamos son un lazo con él, con una parte de él, representan el paso del tiempo mismo, se acomodan y toman forma, se enredan y se retuercen, a veces se desenredan se rompen y se vuelven a conectar. Eso es una unión.
A partir de lo anterior, se nos revela que Musubi es el kami (o dios sinto) del santuario Miyamizu que representa la unión en el tiempo. Al respecto, Brian Bocking, investigador sobre religiones de la Universidad de Lancaster, sostiene que “el sintoísmo moderno interpreta el concepto de musubi como el espíritu del nacimiento, de la armonía, del llegar a ser, del crecimiento”. Por consiguiente, todo lo que hay en la naturaleza sería (o formaría parte de) Musubi: fuerza vital, proceso orgánico de desarrollo, renovación y ocaso. Todo lo que nos llevaría a comprender de forma espiritual el mundo y el universo.
Antes de cruzar el río que antecede a la cueva donde está el altar de Musubi, la abuela dice que luego de cruzarlo entrararán en el mundo oculto donde residen los kami, y que para salir de él se debe dejar algo atrás. Es por esto que Mitsuha (ahora reemplazada por Taki) deja el Kuchikamikase (donde ha dejado una parte de sí misma)como ofrenda al diossinto.
Vista panorámica del cráter Goshintai
Cueva-altar donde reside el kami Musubi
BUSCANDO EL HILO PERDIDO
Taki relata que los sueños de intercambio de cuerpo con la protagonista se van perdiendo, hasta llegar a un punto en el que siente que «le falta algo». En ese contexto, le surge una nostalgia por los recuerdos que tiene de un pueblo en las montañas Hida, a partir de la cual empieza a dibujar todo lo relacionado con ese lugar. No obstante, al no poder más con esa sensación decide buscar el susodicho pueblo. Finalmente lo encuentra, aunque no de la forma que esperaba: hace tres años, Itomori desapareció a causa del impacto de un meteorito. Este evento fue catalogado y registrado como “El accidente de Itomori».
De acuerdo al reporte del incidente, el cometa Tiamat que pasaba por Japón se fragmentó en meteoritos y cayó en Itomori. Esto habría ocurrido el 4 de octubre del 2013 a las 8:42 p.m, justo en la zona donde el pueblo se reunía para el festival de otoño. Como resultado, fallecieron más de quinientas personas. En el registro de víctimas figura la abuela, la hermana y Mitsuha (de 17 años en ese momento). A partir de este descubrimiento,Taki se pregunta si todo lo que pasó fue un sueño y si quizás estuvo hablando con un fantasma.
Ilustración de Itomori creada por Taki a partir de sus recuerdos
Taki descubre que el pueblo de Itomori fue destruido por el cometa Tiamat
DESENREDANDO LOS HILOS
Poco tiempo después de descubrir el incidente de Itomori, Taki empieza a olvidar todo lo relacionado a este. En ese ir y venir de recuerdos, resuena en su mente la voz de la abuela sintoísta hablando sobre los hilos y su conexión con Musubi, lo que a su vez reaviva el recuerdo de Mitsuha. Es por esto que decide volver al Goshintai, para hablar con el kami de la cueva-altar Miyamizu a fin de que le permita volver a conectarse/encontrarse con la protagonista: “Si es verdad que el tiempo se puede desenredar, dame una oportunidad”.
Ya en el interior del reciento sacro, Taki bebe el Kuchikamisake que contiene «la otra mitad de Mitsuha», se resbala, y con su celular alumbra una pared de la cueva donde aparece la pintura rupestre de un cometa (al parecer dividiéndose). Luego de esto es introducido en el hilo de vida de Mitsuha: vislumbra su nascimiento, infancia, hasta el día del incidente del cometa. Entre esas memorias, puede ver cómo ella fue a buscarlo a Tokio en el 2013, escena que a su vez nos conecta con otra donde ella lo encuentra en un tren de la capital y le dice que su nombre era Mitsuha, a la par que le daba el lazo de hilo rojo que Taki conserva desde ese día en una de sus muñecas (que simboliza a su vez el hilo rojo del destino que los une).
Pintura rupestre de cometa en la cueva-altar de Musubi
Taki ingresando a la línea de vida de Mitsuha
HILO ROJO Y COMETA: NUEVAS REVELACIONES
Taki ha vuelvo a ser Mitsuha justo la misma mañana en que ocurrirá el incidente del cometa Tiamat. La abuela sospecha que él no es su nieta. Lo invita a tomar té y le hace una confesión/revelación importante para la trama: “Cuando era pequeña, también tenía sueños muy extraños. […] los sueños eventualmente desaparecen […] yo pase por situaciones similares, al igual que tu madre”.
A partir de lo anterior se establece una doble conexión entre una memoria individual y una memoria colectiva enraizadas en Mitsuha (a la que ahora tiene acceso Taki ya que está dentro de ella).
La memoria individual es la que corresponde al hilo rojo del destino. En ese contexto, todos los miembros de la familia Miyamizu han tenido el privilegio (dado quizá por el kamiMusubi) de poder no solo conocer a su otra mitad destinada, sino de poder intercambiar cuerpos con ellos a través del sueño. Lo que explica, a su vez, porqué Mitsuha (aun si es un fantasma) puede intercambiar su línea de vida cronológica con Taki.
La memoria colectiva es la que corresponde a la heredada a la familia Miyamizu como guardiana/protectora del culto sintoísta. Desde tiempos ancestrales los “brujos” o “chamanes” del antiguos Japón han precedido y visto suceder terribles desgracias. Es posible que alguno de los ancestros más arcaicos de Mitsuha haya vislumbrado el paso del cometa Tiamat hace 1200 años (y la amenaza de que este incidente se repita denuevo, como parte de un ciclo vital), dejando constancia de ello en la cueva (como un registro de memoria “documental”). Asimismo, dicha predicción habría sido transmitida de generación en generación entre los descendientes Miyamizu, hasta llegar finalmente a la protagonista junto con la llegada de su otra mitad destinada. De hecho, es a esta predicción catastrófica a la que llega Taki luego de escuchar a la anciana: “¿Qué pasa si todos los sueños que han tenido los Miyamizu están relacionados con lo que pasara hoy?” Sin embargo, la abuela no le cree (justamente porque ha perdido la memoria sobre la predición del impacto meteorológico), y el protagonista decide ir con los amigos de Mitsuha para junto a ellos prevenir la desgracia.
Fotografías de los ancestros Miyamizu
EL ORIGEN DE ITOMORI
Como se sostiene en la entrada titulada Cometa Tiamat, del blog de Amino, red social favorita de los fanáticos del anime y manga (en su versión en español):
“La principal formación del lago Itomori, fue el resultado de un fragmento del cometa Tiamat que se estrelló en la ciudad 1200 años antes de los eventos de la película Kimi No Na Wa […] Como se indica en la película, Tiamat posee un período orbital de 1200 años, y el cometa ha golpeado la ciudad al menos dos veces (una durante la formación del lago Itomori, otra durante la película el 4 de octubre de 2013). También está implícito, debido al tamaño y la estructura de Goshintai, un gran cráter, cuyo sitio se formó a través de otro fragmento del Tiamat que se estrelló contra el suelo”.
Lo anterior es revelado también por Teshigawara a Taki (en el cuerpo de Mitsuha), gracias a lo cual el protagonista confirma su teoría de que el impacto de hace 1200 años está por repetirse, y ahora deben evitarlo, pues de ello depende la vida del pueblo de Itomori.
Vista panorámica del lago Itomori que da origen a la ciudad rural homónima
(RE) ENCUENTRO MÁGICO
Taki y Mitsuha cruzan sus caminos en el Goshintai, pero no pueden verse ni entrar en contacto, hasta que llega la hora mágica, ya que, como se mencionó anteriormente, esta permite el contacto entre lo humano y lo no humano.
El académico japonés Shinjiro Kitasawa, quien —citando a Hirata, un importante personaje en el sinto— sostiene que “los espíritus de los muertos continúan existiendo en el mundo invisible, que está en todos lados, alrededor nuestro; y luego estos se convierten en dioses de distintas personalidades y niveles de influencia…continuando en brindar servicio a las personas”. A partir de lo anterior, es posible pensar que Mitsuha pudo haberse convertido en un kami (es decir, un espíritu cercano a la divinidad y de origen humano) que estaría encargado de proteger el santuario de Musubi, a fin de no perder lo que queda de su culto. Por consiguiente, y dado que su existencia está anclada al mundo invisible (kakuriyo), Taki solo es capaz de verla cuando la frontera entre el mundo humano y el mundo de los kamis se rompe con la hora mágica. Asimismo, esto explicaría porqué si bien Mitsuha pudo intercambiar cuerpo con Taki gracias al Kuchikamisake, una vez pasado el tiempo de intercambio no tendría un cuerpo propio «vivo» al que volver, razón por la que seguiría siendo un espíritua menos que esa misma noche cambie el destino de Itomori.
Taki le devuelve a Mitsuha el lazo rojo que le dio tres años atrás, y le propone escribir sus nombres mutuamente en la mano del otro para no olvidarlos. No obstante, cuando la muchacha esta por escribir el suyo desaparece, pues ha desaparecido también la hora mágica. Triste pero decidido, Taki le promete: “Solo quería decirte que donde sea que estés en el mundo, te voy a volver a encontrar, pase lo que pase”. No obstante, pocos segundos después empieza a olvidar el nombre de su amada, ante lo cual termina con la desesperada pregunta ¿Cuál es tu nombre?, momento en el que empieza, a su vez, a resonar la lírica del opening número tres: «Sparkle», de Radwimps.
Taki y Mitsuha se (re)encuentran en la hora mágica (Kataware doki)
El INEVITABLE IMPACTO DEL COMETA
Mitsuha ha vuelto (a su cuerpo) tres años atrás en Itomori, pero poco a poco va olvidando a Taki. No obstante, la caída que tuvo mientras corría por la carretera le permite ver su mano, donde el joven escribió “te amo”,frase que es inútil para que Mitsuha recuerde su nombre, pero que le ayuda a mantener el recuerdo de un amor perenne que la motive a buscarlo (pues muchas veces un nombre propio no queda en la memoria, a diferencia de un sentimiento con mucho significado simbólico como el amor). No obstante, parece que a pesar de sus esfuerzos la protagonista no pudo evitar el impacto del cometa.
Escena (montaje) donde recordamos como Mitsuha y Taki ven el paso del cometa Tiamat Fuente: Anime Couple (youtube)
¿FIN DEL AMOR? ¿QUÉ PASÓ CON ITOMORI?
…un cometa destruyó un pueblo en ese desastre, pero milagrosamente la mayoría de los que vivían ahí salieron ilesos. El pueblo estaba teniendo un simulacro ese día, y la mayoría de la gente estuvo fuera de la zona del impacto. No hubo muertos…
A partir de la cita anterior, extraída de un monólogo que hace un Taki adulto, descubrimos que valió la pena que el protagonista volviera a conectarse con Mitsuha, puesto que, si bien con ello no pudo evitar que el cometa Tiamat vuelva a destruir Itomori, los pobladores de dicha localidad lograron salir sanos y salvos del terrible incidente (lo que incluye, por supuesto, a la protagonista).
En este punto de la trama empieza a sonar «Nandemonaiya», de RADWIMPS (canción que será reutilizada como ending de la película), como acompañamiento musical de las escenas que aluden al transcurrir de las estaciones en la ciudad de Tokio: desde la primavera, representada por las flores de Cerezo (o Sakuras), hasta el invierno, representado por los copos de nieve (o Yuki) que caen sobre los grandes edificios de la urbe capitalina. En ese contexto, vemos a un taki de 22 años que acude a diversas entrevistas de trabajo, a la par que lo acompaña un mismo sentimiento de vacío existencial similar al que lo aqueja al inicio de la película, pero esta vez relacionado al recuerdo de Itomori: “el paisaje de un pueblo que ya no existe, ¿por qué siento una opresión en el pecho solo de verlo?”
Pétalos de flores de Cerezo (Sakuras): símbolo de la primavera
Copos de nieve (Yuki): símbolo del invierno
Fotogramas sobre el paso de las estaciones del año en la ciudad de Tokio
Finalmente, aparece la escena más conmovedora y suscitante del clímax final de esta historia: Taki y Mitsuha reconocen sus rostros a través de las ventanas de sus respectivos trenes, pero no pueden evitar ser separados por la velocidad de los vehículos que van en direcciones opuestas. Apenas llegan a sus destinos, aceleran en mutua búsqueda y se encuentran en una escalera con barandillas rojas (curioso color que nos recuerda al hilo rojo del destino) que (en el Tokio real) desembocan en el santuario de Suga. Ambos son tímidos y parece que seguirán de largo. No obstante, Taki inicia el diálogo, y al unísono ambos hacen la pregunta que da origen a la trama de la película: «¿PUEDO SABER TU NOMBRE?«
Taki y Mitsuha finalmente se (re)encuentran en la escalera del santuario Suga
CONCLUSIÓN
Como buena película sobre amor, destino y memoria, Kimi no Na wa contempla una narrativa verbal, visual y sonora que se articula bellamente en un universo místico, único y original. En ese sentido, si bien algunas escenas cronológicas quedaron inconclusas o inexplicadas, resolverlas no sería lo más importante, dado que quizás el mismo director (Makoto Shinkai) pudo haber dejado esos vacíos a propósito para acentuar la metáfora de los hilos de tiempo que se pierden y articulan contínuamente, hilos que además nosotros como lectores podríamos completar mentalmente a partir de las sugerencias místicas que nos ha dejado esta peculiar e inolvidable trama.
Imagen icónica y favorita de los fans de Kimi no Na wa
ANÁLISIS EXTRA
TRES GRANDES DESASTRES EN LA HISTORIA DE JAPÓN
En la película se narran algunos desastres naturales o artificiales que a su vez hacen referencia a eventos trágicos reales en la historia de Japón. Uno de estos es, por ejemplo, el Gran incendio de Mayugoro, el cual sería una alusión ficticia al Gran incendio de Meireki, que destruyó entre el 60 y el 70 % de la capital japonesa de Edo (hoy Tokio) el 2 de marzo de 1657. Por otro lado, los meteoritos (derivados del cometa Tiamat) que caen sobre el pueblo de Itomori representarían la caída de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki durante la segunda guerra mundial. Asimismo, podrían representar el terremoto y Tsunami que sufrió el país nipón en el 2011, dada la cercanía cronológica con el estreno de la película (en 2016), el tipo de impacto (movieron la zona terrestre y acuática) y el uso de un pronóstico meteorológico con el cual los desastres naturales reales aludidos pueden ser captados y, en teoría, evitados o reducidos en su impacto.
El Gran incendio de Meireki (1657)
Bombas atómicas en Japón (1945)
Terremoto y Tsunami en Japón (2011)
KIMI NO NA WA Y LA MEMORIA EN LA PERCEPCIÓN JAPONESA
En una entrevista publicada en el diario Los Angeles Times en 1991, el famoso director tokiota Akira Kurosawa le comenta al escritor colombiano García Márquez que los japoneses de la posguerra han olvidado o no están interesados en hablar directamente de eventos traumáticos de su historia nacional como, por ejemplo, la caída de las bombas atómicas durante la segunda guerra mundial. Como resultado, existe una larga cronología animada en el país del sol naciente (especialmente la referida a la ciencia-ficción) cuya base es el tópico de la constante amenaza de un “tercer impacto” que destruye el mundo (empezando, en muchos casos, por la destrucción de Japón). En ese contexto, Kimi no Na wa es una película propicia para que la sociedad nipona contemporánea se anime a reencontrarse y reconciliarse con los hilos de su propia memoria histórica y colectiva, a través de una conmovedora y admirable historia de amor que, no obstante, está vinculada a su propia herencia mística oriunda, así como a todas las fracturas sufridas por diversas tragedias naturales o artificiales que no han podido acabar con su espíritu de lucha por seguir viviendo unidos en ese interface aún conflictuado entre la tradición y la modernidad; unidos, por qué no, más allá de los límites del tiempo y el espacio.
Barrio de Shibuya en Tokio, Japón Fuente: Taiken Japan
NOTAS
Mitsuha (三葉) significa ‘tres hojas’. El nombre de la abuela de la protagonista significa ‘una hoja’; la madre, ‘dos hojas’; y la hermana menor, ‘cuatro hojas’. El apellido Miyamizu (宮水) significa ‘agua del santuario’.
Si quieren revisar con lujo de detalle todos los escenarios urbanos y naturales aludidos en la película, visiten la página de Japonismo que dejaré en las fuentes bibliográficas.
Las 4canciones u openings/endings de Kimi no Na wa cuentan la historia en un lenguaje musical muy bien vinculado/unido a la trama audiovisual. Para revisar un análisis muy bueno al respecto, acceder al siguiente link: https://www.youtube.com/watch?v=WYkT_5jT0yU&t=179s
¿TE GUSTÓ ESTE ARTÍCULO? PUEDES CONSULTAR LAS FUENTES AQUÍ:
Campos Runcie, María-José Carmen. «El símbolo en la animación: el árbol en las películas de Hayao Miyazaki (Tesis de licenciatura).» Recuperada de http://tesis. pucp. edu. pe/repositorio/handle/123456789/8525 (2017).
DESINFORMEMONOS
La entrevista de Gabriel García Márquez a Akira Kurosawa. Consulta: 11 de junio de 2020.
Era la década del 60 y, según Joon Yang Kim, los estudios de animación surcoreanos empezaron a ser subcontratados por la industria del anime para participar en la animación de las historias que eran provistas por Japón. Sin embargo, Sawada Yukari señala que en los años 80, los nombres de los animadores eran reemplazados por nombres japoneses en los créditos, lo que no cambió hasta la mitad de la década del 90. El primero de abril de este año, se estrenó Tower of God y el primer crédito en solitario que se vio en la pantalla durante el opening, reservado para los nombres más importantes en la producción, fue el de SIU, el autor surcoreano del comic en el que está basado el nuevo anime, realizado por Telecom Animation Film, un estudio japonés. Esto, señoras y señores, es el fenómeno webtoon y su entrada a la animación japonesa.
Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company.
Eto…¿qué es el webtoon?
La palabra webtoon proviene de la unión de web y cartoon, así que podría traducirse como historieta para web. No obstante, para los recién iniciados, es importante entender que no cualquier cómic publicado en internet puede ser considerado un webtoon, ya que más allá de su soporte de difusión, se trata de un formato de origen surcoreano que tiene ciertas características que parten de su concepción para ser consumidos en dispositivos digitales, especialmente, smartphones. En ese sentido, hay varios rasgos que los diferencian de nuestros amados mangas, como el hecho de que se basan en la lógica del scrolling vertical, es decir, el desplazamiento de arriba abajo que es propio, por ejemplo, de la lectura de páginas web como está que están revisando. De esta manera, los autores tienen un lienzo casi infinito donde se disponen las imágenes y los textos que tampoco siguen la distribución de viñetas tradicional. En Corea del Sur, es muy común la snack culture que, de acuerdo con Ah-young Chung, se refiere a lo siguiente:
Consumir información y contenidos culturales en un corto tiempo en lugar de involucrarse en una lectura profunda
Fuente: Benoit Travers
De este modo, los webtoon se caracterizan por tener poco texto y las imágenes, que son el elemento predominante, se encuentran bastante separadas en el espacio blanco lo que permite una lectura descansada, sencilla y rápida de izquierda a derecha (otra diferencia importante) que puedes hacer mientras esperas a tus chingu, tu oppa o tu noona bajo tu árbol de sakura preferido. Un punto muy importante es que debido a que se trata de un contenido digital, el gasto de impresión ya no impide que los gráficos sean a color e, incluso, pueden incluir otros efectos como animaciones simples o música que puedes disfrutar mientras lees. Actualmente, este formato cuenta con gran popularidad a nivel mundial, pero ¿cómo empezó todo esto?
Acompáñenme a ver esta triste y luego feliz historia
Cuando se anunció el anime de Tower of God, además de webtoon, se mencionó otra palabra para referirse al material fuente en el que está basada la historia y esa era manhwa, el nombre con el que se le conoce al cómic de Corea del Sur (independientemente de si es impreso o digital) y que se considera el antecesor de la historieta web. Su camino de evolución fue complejo a causa de muchas circunstancias históricas que incluyen a la anexión de los territorios coreanos por parte de Japón, la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea así como la competencia en el mercado surcoreano del cómic con el manga.
Carcicatura de Lee Do Yeong. Fuente: parkseokhwang.com
Posters de exhibición de Park Ki-jeong. Fuente: Korea Manhwa Museum
Era 1945, la ocupación japonesa llegaba a su fin, así que finalmente el manhwa podría retomar su desarrollo que tuvo su inicio en 1909 con la primera tira cómica y esta vez estaba apoyado por el gobierno, ya que Paula Fernández señala que se decretó la prohibición de productos culturales japoneses como el manga y el anime (sí, el apocalipsis que todos tememos). En ese sentido, los surcoreanos tendrían que consumir los productos de su industria local, pero como señala Fernández la popularidad de su similar japonés no disminuyó, sino que aumentó debido a que el manga seguía ingresando por el mercado negro en desmedro de la historieta surcoreana. Esta es la parte triste, pero ¿qué ha cambiado desde entonces para que incluso algunos sectores de la industria del manga estén considerando adoptar el formato webtoon?
La década del 90 es clave, pues en primer lugar, Fernández apunta que en 1997 se impuso en Corea del Sur una censura a los contenidos de los cómics en favor de la juventud, así que los autores que querían enfocarse en la crítica social adulta, tratamiento de la violencia o realismo se chocaban con las restricciones al manhwa impreso, así que decidieron migrar a la web. En esos mismos años, la autora señala que el mismo gobierno se enfocó en la expansión, desarrollo y abaratamiento de las telecomunicaciones, así que había una posibilidad de aumento de consumo de contenidos digitales. La autora señala que esta conjunción de circunstancias fue visibilizada por los dos principales monstruos en cuanto a portales de internet en Corea del Sur: Naver, propietaria de Webtoon (con mayúscula pues es el nombre de una de las plataformas para publicar webtoon) y Daum, que luego se fusionó con Kakao Corp. quienes crearon sus secciones para historieta web en 2004 y 2003 respectivamente. A ellos se les sumaría Lezhin Comics en 2013 terminando de formar esta triada principal del poder, aunque los fans saben que hay muchas más plataformas (gratuitas y de paga).
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Daum
Fuente: Daum
Fuente: Lezhin Comics
Fuente: Lezhin Comics
En este periodo, se ubica la primera generación de creadores de webtoon a las que pertenece un estudiante universitario sin educación artística formal que en el 2002 decidió crear su sitio web y un año después publicaría en Daum su trabajo debut, la icónica Love Story, también llamada Hello Schoolgirl. El nombre de ese chico era Kang Full (o Kang Pool) y, de acuerdo con Korea.net, consiguió un récord de 2 millones de visitas en un día.
Es más un Big Bang en la industria del webtoon a través del nacimiento de un genio creador como Kang Pool antes que una expansión gradual de la industria. Kang Pool era tan poderoso. Cuando sea que él actualizó sus series, todo el servidor de internet se volvía inestable.
Entrevistado Z citado en Pyo, Yang y Joon 2019
Fuente: Babelio
Fuente: Daum
Para los fans, es indiscutible que uno de los máximos atractivos del webtoon radica en sus historias que se centran en una amplia variedad de temas transmitiendo mucho a partir de gráficos muy expresivos y la simpleza en la diagramación de la página. Eso ya se encontraba, según Hyung-Gu Lynn, en la cálida y excéntrica comedia de la historia de amor entre un trabajador de cuello blanco y una colegiala en Hello Schoolgirl. El autor apunta a que el formato de esta primera generación se puede definir como diarios pictóricos o ensayos visuales con narrativa episódica y se encuentran ejemplos de esto en otros importantes títulos como Marine Blues, Snow Cat,Pape Popo Memories y Lunapark.
Pape Popo Memories y Marine Blues. Fuente: Kim’s Licensing.
Con este nuevo sistema establecido, nació la segunda generación de autores de webtoon que, además, se vieron beneficiados no sólo con el éxito de sus predecesores, sino con los efectos a largo plazo de un fenómeno con el que los millones de fans de la cultura surcoreana deben estar familiarizados: el hallyu conocido también como korean wave u ola coreana. Paula Fernández explica que desde 1993 el gobierno surcoreano desarrolló un proyecto para exportar la identidad de su país a través de la globalización de sus industrias culturales entre las que se encuentran los K-dramas o el K-pop y, para convertir el plan en una realidad, tenía que apoyarlas. De este modo, Lynn apunta que el estado financia festivales de animación, manhwa (aquí entiéndase como impreso) y webtoon a nivel nacional e internacional, monitorea la piratería, invirtió en la creación de agencias y asociaciones dedicadas al estudio y promoción de contenidos digitales, motivó el desarrollo de departamentos artísticos afines en universidades, creó fondos para estudios en el extranjero, etc. En resumen, participó en la misma apuesta que los creadores y las plataformas, la cual está rindiendo importantes frutos.
Fuente: Group Eight
Fuente: YGEX
Actualmente, Corea del Sur es un uno de los países con la mejor conexión a internet del mundo (prácticamente el cielo para los que estamos haciendo teletrabajo) y el mayor uso de dispositivos digitales. Lynn destaca la alta difusión de su banda ancha y su velocidad así como la mayoritaria posesión de teléfonos inteligentes que no plantean dudas de la popularización del webtoon en su país natal. Korea.net señala que el 80% de surcoreanos leen webtoon en plataformas digitales y estas ya tienen versiones en inglés, chino y otros idiomas, lo que amplifica su audiencia al resto del mundo. ¿Cómo fue en el caso de Tower of God?
Subiendo la Torre o ¿cómo llegamos al anime de Tower of God?
Había una vez un chico llamado Lee Jong Hui, que era como tú y como yo. Había estudiado arte y al igual que muchos muchachos surcoreanos se fue a sus dos años de servicio militar obligatorio (las fanáticas del K-pop que esperan el regreso de sus idols con light stick en mano estarán familiarizadas con ello). Durante esos dos años, Jacob Parker-Dalton señala que Jong Hui tuvo la idea de una historia que decidió publicar a su regreso bajo el pseudónimo de SIU en el Challenge Corner de la plataforma de Naver, Webtoon, pues era un concurso abierto para exponer los comics web de novatos con miras a probar suerte con los lectores. Si conseguía llamar la atención, obtendría la oportunidad de un contrato profesional para una serialización. Era el año 2010 y, como en todo buen shōnen, nuestro héroe perdió esta primera batalla y no ganó el concurso.
Fuente: Naver
No obstante, Lynn menciona que SIU siguió publicando Tower of God durante seis meses sin mucha reacción hasta que recibió el llamado y como en su caso, el 80% de los autores deWebtoon son reclutados por concursos similares en el que se enfrentan a otros cerca de 120 000 aspirantes. La competencia es dura, pero Jane Yeahin Pyo, Minji Jang y Tae-jin Yoon destacan que es una puerta directa para los novatos que, en el caso de Corea del Sur, a veces no suele estar abierta por el sistema de aprendiz/asistente-maestro que se suele seguir para ascender a la publicación de trabajos propios. Del mismo modo, Lynn afirma que, para las plataformas, implica una apuesta sin mucho riesgo, pues se constata la calidad y aceptación de un producto a partir de estas publicaciones piloto. Además, este sistema pone de relieve la importancia del público como factor ya que la publicación en web permite, por un lado, un contacto directo con los seguidores o críticos que se sienten más involucrados con la historia así como con los creadores y, por otro lado, sirve como un punto de retroalimentación constante sobre las preferencias o tendencias. Sin embargo, más allá de ello ¿qué significa conseguir el contrato en realidad?
Fuente: Naver
A nivel económico, Liynn señala que significa un pago mensual por tu obra que se suma a los ingresos por publicidad y a las regalías por el uso de tu título o personaje y si hablamos de cifras reales los artistas top, es decir, con las series más populares y/o la mayor reputación recibían en 2015 entre 5 000 y 6 000 dólares mensuales mientras que la mayoría de los creadores gana entre 1 000 y 3 000 dólares mensuales. Al año, Lynn precisa que en ese año el 7.7% de todos los autores recibe 40 000 dólares y el 47.7%, 10 000 dólares. En este marco, hay que considerar el trabajo demandante que implica cumplir con los deadlines y las demandas editoriales al mismo tiempo que se trata de mantener la calidad, el público y la vida propia. Adicionalmente, Paula Fernández señala que el 7.7% son los que pueden llevar una vida verdaderamente cómoda con sus ganancias considerando el costo de vida en Corea del Sur. Entonces, ¿todo es horrible? No se trata de eso, pero es una realidad que hay que considerar y que de seguro experimentó SIU cuyo trabajo, Tower of God, es uno de los máximos éxitos de la plataforma Webtoon que aún publica religiosamente un episodio de su obra cada lunes, pero por el que también obtiene una ganancia. Ahora bien, siguiendo con su historia, es momento de pasar a la siguiente parte: el OSMU.
One source, multiple use.
A partir de los webtoon (historias y personajes) Wonho Jang y Jung Eun Song establecen que se han producido toda una serie de productos culturales que incluyen películas, dramas, musicales o juegos online.Hacer una lista parece interminable, pero Ji Hoon Park, Jeehyun Lee y Yongsuk Lee destaca los éxitos en audiencia de los dramas Misaeng (2014) y Cheese in the trap (2016), adaptaciones de las obras de Yoon Tae-ho (Daum), y Soonkki, (Webtoon), respectivamente. El procedimiento para que estos productos audiovisuales y Tower of God se realizaran fue más o menos así considerando la información disponible sobre la industria del K-drama. Lee, Park y Lee describen que lo central para las productoras son los guiones (una verdad universal, amigos) y es difícil encontrar buenos escritores sin arriesgar, por eso prefieren adaptar webtoons que demuestran calidad y popularidad que además es un extra para convencer a los canales de querer transmitir sus dramas. En ese sentido, los autores precisan que las plataformas como Webtoon, con base en el OSMU, ya tienen listos catálogos de títulos con potencial para la adaptación y hay practicantes en las productoras revisando webtoons que pueden ser interesantes apuestas (el trabajo soñado).
Fuente: tvN/Daum
Fuente: tvN
Fuente: Eight Works y Kross Pictures/Navier
En el caso del acuerdo entre Crunchyroll y Webtoon, siguió un esquema similar como lo afirman las declaraciones iniciales de la Administradora General del servicio de streaming que ahora también tiene su propia productora de contenido original:
Estamos extremadamente emocionados de estar asociándonos con Webtoon…Webtoon tiene un tremendo catálogo de contenido y creadores que resuenan profundamente con nuestra audiencia y no podemos pensar en mejor manera de deleitar a los fans que trayendo estas historias a la vida a través de la animación.
Joanne Waage
Se puede especular sobre cuánto dinero recibieron la plataforma y SIU a partir de los 20 000 a 100 000 dólares que Lee, Park y Lee afirman que suelen costar los derechos televisivos de un drama de 16 a 24 episodios, pero una cuestión es clara: el fenómeno webtoon ya ha entrado a la animación japonesa y se vienen dos animes más basados en The God of High School, de la autoría de Yongje Park con la animación de estudio MAPPA y Noblesse, de la pluma de Jeho Son y Kwangsu Lee encargada a Production I.G..
Ok. Te entendí, pero ¿por qué tanto escándalo?
Bueno, si un producto audiovisual tiene éxito, los realizadores son felices, porque recibirán dinero al igual que reputación y el público será feliz porque habrá disfrutado una buena historia. Sin embargo, si Tower of God, The God of High School y/o Noblesse tienen éxito podría pasar lo siguiente (esta es la parte de las teorías conspirativas):
Se abriría la puerta para toda una camada de creadores e historias que serían una corriente de aire fresco para el anime. Los que leen webtoon saben a lo que me refiero, pues hay una variedad de narraciones que tienen a todos esperando cada semana para que salga el episodio gratuito en la app de su preferencia. Acción, ciencia ficción, comedia, drama, terror, psicológico, etc. hay para todos los gustos y colores.
Otros webtoon podrían ser adaptados y la gran cantidad de fans del formato estarían más que felices. Un anime de Solo Levelling podría ya no ser algo que se consiga con junta de firmas y no necesariamente tendría que ser realizado por Crunchyroll. Otros servicios de streaming o canales de difusión podrían seguir el modelo que ya demostró ser exitoso y traernos sorpresas gratas para todos.
El webtoon podría acceder como propiedad intelectual a otros espacios de mayor envergadura (como ejem ejem Hollywood) al entrar desde el anime. No sé si se lo han preguntado, pero ¿por qué no adaptaron Tower of God a la animación surcoreana? La respuesta es que actualmente el anime es una marca (hay un video de Gigguk que lo explica muy bien) debido a la popularidad que ha alcanzado a nivel mundial y ello es lo que ha generado tantas discusiones sobre qué es anime. Ahora muchos productos animados son etiquetados como tal cuando no son japoneses o no cumplen con ciertos rasgos que son señalados como los más comunes, pues ello llama la atención de las audiencias, sobre todo las poco familiarizadas con la animación japonesa. El público ve la sección de anime de Netflix e instantáneamente asume que eso es anime y son consumidos con esa premisa que los imbuye de la mística y de la popularidad del mismo. Tower of God como historia basada en un webtoon, un manhwa para web entraría con esa misma etiqueta y como tantos otros anime podría sumar puntos para futuros live action occidentales que sean adaptaciones de otros comic web del mismo país de origen.
Finalmente, una adaptación de un webtoon parte de la idea de que hay una audiencia esperando ver el mundo del cómic trasladado a otro medio, lo que incluye una fidelidad en la historia pero también en el diseño de los personajes si hablamos de animación. En ese sentido, en la misma línea de lo anterior y considerando la variedad de estilos de dibujo de los webtoon, quizás se iniciarían nuevas discusiones sobre cómo se debe ver un anime o una redefinición de ello (por favor, pensemos en la paz mundial). Esto no sería nada malo, sino quizás una evolución natural del medio sobre lo que habría que pensar en su momento si nuevos webtoon son adaptados al anime.
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Daum Webtoon
Tower of God está en su episodio 10 del anime de los 13 que tiene programados y el webtoon está en el capítulo 481 (para acceso gratuito), lo que nos indica que en las próximas 3 semanas podrían moverse fichas importantes que no sólo planteen una segunda temporada (incluso muchas más si se considera el tamaño de la obra sin contar el resto del universo de Talse Uzer), sino un cambio importante en la industria del anime y el webtoon que esperemos que sobre todo sea para beneficio de los autores y los consumidores. Seguiremos atentos a lo que ocurra.
Si quieren revisar más sobre la industria del webtoon, aquí les dejo algunos artículos:
La película de anime que viste y no querías recordar: Midori, la niña de las camelias. Tan controversial que el director nunca encontró financiamiento y tuvo que rodarla él mismo (por eso le demoró 5 años). Tan controversial que la prohibieron en Japón (qué tan perturbadora y trasgresora tiene que ser?)
¿Por qué algo tan grotesco tiene el nombre de una flor en el título? Pero si es una niña que vende flores, ¿qué puede salir TAN mal? Pues, créannos que las cosas salen MUY mal. Este texto tiene una que otra imagen perturbadora. Seguir leyendo bajo su propia salud mental uwu.
«Midori, la niña de las camelias» o «Shojo Tsubaki» es una película de 1992 dirigida por Hiroshi Harada. Entra en el género «eroguro» (erótico y grotesco) y está basada en el manga del maestro del terror Suehiro Maruo. El film está dividido en cuatro partes: «Prólogo», «Canción Primera», «Canción Segunda» y «Canción final». En todas ellas, está la presencia de dos flores: el sakura (o flor del cerezo) y las camelias, por supuesto. Lo interesante es que sus apariciones no son gratuitas y siempre están ligadas a un solo personaje: Midori-chan :3
Flores! Sakuras! Pero qué podría salir mal? ┐(︶▽︶)┌
Esas dos imágenes de arriba pertenecen a la corta escena previa al «Prólogo» la cual es un compilado de tomas fijas de escenas de terror tradicional del antiguo Japón donde aparecen los famosos yokai y yurei. También se muestran a algunos de los futuros personajes del circo en poses -algo- sangrientas (ya en verdad se ve una niña mordiendo el ojo de un pollo). Todo este desfile de misterio de unos cuantos segundos acaba con ese par de imágenes. La imagen de la izquierda muestra las primeras flores de sakura y la imagen de la derecha es por fin el título de la obra con el fondo de sakuras (aunque uno esperaría camelias, pero no).
Ese dibujo de las flores de la derecha son realmente sakuras o camelias? Para evitar futuras confusiones hay que tener presente el siguiente gráfico:
Sakura (cerezo), Ume (ciruelo) y Momo (durazno)
Inclusive dentro de una animación, la flor de sakura puede tener una forma más de dibujito y es como la del título. La flor de la camelia es más esponjosa como se verá luego. Entonces desde el primer minuto el director ya está marcando su estilo el cual es el de contraste. Harada lo busca entre un intercalado de imágenes sangrientas y las que tienen la presencia de las flores como símbolo de la inocencia perdida (esta es el típico significado de una flor junto con el de fragilidad, pero acá no es SOLO eso) y la muerte en dentro de un mundo hostil. Estas flores también funcionan como augurio en varias escenas (vinculadas por supuesto a sucesos trágicos que tendrá la protagonista). Para ello, hay que rescatar el lenguaje de las flores, pues tanto la camelia como el sakura tienen significados bastante antiguos que han perdurado en el tiempo y la sociedad japonesa.
SAKURA: la flor del cerezo y uno de los símbolos más conocidos de Japón. Solo florecen una vez al año al comenzar la primavera durante un mes. Se le asocia con lo efímero y la mortalidad por su corta duración. La expresión «mono no aware» que significa «conciencia de la impermanencia» está simbolizada con el sakura. Además, la cultura samurái también está ligada a ella, pues la vida de ambos son breves y los pétalos al caer representaban las gotas de sangre derramada (Midori habrá sabido esto?)
CAMELIA O TSUBAKI: flor tradicional japonesa menos conocida, pero con un mito muy interesante detrás. Cuenta la leyenda (en el Kojiki, el primer libro escrito) que el dios Susanoo luego de vencer a una serpiente de 8 cabezas, se acercó a una princesa que estaba en cautiverio y, pidiéndole matrimonio, apoyó su espada en la hierba que por la sangre de la serpiente comenzó a ponerse roja. De esa mancha apareció un arbusto con unas flores que fueron llamadas Tsubaki (camelias) y su característica es que no pierde los pétalos, sino se desprende completamente de la planta al marchitarse. Se le asocia con humildad, «amor perfecto» y… sangre.
Entonces ahora sí podemos pasar a ver todas las imágenes en donde salen flores dentro de la película. Se darán cuenta que solo están vinculados con Midori-chan, pues ella representa la inocencia y fragilidad (por su condición de niña, la pobreza/desamparo en la que está sumida y su mente soñadora). Pero que también la mención de las camelias tanto en el título y dentro del film no es casualidad: hay una leyenda tan antigua que la asocia con la muerte y lo sangriento que definitivamente Suehiro Maruo (el mangaka) lo tuvo presente al hacer esta perturbadora obra.
Oh un circo yei
Las primeras imágenes son de un escenario nocturno: unas calles desoladas, pero también otras con ciertos personajes como prostitutas y jóvenes que venden caramelos. Mientras eso ven nuestros ojos, se oye una dulce voz que narra lo siguiente: «sueños de magnolia en el primer trimestre. Girasoles y princesas en el segundo trimestre. Jazmines en el tercer trimestre. Sauces en el cuarto trimestre».
Por qué una niña está en la calle de noche hablando de flores?
Esta es una lista de flores que crea un contraste con la hostilidad de la imagen. No se volverá a hacer una mención expresa sobre flores hasta los créditos finales. Finalmente la cámara (son puras imágenes fijas. Es una edición particular, pero recordemos que nadie quería financiarle la película xD) se posa sobre un puente y esta voz dice «mis flores se han marchitado».
Primera imagen de nuestra niña de las camelias :3
Aquí aparece por fin la niña a la que le pertenece la voz. Hay antecedentes de historias tristes de niños que venden en la calle para subsistir como el capítulo «La niña de los cerillos» en «Me lo contaron en Japón», el programa de las marionetas japonesas. El peligro de la presente historia cobra la forma de un señor dueño de un circo con sombrero que aparece ahí al fondo a la izquierda. Esta es la primera vez que vemos las camelias del título y no podrían venir acompañadas de un peor augurio como lo que le espera a Midori en el circo ambulante.
«Este es un lugar muy triste para venderlas. Ve a un sitio más bello” le comenta el dueño del circo quien ha aparecido sutilmente en el panorama. Además pregunta primero: «¿tu madre?» «Enferma» «¿Tu padre?» «Se ha ido». Pero por qué hace esas preguntas! Definitivamente su verdadera naturaleza está camuflada. Midori, reacciona! Pero el punto de esta historia es justo la crueldad vista desde el punto de vista de una niña que no puede anticipar los motivos egoístas de humanos como él. “Ve a casa que este lugar está lleno de hombres repugnantes”, le dice para colmo. ¿Y quién le compra todas las flores? ¿Quién compra su inocencia? Este señor que se la robará a continuación.
Midori le había puesto esas camelias antes de salir? Acá se aprecian lo pomposas que son (no confundir con rosas)
La siguiente escena muestra a una convaleciente madre en cama. Midori está yendo a contarle emocionada que un buen hombre le compró todas sus camelias, pero la madre parece no reaccionar. Sí, está muerta. No pondré la imagen de las ratas saliendo de la vagina, pero vale la pena recordarlo por el contraste que supone con la madre muerta echada entre las floras que vendía su hija. Aquí vale la pena recordar la leyenda del dios Susanoo.
Esta imagen se volverá a repetir, recuérdenla!
Esta toma engloba todo lo que es Midori: una niña que solo quiere ir al colegio. Repetidas veces ella lo menciona, es más, el dueño del circo le comenta que él podría ayudarla aunque luego se da cuenta que es mentira porque al ser un circo ambulante, ella no puede estudiar en un lugar fijo. Aquí resalta la importancia de esta característica del circo.
En la canasta de flores se pueden observar las pomposas camelias o tsubaki. Esta imagen aparece mientras las vecinas chismosas comentan sobre las ratas encontradas sobre el cadáver. Una vez más, muerte y camelias en una misma imagen.
Con esa imagen perturbadora termina el prólogo. Perfecto.
Una vez que Midori va en búsqueda del dueño del circo, pues él le ofreció ayuda, ella descubre que todo era un engaño. Es forzada a unirse a él y además es abusada sexualmente. Llama la atención que aparece en esa fuerte escena un manto con estampado de sakuras. Ahí termina el prólogo y ahora comienza la «Canción primera: Paciencia y sumisión»
Qué más simbólico que vomitar sobre el único kimono con flores de la película…
En este lapso de tiempo, Midori ha sido abusada de formas inimaginables para ser una niña. Entre las maldades a las que fue forzada es a ser espectadora de una pelea de una serpiente y un pollo. Por ello, vomita encima de su kimono que casualmente tiene estampado de sakura. Por ejemplo, los otros personajes no tienen estampados similiares, solo la otra mujer que tiene un kimono con mariposas.
En un instante se observa un sakura en flor, pero que está ya muriendo y luego de un par de escenas devastadoras, aparecen los pétalos volando al viento.
Estos chibolos no habían pagado y se burlan de la sangre :S es un contraste con la soñadora Midori
En la película no se muestran otros niños aparte de Midori y los que se encuentran a continuación. Ellos se presentan como niños poco amables que contrastan con Midori. Entonces no se trata que ella sea soñadora y buena solo por ser niña: es una cuestión de su personalidad también.
Izq: una camelia atrás que parece una almohada. Medio: Midori ya está en completa oscuridad. Derecha: flor de otoño
Antes que termine «la primera canción» aparece una almohada en forma de camelia al fondo de donde descansa Midori-chan. Ella acaba de ser obligada a lavar cuerpos mutilados y ver a otras personas tener sexo mientras duerme. Es justo después de los puntos críticos donde aparece la flor. Además, en la colcha que lleva (está con fiebre) en la imagen arriba a la derecha, tiene un estampado de una flor de otoño que recuerda a la colcha que tenía su madre en su lecho de muerte.
Por favor alguien salve a Midori-chan!
Verdadera magia! (ノ ˘_˘)ノ ζ|||ζ ζ|||ζ ζ|||ζ
Este es el punto de quiebre en la historia. Aparece Masamitsu. Le da un beso con la flor en la mano. “No recibiré uno de vuelta?” Parece que se han enamorado al instante.
Aló, ¿con la ONU?
El cambio en la vida de Midori se manifiesta visualmente con el cambio de color en las flores
Flores sobre la ropa de los enamorados ╮(︶▽︶)╭
El enano no aparecía al inicio con una flor en el pecho hasta que comienza una relación con Midori. Simboliza la unión con la niña de las camelias. En el gorro de Midori también aparece una flor amarilla, además ella está feliz.
Oh no, acá vamos
Volvió a salir la imagen! pero ahora en el sueño bonito de Midori donde está con sus padres uwu
El enano parece haberla inducido a un sueño placentero en el cual está Midori rodeada de sus padres nuevamente en un ambiente de felicidad. Se hace alusión al colegio que es lo que Midori más desea. Por ello vuelve a aparece la imagen de las camelias con la mochila, pero ya no en un contexto fúnebre. Aparte, aparece un cuadro al fondo con flores amarillas. Como hemos visto, no suelen aparecer flores así porque así en el film entonces no es casualidad que en un momento de felicidad aparezcan al fondo en el sueño.
«Midori-chan, vendrás conmigo?»
El nombre del capítulo ha marcado el fin de la historia «Canción final: bajo la flor del cerezo». Ahora la protagonista es esta flor que también está vinculada a la muerte por lo efímero de su florecer, pero también juega un rol importante en los amantes que se suelen separar (como en «5 centímetros por segundo» de Makoto Shinkai»). La distancia entre pétalo y pétalo que se desmprende enmarca una futura separación. Aquí no puede ser más claro, sobre todo cuando se sabe que él morirá en unos instantes cuando va a comprar comida y un ladrón lo asesina para robarle.
«Esto no es un sueño» dice Midori feliz porque por fin la realidad es mejor que el sueño 🙁
El augurio de los pétalos de sakura y la despedida que parece momentánea, pero será eternauwu
Busca a su amado quien ya está muerto al igual que ese árbol de cerezo. Por qué la vida es así con Midori? Qué hizo ella para merecer todo esto? ((╬◣﹏◢))
En este momento de dolor absoluto de Midori, la querida niña de las camelias, tiene una alucinación donde ve a los del circo con los pétalos de sakura volando encima. En este instante la animación cambia y ella aparece con un palo de madera que usa como bate para «matar» ese dolor que proviene del maltrato que recibió esta niña-flor. Su inocencia terminó por extinguirse.
SED DE VENGANZAÚltima imagen de Midori: la niña se funde con el color de las camelias. RIP
Y así termina la vida de Midori y la aparición de las flores con ella. Aquí en los créditos se vuelve a mencionar a las flores expresamente y cómo no pensar en la mancha de sangre vertida en el jardín por la espada del dios Susanoo que hizo florecer por primera vez a las camelias en Japón uwu la vida de Midori también se siente así: vino de un lugar sangriento como el desamparo de la calle y pobreza y aunque encontró el amor romántico (como la princesa de Susanoo), se le fue arrebatado y no hubo para ella un final feliz :c
Las camelias vinculadas a la muerte como en el mito de Susanoo (っ˘̩╭╮˘̩)っ Ese era tu destino, Midori-chan.
PD: hay otras películas japonesas donde también la camelia se asocia como un presagio de muerte. Busquen «Youth of the beast» del gran Seijun Suzuki de 1963.
En «Mi vecino Totoro» aparece en más de una escena un pequeño santuario con una estatua con babero rojo. Un día de lluvia, las hermanas Satsuki y Mei le rezan para que las cobije durante la tormenta. Pero ¿quién es esta deidad?
Satsuki y Mei en «Tonari no Totoro» de 1988.
Las estatuas Jizō son representaciones del bodhisattva Jizō(地蔵) o Ksitigarbha (地蔵菩薩), uno de los más queridos de Japón. Es tanto el guardián de los viajeros como el de los niños y la maternidad.
Se cree que Jizō cuida las almas de los niños que nunca llegaron a nacer o que murieron en edades muy tempranas. Las pequeñas almas se transportan hacia un lugar llamado «Sai no kawara» donde según las creencias populares deben ir apilando pequeñas piedras para tener una mejor siguiente vida.
Por esa razón es frecuente que los padres que han sufrido una pérdida apilen pequeñas piedras cerca del Jizō a modo de plegaria, rezando para que ayude a su hijo fallecido. También se le ofrecen gorros, chalinas rojas (para resguardarlo del frío), comida, baberos (para que no se ensucie con la comida ofrendada) y juguetes. Todas las ofrendas son de color rojoporque se cree que dicho color permite alejar a los demonios y las enfermedades.
Advertencia: En este artículo se analizarán diversas representaciones animadas de «chicas mágicas» del periodo de posguerra (2 de septiembre de 1945 – actualidad).
Qué fanático del anime y manga no conoce o ha oído hablar de Serena Tsukino, SakuraKinomoto, y por supuesto, de la infaltable y genial MadokaKaname. Todas ellas son chicas mágicas muy queridas tanto por el fandom femenino como masculino (e incluso se dice que serían, desde hace ya un tiempo, los íconos de la comunidad otaku LGTBQ+). No obstante, si bien se han realizado ciertos estudios académicos sobre la chica mágica (tanto en lengua hispana como anglosajona), fuera de estas instancias pocos conocen el origen, evolución y estado actual de este popular personaje shōjo. Es por esto que, a través de este breve e ilustrativo artículo, intentaremos aproximarnos a dichas fuentes de conocimiento y mágicas rebelaciones.
¿Mahō Shōjo?
Chica mágica (o mahō shōjo en japonés) es un término que refiere a un subgénero de fantasía del anime y manga shōjo que tiene como protagonistas a niñas o adolescentes que son poseedoras de algún objeto mágico o poder especial con el que han de salvar a la humanidad de alguna amenaza latente.
Sailor Moon (1992), una de las series de chica mágica más icónicas del Japón contemporáneo
Chica mágica de los años 60
Entre las influencias extranjeras que inspiraron la construcción de las chicas mágicas de los años 60 figura Hechizada: comedia de situación estadounidense, transmitida entre 1964 y 1972, que incorporó el concepto de la magia como poder femenino al que la protagonista debía renunciar después del matrimonio. Durante esta década aparecerán diversas series niponas que tendrán como protagonista una chica mágica. No obstante, Kumiko Saito, investigadora en cultura popular japonesa de la universidad de Pensilvania, sostiene que, a diferencia del caso americano, en Japón se optó más bien por conducir el tema de la libertad mágica a un periodo anterior a la aceptación del matrimonio y la maternidad.
De esta manera, el tópico de la chica común que accidentalmente gana un poder mágico se convirtió en un mecanismo útil para mostrar el tema subyacente de cómo la joven heroína está predestinada a decir adiós a la magia al final de la serie. La chica mágica presentó así un enfoque bastante conservador, que iba en contra del poder simbólico-subversivo que representaba la magia, en tanto expresaba ideas contundentes acerca de lo que las mujeres pueden y deben hacer de acuerdo a sus etapas vitales (en otras palabras, reforzaba la idea de educar a las niñas japonesas para que, más que ser buenas profesionales, sean buenas esposas y sabias madres). Dos series donde se evidencia este enfoque son Sally, la bruja (1966) y Los secretos de Julie (1969).
El amor entre chicas
El abandono de la magia por parte de la heroína se relaciona, así también, con otro rasgo característico del género: el amor entre chicas. Dicho tema ha sido asociado con la Literatura japonesa para mujeres de principios de 1900. Al respecto, la escritora Nobuko Yoshiya (1896-1973) sería la primera en cuya obra se vislumbra el romance de los personajes femeninos, así como los rasgos característicos que los convertirán en un tópico del manga shōjo contemporáneo:
“Dichas relaciones a menudo involucraban a una niña mágica alta, activa, independiente y guapa; y otra más bien pequeña, infantil, dulce e inocente, constituyendo de esa manera imágenes idealizadas de la masculinidad y feminidad”.
No obstante, el amor entre chicas fue representado como un estado efímero. Esto se debió a que las protagonistas eran incitadas a abandonar la magia para integrarse al romance heterosexual, ya sea porque la historia terminó trágicamente o porque una de las niñas murió para salvar a la otra. En consecuencia, no es de sorprender el apogeo que tuvo este género en un ambiente caótico de posguerra donde la autoridad paterna y los matrimonios por compromiso empezaban a declinar en Japón.
Fuente: favereys.blogspot.com
Chica mágica de los años 70
La popularidad de la chica mágica empezó a decaer en la década de los setenta, lo cual promovió un cambio hacia una visualidad femenina que atrajera a un público masculino. Es así como las nuevas tramas que caracterizarán a este género empiezan a incluir robots, escenas de acción y el servicio para fans. Dos series con estas características fueronCutey Honey (1973) y Maggie, la brujita (1974).
Chica mágica de los años 80
A inicios de los ochenta, el anime y el manga de la chica mágica se presenta como un arte totalmente renovado en lo que respecta a la transformación de sus protagonistas. Como sostiene Saito,
“si antes ser chica mágica implicaba la transformación literal del cuerpo de una niña pequeña al de una mujer adulta; es decir, de dieciséis años o más, la nueva metamorfosis tiene como meta final abandonar el crecimiento físico real”.
Esta es la razón por la cual, si bien algunas series seguían presentando la transformación biológica de niña en mujer, la trama final sugería que las protagonistas dejarían de lado la misma para encontrar la auténtica fuente de su poder en la juventud, el amor y la ternura propia de su etapa infantil o adolescente. Dos series que expresan este enfoque fueronLas aventuras de Gigi (1982) y Magical Angel Creamy Mami (1983).
Chica mágica de los años 90 hasta la actualidad
La investigadora de Pensilvania sostiene que desde la década de los noventa, la nueva transformación de la chica mágica la llevará a adoptar una indumentaria donde los rasgos infantiles (o infantilizados) de su performance se confunden con los de su adolescencia: “La expresión visual y figurativa del poder de la chica mágica se muestra en su juventud y ternura, así como en las capas de falda con volados añadidos al uniforme de batalla”. De esta manera, la chica mágica de esta década proporcionó a los espectadores un personaje heroico e independiente que se oponía a la retórica visual del poder de la adultez al ofrecerle una indumentaria femenina que hacía cada vez más difícil equiparar las representaciones de su género con su sexo biológico real. Entre las series que expresan este enfoque se encuentran Sakura, la cazadora de cartas (1998) yMadoka, la chica mágica (2011).
Otros rasgo característico de esta nueva chica mágica serán su capacidad para transformarse en el género opuesto. Asimismo, aparecerán nuevos personajes de estética andrógina, o indefinida heterosexualmente, que servirán de inspiración y admiración para los fanáticos amantes de este nuevo poder. Al respecto, tres animes destacados son Pretty Soldier Sailor Moon (1992), Proyecto de Crianza de Chicas Mágicas (2016) y Magical Girl Boy (2018). En la primera aparece Haruka Tenou, un personaje femenino de apariencia masculina que mediante su transformación mágica se convierte en Sailor Urano. En la segunda aparece un personaje masculino llamado Souta Kishibe, quien gusta en secreto de las historias de chicas mágicas dado que considera que es un género para niñas. No obstante, gracias a un juego virtual, tiene la oportunidad detransformarse en una chica mágica real, conocida como “La Pucelle”, y cumplir la misión de ayudar a quien lo necesite. Por último, Magical Girl Boy relata la historia de Saki, una estudiante a la que se le plantea la posibilidad de convertirse en una chica mágica y así proteger al chico que le gusta, oferta que termina por aceptar. No obstante, cuando llega el momento de su transformación, no sólo sus ropas se convierten en un curioso y adorable conjunto mágico, sino que su cuerpo se tranforma en el de un chico mágico alto y musculosoque luchará contra las fuerzas del mal.
En su acepción sociospicológica, Masafumi Monden sostiene que la andrógina vendría a ser un estado psicológico que refiere a una forma específica en la que los aspectos “masculinos” y “femeninos” se presentan en un solo ser humano.
A partir de lo anterior, se infiere que existirían estados psicológicos que son asignados de manera dominante y no dominante a una categoría de género. Esto explicaría, a su vez, por qué un rasgo de género “no dominante” para las mujeres sería el deseo de autonomía y poder, mientras que el rasgo de género “no dominante” para los hombres sería la expresión de sentimientos de vulnerabilidad, dependencia y afecto por otros del mismo sexo. En ese contexto, la chica mágica de los noventa realizaría una performance andrógina en tanto revierte las nociones de masculinidad y feminidad asignadas por el sistema que regula las normas del género. Esto se corrobora, por ejemplo, si comparamos la serie de chicas mágicas con películas del cine estadounidense contemporáneo, donde las heroínas juveniles tienden a vestirse y actuar de una manera masculina (es decir, suelen usar trajes que pueden ser sensuales o coquetos, pero que a la vez mantienen ciertos elementos de la vestimenta heroica tradicionalmente masculina como las armaduras medievales), mientras que las heroínas japonesas, especialmente las del género shōjo, optan más bien por un uniforme de batalla de corte femenino infantil, acentuado por volantes y lazos.
“La ausencia de un traje de batalla masculino en la metamorfosis de la chica mágica ofrece una alternativa a la idea occidental de que el género es definido y redefinido a través de la ropa, a la par que su estética andrógina enfatiza la idea del mismo como precario e indefinido”.
De acuerdo a lo enunciado por Monden, uno de los rasgos identificatorios de la chica mágica contemporánea sería el demostrar que no necesita apropiarse de un rol estereotipadamente masculino (o masculinizante) para obtener la valentía, la magia y el poder suficientes para enfrentarse a las fuerzas del mal.
Conclusión
A través de este breve repaso sobre la historia de la chica mágica, se rebela cómo es que inicialmente se intentó utilizarla para encaminar a las niñas japonesas a asumir el rol de género que les era asignado tradicionalmente en la sociedad nipona. No obstante, a partir de la década del noventa, la chica mágica se convertirá, con particular énfasis, en un modelo transgresor de las normas que definen la feminidad y la masculinidad, razón por la cual es tan popular no solo entre los y las jóvenes del Japón contemporáneo, sino también entre los fanáticos de este fenómeno a nivel mundial.
Notas:
Si bien en este breve artículo “historiográfico” faltaron señalar diversas series, populares o menos conocidas comercialmente, sobre las chicas mágicas, lo cierto es que se intentó analizar algunos ejemplos que la redactora consideró claves para expresar su entendimiento sobre el origen, evolución y estado actual de estos personajes.
¿Te gustó este artículo? Puedes consultar las fuentes aquí:
Saito, Kumiko. «Magic, Shōjo, and Metamorphosis: Magical Girl Anime and the Challenges of Changing Gender Identities in Japanese Society».The Journal of Asian Studies.Vol. 73, No. 1 (FEBRUARY 2014), pp. 143-164.
Taku Iwasaki es un músico que nació en Tokio a inicios de 1968, se graduó de la universidad de Música y Bellas Artes de su ciudad natal en 1996, tuvo mucho reconocimiento y recibió un galardón de la sociedad japonesa de música contemporánea.
Lo que hace tan especial a este músico, es poder fusionar ritmos considerados por algunos irreconciliables, por estar en los «sitios más alejados» los unos de los otros.
Por un lado, tenemos la música clásica con toda su amplia gama de instrumentos, vocalistas de muy especiales características como los barítonos o sopranos, con una escuela y tradición que ha trascendido a través de los siglos y sigue actualmente vigente. Por otro lado, tenemos la música contemporánea, en sus estilos más «osados y desafiantes» como lo son el rap y el hip hop, además de la música electrónica.
Así como la música clásica sobre estos ritmos contemporáneos, aún hay quienes lo tildan erróneamente de ser “música banal y populosa”, equivocadamente además dicen que es música para gente marginal y desafiante de la sociedad. La grandeza de Iwasaki está en darse cuenta que todo lo dicho no puede estar más lejos de la verdad
La música, cualquiera que sea, es una manifestación artística y así como las culturas, simplemente no existe alguna mejor o peor que las demás, únicamente diferentes, cada una con sus virtudes y carencias particulares, pero en general todas valiosas.
Así como el agua de sitios diferentes, Iwasaki logra hacer que, a pesar de poner por ejemplo una soprano y un rapero cantado en un mismo tema “fluyan” de manera natural y se vuelvan ya no “una mezcla de estilos” sino uno nuevo y muy rico.
Los trabajos de Iwasaki son muchos y muy variados, entre ellos podemos nombrar: Witch Hunter Robin, Soul Eater, Rurouni Kenshin, City Hunter, Black Cat o Read or Die siempre manteniendo su calidad musical muy independientemente de la calidad del proyecto ya sea en animes como Bento -un trabajo modesto en todos los sentidos- o Tengen Toppa Gurren Lagan, que llegó a estar entre los mejores de su década, famoso por su historia y personajes. Todos estos son trabajos donde él ha participado con el mismo esmero.
Taku Iwasaki concedió una breve entrevista a PROYECTO SUGOI
• Proyecto Sugoi: Sr. Iwasaki, ¿cómo nació su interés por la música? ¿cómo llegó a trabajar en el mundo del anime?
Taku Iwasaki: Cuando tenía 3 años fui obligado a aprender a tocar el piano, pero he sido un músico desde ese entonces. Veinte años después, ya componía música de anime para ganarme la vida.
• PS: ¿Cómo le vino a la mente la idea de fusionar estilos musicales como la ópera y el rap (ejemplo: Libera Me from Hell de Gurren Lagann) y qué influencias ha tenido para realizar ésta grandiosa idea?
T I: Al inicio de trabajar en Gurren Lagann yo escribí el “Rap wa ore no tamashii da onore wo shinjite ten wo yubisasu dodou no otoko kamina sama no theme wo mimi no ana kappojitte yoku kikiyagare”. Esa canción estaba dedicada a Kamina, pero nunca fue usada. El staff encargado de Gainax no quería que ésta sonara de la forma que yo consideraba adecuada. Entonces hice variaciones para escuchar este rap. “Libera Me from Hell” es una de ellas.
• PS: Actualmente elementos como el auto-tune, las computadoras (en el caso de Japón el fenómeno del Vocaloid) se usan mucho para producciones musicales. Teniendo en cuenta esto, ¿cómo ve el futuro de la música en sí y qué estilos musicales le llaman la atención o le gustaría intentar?
T I: El futuro usualmente aparece distorsionado con respecto al sentido común. No lo conozco, pero me acercaré a la música que sienta fuera de lo común hasta “el ayer”.
• PS: Con respecto a su trabajo con el artista rapero Lotus Juice (en la película “Dead Apple” de Bungou Stray Dogs) y otras colaboraciones que haya realizado ¿con qué artistas le gustaría trabajar en el futuro?
T I: M.I.A., Charisma.com y Jon Hasell.
• PS: ¿Cómo se ve Ud. en el futuro y cuál es su siguiente meta?
Me encantaría ser llamado en Asia como el nuevo “Korngold” (se refiere a Erich Wolfgang Korngold, pianista y compositor. Fue un niño prodigio de la música y uno de los más importantes e influyentes compositores en la historia de Hollywood).
• PS: ¿En qué Proyecto está trabajado recientemente ?
T I: Zero Chronicle, pueden verlo aquí:
Ping Pong de preguntas y respuestas
PS: Un libro
T I: “Sobre la agresión” de Konrad Zacharias Lorenz.
PS: Una canción o anison
T I: Detesto casi cualquier canción de anime. Las escucho y mis oídos se pudren.
PS: Una película
T I: “Solaris” de Andrei Tarkovsky.
Citó la escena: “Papá realmente lo siento, siempre amé a tu esposa”.
PS: Una frase
T I: “La mayoría de orejas japonesas son mayormente orejas de burro”.
PS: Por favor unas palabras para los lectores de Proyecto Sugoi
T I:¡Mis mejores deseos!
LIBERA ME FRON THE HELL tema incidental de la serie de tv Teen Toppa Gurren Lagann
Luis Alfonso Mendoza, actor de doblaje mexicano que dio voz a grandes personajes como Gohan en Dragon Ball Z, Bugs Bunny en Looney Tunes, o Sheldon Cooper en The B/g Bang Theory, muri6 en la noche de este sábado, a los 55 años de edad.
Según las primeras versiones, el actor murió en una balacera en la que además perdieron la vida su cuñado y su esposa, Lourdes Adame. Los hechos habrían ocurrido en la colonia Portales, en Ciudad de México.
«En relación a los hechos ocurridos en calles de la #ColoniaPortales, la #SSC informa que las primeras versiones señalan que la gresca
posiblemente se suscitó por el litigio de un
inmueble; policías de la SSC acordonaron la zona para facilitar las labores de la Fiscalía capitalina. Efectivos tomaron conocimiento del deceso de tres personas y un lesionado en la colonia», reportó la Secretaría de Seguridad Ciudadana de la metrópoli, sin revelar la identidad de los tres fallecidos.
Desde los años 80, Luis Alfonso Mendoza trabajó en el mundo del doblaje, donde prestó su voz a icónicos personajes de películas, anime y caricaturas. ÉI fue la voz de Daniel San en Kárate Kld, y también dobló a Carlton Banks, el irritante primo de Will Smith en El Principe de BelAlr. En los últimos años, participó además en el doblaje
de The Big Bang Theory, donnie dio su voz a uno de los personajes principales, el brillante Sheldon Cooper.
El pasado fin de semana (15 y 16 de febrero) varios cines en Lima nos sorprendieron con la proyección del reciente concierto por el noveno aniversario de la popular franquicia Love Live, que reunió a las seiyuus de la franquicia, incluyendo el retorno a la “generación original”: Muse. Que pasen anime en las salas limeñas ya es bastante raro, pero que pasen un concierto era una cosa que ni en los más locos sueños de los fans.
Este 15 y 16 de febrero te sentirás en el estadio Saitama Super Arena viviendo el LOVE LIVE! FEST 2020 desde nuestras butacas. 🎉🇯🇵 Compra tus entradas aquí 👉 https://t.co/VLfSwsvGdU y prepárate para celebrar el 9no aniversario de #LoveLive! *Disponible en cines seleccionados. pic.twitter.com/Gdt1uEr2Q5
Antes de empezar a contar sobre la experiencia de este inesperado estreno, debo aclarar un punto: no soy fan “de sangre pura” de esta franquicia. Soy lo que podría llamarse un otaku “vieja escuela”, veterano de la era pre-internet. Mis amigos ya saben mi famosa frase sobre un anime “si no tiene un tanque o un robot, no me interesa”. Caigo a conocer Love Live de manera tangencial, por no decir “no me quedó otra”, gracias a mi hijo (cuando dije que era veterano no era en broma). Mi hijo, fan de Love Live y responsable de que mi hogar sea una especie de templo a Umi Sonoda, me hizo ver todas las series, películas, especiales, escuchar soundtracks, juegos y demás yerbas relativas a esta franquicia. He arrastrado mi hijo a muchos eventos, animes y películas, así que consideré justo compartir su entusiasmo con esta franquicia, y acompañarlo a ver este concierto.
Love Live, como dije, es una franquicia que he “descubierto” recientemente. Una serie sencilla que no se complica ni descubre la pólvora (ni trata de hacerlo). Nueve amigas, lideradas por la hasta entonces más discreta del grupo, deciden formar su grupo de “idols escolares” para ganar el popular concurso Love Live, y que eso haga que su escuela sea más popular y evitar que cierre. Esta es la historia de las Muse, y por supuesto todas las pegajosas canciones que vienen en combo con todo esto. En lo personal, me entretuvo mucho la serie original, casi me duermo con la segunda (con Yohane agregada a mi baúl de personajes insoportables del anime, al lado de Chibi-Usa y Ranka Lee), y gracias a las notificaciones de Instagram conozco algo del nuevo grupo. Debo reconocer que algunas de sus canciones lograron llegar a estar en mi playlist del teléfono. Algo de alegría musical no cae mal en un alma oscura después de todo.
Sabiendo que este concierto llegaría a las salas limeñas desde el 2019, era cuestión de esperar hasta enero, que fue cuando anunciaron la preventa de entradas. La sala 4 del Cineplanet del Mall del Sur nos esperaba, y quede sorprendido al ver que a unas horas nada más de haber iniciado la preventa ya estaba vendida más de media sala. Ya gracias a mi hijo, pude ver cuán grande y popular ha sido, y es, Love Live por todos lados. Recordé entonces algunos eventos relacionados que hubo aquí en Lima que vi en Facebook pero que no tome atención en su momento.
Llegó el día, y estábamos listos. Cola inexistente, y entramos al cine. Ya empapado no solo de la música de las Muse, sino de la siguiente generación, Aqours, y algo de las chicas de Nijigasaki High School, del nuevo juego, nos sentamos a esperar. Momento gracioso, solo había menos de 20 o 30 personas a poco menos de 15 minutos de empezar la función. Por un momento pensé que nos habíamos equivocado de sala y hasta salí a ver si no nos habíamos confundido pues no había nada en la entrada de la sala sobre esta función. Ya más calmado, veo que recién habían puesto el banner promocional luminoso en la entrada. Pero yo aún me sentía algo extrañado de que la sala siguiera medio vacía.
6:00 pm… Se apagan las luces… y… un regimiento enorme de fans, amigos, admiradores, y entusiastas entra a la sala y la llena casi por completo. Este fue el primer indicador de que esta no sería una función de cine normal y corriente. El concierto inicia con las Aqours, dando la respectiva bienvenida a los “asistentes” con un coliseo más lleno que un bar con cerveza gratis. Luego vendría la parte de “compra niño, compra” presentando a todas las integrantes del juego nuevo, que me dicen ya tendrán pronto su serie. Ya para este momento, no entraba ni un alma más en la sala. Los gritos de los fans asistentes al ver a las seiyuus, que eran presentadas junto sus versiones animadas, en las enormes pantallas del concierto resonaban más que la música. “Te amo”, “lindura”, “preciosa” se podía escuchar entre todos los gritos de la platea. No importaba que se cumpliera esa regla de que el parecido de un seiyuu con su contraparte animada sea inversamente proporcional a cuan bello/a o voluptuoso/a sea en su animación. Esto no era una función de cine, era teletransportarse al concierto en vivo en Japón. Llegamos a la parte de los solos de las nuevas integrantes, luego sazonados con las sub-unidades de Aqours y la participación especial de las “Saint Snow”, rivales de este grupo que terminaron siendo muy populares (dicho sea de paso fueron lo único que me gustó de “Love Live Sunshine” jejeje). Ya en este nivel, no escuchabas una sola palabra en castellano, ya que la meta de los chicos (y no tanto) era corear todos los temas. Aplausos, coros, gente emocionada. Es en este momento, es que a mi cabeza viene esa hermosa nostalgia de las gloriosas funciones del club SUGOI en el colegio Champagnat. Esa energía, ese calor, esa emoción de la gente. Los orgullosos otakus demostrando que el anime es una gran diversión pero solo cuando te unes a otros de tu misma afición es que llevas la experiencia a otro nivel.
La puesta en escena es soberbia. Pantallas enormes, videos coordinados, luces y efectos por todos lados, las cantantes eran transportadas en tres enormes módulos por todo el escenario, y hasta vimos UN BARCO con todas las Aqours salir del escenario y moverse al centro. Era tan espectacular, que te hacía olvidar el hecho de que algunas de las chicas no cantan ni en fiesta de cumpleaños ¿Eso importa? Para nada. Los fans siguen cantando. Una pena que los encargados del cine prohibieron los light sticks, pero un aplauso al público que supo respetar las reglas… Bueno al menos hasta esta parte…
Pasaron ya dos horas de concierto. Mucho cuchicheo en algunas filas, pero nada que distraiga. En eso, durante uno de esos momentos en que las seiyuus hablan y hacen los guiños de sus personajes, se acerca un entusiasta fan a mi hijo para ofrecerle el listado y las letras de todas las canciones del concierto. Otro salto en el tiempo, cuando veía a los primerizos otakus limeños vendiendo mercadería o merchandising en las reuniones. El ambiente de la sala era familiar, ya no había grupitos. Muchos se preguntaban o se pasaban la voz sobre algo del concierto y hasta se compartían canchitas. Todos eran Love Live. Y finalmente… Mi hijo me grita “¡POR FIN!”. Era EL MOMENTO. El retorno de las Muse, el grupo original que dio origen a toda esta locura y que estaba retirado ya varios años. Locura total. Gritos, risas, llantos… emoción, el Retorno del Rey. Las chicas saludan al público generando histeria colectiva. “Nico Nico Niiiiiiiiiiiiiii” retumbó en toda la sala. Las Muse anuncian que harán un “medley” (potpurrí) con sus canciones. Los tres módulos llevan a las divas por toda el área del concierto, y las canciones suenan en versiones cortas pero eso no importa. Los coros son cantados sin parar, y no faltan los que se saben toda la letra (un chico me mira raro de escucharme cantar “Sore Wa Bokutachi No Kiseki” completa). Dato curioso: son las mismas canciones que tengo en el celu. Ya en estos momentos la sala está transportada a la dimensión Love Live… y… las Muse van al centro del escenario y se vienen los acordes de LA CANCIÓN: Snow Hallation. Empieza a sonar y ya no hay quien pare esto. Aplausos, gritos y la platea pateando el piso al ritmo de la canción, al punto de generar algunos grados Richter. Los light stick salen finalmente, no importa nada más. A mi cabeza saltan las funciones del SUGOI con la gente entonando el “Zankoku na No Tenshi No Teeze” de Evangelion. El final del tema, es una locura… los silbidos, gritos y demás hacen la magia.
Ya cerramos las tres horas. No queda más que la despedida ya agradecimiento de las todas las Seiyuus y se cierra el telón. Muchos esperando un encore, pero se apaga la pantalla. No hay escena extra jejeje. Los fans salen, comentan, rostros felices, todos vieron algo que sus amigos no. La salida del cine es alegría general, pues la fiesta no acaba con la función. Vemos a los grupos tomándose la foto respectiva junto al banner luminoso de la entrada del cine (como dije lo pusieron casi para empezar la función). Foto solo, foto grupal, en pareja y en todas las combinaciones posibles. Un fan con rostro de hombre realizado sonríe para cámara. Ovaciones. La salida está llena de merchandising, fotos, figuras, peluches. Muchos nuevos amigos intercambian números. Mi nostalgia me trae más recuerdos de las viejas funciones noventeras de Sugoi. Nadie se quiere ir, y ya hay planes para “repetir el plato” con la segunda función del domingo. Salgo más que contento, no solo porque fue una buena presentación en general, no. Asumo que no capté ni la mitad de los “easter eggs” de los verdaderos fans de la franquicia, pero creo lo mejor fue sentir de nuevo esta genial experiencia de ver una proyección de cine rodeado de personas que aman lo que están viendo y disfrutan compartiéndolo. Eso hizo de esta función algo muy diferente.
En estos tiempos de redes donde el contacto y calor humano parece perdido, y donde el anime parece ser algo para pasar el rato dentro del bus con tu celu, ha sido grato ver otakus de todas las edades disfrutando música (que no es reeggaeton sobre todo) y que sepan mantenerse unidos alrededor de una afición. Mi hijo a la salida: “Viejo, gracias por acompañarme”. Me, Grimlock: “No, gracias a ti por regresarme a una de las mejores etapas de mi vida”. Dato extra: anunciaron el próximo estreno de la película de “Goblin Slayer”. Cineplanet se ha puesto las pilas con los estrenos de anime.
