Bride of Deimos es un OVA que vio la luz en 1988 y fue producido por Madhouse. Esta adaptación juega con los ángulos y los colores para acentuar lo que ocurre, dando un aire expresionista que, en la actualidad, pocas veces vemos en este medio.
Basado en el manga de Deimos no Hanayome, escrito por Etsuko Ikeda e ilustrado por Yuho Ashibe, esta serialización que fue de 1975 a 1990, cuenta la historia de Deimos y Venus, hermanos que se amaban y fueron castigados por Zeus al descubrir sus intenciones, arrancándole la belleza a Venus y encadenándola al reino de Hades, y convirtiendo a Deimos en un ser de apariencia demoniaca. Deimos buscará liberar a su amada de su prisión, rondando la Tierra para seleccionar a alguien parecido a ella y llevarla al inframundo; Minako resulta ser elegida, entablando una especie de «amistad» con él que irá derivando en un triángulo amoroso entre Deimos, Minako y Venus.
El manga no fue completado en 1990. En 2007 hubo un intento por acabarlo, pero en abril del 2014 se pausó de nuevo y así continúa hasta nuestros días.
El lenguaje visual del OVA
La combinación de horror y shojo resulta en una mezcla peculiar en esta producción. En un momento podemos tener escenas románticas y al siguiente un ángulo de cámara exagerado con una serie de colores que son el opuesto de lo sucedido minutos atrás. Es aquí donde el expresionismo juega un papel primordial para marcar el tono y meternos en la historia sin que se sienta inconexo. Distanciarse de la realidad para que el lenguaje visual realce lo acontecido, consigue que la amalgama entre los dos géneros no sea como agua y aceite.
Si bien es cierto que se repiten escenas y muchas secciones han envejecido mal respecto a otras producciones que dispusieron de un mejor presupuesto, esto juega a su favor, pues entrega una obra donde esas carencias se vuelven herramientas cruciales para acentuar su personalidad.
La adaptación
En lo que historia concierne, el OVA toma una parte del manga y la adapta en apenas media hora. Es debido a esto que hay momentos donde uno puede sentir que hay información que se da por sentada, o que quizás hubo una adaptación previa que no vimos, pero no es el caso, éste es el único metraje que hay.
El episodio adaptado es The orchid suite, que se centra en unos hermanos adinerados que viven recluidos de la gente. En su casa se cultivan unas orquídeas ganadoras de concursos. Minako se verá envuelta en la extraña relación que estos hermanos sostienen, y estará en peligro cuando los celos de la hermana entren a la ecuación, deseando deshacerse de ella para que no arruine su vida. En principio no suena como nada del otro mundo, pero acá lo que influye es el desarrollo a través del ya mencionado lenguaje visual, si nos concentramos más en el apartado artístico y no tanto en una animación como las de ahora, este capítulo representará algo diferente y que invita a ser analizado.
Dirigida por Rintaro (Galaxy express 999, X, Metropolis) y adaptada a pantalla por la misma guionista del manga, Etsuko Ikeda, Bride of Deimos es una rareza olvidada con toques surrealistas y una calidad no muy buena para los estándares actuales (solo existe la versión VHS), pero con todo y esto, es una recomendación para quienes gusten de explorar animes diferentes a lo que encontramos entre lo más popular del pasado.
Mucho se ha escrito y dicho sobre el anime “Lady Oscar”, basta con darse una vueltita por Google y Youtube para toparnos con una gama de información y opiniones, desde guías de episodios hasta análisis sicológicos de sus personajes; sin embargo no hay mucha información sobre las circunstancias en que este anime llegó a nuestras pantallas de la señal abierta en los cada vez más lejanos tiempos de fines de los años 80s. Esta es la historia del estreno de “Lady Oscar” en la Televisión Peruana. Nos hemos zambullido en una montaña de revistas y periódicos de la época buscando reconstruir como la serie animada japonesa “Berusaiyu no Bara” (“La Rosa de Versalles”) terminó arribando a esta lejana tierra justo en los momentos en que el Perú atravesaba los peores tiempos de su historia contemporánea: hiperinflación, terrorismo, caos generalizado, etc. Al menos la televisión de señal abierta nos traía las mejores, series, películas y dibujos del mundo para poder disfrutar, si no había apagón, claro está.
La raíz de la rosa
Para encontrar el origen de la Rosa debemos partir por la raíz, es decir el estreno del anime “Berusaiyu no Bara” en Japón. Como hemos referido antes, esa información es abundante, por lo cual solo haremos un breve sumario: “Lady Oscar” es un anime de 40 episodios emitido entre 1979 y 1980 a través de la cadena NTV y producido por Tokyo Movie Shinsha. La serie animada estaba basada en el manga del mismo nombre obra de la mangaka Riyoko Ikeda publicado entre 1972 y 1973 en la revista “Margaret”. Algunos aspectos a destacar en la obra es la combinación del género shoujo con el tema histórico al ambientar la autora el manga en Francia en tiempos de la revolución francesa. Un aspecto a destacar en el anime fue el diseño de personajes de Shingo Araki, cuyo trabajo volveríamos a conocer unos años después en “Saint Seiya”.
María Antonieta, Oscar, André y Rosalie
Esa fue la historia de “La Rosa de Versalles” en Japón, ahora viene la parte difícil en esta investigación: averiguar cuando y como esta semilla de la rosa llegó al Perú.
La primera pista estaba en el doblaje al español del anime. “Lady Oscar” se dobló al español en México por el estudio de doblaje “Telespeciales, S.A.” con un elenco de voces que marcaron nuestra infancia y juventud gracias a los dibujos, series y películas en los que participaron y que vimos en esos años en la televisión.
Doblaje Wiki
Según la minuciosa página “Doblaje Wiki” la grabación del doblaje de “Lady Oscar” se realizó en el año 1989. Que una serie de anime haya tardado tantos años en doblarse al español desde su estreno japonés no era extraño en esa época. Algo parecido sucedió con “Dragon Ball”, “Saint Seiya” o “Captain Tsubasa” (“Super campeones”) que tardaron entre 6 a 8 años aproximadamente en ser versionados al idioma español. Los 10 años de demora de “Lady Oscar” resultan comprensibles si tomamos en cuenta que no se trataba de un anime tan exitoso como los anteriormente mencionados, los cuales, además, contaban con una cantidad de episodios tan grande que garantizaba el poder ser transmitidos por varios meses en los países latinoamericanos acostumbrados a emitir los dibujos animados de lunes a viernes a razón de 5 episodios por semana. “Lady Oscar” con sus 40 episodios corrió el riesgo de no ser doblado al español y tal vez nunca haber sido transmitido en Latinoamérica. Una circunstancia que podría explicar las razones de que haya sido doblado aquel año 1989, fue el acontecimiento de alcance mundial que significó el 200 aniversario de la Revolución Francesa. Tal vez, la popularidad momentánea que tuvo ese evento histórico motivó a los distribuidores de series de anime a fijarse en “Lady Oscar” como un dibujo animado que podía venderse en los países latinos como una serie educativa para que la niñez aprendiera mas sobre la historia de la Revolución Francesa.
No descartamos la posibilidad que la página de “Doblaje Wiki” pueda haber errado en la fecha del doblaje de “Lady Oscar”, pero en caso haya sucedido en algún año anterior no hemos encontrado ningún indicio de que “Lady Oscar” haya sido emitido en país alguno de Latinoamérica antes del año 1989. Por lo tanto, consideramos que la fecha que indica “Doblaje Wiki” es correcta salvo aparezca una prueba que lo desmienta en el futuro. Lo que si es 100% confirmado es que el doblaje no pudo producirse después de 1989. ¿La razón? Tenemos pruebas concretas de que “Lady Oscar” se estrenó en Perú en 1989.
La rosa peruana
Un recuerdo perdura en nuestra mente sobre el estreno de “Lady Oscar” en el Perú. Se trata del comercial con el que el canal presentó a la serie animada ante la teleaudiencia nacional. Se emitió por Canal 5 (Panamericana Televisión) y en el se veía la secuencia del nacimiento de Oscar en una noche de lluvia y como su padre alza con sus brazos extendidos a la bebé recién nacida, quien no paraba de llorar, mientras declaraba literalmente “Ya está decidido, tendrás que ser hombre, te llamarás Oscar”. Díganme ustedes si es posible olvidar una secuencia así.
«Tendrás que ser hombre. Te llamarás Oscar», una de las grandes secuencias del anime que Canal 5 tuvo a bien colocar en su comercial
El comercial lo repetían varias veces al día por un buen tiempo antes del estreno de la serie. En el aviso además de la mencionada secuencia también se veía a Oscar adulto y la voz de los locutores de Canal 5 acompañando las imágenes. Esperemos que algún día alguien pueda rescatar ese video y podamos volverlo a ver.
Antes de realizar esta investigación, sólo contábamos con el recuerdo de ese comercial y las pocas veces que vimos partes de algunos episodios de la serie (no era un dibujo animado divertido para los niños quienes nos aburríamos rápido y queríamos ver algo más dirigido al público infantil), si nos hubieran preguntado en que año se estrenó “Lady Oscar” pensábamos al cálculo que había sido en 1988, en Canal 5 desde luego. Pero tras haber revisado y rebuscado diarios y revistas de ese año podemos confirmar que no sucedió en ese año y que definitivamente su estreno sucedió en 1989. Pueden ver la prueba concreta: un recorte del diario “La Republica” del Lunes 04 de Diciembre de aquel año. Allí pueden ver en el horario de las 11:30 de la mañana a “La Rosa de Versalles”, “Lady Oscar” en medio del cartoon “Leoncio y Tristón” de Hanna-Barbera y el programa de cocina nacional “El menú de Gastón” conducido por el barbado cocinero de acento francés conocido como Gastón Du Postre.
Lunes 04 de diciembre de 1989
Es decir, “Lady Oscar” cerraba el bloque infantil de las mañanas en Panamericana Televisión que iba de 10 a 12 am. Tenemos la certeza que ese lunes fue su estreno porque el viernes anterior con fecha 01 de Diciembre de 1989, el horario de las 11:30 am en Canal 5 era ocupado por “Psamed” (dibujos animados) Ver imagen a continuación:
Viernes 01 de Diciembre de 1989
Dato curioso, “Psamed” también era un anime, en español es conocido como “Samed, el duende mágico” (Japón,1985-86)
Samed el duende mágico
Apenas una semana después del estreno de “Lady Oscar” en las mañanas de Canal 5, un programador con buen criterio se dio cuenta que “Tristón y Leoncio”, aunque era un dibujo animado no podía estar más alejado de “Lady Oscar” en estilo, temática y todo en general, así que reemplazaron al cartoon con “Candy Candy” en otra de sus varias repeticiones. casi sin proponérselo Canal 5 tuvo su bloque de anime shoujo de lunes a viernes a las 11 de la mañana.
Lunes 11 de Diciembre de 1989, Candy y Oscar juntasOscar y Candy en un bloque shoujo involuntario de Canal 5
Luego de mostrar estas evidencias diríamos que es casi concluyente cual fue la fecha exacta del estreno de “Lady Oscar” en la televisión peruana y aquí acabaría está investigación. Sin embargo, hay un detalle que no encaja con las pruebas, y que se tira abajo todos nuestros esfuerzos, y es un pequeño detalle de horarios. Y es que todos recordamos que “Lady Oscar” se transmitía por las tardes, no en las mañanas.
Oscar y el problema de July
Como habíamos dicho párrafos antes, recordamos haber visto partes de algunos de los episodios de “Lady Oscar”, pero eso sucedió en las tardes pues en la mañana hubiera sido imposible porque asistíamos a la escuela. Consultando algunos viejos fans de la serie también recuerdan haberla visto en Canal 5 por las tardes. Basados en esos datos buceamos en cuanto medio escrito de la época pudimos encontrar para dar con alguna información que indicara si “Lady Oscar” se transmitía por las tardes en Canal 5. No encontramos evidencia alguna, y allí fue cuando nos topamos con un problema casi sin solución llamado “El Show de July”. Vamos a dar un poco contexto para que entiendan cual es el problema.
El Show de July
“El Show de July” era un programa infantil peruano conducido por Giuliana Maiocchi. El programa tenía canciones, juegos, publico infantil en el estudio y dibujos animados. Se transmitió en Canal 5 entre 1989 y 1990. Se puede considerar como el antecesor directo del famosísimo “Nubeluz”.
Antes de «Nubeluz» existió «El Show de July», nota de junio de 1989
“El Show de July” debutó en la televisión peruana el sábado 21 de Enero de 1989 a las 10 de la mañana, inmediatamente se empezó a transmitir de lunes a viernes desde el lunes 23 de Enero de 1989 para llegar a transmitirse ¡los 7 días de la semana!
Nota del lunes 23 de Enero de 1989 de «La Republica», se habla del debut del programa el sabado 21 del mismo mes. Había dibujos animados emitidos dentro del programa, pero no hay mayor información sobre ellos.
A partir del Lunes 03 de Abril de 1989 “El Show de July” cambió su horario de lunes a viernes, de 10 a 12 de la mañana al bloque entre 5 a 7 de la tarde.
Lunes 03 de Abril de 1989, «El Show de July» pasa al horario de 5 a 7 pm de lunes a viernes.
¿Y cual es el problema de “El Show de July” con esta investigación?
Pues, resulta que los diarios y revistas cuando escribían la programación de la televisión solamente mencionan al programa principal, no a los dibujos que se transmitían “dentro” del programa. Un problema similar al que tendrán investigadores que quieran averiguar que dibujos (o series) se estrenaban dentro de programas como “Nubeluz”, “Karina y Timoteo” o “El Show del Chavo”.
Sabemos cuales eran los dibujos que se emitían en Canal 5 en 1989 (y antes de ello también) por las tardes a las 5 de la tarde antes del cambio de horario de “El Show de July”. Hasta el viernes anterior al cambio de horario del programa estos eran los dibujos animados emitidos de 5 a 7 de la tarde: 5:00 pm “Batman”; 5:30 pm “Popeye”; 6:00 pm “Inspector Gadget” ; 6:30 pm “Transformers”.
Una vez que “El Show de July” pasó al horario de las 5 pm ya no se publicó mas que dibujos daban dentro de su horario. (Dato curioso, al dejar “El Show de July” el horario de las 10 de la mañana de Lunes a Viernes , este fue cubierto con la transmisión de 4 series animadas, tres de ellas animes: “Robotech”, “Voltron”, “Superman” y “Meteoro”)
El “Show de July” continuó emitiéndose en las tardes de 5 a 7 durante todo el año 1989. Nos resulta imposible saber que dibujos se emitían durante su transmisión. ¿Habrá sido “Lady Oscar” uno de ellos? Posiblemente, aunque nos cuesta imaginar una serie tan madura y seria como “La Rosa de Versalles” dentro de un programa infantil como “El Show de July” con sus cantos, brincos y juegos. Pero tampoco resulta imposible, recordemos como mas de 10 años después el mismo Canal 5 emitió una de las cumbres del anime “Evangelion” dentro del esperpéntico programa infantil “Los Gnotos”.
Hay una prueba que demuestra que si fue posible la transmisión de «Lady Oscar» dentro de «El Show de July», es una nota del diario «El Comercio» del día Domingo 02 de Abril de 1989, es decir, el día anterior al cambio de horario del programa a las 5 de la tarde. En la nota se menciona que «Popeye» y «Candy Candy» «serán insertadas en el bloque de series»
Al menos tuvieron el buen gusto de calificar a «Candy Candy » como «Serie» (serie animada).
Es decir se emitían series animadas tipo «Candy Candy» dentro de «El Show de July» Es la prueba de que en «El Show de July» ,pese a ser un programa dirigido al público infantil, era aceptable emitir animes shoujo con sus argumentos románticos sin que a nadie le importara la aparente contradicción entre las temáticas de ambos programas.
Entonces podemos afirmar que “Lady Oscar” debutó en la tele peruana durante las tardes, en algún momento entre los meses de Abril y Diciembre de 1989 en Canal 5 dentro de “El Show de July”. Cuarenta episodios, a razón de 5 episodios semanales, la serie se pudo haberse transmitido completa en dos meses. Incluso pudo haberse repetido dentro del mismo horario mas de una vez.
Anuncio de Setiembre de 1989 de «El Show de July». Se menciona «nuevos dibujos»,queremos creer que dentro de ellos estaba «Lady Oscar». Aunque el dibujo escogido para el anuncio no sea precisamente los diseños de Shingo Araki
Como suele suceder con todos los dibujos o series que se emitieron dentro de un programa infantil (léase nuevamente: “Nubeluz”, “Karina y Timoteo”, “El Show del Chavo”,etc) es casi seguro que a “Lady Oscar” le hayan recortado sus hermosos y dramáticos temas de opening y ending. Unas pequeñas joyas que siempre es un placer escuchar y resumen muy bien la temática y sentimientos de la serie.
Seguramente, los televidentes se habrán quedado sorprendidos la primera vez que vieron el opening con la imagen de Oscar desnuda envuelta en las espinas de rosa. Eso recién debe haber sucedido en Diciembre de 1989 cuando se estrenó el programa en forma independiente en las mañanas. Sobre el ending es casi seguro que lo recortaran antes que acabe, práctica común entre los canales de señal abierta usada con todas las series que emitían, incluso las no animadas. Recién tendría que llegar el bendito cable para poder ver los endings de las series completas.
Faltan mas pistas
Lamentablemente, esta investigación no pudo encontrar la fecha exacta en que se estrenó “Lady Oscar” en las tardes de Canal 5 en 1989, por más que revisemos diarios o revistas encontraremos solamente a “El Show de July” bloqueándonos el acceso a esa información de ese horario. Queda la esperanza de que aparezca alguna pequeña nota o pista en algún medio escrito refiriéndose al estreno de la serie, o tal vez un medio no convencional: por ejemplo una anotación en el diario del algún fan de la serie que la vió en su estreno, sea la prueba que permita saber cual fue la fecha exacta del estreno de “Lady Oscar” en el Perú.
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¿Es posible que unos personajes históricos del periodo Bakumatsu se conviertan en objetivos amorosos de un harem inverso? Pues la respuesta es que sí. Hakuoki inicia cuando la protagonista, Yukimura Chizuru, una chica de Edo, parte a Kyoto con la finalidad de encontrar a su padre, un doctor con conocimientos en medicina occidental. En su primera noche, es interceptada por unos guerreros chupasangre, conocidos como “Rasetsu” pero es salvada por el Shinsengumi. A partir de ese momento sus vidas se entrelazan.
Este artículo, tiene la intención de analizar las adaptaciones animadas de este juego otome donde, además de presentarnos un relato con tintes de ficción y romance, nos narra la historia de este mítico grupo de espadachines y la verdadera condición que hace a un guerrero: el espíritu.
Primera aparición de Hijikata Toshizō, visión desde la perspectiva de Chizuru.
El otome game y el harem inverso
Hakuoki Shinsengumi Kitan (2010) y Hakuoki Hekketsuroku (2011), animes dirigidos por Osamu Yamasaki y realizados por el Studio Deen, se encuentran basados en los otome game homónimos desarrollados por la compañía Idea Factory desde el 2008. Hakuoki es el juego de esta categoría más famoso debido a los numerosos títulos de esta franquicia que se han adaptado a diversas plataformas como Play Station, Nintendo, Steam, Android y iOS. Cabe resaltar que cuenta, además, con un gran número de merchandisign y una película dividida en dos partes, las cuales fueron estrenadas en los años 2013 y 2014, así como con un musical.
Los otome game, traducido de forma literal como “juegos para doncellas”, son novelas visuales románticas dirigidas a chicas adolescentes, aunque no de manera exclusiva. El juego se desarrolla mediante un sistema de decisiones donde un personaje principal femenino debe escoger la ruta amorosa de su preferencia para desarrollar una historia mediante una serie de cuadros de diálogos que la llevarán a un final, el cual puede ser malo o bueno. También, en el transcurso podrá conseguir una galería de imágenes complementarias a manera de recompensa.
Los principales objetivos amorosos de la protagonista son representados como hombres atractivos. Cada uno posee una propia personalidad y poseen atributos físicos marcados.
En el caso de Hakuoki, son muchas las rutas a escoger e historias a desbloquear. Cabe resaltar que los personajes principales serían aquellos basados en los miembros originales del Shinsengumi, como, por ejemplo: Hijikata Toshizō, conocido como el “Vicecomandante Demonio”; Okita Sōji, el capitán de la primera división, Saitō Hajime, el capitán de la 3ra división; Toudou Heisuke, el más joven de los miembros y capitán de la 8va división, Harada Sanosuke, capitán de la 10ma división; Nagakura Shinpachi, capitán de la 2da división. Además, se introduce a otro personaje original, Kazama Chikage, quien se hace llamar “Oni” y que es el principal rival, tanto en el amor como en ideas, de Hijikata.
La representación del Shinsengumi en el anime de Hakuoki
Integrantes del Shinsengumi en la primera temporada del anime.
El anime narra cómo YukimuraChizuru conoce y entabla una relación con los integrantes del Shinsengumi. Ellos también buscan a Yukimura Todo, padre de la protagonista, por ser el responsable del origen de los “Rasetsu”. Por orden del Bakufu Yoshikawa este desarrolla un elixir, denominado como Ochimizu, el cual transforma al que lo beba en una especie de vampiro con velocidad y fuerza sobrehumana. Con el fin de mejorarla, experimenta en los Shinsengumi para realizar un ejército de capaz de derrotar a los grupos opositores. En el transcurso de los acontecimientos, develan secretos acerca de esta milagrosa pócima, además de la verdadera identidad de la familia de la protagonista.
Hakuoki es un anime del género harem inverso, y como tal nos muestran a los personajes principales masculinos, como caracteriza Muñoz, como Bishonen; es decir, hombres atractivos y deslumbrantes. A pesar de esto, cabe destacar, que la trama aterriza en el campo del romance solo hasta el final, ya que esta queda relegada a un segundo plano y se centra en relatar el auge y caída de los espadachines.
La imagen de los integrantes se idealiza, así como los valores e ideales del sacrificio, la fuerza, la caballerosidad, la fidelidad, la obediencia, entre otros. Estos últimos coinciden con los preceptos difundidos en el tan famoso Bushido o “camino del guerrero”, el cual era fielmente seguido por el Shinsengumi.
Sin embargo, no olvidemos que este es un anime de samuráis y no todo es color de rosa. De manera constante nos recuerdan la época turbulenta en la que se desenvueven los personajes, que además de lidiar con los grupos extremistas y en contra del Shogunato, deben proteger la ciudad de Kyoto de la amenaza de los Rasetsu descontrolados y de los Onis, demonios antiguos que se alían con los clanes que pretenden instaurar un nuevo gobierno.
Shinsengumi, los defensores del Bakufu
La historia inicia a finales del periodo Bakumatsu, una fase caracterizada por la transición de un sistema de gobierno feudal donde el poder político recaía sobre la figura del Shogun – o Bakufu – hacia la instauración del imperio. Posteriormente, le sigue la era Meiji conocida por ser de suma importancia para la creación del estado moderno japonés.
El origen de este mítico grupo se remonta a un dojo dirigido por Isami Kondo que después lo seguirían en su unión al Roshigumi o “Batallón de los Ronin”, un grupo de espadachines creados por el daimio de Aizu para proteger al Bakufu Tokugawa en su visita a la capital. Su misión era asegurar la protección del shogun en un Kyoto convulsionado, donde operaba el movimiento “joi”, grupo radical en contra de los extranjeros que comenzaban a arribar desde 1853 fecha en el que se rompió el aislamiento japonés. Además, estos extremistas estaban en contra del Bakufu y todo el sistema que representaba.
Así pues, una vez finalizada esta visita, trece espadachines fieles al shogun se opusieron a retirarse a Edo, motivo por el cual se formó el Shinsengumi. Entre estos trece espadachines encontramos a los protagonistas de Hakuoki.
Okita corta la cabeza de unos samuráis del clan Chosuu que habían disparado a Kondo, comandante del Shinsengumi. A pesar del género del anime no se excluyen escenas de acción, donde el gore es el protagonista. Fotograma de Hakuoki.
Para retomar la idea mencionada en el apartado anterior, el Shinsengumi de Hakuoki seguía un código estricto de comportamiento: el bushido. Según se menciona en el libro El crisantemo y la espada: Patrones de la cultura japonesa, el bushido – camino del samurái – se caracteriza por la rectitud o justicia, valor, benevolencia, cortesía, sinceridad, honor, lealtad y autocontrol. Inclusive, estos portaban un estandarte con el kanji de sinceridad y, a la usanza de los samuráis, un uniforme, el cual consistía en un haori celeste con motivos geométricos blancos, que hacen recordar a formas montañosas, y un hakama.
Reproducción del uniforme del Shinsengumi. Recuperado de https://shinsengumijapan.com/2020/10/17/asagi-iro/
El verdadero espíritu del guerrero en Hakuoki
Esta problemática sobre la autenticidad de su estatus como verdaderos guerreros es, a mi parecer, el principal argumento que Hakuoki desarrolla en su narrativa, incluso más que la trama amorosa. Al no provenir de familias samuráis o no tener un amo al cual proteger, los integrantes del Shinsengumi eran menospreciados y no van a ser respetados hasta, justamente, cuando demuestran su poder y destreza, tal como sucedió en el incidente de Ikedaya.
Lo que resulta paradójico es que en el periodo Tokugawa (1600-1867) es donde el arquetipo del guerrero japones se forja. Como narra Hane, es en este cuando se establece un sistema rígido de clases definidos por nacimiento, donde el samurái pertenecía a un estatus privilegiado ya que era superior al pueblo.
Una escena crucial y la cual pienso que grafica esto es al final de la primera temporada donde sucede un enfrentamiento de Hijikata contra Kazama.
Como se mencionó antes, ambos son los principales intereses amorosos de la protagonista. Son rivales tanto en ese ámbito, como también en posiciones ideológicas y es que cada uno forma parte de las dos facciones opositoras enfrentadas a finales del Bakumatsu: Hijikata es el vicecomandante del Shinsengumi y Kazama es un demonio de sangre pura que apoya al clan Chosuu, quienes financian a los contendientes del shogun.
En un primer plano, vemos a Hijikata sostener el frasco que contiene el Ochimizu, pócima que lo convertirá en Rasetsu, una copia de los Onis.
Así mismo, es en este enfrentamiento mortal que Hijikata Toshizō decide beber el Ochimizu para poder estar a la par en fuerza que Kazama, sacrificando, a la vez, su humanidad. Ahora bien, este brebaje no lo convierte en un “oni” verdadero, sino, utilizando las palabras de Kazama: una copia. Es este instante es que Hijikata menciona:
He tenido suficiente. Se trate de los traidores del ejército del Shogunato u onis problemáticos… ¿Una imitación, dices? ¿Y qué si lo soy? ¿No siempre hemos sido considerados como imitaciones de guerreros? Pero no importa lo que pase mientras tenga fe, no me daré por vencido. Aunque no sea más que una imitación. Lo que he creído es real.
Hijikata Toshizō a Kazama, en Hakuoki Shinsengumi Kitan (2010)
En un plano americano, Hijikata Toshizo con su cabellera al viento pero esta vez es blanca debido a su transformación a Rasetsu.
De tal manera, el anime nos presenta una metáfora donde el Ochimizu representa la apariencia del guerrero; esto son, la vestimenta, el manejo de la espada, el bushido, el defender al Shogun. Hijikata, nacido de una familia de comerciantes, es a la vez espadachín habilidoso y defensor de la causa acérrimo; no obstante, no provenía de un clan de samuráis por lo cual era menospreciado, tanto por Kazama Chikage que por otros guerreros.
Sin embargo, tanto como un Rasetsu o un Shinsengumi, él pudo llegar herir al demonio dándonos a relucir que lo único que importa es el espíritu del guerrero, propulsor de fuerza, que lo motiva a seguir luchando a pesar de que la época de espadas y lanzas se encuentre en su última fase de vida.
Incluso si la era de los guerreros llega a su fin, lo más importante es que tu espíritu de guerrero permanezca inmutable.
Chizuru, en Hakuoki Hekketsuroku (2011)
Fuentes:
Benedict, R., & Alfaya, J. (2010). El crisantemo y la espada: Patrones de la cultura japonesa. Alianza Editorial.
¿Tu sueño es ser un mangaka exitoso y planeas hacer todo lo posible para que ese sueño se concrete? Genial. Quiere decir que todavía estás a tiempo. Así es. Presta atención: arrepiéntete ahora que tienes chance. No es broma. Recapacita. Reacciona. Recula. Retrocede. Y luego, mira Monthly Girls’ Nozaki-kun y convéncete.
Por supuesto, estoy exagerando. Monthly Girls’ Nozaki-kun (Gekkan Shoujo Nozaki-kunen su título original; Nozaki y su revista mensual para chicas, para su edición en español) fue lanzado originalmente el 25 de agosto del 2011 en el sitio web de Gangan Comics. Dicho sello editorial es propiedad del conglomerado empresarial Square Enix Holdings, famoso mundialmente gracias a su compañía subsidiaria Square Enix, desarrolladora de algunas de las franquicias de videojuegos de rol más populares de la historia (Final Fantasy, Dragon Quest, Kingdom Hearts y la lista sigue).
A su vez, Gangan Comics cuenta entre sus publicaciones a títulos igual de célebres, como Fullmetal Alchemist, Akame ga Kill!, Black Butler y Kakegurui. La aparición de Monthly Girls’ Nozaki-kun, sin embargo, es inusual.
Izumi Tsubaki: especialista en yonkoma
Escrito e ilustrado por Izumi Tsubaki, el manga en cuestión no es uno tradicional, sino un yonkoma, que en español quiere decir “manga de 4 viñetas”. Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun está más próximo a lo que los occidentales conocemos como tira cómica, una historieta breve que relata un acontecimiento en pocos cuadros. Pero, mientras que la tira cómica occidental normalmente presenta paneles distribuidos de forma horizontal, el yonkoma hace lo propio de manera vertical.
De esa forma, cada anécdota suele concluir en una sola hoja, en cuatro fases diferentes. Esta configuración dramática se conoce comoKishoutenketsu, y remite a las estructuras narrativas clásicas japonesas, chinas y coreanas. En Japón, las cuatro fases llevan el nombre de kiku (introducción), shouku (desarrollo), tenku (giro inesperado) y kekku (conclusión). Cabe precisar que esta estructura contiene una etapa más que el modelo clásico aristotélico, el cual condensa el relato en tres actos: planteamiento, nudo y desenlace. Para Monthly Girls’ Nozaki-Kun, cada desventura puede contenerse en una sola hoja y contarse en cuatro momentos claves.
Primeros yonkomas de Monthly Girls’ Nozaki-kun
Al tratarse, en esencia, de una tira cómica, hay que considerar las características del formato. Es decir, este manga no tiene una narración amplia que se suceda en varios episodios consecutivos. No. Un solo capítulo se divide en escenas independientes, cada una con su propia lógica interior. Y la lógica de este manga está subordinada al género donde encaja: la comedia romántica.
Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun girará en torno a los malentendidos románticos provistos por dos protagonistas: Chiyo Sakura, una estudiante de secundaria, sensible, estudiosa e idealista; y Umetarou Nozaki, objeto amoroso de Chiyo, y mangaka en ciernes que vive y muere por su oficio (mangaka es el término japonés que designa al historietista). El germen cómico se erigirá a partir de estos objetivos opuestos e irreconciliables: Chiyo ama a Nozaki, pero Nozaki solo ama a su trabajo.
Ganganonline: biblioteca manga al alcance de un click
Este yonkoma de Tsubaki-san añade otra particularidad: su estirpe digital. Y es que Monthly Girls’ Nozaki-kun apareció primero en Gangan Online, la revista virtual gratuita de Gangan Comics que funciona en el dominio ganganonline.com.
Dicho sitio web ofrece una variedad de mangas en distintas configuraciones. El acceso a algunos números es previo pago o mediante el acceso a una aplicación para celular. Asimismo, el visitante puede navegar por una serie de títulos con episodios de libre acceso. Incluso, algunos números de Monthly Girls’ Nozaki-kun se encuentran disponibles para su lectura. Hasta se pueden apreciar banners celebratorios por el aniversario de esta exitosa franquicia. Lamentablemente, la totalidad de la página se encuentra en japonés.
Página de inicio de ganganonline
Algunos títulos disponibles
Lectura al alcance de un click
Banner del aniversario de su título estrella
Yonkoma de Monthly Girls’ Nozaki-kun
Pero el propósito de este texto no se ciñe al manga, sino al anime del mismo nombre, producido por el estudio de animación Doga Kobo y estrenado en la cadena TV Tokyo el 07 de Julio del 2014. Por eso, ocupémonos de lo que nos compete:lo bueno, lo malo y lo feo de la adaptación animada de Monthly Girls’ Nozaki-kun, que en verdad debería llamarse Cómo aprender a vivir como mangaka explotando laboralmente a tus amigos sin que se den cuenta.
Romance ad-honorem
El argumento del anime sigue la misma pauta del manga: una tarde cualquiera, Chiyo Sakura decide confesarle su amor a Umetarou Nozaki, su compañero de clase. Sin embargo, Nozaki, que secretamente se desempeña como autor de manga shoujo, confunde la confesión de Sakura con un pedido de autógrafo, al cual accede. La confusión empeora cuando Nozaki entiende al pie de la letra una segunda revelación de Sakura: ella admite que, en verdad, quiere estar con él. Nozaki entiende, por supuesto, que la jovencita quiere estar con él, pero literalmente a su lado por toda esa tarde, ayudándolo a pasar a limpio los bocetos de su historieta. De pronto, Sakura acaba de convertirse en la asistente ad-honorem de su amado.
La manera en que este título presenta a ambos protagonistas es ideal. Sin siquiera ser consciente de ello, el espectador puede reconocer el conflicto principal que articulará todo el drama: el amor imposible entre los protagonistas.
¿Amor a primera vista?
Esta pugna romántica irreconciliable no es original, pero no por eso la intriga deja de ser eficaz. ¿Cuántas ocurrencias es capaz de acometer Sakura para declararle su amor a Nozaki? ¿Qué tan imperturbable puede permanecer Nozaki ante las indirectas de nuestra heroína? Mientras tanto, el espectador sufre y goza con las idas y venidas de este romance, aderezado por las carencias presentes en la vida laboral de los mangakas en Japón.
Crónica de un naufragio laboral
Y quizás aquel flanco de la anécdota sea el más interesante. Porque Monthly Girls’ Nozaki-kun no solo funciona como una comedia romántica, sino también como una crónica que desmenuza el día a día de los artistas gráficos en tierras niponas. Después de todo, Nozaki es un dibujante que se está abriendo paso en el ultra competitivo mercado gráfico japonés.
El manga de su autoría, llamado Let’s Fall in Love (que en español quiere decir Enamorémonos) se publica en Monthly Girls’ Romance, una revista típica de manga shoujo que agrupa trabajos de varios autores, y que se imprime en papel económico (como suelen ser este tipo de revistas antológicas). Además, Let’s Fall in Love también se edita en tankobons(volúmenes serializados que recopilan los episodios de un único título, los cuales pueden haber sido publicados previamente en alguna revista similar a Monthly Girls’ Romance).
Chiyo Sakura leyendo Let’s Fall in Love en Monthly Girls’ Romance
Por lo tanto, Nozaki es un mangaka con presencia en el mercado. ¿Y cómo es la vida de un artista gráfico en actividad en el Japón de hoy? Según lo que podemos atestiguar en la serie, se trata de una vida sacrificada, por utilizar una expresión benigna. Porque la historieta no acaba con el trazo final de la última viñeta. Ese es solo el comienzo.
¿Todo sea por el amor al arte?
Una vez que Nozaki concluye su primer boceto, debe recurrir a sus asistentes para que acaben de darle forma a su nueva entrega. Esto involucra a Sakura, que tiene el rol deentintadora (básicamente, ella es la que pasa a limpio el boceto). Además de Sakura, Nozaki cuenta con tres asistentes adicionales: Mikoto Mikoshiba, que se encarga de decorar los fondos con detalles ornamentales; Masayuki Hori, responsable de diseñar las escenografías que adornarán los fondos; y Hirotaka Wakamatsu, hábil para la incorporación de sombras y texturas en la copia final que luego será enviada al editor.
El trabajo no para
Por supuesto, al tratarse de un artista de éxito relativo, Nozaki no puede darse el lujo de pagarle a sus asistentes, quienes lo ayudan de buena voluntad. Pero la necesidad de Nozaki no conoce límites: ahí están las arduas sesiones de dibujo del equipo, que puede incluir jornadas sin cenar, e incluso amanecidas; lo que sea con tal de terminar el último número pendiente. Y no hay que dejar de lado el trabajo de campo: incursiones en el exterior para encontrar material de referencia (desde modelos humanos hasta ejemplos escenográficos), y viajes a tiendas por departamento para suplir la falta de herramientas de dibujo.
Y la única recompensa que reciben los amigos/asistentes de Nozaki es la satisfacción de haber colaborado con un mangaka auténtico. ¿Dónde está la Sunafil cuando se le necesita?
¿Comedia romántica o sátira de denuncia?
Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun nos permite experimentar, de primera mano, la trayectoria editorial de una historieta nipona, desde su gestación en la fase de inspiración (basta que algo mínimamente memorable le pase a Nozaki para que este extraiga su libreta y lo registre como potencial episodio próximo), hasta su tramo final, cuando el editor a cargo da el visto bueno (si es que no solicita alguna corrección inmediata).
Y en el ínterin, sufrimos juntos a nuestros héroes la enredada madeja de problemas con los que tienen que lidiar: líos románticos, obligaciones académicas, minucias cotidianas (como comprar víveres o ropa) y hasta la presión de los jefes (no solo están los rígidos plazos de entrega, sino también la imperante necesidad de ofrecer un producto que no se aleje de las expectativas del público y que no arriesgue las ventas de la casa editorial).
Ni siquiera la enfermedad disuade a nuestro mangaka favorito
Aunque no se trata de un anime de denuncia, el mensaje entre líneas es evidente: la vida de los artistas gráficos nipones es una ordalía sin fin. El estado japonés no garantiza su estabilidad económica ni protege sus derechos laborales. Al contrario, sume a los artistas en la precariedad profesional. No hay día de descanso ni vacaciones y, la mayoría de las veces, el tiempo libre de los dibujantes debe ser puesto al servicio de la revista. Eso es justo lo que demuestra la actitud de Nozaki: contra viento y marea, aunque llueva o truene, siempre prevalece su afán por ser un verdadero obrero del manga.
Amor en los tiempos del shoujo
Pero Monthly Girls’ Nozaki-kun no es un documental y, a pesar de servir de retrato del arduo día a día de un mangaka, también es una irreverente comedia romántica. Todo asomo de solemnidad es desbaratado con la introducción de un elemento inesperado. La colisión de lo ceremonioso con lo absurdo en un entorno adolescente (donde los sentimientos más extremos aguardan a flor de piel) resulta en desatinos divertidísimos, que a su vez propician disparates de mayor envergadura.
¿shoujo dentro de otro shoujo?
Además, hay un dimensión adicional que puede pasar desapercibida, y esa es la cualidad meta-dramática que posee la serie. Porque, recordemos, Nozaki es un fabricante de fantasías románticas para jovencitas adolescentes (su manga, Let’s Fall in Love, se rige bajo los preceptos del género shoujo). Al mismo tiempo, la propia historia romántica entre Chiyo y Nozaki se va desenvolviendo en una mecánica similar (y Nozaki lo evidencia cada vez que se esmera en incorporar las experiencias propias en sus ficciones gráficas). De esa forma, el espectador es capaz de reparar en las particularidades del género romántico gracias al efecto espejo que se crea por el reflejo de una ficción dentro de otra ficción.
Al final de cuentas, de eso se trata: de como el romance siempre impone sus veleidades en el papel y en la vida. En Monthly Girls’ Nozaki-kun, el amor, como en casi todas partes, es un vehículo para poner en aprietos hasta a los más avezados; y es esa vorágine la que invita al espectador a ser cómplice de nuestros héroes colegiales. Es natural que cualquiera que disfrute con las desventuras de estos adolescentes se sienta identificado. Después de todo… ¿Quién no ha sido víctima de las peores torpezas a la hora de congeniar el amor con el trabajo, los estudios, o con cualquier cosa?
Mi relación con los animes viene de larga data; me gustaban incluso cuando no tenía idea de qué era exactamente lo que estaba viendo y tengo una lista interminable de producciones que seguí en varias etapas de mi vida y que recuerdo con mucho cariño. Magic Knight Rayearth, o Las guerreras mágicas, como se llamó aquí, es una de ellas.
La historia, como muchas otras, nació como un manga, y con el tiempo descubrí que se publicó entre 1993 y 1996 en su presentación original. El anime propiamente dicho, ese que llegó al Perú y que muchos, lo mismo que yo, vimos semana a semana en televisión nacional, empezó a emitirse en 1996.
Magic Knight Rayearth
La premisa de Las guerreras mágicas no es muy distinta a las de otras producciones con las que estábamos familiarizados hasta entonces, y sin embargo, para mí, una niña en esa época, fue un soplo de aire fresco y, aun más, una historia con la que sentirme identificada.
En esta ficción conocemos a tres adolescentes de secundaria con caracteres y orígenes muy opuestos que por azares del destino se encuentran en la Torre de Tokio el día que la historia da inicio. Hikaru, Umi y Fü, o Lucy, Marina y Anaís para nosotros, se ven abducidas por un poder desconocido que las traslada de nuestro mundo a otro en el que impera la magia, Céfiro. Allí, son recibidas por el mago Guru Cleff, quien les hace saber muy suelto de huesos que son las legendarias Guerreras Mágicas y que el planeta necesita de su ayuda para recuperar el equilibrio luego de que su pilar, la princesa Esmeralda, fuera raptada por el que fue su sumo sacerdote, Zagato.
La labor de las chicas será derrotar al que nos presentan como el villano de la historia, rescatar a la princesa, y restaurar la paz en Céfiro. Según una tradición ancestral, el mundo necesita de su pilar, en este caso la princesa, para no caer en el caos.
Ceres, Rayearth y Windom
Las cosas, sin embargo, no serán tan sencillas como las pinta el mago y al tiempo que las protagonistas empiezan a hacerse una idea del lío en que se han metido, tendrán que descubrir también la forma de despertar sus poderes y convocar a los llamados «genios», criaturas mitológicas que las ayudarán en su labor. Solo así podrán salvar el planeta y regresar a Tokio.
Es a partir de aquí donde las chicas inician ese «viaje del héroe», que es la columna vertebral de este tipo de historias. Lo que siempre encontré especial es que las protagonistas fueran personajes que no parecen tener mayores aptitudes para semejante labor. Todas se nos presentan con defectos, miedos, y era habitual oírlas pelear durante buena parte de la trama porque tenían puntos de vista tan distintos que chocaban una y otra vez. Y sin embargo, cuando había que hacerlo, sacaban lo mejor de cada una y nunca dudaron en enfrentar las dificultades y sacrificarse por el bien mayor y por ellas mismas, con lo que vemos un crecimiento significativo de su amistad según avanza la trama.
Uno de los puntos fuertes de la historia, además, o al menos siempre lo vi así, fue que los personajes y con eso me refiero a todos ellos, tenían muchos más matices de lo que uno hubiera imaginado en un inicio; no solo eso, sus motivaciones eran mucho más complejas de lo que parece. Ni los buenos son tan buenos ni los villanos lo son tanto. El por qué de los actos de Zagato y la complicidad de la princesa Esmeralda en los mismos se nos revela al final y supone una vuelta de tuerca tremenda en lo que habíamos creído hasta entonces.
Y eso es genial. Porque juega con tus prejuicios y con todo lo que estábamos acostumbrados a ver; al menos en lo que a animes se refería. Esa moral ambigua de Zagato, la caída de la princesa y el hecho de que incluso algunos de sus compinches respondieran más a un fin noble que interesado supuso un gran impacto en mí.
El final es agridulce porque tanto Zagato como Esmeralda mueren, y aunque con ello las chicas cumplen con su misión, terminan sumidas en el arrepentimiento porque sienten que pese a haber cumplido con lo que se esperaba de ellos, lo que hicieron no fue precisamente lo correcto.
Zagato y Esmeralda
Es entonces cuando tenemos la segunda parte que, para mí, es la mejor.
En esta suerte de continuación nos encontramos con las chicas un año después del acontecimiento, una vez más en la Torre de Tokio, para recordar todo lo ocurrido durante su visita a Céfiro. Ninguna ha podido olvidar lo ocurrido entonces y el recuerdo no las deja tranquilas, pero entonces descubren que el destino les presenta una nueva oportunidad.
Son llevadas nuevamente al planeta para descubrir que ha caído en un caos absoluto luego de la muerte de su pilar. Una vez más, son recibidas por el mago Guru Clef, quien les pide que busquen un nuevo pilar para restaurar el orden en Céfiro y no solo eso, les advierte también de un nuevo peligro: tres facciones de planetas vecinos, Autozam, Cizeta y Faren, pretenden invadirlos para ocupar su territorio.
Planeta Autozam
Planeta Cizeta
Planeta Fahren
Las chicas, ya más maduras, y con más conocimientos luego de su experiencia de un año atrás, no dudan en aceptar la misión y se embarcan en un nuevo viaje lleno de aventuras y descubrimientos.
Algo que hace que aprecie más esta entrega que la primera es que tenemos un abanico más amplio personajes y que gracias a ellos podemos profundizar una vez más en lo que para mí es lo más destacable de la historia: cómo las apariencias engañan y las motivaciones de las personas a quienes nuestras protagonistas conocen no son tan simples como ellas piensan, lo que dificulta aún más las difíciles decisiones que se ven obligadas a tomar una y otra vez.
Por ejemplo, en el caso de Lucy, ella traba una especie de amistad con Águila, uno de los enviados de Autozam, quien resulta siendo un personaje complejo y con un fin más bien noble, aun cuando este colisione con los intereses de Céfiro. Y es gracias a este contacto, además, que Lucy conoce a Latis, que es nada más y nada menos que el hermano menor del fenecido Zagato y quien siente un profundo rencor por ese sistema según el cual es necesario que un ser vivo se sacrifique para convertirse en pilar y entregar su vida al planeta privándole de vivir una vida propia como le ocurrió a la princesa Esmeralda, que fue al fin y al cabo el motivo por el que ella y su hermano tuvieron un fin tan trágico.
La honestidad e inocencia de Lucy siempre me parecieron refrescantes y eso es algo que queda de manifiesto una y otra vez en este arco argumental. A pesar de que ella y Águila son una especie de rivales y pese a que Latis no tiene ningún motivo para confiar en ellos, terminan por entablar una buena amistad que les permite conocerse mejor entre ellos y comprender por qué hacen lo que hacen. Al final, el vínculo entre ellos será tan poderoso que los impulsa a sacrificarse por el bienestar de los demás.
Podemos conocer un poco más acerca de las motivaciones de los recién llegados de Cizeta y Faren gracias a Marina y Anaís, que se ven obligadas a acompañarlos y que en el camino nos muestran las distintas aristas que componen a personajes tan excéntricos y al mismo tiempo interesantes.
En esta segunda parte, nos encontramos también con villanos mejor concebidos que en la primera. La presencia de Nova, una entidad nacida del arrepentimiento de Lucy luego de la muerte de Zagato y Esmeralda, confieren a la historia un aire oscuro importante que permanece latente hasta el final, cuando tenemos nuevamente un resultado más bien adverso.
Águila y Lucy se convierten en pretendientes a ser el nuevo pilar y luego de una lucha alentada por el creador de Céfiro, que resulta siendo Nikona, esa criatura que considerábamos inofensiva y cuya presencia era netamente anecdótica, es la segunda quien recibe el título, pero lo más interesante ocurre a continuación. Lucy se rebela y ese gesto tan simple supone toda la diferencia del mundo para el sistema que había imperado hasta entonces en Céfiro. Ella no quiere asumir esa responsabilidad y mucho menos ver morir a sus amigos sacrificados una y otra vez por una lucha injusta e inútil. Ella decide que sea el propio pueblo de Céfiro el que tome control de su destino y quienes se conviertan en ese nuevo pilar que podrá trabajar de forma conjunta para refundar su planeta.
Mokona (Nikona en latinoamerica)
Luego de esto, las chicas dan su labor por terminada y vuelven a casa, esta vez con la sensación de que hicieron lo mejor por los motivos correctos y que tal vez ahora Céfiro sí tenga una oportunidad de convertirse en un lugar mejor para todos.
No es de extrañar lo mucho que impresionó una historia como esta a una chica que rondaba la edad de las protagonistas cuando la vio. Me hizo pensar en la importancia de superar los miedos, el valor de la amistad, y cómo el rebelarse a las cosas establecidas puede ser necesario a veces para encontrar un equilibrio más justo.
La imperfección de las protagonistas fue también un gran plus, así como ese toque de humor siempre presente en la trama que restaba seriedad a acontecimientos que podrían haber sido más tristes. La animación llena de color, la agilidad con que se sucedían los acontecimientos, esas pequeñas dosis de romance y las batallas, sumaron para convertirla en una historia destacable que, más allá de las fallas que pudiera tener y que sin duda encontraríamos más evidentes en un revisionado luego de tantos años de creada, debe de haberse hecho de un lugar en los recuerdos de muchos chicos que, lo mismo que yo, pueden evocarla con mucho cariño.
Una oficinista común y corriente llega a su departamento donde vive sola. No ha terminado de poner los pies en su hogar cuando de pronto es arrancada del mundo moderno hacia un reino parecido a nuestra época medieval. Un mundo donde la magia existe y donde necesitan una “Santa” que los ayude a enfrentar la creciente magia oscura que los amenaza. El ritual ha funcionado pero para su sorpresa no trajeron a una, sino a dos muchachas.
Sei es transportada a otro mundo
La traducción del título original Seijo noMaryoku wa Bannou Desu es “El poder de la Santa es omnipotente”. Tenemos la clásica historia de una chica que es llevada a otro mundo. Sí, un isekai de los que no soy mucho de elegir. Entonces ¿Por qué esta historia me gustó? Simple, me sentí identificada con la protagonista porque se reinventó. En un mundo tan diferente al suyo, Sei no sabe en qué ocupar su tiempo, comienza a aprender magia y a hacer cosas para las que ya no tenía tiempo en su mundo. No solo las hace, sino que disfruta de hacerlas y sin saber le suma su recién adquirido poder.
Sei tiene que aceptar que no volverá a su mundo
La Historia de la Santa
El resplandor que la rodeaba se disipa y Sei Takanashi aparece rodeada de gente que no conoce. Todos están alborotados pues la invocación tuvo éxito. El mago que ofició la ceremonia está inconsciente pues agotó su poder mágico. La recién llegada nota que no es la única «extranjera», cerca se encuentra una muchacha más joven. Es una chica de preparatoria que se ve tan asustada como ella. Ambas se encuentran ahora en un Reino llamado Salutalia.
El príncipe Kyle da por hecho de que Aira es la Santa
Ingresa al alborotado salón el príncipe Kyle y saluda a la más joven dando por hecho que ella es la esperada Santa. Aira Misono es el nombre de la joven y poco se verá de ella al inicio. A Sei le disgusta el haber sido dejada de lado. Quizás por ser mayor, usar lentes o tener un semblante algo cansado. Los presentes comentan que quizás como el miasma ha estado tan agresivo en los últimos tiempos es lógico que llegaran dos santas.
Johan cuida y orienta a Sei en el reino
Johan Valdec le informa que no será posible devolverla a su hogar pero que pueden ofrecerle vivir en palacio. Se disculpa por lo irrespetuoso del comportamiento del príncipe, aunque ella guarda un pequeño resentimiento. Todos se dirigen a ella con mucho respeto y la llaman «santa». Ella le pide a Johan que no la llamen así.
Sei comienza a aprender magia con Jude
Ubicada en una parte del Palacio, Sei es tratada con mucho respeto. Tiene un personal que cuida de ella y está pendiente de lo que pueda necesitar. Así que no tiene mucho que hacer. Muerta de aburrimiento consigue salir al gran jardín, donde conoce a Jude que trabaja en el Centro de Investigación donde realizan pociones con ayuda de las plantas y flores. Sei queda encantada y solicita a Johan convertirse en investigadora. Comienza a preparar pociones con la ayuda de la magia que aprende a manejar gracias a Jude. Se vuelve muy eficiente y sus pociones resultan tener un efecto mayor que el esperado.
Sei siempre se esmera y termina haciendo más de lo que le piden
Pasan los meses y un grupo de soldados de la Tercera Orden es atacado por una enorme salamandra. Se requieren todas las pociones posibles. Sei guarda en su bolsillo una poción de alto calibre que le dijeron que no era fácil de preparar pero para ella fue como cantar. Dicha poción ayuda a salvar la vida del capitán Hawke de la Tercera Orden.
La poción de alto calibre de Sei salva la vida del capitán Hawke
Gracias al estupendo trabajo de Sei, le dan un mejor presupuesto al Centro de Investigaciones por lo que le ofrecen lo que ella pida. Sin pensarlo dos veces, pide una cocina bien implementada. La comida del reino le resulta un poco sosa pero eso nunca se los dirá por el cariño y respeto que les tiene. Las recetas que prepara son novedad para todos. Es así que se solicita no solo más ingredientes para sus pociones sino también para sus recetas.
Los ingredientes que se requieren se obtienen del bosque. La incursión podría ser peligrosa pues los animales se tornan muy agresivos por la presencia del miasma. El capitán Hawke, se ofrece con todo y su escuadrón para resguardar a Sei y su grupo de investigadores. En dicha misión Sei cocina feliz para todos, lo cual trajo como descubrimiento que no solo eran deliciosas las comidas sino que también mejoraban las capacidades físicas de quien las deguste. Por lo que le prohíben cocinar en público.
Sei deja los anteojos y al estar feliz con sus logros practicamente brilla de hermosura
Sei sospecha que la verdadera Santa es ella, pero no quiere perder la libertad que goza por ahora. Usa lo aprendido en ella misma y deja de usar anteojos. El buen descanso y la buena comida prácticamente la hacen brillar. Está hermosa.
Elizabeth es la primera y única amiga de Sei. Y también es la prometida del príncipe
En su afán por aprender más sobre magia visita continuamente la biblioteca. Ahí conoce a Elizabeth Ashley, la prometida del príncipe Kyle, ella será su primera amiga. Otro personaje que toma mucho interés en Sei es el Capitán Hawke. Él la admira y comienza a verla con ojos más cariñosos. Cosa que Sei nota y no puede evitar sonrojarse pues disfruta mucho de su compañía.
Sei y el capitán Hawke salen a pasear
Entre salidas y paseos con el capitán, Sei no deja de lado su afán de aprender. Ahora se interesa en los encantamientos, los cuales logra hacer mejor que muchos magos. Por lo que le piden su apoyo en la Asamblea de Magos donde realiza un estupendo trabajo.
Su día libre lo aprovecha en aprender más sobre hechizos y sanación. Y al visitar un hospital encuentra a un soldado que conoce y que tendrá que volver a ser civil por haber perdido un brazo. Sei intenta un nuevo hechizo que vio en un libro y logra regenerar el brazo del joven y ya que hizo algo tan evidentemente grandioso que no iba a pasar desapercibido, decide sanar a todos los del hospital ejecutando un hechizo de alto nivel.
Todos los heridos y enfermos recuperaron su salud gracias a Sei
Ante lo sucedido no se puede evitar que el Gran Mago Yuri Drewes se entreviste con ella, casualmente ya despertó luego de quedarse varios meses inconsciente luego de la invocación. Él determinará si ella es la verdadera santa.
Luego de entrevistarse con Sei, el Gran Mago determina que la magia de ella es más poderosa que la de él. Ahora es el mismo Rey que quiere entrevistarse con ella. Lo primero que hace el rey es pedirle disculpas por el comportamiento de su hijo, el príncipe Kyle. El monarca le ofrece cualquier cosa que pida y aunque ella no necesita de tierras o palacios piensa en una mejor opción. Le pide acceso a los libros de magia prohibida y que le asignen un profesor. El rey se conmueve de su humilde petición y se la concede.
El príncipe Kyle insiste tercamente que Aira es la Santa
Por otro lado, el príncipe se entera de que su padre se disculpó por él con Sei. Él tercamente insiste en que la santa es Aira. Aunque Sei y Aira hagan magia, el destello dorado que emite Sei es único.
El Gran Mago será quien enseñe a Sei
El entrenamiento con el Gran Mago es duro y a Sei le cuesta un poco seguirle el paso pero lo toma como un reto pues cree que tanta preparación significa que acompañará a las expediciones en el futuro. Cuando finalmente pregunta directamente a Yuri si ella estará presente en las incursiones, el Gran Mago le dice que eso no era parte del plan, pero le parece una buena idea siempre y cuando él también le acompañe. Yuri nunca se topó con alguien más fuerte que él y siente mucha curiosidad por el desarrollo de la capacidad de Sei.
Una capacidad que ni ella misma entiende. Lo que queda claro es que se siente tan feliz y cómoda en este mundo que se está olvidando de su lugar de origen. Su bondadoso corazón es lo que le permite desarrollar su potencial y su creciente amor por el capitán Hawke será el detonante que liberará El Poder de la Santa.
Tal como Sei va progresando, el miasma que envenena este mundo tiene los días contados. Pero aún falta más por contar de esta historia que comenzó como una Novela Ligera escrita por Yuka Tachibana, quien empezó a escribirla en el 2016 y hasta ahora continua.
En Febrero del 2017 inició como Novela Gráfica siendo Yuka Tachibana apoyada en la ilustración por Yasuyuki Syuri. Siendo publicada por Fujimi Shobo. Van 6 volúmenes publicados y la historia aún continúa.
En su versión Manga inició en Julio del 2017. Continuando Yuka Tachibana como escritora pero en la ilustración estuvo a cargo de Fujiazuki. Es publicado por Kadokawa Shoten. Van 5 volúmenes publicados y aún no ve un final.
La versión Anime está dirigida por Shota Ihata con el estudio Diomedea (Kodomo no Jikan, Ika Musume, Gingitsune, Fuuka, etc) y ha sido licenciada por Funimation. Y constará de 12 episodios.
Opening
La canción de inicio se titula «Blessing» y la canta Aira Yuuki. Una hermosa y melodiosa canción que no solo nos va mostrando lo personajes que acompañan a Sei en su nueva aventura, sino también una hermosa variedad de fondos bellamente dibujados. La magia de Sei envuelve a sus amigos y aparecen algunos personajes aún en grises y sin rostro que son los que irán apareciendo más adelante.
https://youtu.be/qLnnjGEcZrw
Ending
La canción al final del anime se titula «Page of Tomorrow» y la canta NOW ON AIR. Una hermosa canción en la que vemos a Sei avanzar con paso decidido para finalmente llegar a lo alto de una colina donde puede apreciar el Reino de Salutalia. Pero Johan y Jude han seguido sus pasos. Johan la mira con mirada comprensiva pero Jude tiene un gesto de disgusto. Al parecer Sei salió sin permiso.
¿Qué aventuras le ocurrieron en su camino de vida?¿Por qué la obra tuvo tanto éxito en América Latina? ¿Cuál es el dilema de “Anohito”? En la segunda parte, seguimos el desarrollo de vida Candy a través de la novela ligera. Además, nos aproximaremos a los referentes de la literatura occidental que influyeron a la obra, así como la larga y activa trayectoria de su fandom. Y tú ¿ya leíste la novela ligera de Candy Candy?
Advertencia:
Este ensayo fue dividido en dos partes. En este link puedes leer la primera parte publicada el pasado 21 de febrero.
Si no estás familiarizado con las obra en ninguno de sus formatos, este artículo puede resultar un adelanto de contenido. Alerta de spoilers.
Las imágenes y videos han sido empleados como apoyo visual al desarrollo del contenido. Todas tienen sus respectivas citas y fuentes de origen descritas en las leyendas, y se ha contemplado una sección de bibliografía y de referencias web al final del ensayo.
La segunda parte de la novela ligera Candy Candy. La historia Definitiva (CCHD) corresponde al arco más famoso y recordado en toda la obra, incluyendo el manga y el anime. Me refiero a la historia de Candy en el internado del Royal Saint-Paul en Londres, y su interacción con Terence Granchester: Terry, el melancólico galán inglés que se convirtió, quizá sin querer, en un personaje importante dentro del “Candy mundo” y que marcó un estereotipo masculino en las historias shōjo clásicas de corte romántico. Toda esta segunda sección está escrita desde la perspectiva de un narrador omnisciente, que intercala sus diálogos con lecturas de cartas y diarios personales, donde Candy presenta sus decisiones y pensamientos en primera persona, recurso que ayuda a situar al lector en la temporalidad de sus acciones durante su estadía en el Reino Unido.
“Stop Candy, stop”, cosplay de la usuaria Falketta para Deviantart recreando escenas lúdicas de Candy y sus amigas Annie y Patty en el Saint Paul School, 2010.Ilustración alusiva al arco del internado Royal Saint Paul para la sección de Poemas e Ilustraciones. Fuente: “Candy Candy Ilustration Books. Nakayoshi Deluxe Album”, tomo 1, 1977, ps. 16-17.
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Aquí Candy es ya una adolescente entre 14 y 15 años, quien tiene diálogos muy interesantes con los demás personajes. Sin embargo, los momentos más memorables están presentes durante los encuentros entre ella y Terry. Toda la carga emocional del amor adolescente y apasionado, una interesante descripción de la tensión sexual construida a través del contacto físico y visual entre ambos personajes, así como los diálogos que van de lo sarcástico o lúdico hasta lo melancólico y tierno, se enmarcan en un descripción atmosférica donde prevalece la naturaleza con floresy sensaciones de frescura:
“En el cielo se fundían distintas tonalidades de rosa, naranja y púrpura. Los árboles brillaban bajo los rayos del sol, igual que columnas de oro alargándose hacia las nubes. De vez en cuando, las hojas caían de forma lenta hacia el suelo, como pequeños suspiros. Candy se hizo con una de esas hojas al vuelo. Era de color verde intenso y la muchacha se preguntó cómo podía ser que en el mundo hubiera hojas que, a pesar de no haberse secado, estuvieran destinadas a caer…” (CCHD, 2020: 239-240).
Fotograma de la película «Anne of Green Gables» (1934), dirigida por el cineasta estadounidense George Nicholls, escena con los personajes principales Anne Shirley (Dawn E. Paris) y Gilbert Blythe (Tom Brown).«Secret Garden» (2014), pintura acrílica. Detalle de la pintura de la artista plástica coreana Hyunsoo Son, inspirada en los diseños de personajes Candy y Terry de Yumiko Igarashi para el manga Candy Candy (1975-1979).
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Hay una clara referencia al romance shakesperianovisto desde códigos estéticos contemporáneos a la autora, cuya juventud y formación se desarrolló en Japón de la segunda mitad del XX. El lector puede seguir el pensamiento de los personajes, así como la motivación de sus acciones en capítulos muy intensos como aquel que narra el Festival de Mayo donde Terry besa a Candy en un arranque de celos por los recuerdos que esta tiene sobre su pasado amor:
“¡Eso es!¡Grita! Llama a Anthony todo lo que quieras. ¡No vendrá!-exclamó Terry sin detener al caballo-¡Olvídalo, Candy! ¡Debes hacerlo! Los muertos no pueden volver. ¡Anthony ya no siente dolor, ya no siente nada! ¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos y mira bien a tu alrededor, Candy!-La voz de Terry, llena de un dolor agonizante, consiguió abrir una puerta que llevaba mucho tiempo cerrada. Candy abrió los ojos de golpe-¡Mira bien! En mayo, todo el bosque vuelve a la vida…” (CCHD, 2020: 227).
Fotograma del enamoramiento entre Julieta (Olivia Hussey) y Romeo (Leonard Whiting) en la película «Romeo & Juliet» de Franco Zeffirelli (1968), referente visual de Igarashi para los diseños de la pareja Candy y Terry en el manga Candy Candy (1975-1979).«Kiss» (2015), óleo sobre lienzo. Detalle de la pintura de la artista plástica coreana Hyunsoo Son, cuya temática artística ha tomado como base los diseños de Igarashi en el manga «Candy Candy».Collage de escenas de Romeo y Julieta diseñadas por Yumiko Igarashi. Fuente: “Los mejores cuentos de hadas”, 2020, ps. 64-65.
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Pero, siguiendo la línea del melodrama, luego del proceso de enamoramiento de la pareja adolescente vendría la separación. Es interesante ver los diálogos de Candy dando batalla contra los prejuicios clasistas recibidos de los hermanos Lagan y secuaces, sus retos ante la disciplina normativa del internado, un espacio que representa el modelo de control social a través de las instituciones educativas tradicionales. La valoración que Candy tiene sobre la amistady la lealtad, así como la liberación de sentimientossin rencor al pasado sobre todo en interacción con sus amigas Annie y Patty, además de su rol en lareconciliación de Terry con su madre son abordados en está sección de la novela. Esa normalización de los sentimientos expresados en la corporalidad y el deseo por el contacto físico es narrado por la autora de forma sutil y elegante, y genera en el lector emociones empáticas:
“-Acércate aquí-dijo Terry. Aunque en realidad quería decir: ‘acércate a mí’. Siempre se ponía nervioso cuando pensaba en la cercanía de la joven… Candy esbozó una sonrisa y él se la devolvió con el corazón en un puño. A veces, los gestos valen más que mil palabras. La calidez inundaba el pecho de la muchacha poco a poco. Terry le gustaba. Pensarlo le resultaba doloroso, pero se preguntó si él sentiría lo mismo por ella…” (CCHD, 2020: 258).
Collage de escenas de la interacción entre Candy y Terry en el arco del Internado Saint Paul en Londres, vistos en los mangas «Candy Candy» (1975-1979) tomos 3 y 4. Fuente: Candy Candy Ilustration Books. Nakayoshi Deluxe Album, tomo 1, 1977, p. 69.
La tercera y última parte de libro cambia completamente de formula narrativa, pues serán a través de cartas y noticias, intercaladas con recuerdos narrados en primera persona, que la historia de Candy llegue a su resolución. Aquí, el lector seguirá la narración de la heroína a través del intercambio de correspondencia con otros personajes: se cuentan los hechos sobre su retorno a EEUU; donde sabremos cómo huyó del colegio y cruzó el Atlántico sin dinero, impulsada por la esperanza de seguir a su amor adolescente, su decisión por buscar una profesión moderna y vinculada al servicio como la enfermería, su mudanza e independencia en Chicago, etc. El esperado reencuentro con Terry, quien también ha seguido su derrotero profesional como actor en Nueva York, termina trágicamente, con la escena icónica de la separación entre ambos enamorados por el dilema moral/triángulo amoroso con Susanna Marlowe.
Detalle para la entrada a tercera parte de la novela CCHD (2020) de Arechi Manga.Fuente: “Candy Candy Ilustration Books. Nakayoshi Deluxe Album”, tomo 2, 1978, p. 62.Recorte de periódico que recibe Candy sobre los inicios actorales de Terry. Detalle visto en la tercera parte de CCHD (2020, 2da Edición) p. 325.
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Lo que sigue de allí es conocido, en parte, por aquellos que hemos leído el manga y no nos quedamos con los rellenos innecesarios y faltos de lógica argumental que presentó el anime a partir de los episodios que van del 102 hasta el 110. Y es que los temas principales como la depresión de Candy tras la separación con Terry, unido al desarrollo del personaje Albert, quien empezó a convivir con Candy tras haber perdido la memoria, son abordados por la novela. En CCHD hayimportantes novedades para esta última sección, donde se nos devela detalles de los personajes principales, sus misterios y la resolución de sus arcos dentro de la trayectoria de la historia.
«He aprendido a convivir con el destino, con sus luces y sombras. El destino no siempre es oscuro. A veces, es capaz de emanar una luz deslumbrante. Como dice la señorita Pony, ninguno de nosotros podemos saber qué nos espera a la vuelta de la esquina. Aunque tengas que soportar un dolor tan grande como para desgarrarte el corazón, si lo afrontamos sin temor, encontrarás algo maravilloso en la siguienteesquina, esperando para abrazarte. Yo la creo…»(CCHD, 2020: 392)
«Manga coloring-Candy and Albert», fanart de Tiffany Marsou inspirado en escena del reencuentro entre Candy y Albert, diseño original de Yumiko Igarashi para el manga, tomo 9, Candy Candy (1979).Portada de la novela juvenil «Daddy Long Legs» (1912) de la escritora estadounidense Jean Webster en una edición de 2017 de CreateSpace Publishing. Esta novela, al igual que «Anne of Green Gables» (1908), inspiró a la historia de Candy.
Entonces, recapitulando: Si eres de los que solo siguió la historia propuesta por el anime en sus 115 capítulos, repetidos hasta el infinito en señal abierta, creo que esta novela aportará una nueva visión de todo aquello que no fue resuelto por el anime. Si eres de los que ha revisado el manga, esta novela será como tener la fuente original que inspiró a la obra gráfica, con diálogos interesantes y situaciones bellamente narradas que acompañarán y/o contrastarán muchos de los pasajes de la publicación gráfica de los setenta. Además, de acuerdo a tu comprensión lectora e identificación con uno u otro interés amoroso (el que tú quieras), le podrás poner un nombre alesposo de Candy, y resolver el famoso dilema de Anohito o “esa persona” あの人. Y si eres como yo, un/una Candyfan de larga data y que sabe a detalle todo este royo, te sigo recomendando leer la novela. No solo porque le da un cierre definitivo a una historia que quedó en nuestros recuerdos de infancia, sino también porque, a través de la lectura, podrás experimentar la nostalgia de toda una generación que conoció a Candy, esta vez de la mano de su creadora original.
El fandom de Candy tiene dos posturas completamente antagónicas con respecto a la identidad de Anohito, representado en dos bandos: las Albertfans y las Terryfans. Chibi que grafica las tensiones entre ambos bandos diseñado por Candymania.
Los referentes occidentales en Candy Candy
Esta obra ciertamente ha tenido claras influencias en la narrativa anglosajona de finales del s. XIX e inicios del s. XX, sobre todo obras que fueron bien conocidas en Japón durante los años de posguerra, como el caso de Anne of Green Gables (1908)novela de la escritora canadienseLucy Maud Montgomery, traducida al japonés por Hanako Muraoka como Akage no An (1952). La historia de Anne Shirley simbolizó para los japoneses de esta generación el espíritu de resiliencia frente a la adversidad de ser una niña huérfana y pobre, cuyo único capital social era su gran capacidad inventiva e inocencia (López, 2016: 160-161). Asimismo, otra obra que sirvió de inspiración fue Daddy Long Legs (1912) de la escritora estadounidenseJean Webster tanto en su fórmula epistolar así como en la temática sobre el empoderamiento femeninoa través de la educación, además del tema sobre el enamoramiento en la etapa de maduración personal. Estas obras fueron un referente recurrente en la construcción de la narrativa del shōjo, cuya base literaria está precisamente en la reapropiación de estos clásicos occidentales de la literatura juvenil hecha por escritoras y cuyo correlato japonés se convertirán en un agente cultural significativo en la historia del Japón del siglo XX (Dollase, 2019: 127-128).
Portada de la primera edición de «Akage no An» (1952) traducida por escritora de literatura infantil Hanako Muraoka durante los años cuarenta cuando se desarrollaba la 2da Guerra Mundial.Afiche promocional para el mercado japonés de la película «Daddy Long Legs» (1955) dirigida por Jean Negulesco, protagonizada por Fred Astaire, Leslie Caron y Terry Moore. Tanto la película/musical como la novela de Jean Webster (1912) fueron un hit comercial en Japón.
Es en el periodo de posguerra donde se produce una fuerte occidentalización e hibridación cultural, además de cambios sociales (democratización y mejoras de la educación pública con acceso masivo para las niñas y adolescentes) y económicos (crecimiento adquisitivo, alta taza de empleabilidad, industrialización y tecnificación, etc.) acontecidos tras el “milagro japonés” de las décadas de los cincuenta hasta los años setenta (Gordon ed., 1993: 247-251). La mirada de Oriente hacia Occidente y la reapropiación de los bienes culturales en un periodo de crecimiento, son un marco de acción interesante a considerar. Asimismo, la incursión de las escritoras y artistas a un medio tan competitivo y masculino como el de las editoriales de manga y las productoras de animación en Japón, industrias que estaban en constante crecimiento y proyección internacional, significó retos y cambios en las propuestas narrativas vistas hasta ese momento. Tanto Nagita como Igarashi son parte de estos cambios generacionales, y ciertamente sus propuestas creativas y artísticas nacen en este contexto. Asimismo, junto a ellas, la década de los setenta significó una época de renovación en el panorama de publicaciones y se amplió la participación de escritoras mujeres en un mundo editorial dominado por hombres.
Dos títulos que salieron también en la década de los setenta y tuvieron un gran éxito de ventas y adaptaciones de series anime y live action, películas y musicales: Izq. “Berusaiyu no Bara” o “La rosa de Versalles” (1972) de Riyoko Ikeda en la revista Margaret; der. “Haikara-san ga Tooru” o “Here Comes Miss Modern” (1975) de Waki Yamato para la revista Shojo Friend de editorial Kodansha.
El fandom de Candy y la reapropiación de su imagen
A pesar de la larga ausencia de material oficial de la obra y los problemas legales, ello no ha impedido que se deje de recordarla y consumirla. Existe un interesante mercado de coleccionismo de objetos clásicos vinculados al merchadising que generó la franquicia de la obra, así como el interés por el manga original, traducido a múltiples idiomas y que circula por las redes no necesariamente en canales formales. Quizá lo más interesante cuando se indaga sobre el impacto de una obra de tan larga data como esta es la reapropiada hecha por los fans. Candy, al tener una gran base de seguidores en el mundo, tiene un sin número de fanartsy fanfics construidos a partir de la ambigüedad de su final abierto visto en el anime. Sobre la continuación de la historia y una posible elección romántica hecha por Candy, ha sido visto incluso desde los ochenta. Por ejemplo, en Italia, a parte del famoso «final italiano» para el anime, se llegó a publicar novelas con una continuación alternativa, como la serie de publicaciones tituladas il Romanzo di Candy del Grupo editorial Fabbri o las historias que imitaban el estilo gráfico del manga original para la serie de revistas semanales Candy Candy también de editorial Fabbri (Romanello, 2009: 52-53). Asimismo, hay artistas visuales y gráficos, tanto profesionales como aficionados, que han tomado de inspiración el material gráfico de Candy, creando interesantes propuestas visuales y performáticas (cosplay) promocionadas en redes sociales como Deviantart o Instagram, o en galerías de arte entre Europa y Asia.
La youtuber y cosplayer italiana Monica Pachetti muestra detalladamente su colección de revistas semanales italianas Candy Candy de la editorial Fabbri con 326 números en casi 6 años de publicación (1980-1986). Es interesante observar todo el material editorial y merchandising derivado hecho en Italia a partir de las publicaciones originales y la distribución que tuvo en ese país a inicios de la década de los ochenta.
“Wonder” (2016) acrílico sobre lienzo, obra de la artista coreana Hyunsoo Son, quien ha usado los diseños de Igarashi para hacer reutilización temática en su propuesta estética de Candy crossover Wonder Woman.Entre 1981 y 1984 se publicó en Italia 5 novelas bajo la serie «Il Romanzo di Candy» del Grupo editorial Fabbri, todo ello independiente de la versión original japonesa.
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En redes sociales y plataformas de libre acceso como wattpad, las fans escritoras han subido sus propias versiones usando de base la obra escrita, algunas con argumentos interesantes y material gráfico adicional, hecho también por ellas mismas o en colaboración con otras fans artistas, como el caso de la escritora Alexa Kang con su fanficThe One I Love Belongs to Somebody Else, del cual se hizo un corto proponiendo su interpretación sobre el final de CCFS. Otra propuesta interesante sobre una posible relación entre Candy y Albert lo ha publicado la escritora AmyGiz bajo el título Siempre te esperétambién en wattpad.
Corto basado en el fanficThe One I Love Belongs to Somebody Else de Alexa Kang realizado por Altabe Studio.
La apuesta editorial de Arechi Manga
Es interesante ver que hay editoriales en español que apuestan por licenciar estos títulos clásicos, incluyendo los formatos literarios. Todo ello apunta a satisfacer un mercado de consumidores que durante las décadas de los ochenta y noventa crecieron viendo adaptaciones de anime, donde se presentaron distintas obras originales de mangakas y/o escritores japoneses. Esta son las generaciones que en Latinoamérica empezaron a conocer el potencial cultural del anime y el manga sin saber que así se les denominaban. Como lo ha constatado el editor de Arechi Manga, Carles Miralles, tener un fandom de base de larga data y con una actividad constante en redes sociales ha ayudado a la difusión de la obra. El éxitode ventas de la novela CCHD, que ya va por su segunda edición a menos de 1 año de su lanzamiento, puede entenderse a la magnitud de la obra en el recuerdo de estas generaciones que crecieron consumiendo anime, su impacto mediático y visual, el arraigo a las formulas audiovisuales y narrativas que en su momento fueron novedosas, formando grupos de interés como el fandom latino de Candy Candy, que es uno de los más antiguos y activos en las redes, que valdría la pena investigar más al respecto. Además, la editorial está planeando sacar para el mercado hispanoparlante otras obras de Nagita e Igarashi, quienes por su larga trayectoria, tienen un importante número de publicaciones, las cuales se podrán conocer a partir de estas nuevas ediciones oficiales al español a partir de este año.
Licencias publicadas el 2020 por Arechi Manga: «Los mejores cuentos de Hadas» de Yumiko Igarashi; y las novelas «Candy Candy. La historia definitiva» y «Reineta. La manzana dorada» de Keiko Nagita.
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Creo que el mundo de Candy, guste o no, está inevitablemente asociado a su materialidad audiovisual y la construcción de una imagen de heroína como representación de una mujer joven del s. XX, que tiene capacidad de decisión e independencia, es resiliente y positiva, y evoluciona personal y emocionalmente en su vida. La reapropiación de esta imagen y su circulación intergeneracional es algo interesante por evaluar y que creo merece un estudio interpretativo a futuro. Por lo pronto, de manera oficial se tiene la novela editada al español y la promesa de la editorial de tener en el futuro más obras parecidas circulando en nuestro idioma. De allí que sienta que la experiencia lectora de esta novela es más que gratificante, muy recomendable para los que sentimos nostalgia de nuestra infancia y para las nuevas generaciones que pueden conocer la historia de Candy a través de una novela ligera. En palabras de Keiko Nagita:
“A pesar de que me encantó ver a lectores jóvenes, fueron los adultos, quienes habían visto la serie de animación ‘Candy’ en su infancia, los que colmaron mi pecho de una calidez que casi me dejó sin respiración. En cada uno de ellos pude ver su rostro de cuando eran niños.” (CCHD, 2020: 5).
Bibliografía consultada:
Dollase, Hirumi Tsuchiya. 2019. Age of Shojo: Emergence, Evolution and Power of Girls’ Magazine Fiction in Japan. SUNY Press, Nueva York.
Igarashi, Yumiko. 2020. Los mejores cuentos de hadas. Textos de Reni Suzuka. Yermo Editorial, Barcelona.
Igarashi, Yumiko y Kyoko Mizuki. 1977-1978. Candy Candy Ilustration. Nakayoshi Deluxe Album. Tomo 1 y 2. Kodansha editorial, Tokio.
Ivy, Marilyn. 1993. “Formations of Mass Culture” en Postwar Japan as History. Andrew Gordon, ed. University of California Press, Berkeley and Los Angeles, California, pp. 239-258.
López, Álvaro. 2016. “Ana de las Tejas Verdes. Lección de vida” en Antes de mi vecino Miyazaki. Los orígenes de Studio Ghibli. Álvaro López y Marta García. Diabolo Ediciones, Madrid, pp. 160-187.
Nagita, Keiko. 2020a Candy Candy. La Historia definitiva. 1er y 2da edición. Yermo Editorial, Barcelona.
—————- 2020b Candy Candy. Il Romanzo Completo. Kappalab, Bologna.
Romanello, Elena. 2009. Candy Candy. ‘eravamo tutte innmorate di Terence…’” Iacobelli Editore, Roma.
Páginas web, blog, entrevistas y resúmenes sobre Candy Candy:
Ramen Para Dos, canal oficial de Youtube, entrevista a Carles Miralles editor de Arechi Manga sobre la novela Candy Candy, 23 de abril de 2020: https://www.youtube.com/watch?v=50J1F3TY8VE
Tiffany Marsou, 2013. “Manga coloring-Candy and Albert”, fanart de inspirado en los diseño original de Yumiko Igarashi para el manga Candy Candy (1975-1979), en Deviantart:
Versailles no Bara, traducido como La rosa de Versalles o Lady Oscar, es un título conocido no solo por los amantes del género shōjo, sino también por todo otaku latinoamericano nacido antes del 2000. Presenta a Oscar François de Jarjayes, última hija del Comandante de la Guardia Imperial, y criada como hombre para poder sucederlo.
Así como el anime presentaba temas transgresores para la época, como el travestismo, los otakus más jóvenes podrán encontrar en este manga varios temas refrescantes y muy actuales. Por ello, el día de hoy presentaremos, gracias a Ibero Librerías el volumen 1 de La rosa de Versalles.
Revisitando un clásico: antecedentes de Lady Oscar en el Perú
Lady Oscar o La rosa de Versalles es un título que no resulta ajeno a los jóvenes otakus. Mucho menos a aquellos que han disfrutado de los primeros animes en señal abierta ni quienes asistieron a las proyecciones de Club Sugoi en los años 90 e inicios del 2000.
Como parte del primer grupo, recuerdo la novedad cada vez que veía, cuando tenía nueve años, al personaje de Oscar, allá por el 2003 en canal 5. Por esa razón, no puedo evitar la emoción al leer el primer volumen. ¿Qué se siente, ahora a mis 27 años, visitar otra vez esta historia? ¿Qué puedo decir de nuevo sobre esta obra?
Oscar y María Antonieta. Primera página de La rosa de Versalles, ECC Ediciones (2020).
Lady Oscar llegó al Perú en 1989, diez años después de su estreno en Japón. Se trata de una obra inserta en el género shōjo, cuyos temas no solo coinciden con las propuestas que trajo el feminismo estadounidense de segunda ola en Japón -la necesidad de debatir sobre sexualidad, familia, trabajo, derechos reproductivos, entre otros- por los años 70. También tiene influencias del Takarazuka Revue, un teatro conformado exclusivamente por mujeres, donde un grupo performa un rol femenino -las musumeyaku– y otro performa papeles masculinos -las otokoyaku-, y la misma literatura de Clase S, género inaugurado por Yoshiya Nobuko en la preguerra y cuyas historias desarrollan la relación entre chicas adolescentes en un espacio exclusivamente femenino.
A la izquierda, una otokoyaku, y a la derecha una musumeyaku. Vía: Kageki Hankyu
Para el momento en el que Lady Oscar llegó a nuestro país, nuestra cultura no era ajena, en el ámbito literario, al “travestismo”. Basta recordar la imagen de la mujer-varón –mujer vestida con traje de varón para poder viajar con seguridad y pasar desapercibida en la esfera pública– en algunas obras de Shakespeare como Duodécima noche, o lo que quieras, o textos del Siglo de Oro español como la Historia de la Monja Alférez Catalina de Erauso, contada por ella misma. Este uso del traje lo que crea es una narrativa con un cuerpo ambiguo o trans, que, a su vez, permitirá abordar la tensión amorosa entre la mujer-varón y otras mujeres, tal y como sucede en el caso de Viola y Olivia en Duodécima noche, y Catalina de Erauso con sus múltiples prometidas.
Anne Hathaway en el rol de Viola, en la obra Duodécima noche de William Shakespeare. Vía: The New York Times
Asimismo, se estrenó en un momento en el que el feminismo y los movimientos LGBTIQ+ en el Perú habían cobrado fuerza. Muchas escritoras e intelectuales peruanas feministas habían unido esfuerzos desde la década del 70 para articularse y visibilizarse en la escena literaria y crítica local. Y en la década de los 80’s se crearon los primeros grupos LGBT en el Perú, con el surgimiento del MHOL y el GALF.
Todo ello permitió un boom de la literatura LGBTIQ+ peruana en la década de los 90, con la aparición de obras como Las dos caras del deseo (1994) de Carmen Ollé, Ximena de dos caminos (1994) de Laura Riesco, No se lo digas a nadie (1994) de Jaime Bayly, Efecto invernadero (1992) de Mario Bellatin y 56 días en la vida de un frik (1996) de Morella Petrozzi. Estos presentaron personajes con una sexualidad no heterosexual y una performance de género que cuestionaba la dicotomía masculino-femenino.
Finalmente, en el ámbito de la literatura, del 2000 en adelante encontramos obras que unen la identidad queer con la identidad fan. Títulos que ejemplifican ello son Cromosoma Z (2007) de Jennifer Thorndike, Kimokawaii (2015) de Enrique Planas y Compórtense como señoritas (2019) de Karen Luy de Aliaga.
Portada del libro Cromosoma Z (2007), Bizarro Ediciones
Portada del libro Kimokawaii (2015), Penguin Random House
Portada del libro Compórtense como señoritas (2019), Editorial Paracaídas
Para cerrar estos antecedentes, al contexto histórico-literario hay que sumarle la tendencia homosocial y la larga tradición de colegios femeninos, masculinos y católicos en la capital. Desde el lado de los colegios femeninos, estos fueron espacios predilectos -hasta casi inicios del 2000- para un sector social y económico de la población. Ellos no solamente permitieron a las jóvenes el desarrollo de sus gustos y su personalidad sin una mirada adulta o masculina que las ciñera siempre a los roles de género, sino también se situaba, en ocasiones, como un espacio medianamente transgresor. Este espacio homosocial femenino, permitía, durante festivales o celebraciones, que las chicas performaran papeles masculinos durante las obras, actuaciones o danzas del colegio. Asimismo, tampoco era un espacio ajeno a la violencia física, psicológica o verbal entre chicas, a diferencia del estereotipo de “inherente delicadeza” de la mujer.
Por todo lo anterior, al espectador peruano, especialmente al público adolescente femenino –target original del shōjo (1)-, no le serían ajenos los temas presentes en Lady Oscar (2).
La rosa de Versalles: shōjo y transgresión
El primer volumen de La rosa de Versalles no solo resultó transgresor en su época. También presenta algunos temas que podrían resultar llamativos para el lector contemporáneo.
En primer lugar, la obra presenta diversos tropos clásicos del shōjo: la madurez emocional y física de la joven protagonista -visto en María Antonieta y Oscar-, el desarrollo del amor heterosexual -entre María Antonieta y Hans Axel von Fersen, y más adelante entre Oscar y André-, la amistad apasionada entre chicas -en la relación de princesa y guardián entre María Antonieta y Oscar, y luego entre Oscar y Rosalie-, el principio de hermandad y la rivalidad entre hermanas -visto en Jeanne y Rosalie-, y la contraposición entre la shōjo y la mujer adulta -en el antagonismo entre María Antonieta y Madame du Barry (3)-.
Madame du Barry y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 142, 2020)
Oscar y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 150, 2020)
Jeanne y Rosalie. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 180, 2020)
En segundo lugar, de los tres personajes principales del manga, María Antonieta, Hans Axel von Fersen y Oscar François de Jarjayes, será este último el más transgresor y que resalta las dificultades de ser un sujeto no normativo en la sociedad. Pese a haber nacido mujer, el padre lo cría como hombre y lo asigna como su heredero. Ello no solo le permitirá usar un traje de hombre en el espacio público, sino también el desempeñar un rol distinto al de otras mujeres de su época. Sin embargo, ¿ello supondrá una verdadera liberación y avance para Oscar?
Esta imposición del padre sobre Oscar creará un sujeto queer, es decir, un cuerpo que se mantiene en la periferia. Estolo podemos ver en múltiples escenas del manga, como cuando decide estar al margen en el conflicto entre María Antonieta y Madame du Barry, o cuando las damas de la corte señalan que se casarían con ella si hubiese nacido hombre. De esta forma, podemos observar a un personaje que es consciente de la posición ambigua en la que se encuentra.
María Antonieta se entera de la identidad de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 47, 2020)
Oscar escucha los comentarios de las damas de la corte. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 94, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 95, 2020)
Sobre la ambigüedad de su posición y el matrimonio, por un lado, el padre tiene la autoridad de darle a Oscar un espacio que, por lo general, es vetado a las mujeres. Pero, por otro lado, la corte de Versalles es un espacio que no garantiza la igualdad entre sus súbditos, ya que hay una distinción de las tareas por género -en su mayoría en correlación al sexo del individuo, salvo en el caso de Oscar- y no brindan una igualdad de derechos a Oscar -como la posibilidad de que se case con otros miembros de la corte- por tratarse de un cuerpo fuera de la norma.
Esto último se debe a que, en caso Oscar contraiga matrimonio con una mujer, no podría tener hijos legítimos -importante en el sistema de herencias de la corte y de las clases altas, y vital para entender la forma cómo se concibe actualmente la familia-, y de casarse con un hombre no podría cumplir exclusivamente con un rol maternal, ni cuidar del hogar ni administrar los bienes del esposo.
Además, Riyoko Ikeda resalta esta marginalidad, al situar a Oscar constantemente como espectadorincómodo ante los comentarios que realizan las mujeres sobre su “belleza” o “elegancia” (4), o cuando se señalan sus “cualidades femeninas”, supuestamente inherentes a su sexo. Esto nos lleva a un tercer punto, donde es interesante cómo -al menos en la traducción en castellano- hay una fluctuación entre los pronombres masculinos y femeninos para referirse a Oscar, lo cual resalta su carácter ambiguo.
Las damas de la corte señalan la «elegancia» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
André señala la «intuición femenina» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 200, 2020)
Las jóvenes de París describen a Oscar como «guapo». La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 174, 2020)
En conclusión…
La rosa de Versalles es un shōjo que, en el primer volumen, nos presenta el crecimiento de Oscar François de Jarjayes, quien se sitúa como un sujeto marginal y fuera de la norma. Se trata de un personaje que vive en una sociedad clasista y conservadora, que encuentra paralelos no solo con la sociedad japonesa en la cual nace este manga, sino también con la sociedad peruana de los años 80’s.
Tal y como se señala en el artículo “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”:
No deja de ser curioso que un producto de la cultura japonesa —conocida por su apego a las tradiciones— sea el origen de estas reflexiones. Dice Andrea de Pablo que tiene que ver con que el manga es un territorio ficcional donde la ideología oficial se pone en entredicho por medio de comportamientos y reacciones que jamás serían permitidos en la vida real. Pero, es sabido, que este material sí tiene un impacto en quienes lo consumen. El innegable poder de la ficción
Catherine Subirana (2019)
Y este poder que tiene la ficción, específicamente el manga y anime shōjo, coloca en primer plano los problemas de la sociedad para crear una esperanza utópica en el espectador. Es decir, genera una esperanza de cambio social, donde todos los integrantes de la sociedad -sea cual sea su sexo, género o sexualidad- pueden gozar, algún día, de los mismos derechos e igualdad.
NOTAS
(1) Entonces, vemos paralelos entre el contexto que permitió el surgimiento del shōjo y sus espectadoras en el contexto peruano. Para más información, sobre los antecedentes y evolución del shōjo, leer el artículo sobre Catarsis de Mōto Hagio o el video del Centro de Estudios Orientales – PUCP sobre la evolución de la literatura de Clase S al shōjo y yuri.
(2) Público que, en comparación a la crítica y recepción que tuvo Ranma ½ en los 90’s, no criticó ni satanizó a Lady Oscar. Quizás, una razón de ello, es el rechazo hacia la homosexualidad masculina y la transexualidad femenina, en comparación al lesbianismo y la transexualidad masculina, donde la primera fue interpretada o codificada como una amistad, y la segunda presentada como pasajera.
(3) Lo cual corresponde también a un enfrentamiento entre la joven adolescente, quien se encuentra en una etapa liminal donde no ha contraído matrimonio ni ha tenido, supuestamente, relaciones sexuales, y la mujer adulta, de quien se espera haya contraído matrimonio y tiene una sexualidad al servicio del marido -o, en su defecto, al servicio de los hombres-.
(4) En ocasiones las damas de la corte se refieren a Oscar como “elegante” y las parisinas como “apuesto”. Vemos que en ambos casos hay incomodidad, pero en el adjetivo utilizado por las mujeres parisinas, aún más. Quizás se debe a la confusión de estas sobre el sexo de Oscar, ya que creen que es hombre, mientras que las primeras son conscientes de ello y optan por usar un adjetivo que podría usarse indistintamente en hombres y mujeres.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Arana Blas, Alexandra. 2017. Representación y mecanismos de silenciamiento de personajes femeninos queer en dos novelas peruanas de los años 90: Efecto invernadero y Las dos caras del deseo (Tesis de Licenciatura de Literatura Hispánica, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Perú).
Burkett, Elinor. “Women’s rights movement: political and social movement” Encyclopedia Brittanica. Consulta: 15 de enero de 2021.
https://www.britannica.com/event/womens-movemen
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Cuba, Lucero. 2012. Entre orgullo y resistencias. Una aproximación al movimiento LGBT en el Perú. Lima: Programa Democracia y Transformación Global. Consulta: 15 de enero de 2021. < https://democraciaglobal.org/wp-content/uploads/Entre-orgullos-y-resistencias-pdf.pdf>
Driscoll, Catherine. 2002. Girls: Femenine Adolescence in Popular Culture and Cultural Theory. Nueva York: Columbia University Press.
Escobedo, Angélica. “El travestismo en el siglo de oro español”. Retruécano. Rebeldía retórica. 1 de mayo de 2017. Consulta: 16 de enero de 2021.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
Ikeda, Riyoko. 2020. La rosa de Versalles. Volumen 1. Traducido por Yasuko Tojo. Barcelona: ECC Ediciones.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Subirana Abanto, Katherine. “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”. El Dominical. Suplemento de El Comercio. 22 de octubre de 2019. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://elcomercio.pe/eldominical/lady-oscar-el-anime-que-rompio-esquemas-noticia/>
Takarazuka Revue. Página Oficial. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://kageki.hankyu.co.jp/english/index.html>
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
En esta oportunidad hablaremos sobre la novela ligera escrita por Saori Kumi, publicada por Genko Books (Barcelona, 2005) y basada en el manga de Kaoru Mori (Editoriales: Enterbrain, Comic Bean; 2002-2006).
Sinopsis:
Londres, siglo XIX. William Jones, hijo Mayor y heredero de una rica familia de comerciantes londinenses, decide visitar a Kelly Stowner, su antigua institutriz. En casa de la señora Stowner conoce a Emma, su atractiva criada, y se enamora de ella. William se vale de todos los recuerdos a su alcance para seguir viendola, pero la escricta sociedad inglesa no ve con buenos ojos el romance entre un miembro de la alta burguesía y una doncella.
(Genko Books)
Basada en el manga del mismo título, Emma, relato en dos volúmenes publicados, profundiza en la psicología de los personajes y revela los detalles más íntimos y secretos de los protagonistas.
Volumen 1 y 2 de Emma (Novela). Fuente: Todocoleccion.net
Crítica:
El trabajo que ha realizado Saori Kumi con el apoyo de la mangaka Kaoru Mori ha dado como fruto una novela con un trasfondo bastante realista (en tanto la descripción de acontecimientos históricos narrados es bastante verosímil para la época) que, no obstante, no recae en un naturalismo detallado a lo Emile Zola, sino que más bien es acertadamente matizado con una atmosfera romántica propia de las historias de amor (dramático-trágicas) tan características de las escritoras occidentales del siglo XIX (como bien refleja la novela peruana de romance interclasista titulada «Herencia», de nuestra querida Clorinda Matto de Tuner).
Sin duda que este será un relato predilecto para aquellos amantes de las novelas ligeras ambientadas en épocas pasadas, especialmente aquellas ambientadas en una época particularmente representada (en su dimensión histórico estética) en el manganime y sus derivados, como lo es la Inglaterra victoriana (20 jun 1837 – 22 ene 1901).
Portada de la segunda temporada de Emma (versión anime).
Bonus track:
Te dejamos el primer opening de la versión animada de Emma, emitida por el Estudio Pierrot en los años 2005-2007.
Los peruanos hemos crecido con animes y telenovelas. ¿Quién no llegaba del colegio y veía Dragon Ball o Sakura Cardcaptor? Los animes de la tarde que daban espacio a las telenovelas. La cuota diaria de melodrama (japonés o latino) para seguir nuestro día.
Y si de melodramas japoneses hablamos, no podemos dejar de hablar del shōjo. Por ello, el día de hoy presentaremos el libro Catarsis de Mōto Hagio, el cual llega a nosotros gracias a Íbero Librerías.
Catarsis es una compilación de mangas de Mōto Hagio (Fukuoka, 1949), considerada como la “madre fundadora” del manga shōjo contemporáneo, especialmente del shōnen-ai o Boys’ Love. En ella encontramos algunas de sus historias cortas más aclamadas.
Llama la atención cómo sus narrativas beben del shōjo y la “literatura de Clase S” de inicios de siglo XX, ya que presenta tópicos como la hermandad, el principio de semejanza, la idealización de los cuerpos y un imaginario lleno de imágenes occidentales -algunos paisajes y estructuras lejanas, como en Europa-. Asimismo, presenta una crítica a la construcción del género -tanto femenino como masculino- y aborda la interioridad y los sentimientos tanto de hombres como de mujeres. Finalmente, pese a que sus historias están dirigidas a jóvenes y adolescentes, aborda temas tabú.
Carátula del libro Catarsis de Mōto Hagio, TomoDomo Ediciones
De la literatura de Clase S al shōjo:
Algunas historias como “Mitad” y “La niña iguana” juegan con el “principio de semejanza” y de hermandad, propio del shōjo y la“literatura de Clase S”. En ambas vemos a una hermana que es considerada bella como un ángel, y otra que es, a los ojos de la sociedad o de la madre, un “monstruo”. La hermana “angelical”, quien es la menor, requiere de mayores cuidados, mientras que la mayor es constantemente regañada y relegada por la madre. Además, es la hermana mayor la que suele desarrollar una personalidad rebelde o más crítica con las normas.
Escena de «Mitad», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Resalta cómo en ambas historias las protagonistas experimentan un quiebre en su interior. Pese a que logran insertarse en la sociedad mediante el matrimonio o el enamoramiento, no pueden conciliarse fácilmente con el trauma experimentado en la niñez, especialmente con el rechazo de la madre.
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Camino a la adultez: personalidad y sexualidad
Otras historias que llama la atención por el desarrollo de la interioridad y los sentimientos de los personajes son “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis” y “Al Sol de la tarde”.Las dos primeras nos presentan protagonistas masculinos que se encuentran hastiados de la sociedad y de sus padres, quienes no toman en cuenta sus malestares ni la presión que sienten por alcanzar el éxito. Y como única solución deciden escapar del hogar o incluso de la realidad.
Escena de «Las pastillas de ir a la escuela», Catarsis de Mōto Hagio
Por otro lado, la protagonista de “Al Sol de la tarde” se aleja de la típica joven adolescente del manga shōjo, pues se trata de una señora de 42 años cuyo matrimonio está en crisis. La narración contrapone la idealización del matrimonio por parte de la protagonista y sus amigas en la adolescencia, y la realidad del matrimonio en la adultez. Además, a través de la imagen de Hitomi, la hija de la protagonista, se presenta un cambio generacional, donde las chicas tienen mayor independencia y agencia. Sin embargo, ¿hasta qué punto este deseo de cambio choca con la realidad?
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
“Al Sol de la tarde” nos presenta también una figura masculina joven e idealizada, construida como un bishōnen. Este personaje performa la masculinidad distinta a la del marido, ya que el primero es un hombre que, pese a estar desempleado, es sensible, atento y con gusto por las labores del hogar. El marido, por el contrario, solo se dedica al trabajo, va a locales de prostitutas y espera que su esposa lo sirva. De esta manera, desde el género shōjo se propone una nueva masculinidad (2).
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Shōnen-ai: la pérdida de la inocencia
Por último encontramos una representación del trauma y temas tabú en “Camuflaje de ángel”, “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis”, “El falso rey” y “El invernadero”. Los tres primeros nos presentan cómo los protagonistas lidian con el abandono de sus padres, la posibilidad del divorcio -con lo cual se derrumba la institución del matrimonio-, la depresión, el duelo, el suicidio y el aborto.
Las dos últimas,“El falso rey” y “El invernadero”, nos presentan protagonistas masculinos con un profundo sentimiento de desolación, soledad, abandono y desapego. Esto nos hace recordar a las protagonistas en la literatura deClase S escrita por Yoshiya Nobuko (1), donde la mayoría había sufrido la pérdida de la madre o sabían que terminada la escuela contraerían un matrimonio arreglado por su familia. Pero ante dicho destino, las protagonistas optarán por una relación de “hermandad” con alguna amiga o compañera de grados mayores, al igual como sucede entre L’Ange y Joschafat en “El invernadero”.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Asimismo, en ambas historias cortas vemos una exploración del cuerpo, la sexualidad y la violencia -ejercida a través de la violación-. En ese sentido, resulta intrigante por qué el shōjo opta por presentar el trauma y la violencia física sobre el cuerpo masculino. Para ello, tomemos en cuenta “El invernadero”. En la narración vemos cómo el invernadero es un espacio que cobra vida y seduce e invade a L’Ange. Este acto, que es observado en secreto por Joschafat, es percibido como traumático, casi como una violación -lo cual simboliza, a su vez, el fin de la pureza del “hermano” menor-. De igual manera, el protagonista de “El falso rey” cuenta, en un momento de máxima tensión, como fue violado por el rey durante “Las Fiestas de la Expiación”.
Al estar el shōjo dirigido a un público femenino adolescente, la autora desplaza estos eventos traumáticos hacia un cuerpo masculino -que simbolizaría el “otro”-. De esta manera, se genera una catarsis de las experiencias traumáticas pero se conservará a la vez la pureza del cuerpo femenino.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
En primer lugar, se produce una catarsis sobre el cuerpo masculino porque, pese a haber sido un cuerpo preparado para la guerra a partir de instituciones como la educación y los medios de comunicación -a través de las revistas para chicos de inicios de siglo XX-, es percibido como un cuerpo derrotado, o corrompido y “violado” en un sentido figurado, ante la guerra.
Por otro lado, la búsqueda por preservar la pureza en el cuerpo femenino podría ser producto de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El “sentido común” dictaría que las mujeres no habrían experimentado los traumas de la guerra porque no han participado de manera directa en la guerra. En otras palabras, la mujer “no habría padecido los traumas ni la violencia” del campo de batalla. Pero una segunda lectura podría indicarnos que, si bien Japón perdió la guerra, busca preservar su honor como nación al mantener “íntegro” el cuerpo y la virginidad de sus mujeres.
De esta manera, el shōjo aborda la experiencia traumática por la que han atravesado tanto hombres como mujeres, pero sin ir en contra del “sentido común”, que dicta que la mujer y su cuerpo son “inherentemente puros”, y sin poner en entredicho el honor de la nación.
Conclusión
Finalmente, Catarsis de Mōto Hagio resulta un recorrido interesante y necesario para entender el desarrollo del género shōjo. En ella se aprecia una exploración de los sentimientos tanto en personajes masculinos como femeninos -y en este grupo, en mujeres que se encuentran en varias etapas de la vida-. Son historias que beben de la narrativa para chicas precedente, y exploran temas tabú. Una lectura que vale la pena.
(2) Una nueva masculinidad vinculada a lasensibilidad promovida por la imagen de la otokoyaku en el Takarazuka Revue, a inicios del siglo XX.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
Ueno, Chizuko. 2004. Nationalism Gender. Boston: Trans Pacific Press.
Welker, James y Katsuhiko Suganuma. 2006. “Celebrating Lesbian Sexuality: An Interview with Inoue Meimy, Editor of Japanese Lesbian Erotic Lifestyle Magazine Carmilla”. Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context. Volumen 12. Consulta: 28 de octubre de 2020. <http://intersections.anu.edu.au/issue12/welker2.html>
«Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:
Izquierda:La portada de la sobrecubierta muestra dos estudiantes y árboles de sakura. No hay rastro de una historia de terror (aunque quién sabe. Solo hay que recordar el videojuego Doki Doki Literature Club!). Derecha: Por otro lado, la contraportada contiene la sinopsis que revela el motor de la trama: la enfermedad del páncreas de Sakura.
La brevedad de las cosas y el «mono no aware»
La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.
El prota es un introvertido ratón de biblioteca(o˘◡˘o)
La prota es una extrovertida ratona de biblioteca (≧◡≦) ambos empiezan a interactuar porque trabajan como encargados ahí.
La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«.Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cualno hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.
Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.
La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo
La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.
Las tres primeras páginas son a todo color. Cortesía de la editorial ECC. Así se puede apreciar que el árbol que suele aparecer es el sakura con su característica flor rosada.
Izquierda: Momento importante donde por primera vez el prota mira a Sakura y el árbol aparece de fondo acompañándola. Derecha: árbol aparece en primer plano. ¿Quizá es el tercer protagonista de la historia? Eso parece querer decirnos el mangaka.
Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.
Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?
El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.
Mientras Sakura en el anime está retratada como una adolescente; en el manga tiene una apariencia más infantil y moe debido al dibujo de los ojos y su corta estatura, . Esto hace que el manga sea aún más sad unu
Lo mismo sucede con el prota: su aspecto es infantil en el manga mientras en el anime parece un escolar de último año de secundaria por las facciones de su rostro y su alta estatura.
Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.
Pero,las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.
En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.
La alegre prota es un contraste con el chico serio de la clase, quien será el único que sepa su secreto y la acompañe hasta el fin de sus días. Se prioriza el uso de líneas delgadas en las comidas y bebidas que aparecen constantemente.
Cubierta original de la editorial japonesa. La edición de ECC Cómics trae ambas versiones: si le sacas la contracubierta se encuentra esta belleza.
Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español
Sí, el título de esta nota no miente sobre la historia del anime Gaikotsu Shotenin Honda-san también llamado Skull-face Bookseller Honda-san. Si todavía no te acostumbras a la rareza de las premisas de varias series de animación japonesa, vas a tener problemas reconociendo que a veces hay mucho más detrás de estos curiosos relatos.
En este caso, Honda-san efectivamente es una calavera vendedora de libros, específicamente es el encargado de la sección de comics extranjeros y libros de arte. Además, entre sus compañeros de trabajo se encuentran personajes como Máscara de Gas (que sí, tiene una máscara de gas), Armadura (ya no tengo que decirlo), Linterna, Cabeza de conejo y otros personajes que—como todos ellos—cubren sus caras de maneras creativas. ¿La razón? Todos están basados en personas reales que conoció la autora, Honda, durante sus años vendiendo libros.
Como recoge Yulee Kim en su artículo, a pesar de la creciente popularidad del e-book en Japón, la cultura del libro impreso en el país del sol naciente aún mantiene su poder en el mercado, lo que se revela en la fama de la nación nipona, sobre todo Tokio (especialmente Jimbocho) como punto clave de venta de libros. Gaikotsu Shotenin Honda-san nos abre una puerta a este mundo en donde hay que preocuparse por categorizar y ordenar la mercancía que llega, organizar firmas de libros, atender a los clientes y decorar la tienda para navidad. Lo divertido está en que Honda-san y sus colegas son los que en cada uno de los dos pequeños scketch que conforman cada uno de los 12 episodios, enfrentan estos problemas, mientras evitan hacer referencias a títulos o empresas que les obliguen a pagar por derechos de propiedad intelectual.
El protagonista, Honda-san y sus compañeros son un claro ejemplo de lo señalado por Blautoothdmand acerca de que el encanto de un slice of life depende en gran medida de sus personajes, los cuales en este caso generan las situaciones más hilarantes. Como cuando el tímido pero trabajador Honda-san sufre mientras trata de explicarle a un cliente extranjero que el libro que le ha pedido comprar su hija es un «special yaoi book». Al mismo tiempo, pululan cerca un chico con una bolsa de papel en la cabeza cargando libros y una mujer que usa una máscara de médico de la peste negra mientras trata de intimidar a los distribuidores editoriales.
Esta particular combinación de cotidiana realidad, ajetreo y extravagancia, entretiene, enternece y provoca que queramos robarle el trabajo al buen Honda-san. Si están interesados en revisar la serie, está disponible en Crunchyroll y cada capítulo dura sólo 15 minutos.
Si desean también revisar más sobre la cultura del libro impreso en Japón y el slice of life, les dejamos unos links:
