Bride of Deimos es un OVA que vio la luz en 1988 y fue producido por Madhouse. Esta adaptación juega con los ángulos y los colores para acentuar lo que ocurre, dando un aire expresionista que, en la actualidad, pocas veces vemos en este medio.
Basado en el manga de Deimos no Hanayome, escrito por Etsuko Ikeda e ilustrado por Yuho Ashibe, esta serialización que fue de 1975 a 1990, cuenta la historia de Deimos y Venus, hermanos que se amaban y fueron castigados por Zeus al descubrir sus intenciones, arrancándole la belleza a Venus y encadenándola al reino de Hades, y convirtiendo a Deimos en un ser de apariencia demoniaca. Deimos buscará liberar a su amada de su prisión, rondando la Tierra para seleccionar a alguien parecido a ella y llevarla al inframundo; Minako resulta ser elegida, entablando una especie de «amistad» con él que irá derivando en un triángulo amoroso entre Deimos, Minako y Venus.
El manga no fue completado en 1990. En 2007 hubo un intento por acabarlo, pero en abril del 2014 se pausó de nuevo y así continúa hasta nuestros días.
El lenguaje visual del OVA
La combinación de horror y shojo resulta en una mezcla peculiar en esta producción. En un momento podemos tener escenas románticas y al siguiente un ángulo de cámara exagerado con una serie de colores que son el opuesto de lo sucedido minutos atrás. Es aquí donde el expresionismo juega un papel primordial para marcar el tono y meternos en la historia sin que se sienta inconexo. Distanciarse de la realidad para que el lenguaje visual realce lo acontecido, consigue que la amalgama entre los dos géneros no sea como agua y aceite.
Si bien es cierto que se repiten escenas y muchas secciones han envejecido mal respecto a otras producciones que dispusieron de un mejor presupuesto, esto juega a su favor, pues entrega una obra donde esas carencias se vuelven herramientas cruciales para acentuar su personalidad.
La adaptación
En lo que historia concierne, el OVA toma una parte del manga y la adapta en apenas media hora. Es debido a esto que hay momentos donde uno puede sentir que hay información que se da por sentada, o que quizás hubo una adaptación previa que no vimos, pero no es el caso, éste es el único metraje que hay.
El episodio adaptado es The orchid suite, que se centra en unos hermanos adinerados que viven recluidos de la gente. En su casa se cultivan unas orquídeas ganadoras de concursos. Minako se verá envuelta en la extraña relación que estos hermanos sostienen, y estará en peligro cuando los celos de la hermana entren a la ecuación, deseando deshacerse de ella para que no arruine su vida. En principio no suena como nada del otro mundo, pero acá lo que influye es el desarrollo a través del ya mencionado lenguaje visual, si nos concentramos más en el apartado artístico y no tanto en una animación como las de ahora, este capítulo representará algo diferente y que invita a ser analizado.
Dirigida por Rintaro (Galaxy express 999, X, Metropolis) y adaptada a pantalla por la misma guionista del manga, Etsuko Ikeda, Bride of Deimos es una rareza olvidada con toques surrealistas y una calidad no muy buena para los estándares actuales (solo existe la versión VHS), pero con todo y esto, es una recomendación para quienes gusten de explorar animes diferentes a lo que encontramos entre lo más popular del pasado.
Oscilando entre realidad y ficción, los creepy pastas de internet despiertan la duda de, ¿será cierto? A veces optamos por creer que lo son, pues es más divertido e interesante. Lo sucedido con Go for a punch, es un claro ejemplo de esto, un anime que quiere ser real.
En 2015, en el foro /x/ de 4chan un anónimo respondía a la pregunta de qué era lo peor que había visto en la deep web, y su descripción desató una tormenta que, aunque con menos intensidad, sigue activa hasta el día de hoy. Aquí un resumen:
Un grupo de chicas desnudas se encuentra en un baño cerrado, sin puertas o ventanas por donde puedan escapar. Mientras debaten la posibilidad de jamás salir de ahí, van perdiendo la razón hasta el punto de acabar con sus vidas debido a la desesperación y el hambre. Las maneras en que lo hacen van desde ahogamiento (donde una convence a otra de hacerlo en un lavabo), azotar la cabeza contra las paredes, hasta arrancarse trozos de carne del cuello con las uñas de las manos.
Post original de Go for a punch
El usuario comentó que el título era algo algo como“Go for a punch”, con una duración de media hora y una calidad que delataba su digitalización desde un VHS. La gente explotó para cuestionarle por más detalles, entre los que agregó ojos al estilo Miyazaki, que todas eran dibujadas con cabellos negros y espesos, excepto una que lo llevaba largo y blanco; igual agregó que lo vio en el 2011.
Siempre en 4chan, ese mismo año, pero en /a/ (anime y manga), otro usuario afirmaba conocer un OVA con características similares llamado Saki sanobashi, obteniendo así su otro nombre en japonés. De acá empieza la cruzada, con algunos hurgando entre la lista de viejos animes, y otros zambulléndose en la deep web en busca de respuestas.
Las respuestas
La incansable búsqueda por probar su existencia ha estado llena de altibajos. Y justo cuando varios se rinden, surge algo que reaviva la llama.
Junto a videos con enlaces borrados, al público se le ha engañado con montajes de fans que dicen ser imágenes extraídas del anime, siendo una de la más famosas la de la protagonista de Go for a Punch, que en realidad es el fotograma editado de otro anime.
También hubo teorías sobre el autor, debatiendo entre quién hizo la versión animada, o la de manga (un apartado menos mencionado, pero sí considerado en la búsqueda).
Hiroshi Harada, quien animó “Midori, la niña de las camelias”, fue quizás el nombre más conocido en el aspecto animado, siendo el candidato «Eternal paradise», un viejo proyecto suyo que se creía la anhelada respuesta, lo cual fue descartado después.
Shintaro Kago, con su manga «Brain damage», ha sido el más sonado del lado del manga, obviamente también fue desechado.
Estas especulaciones de los parecidos, teorías, y la decepción de descubrir que cada registro es una falsa alarma más, se fue dando en los foros de reddit de Saki sanobashi, donde aparecería una nueva polémica.
Desmintiendo el origen de todo
Cuatro años después, SakiSanobashiOP, un usuario de reddit, autoproclamado el autor del post que originó todo en 4chan, publicó que todo fue una farsa, una creepy pasta que se inventó esperando las diversas respuestas de los usuarios de la deep web y los curiosos.
La comunidad se partió entre los que aceptaron que estaban buscando un unicornio, y los que se negaron, llegando a entrevistar a SakiSanobashiOP para desmentir su confesión y sustentar que la búsqueda de Go for a punch estaba justificada, que estaba ahí afuera y nomás no habían tenido suerte.
Este intento desesperado de mantener a flote la expedición se reforzó con el descubrimiento de un metraje perdido.
The Lady in a sea of blood
Hasta el 2019, “The Lady in a sea of blood”, era un rumor más de internet como Saki Sanobashi. Este corto de bajo presupuesto sobre una mujer que termina cubierta de sangre en un baño mientras pierde la cordura, se consideraba una leyenda… Hasta que una copia probó su existencia.
De la página TwistedAnger, especializada en metrajes raros, y de donde apareció la copia de “The Lady in a sea of blood”, un usuario con un supuesto buscador especializado que arrojaba resultados no indexados en internet, se ofreció a contribuir a la cruzada de Saki Sanobashi.
Los resultados que proporcionó, nuevamente eran enlaces borrados o inaccesibles (y uno no relacionado). A pesar de que uno de dichos enlaces dio a muchos la esperanza de que sí existía el anime, también fue desmentido, pues las fechas entre la creación de la publicación y la creación de la plataforma donde se alojaba el video, no coincidían.
Si a esto se le suma la vaguedad del “investigador” en tanto a su software, cómo hizo las búsquedas y que convenientemente hackearon su usuario después de soltar la bomba, no queda duda de que era alguien aprovechando la situación para fastidiar gente.
¿Existe Go for a punch?
Como se dijo al inicio, creepy pastas y leyendas urbanas nos plantean la pregunta de si será cierto, y la búsqueda por Go for a Punch, demuestra que en algún momento, todos queremos creer, la diferencia radica en cuántas pruebas necesitamos para decidir lo contrario.
Si bien “The Lady in a sea of blood” rompió su maleficio, Go for a punch no ha gozado de esta suerte, y ha decantado más por el lado de la mentira, acompañado de aquéllos que no pierden la oportunidad de jugar con quienes aún creen que este anime es real.
Y quién sabe, igual y en unos años tenemos la sorpresa, y quienes conservaron la fe encuentran la aguja en el pajar. Por mientras, queda lo producido por los mismos fans de esta leyenda, que no solo se limita al fanart, dado que existe un juego para PC hecho en honor a esta historia.
Quien lee Junji Ito se suele maravillar por la rareza de sus historias, ese modo con que toma la realidad y la retuerce bajo el velo de lo extraño hasta alcanzar un final que desafía expectativas y hace palidecer a sus lectores, que pueden terminar más confundidos que el personaje protagonista del manga. Con esta originalidad viene un precio a pagar, es difícil comprender la obra de este mangaka.
Uzumaki capitanea su producción, siendo la historia que lo catapultó a la fama, siguiéndole en popularidad Gyo, Tomie y Hellstar Remina. No es hasta estos últimos años que se ha mirado con detenimiento otra parte de su producción, sus one-shot, donde en un promedio de 30 páginas por historia, Ito despliega su talento para narrar un “cuento” al más puro estilo de Edgar Allan Poe: para leer en una sesión, contundente y conciso. De aquí han salido obras que ganaron prestigio, como “El enigma de la falla de Amigara”, “Los globos asesinos” o “Chica babosa”.
En las pocas páginas que maneja sus one-shot, Ito confronta a sus protagonistas contra un mundo inexplicable que se inclina hacia, si lo ponemos en términos occidentales, la literatura weird. Este estilo gravita sin problemas hacia el horror cósmico, donde la razón pierde la brújula y es eclipsada por eventos que escapan todo mecanismo que poseamos para procesar la realidad.
¿Y es que acaso no vivimos esto durante nuestra vida diaria cuando lo desconocido invade o se cruza en nuestro camino y cuestiona lo que creíamos? Cierto es que no nos sucede con la magnitud fantástica que Ito presenta, pero hay que considerarlo para explorar con más facilidad esa capa de simbolismos que maneja en su narrativa.
Es común escuchar a algunos etiquetar de malos los finales de sus mangas, y es difícil culparlos por ello. Los medios nos han orillado a una concepción del terror que sigue la fórmula de las producciones populares de Estados Unidos, donde hay una conclusión que explica lo ocurrido, cerrando la trama, volviéndonos pasivos y dando por hecho que las historias de este corte tienen como objetivo apagar el cerebro, asustarnos y alimentar el ocio.
Con esta visión pasan dos cosas a menudo:
Se racionalizan las historias, buscando una explicación a todos los eventos
Como consecuencia del anterior, cuando el final queda abierto o se invita a emitir un juicio que el autor no expresa explícitamente, la historia puede sentirse incompleta.
El estilo narrativo de Junji Ito
Ito se especializa en horror cósmico, así que trata con lo desconocido, ese punto donde, como se expresó con anterioridad, carecemos de escudo contra lo incomprensible y hay que afrontarlo. Por este motivo sus obras exigen de nosotros, nos obliga a involucrarnos con sus páneles y trazos, aceptando que lo desconocido no se puede explicar. Sumémosle que él mismo ha declarado que está consciente de la dificultad para entender lo que escribe y dibuja.
¿Es posible entonces descifrar qué hay detrás de los agujeros de “El enigma de la falla de Amigara”, los globos de “Los globos asesinos”, el monstruo de “Mis queridos ancestros”, las manifestaciones de la espiral de Uzumaki o el porqué de los sueños de “El sueño más largo”?
Sí, pero hay que alejarse de la visión popular sobre cómo funciona el terror y leerlo en un campo metafórico. Los simbolismos abundan en la obra de Ito, distribuidos entre las letras y lo visual, los cuales, junto a su característica ambigüedad, permite que cada persona adapte el significado de lo leído según su experiencia de vida y conocimientos, por lo que cada uno puede tener una lectura diferente. Captar estos simbolismos requiere esfuerzo, leer muchas historias de su obra o releer su material con el propósito de encontrar un significado. Otro consejo es no pensar en cómo suceden las cosas y enfocarse en por qué acontecen.
Por citar una de las más famosas, “El enigma de la falla de Amigara”, hay qué pensar en por qué reaccionan los personajes como lo hacen ante los orificios que aparecen en el interior de las montañas y por qué toman las decisiones que los llevan a dicho final, sin perder el tiempo buscando los orígenes de lo misterioso.
Junji Ito y sus mangas no tienen como objetivo contar una historia y cerrarla, sino abrirla para invitar a una reflexión donde el susto no es la única meta, sino una fracción de todo su potencial. La amalgama de terror corporal, cósmico y psicológico, es una capa gruesa que asombra en su primera aproximación, pero cuando uno se dispone a cruzar este nivel e ir más allá, descubre a un extraordinario narrador que ha hecho de la metáfora la inesperada herramienta con la que conquistó al mundo occidental.
Una mirada suya basta para hacer temblar al oponente. Su nombre es Seiichirou Kitano y su llegada a la escuela secundaria Hekikuu es solo el inicio de Angel Densetsu. La leyenda del imparable ascenso al poder del más feroz y brutal de los delincuentes juveniles. El asunto es que toda la gente está consciente de ello, menos él.
En realidad, Seiichirou es un pan de Dios, un ángel en toda regla que no mataría una mosca. Él solo busca hacer el bien a los demás, pero todo el mundo le teme por el aspecto condenadamente diabólico de su rostro. Para remate, le cuesta mucho expresar lo que piensa. Todo esto suele detonar en una serie de enredos que terminan por ponerlo cara a cara con los líderes de distintos grupos de matones.
Seiichirou Kitano, cordero con piel de lobo.
¿Cómo se resuelven estos extraños enfrentamientos? Es ahí donde reside mucho del encanto de los dos únicos capítulos en anime que posee Angel Densetsu,una producción a la que merece la pena echarle un vistazo si te llaman la atención algunos temas presentes en otras series sobre gamberros japoneses, como la reciente y muy popular Tokyo Revengers.
Enviado del cielo
El creador de Angel Densetsu es el mangaka Norihiro Yagi, a quien tal vez ubiques por otra de sus obras: Claymore (2001-2014). En el caso del manga protagonizado por el buen Seiichirou Kitano, este se publicó entre mayo de 1992 y febrero del 2000 en la revista Monthly Shōnen Jump, de la editorial Shueisha.
Portada del primer tomo de Claymore.
Tomo 15 de Angel Densetsu, de Norihiro Yagi.
En diciembre de 1996, de la mano de Toei Animation, fueron lanzados los dos capítulos en formato OVA que, hasta la fecha, son la única adaptación animada de Angel Densetsu. En conjunto, suman alrededor de 48 minutos de duración y abordan solo los primeros capítulos del manga, que cuenta con 15 tomos recopilatorios.
Una historia de gamberros
Lo que encontramos en estos dos episodios es una pequeña muestra del potencial que tiene Angel Densetsu, no solo como comedia de enredo, sino también, como el tipo de historia que parodia: manga y anime con temática yankī o furyou. Estos son términos que se usan en Japón para referirse a los delincuentes juveniles, pero que también apelan a una suerte de subcultura con elementos estéticos muy llamativos y una peculiar aura romántica.
Una de las pandillas a las que se enfrenta Seiichirou en la adaptación animada.
“Contrariamente a la forma en que se representaba al yankī en los medios de comunicación en ese momento, estos protagonistas yankī fueron representados como traviesos y rebeldes, pero carismáticos, honorables y, en última instancia, morales; a menudo se dedicaban a comportamientos delictivos y desobedecían las reglas de la escuela, pero nunca cometían delitos graves”.
Según menciona Kim, la popularidad de estas historias hizo que dicha representación del yankī se convirtiera “en un estereotipo en los medios populares japoneses posteriores a la década de 1980”.
Rebelde por accidente
Elementos típicos de esta clase de relatos, como esa tendencia a exagerar la actitud heroica y las habilidades para pelear de determinados personajes, llegando a extremos tan absurdos como épicos, están también presentes en Angel Densetsu. Esto, sin embargo, como consecuencia de situaciones que no busca el protagonista y que resultan cada vez más hilarantes.
Nuestro protagonista, casual, en un día de clases.
Tal efecto también se logra gracias a un ingrediente adicional y muy bien implementado en esta adaptación: el terror. Tanto las imágenes como la música, sonidos y voces, logran enfatizar el miedo que sienten todos al ver a Seiichirou. Cumplen, así, su objetivo de generar incomodidad y, a la vez, unas ganas auténticas de partirse de la risa.
Cabe destacar, en ese sentido, el trabajo del equipo liderado por el director Yukio Kaizawa. Su nombre tal vez no resuene tanto como el de otros profesionales del medio, pero posee una trayectoria donde figuran títulos importantes. Entre ellos, tenemos Jigoku Sensei Nube (1996-1997), Digimon Tamers (2001-2002) y Digimon Frontier (2002-2003). Esto además de ocupar distintos cargos en varias producciones de Toei, como One Piece o Sailor Moon Crystal.
Yukio Kaizawa, director.
Jigoku Sensei Nube (1996).
Digimon Tamers (2001).
“Al final de un siglo inhóspito…”
En suma, se podría decir que esta adaptación de Angel Densetsu es casi una pequeña joya olvidada. Si tuviera que mencionar algo negativo de ella sería, tal vez, la resolución del segundo capítulo, un tanto menos ingeniosa que otros giros anteriores.
Lo lamentable, en realidad, es que la experiencia se limite a estos dos capítulos. Estos terminan dejándote con ganas de conocer más sobre las aventuras de Seiichirou, un protagonista con el que es fácil empatizar desde el primer segundo. Por desgracia, de nuevo, el tiempo queda demasiado corto para presentar o profundizar en otros personajes. Atención, por ejemplo, con esa escena poscréditos (sí, la tiene) del segundo capítulo…ahí lo dejo.
Yuji Takehisa, de los contados personajes secundarios que logramos conocer un poco más.
La revoltosa nostalgia
Al igual que Angel Densetsu, existen diversas series OVA de los 80 y 90 con temática yankī. Esta figura del pandillero o pandillera japonesa (recordemos que existe un término específico para las mujeres: sukeban) es interesante de analizar, tanto por el atractivo visual de los trajes y peinados, como por determinados aspectos sociales y culturales del fenómeno.
Tenemos, por ejemplo, el hecho de que en la actualidad se hable de los mild yankī, una “variedad más suave y menos abiertamente rebelde de malhechores sociales”, según menciona el analista Harada Yōhei. Las pandillas, tal como solemos verlas retratadas en el manga y anime, hacen referencia a una realidad que pareciera ser cada vez más lejana en el tiempo para los japoneses. Este es un aspecto que, en cierto modo, se menciona en la misma Tokyo Revengers.
Hana no Asuka-gumi!, de Satosumi Takaguchi.
Sukeban Deka, historia creada por Shinji Wada.
Crows, manga de Hiroshi Takahashi.
Pandillas de manga y anime
Llama la atención cómo estos relatos, a pesar de su temática, tienden a manejar un mensaje casi aleccionador sobre superación personal, amistad y otros valores. Más que una virtud en plan “deberían mostrar esto en las escuelas” (tampoco tanto), me parece algo que forma parte de ese brillo, entre emotivo y cutre, que tienen estas producciones, a las que no está mal acercarse con algo de contexto y teniendo en cuenta su época.
Con sus fortalezas y puntos flacos, tenemos historias que son un desmadre (como Sukeban Deka, que merecería un informe completo), otras con una carga sentimental inesperada (Hana no Asuka-gumi!, de la mangaka Satosumi Takaguchi) y algunas dentro del clásico shōnen (Kōkō Butōden Crows, también OVA). Todas, al igual que Angel Densetsu, son historias en las que se puede encontrar cierta luz en medio de la oscuridad y la violencia del mundo en que vivimos. Y si la anterior frase te pareció patéticamente esperanzadora…pues, de eso se trata.
La gente brava en pleno, por ahora, solo en el manga de Angel Densetsu.
El maestro del terror Junji Ito adapta en manga la segunda novela más vendida en Japón: Indigno de ser humano del reconocido escritor de posguerra Osamu Dazai, quien cometió suicidio doble (con su amante) tras acabar de escribir el libro. Y aunque la novela no tiene el tipo de terror característico de Ito, es interesante para todo amante de la obra del mangaka conocer cómo representa visualmente sentimientos humanos que no ha explorado antes demostrando así que es uno de los dibujantes más hábiles de su generación.
El protagonista del manga es Yozo Ooba, un joven japonés que se refugia en el tabaco, alcohol y prostitutas para huir de su aversión a la sociedad. El parecido entre las vidas de Yozo y Osamu Dazai no es coincidencia.
Está basado en la segunda novela más vendida en Japón
La novela narra, en primera persona y de forma descarnada, el progresivo declive de Yozo, joven estudiante de provincias que lleva una vida disoluta en Tokio. Repudiado por su familia tras un intento de suicidio e incapaz de vivir en armonía con sus hipócritas semejantes, Yozo malvive como dibujante de historietas y subsiste gracias a la ayuda de mujeres que se enamoran de él pese a su alcoholismo y adicción a la morfina.
Sinopsis de Íbero Librerías.
Quizá les suene Osamu Dazai, pues es uno de los personajes del anime Bungou Stray Dogs que emplea varios nombres de escritores reconocidos. Su poder sobrenatural se llama justamente «Indigno de ser humano».
Indigno de ser humano se publicó en 1948, el año de la muerte de Osamu Dazai (1909-1948). Como menciona el investigador Phyllis I. Lyons, son pocas las dudas existentes sobre que Dazai efectuó un gran cambio en la naturaleza de la literatura japonesa después de la Segunda Guerra Mundial. Él fue el primer autor en articular el terrible colapso tanto de la nación japonesa como el del individuo japonés, y el primero en contar sobre dicha caída con un humor doloroso. Cabe resaltar que sus novelas tienen un carácter autobiográfico y Ningen Shikkaku (Indigno de ser humano, 人間失格) no se escapa de la regla.
La representación visual de la tristeza es uno de los nuevos retos para Junji Ito y logra salir airoso como se aprecia a la izquierda. La imagen de la derecha contiene una muerte violenta: un paisaje cotidiano en el universo Ito.
El manga recoge todo ese espíritu, donde el protagonista -que prácticamente es la historia del mismo Dazai- se da cuenta a una corta edad que al provocar risa entre sus compañeros y familiares puede lograr camuflar sus propios miedos. Es decir, usa el humor como mecanismo de defensa. Por ello, Junji Ito decide titular uno de los primeros capítulos «Payasadas«. Además, en el primer tomo del manga (son tres) se muestra al protagonista desde que es un niño rico hijo de un político importante hasta el inicio de su juventud como estudiante en Tokio (con incursiones en el amor y el comunismo durante la época militarista de la década de los treintas).
El manga es del 2017, pero en 2019 ECC Cómics publicó esta edición en tres tomos.
En la niñez vive un par de experiencias bastante desagradables que hacen entender al lector el porqué de su actitud autodestructiva hacia la vida. Por supuesto, el mangaka logra plasmar visualmente estos «fantasmas del pasado» de una manera visceral y perturbadora al mejor Junji-estilo gracias a su gran habilidad para jugar con las sombras.
Los personajes del manga existieron en la vida real
Las obras de Dazai son de carácter autobiográfico y, en cuando a narrativa, Junji Ito se mantiene bastante fiel a Indigno de ser humano. Un ejemplo de dos personajes que aparecen en el manga y que están inspirados en personas reales son 1) el mismo protagonista (quien es Dazai porque viven la misma historia: adictos a la morfina, mismos intentos de suicidio individual y doble, nacieron en cunas de oro, etc) y 2) Tsuneko, basada en Shimeko Tanabe. Ella fue una camarera que conoció Dazai en un bar. Trataron de cometer suicidio doble en 1930, pero él sobrevivió. El manga recoge y profundiza esta historia.
Osamu Dazai y Shimeko Tanabe.
Tsuneko es una camarera sumamente pobre y con un aura de tristeza infinita. Ooba al conocerla,siente una profunda empatía por primera vez en su vida. Junji Ito plasma el sentimiento de tristeza con aquellas líneas serpenteantes a modo de humo. Un sentimiento poco explorado en sus mangas.
Un buen dúo: Ito-Dazai y la crítica a la sociedad japonesa
Junji Ito (Gifu, 1963) es uno de los mejores mangakas de terror contemporáneos. Sus obras Tomie, Uzumake y Gyo gozan de una alta popularidad. Todas ellas tienen en común que Ito no solo las ilustra, sino que también se dedica a escribirlas. Por ello sus obras se sienten siempre tan personales y giran en torno a temáticas parecidas como la sensación de lo inhumano o la muerte inevitable. Es así como Indigno de ser humano resalta entre su obra porque no es un guion hecho por el mismo Ito.
Tres de sus obras más conocidas: Uzumaki, El diario gatuno de Junji Ito y Tomie. Todas ilustradas y escritas por Ito.
Si bien la novela no tiene el terror visceral ni está llena de cuerpos que van más allá de lo humano, parece que Ito quería explorar una crítica a la sociedad japonesa desde otro ángulo y la novela de Dazai es perfecta para ello. Además, hay otros retos como el contexto histórico, pues está ambientada en la década de los treintas y los mangas que ilustra son contextos actuales.
Junji Ito: un neko-mangaka de terror.
¿Cómo una persona tan adorable crea mangas como Tomie? Un misterio.
La historia contada visualmente al estilo Junji Ito
Cada página tiene varias viñetas (un promedio de cinco) y esto contrasta con los momentos donde el mangaka quiere poner su propio acento en la historia y selecciona, por ejemplo, un solo rostro que aparece en la página entera. Por supuesto éste será dibujado por Ito con un exceso de líneas negras a modo de sombra. Por otro lado, Ito no es un autor que se caracterice por lograr el movimiento como Takehiko Inoue (Vagabond, Slam Dunk) sino que su maestría reside en poder volver aterrador cosas cotidianas como los rostros de un compañero de colegio, una aparente simple oreja, etc a través de su manejo de las líneas delgadas.
El manga de la edición de ECC Cómics viene con un cobertor (la imagen del medio) que se puede sacar dependiendo del gusto personal. La primera y última imagen son la portada y contraportada que se encuentran debajo con un trazo delgado típico de Ito.
Un punto vital de la historia es los fantasmas del pasado atormentando al protagonista. Junji Ito se luce en las sombras.
Las referencias al Japón tradicional están a la orden del día. Conocer sobre el trabajo de las geishas o lo que se evoca al nombrar Kamakura (una ciudad costera con muchos templos budistas y santuarios shinto) puede ayudar a entender mejor el contexto, aunque no es del todo necesario en este caso. Ver el Gran Buda de Kamakura en un manga de Ito es inesperado.
El inicio en sus vínculos sexuales.Aquí con una geisha.
Apariciones del Gran Buda de Kamakura en productos de la cultura popular japonesa: ilustrado en manga por Junji Ito y filmado en El comienzo del verano, película de 1951 de Yasujirō Ozu.
El trabajo de Junji Ito también resalta en la edición: de un momento aparentemente tranquilo pasa a uno perturbador porque sabe usar las viñetas de transición. Un ejemplo se encuentra en esta escena de tres páginas: en la primera se observa el apacible mar de Kamakura. En la segunda pone el acento sobre los rostros, pero cambia el fondo a un color oscuro. En la tercera vuelve al uso de blanco en el fondo para acentuar el dramatismo.
Las cosas cambiaron algo rápido
La tristeza gráfica y la incursión en el marxismo
¿Cómo representas la tristeza en dibujo? Esto es lo más interesante en el primer tomo del manga porque es un sentimiento pocas veces dibujado por Ito. Él lo resuelve con un trazo ondulante que imita al vapor (o sensación de calor) como en la imagen que está a continuación. Lo utiliza sobre todo cuando aparece este personaje llamado Tsuneko, pero también es utilizado cuando por ejemplo el protagonista camina por las calles de Tokio y varias mujeres lo siguen porque «sus instintos las hace oler su soledad y tristeza». Cabe resaltar que el manga está lleno de varios personajes que entran y salen de la vida del prota.
La profunda tristeza los unía.
La incursión del protagonista en el marxismo también es de carácter autobiográfico. En el manga, el joven estudiante está en una constante búsqueda de algún motor que lo saque del infierno en el que vive por dentro. Cuando conoce sobre las reuniones comunistas prohibidas en un sótano, acude de curioso, pero no le termina por satisfacer. Igual sigue yendo para matar el rato aunque cree que son personas falsas.
Los movimientos socialista y comunista comenzaron en la era Taisho (1912-1926): un periodo conocido como de «paz», pero se sabe que realmente fue todo lo contrario. La era Taisho fue el paso entre la reforma Meiji (donde Japón se abrió camino hacia la modernización occidental) y el militarismo y nacionalismo japonés de la era Showa. Como menciona Mikiso Hane en Breve historia de Japón:
Los comunistas organizaron un partido clandestino en 1922, pero el gobierno detuvo a sus líderes en 1923 y, un año después, el partido quedó disuelto. […] Los socialistas comenzaron por organizar su propio partido político en 1906, pero el gobierno lo prohibió al año siguiente. En 1920, constituyeron la Liga Socialista Japonesa, que contó nuevamente con la prohibición gubernamental. […] La persecusión a los comunistas continuó hasta la década de 1930, pero el movimiento comunista vivió presionado hasta después de la Segunda Guerra Mundial.
M. Hane
El marxismo también tuvo sus seguidores en la comunidad académica, y eran muchos los profesores y estudiantes interesados en la ideología marxista. Pero también esta comunidad se vio afectada por la purga de «pensadores peligrosos»: se encarceló a muchos estudiantes y algunos profesores destacados fueron despedidos
Se siente el poder visual de Ito: para mostrar el descontento del prota, los cuerpos se ven alienadosyendo más allá de lo humano.
«Somos camaradas unidos por Marx. Te llamas Ooba no?»
Si aún no han leído la novela, el #GI Sugoi recomienda darse una vuelta por el maravilloso mundo de la literatura japonesa y quizá comenzar por ahí. Sino, también podrían iniciarse en este camino ninja con la novela número uno en ventas en Japón: Kokoro de Natsume Soseki de 1914, una obra brillante del cambio de siglo (y de época) que refleja las inquietudes de un hombre que es testigo del quiebre entre tradición y modernidad típico de la era Meiji. Finalmente, los tres tomos del manga de ECC Cómics pueden encontrarlos en Ibero Libreríasque también tiene sucursal en Huancayo.
Bibliografía (⁄ ⁄>⁄ ▽ ⁄<⁄ ⁄)
(￣▽￣)ノ Breve historia de Japón de Mikiso Hane. Editorial: Alianza Editorial.
Poseedora de una belleza fuera de este mundo, Tomie es la misteriosa protagonista del manga de terror que lleva su nombre y que catapultó a la fama a Junji Ito. La ópera prima del mangaka se centra en esta joven inmortal que impulsa a sus admiradores a la desesperación con el fin de obtener un beneficio personal. Entre sus intereses recurrentes está la simple satisfacción de observar cómo sus víctimas hacen su voluntad, pero esto suele desembocar en una tragedia dado que la obsesión y desesperación que Tomie crea en ellosllega a tal punto que la mayoría acaba por asesinarla o herirla de las maneras más sádicas y retorcidas.
Tomie Kawakami, identificada por su largo cabello negro y un lugar debajo de su ojo izquierdo.
Para sorpresa de ellos, Tomie tiene la capacidad de regenerarse inmediatamente y también de multiplicarse. Es decir, cuando una Tomie muere genera una copia exacta de sí misma y así el proceso de clonación crea una eterna cadena de terror.
Proceso de clonación tras ser asesinada sádicamente
Junji Ito comenta que se inspiró en el fenómeno de la regeneración de los lagartos para crear el manga. Su idea inicial era centrarse en una joven que había vuelto a la vida, pero que no recordaba su muerte por lo cual actuaba con despreocupación al presentarse en el colegio ante la mirada de terror de sus compañeros. Mientras la historia se desarrollaba, Ito convirtió a Tomie en una persona cruel, ya que creía que el manga sería más interesante si presentase a alguien que no fuera agradable.
Fuente: Colección Junji Ito.
El primer capítulo fue publicado en 1987 en una revista shōjo llamada Monthly Halloween y el último salió en el año 2000. En total existen 24 capítulos que no se conectan entre sí y técnicamente cada uno se trata de una copia nueva de Tomie. Cabe resaltar que en 1989 Junji Ito fue el ganador del premio Kazuo Umezu (uno de los padres del manga de terror) que lo convirtió en uno de los referentes del terror japonés gracias a esta perturbadora historia.
Izquierda: Tomie luciendo adorable. Centro: Junji Ito siempre sonriente. Derecha: Kazuo Umezu, considerado el padre del manga de terror desde la década de los sesenta.
La película de anime que viste y no querías recordar: Midori, la niña de las camelias. Tan controversial que el director nunca encontró financiamiento y tuvo que rodarla él mismo (por eso le demoró 5 años). Tan controversial que la prohibieron en Japón (qué tan perturbadora y trasgresora tiene que ser?)
¿Por qué algo tan grotesco tiene el nombre de una flor en el título? Pero si es una niña que vende flores, ¿qué puede salir TAN mal? Pues, créannos que las cosas salen MUY mal. Este texto tiene una que otra imagen perturbadora. Seguir leyendo bajo su propia salud mental uwu.
«Midori, la niña de las camelias» o «Shojo Tsubaki» es una película de 1992 dirigida por Hiroshi Harada. Entra en el género «eroguro» (erótico y grotesco) y está basada en el manga del maestro del terror Suehiro Maruo. El film está dividido en cuatro partes: «Prólogo», «Canción Primera», «Canción Segunda» y «Canción final». En todas ellas, está la presencia de dos flores: el sakura (o flor del cerezo) y las camelias, por supuesto. Lo interesante es que sus apariciones no son gratuitas y siempre están ligadas a un solo personaje: Midori-chan :3
Flores! Sakuras! Pero qué podría salir mal? ┐(︶▽︶)┌
Esas dos imágenes de arriba pertenecen a la corta escena previa al «Prólogo» la cual es un compilado de tomas fijas de escenas de terror tradicional del antiguo Japón donde aparecen los famosos yokai y yurei. También se muestran a algunos de los futuros personajes del circo en poses -algo- sangrientas (ya en verdad se ve una niña mordiendo el ojo de un pollo). Todo este desfile de misterio de unos cuantos segundos acaba con ese par de imágenes. La imagen de la izquierda muestra las primeras flores de sakura y la imagen de la derecha es por fin el título de la obra con el fondo de sakuras (aunque uno esperaría camelias, pero no).
Ese dibujo de las flores de la derecha son realmente sakuras o camelias? Para evitar futuras confusiones hay que tener presente el siguiente gráfico:
Sakura (cerezo), Ume (ciruelo) y Momo (durazno)
Inclusive dentro de una animación, la flor de sakura puede tener una forma más de dibujito y es como la del título. La flor de la camelia es más esponjosa como se verá luego. Entonces desde el primer minuto el director ya está marcando su estilo el cual es el de contraste. Harada lo busca entre un intercalado de imágenes sangrientas y las que tienen la presencia de las flores como símbolo de la inocencia perdida (esta es el típico significado de una flor junto con el de fragilidad, pero acá no es SOLO eso) y la muerte en dentro de un mundo hostil. Estas flores también funcionan como augurio en varias escenas (vinculadas por supuesto a sucesos trágicos que tendrá la protagonista). Para ello, hay que rescatar el lenguaje de las flores, pues tanto la camelia como el sakura tienen significados bastante antiguos que han perdurado en el tiempo y la sociedad japonesa.
SAKURA: la flor del cerezo y uno de los símbolos más conocidos de Japón. Solo florecen una vez al año al comenzar la primavera durante un mes. Se le asocia con lo efímero y la mortalidad por su corta duración. La expresión «mono no aware» que significa «conciencia de la impermanencia» está simbolizada con el sakura. Además, la cultura samurái también está ligada a ella, pues la vida de ambos son breves y los pétalos al caer representaban las gotas de sangre derramada (Midori habrá sabido esto?)
CAMELIA O TSUBAKI: flor tradicional japonesa menos conocida, pero con un mito muy interesante detrás. Cuenta la leyenda (en el Kojiki, el primer libro escrito) que el dios Susanoo luego de vencer a una serpiente de 8 cabezas, se acercó a una princesa que estaba en cautiverio y, pidiéndole matrimonio, apoyó su espada en la hierba que por la sangre de la serpiente comenzó a ponerse roja. De esa mancha apareció un arbusto con unas flores que fueron llamadas Tsubaki (camelias) y su característica es que no pierde los pétalos, sino se desprende completamente de la planta al marchitarse. Se le asocia con humildad, «amor perfecto» y… sangre.
Entonces ahora sí podemos pasar a ver todas las imágenes en donde salen flores dentro de la película. Se darán cuenta que solo están vinculados con Midori-chan, pues ella representa la inocencia y fragilidad (por su condición de niña, la pobreza/desamparo en la que está sumida y su mente soñadora). Pero que también la mención de las camelias tanto en el título y dentro del film no es casualidad: hay una leyenda tan antigua que la asocia con la muerte y lo sangriento que definitivamente Suehiro Maruo (el mangaka) lo tuvo presente al hacer esta perturbadora obra.
Oh un circo yei
Las primeras imágenes son de un escenario nocturno: unas calles desoladas, pero también otras con ciertos personajes como prostitutas y jóvenes que venden caramelos. Mientras eso ven nuestros ojos, se oye una dulce voz que narra lo siguiente: «sueños de magnolia en el primer trimestre. Girasoles y princesas en el segundo trimestre. Jazmines en el tercer trimestre. Sauces en el cuarto trimestre».
Por qué una niña está en la calle de noche hablando de flores?
Esta es una lista de flores que crea un contraste con la hostilidad de la imagen. No se volverá a hacer una mención expresa sobre flores hasta los créditos finales. Finalmente la cámara (son puras imágenes fijas. Es una edición particular, pero recordemos que nadie quería financiarle la película xD) se posa sobre un puente y esta voz dice «mis flores se han marchitado».
Primera imagen de nuestra niña de las camelias :3
Aquí aparece por fin la niña a la que le pertenece la voz. Hay antecedentes de historias tristes de niños que venden en la calle para subsistir como el capítulo «La niña de los cerillos» en «Me lo contaron en Japón», el programa de las marionetas japonesas. El peligro de la presente historia cobra la forma de un señor dueño de un circo con sombrero que aparece ahí al fondo a la izquierda. Esta es la primera vez que vemos las camelias del título y no podrían venir acompañadas de un peor augurio como lo que le espera a Midori en el circo ambulante.
«Este es un lugar muy triste para venderlas. Ve a un sitio más bello” le comenta el dueño del circo quien ha aparecido sutilmente en el panorama. Además pregunta primero: «¿tu madre?» «Enferma» «¿Tu padre?» «Se ha ido». Pero por qué hace esas preguntas! Definitivamente su verdadera naturaleza está camuflada. Midori, reacciona! Pero el punto de esta historia es justo la crueldad vista desde el punto de vista de una niña que no puede anticipar los motivos egoístas de humanos como él. “Ve a casa que este lugar está lleno de hombres repugnantes”, le dice para colmo. ¿Y quién le compra todas las flores? ¿Quién compra su inocencia? Este señor que se la robará a continuación.
Midori le había puesto esas camelias antes de salir? Acá se aprecian lo pomposas que son (no confundir con rosas)
La siguiente escena muestra a una convaleciente madre en cama. Midori está yendo a contarle emocionada que un buen hombre le compró todas sus camelias, pero la madre parece no reaccionar. Sí, está muerta. No pondré la imagen de las ratas saliendo de la vagina, pero vale la pena recordarlo por el contraste que supone con la madre muerta echada entre las floras que vendía su hija. Aquí vale la pena recordar la leyenda del dios Susanoo.
Esta imagen se volverá a repetir, recuérdenla!
Esta toma engloba todo lo que es Midori: una niña que solo quiere ir al colegio. Repetidas veces ella lo menciona, es más, el dueño del circo le comenta que él podría ayudarla aunque luego se da cuenta que es mentira porque al ser un circo ambulante, ella no puede estudiar en un lugar fijo. Aquí resalta la importancia de esta característica del circo.
En la canasta de flores se pueden observar las pomposas camelias o tsubaki. Esta imagen aparece mientras las vecinas chismosas comentan sobre las ratas encontradas sobre el cadáver. Una vez más, muerte y camelias en una misma imagen.
Con esa imagen perturbadora termina el prólogo. Perfecto.
Una vez que Midori va en búsqueda del dueño del circo, pues él le ofreció ayuda, ella descubre que todo era un engaño. Es forzada a unirse a él y además es abusada sexualmente. Llama la atención que aparece en esa fuerte escena un manto con estampado de sakuras. Ahí termina el prólogo y ahora comienza la «Canción primera: Paciencia y sumisión»
Qué más simbólico que vomitar sobre el único kimono con flores de la película…
En este lapso de tiempo, Midori ha sido abusada de formas inimaginables para ser una niña. Entre las maldades a las que fue forzada es a ser espectadora de una pelea de una serpiente y un pollo. Por ello, vomita encima de su kimono que casualmente tiene estampado de sakura. Por ejemplo, los otros personajes no tienen estampados similiares, solo la otra mujer que tiene un kimono con mariposas.
En un instante se observa un sakura en flor, pero que está ya muriendo y luego de un par de escenas devastadoras, aparecen los pétalos volando al viento.
Estos chibolos no habían pagado y se burlan de la sangre :S es un contraste con la soñadora Midori
En la película no se muestran otros niños aparte de Midori y los que se encuentran a continuación. Ellos se presentan como niños poco amables que contrastan con Midori. Entonces no se trata que ella sea soñadora y buena solo por ser niña: es una cuestión de su personalidad también.
Izq: una camelia atrás que parece una almohada. Medio: Midori ya está en completa oscuridad. Derecha: flor de otoño
Antes que termine «la primera canción» aparece una almohada en forma de camelia al fondo de donde descansa Midori-chan. Ella acaba de ser obligada a lavar cuerpos mutilados y ver a otras personas tener sexo mientras duerme. Es justo después de los puntos críticos donde aparece la flor. Además, en la colcha que lleva (está con fiebre) en la imagen arriba a la derecha, tiene un estampado de una flor de otoño que recuerda a la colcha que tenía su madre en su lecho de muerte.
Por favor alguien salve a Midori-chan!
Verdadera magia! (ノ ˘_˘)ノ ζ|||ζ ζ|||ζ ζ|||ζ
Este es el punto de quiebre en la historia. Aparece Masamitsu. Le da un beso con la flor en la mano. “No recibiré uno de vuelta?” Parece que se han enamorado al instante.
Aló, ¿con la ONU?
El cambio en la vida de Midori se manifiesta visualmente con el cambio de color en las flores
Flores sobre la ropa de los enamorados ╮(︶▽︶)╭
El enano no aparecía al inicio con una flor en el pecho hasta que comienza una relación con Midori. Simboliza la unión con la niña de las camelias. En el gorro de Midori también aparece una flor amarilla, además ella está feliz.
Oh no, acá vamos
Volvió a salir la imagen! pero ahora en el sueño bonito de Midori donde está con sus padres uwu
El enano parece haberla inducido a un sueño placentero en el cual está Midori rodeada de sus padres nuevamente en un ambiente de felicidad. Se hace alusión al colegio que es lo que Midori más desea. Por ello vuelve a aparece la imagen de las camelias con la mochila, pero ya no en un contexto fúnebre. Aparte, aparece un cuadro al fondo con flores amarillas. Como hemos visto, no suelen aparecer flores así porque así en el film entonces no es casualidad que en un momento de felicidad aparezcan al fondo en el sueño.
«Midori-chan, vendrás conmigo?»
El nombre del capítulo ha marcado el fin de la historia «Canción final: bajo la flor del cerezo». Ahora la protagonista es esta flor que también está vinculada a la muerte por lo efímero de su florecer, pero también juega un rol importante en los amantes que se suelen separar (como en «5 centímetros por segundo» de Makoto Shinkai»). La distancia entre pétalo y pétalo que se desmprende enmarca una futura separación. Aquí no puede ser más claro, sobre todo cuando se sabe que él morirá en unos instantes cuando va a comprar comida y un ladrón lo asesina para robarle.
«Esto no es un sueño» dice Midori feliz porque por fin la realidad es mejor que el sueño 🙁
El augurio de los pétalos de sakura y la despedida que parece momentánea, pero será eternauwu
Busca a su amado quien ya está muerto al igual que ese árbol de cerezo. Por qué la vida es así con Midori? Qué hizo ella para merecer todo esto? ((╬◣﹏◢))
En este momento de dolor absoluto de Midori, la querida niña de las camelias, tiene una alucinación donde ve a los del circo con los pétalos de sakura volando encima. En este instante la animación cambia y ella aparece con un palo de madera que usa como bate para «matar» ese dolor que proviene del maltrato que recibió esta niña-flor. Su inocencia terminó por extinguirse.
SED DE VENGANZAÚltima imagen de Midori: la niña se funde con el color de las camelias. RIP
Y así termina la vida de Midori y la aparición de las flores con ella. Aquí en los créditos se vuelve a mencionar a las flores expresamente y cómo no pensar en la mancha de sangre vertida en el jardín por la espada del dios Susanoo que hizo florecer por primera vez a las camelias en Japón uwu la vida de Midori también se siente así: vino de un lugar sangriento como el desamparo de la calle y pobreza y aunque encontró el amor romántico (como la princesa de Susanoo), se le fue arrebatado y no hubo para ella un final feliz :c
Las camelias vinculadas a la muerte como en el mito de Susanoo (っ˘̩╭╮˘̩)っ Ese era tu destino, Midori-chan.
PD: hay otras películas japonesas donde también la camelia se asocia como un presagio de muerte. Busquen «Youth of the beast» del gran Seijun Suzuki de 1963.
