Autor: iaq66

  • “Perfect Blue”: Cuando el reflejo se vuelve una pesadilla

    “Perfect Blue”: Cuando el reflejo se vuelve una pesadilla

    Antes de que películas como Black Swan o Mr. Robot exploraran las grietas de la identidad, ya existía una obra que lo había hecho con perturbadora lucidez. En 1997, Satoshi Kon debutó con una cinta que rompió los límites del anime tradicional y nos llevó al borde de la fama, la obsesión y la locura: Perfect Blue.

    Ficha técnica
    Director: Satoshi Kon
    Estudio: Madhouse
    Guion: Sadayuki Murai (basado en la historia original de Yoshikazu Takeuchi)
    Año de estreno: 1997

    La ópera prima de Kon redefinió la forma en que el anime podía abordar los conflictos psicológicos adultos. El director —quien más tarde nos deslumbraría con Millennium Actress y Paprika— ofreció una crítica feroz a la cultura idol y a la distorsión de la imagen pública en la era mediática.

    La protagonista, Mima Kirigoe, una joven idol, decide dejar su grupo musical para probar suerte en la actuación. Pero lo que parecía un paso natural hacia la madurez se convierte en una pesadilla: acoso, paranoia, ansiedad, y una confusión creciente entre lo real y lo imaginario. Perfect Blue convierte su relato en un espejo fragmentado de la mente, donde incluso el espectador duda de lo que está viendo.

    Temas centrales
    – Identidad y pérdida del yo
    – Crítica al fanatismo y a la industria del entretenimiento
    – Presión mediática y disociación psicológica
    – Voyeurismo y manipulación de la imagen femenina

    Influencia e impacto
    Inspiró directamente a Darren Aronofsky, quien compró los derechos de ciertas escenas para Requiem for a Dream y construiría sobre esa base su propia Black Swan.

    Sigue siendo una referencia ineludible del anime psicológico moderno.

    Su montaje no lineal, su simbolismo visual y el uso de reflejos se estudian hoy en escuelas de cine.

    La banda sonora de Masahiro Ikumi contribuye al desconcierto emocional con sintetizadores y coros distorsionados.

    La canción Angel of Love expone el contraste entre la fachada pop de Mima y su verdadera identidad.

    Al final, Perfect Blue no solo te hace dudar de lo que ves, sino también de quién eres cuando miras tu propio reflejo.
    Una obra maestra que, con el paso del tiempo, se vuelve más nítida y más inquietante: un espejo donde todos, de algún modo, terminamos viéndonos.

    Proyecto Sugoi pudo estar presente en el Avant Premier gracias a la invitación de nuestros amigos de @cinetopia y @artuparedesv; donde disfrutamos junto a los invitados de la película en una de las salas de @cineplante en su sede de Santa Catalina.

    Puedes comprar tus entradas aquí

  • El primer Super Saiyajin

    El primer Super Saiyajin

    Sonó el timbre del colegio y se inicia una carrera embravecida hacia la casa. Estaba en quinto de primaria y la saga de Freezer estaba en todo su apogeo. Mi madre me sirve el almuerzo con desconfianza, no me gusta el pescado, pero si quería ver Dragon Ball a las 5 de la tarde por América TV, tenía que comerlo.

    Hice mis tareas lo más rápido posible, tentando el apuro y la prolijidad al mismo tiempo (no fue buena idea) ya que la pelea entre Gokú y el emperador del universo estaba en su punto más elevado. Ya con una tarea para el olvido, me siento en el sillón y prendo el televisor con ansias para ver el final de varias vueltas de tuerca que fueron inesperadas en su momento. Canto el opening, veo las escenas pasadas, sufro con la crueldad contra Krilin y luego sin más, nuestro calvo amigo vuela por los aires.

     

     

    ¡¿Qué es eso?! ¡¿Por qué cambió el color de su cabello?! ¡¿En qué va a cambiar esto la saga?! Eran demasiadas preguntas y en un mundo sin internet, solo te quedaba aguantar hasta el próximo capítulo, no había foros de discusión, redes sociales o un WhatsApp para vivir juntos la aparición del primer Super saiyajin en la televisión peruana.

    Dormí poco, pero soñé mucho. Al día siguiente el colegio era un hervidero de rumores y expectativas, todos hablaban de ese capítulo, niños, jóvenes, y profesores jóvenes. No recuerdo si revisaron la tarea, creo que había pasado a un segundo plano. Así recordaré a Toriyama, como el arquitecto de nuestras infancias quien pudo poner a soñar a millones de niños que deseaban sorprenderse e inspirarse aun con las limitaciones tecnológicas de la época pues si bien adoro todas las transformaciones que tuvo Gokú, ese primer super saiyajin siempre quedará en mi memoria y en la de miles de niños quienes, en la clandestinidad de nuestros hogares, intentábamos gritar a ver si por ahí lográbamos un chispazo de poder o energía.

    Autor: merlinmirror

     

  • Slam Dunk, un triple de media cancha

    Slam Dunk, un triple de media cancha

    Cuando se anunció el proyecto de una nueva película de Slam Dunk, había escepticismo por el largo tiempo transcurrido desde su exitoso ciclo anterior: cerca de treinta años después de la última película, el final del manga y el final de la teleserie. ¿Cómo reconectar con el fandom, ganar nuevos adeptos y, de paso, producir por fin un largometraje de la franquicia? Recordemos que las cuatro películas anteriores no pasaban de 45 minutos (eran mediometrajes) y enfocaban episodios muy específicos. O sea, parecían más un complemento de los 101 episodios que tuvo la teleserie. Para hacer la apuesta más inquietante, el propio mangaka y creador de la historia, Takehiko Inoue, decidió tomar a su cargo el guion y la dirección de la película, en condición de debutante en ambos menesteres.

    A pesar de las dudas, la presencia del creador de la historia a la cabeza del proyecto resultó muy beneficioso, pues quien mejor conoce el argumento puede encontrar ángulos atractivos para enfocarlo. Inoue-sensei decidió entonces llevar a la pantalla el último tomo (tankobon 31) del manga, y complementarlo con algunas explicaciones de la situación de los protagonistas. Y es eso quizás lo mejor de The First Slam Dunk: sus 124 minutos son una aventura perfectamente autocontenida, donde se desarrolla un solo partido, pero con una dosis precisa de flashbacks que incrementan el interés por las adrenalínicas secuencias deportivas. La impresión final es que el metraje de la película es bastante menor, lo que habla muy bien de su aspecto narrativo.

    La animación es el apartado donde son muy visibles las décadas transcurridas desde la última película. Ahora, las computadoras están completamente a cargo, con técnicas 3D al servicio del 2D. Es aún polémico su uso por los resultados estéticos, pero está claro que la nueva tecnología se ha aprovechado al máximo para dotar de un realismo contundente a las escenas deportivas, que nos hacen sentir como en las mismísimas graderías. Los monosílabos de los jugadores, el chirriar de las zapatillas sobre la cancha, el eco del balón y los gritos de los espectadores completan la experiencia visual que nos transmite la maestría de los animadores de los estudios Toei y Dandelion en el tratamiento de los ángulos y los movimientos. Además, los amantes del baloncesto podrán dar testimonio de la extrema fidelidad con que se representan las zapatillas, tanto que en los créditos finales aparecen las marcas auspiciadoras. Y para los otakus más puristas, la película se puede ver en su idioma original con subtítulos, de modo que se disfruta además del espectacular trabajo de voces, toda una marca registrada del anime.

    En resumidas cuentas, The First Slam Dunk es un derroche de testosterona y una reafirmación del tremendo potencial del spokon o manga deportivo: no importa que no hayas visto la serie o leído el manga, ni siquiera importa si eres fan del básquetbol. El deporte simplemente abona el terreno para una narrativa donde las emociones, los sueños y los demonios internos de los protagonistas se entrelazan en una maraña de sudor y energía. Canasta por canasta, esta película se convierte hasta ahora en el estreno de anime del año en nuestras salas.

    En el Perú se estreno en los Cines de Cinemark, Cineplanet y Cinépolis y aunque ya salio de cartelera es probable que sea transmitida por la plataforma de Crunchyroll.

  • Maratones de Sugoi

    Desde 1996, antes de formalizarse como Proyecto Sugoi, y después del lanzamiento de la revista, los responsables del proyecto sostuvieron algunas conferencias de difusión, con proyección de videos incluida. Estas actividades fueron los antecedentes de la formación de Club Sugoi, y en esta sección hemos tratado de rescatarlas de nuestra memoria.
    El hecho es que, motivados por el éxito de las primeras reuniones de Club Sugoi, y con la experiencia necesaria para el manejo de este tipo de actividades, se decidió realizar una extensión de estas reuniones con el fin de permitir la asistencia de público no asociado y de paso incentivar las inscripciones. El resultado fue un proyecto de reuniones mensuales, cada una con el título genérico de Maratón de Anime Sugoi.

    Como su nombre lo indica, se trata de una función en la cual, a diferencia de las reuniones de Club Sugoi, no se da tanta interacción entre los organizadores y el público, así como entre los mismos asistentes, pues las funciones tienen una duración usual de cuatro horas, con apenas unos 15 minutos de intermedio. Esta característica es la que define estas proyecciones como «maratones», pues se trata de proyectar la mayor cantidad de videos en el tiempo fijado.

    Con el tiempo, las maratones se especializaron y dieron lugar a actividades conocidas como Gran Maratón de Anime Sugoi, así como una dedicación exclusiva de las maratones a series de televisión. Por tal razón, se contempla el establecimiento de maratones especiales en las cuales sólo se proyecten OVAs o películas, en la línea del experimento llevado a cabo el 19 de julio de 1998.

    Por el momento, las maratones han sido suspendidas debido a la reestructuración de horarios de Club Sugoi, cuyas funciones ahora abarcan tres domingos al mes. Esperamos hacer nuevos anuncios cuando hayamos fijado un local y unas fechas adecuadas.

  • Club Sugoi: breve historia

    CLUB SUGOI

    Creado por sugerencia de nuestros lectores, Club Sugoi es la formalización de las conferencias que ofreció el Comité Editorial de la Revista Sugoi a lo largo de 1997 en distintos lugares de la ciudad de Lima. En todas esas conferencias se desarrollaba algún tema relacionado con el manga y el anime, además de anunciarse los próximos pasos del Proyecto Sugoi. Como conclusión, se proyectaban videos y musicales no estrenados en nuestro país, y se realizaban sorteos de afiches, revistas y material similar.

    El problema con dichas conferencias radicaba en lo esporádico de su realización, pues se dependía de la invitación de alguna institución para contar con algún lugar aparente. Esto nos impedía programar alguna serie, pues no existía certidumbre sobre la fecha de la siguiente reunión, y menos aún garantía de que el mismo público estuviera presente. Además, no se podía publicitar en la revista la fecha exacta de las próximas conferencias.

    Hacia fines de 1997 y dado el crecimiento de la revista y sus productos, decidimos planificar una serie permanente de reuniones mensuales, donde pudiéramos ofrecer un programa similar al de las conferencias anteriores, pero con sustanciales mejoras. El resultado fue Club Sugoi, una asociación cuyos miembros se reúnen un domingo al mes para atender proyecciones de material exclusivo íntegramente subtitulado al castellano, y a la vez para compartir su afición favorita con otras 1.000 personas.

    La primera reunión de Club Sugoi Lima tuvo lugar en el local del Club Loreto (Joaquín Madrid 441, San Borja), con tan sólo 579 socios, divididos en dos grupos (9:00 am y 3:00 pm). Desde enero hasta mayo de 1998, las reuniones se realizaron en el Coliseo San Francisco de Borja (Av. Las Artes s/n, San Borja), de 2:00 a 7:30 pm, con asistencia de un millar de asociados. A partir de junio de 1998, las reuniones tienen lugar en el teatro del Colegio Champagnat (Mártir Olaya 162, Miraflores).

  • Versailles no Bara: Seimei Arikagiri Kanashite

    Versailles no Bara: Seimei Arikagiri Kanashite

    (La Rosa de Versalles: mientras haya vida, ámame)

    En la casa Jarjaye, nace una niña, a la que su padre llama Óscar. Han pasado cerca de veinte años de ese acontecimiento, y Óscar se ha convertido en un brillante oficial del ejército. Entre tanto, Luis XVI y María Antonieta se han unido con el fin de mejorar las relaciones entre Francia y Austria, mas el noble Fersen llega a París y conoce a María Antonieta, surgiendo entre ambos un puro y sincero amor. Desde luego, este amor prohibido genera comentarios entre la nobleza y el pueblo. Un joyero ofrece a la reina un hermoso y costoso collar, pero la reina no lo compra. Tres años después, María Antonieta le ha dado un heredero a Francia, se trata de José; sin embargo, María Antonieta cae víctima de un complot, pues Jeanne ha falsificado su firma para comprar el collar y el Cardenal Rohan ha hecho de su garante en la transacción. El escándalo por la compra no se hace esperar, el pueblo sufre hambre por los impuestos mientras la nobleza se da la gran vida, esto crea un caldo de cultivo para el revolucionaro Robespierre, quien encuentra eco en el pueblo para sus ideas.

    Nuevamente, Fersen regresa a París, pues se había retirado al darse cuenta de lo dañino que era su amor para la reina, y aprovecha en visitar a Óscar, quien está enamorada de él.
    Una noche, un extraño personaje llamado El Caballero Negro se dedica a robar a los ricos para darle a los pobres; esto llama la atención de Óscar, y decide seguirlo hasta el castillo de Orleans. Con la ayuda de André, Óscar logra atraer la atención del Caballero Negro; pero durante el enfrentamiento, André es severamente herido. Óscar no se queda tranquilo y logra capturar al Caballero Negro, que resulta ser Bernard, un periodista revolucionario; mas, a pesar de haber herido a André, lo dejan ir.

    Debido a que José se pone mal, María Antonieta jura no volver a ver a Fersen; éste, al escuchar a su amada, va con Óscar y se entera de los sentimientos de ella hacia él, pero no van más allá. Óscar decide dejar la guardia imperial y pide su traslado a una guarnición lejana. André la sigue.

    En estos instantes, la situación política del país se agraba luego de convocar a los tres estados (nobleza, clero y pueblo) a una reunión general: la nobleza se niega a dejar entrar al tercer estado (el pueblo) a la reunión. Mientras tanto, la salud de Óscar se debilita y muestra los primeros síntomas de la tuberculosis; del mismo modo, André ha perdido la vista en un ojo, y está perdiendo la del otro. Por otro lado, la familia real ordena que el ejército patrulle París, por lo que Óscar y su contingente deben partir. Durante un viaje al cuartel, Óscar y André son interceptados por una turba, de la que afortunadamente logran huir; luego se encuentran y no pueden contener por más tiempo sus sentimientos, declarando así su amor y pasan la noche juntos. Al llegar al cuartel, Óscar se reúne con sus subalternos y les propone luchar por el pueblo. Es 13 de julio, el ejército reprime al pueblo, pero por más que Óscar y su grupo luchan valientemente, André termina siendo herido de muerte. A la mañana siguiente, los cañones de la Bastilla apuntan a la ciudad y Óscar está al frente de de los revolucionarios, siendo así mortalmente herida, mas muere escuchando el cambio de régimen.

  • Lupan III: Cagliostro no Shirou

    Lupan III: Cagliostro no Shirou

    (Lupín III: El Castillo de Cagliostro)

    Lupin y su amigo Jigen roban en el casino nacional, pero el dinero que obtienen es «dinero cabra», el misterioso dinero falso fantasma. Lupin decide entonces ir una vez más tras los orígenes del fraudulento medio de cambio. La búsqueda los lleva hasta el ducado de Cagliostro, el cual es señalado como el lugar de donde sale el dinero cabra, y particularmente del castillo de la familia Cagliostro. Por un percance en una llanta, ambos se quedan abandonados en la carretera, pero mientras la están cambiando, una bella joven vestida de novia pasa rauda en un auto seguida por otro llena de maleantes. Lupin y Jigen no pueden evitar inmiscuirse y ayudan a la joven, pero la misma está desmayada al volante; todo termina con Lupin y ella en el fondo de un barranco, a salvo.

    Una vez allí, ella moja el rostro de un desmayado Lupin con su guante húmedo y huye nuevamente, para luego ser capturada por sus perseguidores. Al despertar, Lupin nota que en el guante que ella ha olvidado contiene un anillo, y el signo de la cabra del mismo le trae muchos recuerdos. Él y Jigen se desplazan adonde estaba el castillo del duque y lo encuentran en ruinas, y Lupin se ve obligado a contarle parte de sus razones a Jigen. Él sabe que el dinero cabra sale del castillo Cagliostro porque una vez intentó entrar ahí de joven, y casi pierde la vida. Ahora intentarán hacerlo una vez más, pero para salvar a la bella novia. Mientras, el conde, que ha decidido casarse con la novia, de nombre Clarisse, se da cuenta de que la dama ha perdido el anillo que lo llevaría a encontrar un fabuloso tesoro.

    Por otro lado, en los sótanos del castillo, su inmensa imprenta se dedica a falsificar dinero de todos los países del mundo. Al poco se une al grupo Goemon, y al mismo tiempo llega el Inspector Zenigata con sus hombres tras Lupin; él mismo fue quien los puso sobre aviso. Lupin y Jigen tratan de entrar por el acueducto pero sólo Lupin lo logra, y una vez en el castillo se desplaza por los pasadizos. En uno de ellos tropieza con Fujiko, la cual se ha hecho pasar como empleada para investigar al conde. Ésta le dice que Clarisse está en la torre norte, y Lupin se escabulle hasta allá. Conversa con Clarisse y le promete ayudarla a huir, pero en ese momento son descubiertos por el conde y éste arroja a Lupin a las catacumbas donde ya estaba Zenigata, por andar husmeando en el castillo. Allí ambos pactan una tregua al mismo tiempo que encuentran las imprentas. Lupin está tranquilo pues conserva en su poder el anillo original de Clarisse. Tras escapar, roban el autogiro del conde y con él tratan de rescatar a Clarisse y a Fujiko, pero el conde logra herir a Lupin y obligar a Clarisse a recuperar el anillo verdadero.

    En un golpe de suerte, Lupin, Zenigata y Fujiko logran huir, aunque con Lupin malherido. Tres días después, Lupin despierta y explica un poco más la situación. Cuando casi lo matan al entrar al castillo, él conoció a Clarisse, quien lo trató bien. Zenigata trata infructuosamente que la Interpol lo ayude a desenmascarar al conde, pues éste tiene muchos amigos y es muy poderoso. Por su parte, Lupin se prepara para irrumpir en la boda, y para eso nada mejor que interceptar al sacerdote que la va a oficiar. De una tácita manera, Lupin, Fujiko y Zenigata se ponen de acuerdo para salvar a Clarisse y denunciar al conde utilizando para eso la transmisión televisiva de su boda. Llegado el momento, Lupin interrumpe la boda con Goemon y Jigen, pero no es él, pues el verdadero Lupin está disfrazado como el sacerdote.

    En el revuelto, Fujiko y Zenigata, con ella haciendo de reportera, llegan a las imprentas y muestran la verdad al mundo en directo. Lupin huye llevándose a Clarisse y llegan hasta el reloj del castillo junto con los dos anillos, el de Clarisse y el del conde. Una vez allí, y con la ayuda de Clarisse, descubre el secreto de los anillos y de una antigua frase que se ha preservado en la familia Cagliostro. En eso llega el conde siguiéndolos y se inicia una persecución dentro del reloj que termina con el conde capturando a Clarisse y a punto de matarla. Lupin ofrece un trato, los anillos y el secreto por la chica; el conde arteramente trata de matar a Lupin y suelta a Clarisse desde lo alto luego de escuchar el secreto. Lupin cae con Clarisse y el conde coloca cuidadosamente los dos anillos en los ojos de una cabra esculpida en el reloj, pero sin atender a la advertencia de que «la luz y la oscuridad no debe reunirse», y muere cuando las dos agujas del enorme reloj lo aplastan al romperse. Esto activa un mecanismo que libera el estanque de agua detrás del reloj y pone al descubierto el tesoro.

    Toda una ciudad romana intacta y sumergida en el fondo del lago era lo que habían protegido los antepasados de Clarisse. Concluida la aventura, Lupin, con un gran esfuerzo, rechaza la idea de Clarisse de irse con él y convertirse en ladrona y vuelve a huir, mientras Zenigata una vez más parte tras él. Esta vez, sin embargo, ha robado una cosa muy valiosa: el corazón de Clarisse.

  • Entrevista a Hayao Miyazaki y John Lasseter

    Entrevista a Hayao Miyazaki y John Lasseter

    La página Screencrave publicó una entrevista a Hayao Miyazaki y John Lasseter realizada durante el pasado ComiCon 2009.

    En la entrevista, Lasseter habla acerca del futuro del 3-D en las películas Pixar, como Miyasaki lo inspiró, y como fue la traducción de Ponyo para el público americano. Miyasaki habla acerca de los temas personales y ambientales que hay dentro de Ponyo y mucho mas.

    Usted dijo que este era su película mas personal hasta la fecha ¿Podría hablarnos acerca de ello?
    HM: Ponyo engloba el punto de partida de mis cualidades personales. Tienes que ser mucho mas profundo para llegar ha hacer las cosas mas personales.

    ¿Cuál es al diferencia más grande entre su última película y las anteriores?
    HM: Creo que la diferencia más obvia es que he madurado. Esta película es el resultado de mi madurez.

    ¿Podemos esperar que su próxima película sea incluso más profunda?
    HM: No creo que sea así aún, pero mi posición y mi rol en Ghibli, es buscar por esa profundidad personal en las películas.

    Aparentemente, usted criticó la versión en inglés de Sen to Chihiro no kamikakushi (Spirited Away) ¿Qué tan satisfecho está con la versión Americana de Ponyo?
    HM: No creo haber criticado la versión en inglés antes. Creo que ellos han hecho un buen trabajo. Creo que Sen to Chihiro no kamikakushi (Spirited Hawai) era una película muy difícil de entender, pero creo que ellos hicieron lo mejor que pudieron. Creo que hicieron un gran trabajo con ella. No creo tener ninguna queja de la versión en inglés.

    ¿Cuán diferente es la versión japonesa de la versión en inglés de Ponyo?
    JM: Lo primero que hacemos es obtener una traducción exacta, palabra por palabra aunque las oraciones no tengan sentido. Es muy importante para mí entender lo que se dice. Luego empezamos a ponerlo todo en el inglés apropiado. Luego partimos de ahí y tratamos de hacerlo realista para nuestros oídos, como cuando una madre le habla a su hijo. La manera que normalmente decimos las cosas. Nunca cambio el significado de nada. Quiero proteger su visión y soy muy dedicado en ello. Es acerca de mantener a la audiencia en el mismo nivel de entendimiento que la audiencia Japonesa. Por ejemplo, en Spirited Away, cuando Sen camina y ve un baño termal, todo el público Japonés sabe que es un baño termal solo por la forma en como se ve. Nadie en este país sabría que es un baño termal, entonces añadimos una línea “Oh, es un baño termal.” Son las cosas como esta las que comunican el significado mucho más. Ponyo tiene unos cuantos momentos así. Esta película fue un poco más fácil. Aunque esté ubicada en Japón tiene el mismo nivel de entendimiento.

    Los elementos de la naturaleza son temas dominantes en sus películas ¿Qué elementos podemos esperar en Ponyo?
    HM: Creo la fuerza natural de Ponyo está conectada a la fuerza del mar y el océano. Creo que cuando ves más adentro, la fuerza de la gente está conectada con la naturaleza. Es por eso que, cuando Ponyo llega a tierra, ella utiliza la fuerza del mar para llegar. No es una película acerca del medio ambiente o temas ecológicos, pero es mas acerca de la fuerza y el poder de la naturaleza.

    ¿Hacia donde cree que irá el 3-D en el futuro y como está evolucionando la tecnología en las películas Pixar?
    JL: Siempre estoy inspirado por nuevas tecnologías. Pixar es el estudio que creó la primera película animada por computadora. Lo que creo es importante es permitir a los realizadores entender bien la tecnología y lo que pueden y no pueden hacer con ella. Todas nuestras películas animadas, en Pixar y en Disney Animation, seràn en 3-D de ahora en adelante.
    Cuando empiezas a crear una película. Llegas a acostumbrarte a lo que haces y empiezas a probar cosas nuevas. De pronto, empiezas a ver a los diseñadores haciendo cosas más dinámicas con el 3-D. No tratamos de hacer escenas tipo “viene hacia ti” todo el tiempo, pues creo, que eso distrae a la audiencia de la película, lo que tratamos de hacer es envolver a la audiencia y sumergirla en la historia mucho más.

    ¿Van a convertir otras películas, además de Toy Story, en 3-D?
    JL: De momento no tenemos planes para nada más. Es algo que podemos hacer siempre, mientras vemos hacia el futuro del 3-D. Si el 3-D llega a los hogares, podríamos considerarlo. Ya lo tenemos ahí, es todo datos que podemos usar de nuevo.

    Jhon, como artista ¿Qué ha aprendido de Hayao Miyasaki?
    JL: Creo que en las películas de Miyasaki, hay tantas cosas que me han inspirado como realizador. Creo que sus secuencias de acción están bellamente diseñadas. Son tan claras, pero también son muy inventivas. Eso realmente me impresiona. Creo que una de las más grandes influencias es que sus películas siempre celebran los momentos tranquilos. En una película americana, se tiende a centrarse en acción cada vez mas rápida y constante. Creo que lo que es tan grandioso acerca de sus películas, en cada una, son esos momentos de paz, que son una especia de aliento, y son tan hermosos. Ellos añaden profundidad a la película. Esto hace que lo que venga después y su contraste sean mucho mas fuertes. Cuando vez UP!, hay tantos momentos tranquilos, tan hermosos, que contrastan con la acción. Creo que esto ayuda a que la película sea más profunda. Eso ha sido una gran inspiración.

    Hayao ¿Esta trabajando en algo mas en estos momentos?
    HM: No estoy trabajando en ninguna película larga por el momento. Estoy apoyando a mi joven staff y entrenando a animadores jóvenes.

  • Entrevista a Federico Salazar: fan de Evangelion

    Entrevista a Federico Salazar: fan de Evangelion

    Federico Salazar cursó estudios de Filosofía en la Universidad Mayor de San Marcos, fue profesor de comunicación en la universidad San Ignacio de Loyola y actualmente se desempeñacomo periodista en el noticiero de America Televisión “Primera Edición”. Asimismo, escribe en el diario Gestión y en el portal de internet Alo.com. Es considerado un periodista serio y de buena credibilidad, y en general es una persona que ha logrado el éxito sobre la base de su propio esfuerzo. A sus cuarenta años, es padre fiel y dedicado de dos niños con los que ha logrado algo raro en nuestros días: una buena comunicación. Y en medio de las charlas con sus hijos, una palabra llamó la atención de Federico: anime. A partir de entonces, ésta aludiría a uno de los tantos temas sobre los cuales Federico conversa con sus hijos. Y dado a que el anime tiene diferentes propuestas, él también pudo encontrar una de su agrado, y se convirtió así en uno de los aficionados declarados al anime más “sui generis” del medio, y desde su asiento de relator de noticias sorprendió a muchos adultos y jóvenes con sus comentarios animéfilos. Le pedimos una entrevista para charlar de anime, de la relación padres e hijos, de Evangelion y por qué gusta de la animación japonesa.

    Sugoi: Cuando descubriste qué tipo de animación veían tus hijos en la TV, ¿qué pensaste?
    Federico: Primero noté que estaba desactualizado, que ellos tenían un mundo distinto al mío, al que yo había tenido. Eso era normal; entendí rápidamente que eso era normal pues había muchísimos años entre mi infancia y la de ellos.

    Sugoi: ¿Y ellos te recibieron bien? ¿Y la barrera generacional?
    Federico: Yo tengo una muy buena relación con ellos. Converso con ellos y además, como mi padre y otros padres, yo tenía la actitud de ponerme de igual a igual… “A ver, cuéntame cosas que tú sabes”. Los chicos saben muchísimas cosas que nosotros ignoramos. Entonces yo les pido que me expliquen y ellos “condescendientemente” lo hacen.

    Sugoi: Y comparando lo que tú veías de niño con lo que ahora ven tus hijos, ¿qué notas con claridad? ¿Productos más elaborados? ¿Quizá más violencia?
    Federico: Yo veo que ahora es mucho más intelectual el mundo en que viven ellos. Apela más a su imaginación argumental que a repetir un mismo esquema como los dibujos que yo veía. La típica industrialización norteamericana de las cosas.

    Sugoi: Entonces tú crees que existe una diferencia importante entre la animación japonesa y la norteamericana desde siempre.
    Federico: No podría decirlo, pues no he visto todo, pero de lo que yo he visto sí, existe una diferencia importante. El mismo hecho de que el dibujo japonés sea tan estilizado, cosa que yo al principio no entendía, hace sin duda que tú pienses mucho más en la trama, en el libreto, las cosas que se dicen, las historias que se tejen en torno a los elementos. Eso me gustó mucho.

    Sugoi: En calidad de comunicador, ¿cómo ves el anime?¿Es un producto de nuestra época?
    Federico: Es muy avanzado y creo que corre en paralelo con la modernidad de la niñez actual. El niño actual está expuesto a una serie de estímulos visuales y sensitivos a los que no estaba expuesto el niño de mi época.

    Sugoi: ¿Y tú crees que eso crea una niñez distinta?
    Federico: Sí, en el sentido de más despierta. Tiene que estar más despierta, tiene más estímulos, está más ejercitada en la decodificación de los signos visuales, auditivos o verbales. El cable en general es una gran ventaja por la información expuesta.

    Sugoi: Las personas que vemos anime siempre hemos recibido críticas en el sentido de que el anime es pernicioso, distorsionante. ¿Crees que eso es así?
    Federico: No existe nada de eso. El anime no tiene nada que no tengan todos los programas de televisión, no tiene ningún tipo de poder sobre la mente de los niños. Apela a la imaginación y se mueve en el campo de la imaginación. Eso es como pensar que por existir el dibujo animado de Superman todos los niños se van a tirar del décimo piso porque se creen Superman. Obviamente hay una educación que tiene que ver con lo que hagan o no hagan los niños. Los niños, cuando se ponen frente al televisor, saben que están frente a un objeto que apela a la imaginación y a la ficción, y eso les permite tener más juegos, más inventiva, más elementos para moverse en el terreno de la fantasía.

    Sugoi: Y el rol de los padres en función a esta captación de la TV es importante, ¿no?
    Federico: Es que el rol de los padres ha sido decisivo en todas las épocas. Y el padre que quiera salirse de esa responsabilidad comete un grave error, y no debe echarle la culpa de esa responsabilidad a la televisión y al anime. Muchos padres creen que facilitan su trabajo enchufando a sus hijos a la televisión y así ya no se ocupan de tener que leerles cuentos o tener que instruirlos en los valores de la vida, el respeto, el amor, la lealtad, y ésas son cosas que están en nuestras tareas de padres, independiente de que haya o no haya televisión.

    Sugoi: Tú que has visto un poco más de anime que el resto de la gente, ¿te has topado con Evangelion?
    Federico: Sí he visto Evangelion, y lo he vuelto a ver, me he comprado todos los cassettes, tengo mis pósters y me los peleo con mis hijos.

    Sugoi: ¿Y tú crees que una serie como Evangelion está bien programada a las cinco y media de la tarde?
    Federico: Yo creo que Evangelion es un caso muy especial de hasta dónde se puede ir. No solamente por la trama que tiene sino porque está editado de tal manera que realmente es muy rápido. Expuesto a los niños, habrá algunos que entrarán más o menos en la profundidad propuesta, pero que captan una historia a nivel de la superficie, la captan. Eso es lo bonito, que tú tienes una historia a nivel de superficie y en el fondo muestra valores de oposición.

    Sugoi: El tema de Evangelion es muy particular. Hay gente que inclusive se siente agredida por él debido a sus valores religiosos. ¿No habría sido mejor que la serie fuera destinada a un público un poco mayor y en un horario más adulto? Además, es válido decir que por primera vez en la televisión nacional hemos visto un cartel antes de empezar un dibujo animado que advierte de la necesaria orientación de los padres.
    Federico: Ese aviso está bien porque es una recomendación atendible. Yo, por ejemplo, he hecho eso con mis hijos. Muchos de los capítulos los he visto con ellos para comentar, hemos intercambiado cassettes, inclusive hemos comentado las diferencias de los diálogos entre la versión doblada y la subtitulada. Es una buena recomendación haya o no haya cartelito. En general, uno tiene que saber qué pasa en el mundo de sus hijos, y la única manera es conversando y compartiendo. Lo que pasa es que hay que invertir tiempo.

    Sugoi: Y a Federico Salazar, como adulto, ¿qué ideas te sugiere la serie? ¿Cuál es tu crítica, tu apreciación?
    Federico: A mí me encanta la serie; me pareció fascinante. Inclusive compartí la serie con mi pareja, Katia, y a ella también le gustó. Nos hemos comprado polos e incluso compartimos esto con amigos “Oye, mira esto, dale una oportunidad al anime”. Y efectivamente la gente se quedaba pegada. A mí me encantó primero por la rapidez, segundo por la profundidad, el cómo se puede ser rápido y profundo, y eso creo que es genial. La edición es rapidísima y a la vez los temas son profundísimos, y toda la gran metáfora de Evangelion a uno lo hace pensar en temas que normalmente no están a la orden del día. Lejos de ser una cosa que te distrae de lo importante, es algo que te remite a las cuestiones fundamentales de la vida, del mundo en que vivimos, del sentido de la existencia, una cosa muy filosófica. Y es filosófica con un lenguaje accesible, porque los filósofos hablan un lenguaje que no se entiende; acá tenemos un lenguaje que se entiende, un lenguaje de imágenes, un lenguaje de texto, además de muy bonitos poemas.

    Sugoi: ¿Y el final de Evangelion? Porque entre los aficionados al anime se discute si se debió hacer un final así, si el final de la película es mejor, además de ser un final completamente abierto en ambos casos.
    Federico: Es que en realidad el final es el inicio del mundo; ellos son la nueva pareja, son Adan y Eva. Eso lo hemos conversado con mi hijo de once años. Es una nueva perspectiva porque yo creo que toman mucho del Génesis: del caos que se inicia en el mundo surge el orden poco a poco, y el orden te lo pone Dios en el caso del Génesis. Y ese orden significa reglas y una serie de cosas. Pero todo empieza con la idea de una pareja y eso tiene que ver también con el mito del eterno retorno, o sea, que hay un ciclo que va del orden al caos, y luego el caos se produce a tal extremo que las propias cosas del universo tienden al orden nuevamente. Ésa es una idea muy antigua en las distintas religiones y Evangelion nos las expone.

    Sugoi: Sin embargo, Hideaki Anno, director de Gainax, grupo creativo que dio vida a Evangelion, ha dicho que no piensa revelar nunca todos los secretos que hay en Evangelion.
    Federico: Pero no es necesario que todos los secretos sean revelados; eso es como pedirle a un novelista “oiga, cuénteme todo lo que significa su novela”, e inclusive hay significados que pueden surgir que el autor ignora, y no hay problema porque el texto no es el texto, el texto es la lectura del texto, y la lectura aporta todos los elementos del universo de quien lee y no de quien escribe. Entonces yo lo dejaría así, pues eso es lo rico, lo valioso, lo plural, el que un solo producto pueda tener miles de interpretaciones o de lecturas, casi tantas como lectores tiene.

    Sugoi: Es bueno decir que Evangelion significa un hito en lo que animación se refiere y pasarán muchos años antes de que vuelva a existir algo que remeza a la animación mundial.
    Federico: Sí, y yo también hablaría de la literatura contemporánea, porque yo creo que, en la edad en que estamos viviendo ahora, la literatura se contagia de estos lenguajes cinematográficos, estos elementos que por ejemplo tiene Evangelion del lenguaje cinematográfico, o la construcción de personajes, algo que viene del teatro. Yo creo que acá hablamos de un producto literario con el lenguaje de la época, es decir el audiovisual, pero que a su vez es un producto literario.

    Sugoi: ¿Y qué pensaste al ver Evangelion y descubrir que algo así era un producto mass-media en Japón? ¿Cuál fue tu impresión?
    Federico: Mi impresión fue de envidia. Digamos que es una sociedad en que la mayoría de gente tiene los elementos decodificadores suficientes para apreciar una serie como ésta.

    Sugoi: Pero existe una cuestión religiosa que es la causante de la polémica alrededor de Evangelion, nacida en la diferencia en ideología religiosa que hay entre Oriente y Occidente. ¿Has pensado en eso? Quizá en la necesidad de explicarle a tus hijos que Evangelion no es una crítica a su religión…
    Federico: No he tenido la necesidad de hacerlo porque no he visto que haya habido una duda en mis hijos sobre ese tema. Es como cuando uno lee cualquier producto literario de cualquier religión o cultura ajena a la nuestra y hay que estar preparado para eso y abrir mucho los ojos y comparar. Además, en Evangelion no está muy clara la idea de que sea un dios creador, y no es como para afirmar que el dios creador hizo esto y el dios creador que lo va a destruir es malo o bueno. Eso está manejado a un nivel más subjetivo.

    Sugoi: ¿Y la animación norteamericana podría hacer algo como Evangelion?
    Federico: No creo ni que sí ni que no, pues depende mucho de cómo está organizada la industria, de cómo están establecidos los mercados. En cuanto a creatividad no creo, no creo que haya un impedimento. La creatividad no está alojada en un lugar del mundo; lo que sí veo difícil es que exista un circuito comercial como para que un producto como éste salga.

    Sugoi: ¿A eso se deberá que Evangelion haya sido levantada de la programación a menos de un mes de su estreno?
    Federico: Yo creo que deberíamos ver la cuestión del horario, pues dentro del público peruano es para una audiencia mayor. Pero existe un problema, y es que faltan entre nosotros los elementos decodificadores que nos permitan interpretar tantos datos tan rápido, y eso es una mala noticia pues nos habla de nuestros coeficientes, nos habla de nuestra cultura, nos habla de nuestro nivel de información.

    Sugoi: Por ejemplo, de la primera película de Pokémon fueron eliminados todos los planteamientos existenciales y el malo fue convertido en un malo que era malo sólo por serlo, sin motivos ni justificaciones, y eso fue lo que nosotros vimos en nuestros cines. ¿No crees que estamos subestimando a nuestros niños masticándoles las cosas y poniéndoles al alcance temas fáciles?
    Federico: Podría ser, pero lo que es cierto es que nosotros, nuestros niños, al menos en el Perú, recién se están introduciendo a la época de las comunicaciones y la globalización, y los resultados se verán en buen tiempo. Ahora, en el caso de EE.UU., ellos masifican y creen que la manera de masificar es simplificar. Yo entiendo que inicialmente lo vean así, y si hay que invertir dinero prefieran que el producto sea más sencillo. Puede ser una subestimación, pero es más una subestimación en aras del “no arriesgar” y como son muchos millones de dólares, ahora en el Japón se tiene la seguridad de que el público sí responde.

    Sugoi: Y en el caso de los medios de prensa “chicha” de nuestro país que tanto han atacado gratuitamente al anime…
    Federico: Los medios deberían ser más cuidadosos en el sentido de no negar lo que no saben, porque siempre la cultura del miedo es “Lo que no conozco es malo”, y eso es un absurdo; es como las primeras personas que vieron un ferrocarril y pensaban que era un producto del demonio. Es un absurdo negarse al progreso, y en este caso es exactamente lo mismo, porque el anime es el progreso; mejora las técnicas narrativas, mejora el nivel argumentativo y por lo tanto la capacidad intelectual del espectador -sobre todo del niño- que se requiere para captar la historia, mejora el nivel de conversación de lo que estás viendo. ¿Qué puedes conversar sobre Tom y Jerry y qué podemos conversar sobre Evangelion o Dragon Ball Z? Hay una diferencia, y eso los padres deberían aprovecharlo como una gran oportunidad de comunicarse con sus hijos, para que sus hijos tengan temas de conversación entre ellos que vayan más allá del golpe y la persecución entre el coyote y el correcaminos.

    Sugoi: Una vez dijiste en una conferencia que a tus alumnos les habías dicho que si no veían anime estaban en nada. ¿Qué significa eso para ti?
    Federico: Significa que para ser un comunicador tienes que saber qué elementos visuales utilizar; el anime te los da todos. Te da lenguaje cinematográfico, te da cómo manejar los ángulos de cámara, te da cómo manejar el libreto, cómo hacer una musicalización. Es muy rico. Para alguien que quiera aprender a editar, aprender a musicalizar, aprender a hacer guiones, es una especie de escuela y laboratorio. Quien logra crear un producto que es visto por millones de personas y que gusta y al que siguen, es un comunicador.

    Sugoi: ¿Con cuál final te quedas en Evangelion, con el de la serie de TV o el de la película?
    Federico: La verdad es que me quedé sin final. Vi la película, me gustó, y la verdad es que ambas abren una diversidad enorme de posibles finales. Además me gustó mucho que la película rompiera esquemas y lo hiciera bien, pues también lo puedes hacer y lo que te sale es un pastiche, y es porque un texto debe sorprenderte; un texto previsible te da lo que ya sabes, cómo se va a desarrollar, y no te aporta nada.