En esta oportunidad hablaremos sobre la novela ligera escrita por Saori Kumi, publicada por Genko Books (Barcelona, 2005) y basada en el manga de Kaoru Mori (Editoriales: Enterbrain, Comic Bean; 2002-2006).
Sinopsis:
Londres, siglo XIX. William Jones, hijo Mayor y heredero de una rica familia de comerciantes londinenses, decide visitar a Kelly Stowner, su antigua institutriz. En casa de la señora Stowner conoce a Emma, su atractiva criada, y se enamora de ella. William se vale de todos los recuerdos a su alcance para seguir viendola, pero la escricta sociedad inglesa no ve con buenos ojos el romance entre un miembro de la alta burguesía y una doncella.
(Genko Books)
Basada en el manga del mismo título, Emma, relato en dos volúmenes publicados, profundiza en la psicología de los personajes y revela los detalles más íntimos y secretos de los protagonistas.
Volumen 1 y 2 de Emma (Novela). Fuente: Todocoleccion.net
Crítica:
El trabajo que ha realizado Saori Kumi con el apoyo de la mangaka Kaoru Mori ha dado como fruto una novela con un trasfondo bastante realista (en tanto la descripción de acontecimientos históricos narrados es bastante verosímil para la época) que, no obstante, no recae en un naturalismo detallado a lo Emile Zola, sino que más bien es acertadamente matizado con una atmosfera romántica propia de las historias de amor (dramático-trágicas) tan características de las escritoras occidentales del siglo XIX (como bien refleja la novela peruana de romance interclasista titulada «Herencia», de nuestra querida Clorinda Matto de Tuner).
Sin duda que este será un relato predilecto para aquellos amantes de las novelas ligeras ambientadas en épocas pasadas, especialmente aquellas ambientadas en una época particularmente representada (en su dimensión histórico estética) en el manganime y sus derivados, como lo es la Inglaterra victoriana (20 jun 1837 – 22 ene 1901).
Portada de la segunda temporada de Emma (versión anime).
Bonus track:
Te dejamos el primer opening de la versión animada de Emma, emitida por el Estudio Pierrot en los años 2005-2007.
NOTA: Después de «La chica a la orilla del mar», llegó el momento de reseñar «Solanin», obra de Inio Asano, conocido como «el mangaka de nuestra generación» (si han leído sus mangas o mi anterior reseña, se harán una idea del porqué).
AGRADECIMIENTOS: Este trabajo se basa en el manga editado (en inglés) bajo el sello de VIZ MEDIA, editorial que pueden conseguir (en Perú) gracias aIbero Librerías.
DATO: Las imágenes utilizadas en esta reseña pertenecen a Viz Media, y a páginas web especializadas en cómic y cultura popular reseñadas en las fuentes bibliográficas.
Portada de Solanin, a cargo de Viz MEDIA (2008, primera impresión)
Sinopsis
Solanin está dividida en 28 capítulos (en la edición de VIZ Media, se incluyen episodios a color y un epílogo del mangaka):
Este manga nos traslada a la historia de Meiko Inoue y Naruo Taneda, quienes desde hace 6 años son pareja, hace dos se graduaron de la universidad y hace uno que viven juntos en un apartamento en Tokio. Meiko tiene un trabajo de oficina que le permite pagar el alquiler de su apartamento, mientras Taneda trabaja como un ilustrador en una compañía de prensa y diseño gráfico, ganando poco pero lo suficiente para tomar parte de la carga de los gastos de su pareja. Mientras que Taneda a menudo se encuentra con sus compañeros de banda de sus días de universidad, todavía siente que algo falta; sus compañeros de banda saben qué es: tienen que salir, promoverse y dejar que sus canciones sean escuchadas por una multitud más grande; que ha sido su sueño desde su primera reunión en el club de música de la universidad.
Infeliz con el ritmo de sus vidas de graduado «normales», las cosas cambian cuándo dos decisiones importantes son tomadas por los protagonistas: Meiko decide dejar su trabajo, y Taneda decide dedicar tiempo para escribir su primera canción apropiada para la banda. Estando libre de sus viejas rutinas, ahora se encuentran inciertos de adonde los llevara su nueva vida. Lentamente, Meiko y Taneda enfrentan su imprevisible futuro juntos pero una tragedia inesperada ocurre, cambiando sus vidas y las de sus amigos para siempre.
Izquierda a derecha: Meiko Inoue, Kato Kenichi, Jiro Yamada, Ai Kotani y Naruo Taneda. Personajes protagónicos y miembros de la banda musical Rotti
¿Por qué leer Solanin?
Podría escribir infinitamente, y nunca acabaría de hablar sobre todo lo que me suscita Solanin. Es por eso que (y para no hacerles tanto spoiler para que la disfruten por sí mismos) esta vez solo tocaré algunos temas y/o reflexiones que me han ido surgiendo al leer, procesar y analizar esta obra.
Coming-of-age y el llamado de nuestra generación
Si hay una razón fundamental por la que Inio Asano es llamado «el mangaka de nuestra generación», es justamente porque ha sabido muy bien representar nuestro sentir como jovénes «millenials» respecto a los dilemas existenciales a los que nos enfrentamos ,particularmente, una vez entrada a esa caótica etapa posuniversitaria y laboral (¿has odio hablar de la crisis de los veinticinco?). Esa es una de las razones por las que logra conectar tanto con nosotros pese a que no seamos, en un sentido estricto, parte de la juventud japonesa. No obstante, ahora que como investigadora «otaku» conozco un poco más sobre la cultura y sociedad nipona, compartiré algunos de estos dilemas que nos conectan aún más (shintoísticamente hablando) con nuestros congéneres del país del sol naciente.
La década de los noventa generó un gran impacto en Japón debido a la crisis financiera que surgió en este periodo luego de la caída de la denominada «burbuja (económica)», fenómeno que repercute hasta el día de hoy en la sociedad nipona. Como resultado, los jóvenes se enfrentaron a un panorama incierto, angustiante y que induce a una sensación de frustración y/o vacío. Panorama que complejiza aún más el crecimiento/maduración que necesitan para incorporarse al mundo (real) adulto. Es en este panorama donde nuestros (5) personajes principales se ven enfrentados a escoger qué tipo de vida (adulta) quieren vivir. En ese trayecto, cada personaje se enfrenta a sus propios dilemas, pero destaco dos de los más antagónicos y conocidos por la humanidad: escoger entre una vida apática y monótona, pero cómoda o «llevadera», o una llena de más riesgos e incertidumbres, pero con grandes dosis de libertad y ganas de vivir. Es en este devenir de dilemas que ocurre el evento más drámático de la historia, a partir del cual los protagonistas (especialmente Meiko), se enfrentarán a nuevas crisis y, por ende, a nuevos replanteamientos de lo que quieren hacer y ser.
Slice of life: meditando y explorando con las cosas de la vida
Coincido con otros autores y reseñistas de este manga en que se puede entender/leer/interpretar esta obra en dos partes que marcan de forma particular la trama de la misma.
La primera (que abarcaría aproximadamente la primera mitad de la trama) destaca por presentarse predominantemente como un «slice of life». Es por esta razón que esta sección me pareció mucha más lenta que la siguiente en su avance narrativo. Sin embargo, considero que el autor lo diseño así para darle coherencia y sentido a la obra (aunque eso no implica que lo cuente todo en un sentido lineal, como bien lo reflejan sus flashbacks). Ese sentido consiste en que en los primeros episodios suceden las dos acciones más importantes para el desarrollo de la trama: la renuncia de Meiko y Taneda a sus respectivos empleos «ordinarios» y monótonamente agobiantes, para hacer cosas que realmente los motiven. A partir de estas acciones, se irán desencadenando nuevas interrogantes existenciales que fungirán como «caldo de cultivo» para los sucesos particularmente más importantes de la segunda parte.
La segunda sección en que está dividida esta historia no deja de lado las cavilaciones de los protagonistas. Sim embargo, y como mencioné anteriormente, es la acción la que toma protagonismo en base a las deliberaciones tomadas por los mismos. Acciones que necesariamente repercutirán seriamente en sus vidas. Asimismo, otro aspecto a resaltar en este contexto es la presencia del budismo zen (o, al menos, esa fue mi lectura personal): no importa cuando mediten y (re)mediten Meiko o Taneda, la única manera de encontrar las respuestas a sus interrogantes, de saber si los caminos que escogieron son correctos o no, es experimentándolos. Solo de esa manera podrán entender (para sí mismos) cuál es el sentido verdadero de la vida y la felicidad.
Juventudes, amistades y amores en tiempos sin esperanza
En medio de la crisis existenciales que viven los jóvenes protagonistas, no solo cuestiones como el dinero o el trabajo son importantes para pensar en su futuro, sino también la amistad y el amor. En ese contexto, Meiko y Taneda son una pareja interesante: llevan 6 años juntos, y se conocieron en el club de música de la universidad, donde también conocieron a sus amigos en común, con quienes forman una banda (llamada Rotti) y un grupo de pares entrañable por sus ocurrencias y gran apoyo mutuo. Pero además de Meiko y Taneda, está la pareja conformada por Ai Kotani y Kato Kenichi. Ambas parejas tienen sus propios conflictos, pero a su manera aprenderán a como lidiar con ellos en pos de intentar seguir viviendo juntos y en consonancia. Yamada (o Rip como se hace llamar), es el soltero del grupo con más aspecto de rockero «intimidante» (y que luce mayor que los demás, pese a que todos serían de la misma, o casi de la misma, edad); sin embargo, es un buen tipo (con un secreto amoroso e inesperado que será develado casi al final de la trama), que servirá de guía y soporte tanto para Taneda como Meiko. Es gracias a la vivencias personales y compartidas en y con los amigos de la banda que nuestros protagonistas van madurando a sus ritmos y necesidades vitales.
Estética: hiperrealismo y mono no aware
Como siempre que hablamos de Asano, es necesaria aludir a su «estética» manga. En ese sentido, y a diferencia de otros trabajos como «La chica a la orilla del mar», en Solanin es menor la presencia de las escenas paisajísticas (rurales y urbanas) típicas de este mangaka. No obstante, mantiene el estilo hiperrealista que los caracteriza. Por ejemplo, resaltan escenarios de Tokio dibujados de una manera tan real; realismo exacerbado, además, por los elementos fotográficos colocados en dichas escenas, tanto orgánicos (plantas, árboles) como inorgánicos (avenidas, así como interiores de vagones de trenes que se mueven a lo largo de la capital nipona). Asimismo, es inevitable que me exprese también sobre esas escenas tan impactantes que tocaron mi corazón por ser mono no aware (para entender mejor este concepto, pueden ver mi reseña sobre la otra obra de Asano que ya mencioné). Escenas que destacan, sobre todo, por ser espacios donde la naturaleza se luce en armónica convivencia con la ciudad. Es en la contemplación de estas escenas que los personajes experimentan tristeza, dolor e incertidumbre, pero al mismo tiempo atisbos de alegría, paz, y esperanza.
Música: el sentir de Solanin
Es inevitable recalcar que unos de los elementos que caracterizan la obra de Asano es la música. Más aún en un manga como Solanin, donde actúa también como un personaje simbólico relevante y totalmente vital para la trama. En ese contexto, siento que Solanin (independientemente de si tiene o no un significado a nivel linguístico) actúa como musubi, es decir, como lo que articula/conecta a todos los elementos, personajes y sucesos que dan coherencia y sustancia a esta obra. Es la canción que escribe Taneda cuando se motiva a tomar enserio la música que tanto disfruta junto a su guitarra y su banda. La que escribió para dedicarla a Meiko. Una canción sobre un amor profundo que está por despedirse (pero que puede significar mucho más). Es la canción que luego será apropiada por Meiko no solo para corresponder y agradecer el gesto de su amado, sino para encontrar en ella nuevos atisbos de esperanza.
Reflexiones finales
Leer este manga ha sido una experiencia maravillosa. En cada página encontrarás los hilos de una historia que representa muy bien a los jóvenes japoneses de nuestra generación. No obstante, las emociones, sensaciones, pensamientos y lecciones que nos deja esta historia son tan humanas que cualquiera puede identificarse, empatizar y proyectarse en estos personajes sin importar su edad, genero, mística, nacionalidad, etc. Porque Solanin es como la vida misma: a veces te sonríe, a veces te complejiza el camino y te desalienta a la nada, pero a veces también, y cuando menos te lo esperas, te ofrece nuevos caminos de esperanza.
¿Dondé adquirir el manga?
Para adquirir «Solanin» puedes consular la página de Facebook de Ibero Librerias: búscala como @iberolibreriasoficial
Bonus track:
Les dejo «Solanin» en la versión musical de la película Live-Action homónima basada en este manga.
Fuentes y otras reseñas que puedes consultar sobre Solanin:
Hoy hablaremos sobre una referencia literaria clásica presente en “Kotonoha no niwa”, traducido en habla hispana como “El jardín de las palabras”. No obstante, antes realizaremos una breve sinopsis del filme para entender el contexto donde se inscribe esta valiosa fuente de la tradición japonesa.
Breve ficha técnica
Kotonoha no Niwa (言の葉の庭) es una película del aclamado director japonés Makoto Shinkai que se estrenó en el año 2013, a cargo del estudio CoMix Wave Films.
Sinopsis
Al mismo estilo de un poema tradicional japonés que ha quedado en la memoria por su sencillez y emotiva captación de la vida en su mismidad, el film cuenta la historia de un joven aprendiz de diseñador de zapatos llamado Takao Akizuki, que acostumbra a saltarse las clases en el instituto los días de lluvia, para pasar el rato en un jardín dibujando calzados. En uno de sus habituales visitas a este lugar conoce a Yukari Yukino, una misteriosa mujer varios años mayor que él, que también prefiere pasar los días lluviosos bajo el gazebo del mismo jardín, mientras bebe cerveza y disfruta unos chocolates. Desde su primer encuentro y solamente durante los días en los que cae la lluvia, ambos siguen reuniéndose y estrechando cada vez más sus vínculos.
El tanka y el vínculo de los amantes
La primera vez que los protagonistas se encuentran no se dirigen la palabra hasta que ella, Yukino, se marcha. Entonces decide despedirse con un hermoso tanka que dice así:
Narukami no shimashi toyomite sashi kumori ame mo furabaya kimi ga tomaran
“Un trueno lejano,
el cielo nublado,
en caso de que llueva,
¿te quedarás a mi lado?”
Según la filósofa española Marta Castaño, un tanka es un poema clásico japonés, digamos, tipo adivinanza, que sólo tiene una respuesta correcta. Se trata de un poema diálogo, que requiere una contestación.Consta de cinco versos con la siguiente métrica: (5,7,5,7,7). Apareció en Japón hace más de 1400 años y su utilidad principal era transmitir mensajes secretos entre amantes. Se enviaban generalmente escritos en un abanico o atados a una flor. Eran entregados en mano al destinatario por un mensajero al que se obsequiaba con un trago mientras el interesado escribía una respuesta a la primera parte del poema.
Este tanka se encuentra dentro de los Manyōshū (万 葉 集 , literalmente «Colección de las Diez Mil Hojas»). Es la antología de poesía japonesa más antigua que existe y una de las más veneradas de Japón. Fue compilada durante el período Nara (710-794) e inicios del período Heian (794-1185). Hoy en día se cree ampliamente que el compilador, o el último de una serie de compiladores, es Ōtomo no Yakamochi , aunque se han propuesto muchas otras teorías. La mayor parte de los poemas son anónimos. La colección se divide en veinte libros, una estructura utilizada en otras obras asiáticas similares. El tanka utilizado en la película aparece en el libro XI, y es el poema 2513-4. Asimismo, un dato interesante para los latinoamericanos amantes de Japón es que escritores de habla hispana como Jorge Luis Borges y Octavio Paz cultivaron este tipo de poesía.
Después de este episodio literario, la película se desarrolla alrededor de los silencios de los protagonistas, sus encuentros en el parque y la evolución de su relación. Con esto se mantiene al espectador a la espera de una contestación a la primera parte del poema por parte de Takao.
Ya en la parte final de la película, tras una larga temporada sin verse, Takao en un día aparentemente soleado se acerca al parque y se encuentra con Yukino. Ese será el último encuentro de ambos protagonistas en el jardín. Es el momento en el que Takao recita a Yukino la respuesta correcta a la primera parte del tanka:
Narukami no shimashi toyomite furazutomo ware wa tomaran imo shi todomeba
“Un trueno lejano, el cielo nublado, aunque no llueva, me quedaré a tu lado.”
En el instante en el que Takao da la respuesta acertada el cielo comienza a nublarse y se prepara una fuerte tormenta. Los protagonistas corren en busca de refugio y terminan juntos de nuevo bajo el gazebo, arrebatados por la tormenta que se puede interpretar como una metáfora de sus ya irreprimibles sentimientos.
Reflexiones finales
Para concluir, no cabe duda de que “El jardín de las palabras” es una de las animaciones japonesas donde el espíritu de la tradición literaria nipona convive, o mejor dicho, confluye armónicamente con la contemporaneidad.
La cuestión es, si un objeto inanimado podría vivir realmente.
Motoko Kusanagi (Ghost in the Shell)
Con esta frase de Ghost in the Shell, mítica película de anime cyberpunk dirigida por Mamoru Oshii (1995), empezamos este tema que nos trae devuelta a los clásicos debates sobre la existencia abordados por los grandes intelectuales de la historia universal: realidad vs ficción, lo animado vs inanimado el hombre vs la máquina, en fin, lo interesante es que todas estas cuestiones nos llevan a pensar y a corroborar cómo el avance de las tecnologías en la aún llamada era de la posmodernidad nos nos ha llevado a resolver estas interrrogantes; por el contrario, nos han impulsado a potenciarlas con el nacimiento de nuevas expresiones de consumo digital de la (sub)cultura otaku, las redes sociales y nuevas tecnologías transmedia. Es así cómo hemos dado paso a un siguiente nivel que va más allá del anime y el vocaloid: la era Vtuber.
¿Qué significa ser VTuber?
Según el canal de youtube La Madriguera Del Doc, el término VTuber alude a youtubers que crean un avatar digital animado (2D o 3D) a través de programas/plataformas digitales de captura de movimiento facial, con el cual interactúan con la audiencia, ahorrándose así el tener que invertir en una cámara, o hasta del uso de su voz real. Muchos youtubers tienen un avatar masculino, tambien están los que se hacen pasar por chicas usando VTuvers femeninas (llamados por los fans/simps «trapitos»). No obstante, hasta el momento la gran mayoria de youtubers virtuales suelen ser mujeres.
Asimismo, señala que si bien este término alude a Youtube, recientemente el contenido de las Vtubers a cobrado popularidad en plataformas como Facebook Live o Twitch. La variedad de contenido VTuber es ilimitada: videojuegos en línea, shows de canto, charlas en vivo con los fans, tutoriales de idiomas, etc., etc.
Vtubers de Hololive Production en inglés, 1° generación
Tipos de VTuber
1. Los youtubers reales que prefieren ser representados a través de avatars digitales animados para publicar sus contenidos (sean grabados o en transmisión en vivo/streaming).
2. Los que son creados directamente como avatars virtuales animados por diversas compañías/corporaciones/empresas especializadas en el tema, que luego serán dotados de voz, una personalidad “propia” y un nombre o alias, para lo cual se contrata regularmente a un grupo de actrices/actores de doblaje (los llamados talentos virtuales) gracias a los cuales estos avatars adquirirán “vida”, y trabajaran como equipos de VTubers (al mismo estilo de las idols japonesas).
Orígenes
Siguiendo los comentarios del youtuber aludido, el origen de este fenómeno se remonta al año 2011; no obstante, estos avatars kawaii no surgieron en Japón (como yo misma pensé al inicio), sino en Gran Bretaña, pero tranquilos que hay un vínculo nipón de por medio: Ami Yamato, una bloguera japonesa radicada en Londres, que lanzaría una serie de videos animados con un avatar que le hablaba a la cámara como si fuera un videblog normal para la época (es decir como el que haría uno youtuber de carne y hueso). Este «personaje» tiene una inclinación por Starbucks y se pasea por el mundo «real», a veces junto a humanos vivos. Su formato es considerado el primer prototipo de lo que años más tarde serían las/los VTubers.
Ami Yamato desde Londres
Otro caso interesante es el Barbie, la muñeca de la compañia Mattel, que ha aparecido en las líneas de juguetes y programas de televisión americanos durante décadas, que hizo su debut virtual en vlogging en 2015.
Otro antecedente occidental de las VTubers es el caso de Any Malu, un personaje animado con un show llamado “El Mundo Surrealista de Any Malu”, una serie de televisión animada brasileña (estrenada en 16 de marzo de 2019) publicada originalmente en su canal de videos de Youtube, producida por Combo Estudio y actualmente mostrada por Cartoon Network Brasil.
Un antecedente “otaku” de las VTubers pueden ser los youtubers que usaban Loquendo, un programa de software que emulaba voces «de estilo robótico» para sus Walfas, avatars creados por ellos/ellas mismos/as gracias a una página web especializada en ello, con características preponderantemente de personajes manganime; o para sus Renders, personajes manganime que eran sacados de la web cuantas veces era necesario para tener diversas expresiones, poses, actitudes de los mismos según la necesidad del loquendero youtubero. Todo esto con el fin de que crear historias divertidas, y por qué no super bizarras, contextualizadas en un mundo ficticio llamado Loquendo City (una ciudad que en realidad es un fondo de pantalla estilo manganime, osea más otaku no podía ser XD).
Personajes anime en Loquendo City
Otro antecedente “friki” podría ser las/los personajes de Vocaloid. Este era un programa de computadora de síntesis de voz capaz de cantar lanzado por Yamaha Corporation en 2004, representado visualmente a través de avatars como la famosa Hatsune Miko, quien hasta hace unos años era la reina de los conciertos de “idols niponas virtuales”, papel que ahora han tomado con éxito muchas Vtubers de Asia del Este.
Hatsune Miku en uno de sus conciertos
En el 2016 aparecería Kizuna Ai, considerada la primer VTuber en alcanzar fama internacional (y una de las “idol virtuales” más populares del país del sol naciente). Fue Animada y modelada a través de un software de renderizado 3D, y su voz pertenece a la actriz de doblaje (seiju) Nozomi Kasuga. Debutó en YouTube con ayuda de la compañía Activ8. Las diversas actividades de Ai en pantalla ayudaron a crear una sensación de intimidad con sus espectadores, lo cual se reflejó el crecimiento descomunal de su canal: en menos de un año obtuvo más dedos millones de suscriptoresy fue condecorada como embajadora cultural de Japón por la Organización Nacional de Turismo del país, e incluso fue seleccionada para aparecer en un programa de televisión junto con los ganadores nipones del Premio Nobel con una adorable bata blanca y lentes.
Impacto VTuber en Japón
«Muchas personas tienen el deseo de querer ser personajes’», afirma Sugiyama de la corporación Gree, una empresa de medios de comunicación de Internet japonesa que cuenta con una red social homónima a partir de la cual ofrece aplicativos para teléfonos móviles, entre los que destacan aquellos destinados a la realización de avatars para sus usuarios. El representante de Gree señala que la popularidad de los VTubers se debe a una proyección del fenómeno cosplay evidenciado en las convenciones globales otakus. Asimismo, comenta que el éxito de los VTubers en Japón no sólo se explica por la existencia de estos fieles fanáticos. Según el experto
Los japoneses no son buenos para expresarse abiertamente, y creo que hay muchas personas que realmente quieren enviar [su mensaje] al mundo, pero no quieren revelar su apariencia», aventura.
Por su parte, Izumi Tsuji, profesora de Sociología y Cultura en la Universidad de Chuo, evoca al famoso sociólogo japonés Munesuke Mita para explicar por qué en el país asiático hay unalarga tradición de preferir personajes virtuales a reales. Mita planteó que, como resultado de la desaceleración del crecimiento económico tras la crisis mundial del petróleo en la década de 1970, muchos japoneses desarrollaron una apatía con la realidad, la que parece durar hasta el día de hoy.
Tienda «otaku» en Akihabara, Tokio
«En ese período empezamos a amar a los personajes de anime y los ídolos de juegos de video, por encima de las estrellas de cine y música», dice Tsuji, para quien un buen ejemplo de esto es Hatsune Miku, la famosa y ahora mítica estrella holográfica del pop en Japón, cuya voz se produce digitalmente.
En una entrevista del canal de youtube That Japanese Man Yuta se les preguntó a japoneses mayoriatariamente jóvenes por qué creen que los Vtubers son populares, a lo que argumentaron opiniones interesantes como las siguientes (traducción propia):
Sus movimientos son como los de una persona real, y además son tiernos…
Los VTubers se parecen a personajes de anime, y el anime es popular…
A diferencia de las personas, los VTubers son virtuales y pueden hacer muchas cosas»
A partir de los comentarios anteriores, podemos decir que el gusto por los VTubers en los japoneses se debe en parte a su fascinación por lo inanimado-animado: aquello sin vida que parece de pronto cobrarla. Idea a su vez evoca al sintoismo (considerada la religión nativa de Japón), en tanto creencia de que existe una energía (o «espíritu») que está conectada con nosotros y todas las formas de vida existentes en el mundo (otra prueba de esta fascinación por la inanimado-animado serían la fascinación por los mecca y los androides representados también en la cultura otaku). Esto explicaría a su vez el gusto nipón por pesonajes manganime que una vez proyectados en escenarios virtuales pueden conectarse de una forma amplificada y masiva pero al mismo tiempo personal con sus fans (tal como sucede con las «idols» vtubers al estilo vocaloid). Esto sin contar la multiplicidad de actividades que los VTubers pueden realizar como seres virtuales que amplifican lo humanamente conocido: habilidades de baile y rutinas físicas, shows virtuales de canto, y una personalidad «única y peculiar» proyectada a través de un avatar que maxifica la estética kawaii y las fantasías otaku.
Impacto VTuber en Latinoamérica
El éxito de los VTubers en Asia provocó interés por la idea del VTubing y sus exponentes en Occidente. En este caso, nos referiremos especialmente al caso latinoamericano, donde las VTubers han crecido gracias a los fanáticos del anime y la cultura japonesa centrado en los videojuegos y sus transmisiones en vivo. Nombraré a algunas Vtubers como Nimu, deArgentina; Lily-chan, Noa y Sora-chan de México, y JinaWolf de Venezuela. Más adelante comentaré sobre una posible Vtuber basada en un personaje de cómic peruano que anuncia su (esperemos pronto) debut en Perú.
Ya he nombrado anteriormente a Nimu, laVtuber argentina que se autoproclamó comola más popular de nuestro continente, con una canal de youtube que rosa los 350 000 suscriptores y que cuenta además con una enorme cantidad de seguidores en Facebook Live, donde hace sus streamings. Entre los diversos factores a los que se les atribuyen su popularidad están su peculiar sentido del humor y su también peculiar voz, así como el hecho de que este avatar está poseída por una criatura morada que lleva como adorno en la cabeza (¿una referencia a una personaje manganime Yanguire, bastante popular en el fandom otaku?). Más adelante les comentaré sobre una fuerte polémica en torno a este personaje.
Entre oriente y occidente: el caso Hololive
La agencia de youtubers virtuales Hololive a implementado actividades para un nuevo subproyecto que tiene una fuerte presencia entre los fanáticos de habla inglesa (especialmente por la VTuber Inugami Korone, quien además se ha vuelto popular en Latam por sus famosas palabras dichas en español) para así ampliar su mercado extranjero ya asentado en Indonesia y China. Hololive English es el primer grupo en inglés de la compañía, que cuenta con cinco talentos femeninos diferentes que vienen con su propio arte oficial, cuenta de Twitter y, por supuesto, un canal de YouTube, que debúto el sábado 12 de octubre a las 8 pm JST cuando las chicas vtubers comenzaron a transmitir en YouTube en sus respectivos turnos designados por la compañía.
Polémicas VTubers
Projekt Melody
O Melody para abreviar, es una VTuber diseñada por el animador estadounidense DigitrevX. Apareció por primera vez cuando se abrió su cuenta de Twitter en julio de 2019 y ha transmitido en vivo en Chaturbate y Twitch desde principios de 2020.
Se enfoca en un contenido “adulto” que causó la indignación de muchos fans dado lo traslucído de su atuendo y el movimiento erótico exagerado del busto del personaje, asi como su alianza publicitaria con Faku, una plataforma que ofrece contenido pornografico anime (hentai) aparentemente de manera legal, pero que posee una reputación cuestionable. Es por esta razón que Twitch la suspendió indefinidamente el marzo pasado (si bien si sigue activa en Twitter, donde comparte/publicita otras actividades con sus fans).
Nota del diario Libero sobre un nuevo «escandalo» de Projekt Melody
El caso de Mano Aloe
Poco después del debut de la VTuber Mano Aloe el 15 de agosto de 2020, un individuo desconocido descubrió y publicó una grabación de una transmisión que Aloe había alojado meses antes en la plataforma de transmisión japonesa TwitCasting, en la que se la vio probando su modelo Live2D; también parte de la filtración fueron su información personal y la identidad de un conocido masculino. El 17 de agosto, Aloe publicó un video en el que explicaba que el video filtrado había sido aprobado originalmente por su gerente y que ella se había olvidado de eliminarlo, y que el incidente resultaría en una suspensión temporal de todas las actividades. El 31 de agosto, el día de su regreso programado, Cover Corporation, la empresa dueña y administradora de Hololive, anunció que Aloe había decidido dejar Hololive debido al estrés físico y mental. Asimismo, emitió una declaración el 8 de septiembre con respecto a sus respuestas planificadas al acoso futuro de talentos, anunciando que emprendería acciones legales contra los acosadores y establecería un sistema de informes para detectar incidentes.
Mano Aloe
Polémica VTuber en Latinoamérica
Lolivs Nimu
Muchos youtubers de Latam y otros internautas sostienen que las VTubers deberían ser censuradas o hasta desaparecer por el sinfín de polémicas que han surgido entre ellas (y la consecuente toxicidad que ello implica en la red). En esta ocasión, les hablaré del que ha sido calificado (por muchos fans) como el origen de toda la cadena de enfrentamientos tóxicos entre las Vtubers y sus famdoms: el encuentro via streaming entre las vtubers Nimu y Loli.
El 3 de setiembre del 2020, una youtuber principiante argentina llamada Loli hacia un streaming en su página de Facebook, cuando para su sorpresa, Nimu apareció en ese momento, y le empieza a decir de forma grosera que no puede usar su avatar porque tiene copyright y además se parece mucho al de ella. Al margen de la veracidad o no de esta acusación, los seguidores de Nimu llenaron el streaming con mensajes de odio hacia Loli, luego de lo cual la Vtuber novata termina llorando y cerrando el streaming. El asunto se volvió viral en la red, y Nimu fue fuertemente cuestionada/criticada por muchos internautas enterados del tema, quienes la consideraron como una ególatra por haber comentado además en sus redes que Loli debio tomar en cuenta que su avatar causaría conflictos con la Vtuber más famosa de Latinoamerica. Luego Nimu emitió una disculpa pública hacia Loli en un stream, excusando su actitud polémica bajo el hecho de «estaba con la regla», razón por la que muchos fans de ambos bandos no consideran sinceras sus palabras. Por su parte, Loli perdonó a Nimu y decidió alejarse brevemente del mundo VTuber para luego volver con sus streamings, pero con el compromiso de hacerlo con una nuevo avatar que fuera de su “propiedad” y denotara su “personalidad” como Vtuber (avatar conocido luego como Suwie).
El fraude de Asria
Otro caso polémico fue el de Asria, una supuesta VTuber muda que se volvió rápidamente famosa por sus discusiones/difamaciones en red con Suwie ( exVTuber Loli), y que empezó a recibir donaciones de dinero de sus fans para costear sus supuestos gastos médicos relacionados a su mudez; no obstante, este mes, tras una serie de rumores y acusaciones en red, Asria confirmó (a modo de disculpas “públicas”con sus fans) que en realidad no es una mujer sino un hombre, y además no sufre de mudez, luego de lo cual ha dejado inactiva sus cuentas de redes sociales y sus streamings. Esta revelación seria ha sido tan impactante que otros youtubers como Ecuadorean Blog se han visto involucrados en supuestos favores “marketeros” con Suwie y otros Vtubers de su círculo, y porsupuesto, ha generado una serie de videos de comentarios críticos al respecto por parte de otros colegas y youtubers «otakus».
VTuber: Ventajas y desventajas
Ser un personaje virtual personalizado permite desarrollar performances fuera del alcance de los humanos: pueden aparecer en videojuegos y aplicaciones fuera de YouTube y, a medida que mejora la tecnología VR y AR, incluso pueden celebrar conciertos de realidad virtual (La VTuber nipona Kaguya Luna fue una de las primeras que hizo este tipo de actividades). Un argumento en contra de esta posibilidad es que el vlogging de la vieja escuela (osea ser un youtuber real) es una de las formas más baratas de hacer videos, pues nada más se necesita que alguien encienda una cámara, hable y publique.
Entre otros argumentos que apoyan la industria Vtuber, han surgido aplicaciones de precios módicos que los YouTubers pueden usar en sus teléfonos inteligentes para hacer vloggers virtuales de sí mismos. Sumado a esto, la mencionada empresa Gree está realizando constantemente proyectos para lanzar aplicaciónes mejoradas de transmisión en vivoen la que los usuarios podrán crear un VTuber de sí mismos en sus teléfonos inteligentes.
Asimismo, Gree planea invertir 10.000 millones de yenes (US$ 88 millones de dólares) durante los próximos dos años para desarrollar este tipo de talento, crear más oportunidades de transmisión en vivo, crear estudios de filmación y animación y brindar recursos a los creadores.
Aunque el talento virtual actualmente es solo un área de entretenimiento, creemos que avatares 3D atractivos, y sus actividades en mundos virtuales, llevarán a las personas a la siguiente etapa de Internet», agrega Sukiyama (Gree).
Asimismo, cree que a medida que las tecnologías de realidad virtual y aumentada continúan desarrollándose, más vloggers y usuarios de Internet podrían transformarse en personajes fantásticos y coloridos, que a su vez podrían convertirse en marcas. Y Gree no es la única empresa interesada en este posible mercado. Kao, una compañía japonesa de cosméticos y productos químicos, «contrató» al VTuber Tsukino Mito para que apareciera en la pantalla inteligente de una lavadora durante un evento en vivo en Tokio y le ayudara a vender detergente para la ropa.
Tsukino Mito
VTubers: mercado, evolución y futuro
En Latam el sistema de sostenibilidad y sustentabilidad que la mayor parte de VTubers maneja es a través de un canal propio, o a través de su incorporación en colectivos con creadores de contenido afines (como el caso de Humans, donde estaban Asria y Suwie ante de que estallarán sus polémicas). Asimismo, sea de manera independiente o colectiva, suelen crear cuentas de Patreon para que sus fanáticos puedan colaborar económicamente con el fin de seguir ofreciendoles contenido virtual de cada vez mejor calidad. En el caso de las empresas japonesas del rubro, por ejemplo, han lanzado como parte del merchandising para sus fans desde perfumes hasta cartas coleccionables.
Holo Aroma, de Hololive Production
Existe una larga polémicarespecto al futuro de las VTubers. Por un lado están los creadores de contenido que sostienen que es solo unamoda pasajera (como sería el caso de Loquendo city, por ejemplo). Otros creen que, por el contrario, son la base de los youtubers del futuro, o del nacimiento de un siguiente nivel dentro del ecosistema digital.
Sugiyama comenta que la tendencia de los VTubers «permitirá que todos los seres humanos se liberen de las limitaciones físicas». Nakano, del equipo de Kizuna Ai, quiere algo similar para ella: «Nos gustaría crear un mundo como Ready Player One», dice, refiriéndose a la película y la novela ambientadas en una enorme dimensión virtual.
Asimismo existen artistas que también contribuyen a potenciar el crecimiento de este mercado digital al convertirse en creadores de contenido interesantes dentro o afines al universo Vtuber. Este es el caso de una youtuber que creó un cómic sobre Internet Explorer hecha waifu, o a un personaje similar llamado Lumituber. En España radica la youtuber Marina Golondrina, una ilustradora e historietista que, si bien no se declara Vtuber, utiliza un avatar 2D de “chica-pajaró” (creado por ella misma) en su canal de youtube dedicado a contenido analítico y de difusión de manganime. En Perú, Joaquín Ponce Vives, diseñador gráfico de profesión e historietista también, ha anunciado en sus redes sociales (Facebook e Instagram) que su personaje de cómic, Lima-chan, debutará como VTuber.
Reflexiones finales
No sabemos a cienta cierta qué futuro le depará al mundo Vtuber, pero lo que si sabemos es que ya no hay vuelta atrás luego de aceptar el camino evolutivo al que la (sub)cultura otaku, las redes sociales y el desarrollo de las nuevas tecnologías y entornos digitales están guiando al mundo. Solo esperemos que el enorme potencial que puedan propiciarnos no acabe con nuestra humanidad, sino, por el contrario, que expanda sus límites más allá del tiempo y el espacio.
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Aunque es un fenómeno, digamos, reciente en Latinoamerica (conocido más problamente por gamers y fans de este tipo de streamings), lo cierto es que, al ser un tema desconocido todavía por diversos investigadores de la cultura pop asiática (y por qué no, por otros “otakus”), he decidido traer a la palestra este “novedoso”, interesante y, por supuesto, “altamente tóxico” tema: el universo VTuber.
https://www.youtube.com/watch?v=aiZ6Et9ZpSs&t=2s
Famoso youtuber sueco reacciona al juego de Siro, VTuber japonesa, en Minecraft
Entonces….¿qué significa ser VTuber?
Según el canal de youtube La Madriguera Del Doc, el término VTuber(s) alude predominantemente a youtubers, que también son predominantemente mujeres, que crean un avatar digital animado con el cual interactúan con la audiencia, ahorrándose así el tener que invertir en una cámara, o hasta del uso de su voz real. Asimismo, señala que si bien este término alude a Youtube, recientemente el contenido de las Vtubers a cobrado popularidad en plataformas como Facebook Live o Twitch. La variedad de contenido de las VTubers es ilimitada: gamers, cantantes, tutoras de idiomas, pornografía, etc., etc.
VTubers japonesas, entre las que destaca al centro la más popular de todas: Kizuna Ai
Origen: ¿otro producto del softpower japonés?
Siguiendo los comentarios del youtuber aludido, el origen de este fenómeno se remonta al año 2011, no obstante estos avatars kawaii no surgieron en Japón (como yo misma pensé al inicio), sino en Gran Bretaña, pero tranquilos que hay un vinculo nipón de por medio: Ami Yamato, una bloguera japonesa radicada en el país anglosajón, que lanzaría una serie de videos animados con un avatar (suyo) animado que le hablaba a la cámara como si fuera un videblog normal para la época (es decir como el que haría uno youtuber de carne y hueso). Este formato, aunque nada parecido a lo que veríamos más tarde, sería considerado el primer prototipo de lo que años más tarde serían las VTubers.
Fuente: Página de Facebook oficial de Ami Yamato
Otra fuente sostiene que un antecedente de las VTubers pueden ser los youtubers que usaban Loquendo, un programa de software que emulaba voces «de estilo robótico», para sus Walfas, avatars creados por ellos/ellas mismos/as gracias a una página web especializada en ello, con características preponderantemente de personaje manganime; o para sus Renders, personajes manganime que eran sacados de la web cuantas veces era necesario para tener diversas expresiones, poses, actitudes de los mismos según la necesidad del loquendero youtubero. Todo esto con el fin de que crear historias divertidas, y por qué no super bizarras, contextualizadas en un mundo ficticio llamado Loquendo City (una ciudad que en realidad es un fondo de pantalla estilo manganime, osea más otaku no podia ser XD).
Pero no fue hasta el 2016 que aparecería en Japón, con el auge global de los streamings, Kizuna Ai, considerada como la primera Vtuber “hecha y derecha”. Al poco tiempo se convirtió en el fenómeno cultural pop más popular del país del sol naciente.
Cada vez este fenómeno se fue haciendo más grande, y con el aumento proporcional de los streamings, gracias sobre todo a plataformas como Twitch, comenzaron a surgir nuevas personalidades, gracias a que también empezaron a aparecer nuevasherramientas para que cualquiera pudiera crear su avatar virtual de manera digamos, sencilla y divertida.
Vtubers haciendo «streaming»
Impacto VTuber en Latinoamérica
En Occidente (tanto en el anglosajón como en el de habla hispana), las youtubers cada vez son más populares (al respecto, colocamos al inicio de esta nota un video donde el famoso youtuber sueco PewDiePie reacciona a la transmisión de una Vtuver japonesa llamado Siro en Minecraft). No obstante, (y dado que somos obviamente «latinos»), en este caso nos centraremos en el impacto que han tenido las Vtubers en nuestro continente.
En Latinoamérica existe una data creciente de youtubers como Asra,Suwie, y la famosa (y quizá hasta el momento más tildada de polémica) Nimu. Esta última es una Vtuber argentina que sería (incluso proclamada por sí misma en reiteradas ocasiones) «la más popular de nuestro continente», con una canal de youtube que rosa los 350 000 suscriptores y que cuenta además con una enorme cantidad de seguidores en Facebook Live, donde hace sus streamings. Entre los diversos factores a los que se les atribuyen su popularidad están su «peculiar sentido del humor» y su también “peculiar voz”, así como el hecho de que este avatar está poseída por una criatura morada que lleva “como adorno” en la cabeza (¿una referencia a una personaje manganime Yanguire?).
Fuente: Página oficial de Facebook de Nimu
Expectativas VTubers
Hasta el momento, existe una larga polémica respecto al futuro de las VTubers. Por un lado están los creadores de contenido que sostienen que es solo una moda pasajera (como sería el caso de Loquendo city, por ejemplo). Otros creen que, por el contrario, son la base de los youtubers del futuro, o del nacimiento de un siguiente nivel dentro del ecosistema digital, y así, existen un sinfín de opiniones/posturas sobre este tema, que solo el tiempo, esperemos, resolverá.
Y hasta aquí llegó la nota …
¿Qué por qué tan corta? ¿o por qué no hablamos de las polémicas VTubers latinoamericanas?… Para resolver estas y otras preguntas, recomendamos estar atentas y atentos al Facebook (y a la web Sugoi, porsupuesto), puesto que lanzaré un artículo más detallado sobre este tema el mes que viene. ¡No se lo pierdan!
Saludo de Vtubers a sus seguidores en Twitter (sí, también son activas en esta red XD)
Bonus track
Como parte del material extra audiovisual, les dejo este video (no apto para no fans del Yanguire ni del goré bélico «ultraviolento» XD) donde Nimu demuestra cómo una Loli juega con armas junto a su team .
1. Este es un manga seinen, es decir, está diseñado para ser mostrado a un público de 18 años de edad en adelante. Por consiguiente, la redactora no se hace responsable de las imágenes eróticas y/o sexuales que aparecerán en esta reseña, dado que son indispensables para entender la historia de esta obra gráfica japonesa.
2. Las imágenes usadas para este trabajo corresponden al manga publicado por Vertical Comics (formato físico), y a páginas web con contenido manganime (blogs y redes sociales) que están referidas en la bibliografía.
3. Alerta de spoilers.
En un pueblo, hay una pequeña playa que nunca esta ocupada,
ni siquiera en medio del verano.
La uso para caminar allí, mirar las cosas.
Como viejos fuegos artificiales.
O algas.
Un sombrero golpeó la cabeza de alguien debido al viento.
Básicamente nunca encuentras los que estás buscando.
Y quizás no esperabas encontrar algo correcto desde el principio».
(La chica a la orilla del mar, traducción propia)
FICHA TÉCNICA
SINOPSIS
La Chica a la Orilla del Mar (A Girl on the Shore) relata la historia de Koume Sato y Kosuke Isobe, dos adolescentes que viven sus días de colegiales en un tranquilo pueblo costero japonés. Ambos deciden embarcarse en una relación puramente física (lo que llamamos en occidente relación de “amigos con derechos”) pero, a medida que pasa el tiempo y suceden cosas, digamos, «super densas» para chicos comunes de su edad, se darán cuenta de que dejar de lado los sentimientos resultará muy pero muy complicado.
Koume Sato
Kosuke Isobe
AMOR, SEXO Y SIN/SENTIDO DE LA VIDA
La historia de Sato e Isobe parece decirnos que «la vida es un absurdo», postulado existencialista que nos recuerda al filósofo y escritor francés Jean Paul Sartre, o (si hacemos una analogía quizá algo forzada entre occidente y oriente), a lo postulado por el famoso escritor japonés de posguerra Ozamu Dazai, quien fue uno de los primeros en detectar cómo la juventud nipona vivirá (o mejor dicho, se verá condenada a vivir) en tiempos carentes de ideales que les den un sentido a su existencia, que les hagan creer que «la vida vale la pena vivirla». Un sinsentido que los académicos contemporáneos occidentales llamamos (no sin cierra ironía) un síntoma de estos tiempos «posmodernos».
Con estos antecedentes, y tomando en cuenta cómo la crítica japonesa contemporánea considera a Inicio Asano como «el mangaka de su generación» (de la llamada «Generación Millenial» japonesa), es interesante ver cómo en los personajes de este manga podemos leer una proyección de los carácteres y/o personalidades del mangaka, en tanto joven japonés crecido en una década complicada y convulsa para el desenvolvimiento de su juvenil generación, como fue la de los años noventa e inicios del 2000.
Jean-Paul Sartre (1905 – 1980)
Osamu Dazai (1909 -1948)
Aldo Panfichi y Marcel Valcárcel han estudiado las características antropológicas de los adolescentes y jóvenes latinoamericanos (especialmente peruanos) durante la década de los noventa. En ese contexto, dado que tanto el Perú como el Japón de esta década pasaron por crisis socioeconómicas que afectaron de formas similares a sus poblaciones juveniles, es pertinente utilizar sus postulados para analizar el caso de la denominada “Generación Y» japonesa, dado que muchos de los caracteres de esta generación se mantiene o incluso se han agudizado en la juventud nipona de hoy.
De acuerdo a la opinión de los académicos mencionados, la década de los noventa se caracterizó por profundas transformaciones socioeconómicas, culturales y tecnológicas, que generaron novedosas situaciones críticas, como el hecho de que los jóvenes no pudieran gozar de una estabilidad laboral que asegure su desenvolvimiento profesional y su futuro económico, o el hecho de que el pensamiento respecto de su sexualidad estuviera mucho más libre de tabúes y prejuicios. Circunstancias distintas a las que confrontaron sus padres y sus abuelos.
En ese contexto, Panfichi y Valcárcel sostienen que
[…] los discursos épicos de protesta y reivindicación de décadas anteriores pierden consistencia y densidad y son reemplazados por la revalorización de la vida misma, la individualidad llena de conflictos, violencia, incertidumbres, búsqueda de placeres para olvidar los malos momentos, y esperanza».
A partir de esta cita, podemos comprender mejor los pensamientos y acciones «hedonistas» de los protagonistas. En ese contexto, Isobe, si bien tiene sentimientos de afecto por Sato, le manifiesta de manera directa que no le importa si ella lo utiliza como un juguete (sexual). Por su parte, si bien Koume no parece en ese momento corresponder a sus sentimientos, acepta la propuesta del chico, y es así como iniciarán sus diversos encuentros en búsqueda del máximo placer.
[…] Y ya que no es posible enamorarse viviendo la fugaz y satisfactoria fantasía de la inmortalidad, entonces se dedican al desamor. […] No se entregan. No se permiten ser vulnerables. Y, en el fondo, todavía están deseando ser o atraer príncipes azules”.
Como señalan Panfichi y Valcárcel, se sugiere la contradictora relación de amor y desamor que, como la generación de Asano, viven los protagonistas. En ese contexto, es interesante que Isobe, luego de tener relaciones sexuales con Koume, comente que sabe muy bien que «el amor es una ilusión», frase a partir de la cual se entiende que es consciente de que Sato tiene sexo con él no porque lo ame sino porque «le gusta su falo», como ella misma le dijo en uno de sus encuentros. No obstante, a medida que pasa la historia vemos como Isobe en el fondo anhela que Koume se quede con él más allá del tiempo del sexo, si bien en el fondo sabe que ella se irá y volverá cuando «le dé la gana».
JUNTOS PERO DESCONECTADOS
La extraña relación entre Koume y Sato los lleva a un círculo vicioso de placer que una vez terminado deja también a los lectores una sensación de vacío/soledad. Cuando no tienen sexo, los protagonistas suelen utilizar el tiempo que están juntos aislándose en sus propios mundos (virtuales-tecnológicos): él a través de la música, ella a través del celular. Si bien existen momentos donde vemos a ambos durmiendo juntos (escenas que aportan ese toque «romántico» propio de historias adolescentes), la necesidad de evitar el tedio los motiva a hablar más de sus vidas, si bien solo cuentan lo indispensable a saber (sobre los padres, amigos, etc.), razón por la que no podemos decir que el vínculo entre ambos sea muy sólido, como si quisieran mantener cierta distancia entre sí. En este punto, el hecho de que sigan llamándose por sus apellidos es un indicador también de que no han llegado a establecer un vínculo tan cercano a nivel afectivo.
Capítulo 4. Pág, 73. Sato e Isobe «matan el tiempo» que dura la tarde juntos
Sato e Isobe durmiendo «juntos»
BRECHA GENERACIONAL Y GRUPO DE PARES
Las brechas generacionales son universales en el mundo moderno, en gran parte debido a la tecnología y a los rápidos avances de la globalización. Sin embargo, en Japón se ha prestado especial atención a la brecha entre los jóvenes y los mayores porque el orden social adulto japonés ha exigido un gran sacrificio personal a los que entraban en él, pidiendo de forma estereotipada a los hombres que se dedicaran a sus empresas y a las mujeres que se dedicaran a sus hijos».
(Matthews, Gordon; Bibliografía)
La brecha generacional entre los padres y los hijos ha sentado un precedente en la sociedad japonesa contemporánea. En ese contexto, si bien la presión porque los japoneses sigan con las metas y roles asignados a su edad y género es vigente, es cierto que muchos nipones han decidido oponerse/rebelarse a la misma. Es así como surgen por ejemplo los NEETS, aquellos jóvenes adultos que no trabajan ni estudian, o los hikikomori, es decir, jóvenes que decidieron no salir, o evitar salir, de sus habitaciones y, por ende, de sus propias casas (en ambos casos suelen ser mantenidos por los padres, quienes se sienten culpables de que hayan acabado apartándose del mundo de esa manera).
Por los mangas, videojuegos y la música «retro» de Isobe, deducimos que es un otaku (un fanático del manganime y productos comerciales derivados de estos), quien hasta el día de hoy sigue siendo visto como un parásito o ser despreciable en tanto improductivo en la sociedad nipona (el mismo Kashima, amigo de infancia de Sato, lo llama despectivamente «otaku» cuando tienen una discusión en la escuela). De hecho, parece que la misma Sato no quiere que nadie más sepa de su «amistad» con un tipo así (al menos al principio de la trama).
Kosuke no tiene amigos en la escuela, ni le interesa tenerlos porqueconsidera al resto del mundo como «idiotas egoístas e hipócritas» que no valen la pena (más adelante se explicará porque piensa así). Nos enteramos que tiene un hermano mayor «ausente», por las dos camas y aparatos tecnológicos «retro» de su habitación, y que sus padres están mucho tiempo fuera de casa por sus trabajos corporativos. En un capítulo aparece el padre, quien comenta a Isobe que lo trasladarán de local laboral y ello le permitirá estar más tiempo con él, sin embargo al chico esto no parece importarle mucho (de hecho le hace una broma sarcástica sobre ello). Es así como nos enteramos que no hay un gran vínculo comunicativo entre Kosuke y sus padres. De hecho, más adelante el mismo Isobe explicará el porqué de la ausencia de su hermano y de la distancia también puesta hacia él de parte de sus progenitores.
En el caso de Sato, parece que su madre es ama de casa y el padre suele aparecer también en ciertos capítulos (su familia tiene un negocio de acupuntura). Tiene un hermano menor, y en general parece tener una familia bien constituida. Como típica adolescente, Koume no suele hablar con su madre sobre sus problemas amorosos ni amicales. No obstante, es interesante un episodio donde la protagonista le comenta a su padre que para ella no tiene sentido seguir los designios/roles que se esperan de todos si al final ello no los hará felices, mostrando de esa manera que aunque prefiere el sexo a estudiar, ya posee cierto juicio crítico sobre la sociedad japonesa contemporánea y su propia filosofía de vida en ese contexto.
Por último, es interesante como Isobe y Sato, a diferencia de otros chicos japoneses de su edad, no se sienten super presionados o preocupados al hablar sobre sus planes futuros. La joven manifiesta que no le gusta estudiar, pero que, como quiere ir a misma preparatoria/bachillerato que desea Keiko, piensa que debe poner más empeño. Por su parte, Isobe parece un chico inteligente y podría entrar a cualquier preparatoria. Sin embargo, él manifiesta que no piensa ir a ninguna (si bien más adelante vemos como cambiará de opinión por un motivo peculiar).
ADOLESCENCIA Y MORATORIA JAPONESA
La moratoria, según Panfichi y Valcárcel, es una forma de decir a los jóvenes que existe un tiempo donde hay ciertas licencias y mayores márgenes de prueba y equivocación, una suerte de mayor permisividad o vacaciones sociales, donde se espera que el joven se equivoque, pero que obtenga poco a poco los medios y capacidades para el mañana: al final se trata de construir caminos individuales que gratifiquen las expectativas de los mayores, y las propias de los jóvenes.
En el Japón contemporáneo, el «patriarcado confuciano» y su heredada estratificación y jerarquización de los roles de género siguen incentivando una mentalidad social «conservadora», razón por la que los jóvenes no tienen mucho tiempo ni opciones para poder decidir a qué carrera dedicarse con aras de vivir de ella (sin olvidar que mucha de su oferta profesional apuntan a empleos corporativos). No obstante actualmente existe, de manera indirecta o digamos disimulada, una moratoria de tipo sexual para los mismos. Esta es la razón por la cual la homosexualidad, el travestismo, o las prácticas sexuales no convencionales pueden ser pasadas por alto en esta etapa (mientras ello no genere un gran «escandalo» social, ni ponga en riesgo el futuro estudiantil de los mismos), ya que se entiende que esta es una etapa de la vida que una vez concluida debe conducir a los adolescentes a un consecuente estadio de madurez propio de la adultez.
ADOLESCENCIA y COMING-OF-AGE
En este punto, me gustaría señalar dos partes de la trama que me parece reflejan dos momentos determinantes donde los protagonistas toman decisiones que constituirán un antes y un después para su adolescencia.
En el capítulo 12, Isobe utiliza el blog de su hermano para redactar una carta virtual, como una suerte de autoexpiación y/o catarsis a través de la palabra. A través de esta, nos enteramos que el primogénito Isobe era víctima de bullying por ser «otaku» y tener cierto problema de salud, y al no poder soportar ello se habría suicidado arrojándose al mar del pueblo. Esto a su vez explica por qué los padres de Isobe ignoran o evitan hablar de este tema con él, y todos siguen con sus vidas, asumiendo los roles de padre e hijo que la sociedad japonesa espera que sostengan y asuman hasta el final (con todos los «sacrificios» y tabúes que ello implica).
Esta revelación es clave no solo porque explica el porqué de la actitud «oscura/negativa» de Isobe, sino porque nos devela cómo Asano es capaz de artícular esta trama de una forma tan magníficamente atrapante por su realismo para hablarnos de aspectos que en la sociedad japonesa siguen siendo tabués, como el suicidio (del hermano) y la depresión (que aparentemente estaría sufriendo Isobe).
El orden social adulto japonés descrito se basaba en el ideal cultural del wa (armonía interpersonal y social), que impone a los individuos la práctica del gaman (perseverancia), que consiste en la subordinación y la eliminación personal para adaptarse a los roles sociales adultos que se le asignan».
Mathews, Gordon
A partir de esta cita, entendemos, que si una persona japonesa habla sobre su depresión será mal vista socialmente, pues se asumirá que no practica la perseverancia (gaman) para luchar contra ello y seguir con su vida, como tiene que hacer todo el mundo para mantener la armonía social (wa). De acuerdo a entrevistas audiovisuales actuales de carácter antropológico, como las de Asian Boss, la reacción «más comprensiva» del japonés promedio frente a quien le confiesa algún tipo de problema mental es decir que «es solo una idea, o, ya pasará».
En base a esta reflexión, podemos entender que Isobe es consciente del rechazo de la sociedad japonesa frente a temas como estos asociados a gente marginada como los otaku o los «enfermos mentales», lo que explica porque no confía generalmente en los demás (a los que antes había llamado idiotas). Asimismo, esto repercute en que tampoco confíe lo suficiente en sus padres como parar contarles sobre sus indicios depresivos, o porqué solo le comenta a Koume (que no es ni amiga ni novia) sus «ansias de morir» pero no profundiza en ello de forma más clara, dejando a la chica confundida por no entender a qué se refiere con sus reflexiones, digamos, «filosóficas». Quizá es también por este «tabú» que los padres de Isobe prefieren guardarse lo que piensen sobre el suicidio de su hijo (para no mostrarse «débiles» frente a él), escudándose bajo el rol típico de padres supertrabajadores, lo que termina produciendo una sensación de incomunicación, soledad, falsedad y falta de unión/empatía de las que ya hablamos en un aparatado anterior.
Capítulo 12. Isobe escribe su carta-catársis sobre el hermano mayor
Capítulo 15. Sato escribe su carta de confesión de amor a Isobe
En el capítulo 15, Koume está ansiosa por saber si Isobe irá al festival de la escuela (dado el incidente que este tuvo con Kishima) y mientras medita sobre ello decide escribir una carta a mano donde le confiesa a Isobe que después de las cosas que pasaron en los últimos meses siente que se han distanciado más, y eso la pone triste porque la ha llevado a darse cuenta de que aunque no lo entiende del todo, lo extraña mucho y quiere estar a su lado. Esta confesión nos conmueve como lectores, más aun porque Koume se ha esmerado en conseguir el CD álbum del grupo Happy End que le gusta a Izobe para ofrecérselo junto a esta carta de amor. ¡Qué detalle más romántico podía esperarse de una chica enamorada! No obstante, cuando la protagonista vaya el encuentro de su amado, se encontrará con un escenario aterrador.
ESTÉTICA MANGA: realismo, romanticismo y mono no aware
Hablar de «estética» manga puede ser problemático, dado que en la cultura japonesa no existe este concepto per se. No obstante, usaré esta terminología occidental para aludir al estilo de dibujo y otros aspectos gráficos propios de esta obra.
El estilo de dibujo de Inio Asano es muy característico y reconocible. En el caso específico de este manga, destaca su estilo, digamos, «realista», tanto en el diseño de los escenarios como de sus personajes. En ese contexto, destaca la constante y coeherente exposición de la desnudez de los protagonistas durante los diversos actos sexuales que ejecutan. Si bien para algunos lectores las poses sexuales que ejecutan los personajes no lucen realistas, considero que tomando en cuenta la juventud, el cuerpo delgado y flexible de los mismos, son verosímiles.
Respecto de los escenarios, es interesante el ya mencionado estilo realista que utiliza Asano para retratar tanto ambientes externos como internos de esta obra. Sobre el primero, destacan diversas zonas del pueblo como los vecindarios, la playa, o netamente el mar. Sobre el segundo, destacan la minuciosidad con que retrata los diversos elementos que componen por ejemplo, la habitaciones de los protagonistas, a partir de los cuales podemos comprender mejor, sus gustos y, hasta cierto punto, su personalidad. El estilo gráfico de estos ambientes es tan realista que muchas viñetas parecen fotografías convertidas en dibujo mediante alguna técnica que implique la coloración en blanco y negro, una técnica que nos recuerda a estilos pictóricos vanguardistas como el hiperrealismo o el fotorrealismo.
Otro detalle interesante que resalta en el estilo de dibujo de Asano es la lluvia. Desde una perspectiva romántico-literaria, el uso de la lluvia puede ser una proyección de los sentimientos, emociones y decisiones de los protagonistas que, como los jóvenes otakus de los noventa encerrados en un melodrama tóxico entre el deseo y la nada, están constantemente asediados por este fenómeno natural en tanto simboliza la «fatalidad, intensidad y melancolía» de sus vidas adolescentes.
A lo largo del capítulo 16, aparece una fuerte lluvia que sirve como marco estético simbólico para la expiación que Isobe busca tras sentirse responsable de la muerte de su hermano, para lo cual planea vengarlo utilizando a Misaki como chivo expiatorio; una vez logrado el objetivo, la lluvia cae sobre Isobe, mezclándose así con sus lágrimas vertidas tras lo acontecido. Otra escena donde la lluvia simboliza la «fatalidad» ocurre el capítulo 18, cuando Sato regresa triste y conmocionada de la casa de Isobe al creer que ha decido acabar como su hermano.
En Japan Talk, un sitio dedicado a esos detalles de la cultura japonesa que pueden mejorar la experiencia de un extranjero en el país, puede leerse un post en el que John Spacey comparte 50 sustantivos que el idioma japonés tiene para la lluvia, 50 formas distintas para nombrar situaciones también específicas: la lluvia que cae mientras también hay neblina, el hecho extraordinario de la lluvia que proviene de un cielo sin nubes, la primera lluvia del verano o la lluvia que nos sorprende cuando conducimos un automóvil».
Otra forma de intentar comprender el sentido de la lluvia en el manga de Asano puede ser a partir de su contextualización en la propia cultura japonesa, donde existen, como menciona la cita anterior, por lo menos 50 formas de denominarla. En ese contexto,la lluvia puede ser leída como mono no aware.
El aware o mono no aware hace referencia a la sensibilidad o capacidad de sorprenderse o conmoverse, de sentir cierta melancolía o cierta tristezaante loefímero, ante la vida y el amor. Es la capacidad de sentir compasión o piedad, sin influencia alguna de religiones o credos. Es un sentimiento puramente humano que va más allá de lo superficial y se centra en algo más profundo.
Japonismo (Bibliografía)
Esta cita ha intentado transmitir en nuestra idioma el concepto japonés «mono no aware». En ese contexto, me atrevo a resignificarlo (con intenciones didácticas) como «la evocación del sentimiento de belleza y/o melancolía hacia lo que acontece en un instante de la vida». Una escena del manga donde la lluvia expresa el mono no aware acontece, por ejemplo, cuando Kosukese queda durante un tiempo inmóvil en medio de la calle y de una intensa lluvia, y no se inmuta ante ello (absorto como está en sus pensamientos). Asimismo, otra escena ligada a la lluvia que expresa este «sentimiento estético japonés» sucede cuando, una vez pasado el aguacero, Koume se queda parada en la muralla del puerto ycontempla cómo el cielo se va despejando para dar paso al amanecer.
REFLEXIONES FINALES
La chica a la orilla del mar es una manga que vale la pena leer para pasar un rato de ocio agradable, puesto que además de entretenido se lee rápido y es relativamente corto en volúmenesa comparación de otros mangas populares, o, si eres académico, para darle una mirada más analítica para examinar diversos temas con los que mencioné en esta reseña (existencialismo, estética manga, coming-of-age-, etc).
Parafraseando a un académico peruano experto en comics occidentales, creo que una historieta debe ser capaz de transmitir lo que cuenta tanto a través de la escritura como de la gráfica, y, en ese contexto, me parece que Inio Asano ha logrado un equilibrio «zen» al utilizar pocos diálogos para que sus personajes nos digan lo necesario, ya que lo que nos nos dicen o no necesitan decírnoslo directamente lo captaremos a través de las imágenes y de otros recursos narrativos, como la conveniente «voz en off» que Asano coloca en momentos precisos para la trama, por ejemplo, con la letra de «Gather the Wind», canción del grupo japonés «retro» Happy End, que es aludida a lo largo de esta historia; o como las frases de carácter reflexivo/poético que aparecen al inicio del manga (a modo de paratexto), que serán nuevamente enunciadas directamente por Koume casi al finalizar el mismo.
Por último, respecto al final del manga, debo confesar que, al igual que otros lectores, no me lo esperaba. No obstante, me parece que es un final asombrosamente verosímil, después de todo, Isobe ya estaba alejándose de Koume, y cuando se encuentra por fin con «la otra chica en la orilla» es normal que las hormonas de adolescente le hagan verla como una nueva donna angelicata. En ese sentido, me gusta que Isobe haya decidido cerrar el capítulo deduelo por el hermano y salir del pueblo parabuscar este nuevo amorío platónico, puesto que si bien no hay garantía de que funcione (y ello lo puede llevar a recaer en la «depresión») todo lo vivido le ha dado la suficiente madurez para comprender que «el que no arriesga, no gana».
En el caso de Koume, aclarar sus sentimientos y tomar el valor para terminar confesándoselos a Isobe, me pareció una muestra loable de su crecimiento emocional (considerando sus inseguridades, miedos e indecisiones iniciales). No obstante, cuando llega a la preparatoria y tiene un nuevo novio con el que replica su relación con Isobe (es decir, salir con él solo porque le dijo que le gusta) me quedé algo confusa, pero luego comprendí que era porque aún se sentía vacía y dispuesta a llenar esa falta con algo mientras intentaba encontrar eso que en el fondo le hacia falta, que le haría sentirse bien consigo misma, plena. Y es grato saber que finalmente encuentra esa plenitud en el mar.
Como sucede con los jóvenes japoneses de los 90 y de hoy, no hay garantía en el futuro. No sabemos si Koume y Sato encontrarán el amor que anhelan, si estudiarán y trabajarán en algo que les guste, si volverán a verse o si serán felices. El futuro se les presenta inevitablemente gris, y seguramente habrán más lluvias y tifones en el camino. Pero de lo que sí tenemos certeza es de que cada uno ha encontrado para sí pequeños atisbos de felicidad que los motiva a seguir vivos; lo que nos motiva, a su vez, a nosotros (como lectores de esta generación) a creer también que «después de la tormenta, viene la calma».
🖌 Sabemos que les encantan nuestras notas musicales sobre Japón. Por eso ahora les traemos a DUSTCELL, un grupo nipón que ya está dando de qué hablar en la escena «otaku» alternativa de occidente.
🎧 Cómo muchos artistas asociados a la escena independiente, existe aún poca información de rigor periodístico sobre este grupo. No obstante, gracias a WIKI FANDOM compilamos los datos básicos para armar la biodata de esta interesante propuesta musica 🌸:
Izquierda a derecha: Misumi y EMA, miembros de DUSTCELL
—DUSTCELL es un dúo musical japonés compuesto por EMA, una vocalista capaz de cantar y rapear al mismo estilo impresionante que las idols de k-pop, pero sin perder el toque kawaii japonés; y Misumi, un productor musical que a menudo crea canciones con cantantes de VOCALOID. Ambos han firmado bajo el sello de KAMITSUBAKI STUDIO, con quien hicieron su debut en YouTube el 11 de octubre de 2019.
—Como suele pasar con artistas que, al iniciar sus carreras, poseen una propuesta musical y un nombre artístico que los identifica, surgieron en las redes comentarios críticos y preocupados en torno al rumbo que tomaba EMA al firmar como parte de un proyecto a dúo del mencionado estudio. En respuesta a esto, la cantante tuiteó el 21 de octubre de 2019 una declaración expresando que se unió a KAMITSUBAKI STUDIO por su propia cuenta porque ahora está donde quiere estar: comenzando de nuevo en la escena musical como EMA de DUSTCELL junto a Misumi y creando la música que tanto ama.
—DUSTCELL lanzó su primer álbum completo「SUMMIT」el 20 de mayo de 2020, disponible ahora en Youtube Music y Spotify.
Video promocional del primer álbum de DUSTCELL
—El estilo musical de esta banda es bastante ecléptico; no obstante, destacan por el uso del dubstep, género musical derivado del bass que surgió a finales de los años 90 y comienzos de los 2000 en Londres (Inglaterra); el trap, subgénero del rap también noventero, y notas electrónicas contemporáneas que nos recuerdan o conectan con el estilo de djs como el recordado Avicii y el conocido Dj “otaku” Porter Robinson. Asimismo, la estética de sus videoclips juega de manera lúdica con el diseño 2D, sobre todo para la elaboración de los personajes “anime”, y el 3D, utilizado especialmente para la creación de escenarios que nos recuerdan la atmósfera de videojuegos “retro” en primera persona como Half-life o Counter Strike, aunque claro, con una temática más orientada hacia lo histórico, lo fantástico y el ciberpunk japonés.
***DATO CURIOSO***
DUSTCELL trabajó con Ramdaram, ilustrador y animador coreano independiente que también la está rompiendo en occidente, para su single “SOPPY”:
📝REDES SOCIALES (y otros medios de contacto):
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Las desventuras de Lima-chan es una historieta peruana creada y publicada por entregas virtuales desde junio del 2018 por Joaquín Ponce Vives (en su página artística de Facebook). Cuenta la historia de Lima-chan, un personaje femenino de estética manganime que encarna a la capital limeña en sus diversas aventuras y desventuras cotidianas junto a los demás departamentos del Perú.
DATO IMPORTANTE: Oficialmente la historieta continua, pero no tiene una periodicidad regular (cuenta también con entregas en formato físico). Por otro lado, este artículo se basó en un trabajo académico que comprende el análisis de este cómic hasta el episodio 33 de la tercera temporada; es decir, hasta inicios de la pandemia sanitaria en el país. Si desean leer la historieta, en la bibliografía se colocarán los enlaces para acceder a las misma. Ahora, sin más que decir, comencemos:
¿Quién es Lima-chan?
Lima-chan es un personaje creado bajo el concepto japonés denominadogijinka. Como sostiene el usuario Mr. Koyokoyo en la red social y aplicativo otaku Amino:
…es una palabra japonesa, la cual significa antropomorfismo, es un término bastante usado en Internet para referirse a personificaciones de prácticamente cualquier cosa.Estas personificaciones generalmente son de mujeres jóvenes o niñas, aunque también hay bastantes hombres, las cuales tienen rasgos del objeto, ser o concepto en el que se basan mezclados con rasgos humanos intentando generalmente que tengan un aspecto adorable o que concuerde con las características de aquello en lo que se basa. Cuando se busca que sean adorables se suele usar el término Moe Gijinka.
A partir de la cita anterior, podemos decir que Lima-chan es un personaje gijinka en tanto es la personificación femenina al estilo manganime de la capital peruana.
Joaquín Ponce Vives, en una entrevista personal (vía meet) que sostuvimos, comentó queLima-chan nació de forma inesperada (casi diríamos “como un juego” por parte del diseñador gráfico), a raíz de un comentario que Manuel Velarde, candidato a la alcaldía de Lima, posteó en sus redes sociales a inicios de junio del 2018 sobre la capital peruana: “Lima es plana, tiene clima templado y mucha gente joven”. El historietista utiliza la frase del candidato para darle un sentido humorístico afianzado, además, en los códigos que los jóvenes insertos en la cultura “otaku” (termino que alude a los fanáticos del manga y anime) pueden reconocer y consumir (el uso de los sufijos chan y kun en los nombres de los personajes es una prueba del manejo de los códigos manganime, por ejemplo). En ese contexto, tiene sentido que el pedido del autor es que los fans no sigan el ejemplo de Velarde al llamar a Lima “plana” y que en lugar de ello “quieran a su Waifu” (otra palabra otaku que hace referencia al amor platónico por un personaje como Lima-chan).
Imagen de Lima-chan para promocionar su cuenta de Instagram
Concept Art
Como sostiene Arteneo, Escuela de Artes Visuales madrileña, Concept Art o arte de concepto (a menudo también llamado desarrollo visual) es el diseño inicial utilizado para desarrollar el look and feel de un proyecto, desde películas de animación a videojuegos. Una forma fascinante de arte que combina aspectos de dibujo, ilustración y diseño.
En las desventuras de Lima-chan, el Concept Art aparece en los momentos donde han de presentarse los personajes por primera vez ante el público (fan lector) de esta historieta. Un ejemplo de esto se manifiesta en la que podemos considerar la primera página de la temporada 1 (T1) del cómic, donde se aprecia el Concept Art de Lima-chan (como manifiesta su creador, como una muchacha «plana» pero con sus curvas). Asimismo, cada vez que aparece un nuevo personaje (generalmente, un departamento del Perú), el autor coloca en los comentarios de facebook anexos al episodio un post con el Concept Art del mismo.
Concep Art de Lima-chan
Concept Art de Callao-kun, presentado en la temporada 1 (TI) del cómic
Coming-of-age y Slice of Life
Como historieta influenciada por el cómic japonés o manga, sea por su diseño estético, temáticas o géneros demográficos, y dada las respuestas de sus fanáticos, lo convencional seria calificar Las desventuras de Lima-chan como un cómic dirigido a un público masculino juvenil (en japonés, seinen). No obstante, también existe un amplio fandom femenino juvenil de esta historieta (josei). En ese contexto, otras categorías temáticas en la que podríamos contextualizar a Lima-chan es la del Coming-of-age (género literario y cinematográfico centrado en el desarrollo/crecimiento spicológico y moral de los personajes, particularmente desde la juventud hasta la adultez), en tanto que somos testigos de las diversas experiencias cotidianas (retazos de la vida o slice of life, otro género temático del manganime) a través de las cuales nuestra joven protagonista busca aprender cómo ser una mejor capital para el Perú contemporanéo (experiencias que no están exentas de las dosis de aventura y desventura propias de este tipo de género).
Uno de los conflictos más evidentes de Lima chan debe afrontar en este coming-of-age es el enunciado por el candidato Velarde: “Lima es Plana”. La protagonista, al ser un personaje construido, hasta cierto punto, bajo los tópicos clásicos del manga shōjo (cómic japonés para chicas adolescentes), tiene un carácter que evidencia una baja autoestima y una consecuente falta de confianza en sí misma, debido en este caso a su inconformidad por su apariencia física (para una chica, sea adolescente o una joven adulta, estár bajo la constante mirada estética pública es una cuestión bastante problemática). Sumado a esto, Joaquín agrega otros caracteres “negativos” a Lima-chan que corresponden a la percepción que los Limeños y habitantes de Lima tienen de la capital: es gris (carácter que refiere al cielo nublado visible recurrentemente en la capital ) y aburrida (para muchos peruanos, la capital no tiene ningún atractivo turístico por ofrecer). Por suerte para Lima-chan, los demás departamentos se van presentando como amigos y camaradas que le ayudaran lidiar con estos conflictos, como sucede con Ica-chan en el episodio 4 de la temporada 1.
Lima-chan es atacada por comentarios hate sobre su apariencia
El autor del cómic pide apreciar a nuestra capital
Ica-chan aconsejando a Lima-chan sobre su autoestima
Al mismo tiempo, y en un sentido proyectado, el autor del cómic, se anuncia ficcionalmente como la voz en off del relato para pedirnos a los lectores que ayudemos a Lima-chan a elevar su autoestima al demostrarle nuestro amor y/o cariño, un pedido que es coherente considerando que es “nuestra waifu” (más adelante desarrollaremos con profundidad este tema). Asimismo, y volviendo al sentido proyectado, la empatía y el amor/cariño que los lectores pueden sentir luego de conocer este faceta de la personalidad de Lima-chan puede repercutir en una mayor apreciación de los jóvenes peruanos por su capital: Lima es plana por su geografía, pero esa naturaleza es también atractiva y tiene para ofrecer actividades divertidas (esquí en la arena, visitar monumentos arqueológicos como Pachacamac), y si bien el cielo que la caracteriza es gris (producto de una consecuente y entendible contaminación ambiental), cuando menos lo esperas aparece despejado o con un brillante sol. Como consecuencia, es posible transformar el largo historial de apreciaciones estético-simbólicas negativas de la capital peruana, reflejadas en frases populares como “lima la horrible”, “lima, la del cielo panza de burro” o “lima la gris”.
Otro aspecto en el que somos testigos del proceso de aprendizaje de Lima-chan es el que el remite al enfrentamiento de otros conflictos internos de la protagonista: ego/individualismo vs colectivismo/espíritu comunitario. Como sucede en estos tiempos (donde el individualismo es uno principales males de la vida en sociedades contemporáneas) Lima-chan es uno de los tantos jóvenes que están tan ensimismados en sus pensamientos/deseos/sueños que no conocen su realidad más cercana (por ejemplo, en la temporada 1, Lima-chan no recordaba quien era Callao-kun, y cuando lo hace es tarde, porque ya le «ha robado»). Otro ejemplo se da en el episodio 3 (T1), cuando la protagonista quiere ayudar a Puno-kun y se le ocurre para ello tirarle desde su posición geográfica (la capital) unas frazadas (una actitud que refleja, proyectadamente claro esta, la actitud que ha tenido el gobierno capitalino al intentar ayudar a los demás departamentos con la misma actividad). No obstante, la voz en off (que por cierto puede funcionar como la voz simbólica de los peruanos) y el mismo Puno-kun comentan que esa intención no es la más óptima para ayudar a superar las heladas del sur; como si lo puede ser, por ejemplo, desarrollar medidas políticas que, comprendiendo su situación y contexto local, le ayuden a Puno a superar esos difíciles tiempos. Existen otros ejemplos en donde se evidencia el desconocimiento (o la actitud despistada típica del personaje shōjo) de Lima chan por lo que sucede en los otros departamentos, como los efectos de las inundaciones del fenómeno del niño costero sufridas por Piura-kun en la temporada 2 (T2).
Lima-chan lanzando frazadas para Puno-kun (T1)
Lima-chan no recuerda quien es Callao-kun hasta que su despiste la conduce a un robo (T1)
Lima-chan se entera a ultima hora de las inundaciones en el norte del Perú (T2)
En el episodio 8 de la temporada uno, vemos a Lima-chan entrando al departamento de Callao-kun aludiendo a su autoridad como «Lima Metropolitana» y «hermana mayor (de Callao) de todos modos». Lima, como capital metropolitana tiene al Callao bajo su jurisdicción, pero solo en un sentido administrativo. No obstante, la actitud de Lima-chan puede interpretarse críticamente como el actuar que pueden haber tenido los gobernantes de la capital en la vida real: respeto (verbalmente) la autonomía del Callao, pero en la práctica es otra historia, porque mi rango/cargo superior esta por encima de esta región, una actitud egocéntrica que puede derivar además en un “abuso de poder”. Sumado a ello, en el episodio 12(T1) se evidencia el deseo de protagonismo de Lima-chan, quien manifiesta en su discurso «político» que superaron la electionitis (la “enfermedad” que sufren todos los lugares del Perú al ser víctimas del acoso extremo de todos los candidatos a sus respectivas alcaldías), cuando vemos en la misma escena, pero en un plano de fondo, a Callao-kun siendo aún víctima de este mal que Lima “Metropolitana” declara eliminado.
Lima dando un discurso «politiquero» sobre la supuesta superación de la electionitis (T1)
Los viajes de aprendizaje al interior del Perú
Un último aspecto sobre el Coming-of age del comic es cómo actúa Lima-chan para acabar con ese egocentrismo y falta de un mayor sentido colectivo que le impide ser una mejor capital. Y es justo en este punto donde inicia una de las etapas más interesantes de la historieta: el viaje que Lima-chan realizará a diversos departamentos de la costa, la sierra y la selva del Perú con motivo de un entrenamiento para ser una mejor “líder”. Un viaje a partir del cual Lima-chan podrá ampliar su conocimiento sobre la realidad del resto de zonas del Perú, lo que repercutirá en una mayor perspectiva a lo hora de plantar medidas que ayuden o beneficien a cada región acorde a sus particulares contextos. En relación con lo anterior, señalaré dos episodios particulares:
En el episodio 10 (T1), Lima-chan viaja al Huascarán en compañía/guía de Ancash-kun, y ,aunque le da el típico soroche, en el siguiente episodio constatamos que logra llegar al famoso nevado Huascarán.
Como declara Joaquín Ponce en su cuenta de Facebook donde publica el cómic, el capítulo 18 (T2), donde hace su aparición Loreto-chan, fue inspirado por el cómic Selva Misteriosa (1971-1973), de Javier Florez del Águila, que hoy vuelve a nosotros en un compilatorio de editorial Planeta.
En el episodio 19, Lima-chan conoce a Ucayali-kun, quien la iniciará en un rito de viaje místico-ancestral. Una experiencia que alude a la famosa experiencia alucinógena atribuida a la ayahuasca, experiencia que es referenciada a su vez en la obra literaria Las tres mitades de Inomoxo y otros brujos de la amazonía (César Calvo, 1981). Como refiere el portal cultural librosperuanos.com,
César Calvo realiza, en esta novela, un viaje hacia sí mismo y hacia esos miles de rostros que son las diversas caras del Perú: el mundo amazónico, el andino, el costeño, el afroperuano. Pero Las tres mitades de Ino Moxo…es más que una novela. Es también un poema, un testimonio, el libro de un visionario. El relato de una travesía que nos permite vislumbrar un país que se reconoce en la sabiduría ancestral.
A partir del viaje selvático que la llevará a vivir una experiencia místico-ancestral, antecedida en la obra de Calvo y aludida intertextualmente en el cómic de Ponce, Lima-chan se inscribe en una aventura peculiar y de suma importancia en aras de encontrar las respuestas a las dudas que la llevaron hasta ese punto: cuál es su propósito como «ser, como «líder» de los demás departamentos del Perú.
(1971-1973)
(1981)
A través de esta experiencia mística a la que Lima-chan es introducida por (el brujo) Ucayali-kun,comprenderá dos aspectos importantes: primero (y como ha venido realizando en estos viajes) tiene que observar, con una mirada más profunda, la realidad del Perú: desde la costa norte con Piura hasta las alturas heladas de Puno. Segundo, debe mirar hacia su pasado:Lima fue colonial, luego una república y luego de otros eventos históricos contemporáneos (como la gran oleada migratoria a la capital y el conflicto armado interno, por ejemplo) es la Lima de «todas las sangres”, una frase que hace referencia a la famosa obra homónima del escritor andahuaylino José María Arguedas, publicada en 1964. En ese contexto, y un sentido proyectado, los lectores podremos (a través de Lima-chan) iniciar estos viajes de descubrimiento de nosotros mismos (tanto como individuos como colectividad), porque solo conociendo quienes fuimos, podemos saber quiénes somos y definir lo que queremos ser. Volviendo a Lima-chan, el viaje no ha culminado. En el episodio siguiente (21) aparece Madre de dios para guiarla a la última etapa del viaje astral, donde la protagonista descubrirá la realidad crítico-ambiental que sufre la selva; no obstante, en vez de esperar una respuesta diplomática de la capital, Madre de Dios la incita a “actuar” (digamos que simbólicamente esto se expresa al arrojarla en el aire a su siguiente destino, que curiosamente es el Cusco, conocido como el ombligo/origen del mundo). No obstante, en el episodio 32 de la tercera temporada, hará su aparición el mayor e inesperado desafío que Lima-chan, en alianza con los demás departamentos del Perú, deberá afrontar: el virus Covid 19. Desafío que hasta el día de hoy no sabemos a ciencia cierta cómo terminará.
Episodios del viaje «místico-ancestral» de Lima-chan (T2)
Humor político e Identidad nacional
Otro aspecto temático que subyace en Las desventuras de Lima-chan es su carácter humorístico-político, lo cual tiene mucho sentido teniendo en cuenta la historia de la historieta peruana desde su aparición oficial en el siglo XIX (coincidente con la revolución industrial y el nascimiento de los periódicos y las revistas de época). En Lima-chan es posible encontrar una conexión con los relatos costumbristas delasTradiciones Peruanas(1872), de Ricardo Palma, escritor e intelectual peruano que, valiéndose de su talento artístico-narrativo, retrata de manera romántica (añorando el pasado) las experiencias de diversos peruanos, en general nacidos o afincados en la capital, que le sirven como excusa para críticar, valiéndose de la ridiculización propia de la sátira, los vicios de la ciudad. A inicios del siglo XX, la tradición satírica será retomada por Monos y Monadas, revista de humor político de gran importancia y legado nacional. Como sostiene el portal web de periodismo de la PUCP, esta revista
…apareció en los albores del siglo veinte y luego volvió en distintos periodos, siempre para incomodar y burlarse del poder. Su etapa más polémica sin duda fue a fines de los años setenta y principios de los ochenta, cuando desde posturas de izquierda fustigó al dictador Francisco Morales Bermúdez, dejó en ridículo a los militares que oficiaban de ministros, y desplegó poco después, con sorna e ironía, una crítica severa de la clase política de entonces.
Fecha de publicación: 1872
Carátula del 8 de Enero de 1981
Otro grupo de caricaturistas importantes, que además optaron por dirigirse a un público infantil, fueron Hernán Bartra (Monky) y Juan Osorio (Osito), historietistas de Avanzada (1953-1968), revista donde aparecen tres niños-personajes que crearon bajo los nombres de Coco, Vicuñin, y Tacachito, los cuales representaban a la costa, la sierra y la selva del Perú, respectivamente. Fue uno de los primeros proyectos de arte gráfico a partir de los cuales los niños pudieron divertirse a la par que aprendían/conocían la realidad peruana.
Como menciona Carla Sagastegui, docente de Humanidades de la PUCP, otro de los historietistas peruanos creadores de propuestas artístico-narrativas para la formación de “identidades nacionales” (digamos, con conciencia crítica) es Juan Acevedo, caricaturista prolífico que a fines de los setenta crea la historieta El Cuy, cuyo protagonista es un roedor altamente cuestionador de todo (orden) preestablecido (y una crítica a la estética animada y “conservadora” de Disney). Personaje que además ha tenido posteriores aventuras y reediciones narrativas. Podríamos señalar más casos, como por ejemplo el de las historietas y novelas gráficas peruanas que, desde los años ochenta hasta la actualidad, configuran propuestas de identidad nacional que parten de contextos histórico-políticos como el “conflicto armado interno” (Luchín Gonzales, 1988; Rupay, 2008; Barbarie, 2010, etc.), u otros conflictos nacionales latentes (La guerra por el agua, cómic interactivo, 2016).
En ese contexto, si bien el cómic de Joaquín Ponce no es una historieta de humor político en el sentido estricto de la palabra, mantiene ese carácter crítico de la realidad peruana mediante la figura de Lima-chan,una crítica cuyo potencial es más efectivo en tanto va dirigida tanto a los gobernantes como a los ciudadanos peruanos, especialmente jóvenes: a los primeros les pide conocer la realidad del país para que sepan realmente cómo contribuir a su desarrollo, y a los segundos (a la par que los inculca también sobre esa realidad) les pide dejar de mirar a la capital con los ojos “despectivos” con que la miraban nuestros padres y abuelos («Lima la horrible») para que puedan apreciar la verdadera belleza y valor que se esconde tras ella (Lima es plana y gris, pero también es una fuente de recursos y vínculos de vida para el resto del país, después de todo es de “todas las sangres”). De esta manera, el cómic de Joaquín Ponce se inscribe en la ya consolidada tradición de proyectos historietísticos que apuntan a la formación de una “identidad nacional” (en las conclusiones se profundizará más sobre este último y complejo punto).
De «Lima la horrible» a «Todas las sangres»
El aspecto humorístico de esta historieta se debe también a su carácter paródico. Según el crítico literario francés Gerard Genette, la parodia sería la imitación burlesca que hace un texto respecto de otro, donde la risa surge de una constante confrontación entre ambos textos, el parodiado y el parodiante. No obstante, esta imitación desvía el sentido original del texto con el fin de entretener al público presente. En ese contexto, Las desventuras de Lima-chan representa una parodia del famoso ensayo Lima la horrible (1964), de Sebastián Salazar Bondy, en el cual (a costa de una mala interpretación que solo ve una crítica estética superflua), crítica la visión romántica de la Lima colonial que tanto añoraba y expresa en su obra Palma y otros intelectuales de la época. Joaquín parodia “Lima la horrible” en tanto le da un nuevo y cronológicamente coherente sentido crítico. En otras palabras, la crítica paródica de Lima-chan no se sostiene específicamente en el cuestionamiento del sistema jerárquico de poder hegemónico latente que se intuye en el texto de Bondy, sino en señalar lo importante que es no solo para la capital peruana, sino para todos los peruanos conocer realmente cómo es el país, con son todas sus complejidades heredadas históricamente, pues solo así podremos comprendernos, cooperaremos y creceremos como un país democrático, libre e independiente. Como un país que realmente es de “todas las sangres”.
Lima la horrible (1964), versión historieta (Casa de la Literatura Peruana, 2014)
Fecha de publicación original: 1964
Shōjo, waifuismo y fandom
Como se mencionó anteriormente, el diseño estético y de personalidad de Lima-chan emparenta con un típico diseño de protagonista kawaii del manga shōjo: tiene baja autoestima, es despistada, pero tiene buen corazón y ganas de ser una mejor líder. No obstante, y pese a las criticas recibidas por un grupo de lectores por tener el diseño estético de una “blanquita privilegiada”, Lima-chan demuestra en su habla coloquial modismos más propios de “un chibolo limeño de barrio” o digamos “achorado”. Esto ocurre por ejemplo, en el episodio 5 (T1) donde Callao-kun le roba el broche a Lima-chan y ella le lanza un típico insulto local tras sentirse impotente: “callao CTM(conchadetumadre)», o cuando en el episodio siguiente se pregunta por dónde estará el mismo: “hasta donde se habrá ido este pata”. No obstante es justamente esta personalidad la que convierte a Lima-chan en un personaje interesante, sea como personaje de inspiración manganime o como proyección de nuestra “querida” y a la vez “odiada” o enajenada capital.
Como sostiene Gerardo Ariel Del Vigo, licenciado en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires, dentro de la subcultura Otaku el término Waifu refiere a la relación o el título que se le otorga a un personaje de un anime, manga, serie o videojuego que es considerado por un fan como su “esposa”. Ser una waifu implica en el fan un compromiso que refleje el profundo amor por ella, lo que se traduce en demostrar tanto en el mundo real (eventos fandom, merchandaising) como virtual (foros web) la fidelidad hacia este personaje. ¿Cómo funciona eso en Lima-chan?, pues simplemente consumiendo cada capitulo/entrega web del cómic. Es la mejor forma para que el personaje siga existiendo, ya que la lógica del mercado digital exige que haya un público dispuesto a seguir consumiendo el producto ofrecido en dicho ámbito. El autor ofrece en agradecimiento al fandom de Lima-chan (por apoyar el proyecto con su lectura e interacción web) sorteos, y otros productos que los fans pueden adquirir (como stickers y la versión en físico de la historieta, claro).
Lima-chan firmando autógrafos de los ganadores de un sorteo propiciado por Joaquín Ponce
Cómic web y cultura digital
Otro aspecto interesante que no podemos dejar de mencionar en este cómic es su formato. Según su autor, este cómic no es un manga porque este término refiere a los cómics japoneses. Asimismo, y a diferencia de un manga, esta historieta se lee como es convencional en occidente: de derecha a izquierda. Sumado a esto, Joaquín Ponce considera que su obra responde más bien a uncómic de autor, lo que, considerando la propuesta narrativa, la estética manganime y el concep art hábilmente articulados por el diseñador gráfico, es bastante coherente.
Respecto al formato del cómic, resalta/predonima el uso de viñetas en plano entero donde visualizamos a los personajes en actitud dialogante, así como las viñetas en plano general, las cuales destacan sobre todo por mostrar los escenarios donde ocurren las desventuras o aventuras de Lima-chan (como sucede cuando la vemos en la cima del Huascarán). Asimismo, debe resaltarse el uso de toda (o casi toda) una página para presentar (emulando el Concept Art) a algún personaje clave, como sucede en la viñeta-presentación del virus Covid 19 (con una apariencia alienígena y típico traje chino que rebela su origen geográfico).
Memes y referencias digitales otaku
Un aspecto que es clave para entender en buena medida la popularidad creciente de este cómic, es el hecho de haber nacido como una historieta web, es decir como un medio de entretenimiento nativo digital, que a su vez es una gran fuente de atracción para el público peruano joven al que prioritariamente va dirigido. Asimismo, otro aspecto clave es el hecho de valerse estratégicamente del contexto digital (redes sociales y aplicaciones web) para crearse y recrearse contanstemente, sobre todo en lo que refiere al aspecto paródico humorístico de Lima-chan. Nos referimos, por ejemplo, al uso de los memes. Según Wikipedia, la enciclopedia virtual de contenido libre, el término meme en internet se usa para describir una idea, concepto, situación, expresión o pensamiento, manifestado en cualquier tipo de medio virtual, cómic, vídeo, audio, textos, imágenes y todo tipo de construcción multimedia, que se replica mediante internet de persona a persona hasta alcanzar una amplia difusión. Para el periodista chileno Javier Chamorro Bernal
Que los memes pueblen internet se debe a la mentalidad del prosumidor, como un usuario dispuesto a crear contenidos para la red. Independientemente de que sus motivaciones sean con fines de lucro o por buscar reconocimiento entre sus pares, lo llamativo es el hecho de reproducir archivos de forma constante y más aún cuando se forman comunidades en torno a ello. Asimismo, se puede llegar a pensar que el ciberespacio condiciona a ese actuar.
De acuerdo a esta cita, el ciberespacio es un medio propicio para la proliferación de memes, como en este caso de los memes reconocidos por los internautas de las comunidades otaku. En ese contexto, es interesante notar como el autor apeló a los memes otaku para parodiarlos en su cómic. Este es el caso del episodio 30 (T3), donde se hace parodia de diversos memes donde se ven a los protagonistas del manganime Jojos Bizarre (Jotaro Kujo y Dio Brando) en poses que indican que están en medio de una batalla. Joaquín reiventa la escena y coloca Cusco-kun y Puno-kun en las mismas poses de los Jojos para enfrentarse en el Takanakuy, celebración tradicional que se lleva a cabo todos los años, el 25 de diciembre, en Chumbivilcas – Cusco, donde las personas pueden «limar sus asperezas» a través de luchas, acampañados de un perertorio de música y danza conocido como wuayliya. Una parodia acertada para el contexto peruano, tal como lo demuestra la respuesta de sus fans (ver imágenes).
Posteo de un usuario de Quora (red social de preguntas y respuestas) con la escena convertida en meme de los Jojos
Puno-kun y Cusco-kun se enfrentan al estilo de JoJos Bizarre
Fan service y dōjinshiweb
Ser un cómic nacido en el mundo digital afin a la comunidad otaku implica, asimismo, manejar ciertos códigos que son parte del atractivo que genera para los fans.Este es el caso, por ejemplo, de los llamados “fanservice”, en español traducidos como «servicios para fans». Estos servicios consisten en mostrar escenas o eventos donde los fans pueden disfrutar de otras facetas divertidas o poco usuales de sus personajes como, por ejemplo, las escenas de playa donde sobretodo los fans masculinos del cómic pueden ver a Lima-chan (“la chica plana”) o a Libertad-oneesan («la chica de cuerpo escultural») en ropa de baño. En el caso de las fans, pueden disfrutar de ver a sus husbandos (“esposos”) como Puno-kun y/o Cusco-kun luciéndo su atractivo físico en el Concept Art y/o en escenas de acción, o a Moquegua-kun, si les gusta los personajes shota (personajes infantiles, o de apariencia infantil, que gustan a las mujeres jóvenes adultas u otros individuos). Asimismo, existen fans que llegan a crear al estilo dōjinshi (en japonés, autopublicación artística) sus propias versiones (Concept Art) de sus personajes favoritos.
Reflexiones finales
Mi lectura/aproximación/análisis de Las desventuras de Lima-chan me lleva a entenderla como un proyecto artístico-narrativo alternativo para entablar (o ir en línea con) una formación de identidad constructiva y «real» en los jóvenes del Perú contemporáneo. En ese contexto, toma en cuenta factores claves para este público, como el conocimiento de los código estéticos y narrativos del manganime, las tecnologías digitales inmersas en las comunidades virtuales, y las particularidades geográficas, políticas y socioculturales de cada departamento del Perú. No obstante, más que crear una “identidad nacional” entendida en el sentido de los proyectos modernistas republicanos (que no han logrado, a mi parecer, cimentarla con éxito), a lo que podría apuntar este cómic es a la formación de identidades que respondan a la época “posmoderna” que vivimos, es decir, identidades que muestran una gran complejidad ingeniosamente articulada en tres ejes:
Identidad regional: los jóvenes expresan el respeto por la diversidad étnico-cultural de su localidad y la de los otros.
Identidad nacional: los jóvenes se reconocen como parte de una comunidad macro y geopolíticamente delimitada como “país”, que los representa y, por ende, por la que deben trabajar en aras de lograr objetivos comunes para un “real” progreso.
Identidad global: la identidad creada en un contexto globalizado, donde las nuevas tecnologías de comunicación y medios digitales contribuyen a cimentar en los jóvenes ciertas ideologías, pensamientos, emociones, carácteres culturales, sociopolíticos, artísticos, etc., que les incentivan a sentirse parte de una macrocomunidad que no es física sino existente en la mentalidad/espiritualidad de los mismos, la cual es expresada o condensada en escenarios virtuales; como sucede por ejemplo, con las identidades globales afianzadas en la subcultura otaku (cultura referenciada en Las desventuras de Lima-chan).
En esta nota les hablaremos de Akiko Higashimura, una de las mangakas más reconocidas por la academia artística japonesa contemporánea que esta ganando mayor popularidad en Occidente y que, a pedido de nuestros nakamas, esperamos que pronto sus obras sean publicadas en español para el también deleite de sus fans latinoamericanos.
BIODATA
Akiko Higashimura nació en la ciudad de Miyagi, Japón, el 15 de octubre de 1975. Desde pequeña demostró ser una gran fan del manga shōjo, como por ejemplo del anime Chibi Maruko chan (1990-1992), de Momoko Sakura, manga que fue un boom durante la infancia de la mangaka. Así también se declaró una “niña Ribon», ya que durante su niñez fue una gran seguidora de la famosa revista Ribon, publicada de la mano con la famosa editorial nipona Sueisha. Pero su amor por el manga no quedaría ahí, pues ya soñaba con ser mangaka desde esa edad. De hecho, su talento como artista ya se hacía notar: cuando estaba en quinto grado de la escuela primaria, creó su primer manga sobre una niña detective, al que llamóTantei Puttsun Monogatari. En la escuela secundaria entró en el club de arte, y después estudió en la escuela kanezawa de arte. Finalmente, su sueño se hace realidad y debuta como mangaka a los 23 años en la revista de seinenWeekly Morning.
Fuente: Akiko Higashimura Documental (Youtube)
ESTILO E INFLUENCIA
Su estilo es característico por sus pocas líneas /trazos de dibujo en el diseño de sus personajes. Asimismo, Akiko declaró en una entrevista al también famoso mangaka Naoki Urasawa (autor de Monster 2004-2005) que su estilo está influenciado por la obra de Yokoyama Mitsuteru, celébre autor de Tetsujin 28‑gō, manga precursor del género mecca. Prueba de esto sería que en Kimawari- KenichiLegend se ve la influencia del manga Sangokushi, del maestro Yokoyama.
Para el diseño de sus personajes, Akiko ha recurrido a diversos modelos peculiares de la vida real. Por ejemplo, para Kugarehime, se inspiró en las historias que le contaban sus amigas otaku cuando salían a tomar una copa. En Himawari aparece retratado su padre, y en Mama no tenparist se inspira en su propio hijo como modelo protagónico.
Estilo de dibujo en personaje masculino, Bishoku Tantei Akechi Goro (Cocohana, 2015)
Mama wa Tenparist (Shueisha, 2007), donde el hijo de Akiko fue inspiración para el personaje protagónico
Princess Jellyfish (2008, Kodansha), inspirada en las amigas «otaku» de la mangaka
OBRAS
Akiko Higashimura tiene aproximadamente veinte años en la industria del manga, por lo que es normal que tenga una vasta lista de obras publicadas. En esta ocasión, mencionaremos algunos de sus títulos más resaltantes y exitosos no solo en Japón, sino en Occidente (es decir, EE.UU, hasta el momento): Kugarehime, traducida en inglés como Princess Jellyfish (2008, Kodansha), Tokio Tarareba Girls (2014, Kodansha), y su cómic autobiográfico Kakukaku Shikajika, más conocido como Himawari-Kenichi Legend (2012, Shueisha).
PREMIOS/RECONOCIMIENTOS
Ha sido nominada al premio Manga Taisho en repetidas ocasiones: en 2008 por kugarehime; en 2009 por Mama wa Tenparist; en 2011 por Omo ni Naitemasu, y en 2015 lo ganó por Kakukaku Shikajika.
Akiko Higashimura recibe el premio Manga Taisho por Kakukaku shikajika (2015)
DATO CURIOSO
Akiko tiene su propio bar dedicado a un teatro takarazuka cerca de Osaka, donde se viste con kimono para atender a los clientes.
En el manga Yukibana no Tora (2015, Shogakukan), la artista tiene como protagonista a Uesugi Kenshin, famoso daimyo de la era Sengoku de Japón, pero como un personaje femenino de la obra, la cual es su primera de temática histórica.
El propio Naoki Urasawa reconoció con mucho asombro que Akiko es una mangaka super veloz al momento de dibujar.
La mangaka acostumbra a trabajar en su estudio con buzo para estar más cómoda. Sin embargo, aun con un traje simple, su vestimenta suele ser colorida y detallada, “con mucho estilo”.
Su estilo de dibujo es muy meticuloso y detallado, sobretodo en cuanto a las expresiones emocionales y la vestimenta de los personajes que así lo requieran (como, por ejemplo, los históricos).
Cuando está muy cansada para seguir dibujando sus mangas, Akiko toma una pequeña siesta en su mesa personal de trabajo.
Ha llegado a trabajar con más de una decena de ayudantes para que entinten y perfilen 100 páginas de mangas distintos durante un mes.
Pese a lo atareado de su rutina, Akiko no pierde su sentido del humor.
También les recomendamos ver el video de Oriol Estrada Rangil, máster en Estudios de Asia Oriental, donde nos comenta su crítica sobre las obras de la mangaka en mención:
⛩ En esta ocasión vamos a hablarles de una novela mexicana inspirada en Japón que la rompió durante la década de los ochenta por su originalidad y magistral producción: «El pecado de Oyuki».
🖌 El pecado de Oyuki es una telenovela mexicana producida por Lucy Orozco para Televisa en 1988. Está basada en la historieta del mismo nombre escrita por Yolanda Vargas Dulché y publicada primero en 1949 dentro de la revista Pepín y después en 1975 dentro de la revista Lágrimas, risas y amor. Fue protagonizada por Ana Martín y Boy Olmi, con las participaciones antagónicas de Salvador Sánchez y Martha Roth, y la presentación estelar de Cecilia Gabriela. La historia fue adaptada al formato de telenovela por la misma autora. Se transmitió originalmente del 15 de febrero al 5 de agosto de 1988 en el horario estelar de las 21:00 h. por El Canal de las Estrellas (aunque la novela fue grabada entre 1986 y 1987).
Protagonistas de la telenovela mexicana «El pecado de Oyuki»
🌸 DATO CURIOSO:
• Esta telenovela significó el debut como Productora Ejecutiva de Lucy Orozco. • La preproducción duró un total de siete meses. • Las grabaciones se iniciaron con apenas cinco capítulos escritos. • La utilería se trasladó desde Tokio para reproducirla en México, lo que representó un alto costo debido al sobrepeso de equipaje. • Para las escenas de las calles de Tokio se contrataron cerca de 600 extras con rasgos orientales. • Para simular una nevada se utilizaron cerca de mil costales de poliestireno expandido. El equipo tardaba más de tres horas en recoger con aspiradoras el material en las faldas del Ajusco. • La productora Lucy Orozco tardó tres meses en editar la entrada que acompañaba los créditos. • El actor Gonzalo Vega había sido elegido originalmente para interpretar el personaje de Yutaka, pero al parecer, no se sintió satisfecho con el personaje. • Esta telenovela alcanzó una gran teleaudiencia, consiguiendo 92 puntos de índice de audiencia, ganando diversos premios y siendo transmitida en países de América Latina, además de gozar de mucho éxito en Japón. • El costo final de la producción fue de 432 millones de pesos de la época. • Esta fue la primera (y, hasta ahora, única) telenovela mexicana doblada al cebuano e hiligeino para su transmisión en las regiones filipinas de Bisayas y Mindanao.
Ana Martín como Oyuki
☘️ Después de «El pecado de Oyuki» :
* Al finalizar las grabaciones de la telenovela Ana Martín fue invitada a Japón, pues las altas jerarquías de ese país querían felicitarla personalmente por el logro de haber interpretado magistralmente a una geisha.
* Posteriormente Martin fue puesta en manos de un famoso cirujano en Los Ángeles debido a los desgarres que tuvieron sus párpados y otras partes cercanas a sus ojos a causa del constante estiramiento para simular ojos rasgados. Esto le costó a la actriz un largo tratamiento de recuperación para lograr restablecer la piel caída.
NOTAIMPORTANTE:Las investigaciones sobre la lolita usadas en este artículo están basadas en producciones académicas de los periodos 2005-2014. No obstante, se han realizado actualizaciones para el presente análisis gracias a los aportes de Lolimafia, la comunidad oficial de lolitas en Perú.
Cuando escuchamos la palabra Lolita, nos viene a la memoria la protagonista de la famosa novela de Vladimir Nabokov publicada en 1955. No obstante, la lolita de la que tratará este artículo alude a una estética denominada por sus seguidoras (como, por ejemplo, las lolitas peruanas) como fashion lolita.
Como sostiene Vanessa Huaytan, administradora deLolimafia, la comunidad lolita del Perú, el estilo lolita «está inspirado principalmente en el Victoriano y Rococó; al ser la mezcla entre lo elegante y extravagante, es más una versión pop de la ropa de esos periodos al darle esa pizca juvenil con una presentación de prendas coloridas».
Fuente: Pinterest
¿POR QUÉ LOLITA?
Muchas lolitas son conscientes de la connotación negativa asociada al nombre de su adorada estética, y a menudo hará todo lo posible por negar todas las asociaciones con la obra homónima de Vladimir Nabokov. Otras afirman que es un misterio total, o afirman que el nombre fue elegido de una manera completamente arbitraria y sin una comprensión real de lo que trata dicha novela. En ese contexto, asumir que solo porque esta estética y la lolita de Nabokov tienen un antepasado comúntodas las seguidoras de este estilo son fieles devotas del escritor ruso es entender de forma prejuiciosa y superflua cómo funcionan ciertos conceptos y cómo es que interactúan con la literatura, la moda y otras expresiones de la cultura pop japonesa. Por consiguiente, es pertinente analizar el uso que hacen los japoneses del término Lolita para comprender cómo lo han asimilado o reinventado hasta convertirlo en el fenómeno que es hoy.
Izquierda a derecha: Sue Lyon y Dominique Swain, protagonistas de las versiones cinemátograficas de Lolita en (1962) y (1997), respectivamente
LOLITA EN OCCIDENTE Y ORIENTE
De acuerdo al blog de estética juvenil F Yeah Lolita, el significado de la palabra‘Lolita’ ha cambiado a lo largo de los años, y en Japón esto no es la excepción. Es por esto que (y apelando a un fragmento parafraseado del artículo que elaboré sobre el Lolicon), es necesario rastrerar los orígenes etimológicos de este fenómeno. En ese contexto, se rastrea a la lolita en la concepción del ‘El Complejo Lolita’ (derivado del inglés ‘The Lolita Complex’), término compuesto que fue acuñado por Russell Trainer en 1966 en su libro del mismo nombre. Este texto era una pieza de estilo sensacionalista, un falso estudio psicológico que estaba destinado a excitar y venderse a cuestas de la popularidad de la polémica obra de Nabokov.
Poco después de la publicación, ‘El complejo Lolita’, se tradujo al japonés como su abreviatura ‘Lolicon’, y así terminó apareciendo en Stumbling Upon A Cabbage Field (1974), un manga-parodia de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (1865). A finales de los 70 y principios de los 80, el Lolicon empezó a usarse como referencia a los personajes femeninos favoritos de los fanáticos de este tipo de mangas. Así también, muchos de los primeros personajes de anime que tenían el término ‘Lolita’ formaron parte de las historias para chicas adolescentes (Shoujo), y parecía haber un estigma significativamente menor contra el término en ese momento: parecía tener una definición mucho más «domesticada» (y en ese sentido «femenina») en un sentido patriarcal, de la que incluso puede tener hoy en día. Aunque la moda Lolita no se llamaría así hasta muchos años después, tanto la chica Lolicon como la chica Lolita tenían sus raíces en estas épocas.
Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
ETIMOLOGÍA LOLITA
Existen lolitas en Japón que están tan molestas como las lolitas occidentales por la connotación negativa que las asocia al personaje de Navokov. Es por esto que muchas incluso adoptaron una ortografía diferente de la palabra original para diferenciarse, (al menos en un sentido lingüístico). Mientras que Lolita normalmente se escribe «ロ リ ー タ», muchas eligen la variación «ロ リ ィ タ», en la que la «i» habitual se sustituye por una «i» pequeña. Sin embargo, muchas publicaciones y tiendas en línea usan el típico «ロ リ ー タ». Asimismo, hace unos años atrás, en el oeste, las lolitas se referían frecuentemente a la moda con la pronunciación / ortografía japonesa de ‘rorita’ por exactamente la misma razón. Por otro lado, Terasa Younker, especialista en cultura popular japonesa, sostiene que dado que las seguidoras de esta estética tienden a ignorar las normas sociales y hacer lo que quieren, no estarían en realidad tan preocupadas por el tipo de ideas erróneas que los extraños puedan tener sobre ellas a partir de las connotaciones de su nombre, puesto que de ser así nunca habrían aceptado ser partícipes de una estética tan polémica.
ORIGEN Y EVOLUCIÓN DE LA LOLITA
De acuerdo a diversos estudios y registros documentales, no hay un origen oficial de la lolita, más sí diversas teorías que proponen su nacimiento estético derivado de otras modas que incluyen también la producción local.
De acuerdo a F Yeah Lolita, uno de movimientos estéticos que influyó en la creación de la Lolita surgió en Japón a fines de los años 60, a partir de las modas promocionadas por marcas como Natural Kei. Esta se caracterizaba por sus «románticos» diseños de inspiración victoriana, los cuales se extendieron a la cultura popular a partir de tendencias bohemias que emulaban lo campestre. Pronto no solo las jovencitas, sino hombres y mujeres de todas las edades se inspiraron repentinamente en un ideal de vida más romántico y simple. Desde la música, los muebles, y por supuesto la ropa que utilizaban, nos recordaban a los queridos personajes de la teleserie americana Little House on the Prairie (1974-1983), más conocida en Latinoamérica como “La familia Ingalls”.
De acuerdo al portal de moda Rebels Markert, otra vertiente de la lolita la coloca como descendiente directa del Doll Fashion, una moda que se desarrolló a principios de la década de 1980, popularizada por la marca Pink House y por el estilo de casa de muñecas desarrollado por la marca Milk. Durante este tiempo, aquellas que lucían esta estética de muñecas eran llamadas Olive Girlsdebido a su amor por las publicaciónes de este estilo en la revista Olive Magazine .
Little House on the Prairie (1974-1983), serie basada en la saga literaria homónima estadounidense escrita alrededor de los años 30
Revista Seventeen versión japonesa. Nótese la influencia de la estética femenina occidental campestre
Olive girls
A mediados de la década del ochenta, muchas Olive Girls comenzaron a usar atuendos más brillantes, más diversos y visualmente más llamativos cuando fueron a ver a sus artistas favoritos tocar en vivo, muchos de los cuales firmaron con la etiqueta independiente más importante de la época, Nagomu Records, luego de lo cual sus fanáticas terminaron ganándose el título de Nagomu Girls.
Nagomu Girls
En los noventa, las bandas de rock inspiradas en el estilo visual Kei surgieron en la escena, y el mundialmente famoso grupo X Japan lanzó su álbum debut. Algunas de las características del visual Kei incluían trajes y vestidos exagerados, maquillaje femenino y una obsesión con los elementos visuales sobre todo lo demás. La popularidad deX Japan visibilizó más la moda lolita, dado que las lolitas góticas (de quienes hablaremos con detalle más adelante) eran sus más grandes fanáticas.
Malice Mizer, banda de rock influente en la moda lolita. Dato curioso: Mana, el baterista del grupo, está vestido como una Gotic lolita.
A finales de los 90, la lolita empezó a tener más visibilización digamos, mediática, gracias a sus apariciones en revistas de moda. Es la época del boom lolita, y con ella empieza a ser conocida como tal tanto en Japón como en el extranjero. Lo que resultó en nuevas e innovadoras marcas dedicadas a la cultura, así como en una diversificación masiva del género. A medida que la moda lolita fue adoptada por el mundo occidental (manteniendo sus raíces aún firmemente plantadas en Japón), una gran cantidad de otros subestilos lolita como la Lolita Punk y la Lolita Country hicieron de esta estética más fuerte, variada y llamativa que nunca.
Revistas con modelos vestidas como Lolitas punks
LOLITA Y LA MODA VICTORIANA
Como se mencionó al inicio de este artículo, uno de los personajes influyentes en la creación de la estética lolita fue la protagonista homónima de Alicia en el país de las maravillas (1865) que llegó al Japón moderno a través de la literatura occidental que fue adaptada a la propia cultura popular japonesa a través del manga y el anime. A partir de personajes como este, la infancia victoriana fue entendida por los japoneses como un estadio idílico de total felicidad e inocencia, algo que no estaba tan alejado de la mentalidad de los propios ingleses decimonónicos (es decir, de los que nacieron y vivieron durante el reinado de Victoria I, desde el 20 de junio de 1837- hasta el 22 de enero de 1901). Según Terasa Younker, para los hombres victorianos, recordar su niñez era recordar una época marcada por un rígido sistema social que los obligó a una edad temprana a comenzar sus estudios fuera de casa, mientras que sus hermanas siguieron usando enaguas y continuaron su educación en el ámbito doméstico, razón por la cual aquellos que llegaron a convertirse en escritores (tocados por la nostalgia del paso del tiempo) empezaron a difundir “…la imagen de la niña como símbolo de la perfecta infancia afincada en el reino de lo doméstico-familiar”. En ese contexto, Younker sostiene que la idealización de la infancia victoriana aprehendida por los japoneses a partir de la literatura y la cultura popular sería, en parte, la responsable de la predilección de la moda lolita por una estética juvenil y conservadora: “un diseño de blusas que evitaran la exposición del pecho y el cuello, así como de un vestido de corte infantil que llegara hasta la pantorrilla y que fuera mucho más ligero que un vestido adulto de la época con una crinolina más pesada”.
Fotografía de Alice Liddell (1858), la niña que inspiró la creación del famoso personaje de Lewis Carrol
Alicia (1865), la niña victoriana más famosa de la literatura universal
Retrato de dos adolescentes victorianas (Inglaterra,1865)
LOLITA Y EL ROCOCÓ
Otra de las modas europeas que influyó en el estilo lolita fue el rococó, surgida en Francia a mediados del siglo XVIII, el cual se caracterizó por ser una estética ligera, más acorde con la vida alegre, relajada y llena de ocio de la aristocracia local. Su temática favorita eran los ambientes campestres o de recreación pastoril pintados con tonos suaves y pasteles, los cuales servían de atmósfera perfecta para recrear las actitudes y aficiones despreocupadas y sensuales de los nobles de la monarquía francesa. Una evidencia contemporánea del gusto rococó en Japón es el hecho de que el creador de la marca lolita Innocent World declaró el aporte de este estilo en la creación de uno de sus diseños con el nombre de “vestido abultado a lo Pompadour”, el cual consta de una falda abultada que recuerda a la que solía vestir la famosa marquesa en los retratos de su pintor favorito François Boucher. No obstante, dada la predilección de los japoneses por una esencia puritana que no encontraba en un estilo de un corte más bien maduro y sensual como el rococó, Younker sostiene que “…lo único que el diseño lolita habría tomado del modelo francés es su obsesión por el detalle y la pomposidad”.
Retrado rococó de Madame de Pompadour, de Francois Boucher (1703- 1770)
Retrato rococó de noble francesa
LOLITA EN LA LITERATURA, MANGA Y ANIME
Ya habíamos hablado de como Alicia (en el país de las maravillas) se convirtió en un referente estético icónico para la moda lolita. No obstante, surgieron otros personajes que inspiraron también el ideal de una vida en la pradera inherente en esta estética, como el caso de Ana (de las tejas verdes), personaje inspirado en la novela (infantil) homónima de la escritora decimonónica canadiense Lucy Maud Montgomery, que, como Alicia, tuvo su propia versión animada en los ochentas. Otro personaje influyente es Ira, la protagonista del manga Banana Bread no puding, escrito en 1977 por Yumiko Ōshima, quien padece algunas perturbaciones mentales que la motivan a actuar como una niña, y cuya estética además inspiró los diseños del creador de Baby The Stars Shine Bright, una de las marcas de ropa lolita más famosas dentro y fuera de Japón.
Ira, protagonista de Banana Bread no Pudding (1977)
Ana de las tejas Verdes, versión anime (Akage no an?1979)
Alicia en el pais de las maravillas versión anime (Fushigi no Kuni no Alice, 1983)
A partir de la decada del 2000, aparecen personajes de manga y anime con una estética bastante similar a la lolita. A continuación señalaremos algunos casos, como el de Le Portrait de Petit Cossette(2004), una serie de ovas donde la protagonista, Cossette, es un fantasma (presumiblemente) de una época pasada que sufre la maldición de estar atrapada en un cuadro por toda la eternidad. Otro ejemplo es Gosick (2011), cuyo relato se desarrolla en un país europeo ficticio a inicios del siglo XX y cuya protagonista, Victorique de Blois, posee una estética inspirada en la Inglaterra victoriana. Por último, en Paradise Kiss (2005), aparece Miwako Sakurada, quien en algunos capítulos suele usar atuendos extravagantes y originales inspirados en el estilo lolita.
Retrato animado de Cossette (2004)
Miwako Sakurada (2005)
Victorique de Blois (2011)
No obstante, debe reconocerse también que a partir de la entrada al nuevo siglo se han registrado casos interesantes donde sí aparece la lolita. Uno de ellos es el anime YamatoNadeshiko Shichi Henge(2006), donde existe un grupo de lolitas góticas que tienen el papel de antagonistas (cómicas) de la serie. En el terreno del manga, destaco dos casos interesantes. Uno es Ibitsu, manga de terror de Haruto Ryo, donde la lolita actua como el personaje terrorífico de esta historia. El otro es Cat Street (2004-2007), escrito por Kamio Yoko. En esta serie aparece Momiji Noda, una colegiala lolita que diseña sus propios atuendos con ayuda de la protagonista de la trama.
Lolitas góticas en Yamato Nadeshiko Sichi Henge (2006)
Lolita en Cat Street (2004-2007)
En la literatura, destaca el papel protagónico de la lolita en Shimotsuma Monogatari-Yanki-chan to Rorita-chan, novela ligera del 2002 escrita por Novala Takemoto que cuenta además con una adaptación manga y una película (Kamikaze Girls). Esta obra nos narra la vida de Momoko Ryugasaki, una estudiante de bachillerato que decidió convertirse en lolita motivada por su amor al rococó francés; y en Ichiko, una yankee (digamos, una “estudiante pandillera”) que conoce por azares del destino y con la cual formará una curiosa y entrañable amistad.
Como sostiene Vanesa de Mafialolita, «Novala takemoto nos explica que la lolita es un ser individual, que se reconoce a sí misma como una princesa más no como una niña, una mujer que es capaz de renunciar a todo para ser feliz a su manera».
CLASIFICACIÓN DE LA LOLITA
Si bien se han señalado algunos estilos temáticos de la estética lolita, como el punk, country, y las ahora populares versiones gore y sailor, desde que comenzó este fenómeno, ha ido evolucionando a tal punto que sería tedioso y quizás insuficiente nombrar todas las categorías conocidas. De acuerdo a Kathryn Hardy Bernal, teórica e historiadora cultural autodeclarada seguidora de este estilo, esto se debe en parte a que pasó de ser una estética subterránea e insular,donde sus adeptas a menudo creaban sus propias prendas, a una tendencia de diseño cada vez más mundial. Esta es la progresión natural para cualquier «subcultura típica» hecha visible a través de la estética. Es por esto que en su análisis del fenómeno lolita la especialista describe las tres principales categorías del movimiento, o, digamos, de la denominada «lolita de la vieja escuela».
El estilo clásico de la Lolita (classic lolita en inglés) es la manifestación más conservadora de esta estética, y dicta reglas y regulaciones bastante específicas sobre elementos permisibles de diseño que muestren dicha esencia. Es un estilo más maduro: menos adornos, un escote alto, mangas largas, y vestidos no tan esponjosos, con colores menos brillantes o diseños florales con colores más cálidos. Faldas con dobladillos por debajo de la rodilla, capas y capas de enaguas, y/o medias muy largas o medias completas.
Classic Lolita. Fuente: Pinterest
Lolita gótica, conocida también como Gosurori (en pronunciación japonesa) o GothLoli (una contracción inglesa de ‘Gótico’ y ‘Lolita’), es el estilo evidentemente de mayor inspiración victoriana e influído también por la moda gótica, ya que se basa en el uso del color negro y la referencia al luto victoriano, maquillaje pesado en los ojos y una predilección por los accesorios como cruces, crucifijos y rosarios. La lolita gótica también puede adornar sus prendas con antigüedades genuinas como broches o colgantes y cuentas negras. Aunque haya vínculos estéticos, este estilo difiere del «típico» aspecto gótico occidental en tanto esta «endulzado» por el aspecto infantil o de muñeca.
Ghotic Lolita Fuente: Kathryn Hardy
Lolita dulce (o Sweet Lolita) es la versión que destaca por concentrar los aspectos más tiernos de esta estética: pone más énfasis en un diseño rococó dulce o en tener la muñeca victoriana más bonita. Su vestido es una explosión de espuma, lazos y volantes, y se caracteriza por tonos de color pastel: rosa pálido, azul bebé, salmón, azul claro, limón, amarillo mantequilla, malva o verde suave, a veces mezclados con blanco o crema, incluso azul marino, frambuesa o negro. Si el vestido de la lolita dulce no es monocromático, tendrá un patrón con un bonito borde o un estampado completo que puede ser una casa de muñecas, motivos florales, rosas, frutas (comúnmente fresas y cerezas), pasteles, caramelos, helados y / o personajes de cuentos de hadas como Alice in wonderland (a menudo contra un fondo de cuadros, rayas o manchas). Asimismo, si la usuaria usa una tela estampada es clasificada como Country Lolita o Country Sweet Lolita, una subcategoría de la Sweet Lolita.
Sweet Lolita
LOLITA Y FEMINISMO: rompiendo mitos
Terasa Younker señala el comentario de una lolita que entrevistó mientras estuvo estudiando este fenómeno en Japón en el 2011: “Nosotras nos vestimos para nosotras mismas”, a partir del cual se infiere que las seguidoras de esta moda han encontrado en la lolita una estética que las aleja de la mirada sexual masculina. Ellas son muy enfáticas en este punto y tienen mucho cuidado de diferenciarse de las maid que trabajan en los Maid Café; es decir, de jóvenes que trabajan en restaurantes cuya temática es atender al público vestidas como la versión japonesa de las mucamas europeas de inicios del siglo XX, así como de otras mujeres que se visten como su personaje favorito de anime y manga y se dejan tomar fotografías por el público(cosplays). Así también, la investigadora de esta tendencia sostiene que “…con su énfasis en la modestia, la extravagancia y su actitud narcisista de no hacer caso a quien no quieren, la lolita no se considera atractiva para los hombres japoneses en general”. Esto se debería a que ellos estarían más asustados que seducidos por una lolita que, aunque muestra símbolos externos de infantilidad, demuestra que es una mujer adulta que tiene el suficiente valor y confianza en sí misma como para usar este tipo de traje en público y, por lo tanto, no sería (ni buscaría ser) fácilmente aprovechable en un sentido sexual.
De acuerdo con la Escala Para Medir la Agencia Personal y Empoderamiento [ESAGE], la agencia es la habilidad que poseen los individuos para actuar acorde a sus intenciones, significados, motivaciones y propósitos. La agencia y los conceptos psicológicos previamente descritos y aplicados son procesos que ocurren a nivel individual. No obstante, el desarrollo de la agencia usualmente tiene implicaciones a nivel social: “Una vez que la agencia comienza a impactar en la familia, los colegas, las organizaciones y la comunidad, se convierte en empoderamiento”. De acuerdo con lo anterior, si bien las japonesas han encontrado una fuente de agencia en la moda lolita, esta no ha generado un impacto a nivel externo que la transforme en empoderamiento. Según Terasa Younker, esto se debería a que “casi cuarenta años después de su concepción, la idea de escapar de la realidad sigue estando en el centro de la filosofía de vida de la lolita”. No obstante, las nuevas investigaciones antropológicas sobre la lolita señalan que no es una tendencia en ellas el deseo de emular una fantasía de vida infantil: “no queremos ser niñas, no escapamos de nuestro rol de ser un adulto, sólo disfrutamos ser uno mismo acoplando estas prendas al día a día”.
Younker sostiene también que las lolitas podrían encontrar un problema para desarrollarse en el ámbito laboral: “…trabajar en una empresa o tienda especializada en la moda lolita se ha convertido en una de las pocas opciones viables para las mujeres que deseen vestirse como niñas todos los días”. Otro aspecto negativo que según la teórica tendrían las lolitas (especifícamente japonesas) es que la presión social dirigida hacia las lolitas les dificulta encontrar pareja, e incluso si lo hacen, es probable que está las presione para que acepten el matrimonio y la vida de ama de casa. No obstante, la historia de Vanessa Huaytan demuestra que, en el caso específico de occidente, existen lolitas que actualmente (y con mucha perseverancia también, claro está) pueden vivir como tales sin que ello irrumpa el desarrollo de sus metas personales y profesionales: tiene un trabajo y una pareja como cualquier mujer adulta de nuestros días. Asimismo, la joven peruana confirma esta idea al manifestar su propio sentir lolita:
Ser lolita es una búsqueda de individualidad y encontrarse a sí mismo dentro de este estilo, no buscamos ser como las mujeres victorianas o rococó, creo que lo que si tomamos, y no son todas las chicas que siguen el estilo, es realzar nuestros talentos para gozo propio. Te comento que evitamos en lo posible usar la palabra infantil para que no imaginen los hombres cosas que no son…»
CONCLUSIÓN
A través de este artículo se evidencia cómo la lolita, más allá de ser una estética nipona alternativa que ha derivado en un estilo transnacional, funciona como una expresión de rebeldía, deseo y sentir de sus usuarias contra los roles de género impuestos a través de la vestimenta; actitud que las dota de agencia y del potencial que las convierte en mujeres empoderadas. No obstante, es necesario precisar también que,además de interpretar en ellas una actitud feminista expresada mediante la estética, las lolitas son una expresión de diversas dimensiones histórico-culturales, artísticas, spicológicas y colectivas que se condensan en un ser original y diverso, pero que no por ello deja de ser tan humano como cualquiera de nosotros.
Agradecimientos especiales:
Agradecimientos especiales a Vanessa Huaytan, administradora de la comunidad lolita del Perú (Lolimafia), por la información actualizada brindada sobre las lolitas.
🖌🎨 Ramdaram (람다람) es el nombre artístico de un ilustrador y animador originario de Corea del Sur. Su especialidad es crear diseños animados para videos musicales de diversos géneros (como el funk, trap y el soulpunk) que comparte en sus diversas redes sociales como Youtube, Instagram y Twitter.
Una destacable muestra de sus ilustraciones es recompartida por usuarios de Pinterest (a partir de su cuenta de Twitter). Asimismo, su canal de YouTube está llamando la atención en el mercado global que valora las estéticas destacables por su peculiaridad u originalidad. Prueba de esto es haber llegado a 400,000 suscriptores en menos de un año.
Daram, uno de los personajes principales del universo Ramdaram Fuente: Twitter del artista
ESTÉTICA
Ramdaram utiliza una gama de colores pastel que son combinados con un estilo de animación caracterizado una onda retro que linda con el vaporwave (estilo musical nacido en el 2009 a partir de una mezcla de géneros indie bailables como el chillwave y el witch house con géneros populares de los años 70 y 80), una estética alternativa o independiente que está surgiendo como fuerte tendencia entre los artistas millennials de todo el orbe.
Sobre la temática de los videos de este artista, es interesante destacar que gira entorno a un universo de personajes femeninos (en su mayoría) caraterizados por un diseño estético que (apelando a la terminología propia del fenómeno japonés animado) oscila entre lo kawaii (lindo o tierno) y una rudeza que recuerda a los personajes de la banda virtual británicaGorillaz, y que se complementa con una personalidad «oscura» (depresiva, perversa o extraña).
Un personaje destacado del universo Ramdarames Daram, quien no solo resalta por ser una chica de pelo rosa (con los típicos moños chinos a lo Pucca) sino por su cola felpuda “de ardilla”, sus pendientes de cruz invertida, sus dientes filudos y una mirada constantemente agresiva y desafiante. Otro personaje peculiar es Shu, una chica de cabello blanco y listones rosas que se ve muy sonriente, amable y además tiene una tienda de dulces con su nombre, pero que detrás de esa fachada parece dedicarse a vender cosas extrañas (unas curiosas pastillas que, al parecer, Daram habría probado).
Shu promocionando sus pastillas Fuente: Captura de imagen en video de Youtube (City love)
Otro aspecto interesante a resaltar del universo Ramdaram es que la relación entre sus personajes femeninos no refleja la lindura típica de las animaciones clásicas sobre historias de chicas: un oscuro pasado compartido por las protagonistas es sugerido a partir de referencias a situaciones depresivas, suicidas u homicidas, lo que no hace sino acenturar ese contraste extraño y oscilante entre una atmósfera cute, criminal y bohemia que rodea a estas chicas.
Otros personajes femeninos de Ramdaram Fuente: inven.co.kr
PORTAFOLIO ANIMADO
Entre los trabajos de animación realizados por Ramdaram para videos musicales, podrán encontrar SODA CITY FUNK, de Tim Legend; TWO TIME , de Jack Stauber; CITYLOVE (red), de Badkid; FEEL GOOD, de Syn Cole; LOVE ME RIGHT, de Noory; SOPPY, de Dustcell, entre otros también publicados en la cuenta de youtube del animador.
Citylove (red) -Badkid
***DATO CURIOSO***
Hay muchos extranjeros introducidos al universo de Ramdaram través de canciones como ‘Two Time’ y ‘Soda City Funk’, las cuales se están volviendo más populares en países extranjeros que en Corea. Al respecto, la proporción de extranjeros en la sección de comentarios y el número de visitas es abrumadoramente alta.
Hasta el momento, los videos animados de este artista no tienen derecho de autor, o, al parecer, como autor habría permitido que sus trabajos audiovisuales sean de dominio público.
Ramdaram participó en la producción de videos musicales con temática feminista. Debido a este antedecente, y al hecho de que sus personajes son mayormente mujeres, muchos de sus seguidores tenían dudas de que fueran feministas extremas. Al respecto, el artista no ha confirmado de manera oficial cuál es su postura política.
Un video donde el animador coreano responde preguntas de sus fans aparece en su cuenta de Youtube.
Video donde Ramdaram responde las preguntas de sus fans
