La película de anime que viste y no querías recordar: Midori, la niña de las camelias. Tan controversial que el director nunca encontró financiamiento y tuvo que rodarla él mismo (por eso le demoró 5 años). Tan controversial que la prohibieron en Japón (qué tan perturbadora y trasgresora tiene que ser?)
¿Por qué algo tan grotesco tiene el nombre de una flor en el título? Pero si es una niña que vende flores, ¿qué puede salir TAN mal? Pues, créannos que las cosas salen MUY mal. Este texto tiene una que otra imagen perturbadora. Seguir leyendo bajo su propia salud mental uwu.
«Midori, la niña de las camelias» o «Shojo Tsubaki» es una película de 1992 dirigida por Hiroshi Harada. Entra en el género «eroguro» (erótico y grotesco) y está basada en el manga del maestro del terror Suehiro Maruo. El film está dividido en cuatro partes: «Prólogo», «Canción Primera», «Canción Segunda» y «Canción final». En todas ellas, está la presencia de dos flores: el sakura (o flor del cerezo) y las camelias, por supuesto. Lo interesante es que sus apariciones no son gratuitas y siempre están ligadas a un solo personaje: Midori-chan :3
Flores! Sakuras! Pero qué podría salir mal? ┐(︶▽︶)┌
Esas dos imágenes de arriba pertenecen a la corta escena previa al «Prólogo» la cual es un compilado de tomas fijas de escenas de terror tradicional del antiguo Japón donde aparecen los famosos yokai y yurei. También se muestran a algunos de los futuros personajes del circo en poses -algo- sangrientas (ya en verdad se ve una niña mordiendo el ojo de un pollo). Todo este desfile de misterio de unos cuantos segundos acaba con ese par de imágenes. La imagen de la izquierda muestra las primeras flores de sakura y la imagen de la derecha es por fin el título de la obra con el fondo de sakuras (aunque uno esperaría camelias, pero no).
Ese dibujo de las flores de la derecha son realmente sakuras o camelias? Para evitar futuras confusiones hay que tener presente el siguiente gráfico:
Sakura (cerezo), Ume (ciruelo) y Momo (durazno)
Inclusive dentro de una animación, la flor de sakura puede tener una forma más de dibujito y es como la del título. La flor de la camelia es más esponjosa como se verá luego. Entonces desde el primer minuto el director ya está marcando su estilo el cual es el de contraste. Harada lo busca entre un intercalado de imágenes sangrientas y las que tienen la presencia de las flores como símbolo de la inocencia perdida (esta es el típico significado de una flor junto con el de fragilidad, pero acá no es SOLO eso) y la muerte en dentro de un mundo hostil. Estas flores también funcionan como augurio en varias escenas (vinculadas por supuesto a sucesos trágicos que tendrá la protagonista). Para ello, hay que rescatar el lenguaje de las flores, pues tanto la camelia como el sakura tienen significados bastante antiguos que han perdurado en el tiempo y la sociedad japonesa.
SAKURA: la flor del cerezo y uno de los símbolos más conocidos de Japón. Solo florecen una vez al año al comenzar la primavera durante un mes. Se le asocia con lo efímero y la mortalidad por su corta duración. La expresión «mono no aware» que significa «conciencia de la impermanencia» está simbolizada con el sakura. Además, la cultura samurái también está ligada a ella, pues la vida de ambos son breves y los pétalos al caer representaban las gotas de sangre derramada (Midori habrá sabido esto?)
CAMELIA O TSUBAKI: flor tradicional japonesa menos conocida, pero con un mito muy interesante detrás. Cuenta la leyenda (en el Kojiki, el primer libro escrito) que el dios Susanoo luego de vencer a una serpiente de 8 cabezas, se acercó a una princesa que estaba en cautiverio y, pidiéndole matrimonio, apoyó su espada en la hierba que por la sangre de la serpiente comenzó a ponerse roja. De esa mancha apareció un arbusto con unas flores que fueron llamadas Tsubaki (camelias) y su característica es que no pierde los pétalos, sino se desprende completamente de la planta al marchitarse. Se le asocia con humildad, «amor perfecto» y… sangre.
Entonces ahora sí podemos pasar a ver todas las imágenes en donde salen flores dentro de la película. Se darán cuenta que solo están vinculados con Midori-chan, pues ella representa la inocencia y fragilidad (por su condición de niña, la pobreza/desamparo en la que está sumida y su mente soñadora). Pero que también la mención de las camelias tanto en el título y dentro del film no es casualidad: hay una leyenda tan antigua que la asocia con la muerte y lo sangriento que definitivamente Suehiro Maruo (el mangaka) lo tuvo presente al hacer esta perturbadora obra.
Oh un circo yei
Las primeras imágenes son de un escenario nocturno: unas calles desoladas, pero también otras con ciertos personajes como prostitutas y jóvenes que venden caramelos. Mientras eso ven nuestros ojos, se oye una dulce voz que narra lo siguiente: «sueños de magnolia en el primer trimestre. Girasoles y princesas en el segundo trimestre. Jazmines en el tercer trimestre. Sauces en el cuarto trimestre».
Por qué una niña está en la calle de noche hablando de flores?
Esta es una lista de flores que crea un contraste con la hostilidad de la imagen. No se volverá a hacer una mención expresa sobre flores hasta los créditos finales. Finalmente la cámara (son puras imágenes fijas. Es una edición particular, pero recordemos que nadie quería financiarle la película xD) se posa sobre un puente y esta voz dice «mis flores se han marchitado».
Primera imagen de nuestra niña de las camelias :3
Aquí aparece por fin la niña a la que le pertenece la voz. Hay antecedentes de historias tristes de niños que venden en la calle para subsistir como el capítulo «La niña de los cerillos» en «Me lo contaron en Japón», el programa de las marionetas japonesas. El peligro de la presente historia cobra la forma de un señor dueño de un circo con sombrero que aparece ahí al fondo a la izquierda. Esta es la primera vez que vemos las camelias del título y no podrían venir acompañadas de un peor augurio como lo que le espera a Midori en el circo ambulante.
«Este es un lugar muy triste para venderlas. Ve a un sitio más bello” le comenta el dueño del circo quien ha aparecido sutilmente en el panorama. Además pregunta primero: «¿tu madre?» «Enferma» «¿Tu padre?» «Se ha ido». Pero por qué hace esas preguntas! Definitivamente su verdadera naturaleza está camuflada. Midori, reacciona! Pero el punto de esta historia es justo la crueldad vista desde el punto de vista de una niña que no puede anticipar los motivos egoístas de humanos como él. “Ve a casa que este lugar está lleno de hombres repugnantes”, le dice para colmo. ¿Y quién le compra todas las flores? ¿Quién compra su inocencia? Este señor que se la robará a continuación.
Midori le había puesto esas camelias antes de salir? Acá se aprecian lo pomposas que son (no confundir con rosas)
La siguiente escena muestra a una convaleciente madre en cama. Midori está yendo a contarle emocionada que un buen hombre le compró todas sus camelias, pero la madre parece no reaccionar. Sí, está muerta. No pondré la imagen de las ratas saliendo de la vagina, pero vale la pena recordarlo por el contraste que supone con la madre muerta echada entre las floras que vendía su hija. Aquí vale la pena recordar la leyenda del dios Susanoo.
Esta imagen se volverá a repetir, recuérdenla!
Esta toma engloba todo lo que es Midori: una niña que solo quiere ir al colegio. Repetidas veces ella lo menciona, es más, el dueño del circo le comenta que él podría ayudarla aunque luego se da cuenta que es mentira porque al ser un circo ambulante, ella no puede estudiar en un lugar fijo. Aquí resalta la importancia de esta característica del circo.
En la canasta de flores se pueden observar las pomposas camelias o tsubaki. Esta imagen aparece mientras las vecinas chismosas comentan sobre las ratas encontradas sobre el cadáver. Una vez más, muerte y camelias en una misma imagen.
Con esa imagen perturbadora termina el prólogo. Perfecto.
Una vez que Midori va en búsqueda del dueño del circo, pues él le ofreció ayuda, ella descubre que todo era un engaño. Es forzada a unirse a él y además es abusada sexualmente. Llama la atención que aparece en esa fuerte escena un manto con estampado de sakuras. Ahí termina el prólogo y ahora comienza la «Canción primera: Paciencia y sumisión»
Qué más simbólico que vomitar sobre el único kimono con flores de la película…
En este lapso de tiempo, Midori ha sido abusada de formas inimaginables para ser una niña. Entre las maldades a las que fue forzada es a ser espectadora de una pelea de una serpiente y un pollo. Por ello, vomita encima de su kimono que casualmente tiene estampado de sakura. Por ejemplo, los otros personajes no tienen estampados similiares, solo la otra mujer que tiene un kimono con mariposas.
En un instante se observa un sakura en flor, pero que está ya muriendo y luego de un par de escenas devastadoras, aparecen los pétalos volando al viento.
Estos chibolos no habían pagado y se burlan de la sangre :S es un contraste con la soñadora Midori
En la película no se muestran otros niños aparte de Midori y los que se encuentran a continuación. Ellos se presentan como niños poco amables que contrastan con Midori. Entonces no se trata que ella sea soñadora y buena solo por ser niña: es una cuestión de su personalidad también.
Izq: una camelia atrás que parece una almohada. Medio: Midori ya está en completa oscuridad. Derecha: flor de otoño
Antes que termine «la primera canción» aparece una almohada en forma de camelia al fondo de donde descansa Midori-chan. Ella acaba de ser obligada a lavar cuerpos mutilados y ver a otras personas tener sexo mientras duerme. Es justo después de los puntos críticos donde aparece la flor. Además, en la colcha que lleva (está con fiebre) en la imagen arriba a la derecha, tiene un estampado de una flor de otoño que recuerda a la colcha que tenía su madre en su lecho de muerte.
Por favor alguien salve a Midori-chan!
Verdadera magia! (ノ ˘_˘)ノ ζ|||ζ ζ|||ζ ζ|||ζ
Este es el punto de quiebre en la historia. Aparece Masamitsu. Le da un beso con la flor en la mano. “No recibiré uno de vuelta?” Parece que se han enamorado al instante.
Aló, ¿con la ONU?
El cambio en la vida de Midori se manifiesta visualmente con el cambio de color en las flores
Flores sobre la ropa de los enamorados ╮(︶▽︶)╭
El enano no aparecía al inicio con una flor en el pecho hasta que comienza una relación con Midori. Simboliza la unión con la niña de las camelias. En el gorro de Midori también aparece una flor amarilla, además ella está feliz.
Oh no, acá vamos
Volvió a salir la imagen! pero ahora en el sueño bonito de Midori donde está con sus padres uwu
El enano parece haberla inducido a un sueño placentero en el cual está Midori rodeada de sus padres nuevamente en un ambiente de felicidad. Se hace alusión al colegio que es lo que Midori más desea. Por ello vuelve a aparece la imagen de las camelias con la mochila, pero ya no en un contexto fúnebre. Aparte, aparece un cuadro al fondo con flores amarillas. Como hemos visto, no suelen aparecer flores así porque así en el film entonces no es casualidad que en un momento de felicidad aparezcan al fondo en el sueño.
«Midori-chan, vendrás conmigo?»
El nombre del capítulo ha marcado el fin de la historia «Canción final: bajo la flor del cerezo». Ahora la protagonista es esta flor que también está vinculada a la muerte por lo efímero de su florecer, pero también juega un rol importante en los amantes que se suelen separar (como en «5 centímetros por segundo» de Makoto Shinkai»). La distancia entre pétalo y pétalo que se desmprende enmarca una futura separación. Aquí no puede ser más claro, sobre todo cuando se sabe que él morirá en unos instantes cuando va a comprar comida y un ladrón lo asesina para robarle.
«Esto no es un sueño» dice Midori feliz porque por fin la realidad es mejor que el sueño 🙁
El augurio de los pétalos de sakura y la despedida que parece momentánea, pero será eternauwu
Busca a su amado quien ya está muerto al igual que ese árbol de cerezo. Por qué la vida es así con Midori? Qué hizo ella para merecer todo esto? ((╬◣﹏◢))
En este momento de dolor absoluto de Midori, la querida niña de las camelias, tiene una alucinación donde ve a los del circo con los pétalos de sakura volando encima. En este instante la animación cambia y ella aparece con un palo de madera que usa como bate para «matar» ese dolor que proviene del maltrato que recibió esta niña-flor. Su inocencia terminó por extinguirse.
SED DE VENGANZAÚltima imagen de Midori: la niña se funde con el color de las camelias. RIP
Y así termina la vida de Midori y la aparición de las flores con ella. Aquí en los créditos se vuelve a mencionar a las flores expresamente y cómo no pensar en la mancha de sangre vertida en el jardín por la espada del dios Susanoo que hizo florecer por primera vez a las camelias en Japón uwu la vida de Midori también se siente así: vino de un lugar sangriento como el desamparo de la calle y pobreza y aunque encontró el amor romántico (como la princesa de Susanoo), se le fue arrebatado y no hubo para ella un final feliz :c
Las camelias vinculadas a la muerte como en el mito de Susanoo (っ˘̩╭╮˘̩)っ Ese era tu destino, Midori-chan.
PD: hay otras películas japonesas donde también la camelia se asocia como un presagio de muerte. Busquen «Youth of the beast» del gran Seijun Suzuki de 1963.
📖 Aceptémoslo. Por más fan del anime y manga que seas, siempre habrá una obra que te lleva a nuevos territorios. Algunos han sido arrastrados al k-pop; otros, inevitablemente, hemos caído al manhwa y manhua. Y en una época donde los grupos de Facebook y plataformas como Tumblr o Twitter han reemplazado a los foros, estos pueden invitarte a explorar más sobre un género. #GISugoi te invita a leer Fluttering Feelings. Sí, ese Fluttering Feelings por el cual muchos de nosotros lloramos -y todavía sufrimos-.
✔️ Manwha hecho por Ssamba y publicado en Comico desde el 2014 hasta el 2016, presenta a Kim No-Rae y Baek Seol-A, dos jóvenes estudiantes de negocios, quienes de la amistad comienzan a caer en la cuenta de la atracción que sienten una por la otra, cosa extraña, ya que jamás habían considerado la posibilidad de enamorarse de una mujer. Se trata de un manhwa con mucho potencial; diferente a los yuris más populares, que suelen presentar la relación entre adolescentes y, en algunos casos, puede caer en la sexualización. Y pese a que la obra quedó inconclusa en el capítulo 68 debido a la temprana muerte muerte de la autora en el 2018, es indudable que la obra de Ssamba resultó un respiro y quizás un empuje para el género GL en los webcomics -sin olvidar, claro, otro gran referente que es Tamen De Gushi, el cual merece otro apartado-.
Quizás una de las cosas que mejor retrató es uno de los aspectos más realistas (y contemporáneos) del género del Girls’ Love (GL): la fluctuación de los sentimientos y cómo estos se aceptan paulatinamente en un contexto donde la atracción hacia las personas del mismo sexo es algo desconocido, silenciado o hasta rechazado. Otro aspecto que llama la atención es la gran influencia que ha tenido Fluttering Feelings para algunos fans del género, ya que su comunidad sigue viva pese a los años: es el intermediario para difundir otras obras dentro del mismo género, sobre todo aquellas que se crean en otros países asiáticos como China o Corea.
Es, en otras palabras, una obra que ayudó a variar el mapa de producción del GL y que, en una época donde obras como Citrus gozaban de popularidad, ter permitía tener una mirada distinta del género.
Se han escrito diversas reseñas de blog interesantes sobre Nichijou que la describen como una serie de aspecto simplón y cliché pero que, al final, resulta sumamente cómica y original. En ese contexto, el presente artículo (si bien quisiera esbozar todas las perspectivas de análisis posibles sobre esta obra de arte) centrará su lectura (o “aproximación”, para decirlo en términos literarios) en el aspecto paródico que permite entender a esta serie como una representación “alternativa” de la vida cotidiana y contemporánea japonesa (y, en un sentido proyectado, de la vida de cualquier mortal de nuestros tiempos).
Opening 2 de Nichijou (escogido porque parece el más loco de la serie XD)
Nota: Existe un episodio adicional llamado «Episodio 0»
La primera mitad de Nichijou se centra en dos historias. Una de ellas nos cuenta la vida de tres amigas llamadasYūko Aioi, Mio Naganohara y Mai Minakami, respectivamente. Estas asisten al mismo instituto escolar, donde vivirán situaciones con las cuales podemos identificarnos cotidianamente, pero que acaban derivando en eventos super cómicos que harán que empezar una tarea o terminar un juego de cartas se conviertan en situaciones de vida o muerte para nuestras protagonistas. Aparte de las tres niñas también nos cuentan las experiencias de sus compañeros(as) de clase: una chica tsundere (es decir, una chica reservada e incluso violenta cuanto es vinculada a temas amorosos, pero que con el paso tiempo va mostrando su lado «tierno» a su amado) que además maneja armas de guerra, un estudiante “aristócrata” del campo que anda sobre una cabra, un chico rico que va a la escuela en helicóptero cuando se le antoja, etc.
Izquierda a derecha: Mai, Yūko y Mio
La segunda historia nos cuenta las vivencias de la profesora Hakase Shinomone, una niña científica (al parecer, de ocho años de edad) que vive con su creación robótica, a la que llamóNano, y un gato callejero que «adoptaron» y pusieron de nombre Sakamoto, quien ahora puede hablar gracias a un lazo-pañuelo que la niña inventó para él. Por su parte, la robot se muestra como una “chica joven” que quiere ser colegiala, o simplemente poder parecerse a una, pero su creadora nunca se lo permite. No obstante, tras llegar a la mitad de la serie, las dos historias se fusionan, ya que Nano por fin recibe el permiso de su creadora para asistir al mismo instituto escolar que Yūko y sus amigas.
Izquierda a derecha: Nano y Hakase Shinomone. Nota: Al centro bajo (y aparentemente aplastado) está Sakamoto
ENTRE LA SÁTIRA Y LA PARODIA
Según el crítico literario francés Gerard Genette, la parodia y la sátira buscan producir un efecto cómico, pero señala una diferencia clasificatoria entre ambas. La parodia, sostiene, sería la imitación burlesca que hace un texto respecto de otro, donde la risa surge de una constante confrontación entre ambos textos, el parodiado y el parodiante. No obstante, esta imitación desvía el sentido original del texto con el fin de entretener al público. La sátira, por su parte, produce humor a partir de la crítica a personas, vicios o costumbres. Su característica es que no señala directamente como negativo aquello que critica: dice la verdad, pero como si fuera una broma.
Asimismo, el teórico señala que tanto la parodia como la sátira se valen de la ironía para lograr sus fines:
La ironía es un mecanismo presente tanto en la parodia como en la imitación satírica y requiere de la capacidad del lector para entender lo que se dice y sustituir el sentido […] implica un juego comunicativo que consiste en decir, en alguna forma o con alguna entonación que no deja lugar a dudas sobre el verdadero sentido, lo contrario de una cosa”.
El uso de la ironía en Nichijou está presente tanto en el plano verbal como visual de la serie. En ese contexto, analizaremos la parodia de los géneros y personajes anime, así como la sátira que, a partir de estos, podemos inferir sobre ciertos aspectos de la sociedad japonesa contemporánea. No obstante, antes de seguir desarrollando estas propuestas teóricas, se explicarán los conceptos de carnaval y la carnavalización, vinculados tanto a la sátira como a la parodia, y cómo funcionan en el anime.
Escena donde una colegiala le dice de forma irónica a otra que si revela quién es el chico que le gusta le dara un millón de yenes (evento que sorprendentemente sucede)
CARNAVAL y CARNAVALIZACIÓN
Como sostiene el crítico literario ruso Mijaíl Bajtín en su libro La cultura popular en la Edad Media y en el Renacimiento (Barral Editores, 1974), la cultura popular habría generado una lengua propia que refiere una parodia de la vida ordinaria, una cosmovisión que reúne la risa del pueblo […] en el carnaval. Una paráfrasis de dicha conceptualización es la que se propone en el artículo web «Definición: Carnavalización de acuerdo con Bajtin»:
Un carnaval es un espectáculo ritual donde participa un gran número de gente. No hay escenarios, ni actores, ni límites. Cada quien juega el papel que quiere representar y vive el famoso carpe diem de Horacio. El carnaval, en suma, es la fiesta que da paso a la exaltación de los impulsos y libera al cuerpo del alma.
Escritor Invitado (Revista Palabrerías)
Estas fiestas colocan el mundo al revés, con lo cual los personajes marginados y en posición subalterna toman por primera vez un rol protagónico. Si aplicamos esta noción de carnaval a Nichijou, constatamos que, efectivamente, los personajes que suelen ser secundarios en otros géneros de anime asumen (gracias al mangaka y a los animadores audiovisuales) el papel de protagonistas de esta comedia (las chicas kudere, dandere, etc.).
Sobre el concepto de carnavalización del crítico literario soviético, el artículo en mención sostiene:
Para Bajtin,el principal indicio de la carnavalización en la literatura es que exista un mundo al revés. Es decir, que la literatura adopte fenómenos del carnaval. El sexo, la bebida, el desinterés y la irresponsabilidad, son temas clave de la literatura carnavalesca […] Lo considerado sagrado socialmente es destruido, burlado o modificado en este tipo de literatura. Los temas cotidianos son aceptados en la carnavalización siempre y cuando se aborden con ojo crítico, desde una perspectiva diferente que haga de lo común algo innovador.
Si aplicamos la carnavalización bajtiniana al anime, constatamos que muchos personajes del folclore japonés y la religión cristiana que son respetados o temidos por los humanos, son desacralizados para convertirse en personajes ridículos y lamentables, que además coexisten de forma ilógica en un mismo espacio, digamos, «realista», o «verosímil» al mundo humano cotidiano. Es por esto que en la serie es común ver seres sobrenaturales japoneses y judeocristianos haciendo actividades muy humanas y corrientes (desayunando tostadas, tomando lecciones de lenguaje nipón, etc.). Un ejemplo de esto es ver a un Tengu (un yokai, es decir, un ser sobrenatural del folclore japonés) sin dinero que tiene que robar la guadaña de un Shinigami («deidad de la muerte») para pagar la renta a su casera y no morir de hambre, etc.
Ilustración de Carnaval en la Edad Media Fuente: Bibloranca
Ángel (católico) tomando desayuno
Demonio (japonés) aprendiendo a pronunciar «correctamente» palabras niponas
Tengu «misio» intentado robar la guadaña de un torpe y asustadizo Shinigami
PARODIA DE GÉNEROS ANIME
Es común que los animes de comedia elaboren parodias de otras series. En ese contexto, Nichijou realiza parodias de varios géneros animados que no tienen como objetivo primario causar comicidad. Un ejemplo de esto es el caso de la famosa escena (capítulo 22 de la serie) donde Yūko y Mio se acercan a los perros de Mai (a los que la profesora Shinomone teme) y estos les muerden, luego de lo cual lanzan extraordinarios gritos que emanan un gran poder que llega al espacio cósmico, y que nos recuerdan a las escenas típicas de un Shounen (historias para chicos jóvenes) de acción o aventura, en tanto que este tipo de expresiones es propia de sus personajes protagonistas, como Gokú, por ejemplo (una imitación épica de sus gritos bélicos que por cierto nos mata de risa).
Escena donde Yūko y Mio son mordidas por los perros de Mai
PARODIA DE PERSONAJES ANIME
Yūko /Mai/ Mio
Yūko encarna al bufón de la comedia (el personaje idiota y chistoso del grupo) y a la Genki girl, un personaje femenino de anime muy hiperactivo y bueno en deportes. No obstante, con el tiempo vemos como este personaje se va volviendo más complejo, pero sin por ello perder su toque cómico. Esto sucede por ejemplo cuando en ciertos capítulos llega a tener reflexiones existenciales(simplonas pero “místicas”) que, a su manera, la llevan a tener una visión más madura de la vida escolar.
Por su parte, Mio presente inicialmente rasgos de una Deredere: una chica amable y cariñosa con todos a su alrededor. No obstante, a medida que avanza la serie va mostrando una faceta muy agresiva que la hace parecer más una Yanguire, sobretodo cuando se enoja por alguna broma tonta que le hace Yūko o cuando se ponen en evidencia sus gustos “prohibidos” por el Yaoi.
Por último, Mai parece una Dandere, ya que se muestra tranquila, silenciosa y ensimismada con sus pensamientos la mayor parte del tiempo (mostrando más sus sentimientos cuando entra en confianza). No obstante, su extraño gusto por esculpir estatuillas de Bodhisattvas (monjes que abandonaron la iluminación para guiar a otros a alcanzarla), su actitud siempre pacífica y meditativa aún en escenas super cómicas (entre Mio y Yūko especialmente) y su extraña pero también amable/compasiva forma de comprender lo que sucede a su alrededor nos lleva a pensar que puede ser también la parodia de un bodhisattva (o del mismo buda), como apreciamos en un capítulo donde Mai, en mitad de un examen de escuela, se recuesta (de forma inexpicable) en uno de los armarios de la clase en la misma posición de una estatua de buda en actitud de descanso.
Mai descansando en la postura de Buda (en medio de un examen escolar) Fuente: Youtube
Estatua de Buda en actitud de descanso
Mai esculpiendo un bodhissatva Maitreya
Mai con una estatuilla alusiva a la bodhisattva budista «Guan Yin», conocida como «Diosa de la misericordia»
Hakase y Nano
Hakase es, en primer lugar, la profesora-científica creadora de Nano (es decir, «su madre», aunque muchas veces se comporta paradójicamente como su pequeña «hija»). Asimismo, a simple vista parece una parodia del personaje moe, el cual se caracteriza por su ternura (cree algunas historias típicas para asustar a niños) así como por mostrar alguna debilidad (es adicta al chocolate). No obstante, esa actitud moe por momentos nos aleja de ella, ya que nos rebela la crueldad y maldad que también es propia de los niños, actitud que puede interpretarse como una sátira que desmitifica la visión inocente de la infancia. Prueba de esto es la actuación cruel que la niña tiene con Sakamoto, a quien le hecha la culpa de sus travesuras, o la creación de un nuevo robot solo para presumir su genialidad científica frente a Nano (robot que parece irse de casa, pero extrañamente vuelve al final de la serie). Asimismo, este personaje puede interpretarse como una parodia de los jóvenes adultos japonesesmuy profesionales y capaces laboralmente, pero al mismo tiempo infantilizados, aspectos reflejados en la dependencia emocional y personalidad inmadura de los mismos, producto del contexto sociocultural que afectó a esta generación en su desarrollo (crisis económica del 90 y el consecuente deseo de querer escapar de esa realidad a través de mundos de fantasía proveidos, por ejemplo, el anime, el manga y los videojuegos). No obstante (y volviendo al análisis de la serie), a medida que avanza la trama, podemos constatar como la profesora Shinomone va mostrando (dentro de los parámetros creíbles para su edad) una actitud más madura, la cual se refleja en una mayor muestra de amabilidad y empatía hacia los demás gracias a su conexión con Yūko y sus compañeras, con quienes afianzará su amistad pasada la mitad de la serie.
Nano es el personaje que parodia a la madre de Hakase y ama de casa japonesa (Shufu). No obstante, su ferviente deseo de ser “una niña de verdad” la lleva a romper (parcialmente) dicho molde y acceder al mundo de las colegialas que le estaba vedado como robot, constituyéndose así en un personaje femenino «maduro» (por su rol aún preponderante como madre) y al mismo tiempo «kawaii» (en tanto ensoñador y tierno con el mundo colegial). Asimismo, también podemos verla como una parodia femenina de Astroboy (en una escena memorable donde sale volando a partir de las piernas-cohete que le pone su creadora), y de Pinocho, por su ya mencionado deseo de ser «una niña de verdad».
Pinocho (Disney, 1940)
Astroboy ( anime, 1963-1966)
Nano Shinomone (anime, 2011)
NOTA: También puede considerarse una triada de personajes simbólico-familiares en la casa Shinomone: Hakase (la hija genio afectivamente dependiente), Nano (la madre esmerada e ingenua) y Sakamoto (el padre sensato y gruñon al que nadie escucha).
SÁTIRA DE LA CULTURA POPULAR JAPONESA
Lolicon y Loli
Lolita complex, más conocido por su abreviatura como «Lolicon», es un término que se usa en Japón para referirse a un sujeto que se siente atraído por las niñas o las jóvenes de aspecto infantil llamadas lolis. En el anime, el lolicon está encarnado por un profesor/tutor de Yūkoque se siente atraído por su profesora de inglés, la cual, dada su apariencia y personalidad, encaja en el papel de loli. Lo paródico de la serie es que el profesor no llega a tener una relación más allá de lo cordial/amical con la profesora, ya que todos sus intentos de acercarse a ella como «hombre adulto» son frustrados de forma cómica por “el destino”. En ese sentido, lo satírico podría leerse, al menos, en dos sentidos:
1)El (profesor) lolicon admite frente a un alumno su perversión, con lo cual su gusto ya no es tan “tabú”, pero por ello mismo es más inmoral para la sociedad japonesa.
2)El que sea tan “patético” para no poder entablar una amistad, digamos, «normal» con su colega refleja la dificultad que tienen muchos (hombres) japoneses (con perversiones o gustos afines) para relacionarse con el sexo opuesto, razón por la que tienen o terminan apelando a fantasías para poder satisfacer dicho vínculo.
Lolicon emocionado por ver foto de una loli
Fantasía lolicon
Nota: Los cuadros de texto al interior de las imágenes pertenecen a la redactora de este artículo
Fujoshi y Yaoi
Yaoi es un término japonés utilizado para denotar la representación artística, erótica, sexual o romántica de relaciones centradas entre dos individuos de sexo masculino. Asimismo, las fanáticas de este amor son llamadas Fujoshis. El personaje que encarna a la fujoshi es Mio. La sátira radica en el exagerado y por eso mismo cómico miedo que tiene Mio de que se sepa que es una fujoshi que además es una talentosa mangaka del yaoi. Esta actitud refleja una realidad en Japón, dado que si bien las fujoshis son más visibilizadas gracias al fenómeno otaku, aún existe un estigma sobre sus gustos por parte de una sociedad con una mirada aún conservadora sobre las mujeres, razón por la cual el hecho de que se sienta atraída por prácticas eróticas y/o sexuales no heterosexuales es, digamos, «tolerable» hasta que crezca y se introduzca a la vida heterosexual (idealmente) como esposa y madre. Es por esto que lasátira animada de la fujoshi no es gratuita: como sostiene Lien Fan Shen, profesora asociada de La Universidad de Utah, el anime funciona como un espacio de resistencia donde los fans pueden experimentar placeres que son difíciles (sino imposibles) de concretar en un mundo real que está sometido a diversos poderes dominantes que impiden dichas realizaciones (como el poder dominante del régimen heterosexual). Por consiguiente, el anime, y a través de él el manga, ofrece a las fujoshis el espacio predilecto para gozar del placer (“prohibido”) por el yaoi.
Cuaderno con dibujos de mangayaoi ilustrados por Mio
Escena donde Mio intenta evitar que un policía descubra los dibujos de manga yaoi que lleva en su bolso
SÁTIRA DE LA VIDA ESCOLAR JAPONESA
La formación profesional japonesa comienza después de un relativamente relajado y divertido período de educación primaria, por lo cual es fácil imaginar cómo un estudiante de secundaria, enfrentado a la presión extrema de sus compañeros y todos los adultos que lo rodean, podría encontrar consuelo al mirar hacia atrás, hacia esos días de escuela primaria relajada y feliz”.
Como sostiene Masafumi Monden, académico de la universidad de Sydney, la vida en la secundaria es una etapa muy dura para los japoneses, ya que desde ese momento entrarán a un ciclo riguroso de estudios para ingresar, idealmente, a las mejores universidades y conseguir luego un buen trabajo. En ese contexto, la sátira permite que en el ambiente escolar de Nichijou todo pueda convertirse en algo extremedamente complejo y ridículo de ejecutar: dar un examen de inglés, hacer un dibujo que impresione a la maestra, hasta terminar un juego de fuerzas con los brazos se convierte en un asunto para morir en el intento.
Yūko intentando terminar un examen de inglés
PARODIA Y SÁTIRA DEL LENGUAJE
Actualmente el idioma japonés se ha apropiado de un variado léxico inglés, producto del cual ha surgido un nuevo lenguaje conocido como “japanglish”. No obstante, el nuevo léxico japanglish se ha popularizado tanto que, especialmente en las nuevas generaciones, ha ocasionado que el uso de las palabras niponas que serían sus equivalentes se olviden o desaparezcan. En el anime, esto se evidencia en una escena donde Yuko le propone a Mio no decir palabras en inglés para hacer su pedido en un restaurante que por el nombre (Daiku Burguer) parece la version japonesa de Burguer King, a lo que su amiga le contexta “ok”. Luego de regañarla por esto (y de seguir cayendo en usar expresiones en inglés) Yuko se da cuenta de que ya no tiene sentido seguir este tonto juego.
Yūko y Mio jugando (aburridas) a no pedir nada de comer en inglés
PARODIA Y SLICE OF LIFE
Japón es sumamente rico y complejo en lo que se refiere a su construcción como país moderno, dada la enorme influencia histórica recibida de la China milenaria y, desde el siglo XIX, de Occidente (especialmente de países europeos). En ese contexto, es ingenuo pensar que el anime y el manga son meros productos capitalistas que no evidencian rastros de la literatura, el arte y otros aspectos históricos y culturales del país del sol naciente. De hecho, es gracias a estas ficciones artísticas que somos testigos de los vínculos intercomunicativos entre la tradición y modernidad vigentes en el Japón contemporáneo.
El japonólogo español Carlos Rubio entiende este vínculo entre tradición y modernidad en términos de flujo y reflujo: tomar la cultura y ‘regurgitarla’, construyendo algo diferente».
Está es la razón por la cual, en lugar de encontrar una mera imitación de aspectos culturales foráneos en japón, evidenciamos un proceso de apropiación cultural que termina siendo mesclado con aspectos de la propia cultura nipona que dan como resultado un producto nuevo, digamos, un producto “japonizado”.
Escena de Nichijou alusiva al género Slice of life
A continuación, veremos a través de la parodia del género Slice of life (o «recuentos de la vida») cómo se expresa este vínculo intercomunicativo en tres ejes comparativos: Tradición versus Modernidad, Ciencia versus Religión y Realidad versus Sentido de la vida.
ESTÉTICA TRADICIONAL VS MODERNA
Muchas de las casas que aparecen en la serie mantienen un estilo que recuerda a las viviendas que eran comunes en el periodo «premoderno» de Japón, como el Edo (último estadio de dicho periodo). Entre ellas, resalta la fachada de la casa (y al mismo tiempo laboratorio científico) de la profesora Shinomone. En su interior, se aprecia un piso de tatami y puertas corredizas típicas de este estilo. Así tambien, un elemento decorativo tradicional destacado es el muñeco daruma, una figura votiva sin brazos ni piernas que representa a Bodhidharma, el primer patriarca y fundador del Zen. Asimismo, otro elemento o “artefacto” peculiar es Nano, la mencionada robot, quien, juntos a otros inventos de la profesora Shinomone, representa la ciencia y tecnología de avanzada producida en el Japón contemporáneo.
Imagen 1. Fachada de la casa/laboratorio Shinomone
Imagen 2. Interior de la casa Shinomone
Imagen 2: Nótese que el muñeco Daruma (objeto de tradición mística japonesa) tiene una función decorativa para con la refrigeradora (objeto producido por la tecnología y ciencia contemporánea)
CIENCIA/TECNOLOGÍA VS RELIGIÓN/MISTICISMO
En la serie aparece unchico con estilo de peinado «mohicano» (por cuya apariencia lo tildan de colegial-delincuente)que quiere ser científico para acabar con las absurdas creencias paranormales del folclore y misticismo japonés. A partir de sus desafortunados y cómicos encuentros con una falsa anciana clarividente y el monje dirigente de un templo, constatamos que sigue firme en su objetivo. No obstante, a medida que avanza la serie constatamos que si bien el misticismo tradicional puede ser “inútil” para la sabiduría contemporánea basada en la lógica racional, su existencia es necesaria para fines individuales (generar dinero para que la anciana adivina tenga algún ingreso) y colectivos (servir como un espacio de fe para los monjes y los ciudadanos, como vemos en una escena donde Yuko y sus amigas se refugian en un templo para protegerse de una repentina la lluvia, y ella aprovecha para hacer un pedido de buena suerte).
Chico del mohicano que quiere ser científico
Falsa adivina
Yūko y sus amigas refugiadas en un templo
REALIDAD VS SENTIDO DE LA VIDA
Otro aspecto paródico interesante en Nichijou es el que está relacionado con diversas reflexiones sobre «el sentido de la vida», las cuales se presentan, a modo de proverbios, sobretodo en las secciones del relato denominadas “pensamientos cortos”. En una de estas, vemos como Mio está paseando en la calle con sus perros, quienes parecen sentir algo y voltean para ver a su dueña, como queriendo comunicarle ese deseo de buscar “ese algo” que han sentido. La escena termina con una frase que aparece en el aire, y que dice “una búsqueda arrojara todo tipo de resultados”, lo cual nos causa extrañeza y gracia porque al final las mascotas no han atinado a nada (ni siquiera sabemos si su dueña entendió lo que le están intentado comunicar). Por otro lado, también podemos interpretar este segmento como una referencia paródica al iroha-garuta: un juego de cartas basado en populares proverbios japoneses que van acompañados de sus respectivas ilustraciones.
Proverbio de la sección titulada Pensamientos Cortos: “una búsqueda arrojará todo tipo de resultados”
Juego de cartas contemporáneas japonesas (iroha-garuta) con un proverbio que dice: «Un perro que camina encontrará un palo«.
PARODIA Y GÉNERO PROGRESIVO
Nichijou puede entenderse como una serie experimentala partir del análisis de su estructura narrativa, la cual está dividida en pequeños subcapítulos (o arcos) que cuentan historias alternas de los personajes de la serie (o de sujetos «x» que aparecen con alguna historia igual de rara e hilarante). Otro aspecto interesante es como a la mitad de la serie la cronología narrativa empieza a alterarse a tal extremo que, en uno de los capítulos, un corto que quedó pendiente se muestra al final del ending, o incluso da pase a un pequeño sketch donde un objeto particular presentado en el capítulo aprovecha el momento para hacer un curioso y crítico monólogo. Entre estas historias destacan los ya mencionados “pensamientos cortos”; “Helvetica Estándar”, un conjunto de relatos externos donde seres mitológicos o personajes del Japón contemporáneo comparten sucesos ridículamente divertidos; o “Como amor”, una sección con historias de amor típicas y otras bastante peculiares entre personajes de diversas edades, géneros y hasta especies (como la historia de amor fraterno entre una mujer y su gato).
Presentación de algunos de los cortos (o pequeños «arcos») destacados en Nichijou: 1) Helvetica Standard, 2) Como amor, 3) Pensamientos Cortos
Sobre el uso de los planos audiovisuales en esta animación, podemos evidenciar como se van empleando de forma dinámica y creativa a medida que avanza la serie. Un ejemplo de esto es la escena donde un plano Picado que nos permite visualizar a dos colegialas (desde un poco más arriba a la altura de los ojos) se transforma en un plano Cenital que nos permite 1) visualizar el centro de la cabeza de las niñas y 2) visualizar (a modo de plano arquitécnico) el pabellón escolar. Todo esto para luego pasar a la visualización de otro plano donde se encuentran otros personajes estudiantiles. En suma, un forma de utilizar un recurso audiovisual que no es usual en el anime «convencional».
Plano Picado
Plano Cenital 1
Plano Cenital 2
El estilo gráfico de los personajes es bastante variado entre los diversos cortos y relatos centrales de la serie donde; no obstante, la paleta de colores en tonos pastel predomina y se reinventa con éxito. Respecto a los recursos convencionales del anime de comedia, es peculiar el empleo que hace Nichijou de signos onomatopéyicos que eran comunes en series de los años 60 y 80 (como Osomatsu-san).
Escenas donde Mio persigue a Yūko por los pasadisos de la escuela. Nótese como el estilo gráfico varía equilibradamente al ritmo del movimiento y emocionalidad del personaje
Escena que exagera radicalmente la expresión onomatopéyica típica (de asombro y/o resignación por algo) de las comedias de anime clásicos
Por último, debe reconocerse el estratégico uso de los múltiples y variados endings, especialmente los elegidos a partir del ending 4, para transmitir en el espectador diversas emociones y sentimientos sobre una misma escena en movimiento: la vista panorámica y dinámica de la ciudad (japonesa) donde conviven Yūko, Mio, Mai y la profesora Shinomone junto a Nano.
No podemos terminar este artículo sin reiterar el peculiar y estratégico uso de la parodia que nos permite comprender a Nichijou no solo como una comedia animada ambientada en la vida escolar, sino también como un slice of life que satiriza diversos fenómenos sociales que coexisten y se intercomunican de forma compleja en el Japón contemporáneo. Una sátira que no tendría a su vez la misma potencia si no se valiera de las diversas estrategias audiovisuales que convierten a esta serie en una obra de arte crítica y original.
¿Cómo comunicarte con los creadores (animadores) de Nichijou?:
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Textos teóricos:
Bajtín, Mijaíl Mijáilovich, Julio Forcat, and César Conroy. La cultura popular en la Edad Media y en el Renacimiento. España: Barral Editores, 1974.
Genette, Gérard, and Celia Fernández Prieto. Palimpsestos. Madrid: Taurus, 1989.
Shen, Lien Fan. «Anime pleasures as a playground of sexuality, power, and resistance». MiT5, Media in Transition: Creativity, Ownership, and Collaboration in the digital Age: International Conference . 2007
Durante una entrevista en el año 2000, Miura Kentarō reveló que uno de los puntos iniciales para la creación de Berserk fue que quería escribir una historia sobre la ira y la trama se fue desarrollando a partir de la idea de hacer enfadar a su protagonista. Al inicio de cada capítulo de la adaptación animada de 1997, Kenpū Denki Berserk, se le pregunta al espectador si el destino de la humanidad está controlado por una fuerza o entidad trascendental o si la Mano de dios está sobre nosotros, pero que sin duda el hombre no controla su voluntad. Entonces, ¿cómo la respuesta a estas preguntas se relaciona con la ira de Guts y qué propone la serie a partir de ella?
NOTA: Este texto SOLAMENTE analizará la serie de 1997. Se vienen spoilers cual festín del Eclipse.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Ficha técnica Título: Kenpū Denki Berserk (Berserk: The Chronicles of Wind Blades, Sword-Wind Chronicle Berserk). Sinopsis: En medio de un contexto medieval fantástico, el espadachín negro, Guts, fue un mercenario en medio de la Guerra de los Cien Años y fue reclutado por Griffith, líder de la Banda del Halcón. Con el resto de sus compañeros, enfrentará cruentas batallas contra fuerzas no sólo humanas sin sospechar el futuro que le aguarda. Episodios: 25 Emisión: 1997-1998 Fuente: Berserk (Miura Kentarō) Estudio: OLM Director: Takahashi Naohito Música: Hirasawa Susumu Opening: «Tell Me Why» by PENPALS Ending: «Forces» by Hirasawa Susumu «Waiting So Long» by Silver Fins Más información en:MyAnimelist, Anime News Network e IMdb.
La historia comienza, atados por las cadenas del destino.
Para responder las preguntas del párrafo inicial, primero debemos tener en cuenta que existen numerosos ejemplos de series anime que combinan elementos occidentales y orientales, lo que resulta bastante atractivo en cuanto al worldbuilding (sobre todo en una serie de corte fantástico), pero ello también implica la integración de conceptos culturales de tradiciones diversas. En este caso, empecemos por el principio, ¿qué es el destino? Según la Real Academia de la Lengua Española, el significado de destino es:
Encadenamiento de los sucesos considerado como necesario y fatal.
Por definición, el destino ya está determinado y no se puede escapar de él, en ese sentido, la manera cómo van a ocurrir los hechos en la vida de una persona ya está escrita y parecería que al ser humano sólo le queda experimentarlo, pero siempre ha habido un deseo de conocer el futuro ya sea para saciar la curiosidad o para cambiarlo. Laura Corso señala que en latín y en griego, se usaban los términos fatum y eimarméne respectivamente para referirse a las predicciones, oráculos y vaticinios del futuro establecido por los dioses. Llamo la atención sobre este punto, pues en Kenpū Denki Berserk hay dos momentos donde se puede identificar una situación similar, los cuales permiten entender la manera como el hombre se aproxima al destino en la serie. El primero es cuando Griffith recibe el beherit o Huevo del Rey carmesí y la viejiita con la rueca que se lo entrega le dice:
El dueño está destinado a dominar el mundo a cambio de su carne y sangre.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
En el momento en que acepta el huevo, él se vuelve el dueño, así que, en teoría, lo dicho por la anciana se vuelve su destino. No obstante, al parecer, a partir de los intercambios de Griffith con Guts al respecto, el líder de la Banda del Halcón no creía o no era consciente de la veracidad de dicho fatum y veía al beherit como un símbolo de poder o un mero amuleto al que a veces parecía que se encomendaba o pedía deseos de victoria antes de una batalla. Al haber sido pobre en su infancia en medio de un contexto medieval, Griffith era consciente de que—de mantenerse pobre—su destino iba a estar determinado por su condición social, así que su deseo era fundar su propio reino para dominar su destino y además, acorde con su ambición, el de todos. Con eso en mente y por su experiencia, el cambio de su vida no iba a venir de algún regalo divino, él tenía que generarlo y lo hizo a partir de la Banda del Halcón.A pesar de esta manera de pensar y de que el mercenario nunca actúa deliberadamente para cumplir el fatum hasta el final, el destino efectivamente se cumple y en el Eclipse, el Halcón Blanco renuncia a su humanidad (cuerpo, sangre y alma) y sacrifica a sus amigos para volverse Femto. Lo más curioso es que, en cierta medida, antes que forjar su propio destino, termina aceptando uno predeterminado por alguien más, ya que si bien es otro camino, tiene el mismo punto final: ser rey.
El segundo momento en que se enuncia un eimarméne es cuando Guts y Griffith pelean contra Zodd El Inmortal y este está a punto de matar al Halcón Blanco, pero ve el huevo carmesí y se detiene. Ante la extrañeza de Guts y del resto del público no iniciado, Zodd anuncia lo siguiente:
Si tú y este hombre son realmente amigos, deberás tener en mente que cuando las ambiciones de este hombre se derrumben, estarás destinado a enfrentar tu muerte. Tu muerte será absolutamente inevitable.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Si el futuro Femto parece no darle una importancia real a la predicción del beherit, Guts ni siquiera vuelve a pensar en esta predicción durante toda la serie más allá de que sospecha del huevo en tanto artefacto aparentemente siniestro. Como espectadores, sabemos que esta es una historia de fantasía, pero antes de la aparición de Zodd, el protagonista y el resto de los personajes no se habían encontrado directamente con ningún elemento sobrenatural. Por lo hostil que ha sido el mundo humano con Guts desde que era niño, su destino ha estado ligado a la muerte desde que lo encontraron debajo del cadáver de su madre que falleció ahorcada, pero siempre ha enfrentado el peligro con sus propias manos y hasta ahora ha sobrevivido. Por esa razón, cuando ve por primera vez a Zodd, no sale de su asombro, pero no cree sin más en una profecía considerando que su amistad con Griffith estaba en su mejor momento. ¿Cómo iba a desconfiar de su mejor amigo? Incluso, cuando Guts se aleja de Griffith, no lo hace por evitar que se cumpla la profecía, sino que se decide cuando escucha a su compañero conversar con la Princesa Charlotte a la que le dice que no considera a ninguno de sus camaradas de la Banda del Halcón como amigos, porque no son sus iguales al no tener sueños propios por los que estén dispuestos a enfrentar todo, incluso a él. Sin embargo, más adelante la profecía se cumple aunque sea de manera parcial, ya que si bien, tras el Eclipse, Guts sobrevive sin explicarse bien cómo, no se puede garantizar que no muera después.
Entonces, el destino es inevitable y ya está determinado, pero, en la serie, por más que el ser humano lo conoce, no le presta atención porque cree que es dueño de su futuro y sigue actuando como si nada, dirigiéndose al parecer de manera ineludible a cumplir el vaticinio. En el caso de Guts, su destino efectivamente motiva su ira, pues su mejor amigo lo traicionó e incluso ocasionó la muerte de sus camaradas de la Banda del Halcón y el terrible crimen cometido contra su amada Casca. Sin embargo, el retrato del destino como concepto en la serie no se reduce a una cuestión de cumplimiento necesario e ignorancia humana y para entender el por qué, propongo indagar en la fuerza o entidad que podría controlar dicho destino.
Vivir como mártir de dios
En Kenpū Denki Berserk, no se profundiza en el aspecto religioso de la sociedad a excepción de ciertas referencias como el sacerdote que parece dirigir los servicios funerarios de la reina de Midland o el hecho de que los mismos personajes de la serie parecen referirse a dioses y ángeles o demonios y monstruos cuando se refieren al bien y el mal respectivamente. La aparición de Zodd y de La Mano de dios como seres sobrenaturales tampoco aclara mucho este punto, pues si bien se identifican como demonios no se escucha nada específico y claro sobre un dios (menos aún uno bondadoso como el judeo-cristiano) o un panteón de ellos. Si tomamos la idea de entidad de forma más general, entonces encontramos tres momentos de intervención de esta fuerza en el destino que vale la pena mencionar. En primer lugar, cuando Griffith se salva de ser atravesado con una flecha gracias al beherit que le sirve de escudo. Si Griffith moría allí, no se cumplía el destino y fue muy conveniente que el Huevo del Rey estuviese precisamente en ese lugar donde apuntó el asesino. ¿Coincidencia? Si estamos en una serie que reflexiona sobre el concepto de destino, es difícil decir que sí.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
El segundo momento es cuando en la batalla de Doldrey, Zodd le lanza una espada a Guts en medio de su enfrentamiento contra el general Boscogn para ayudarlo, ya que su arma se había roto un momento antes mientras peleaba contra el militar enemigo. Si el protagonista no contaba con una manera para defenderse y atacar a su oponente, moría y es muy posible que no se cumplían los dos fatum ya mencionados. Más allá de las intenciones particulares de Zodd (que parece estar obsesionado con pelear con el Espadachín Negro), la figura de Guts es trascendental para el destino de Griffith y viceversa, así que la ausencia de uno en la ecuación podría cambiarlo todo. Finalmente, el último momento de intervención divina, es cuando el líder de la Banda del Halcón, lastimado por un año de tortura, está sentado en un arroyo y a pesar de que perdió el beherit en un desagüe de las mazmorras subterráneas del castillo, el huevo carmesí aparece frente a él justo en su momento de mayor quiebre emocional y cuando se va a dar el Eclipse, lo que detona en el festín con sus terribles consecuencias. Si recapitulamos, el destino no sólo esta predeterminado y la ilusa humanidad lo va a cumplir irremediablemente, sino que de ser necesario o correr peligro el cumplimiento de dicho destino, la entidad controladora (Mano de dios o no) interviene fuerte y directamente, entonces, ¿el ser humano tiene algo de poder de decisión sobre su vida?
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Para responder a esta pregunta conviene buscar una situación similar, así que pensemos. Entidades o fuerzas interviniendo de forma tan fuerte y directa en la vida de los seres humanos. ¿No les recuerda a algo? Edipo recibe del dios Apolo la profecía de que matará a su padre, por ello, decide huir de los que en realidad eran sus padres adoptivos y en el camino mata a un hombre por una disputa de preferencia de paso, ese hombre era su verdadero padre, así que el destino se cumple. No es casualidad que en la primera parte del artículo haya empleado dos términos de la cultura greco-romana, pues el esquema narrativo de Kenpū Denki Berserk tiene muchas similitudes con la tragedia griega.
Basta sólo con pensar en el error trágico que comete Griffith, quien destruido por la partida de Guts, tiene relaciones sexuales con la princesa Charlotte ignorando trágicamente las nefastas consecuencias que tendría para su objetivo de ser rey, por el que tanto había trabajado, y para el destino de todos los personajes de la serie. Seguro que más de un espectador no podía creerlo y la compasión y angustia (catarsis) que despertó lo ocurrido en muchos fue igualmente sorprendente. De este modo, indagar en la tragedia griega puede ayudar a aclarar el discurso detrás de presentar a los dioses como controladores del destino humano.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Para Catalina López, en la tragedia griega, el planteamiento de que los dioses lo deciden todo, implica, por un lado, que los hombres no poseen libre albedrío y, por otro lado, no tienen responsabilidad de sus acciones en cuanto a juicios morales. Si colocas en el buscador Griffith no hizo nada malo, encontrarás toda una serie de artículos, videoensayos, discusiones en foros y hasta una web para comprar posters y polos con esa frase, pero la realidad es que el sacrificio de la banda del Halcón y la violación de Casca no son acciones realizadas por un títere de los dioses. La aparición de la Mano de dios y su discurso al ver a Griffith, señala que ellos tenían conocimiento de su destino, incluso mencionan que ellos lo eligieron a él para ser el protagonista de esa cadena de hechos y se muestran seguros de que el maltrecho hombre aceptará sacrificar su cuerpo y su sangre por el poder, pero agregan lo siguiente:
Será su voluntad, no la nuestra.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
De manera similar a esta situación, la misma López señala que, en realidad, en la tragedia, la intervención divina no descarta el carácter actuante del hombre que labra en última instancia su propio destino. Como Edipo pudo evitar matar al hombre que encontró en el camino, Griffith se pudo haber negado al ofrecimiento de La Mano de dios y quizás aceptar la vida convencional (y limitante en cierta medida por su estado físico) con Casca que vio en su sueño, pero la realidad era que su deseo por el castillo, por ser el dueño del destino de todos y trascender fue más fuerte, así que decidió sacrificar a todos y renunciar al dolor que sentía por seguir caminando sobre los cadáveres de sus soldados.
Si recapitulamos, entonces, más allá de la injerencia de los dioses, la Mano de dios, una fuerza o entidad controladora del destino, el hombre parece tener un cierto nivel de control sobre dicho destino a partir de su voluntad. Entonces, por qué la introducción de la serie dice que no es dueño de la misma (incluso dice que es una cosa cierta a diferencia de las otras partes del discurso que son interrogantes).
La fragilidad de los seres humanos y mortales
Roberto Soto señala que tras las Guerras Médicas, el siglo V a.C. en Grecia se caracterizó por una exaltación de la racionalidad humana, pues había sido gracias a las estrategias de la Liga de Delos que se había conquistado la victoria. Sin embargo, el autor señala que por esos años los autores trágicos siguieron escribiendo tragedias para que los seres humanos no olvidasen el poder de los dioses, lo que también puede traducirse con que no olviden su humanidad y el arquetipo de la caída en las tragedias es un ejemplo de ello que esquematiza bien el caso de Griffith. Según Charles R. Woodard, cuando los hombres lograban adquirir conocimiento, les devenía un castigo divino: su caída, con la que se le pretende dar cuenta al hombre de sus debilidades, de su imperfección.
A Griffith, un hombre que había llegado casi a la cima por su capacidad para enfrentar batallas con estrategias, por su ecuanimidad y frialdad a pesar de la hostilidad de la corte o la presión del peligro y por su entrega total a su sueño, cae por una sola acción en la que se deja llevar por sus sentimientos de abandono, soledad y derrota tras el duelo y partida de Guts. En relación con la voluntad, Catalina Velarde reflexiona sobre cómo se inserta el libre albedrío en el conocimiento del destino que tiene el Dios cristiano y puede ser útil acudir a un punto que ella recoge del filósofo y poeta latino Boecio en La consolación de la filosofía:
Necesariamente tanto más libre cuanto más se aplica a la contemplación de la mente divina y, tanto menos libre cuánto más desciende a los seres materiales; y todavía menos cuando queda atrapado en las redes de la tierra.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Velarde apunta, como queda ejemplificado en el caso de Griffith y en la cita de Boecio, que la razón precede a la voluntad y cuando es empleada antes de actuar, el hombre ejerce mucho más su libre albedrío, pero cuanto más humano es (con la vulnerabilidad emocional que ello supone) es menos dueño de su voluntad y de su libertad. Sin duda, esta es una cosa cierta. Además, como queda claro en Kenpū Denki Berserk eso no sólo afecta a una sola persona, sino a aquellos relacionados con ella y sus acciones.
En resumen, si bien existe una fuerza o entidad trascendental que tienen un cierto control sobre el destino de la humanidad y existen seres con un poder como el de la Mano de dios que pueden tener una injerencia en nosotros, el hombre posee una voluntad que puede ejercer sobre la que, sin embargo, pierde dominio por sus emociones, su propia humanidad y puede perjudicar a otros con ello. Al tener en cuenta todos estos puntos, estar deprimido parece lo lógico, pues el escenario no es nada alentador. ¿Qué podemos hacer al respecto?
La obra de Miura siempre ha sido asociada con el concepto budista de karma y la ley de causalidad que se emparenta con la lógica de hombre actuante de la tragedia griega, así que tal vez la tradición oriental tenga la respuesta. Máximo Lameiro señala que con base en las cuatro verdades del budismo efectivamente la vida es sufrimiento, porque el hombre está atado al deseo y al apego. Por esa razón, Chus Alonso y Ana Serrano señalan que el karma entendido como acción pendiente de efecto puede tener un resultado negativo en el futuro del hombre (a veces sin que sea consciente de ello puede lastimar a alguien o dejar de hacer algo importante), porque todo acto tiene consecuencias. Lameiro señala que antes que ver este principio de causalidad como una deuda se puede tomar consciencia de que es inherente a la vida y tomarlo como una oportunidad de transformación y de reconocimiento de nuestra identidad fundamental. La sensación que deja esta idea es mirar el lado bueno de las cosas, pero propongo cerrar este artículo refiriéndome a una escena más de la serie para reflexionar sobre la idea de identidad fundamental.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
En el capítulo 4, llamado la mano de dios, Guts recuerda cuando mató a Gambino (su figura paterna para bien o para mal) en defensa propia. Tras robarse un caballo, huye del lugar, pero recibe una flecha mientras escapa y cae por un acantilado. Al despertar en una playa y caminar herido un trecho, se ve rodeado por una manada de lobos. Desolado por lo ocurrido y adolorido, piensa que está bien para él morir, porque así ya no sufriría más desgracias en un mundo que le es hostil una y otra vez. Sin embargo, cuando el lobo lo ataca, él levanta su espada, como lo ha hecho siempre en batalla, como lo siguió haciendo después, como lo hizo cuando luchó hasta el final durante el Eclipse. Guts encarna un elemento fundamental de la identidad humana: la voluntad de vivir que antes que racional es casi presentada en la serie como un instinto, un acto reflejo y hasta un deseo como lo expresa en el primer episodio de la serie: a pesar de ser torturados y heridos por el destino, una fuerza trascendental o la Mano de dios (ya sea una divinidad o un grupo de enemigos poderosos), los humanos queremos seguir viviendo (al menos eso plantea la serie).
El destino con final trágico y los que lo controlan, dioses, Mano de dios y otros seres humanos representan todas esas circunstancias de la vida que no podemos dominar y que nos seguirán provocando sufrimiento como a Guts y alimentarán la ira, pero ya sea para vengarse o ayudar a los suyos, todo indica que el espadachín negro seguirá luchando cada una de sus batallas, se lanzará sin dudar para enfrentarse a todo con el objetivo de seguir viviendo, lo que es un rasgo muy característico de la humanidad en un sentido universal y a eso apunta Kenpū Denki Berserk.
Fuente: Hakusensha, Nippon Television Network, OLM, VAP
Si quieres seguir rompiendo tu cabeza tratando de dar relecturas a la serie, aquí hay textos para ello:
Mientras reflexionas sobre el destino, las fuerzas trascendentales y la voluntad del hombre con Guts y Griffith, puedes aprovechar para revisar el magnífico soundtrack de Berserk. Aquí unos temas:
Años que parecían eternos; momentos donde lo mínimo era motivo de asombro y a la vez ensimismamiento. Los crushes, correspondidos o no, y el temor de qué pasaría culminada la etapa escolar. ¿Estaríamos preparados para la adultez y sus responsabilidades? El anime suele reincidir en la presencia de personajes adolescentes, y quizás Liz and the Blue Bird es de las mejores en presentar las preocupaciones de dicha etapa.
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
Liz and the Blue Bird, película de Kyoto Animation dirigida por Naoko Yamada -conocida por K-On, Tamako Market y Koe no Katachi– y estrenada el 2018 es un spin-off del anime Hibike! Euphonium. La serie, si bien está ubicada en el género del slice of life, debido a su carácter musical tiene características que podrían acercarlo al género del spokon o incluso al de idols. En el primer caso ello se debe a que los personajes, quienes desean ganar la competencia nacional de bandas, no solo deben prepararse todo el año para competir con otras bandas escolares, sino que comparan sus experiencias con los de campeonatos anteriores para superarse en su técnica musical. Luego, podría acercarse al segundo género debido a que la música es un vehículo a través del cual los personajes crecen y los ayuda a unirse con los demás integrantes de la banda. Sin embargo, la aproximación más interesante a Hibike! Euphonium podría resultar de conectar su narrativa con el género del coming-of-age story.
El paso a la adultez: Hibike! Euphonium y el coming-of-age story
Los coming-of-age story o buildingsroman son historias que presentan a un protagonista adolescente, quien atraviesa por un momento crítico en su vida que lo llevará a cuestionar su relación con la familia, su rol en la sociedad e incluso el manejo de su sexualidad; todo esto para incorporarse con éxito a la sociedad o rebelarse ante ella. El coming-of-age puede apreciarse con mayor claridad en la segunda temporada de Hibike!, cuando Kumiko es testigo de lo difícil que resulta para su hermana y Asuka confrontar las decisiones que tomaron para su vida universitaria y su futuro. De igual manera, se encuentra en el desenlace de su relación con Reina: su amistad apasionada -tan intensa y fluctuante como pueden ser algunas amistades durante la adolescencia- finalizará, y se sugiere el interés amoroso que surge entre Kumiko y Shuuichi. Este género se sitúa, por lo tanto, como indispensable para comprender la película de Liz and the Blue Bird, ya que no solo es una reinterpretación de los eventos acontecidos al final de la segunda temporada de Hibike! Euphonium, sino también es una propuesta distinta de las amistades en la adolescencia.
Antecedentes: estilos visuales y narrativos en el shōjo bunka
El análisis del aspecto narrativo se enriquecerá si también tomamos en cuenta el aspecto visual. Liz and the Blue Bird llama la atención por dos estilos visuales distintos:
Por un lado presenta un estilo visual que hace referencia a la “realidad”, es decir, al mundo narrativo donde se desarrolla la relación entre Nozomi y Mizore. Por otro lado, hay un estilo visual que corresponde al plano de la “ficción”, en el que se desarrollará la trama del libro de cuentos Liz and the Blue Bird. El primero presenta figuras humanas con un cuerpo más estilizado y presta especial atención a los objetos que lo rodean -en el caso específico del ejemplo propuesto, cobran importancia los espacios exteriores y la naturaleza-, pero los colores que predominan son fríos. Este estilo puede vincularse a la primera etapa de las revistas para chicas de la primera mitad del siglo XX, con exponentes como Katsuji Matsumoto. El segundo se caracteriza por ser un estilo más “recargado”, donde casi no se escatiman gastos en la variedad de colores ni en su intensidad. Se trata entonces de un estilo “saturado” -“florido”- que reflejará a través del diseño de la protagonista y de lo que le rodea su estado anímico, así como la calidez, inocencia y abundancia que la rodea. Estas características podrán ser encontradas en las ilustraciones de las revistas para chicas durante la segunda mitad del siglo XX, con ilustradores como Makoto Takahashi. Estas revistas que alojaron a artistas y novelistas son consideradas como espacios que permitieron la creación de una “cultura de chicas” o shōjo bunka, con lo cual, para aproximarnos a Liz and the Blue Bird debemos considerar, además de los temas que se tocan en los coming-of-age stories, las características de la narrativa que nace del shōjo bunka.
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
La narrativa del shōjo bunka tuvo como mayor exponente a la escritora Yoshiya Nobuko, quien creó el género denominado “Class S”: historias de corte melodramático situadas en un mundo mayormente femenino, lo cual abre lugar a un espacio de homosocialización. Esta ficción retratará la escuela y el mundo de las adolescentes como espacios libre de adultos, donde se explorará el “amor espiritual” que nace entre ellas y la constitución de estas relaciones como un ideal de balance en la pareja -con lo que surge el “principio de semejanza” y una proyección del “yo” en el otro -. No obstante, estas relaciones serán consideradas como transitorias y encontrarán un final cuando las protagonistas acaben la escuela, con lo que se trata de historias que se ubican en el presente, anulando el futuro y las obligaciones sociales que vienen terminada la etapa escolar.
Una de las mayores características de la narrativa del shōjo bunka es su “prosa florida”, llena de descripciones para describir el entorno o aquellos elementos que sorprenden a la protagonista. Esta va de la mano con la repetición de palabras o frases, así como de un lenguaje entrecortado donde hay un frecuente uso de la elipsis y guiones que son reflejo de emociones que no pueden ser articuladas. Por lo tanto, estas historias ubicarán las emociones entre lo desconocido y aquello que no puede ser nombrado, razón por la cual se hará uso de paralelos.
Liz and the Blue Bird: los paralelos y el “dato escondido”
El uso de paralelos para reconstruir los sentimientos de Nozomi y Mizore -protagonistas en Liz and the Blue Bird– muestra una narrativa llena de silencios, donde ambas recién comprenderán su amistad a través de la reconstrucción de otras historias, así como del desarrollo y la conclusión de estas. Quizás el paralelo “más obvio” lo encontramos en aquel que se establece con la historia de Liz y Shōjo. Desentrañar la relación de ambas, así como las debilidades de cada una ayuda a entender la personalidad de Nozomi y Mizore. Sin embargo, hay otras relaciones que permitirá al espectador comprenderé a profundidad la principal.
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
La película muestra constantemente el plano narrativo de Nozomi y Mizore diversas amistades y conceptos de “amor”. La primera que muestra es la relación de Mirei y Satsuki, dos chicas que estudiaron en la misma escuela de Nozomi y Mizore, y que se abrazan. Ello crea un primer punto de quiebre en la relación entre las protagonistas, ya que pese a que las dos primeras son amigas y no temen mostrar abiertamente el cariño que se tienen, no sucede lo mismo con las dos últimas, y evitan hasta el final todo contacto. Se trata entonces de un dilema para las dos, ya que no les queda claro si es adecuado estrechar sus vínculos estando a unos meses de terminar el colegio, e ingresar a la universidad y con ello a las responsabilidades de la vida adulta.
Otra relación importante será la que se establece entre Ririka y Mizore: una de kōhai y senpai. Esta amistad se establecerá por la admiración que tiene Ririka hacia el conocimiento y las habilidades de Mizore -parecido a la admiración por la capacidad que tiene Nozomi- pero este se establece en contexto jerárquico, con lo que no llega a ser entre iguales. De igual manera, es vital la subtrama de la amistad de Nozomi con las otras flautistas, quienes hablan sobre lo que se considera cute y atractivo -“femenino”-, y de amor heterosexual.
Y quizás el punto más álgido en esta tensión es la contraposición que se realiza casi al final de la película, con la relación de Kumiko y Reina. Quienes hayan visto la primera y segunda temporada de Hibike! Euphonium recordará el desarrollo de la amistad entre las dos. Esta podría ser considerada como una “amistad apasionada”, en la cual la admiración llega a tomar un cariz platónico. Al igual que Nozomi y Mizore, las dos pertenecen al mismo año y poseen una habilidad distinta: una es un genio en la música (Mizore y Reina), mientras la otra es mejor en sus relaciones interpersonales (Nozomi y Kumiko, aunque esta facilidad de desentrañar los sentimientos de los demás se dificulta cuando se relacionan con la co-protagonista). Asimismo, hay escenas que transcurren en lugares que se consideran importantes para el desarrollo de la relación de Kumiko y Reina, pero que quizás no brindan el mismo significado ni dan las mismas respuestas a las protagonistas de Liz and the Blue Bird. Todo ello invitará al espectador a buscar el “dato oculto”, así como desentrañar los sentimientos y la extensión de la amistad entre Nozomi y Mizore.
Nozomi, Mizore y un nuevo futuro: continuum lésbico y esperanza utópica
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
Sin embargo, para entender la dificultad que tienen las protagonistas en entender sus sentimientos hay que tomar en cuenta el contexto en el que se desarrolla la historia: una sociedad japonesa donde prima la heteronormatividad, y se espera que la mujer en determinado momento de su adultez se case y tenga hijos. Todo ello con la intención de seguir el “sentido común” -la norma social- y no incomodar a los padres. Con lo cual, en un entorno donde se habla constantemente sobre el amor hacia personas del otro sexo, y donde el deseo sexual reside únicamente en los hombres, existiría un desconocimiento y un silenciamiento de las múltiples formas que puede tomar las relaciones entre mujeres. A estos múltiples matices se le llama “continuum lésbico”.
Estas diversas formas, sentimientos y características que adquieren las relaciones entre mujeres pueden ir más allá del plano sexual. Sin embargo, la atracción entre personas del mismo sexo es algo que en Japón parece ser aceptado solamente en la ficción -no por gusto Nozomi y Mizore pueden empatizar con Liz y con Shōjo, y explorar en un espacio seguro este continuum lésbico-, en un “otro” -como en la aceptación que suele haber en las jóvenes de consumir géneros como el yaoi-, o exclusivamente en la adolescencia. Con todo ello, hay en la sociedad un poco representación o una falta de representación correcta, y por ello no sería raro que en la relación de Nozomi y Mizore haya un gran silencio al momento de entender sus sentimientos y se requieran numerosos paralelos para reconstruir su historia.
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
No obstante, estos paralelos -y en especial la (re)lectura que se realiza del cuento Liz and the Blue Bird- podría generar en Nozomi y Mizore una esperanza utópica. Por lo general las obras de ficción son consideradas como escapistas o una forma de negar la realidad, pero hay autores que defienden el potencial que tiene la ficción de generar un cambio social y la búsqueda de este por parte del espectador. Esta ficción, calificada como “melodramática” o “escapista”, tiene entonces un potencial transgresor para los grupos privados de derechos, quienes podrán tomar a futuro una acción política.
Por lo tanto, en un contexto como en el que se sitúa la película Liz and the Blue Bird, vemos cómo determinadas normas sociales se transmiten a través del entorno y la ficción. Pero existe la posibilidad de que la ficción genere en las protagonistas una esperanza utópica que les permitiría aceptar sus sentimientos, lo cual es ya un acto político, aunque esto no devenga en un coming out (no al menos de manera expresa o nombrada). Una vez reinterpretan la ficción, serán capaces de ir más allá de la propuesta del shōjo bunka de inicios del siglo XX, donde la relación entre mujeres y la extensión que podía tomar esta quedaba enmarcada en la adolescencia y en la escuela. De esta forma es como se abre la posibilidad de mirar hacia el futuro, en el cual una podrá apoyar a la otra sea cual sea el camino que tomen.
Liz and the Blue Bird, Kyoto Animation y Naoko Yamada
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Frederick, Sarah. 2017. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
Holmberg, Ryan. 2014. “Matsumoto Katsuji and the American Roots of Kawaii”. The Comics Journal. 07 de abril de 2014. Consulta: 07 de abril de 2020. <http://www.tcj.com/matsumoto-katsuji-and-the-american-roots-of-kawaii/>
Lauretis, Teresa de. 1987. Technologies of gender. Bloomington: Indiana University Press.
Shamoon, Deborah. 2012. Passionate Friendship. The Aesthetics of Girls’ Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
El presente artículo es una ampliación de:
Arana Blas, María Alexandra. 2019. “Camino a la adultez: shōjo bunka y esperanza utópica en Liz and the Blue Bird”. Ponencia presentada en CineArte PUCP. Lima, 24 de octubre de 2019. <www.facebook.com/cineartepucp/videos/570836546992092/>
Advertencia: En este artículo se analizarán diversas representaciones animadas de «chicas mágicas» del periodo de posguerra (2 de septiembre de 1945 – actualidad).
Qué fanático del anime y manga no conoce o ha oído hablar de Serena Tsukino, SakuraKinomoto, y por supuesto, de la infaltable y genial MadokaKaname. Todas ellas son chicas mágicas muy queridas tanto por el fandom femenino como masculino (e incluso se dice que serían, desde hace ya un tiempo, los íconos de la comunidad otaku LGTBQ+). No obstante, si bien se han realizado ciertos estudios académicos sobre la chica mágica (tanto en lengua hispana como anglosajona), fuera de estas instancias pocos conocen el origen, evolución y estado actual de este popular personaje shōjo. Es por esto que, a través de este breve e ilustrativo artículo, intentaremos aproximarnos a dichas fuentes de conocimiento y mágicas rebelaciones.
¿Mahō Shōjo?
Chica mágica (o mahō shōjo en japonés) es un término que refiere a un subgénero de fantasía del anime y manga shōjo que tiene como protagonistas a niñas o adolescentes que son poseedoras de algún objeto mágico o poder especial con el que han de salvar a la humanidad de alguna amenaza latente.
Sailor Moon (1992), una de las series de chica mágica más icónicas del Japón contemporáneo
Chica mágica de los años 60
Entre las influencias extranjeras que inspiraron la construcción de las chicas mágicas de los años 60 figura Hechizada: comedia de situación estadounidense, transmitida entre 1964 y 1972, que incorporó el concepto de la magia como poder femenino al que la protagonista debía renunciar después del matrimonio. Durante esta década aparecerán diversas series niponas que tendrán como protagonista una chica mágica. No obstante, Kumiko Saito, investigadora en cultura popular japonesa de la universidad de Pensilvania, sostiene que, a diferencia del caso americano, en Japón se optó más bien por conducir el tema de la libertad mágica a un periodo anterior a la aceptación del matrimonio y la maternidad.
De esta manera, el tópico de la chica común que accidentalmente gana un poder mágico se convirtió en un mecanismo útil para mostrar el tema subyacente de cómo la joven heroína está predestinada a decir adiós a la magia al final de la serie. La chica mágica presentó así un enfoque bastante conservador, que iba en contra del poder simbólico-subversivo que representaba la magia, en tanto expresaba ideas contundentes acerca de lo que las mujeres pueden y deben hacer de acuerdo a sus etapas vitales (en otras palabras, reforzaba la idea de educar a las niñas japonesas para que, más que ser buenas profesionales, sean buenas esposas y sabias madres). Dos series donde se evidencia este enfoque son Sally, la bruja (1966) y Los secretos de Julie (1969).
El amor entre chicas
El abandono de la magia por parte de la heroína se relaciona, así también, con otro rasgo característico del género: el amor entre chicas. Dicho tema ha sido asociado con la Literatura japonesa para mujeres de principios de 1900. Al respecto, la escritora Nobuko Yoshiya (1896-1973) sería la primera en cuya obra se vislumbra el romance de los personajes femeninos, así como los rasgos característicos que los convertirán en un tópico del manga shōjo contemporáneo:
“Dichas relaciones a menudo involucraban a una niña mágica alta, activa, independiente y guapa; y otra más bien pequeña, infantil, dulce e inocente, constituyendo de esa manera imágenes idealizadas de la masculinidad y feminidad”.
No obstante, el amor entre chicas fue representado como un estado efímero. Esto se debió a que las protagonistas eran incitadas a abandonar la magia para integrarse al romance heterosexual, ya sea porque la historia terminó trágicamente o porque una de las niñas murió para salvar a la otra. En consecuencia, no es de sorprender el apogeo que tuvo este género en un ambiente caótico de posguerra donde la autoridad paterna y los matrimonios por compromiso empezaban a declinar en Japón.
Fuente: favereys.blogspot.com
Chica mágica de los años 70
La popularidad de la chica mágica empezó a decaer en la década de los setenta, lo cual promovió un cambio hacia una visualidad femenina que atrajera a un público masculino. Es así como las nuevas tramas que caracterizarán a este género empiezan a incluir robots, escenas de acción y el servicio para fans. Dos series con estas características fueronCutey Honey (1973) y Maggie, la brujita (1974).
Chica mágica de los años 80
A inicios de los ochenta, el anime y el manga de la chica mágica se presenta como un arte totalmente renovado en lo que respecta a la transformación de sus protagonistas. Como sostiene Saito,
“si antes ser chica mágica implicaba la transformación literal del cuerpo de una niña pequeña al de una mujer adulta; es decir, de dieciséis años o más, la nueva metamorfosis tiene como meta final abandonar el crecimiento físico real”.
Esta es la razón por la cual, si bien algunas series seguían presentando la transformación biológica de niña en mujer, la trama final sugería que las protagonistas dejarían de lado la misma para encontrar la auténtica fuente de su poder en la juventud, el amor y la ternura propia de su etapa infantil o adolescente. Dos series que expresan este enfoque fueronLas aventuras de Gigi (1982) y Magical Angel Creamy Mami (1983).
Chica mágica de los años 90 hasta la actualidad
La investigadora de Pensilvania sostiene que desde la década de los noventa, la nueva transformación de la chica mágica la llevará a adoptar una indumentaria donde los rasgos infantiles (o infantilizados) de su performance se confunden con los de su adolescencia: “La expresión visual y figurativa del poder de la chica mágica se muestra en su juventud y ternura, así como en las capas de falda con volados añadidos al uniforme de batalla”. De esta manera, la chica mágica de esta década proporcionó a los espectadores un personaje heroico e independiente que se oponía a la retórica visual del poder de la adultez al ofrecerle una indumentaria femenina que hacía cada vez más difícil equiparar las representaciones de su género con su sexo biológico real. Entre las series que expresan este enfoque se encuentran Sakura, la cazadora de cartas (1998) yMadoka, la chica mágica (2011).
Otros rasgo característico de esta nueva chica mágica serán su capacidad para transformarse en el género opuesto. Asimismo, aparecerán nuevos personajes de estética andrógina, o indefinida heterosexualmente, que servirán de inspiración y admiración para los fanáticos amantes de este nuevo poder. Al respecto, tres animes destacados son Pretty Soldier Sailor Moon (1992), Proyecto de Crianza de Chicas Mágicas (2016) y Magical Girl Boy (2018). En la primera aparece Haruka Tenou, un personaje femenino de apariencia masculina que mediante su transformación mágica se convierte en Sailor Urano. En la segunda aparece un personaje masculino llamado Souta Kishibe, quien gusta en secreto de las historias de chicas mágicas dado que considera que es un género para niñas. No obstante, gracias a un juego virtual, tiene la oportunidad detransformarse en una chica mágica real, conocida como “La Pucelle”, y cumplir la misión de ayudar a quien lo necesite. Por último, Magical Girl Boy relata la historia de Saki, una estudiante a la que se le plantea la posibilidad de convertirse en una chica mágica y así proteger al chico que le gusta, oferta que termina por aceptar. No obstante, cuando llega el momento de su transformación, no sólo sus ropas se convierten en un curioso y adorable conjunto mágico, sino que su cuerpo se tranforma en el de un chico mágico alto y musculosoque luchará contra las fuerzas del mal.
En su acepción sociospicológica, Masafumi Monden sostiene que la andrógina vendría a ser un estado psicológico que refiere a una forma específica en la que los aspectos “masculinos” y “femeninos” se presentan en un solo ser humano.
A partir de lo anterior, se infiere que existirían estados psicológicos que son asignados de manera dominante y no dominante a una categoría de género. Esto explicaría, a su vez, por qué un rasgo de género “no dominante” para las mujeres sería el deseo de autonomía y poder, mientras que el rasgo de género “no dominante” para los hombres sería la expresión de sentimientos de vulnerabilidad, dependencia y afecto por otros del mismo sexo. En ese contexto, la chica mágica de los noventa realizaría una performance andrógina en tanto revierte las nociones de masculinidad y feminidad asignadas por el sistema que regula las normas del género. Esto se corrobora, por ejemplo, si comparamos la serie de chicas mágicas con películas del cine estadounidense contemporáneo, donde las heroínas juveniles tienden a vestirse y actuar de una manera masculina (es decir, suelen usar trajes que pueden ser sensuales o coquetos, pero que a la vez mantienen ciertos elementos de la vestimenta heroica tradicionalmente masculina como las armaduras medievales), mientras que las heroínas japonesas, especialmente las del género shōjo, optan más bien por un uniforme de batalla de corte femenino infantil, acentuado por volantes y lazos.
“La ausencia de un traje de batalla masculino en la metamorfosis de la chica mágica ofrece una alternativa a la idea occidental de que el género es definido y redefinido a través de la ropa, a la par que su estética andrógina enfatiza la idea del mismo como precario e indefinido”.
De acuerdo a lo enunciado por Monden, uno de los rasgos identificatorios de la chica mágica contemporánea sería el demostrar que no necesita apropiarse de un rol estereotipadamente masculino (o masculinizante) para obtener la valentía, la magia y el poder suficientes para enfrentarse a las fuerzas del mal.
Conclusión
A través de este breve repaso sobre la historia de la chica mágica, se rebela cómo es que inicialmente se intentó utilizarla para encaminar a las niñas japonesas a asumir el rol de género que les era asignado tradicionalmente en la sociedad nipona. No obstante, a partir de la década del noventa, la chica mágica se convertirá, con particular énfasis, en un modelo transgresor de las normas que definen la feminidad y la masculinidad, razón por la cual es tan popular no solo entre los y las jóvenes del Japón contemporáneo, sino también entre los fanáticos de este fenómeno a nivel mundial.
Notas:
Si bien en este breve artículo “historiográfico” faltaron señalar diversas series, populares o menos conocidas comercialmente, sobre las chicas mágicas, lo cierto es que se intentó analizar algunos ejemplos que la redactora consideró claves para expresar su entendimiento sobre el origen, evolución y estado actual de estos personajes.
¿Te gustó este artículo? Puedes consultar las fuentes aquí:
Saito, Kumiko. «Magic, Shōjo, and Metamorphosis: Magical Girl Anime and the Challenges of Changing Gender Identities in Japanese Society».The Journal of Asian Studies.Vol. 73, No. 1 (FEBRUARY 2014), pp. 143-164.
Un señor feudal (daimyō) llamado Motonari Mōri se percató de que se avecinaba la guerra en sus tierras. Entonces, mandó a llamar a sus tres hijos, le dio a uno de ellos una flecha y le pidió que la rompiese. La flecha se rompió fácilmente, pero después Mōri le dijo que juntase tres flechas y tratase de romperlas. Esta vez, el hijo trató con todas sus fuerzas, pero le fue imposible, así que su padre le dijo que la fuerza de la humanidad era como esas tres flechas. De esa fuerza trata Tsurune.
Fuente: Kyoto Animation
Tsurune: Kazemai Koukou Kyuudoubu (2018) es una serie anime producida por el icónico estudio de animación Kyoto Animation y está basada en las novelas ligeras del mismo nombre de la autoría de Kotoko Ayano.Esta historia, dirigida al público shōnen, se centra en Narumiya Minato, un joven de preparatoria que había renunciado tiempo atrás a practicar kyūdō, un arte marcial japonés que consiste en apuntar y disparar una flecha con un gran arco lo más cerca posible del centro de una diana. A pesar de la insistencia de sus amigos, Minato se niega rotundamente a formar parte del club escolar de esa disciplina hasta que una noche ve a un misterioso hombre ejecutar un disparo tan hermoso que lo lleva a empezar a cuestionar su decisión. La palabra nipona tsurune precisamente hace referencia al sonido que hace el arco cuando la flecha es disparada y la primera vez que Minato–aún un niño de primaria–lo escuchó, quedó tan impresionado con el kyūdō que se empeñó en encontrar un maestro y aprender este arte marcial que no es una simple variación del deporte occidental del arco y flecha.
El camino del arco
De acuerdo con la Federación Internacional de Kyūdō, la arquería en Japón era concebida como una técnica de batalla (bujutsu) que los samuráispracticaban hasta que en el Período Edo (1603-1868) se implementaron las armas de fuego y el entrenamiento militar occidental, así que la escuela militar del Shogunato Edo optó por excluirla de su currículo. Posteriormente, durante la Era Meiji (1868-1912), Yoshinobu Hamaguchi afirma quese empezó a practicar el tiro con arco japonés como una forma de vida (budo) y así nació el kyūdō. La primera vez que el pequeño Minato presencia un evento de esta disciplina se sorprende por lo artística que se ve: la solemnidad del ambiente silencioso cuando se preparan los tiros, las bellas posturas de los arqueros y, especialmente, el tsurune que corta el silencio. Al respecto, vale la pena destacar la labor del departamento de sonido de esta serie que bajo la dirección de Tsuruoka Yota, consigue un riguroso detalle en el doblaje de los efectos sonoros de las flechas cuando son liberadas al aire y cuando aciertan al pasto o a la diana enfatizando así la experiencia sensorial del kyūdō como arte. Sin embargo, esta disciplina es más que la belleza (bi) que aprecian los espectadores en un torneo o evento.
Etimológicamente, Yamaguchi Yasuo señala que kyū significa arco; y –do, camino, así que el nombre de este arte marcial se traduciría como el camino del arco, una frase que el autor asocia con la orientación al proceso de todo lo relacionado con esta disciplina. Por ejemplo, hay una serie de rituales como el yawatashi que se ejecuta al inicio de cada evento público de kyūdō o en concentraciones para solicitar la buena fortuna al dios de los arqueros. Además, son ocho las posiciones y posturas que se deben seguir para lanzar una flecha que van desde abrir las piernas para posicionarse (ashibumi), disparar (hanne) y hasta observar el resultado del disparo (zanshin). Como todo proceso, cada acción en el kyūdō tiene una serie de pasos a seguir y lo mismo ocurre cuando es enseñada a otros, pues los kyūdōjin pasan meses antes de siquiera tocar un arco, pues primero deben aprender a limpiar el dojo, colocar las dianas, después usan bandas de hule para ganar fuerza y así sucesivamente hasta que se les permite disparar.
Fuente: Kyoto Animation
En ese sentido, el camino del arco tiene en su esencia al aprendizaje constante y paulatino que se compagina muy bien con la lógica narrativa de la evolución de todo protagonista en un anime shōnen de deportes (también llamado spokon), pues de acuerdo con John Ingulsrud y Kate Allen, este tipo de historias son narraciones de crecimiento o coming-of-age que implican queel personaje principal puede desarrollar tanto alguna habilidad física como alcanzar la maduración interior. Al inicio de Tsurune, el camino del arco de Minato se ve interrumpido por su alejamiento del kyūdō y los distintos episodios siguen su regreso al mismo que se ve muy bien representado por la flor blanca del opening que empieza marchita y vuelve a florecer. Sin embargo, la serie no se centra en que el protagonista desarrolla la técnica máxima de la arquería japonesa, que en realidad es muy buena en su caso, sino que hay otro obstáculo distinto que debe enfrentar y se vincula con la maduración interior mencionada por Ingulsrud y Allen.
Desde el comienzo, se revela que Minato sufre de pánico al amarillo que Marius Odegard define como un problema psicológico que provoca que, de forma aparentemente inexplicable, los arqueros pierdan control de su técnica y no puedan acertar al centro de la diana (las dianas del tiro con arco y flecha suelen tener el color amarillo en el centro, aunque eso no ocurre en el kyūdō). En el caso de Minato, su condición se manifiesta en que libera prematuramente la flecha, en consecuencia, no puede cumplir correctamente con la acción de apuntar (kai) y eso le costó la final del campeonato de secundaria a él y a su equipo. Tiempo antes su madre había fallecido, así que había perdido interés en sus sueños con respecto al kyūdō y si bien lo practicó un tiempo después, no tuvo la misma sensación al hacerlo, entonces, en el campeonato, apareció el pánico al amarillo que le hizo fallar y retirarse como arquero por el tormento que ello le causó. El maestro de Minato, Takigawa Masaki “Masa-san”, sufre de lo mismo y señala que en medio de la pérdida de confianza uno deja de reconocerse a sí mismo. En resumen, Minato debe lidiar con su propia mente que sabotea a su cuerpo, lo que implica una suerte de desafío no contra otro arquero o club, sino contra él mismo y eso también se vincula al kyūdō.
Fuente: Kyoto Animation
Según Diana Soeiro, el tiro con arco nipón promueve en su práctica una armonía entre la mente, cuerpo y el cosmos y para conseguir ello es necesario conocerse a uno mismo, lo que se consigue por el proceso de aprendizaje que significa el camino del arco. La autora revisa la etimología de la palabra kyūdō y destaca que el sufijo –do es empleado para la denominación de las distintas artes del budismo zen, una doctrina espiritual y filosófica que, en este caso, se evidencia a partir de la abstracción de la racionalidad y la exploración del propio carácter para alcanzar la iluminación (satori). En un sentido más concreto, el arquero persiste en la práctica, enfrenta la frustración, vacía la mente y nota en cada disparo sus motivaciones para liberar la flecha conociéndose a sí mismo. Esa es una pregunta constante en la serie, ¿por qué practicas el kyūdō? ¿por la belleza, por la competencia o siquiera te gusta? De este modo, el camino del arco es uno de crecimiento a partir del autoconocimiento y autorreflexión en el que, como sugiere el mismo Masa-san, el acertar no debe ser un objetivo del ego, sino un resultado del esfuerzo. Siguiendo esta idea, la batalla final de este anime shōnen es Minato vs. Minato, pero ¿realmente es así?
¿El kyūdō es una disciplina individual o de equipo?
El rival y amigo de Minato, Fujiwara Shuu, le menciona una vez que el kyūdō es algo que haces solo y no algo que haces por otros. Si extrapolamos esa idea, Shuu postula que el camino del arco en el que uno busca conocerse, alcanzar la verdad de uno mismo (shin) se emprende y se transita en solitario, lo que tiene sentido si se considera el nivel de meditación e introspección que compone este arte marcial como filosofía y la voluntad necesaria que se requiere para enfrentar todo ello. Incluso, cuando realicé la investigación para escribir este artículo, no había casi ninguna mención a los equipos de kyūdō, sino que siempre se centraban en describirlo desde la experiencia individual. Cuando se referían al colectivo era para mencionar cómo debe haber una armonía en el conjunto cuando se realizan las posiciones y posturas de los arqueros en un evento de competencia individual o que, debido al perfeccionamiento del carácter que promueve el tiro con arco japonés, se promueve la armonía entendida como paz social. No obstante, me llamó la atención la cita a una acción tan pequeña y cotidiana como el apoyo que necesita un kyūdōjin de otro para poder tensar la cuerda de su arco por el tamaño del mismo. La serie sigue esta línea.
Fuente: Kyoto Animation
En el opening, se pueden apreciar cinco esferas de colores distintos que flotan, se admiran los casilleros con los guantes (yugake) que usan los arqueros, se muestran a cada uno de los cinco miembros del equipo de kyūdō de Kazemai disparando, luego en la serie, se muestran los cinco arcos o los cinco estuches de flechas diferenciados por el color. En resumen, hay una constante referencia no sólo a Minato, sino a todos los miembros de su club, los cuales tienen cada uno una personalidad distinta como lo refleja la diferenciación por colores de cada uno y a ellos debe sumarse Masa-san cuya presencia es determinante para el equipo y, sobre todo, para el protagonista que, en gran parte, regresa al tiro con arco motivado por él. Manuel Hernández-Pérez señala que el anime shōnen se caracteriza por basarse en una red de relaciones interpersonales entre personajes, lo que permite el desarrollo de múltiples líneas narrativas que sostienen la trama principal y que progresan con base en las motivaciones, deseos u objetivos de estos sujetos ficcionales. Si bien en el caso de Tsurune la línea base y de mayor desarrollo la tiene Minato, seguidos por Takehaya Seiya, su amigo más cercano y Masa-san, cada uno de ellos representa un elemento clave para el soporte de la historia central, la evolución del personaje principal y, por consecuencia, para su camino del arco.
Las razones que tiene cada uno para practicar kyūdō es lo que determina su papel dentro del equipo y dentro del sendero de Minato en su regreso a su antiguo nivel como arquero. Al inicio de la serie, antes que unidad, el grupo se siente dividido, y se destaca, sobre todo, en el conflicto del protagonista con Onogi Kaito, uno de sus compañeros. Para Kaito, este arte marcial es una filosofía de vida, por lo tanto se lo toma con tal seriedad que cuando ve las dudas iniciales de Minato a causa de su pánico al amarillo, lo confronta y le dice que no piensa reconocerlo, lo cual funciona como un disparador para que, como dice el mismo personaje principal, esté dispuesto a renunciar a su orgullo (como se enfatiza en el camino del arco) para demostrarle lo importante que es el kyūdō para él. De este modo, Minato llega todos los días antes al dojo para limpiar el lugar, practica con dedicación y se muestra dispuesto a ayudar a sus compañeros, lo que hace que Kaito lo acepte, sobre todo cuando ayuda a Kisaragi Nanao, primo de Kaito y miembro también del equipo de arquería de Kazemai.
Fuente Kyoto Animation
En el caso de Nanao, sabe que el tiro con arco es algo muy importante para Kaito, pero conoce de su temperamento, su primo suele ser malinterpretado a pesar de ser una buena persona, así que Nanao acepta que si bien disfruta del deporte pues le gusta lucirse, no se lo toma tan en serio y tiene un talento básico que asegura que no le permitirá llegar muy lejos, pero sigue ahí para hacer que Kaito baje la guardia y se integre con las personas. A través de estas interacciones, Minato no sólo valora más a sus compañeros, sino que empieza a pensar en cuál es su propia motivación para ser kyūdōjin. Otro miembro del equipo, Yamanouchi Ryouhei, amigo de la infancia de Minato quedó admirado cuando lo vio practicar kyūdō por lo genial que se veía, así que decidió tomar clases y luego también unirse al club escolar, por eso es uno de los primeros en motivar a su amigo a volver. No obstante, cuando sabe de la muerte de la madre del protagonista y de su padecimiento del pánico al amarillo, se da cuenta de que a quien veía como un héroe en realidad es un ser humano, así que trata de buscar información de su condición y de mediar en los conflictos con Kaito para apoyarlo.
Fuente: Kyoto Animation
Estos esfuerzos hacen que el personaje principal se sienta cada vez más parte del grupo y también trate de retribuir ese apoyo, pero el mayor autoconocimiento lo obtiene a partir de su vinculación con Masa-san y Seiya. En el caso del primero, el maestro del equipo de arco y flecha de Kazemai pensaba retirarse del kyūdō, pero al ver la decisión de Minato de regresar, cambia de parecer. Cuando era joven, su abuelo era su mentor, siempre era duro con él, especialmente, cuando se manifestó su pánico al amarillo. Su abuelo decía que era una señal de debilidad y de falta de esfuerzo cuestionando así las razones de su alumno para practicar arquería cuando, en realidad, este luchaba contra su autodesprecio por no poder cumplir las expectativas de su maestro por más que se esforzase. Por eso, Masa-san desea enseñar a sus alumnos considerando sus sentimientos, esperando que los compartan y acepten sus falencias, en consecuencia, Minato se abre con él y sus amigos a la vez que acepta su condición enfocándose en su mejoría sin autocastigarse.
Fuente Kyoto Animation
De esta forma, el equipo se une y durante los preliminares al campeonato interescolar el lazo se estrecha aún más cuando tienen que enfrentarse a otras escuelas. No obstante, Seiya empieza a cuestionar su motivación para emprender el camino del arco y para mantenerse en él luego de que Shuu le dijese que lo hace sólo para seguir a Minato y le hace pensar en la culpa que siente por la muerte de la madre de su amigo. Es en ese momento, cuando el protagonista trata de traer de regreso a su amigo al club se acerca–aún sin percatarse–a un punto importante de su propio proceso de autoconocimiento. Después del fallecimiento de la madre del protagonista, fue Seiya quien lo trajo de regreso diciéndole que practicara kyūdō con él, así que Minato le dice lo mismo. Frederik L. Schodt señala que la Weekly Shōnen Jump basa sus historias en tres elementos centrales: el esfuerzo, la amistad y el triunfo. En ese sentido, Tsurune plantea que el kyūdō no sólo es una experiencia que se vive cuando se está sólo frente a la diana, sino en todos los entrenamientos, en las ceremonias y los encuentros fuera del dojo que son circunstancias de aprendizaje también. Se trata de los vínculos de amistad que unen al equipo, un concepto que, en ese sentido, se afirma también como parte del camino del arco, pero, ¿cómo se integra ello en la filosofía del kyūdō?
Fuente: Kyoto Animation
Las cinco flechas
Como muchos otros anime shōnen, la serie cierra con la final del torneo entre Kazemai y Kirisaki, la escuela de Shuu, que es vencida gracias a Minato, quien como el ochi del equipo es el último en disparar. El héroe ha conseguido el triunfo por medio del esfuerzo, pero en el caso de Tsurune no es tan simple. En primer lugar, porque el protagonista no vence el principal obstáculo que se plantea al inicio: no se cura del pánico al amarillo, es decir, ¿en realidad no triunfa? Como lo señala Diana Soreiro, el kyūdō se trata de conocerse a uno mismo y en ello yace el verdadero triunfo de Minato. Todo el tiempo que estuvo alejado del arco no mejoró y cuando lo volvió a practicar seguía fallando, es recién cuando se vincula con sus compañeros y confía en ellos que es capaz de–a pesar de la ansiedad, el miedo y la presión–persistir, disparar y acertar. En otras palabras, su verdad o shin en este momento es que no puede enfrentar su problema solo y eso no es planteado como malo ni una señal de que sea débil o le falte esforzarse más.
Fuente: Kyoto Animation
Al inicio de la serie, el profesor Tommy, que dirige el club escolar de arquería decide que Minato sea el ochi y en la final del torneo, el protagonista entiende que el motivo es que esté al final de la fila en la que se colocan los arqueros para disparar y puede ver al resto de sus compañeros. De esa manera, puede sentir que si falla, el resto de su grupo enfrenta el reto junto a él y ellos podrán sumar los puntos que él pueda perder. De este modo, puede ver lo que los espectadores han visto durante toda la serie, que forma parte de un equipo en el que sabe que puede confiar. En ese sentido, puede dejar ir a la razón, armonizar su mente con su cuerpo y con el cosmos, concentrarse en calma y recordar el motivo por el que libera la flecha: para escuchar el tsurune junto a sus compañeros, sus amigos. Es correcto decir que el kyūdō plantea una introspección individual para llegar a esta conclusión como también es cierto que quizás sin Seiya, Kaito, Ryouhei, Nanao, incluso sin específicamente conocer a Masa-san, Minato hubiera podido decidir volver como arquero, pero no hubiera podido persistir y madurar para enfrentar mejor su pánico al amarillo sin darse cuenta de que necesitaba de otras personas y sin que estuviera dispuesto a confiar en ellas, esa es su victoria y un paso importante en su camino del arco.
La serie no plantea si en algún momento Minato decidirá participar en una competencia individual enfrentándose sólo al pánico al amarillo o sea ir a la guerra con una sola flecha, pero hasta que lo consiga, puede recurrir, como lo harán los hijos del daimyō Mōri del cuento de Las tres flechas, a las otras cuatro flechas que lo acompañan y que le darán la fuerza que necesita.
Si te interesa saber más sobre el kyūdō y el anime shōnen u otros temas que se tratan en este artículo, puedes revisar las siguientes fuentes:
El Toy Fair 2020 ha terminado y nos trajo muchas novedades para alegría de los coleccionistas y el terror de sus billeteras. Pero sin duda, una de las mayores sorpresas que tuvimos fue el esperado trailer de la nueva serie War For Cybertron: Siege que será exclusiva de Netflix. Hoy veremos que podemos esperar de este proyecto que ya captó la atención de muchos fans.
Bueno, bueno, antes de empezar si no has visto el trailer… ¡HAZLO AHORA!
NETFLIX WAR FOR CYBERTRON: SIEGE TRAILER OFICIAL
¿Qué es esto que estoy viendo? ¿Película, juego, serie? No jueguen con mis sentimientos.
A ver, a ver. Esta fue sin duda una de las mayores sorpresas de la reciente New York Toy Fair 2020 en lo que se refiere a Transformers opacando incluso a todas las nuevas revelaciones de Earthrise o Studio Series.
Este es el primer trailer de una nueva serie animada de Transformers exclusiva para Netflix. El proyecto había sido anunciado desde febrero del 2019 en un evento para inversionistas de Hasbro y desde esa fecha no sabíamos nada de nada, no teníamos imágenes, ni avances, nada de nada. A pocas horas del evento solo se supo que lo habían mostrado en el evento previo de Toy Fair para los inversionistas la noche anterior. No había seguridad de que lo verìamos en el evento, pero durante la presentación de Hasbro en Toy Fair finalmente nos soltaron la bomba, y a las pocas horas salía en rimbombante HD desde el canal de YouTube oficial de Netflix.
Los Seekers Tetrajets inspirados en los que vimos en los primeros episodios de G1Ultra Magnus en su mejor papel como… Ultra Magnus.Optimus Prime y Ultra Magnus decidienco el futuro que no pinta nada bien.
Y vaya que la espera de tantos meses ha valido la pena. Esta serie se llama Transformers War For Cybertron: Siege, tal como una de las más recientes colecciones a la venta actualmente. La animación, los detales, los diseños, dejaron con la boca abierta a muchos fans.
No podía faltar el buen Bumblebee.Optimus Prime y una renovada Elita-1, muy lejos de su papel original en G1
Pero, pero, pero… ¿Esto tiene algo que ver con el juego War For Cybertron? ¿O con esas series de Machinima que daban en YouTube?
Nada, absolutamente nada. Seguramente muchos conocen o han jugado el excelente video Juego War For Cybertron (o su secuela Fall Of Cybertron), pero esta serie no tiene nada que ver con la historia de estos juegos. Dicho sea de paso, ya no hay planes de hacer nada más con la historia de estos video juegos. War For Cybertron: Siege Es un proyecto nuevo y diferente que solo comparte el nombre de este juego.
Por otro lado, tampoco tiene que ver con ninguna de las tres series web (Combiner Wars, Titans Return o Power Of The Primes) que sacó la ya desaparecida Machinima.
Empezamos con una historia fresca desde cero, pero que seguramente tendrá algunos elementos clásicos que todo fan podrá reconocer.
Dato extra gratis:
Si no has visto las series web de Machinima, te recordamos que las tenemos para ver online con subtítulos. Los videos están en los posts que les compartimos aquí. Lean bien pues los videos tienen una contraseña que deben poner y está indicada en cada post.
¿Y quién hace esta serie? ¿De qué trata? ¿Es un nuevo G1?
Esta serie es colaboración directa de Netflix con Hasbro, de la mano de la empresa Rooster Teeth en la producción y animada por Polygon Pictures (recordados por su gran trabajo en la serie Transformers Prime) y escrito por un equipo encabezado Frank DeSanto guionista de cómics en DC.
Aún no sabemos mucho sobre la historia en toda su extensión pero les compartimos la traducción de la sinopsis oficial de Netflix:
“La trilogía de War for Cybertron: Siege empieza en las horas final de la devastadora guerra civil entre los Autobots y Decepticons. La guerra ha destruido su planeta natal: Cybertron y están al borde del colapso. Dos líderes, Optimus Prime y Megatron, ambos quieren salvar su mundo y unir a su gente, pero solo bajo sus propios términos.
En un intento de acabar con el conflicto, Megatron se ve forzado a considerar usar al AllSpark, la fuente de toda vida y poder en Cybertron para reformatear a los Autobots (en Decepticons), y así unificar Cybertron. Superados en número, armamento y bajo acecho, los agotados Autobots planean una serie de contraataques desesperados en una misión que, si sale bien de alguna manera, acabará con una elección inimaginable: matar al planeta para poder salvarlo”.
One shall stand…One shall fall…
Una cosa importante es que la historia parece estar someramente basada en los nuevos cómics de Transformers de IDW, que nos cuentas precisamente como era Cybertron ANTES de la guerra, y que justamente ya llegan al punto en que esta inicia. La serie parece que nos lleva a los hechos anteriores a la partida de los Autobots de Cybertron en rumbo a la Tierra.
Todos los diseños que han visto están basados en los NUEVOS juguetes de Transformers: Siege que nos traen una genial mezcla de “sabor G1” con modos alternos Cybertronianos que ha sido la delicia de los coleccionistas.
Como ya dijimos poco se sabe sobre los detalles exactos de esta serie. Sabemos que están trabajando muy de la mano con Hasbro. Pero lo confirmado es lo siguiente:
Esta serie será en realidad una trilogía. Siege es la primera parte o temporada
La siguiente temporada sería Earthrise, que es la colección actual de juguetes y la tercera estaría aún por revelar su nombre.
Siege será de 6 episodios de 20 minutos aproximadamente, y lo mismo para las otras dos partes o temporadas.
Esto no dejaría con 18 episodios en total para la trilogía.
El título de la serie no es casualidad pues coincide con la nueva colección de juguetes Siege y actualmente ya empezaron a vender los juguetes de Earthrise. Estas colecciones nos dan pistas de lo que podríamos ver. Siege están ambientada en Cybertron, mientras que Earthrise está ambientada en la Tierra.
Al ser una serie de Netflix, lo más probable es que esté “con todas las cremas”, disponible en varios idiomas y sub-títulos al escoger. El cast de voces no trae a Peter Cullen ni Frank Welker como las voces de Optimus Prime y Megatron, pero trae un cast fresco y variado con algunos actores que han trabajado en las series Cyberverse, Rescue Bots o las series de Machinima, mientras que el resto ha trabajado en series animadas o video juegos actuales.
Jake Foushee como Optimus Prime (y hizo su voz en Rescue bots y Cyberverse)
Jason Marnocha como Megatron
Linsay Rousseau com Elita-1
Joe Zieja como Bumblebee
Frank Todaro como Starscream (ya hizo la voz del personaje en e Combiner Wars de Machinima)
Rafael Goldstein como Ratchet
Keith Silverstein como Jetfire
Todd Haberkorn como Shockwave, Red Alert
Edward Bosco como Ultra Magnus, Soundwave
Bill Rogers como Wheeljack
Sophia Isabella como Arcee
Brook Chalmers como Impactor
Shawn Hawkins como Mirage
Kaiser Johnson como Ironhide
Miles Luna como Teletraan I, Cliffjumper
Mark Whitten como Sideswipe, Skywarp
La animación es una tremenda mejora comparada con la serie web de Machinima, la cual tuvo críticas por su narrativa (que solo mejoraron en la tercera parte), pero ya este trailer nos muestra una historia que parece ser más oscura y con un verdadero ambiente de guerra civil, con los Autobots contra la pared y con todo en contra. Pinta muy, pero muy bien, y esperemos que sea el retorno glorioso de una serie de Transformers con ese verdadero “sabor G1” a las pantallas.
¡MIREN! Jetfire es parte de los Decepticons.
¿Dónde me compro los muñequitos? ¿Son iguales a los G1?
Todos los personajes del trailer han llegado a las tiendas desde el año pasado. Son tal cual lo que han visto en el trailer pues los animadores han trabajado con los archivos de diseño de cada juguete para llevarlos a la pantalla. Incluso vemos ahí a Sideswipe usando unos cañones que son una de las figuras Weaponizer que sirven como armas extra para los robots principales.
La estética de esta primera colección es un combo muy atractivo: Modo robot inspirado en G1 clásico, con un modo alterno Cybertroniano con “sazón G1”. Lo pueden ver claramente en Optimus Prime que es un camión futurista pero su modo robot es más parecido a su diseño del viejo cartoon G1.
Lo mismo va para los Seekers como Starscream, Skywarp y Thundercracker que tienen forma de Jet pirámide, pero sus modos robot son como los que recuerdas de la serie antigua de la tarea y el café con leche.
Además, se ha anunciado una sub-línea de figuras “Netflix War For Cybertron” que no trae repintados de varias figuras Siege en decorados inspirados en los colores del trailer, además de soltarnos una sorpresa con el “Decepticon Mirage” ¿Lo veremos en la serie?
Si nunca has coleccionado figuras de Transformers (o de niño nunca te pudieron comprar una), esta es una excelente oportunidad para empezar. Hace muchos años que no teníamos una colección inspirada en G1 y con tan buenos detalles e ingeniería y que sea de venta masiva.
¿Entonces la puedo ver sin tener que ver o leer nada antes?
Así es amiguito. La serie es una historia nueva, no necesitas…
… leer ningún cómic pasado o actual….
…ni tampoco alguna serie animada o película.
Si bien la historia es nueva y arranca de cero, ten por seguro que habrán elementos y homenajes a la serie original que serán la delicia de los fans más veteranos.
Díganme que no sintieron algo cuando escucharon transformarse a Optimus con un “chichuchuchek” (o como lo pronunciaras ese sonido en el colegio) en su escena del trailer.
Admítanlo… HICIERON EL SONIDO DE TRANSFORMACIÓN
¿Es esto realidad? ¿Transformers regresa con todo?
Transformers siempre ha estado presente con Hasbro en diferentes formas y colecciones, pero esta es la primera vez en muchos años en que tenemos una colección y una serie que son un “G1 actualizado” y de venta y promoción masiva. Esta colección nos ha traído a una enorme y genial figura de Omega Supreme, que asumimos debería aparecer en la serie o alguna de las temporadas futuras.
y por supuesto…. Ya algunos deben esperar una batalla contra su némesis: Devastator.
Este es un momento ideal para zambullirse con todo en Transformers sin tener que buscar figuras de hace años, leer cómics agotados, o alguna serie que ya no esté disponible en ningún lado.
Los Transformers volverán después de estos mensajes.
War For Cybertron: Siege se estrena EN JUNIO DE ESTE AÑO en Netflix Aunque tomemos esto con cautela pues luego Hasbro solicitó a los sites de Transformers que retiraran ese dato de sus noticias, así que podría haber cambios. Lo que sí es definitivo es que será este 2020.
En cualquier caso te recomendamos no perdértela por nada del mundo. Hora de sentarse de nuevo frente al televisor, puede que sin la tarea del colegio, ni el café con leche, pero con esa misma alma de niño que espera escuchar “¡Autobots, transfórmense y avancen!” para ser feliz.
Esperamos les haya gustado el de hoy, pero antes de irnos…
Su atención por favor…
Les compartimos la acostumbrada actualización de nuestro auspiciador Reprolabels Toyhax para este mes de Febrero. Este año todos los productos nuevos están con descuento y acumulas puntos para descuentos en todos los productos en tu siguiente compra. Además, también se estrena la “Armería de Toyhax” con armas para tus figuras.
Siege Astrotrain – Todo el detalle que buscabas y mucho más en este completo set de mejoras para este genial molde.
Siege Crosshairs – Dale vida, colores extra, detalles interiores como un terminal de armas y muchos detalles G1.
Siege Ratbat & Rumble – Eject! Operación mejoras!
Siege Powerdasher Cromar – Mejora esta figura exclusiva de Generations Selects.
Masterpiece Hound – Este genial set de stickers tiene de todo. Ventanas cell-shaded, cubiertas para lo pines y… PUPILAS para Spike.
Cyberverse Gnaw – La figura idea para armar tropas. Esta es una de nuestras opciones de color.
Cyberverse Sharkticon – Segunda opción de color para este molde.
Rifle para Cyberverse Gnaw – ¿Algo más para tus Gnaw? Ahora puedes darles sus propios rifles.
Rifle para POTP Wreck-Gar – Un arma más para este Junkion.
Rifle para POTP Inferno – Tamibièn funciona para Grapple o cuaquier figura con post de 5 mm.
Unique Toys Kalecgos – Y terminamos de mejorar a todos los Combaticons de Unique toys. Este set está inspirado en el Onslaught G1.
Unique Toys Archimonde – Otro personaje que tendrá todo el detalle G1.
Pueden encontrar las imágenes de todos estos nuevos stickers en el siguiente álbum, o también directamente en Toyhax.com
Y nos damos un cambio radical en nuestras acostumbradas foto reseñas para dar una mirada a un producto que realmente nos ha dejado impresionados. Gracias a las marca Yolopark, Dimension Studio e Eastern Model que nos enviaron este model kit para armar y mostrarlo a nuestros lectores ¿De qué se trata? Vamos a conocerlo.
Muchas gracias a las empresas que confiaron en nuestro blog para promocionar su producto, pues fuimos elegidos en base al historial y alcance de nuestras redes junto a otros 99 afortunados a los que nos fue enviado este genial model kit completamente gratis. Gracias mil a:
Debemos ser su primera reseña en castellano y para esta zona, y le da una oportunidad al blog de expandernos a otros temas que no son Transformers, y con la suerte de que su humilde redactor es un gran fan de los Ultras tanto como de Transformers. Sin más… ¡Empecemos!
¿DE DONDE SALE ESE ULTRAMAN? ASÍ NO ERA… ¿O SÍ?
Bueno, mucho seguramente recordarán al gran Ulltra Siete, o mejor dicho Ultra Seven. Un ícono de nuestra infancia (o juventud).
Ahora, este model kit nos trae un ligero cambio en el nombre siendo “Ultraman Suit Ver 7.3”. Esta es una radical actualización e historia de los Ultraman en general que vino a hacerse más conocida por la nueva serie animada de CGI de Netflix titulada simplemente “Ultraman”.
¿Nani?
Y bueno, los que sean fans de Ultraman podrán reconocer rápidamente a Ultraman (centro) Ultraman Ace (derecha) y a Ultraseven (izquierda con la espada), a pesar del radical cambio de diseños.
Esta historia es un reboot total de la historia de Ultraman, y empieza años despuès del final de la primera serie antigua de Ultraman para luego tomar su propio rumbo. Básicamente, luego de la partida del Ultraman original, se ha logrado crear armaduras que usar el poder de los Ultras o SPECIUM para poder ser usadas para combatir a los enemigos.
En la historia aparece por supuesto Dan Moroboshi, pero adaptado a esta historia. Se nos presenta más joven y como un rudo y curtido combatiente. El lado opuesto al idealista y noble Shinjiro (hijo de Hayata, el humano que se unió al primer Ultraman).
Y antes de que vengan los gritos de “Arruinaron mi infancia”, les recordamos que esta serie es pensada precisamente NO EN LOS FANS RETRO sino en los jóvenes de hoy para que se enganchen en una nueva franquicia.
Ultraman 7 es definitivamente el Wolverine de esta serie, pues es relamente duro y oscuro, y mata sin menor duda cuando sea necesario. Dan es muy duro a veces con Shinjiro, pues sabe que esto es una guerra y no hay tiempo para sentimentalismos o dudas en combate.
A pesar de todo hay muchos homenajes a las series originales como los lentes de Dan que son una referencia al clásico “Ultraojo” que usaba Ultraseven en su serie, y de paso su armadura está completamente basada en el diseño original. Por otro lado, muchos recordarán que Ultraseven era algo diferente en poderes y ambiente comparado con otros Ultras, y Dan no es le excepción aquí. En la historia las armaduras están pensadas para ser usadas por personas con el “Factor Ultraman”, pero Dan no lo posee, así que hace uso de habilidades únicas siendo un humano común básicamente.
El punto fuerte de esta serie son sus escenas de acción. Si bien empieza un poco lento para presentar la premisa nueva, luego pisa el acelerador con todo y es precisamente Ultraman 7 el que nos da grandes batallas, siendo el más experimentado en combate.
Bueno, para los curiosos la primera temporada está disponible en Netflix en todos los idiomas, sabores, colores y con todas las cremas. Son solo 12 episodios y pueden darle una oportunidad.
Ahora ya presentado el personaje, pasemos a ver este model kit, que encima nos trae algo de spoilers pues está basado en el primer “power up” que tiene la armadura y que de momento solo ha aparecido en el manga, y esperemos verlo en la segunda temporada.
A VER, A VER
EMPAQUE
Empecemos por la cajita… de 45 cm de alto. Para los amigos que no arman modelos a escala, no es raro que los model kits vengan en cajas muy grandes, pero hasta nosotros nos sorprendimos de ver esto que poco más y era un microondas. Este modelo es escala 1/6 lo que significa que su tamaño es un sexto de lo que sería en la vida real.
Ahí les dejamos al popular Siege Soundwave para que tengan una idea del tamaño
Grandecito, como nos gusta.
La caja trae los logos de Dimension Studio e Eastern Model que trbajaron juntos este kit. Los lados tienen una genial foto con medio rostro de Ultraman Ver. 7 o mejor dicho, Ultra Siete.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOOOH
Seven, Seven….
La parte posterior tiene fotos del modelo terminado en todos sus modos y accesorios y además pintado con acabados metálicos. El model kit viene en plástico moldeado en colores mate realmente pero es una muestra de como lo puedes dejar.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOH x2
La cajita de fósforos esta trae una genial solapa externa. Se retira y liberamos la caja que trae una cubierta en rojo para una elegante caja negra. La solapa está troquelada en varios puntos y por si no lo notaron, se asemeja al pecho del personaje.
OOOOOOOOOOOOOOOOOOOH x3
Y aquí abrimos el tesoro. Como ya lo dijimos este es un model kit, que trae pnacjas de piezas para armar, y que debemos cortar y unir. Afortunadamente, este es de tipo que no requiere pegamento para armarlo.
Piecitas, piezotas, un montón de partes. Mucho trabajo por delante.
INSTRUCCIONES
Uno de los detalles que nos sorprendió gratamente fue el hecho de que las instrucciones vinieran en fino papel coché y con tapas de papel grueso con muchas ilustraciones a color. Un detalle que se aprecia mucho, pues la calidad está muy por encima de la de otros manuales en otras marcas.
Si bien las instrucciones están en chino, no hay problema alguno pues todo es muy visual y las numeración y nombres de las placas de piezas si están en nuestro idioma.
Exif_JPEG_420
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ARMANDO, ANDO – CÓMO ARMAR UN MODEL KIT
Bueno, los model kit requieren armado, mucha paciencia y gusto por el detalle. Mucho podrán decir que es aburrido tener que armarlos, pero es precisamente ahí donde está la gracia. Estos kits son como construir algo desde cero realmente involucrándote más con el proceso de creación. Ya no es solo una figura, es una figura que armaste TÚ MISMO.
Le damos algunos consejos muy básicos, sin meternos aún en el tema de materiales o herramientas profesionales. Ten a la mano:
Una pinza o alicate de corte (punta fina mejor).
Una cuchilla o cutter (si puedes tener dos, uno grueso y otro delgado es mejor).
Lija de agua.
Si bien existen herramientas de modelismo más adecuadas, con esto pueden empezar. Eso sí, usen herramientas de calidad y no cuchillas escolares.
El armado es sencillo pero hay que ser muy ordenado.
Encuentra en el manual el número de plancha de piezas. Suele ser una letra con un número.
En el manual, al costado del nombre de la plancha verás un número. Busca la pieza con ese número en tu plancha. Usando tu pinza corta las uniones. NO LO HAGAS AL BORDE, tampoco trates de doblar para arrancar la piezas. Deja siempre un sobrante.
Usa tu cuchilla y cuidadosamente ve cortando el excelente. vas rebajando poco a poco. Así evitamos que queden marcas.
Como toque final, usa tu lija de agua para rebajar los detalles del corte y que casi no se note ni deje marcas blancas.
Repetir el proceso ad infinitum.
Antes de empezar es bueno tener a la mano las planchas que vamos a usar para cada paso. El manual es completamente paso a paso y bien marcado.
Armar un model kit es un gran pasatiempo. No te pongas como meta acabarlo en una tarde. Toma tu tiempo y disfruta cada avance. Siempre deja todo ordenado para seguir de nuevo y ten cuidado con las piezas pequeñas.
WE BUILD THIS CITY – LA CABEZA
Detallaremos como nos fue con cada parte. Empezaremos con la cabeza. Como ya dijimos es sencillo si siguen todos los pasos del manual.
Ordenaditos.
La cabeza es muy detallada y contiene partes internas que no veremos después, solo si lo armas tú mismo. Incluso debemos instalar el visor de Ultraman con mucho cuidado. El ensamble es exacto y perfecto. No requieres pegamento.
Para nuestra sorpresa, aquí ya debemos instalar el primer sistema de luces. No se preocupen que viene ya armado y con sus conectores e interruptores. Solo hay que acomodarlo dentro de la cabeza. Requiere 2 pilas pequeñas de reloj.
La tapa del casco es removible para poder acceder al interruptor. Empezamos bien.
Empecemos con las comparativas de escala. Este modelo en 1/6 así que significa que es una sexta parte de la altura real del personaje. Siege Soundwave no ayudará a ver el tamaño.
WE BUILD THIS CITY – EL TORSO
El torso incluye varias partes que se arman por separado y se unen junto a la cabeza. Cada parte se une por conectores internos de bolita.
Aquí hago notar que la unión del pecho con el abdomen fue muy dura de conectar. El conector no es de plástico suave como en el cuello, sino de plástico duro. Usamos bastante fuerza pero curiosamente una vez unido, se mueve sin problemas.
En este punto, debo hacer notar todo el mecanismo interno de movimiento para los hombros. Es notable el trabajo de ingeniería.
Hablando del pecho, este es removible y también posee su sistema de iluminación. Solo basta conectarlo a unas pestañitas.
Además, la espalda posee paneles que revelan partes internas y un parte de la espalada se mueve para permitir que el cuello y cabeza se puedan posar más cómodamente.
Una vez conectadas todas las partes, ya podemos ver como crece nuestro muchacho. Soundwave aún lo ve como su hermano menor.
WE BUILD THIS CITY – LOS BRAZOS
Otro punto interesante, pues los brazos prácticamente recrean los músculos de un brazo real en cantidad de piezas. Poseen articulación doble en el codo, giro interno y placas de hombros con doble eje. Los puntos de articulación también son bastante duros de conectar y algo duros para mover, pero esto tiene su explicación más adelante.
Échame una mano varón.
Soundwave ya puede jugar con su amigo, aunque el piedra, papel y tijeras está difícil aún.
WE BUILD THIS CITY – LA CADERA
Todo un reto de partes y sobre todo la articulación interna de las piernas pues permite abrirlas hacia los lados ampliamente. El cinturón es articulado y no está fijo a la cintura para dar más libertad de movimiento a las piernas.
Conectarlo al torso fue otro parto para lograr que se una la bolita con el conector, pero luego no hay problemas para poder moverlo.
¿Recuerdan que les dijimos que el torso era bien articulado? No estábamos bromeando.
Aquí de paso vemos la gran libertad de movimiento de los hombros, gracias a todo su sistema interno que mostramos antes.
Soundwave ya tiene un amiguito de su talla… pero mirándolo bien… es incluso ya más alto.
WE BUILD THIS CITY – LAS PIERNAS
Es en te punto que te das cuenta lo que significa armar un modelo desde dentro hacia afuera. Las piernas se arman en base a un esqueleto interno y cuentan con doble rodilla, tobillos, punta del pie, y varias partes móviles de la armadura para poder posarlo como debe ser.
La parte posterior de las piernas poseen ventanas para revelar partes internas. Un detalle que nos gusta mucho y que hace que el modelo sea muy dinámico.
Solo la pierna ya es mas alta que el buen Soundwave.
Las piernas se conectan fácilmente a diferencias de otras articulaciones. La cosa no pinta muy bien para nuestro querido Decepticon.
WE BUILD THIS CITY – LAS MANOS
Esta parte si puso a prueba la paciencia y el detallismo de su humilde redactor. Me tomó prácticamente dos días el poder armar los 8 pares de manos.
El hecho es que por cada mano hay que armar la armadura de los dedos uno por uno, así como la parte externa y los pulgares aparte. Cada manito tiene entre 13 a 15 piezas que hay que cortar y lijar con mucho cuidado pues son chicas.
Si bien no son manos articuladas, hay varias opciones y diseños (algunos específicos para ciertas armas, pero lo veremos más adelante) y se pueden combinar para darle un dinamismo extra a los brazos y el cuerpo.
WE BUILD THIS CITY – ¡CUERPO COMPLETO!
Ya con las manos, finalmente podemos apreciar a nuestro buen muchacho terminado. Una pose estoica para empezar.
¿Y QUE TAMAÑO ES? Bueno, véanlo junto a nuestro buen Voyager Siege Soundwave que nos ha acompañado hasta aquí y su amiguito ya lo dejó bieeen abajo.
El viejo molde MP-10 también nos quedó corto.
Solo con el MP Star Saber ya está mas parejo, pero igual Ultraman le saca algo de ventaja.
Yo, broda!
POSABILIDAD
En este campo es donde la figura brilla. Puedes recrear cualquier pose heroica que se te ocurra sin problemas. Su torso puedes doblarlo como si fuera una persona real. Muy interesante la libertad de movimiento que tiene.
Hiiii Yaaaaaaaaaaaa!
Aquí esperando algo de la vida…
Noten la curva de la espalda.
Round one… FIGHT!
En estas fotos pueden ver lo que destacamos de las articulaciones del torso. La espalda y cuellos dejan ponerlo como una “S”, permitiendo que las poses sean naturales.
No podía faltar esta pose.
WE BUILD THIS CITY – ARMAMENTO
Una de las características de esta nueva representación de Ultraman es que tienen armamento de todo tipo, basado en la tecnología de uso del Specium. Como era de esperarse, este model kit nos trae varias armas que nos permiten más opciones de display. Como ya lo mencionamos, estas armas son la razón de que el traje sea la versión 7.3 pues es su primer power-up visto de momento solo en el manga. Tenemos tres componentes:
ESPADAS SPECIUM
Dos impresionantes katanas, cada una con su propia funda la cual viene con esponjas internas para que al espada entre y no se caiga. No apto para niños pues la punta es realmente aguda. Las fundas pueden ir colgando de dos soportes articulados de la cintura o con una pieza opcional de las piernas para ir colgando directamente en ellas.
Aquì también podemos ver alternativas de las manos para el display. Ya sea con espada envainada o libre.
Y no podía falta una foto en pose de corte. Sencillamente genial como puedes doblar el cuerpo.
Menos mal que no es mi espalda.
EX RIFLE
Dos rifles para el combate a larga distancia. Estos rifles no son solo para poner en las manos pues vienen con un soporte articulado para poder desplegarlos y posarlo como si los estuviera recibiendo.
Es curioso como instalar los soportes. Hay dos diminutas paneles en la espalda que debes mover a los lados para revelar los conectores.
Las duras articulaciones aseguran la estabilidad, a pesar del peso adicional. Aquì debemos usar un par de manos que son específicas para los rifles. En estas hay que sacar el dedo pulgar, encajar los dedos y recolocar el pulgar para que las sostenga.
SPECIUM CRUSHER
Creados para aprovechar el poder de combate de Ultraman 7 en cuerpo a cuerpo. Dos enormes unidades que funcionan como cañones de Specium, guantes de combate o garras para aplastar a sus enemidos. Estas dos piezas PESAN MUCHO, y ahora veo porque las articulaciones de todo el cuerpo son tan duras. Gracias a ello, puede sostener estas armas sin problemas. No le vence el peso en ninguna pose.
Aquí una foto para que se den una idea del tamaño de estas armas.
Recalco que ninguna pose requiere apoyo. Todas se logran fácilmente.
BIEN AHI
Ya con todo el armamento encima esta figura pesa realmente bastante, al punto que podrías pensar que tiene die-cast. El plástico es muy bueno y pesado, en particular con el que se arma el Specium Crusher.
El modelo es la versión PLAMO en plástico en color base que no se ve nada mal, pero también puedes ir mas allá y pintarle detalles o pintarlo por completo (o mandar que te hagan ese trabajo).
La figura incluye decals al agua para agregar logos, emblemas y muchos detalles extra, pero de momento queríamos mostrarles como es el modelo armado por completo. Actualizaremos con fotos extra más adelante.
Lastimosamente, debido a la cuarentena por la amenaza del Coronavirus no me ha sido posible comprar las pilas para demostrar las luces, pero lo actualizaremos ni bien sea posible.
COMENTARIOS FINALES
No negaré que he quedado mas que impresionado con este model kit. Su cantidad de piezas y trabajo de armado es simplemente genial y es un buen reto. Siendo sinceros, no lo recomiendo para quienes no hayan armado un modelo antes, o no tengan paciencia.
La figura en tema de posabilidad, diseño y detalle es top. Altamente recomendada así no sepas mucho del personaje y brillará en cualquier vitrina.
Su rango de precio va entre 60 a 80 dólares dependiendo el proveedor (sin envío) pero se ve reflejado el costo con el producto.
Si no tienes habilidades para el pintado, está a punto de salir la versión pre-pintada en acabado metalizado por alrededor de 80 dólares. Puedes verla desde la página de Yolopark (hagan click en la imagen y los redireccionará).
Esperamos les haya gustado la reseña y hayan podido al menos conocer algo más de Ultraman, el modelismo y que les haya despertado la curiosidad por estos temas.
Además estén atentos al Facebook deYolopark, pues ellos también ya tienen licencia de Transformers y están trabajando en una IMPRESIONANTE figura articulada no transformable del Optimus Prime de la película de Bumblebee, así como más personajes de esta película
Les dejamos el video promocional del Internal Interconnect Endoskeleton System Optimus Prime.
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli,la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
Meme sobre lolicon
¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita.El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field(Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
Todos los que estamos familiarizados con el anime y el manga hemos sido testigos de la popularidad que posee un tipo de personaje femenino que destaca por su pequeña estatura, infantil forma corpórea y tierno corazón. Sí, hablamos de la niña, púber o adolescente conocida como Loli,la cual atrae a un tipo de personaje masculino conocido como Lolicon o Loliconero. Quizá muchos fanáticos ya tendrán a su “niña favorita”; no obstante, quienes conocen poco o nada de la fantasía visual nipona, sin duda, se estarán preguntando cómo surgió este fanatismo Lolicon y cuál es su relevancia dentro de la cultura pop contemporánea del «país del sol naciente».
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¿Complejo de Loli = Lolicon?
Como sostiene Terasa Younker, investigadora de Harvard especializada en Estudios de género y Cultura popular en Japón, Lolicon vendría a ser la contracción de la frase ‘Lolita complex’ (complejo de Lolita), la cual hace referencia a la atracción erótica y/o sexual que siente un individuo por las niñas o jóvenes con características infantiles. Así también, este término se utiliza para aludir a un subgénero del anime y manga pornográfico que retrata la relación erótica o sexual entre un loliconero y una loli.
Loliconero y loli (Eromanga Sensei, anime, 2017)
Antecedentes
¿Cómo nace el Lolicon? Pues a partir de dos jóvenes personajes femeninos muy populares en la literatura universal que llegarán y conquistarán al Japón moderno y contemporáneo: Lolita y Alicia.
En el año 1955, el escritor ruso nacionalizado estadounidense Vladimir Nabokov publica Lolita, una novela cuya temática transgredió la moral de la época al hablar de una relación amorosa vivida entre un profesor de 50 años, conocido como Humbert, y una niña llamada Dolores, rebautizada sentimentalmente por el protagonista como Lolita.El éxito de esta novela fue tal que ha sido traducida a diversos idiomas.
En 1969, Russell Trainer publica Lolita Complex. Este libro fue considerado por los lectores de la época como una pieza sensacionalista y de falso estudio psicológico, cuyo objetivo era vender valiéndose del morbo y la parodia producidos a partir de la trama de la famosa novela de Nabokov.
Entre 1972 y 1973, la protagonista de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en todo un boom en Japón. Una año más tarde, este éxito aumenta cuando Alicia se convierte en objeto de parodia en un manga titulado Stumbling Upon A Cabbage Field(Tropezando con un campo de col), creado y publicado por Shinji Wada en 1974. Otro dato curioso es que en este manga aparece el término lolita complex. A partir de esta publicación, Alicia se convertirá en una gran y productiva fuente de inspiración para el anime y manga contemporáneo.
Parodia de Alicia en el manga Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
Cada nueva temporada y cada mes, se pueden ver nuevos anime y mangas con el formato narrativo slice of life, en donde no podemos evitar empatizar o vernos a nosotros mismos en el día a día de los personajes en la escuela, en la rutina del hogar, en la oficina de trabajo o en algún mundo fantástico donde a pesar de ello nos reconocemos en el particular ritmo del transcurso de la vida. Algo muy similar ocurre en el manga Asper Kanojo (2018) que es uno de esos felices encuentros casuales que he tenido en mi búsqueda de nuevo material para leer. Esta historieta japonesa está centrada en la convivencia diaria de Yokoi Taku con Saitou Megumi en su pequeño departamento de Tokio, pero la diferencia es que esta última tiene asperger, un desorden del desarrollo que, entre otras cosas, le dificulta precisamente empatizar con la gente. En ese sentido, Asper Kanojo no es un slice of life típico y ello precisamente le sirve al autor, Hagimoto Souhachi, para reflexionar sobre el papel de la empatía en la salud mental y emocional.
Fuente: Kodansha Comics
Asper Kanojo también llamado Asper Girl o Days with a girl es un manga seinen de los géneros drama y psicológico que tiene como punto de partida a Yokoi, un mangaka amateur que sobrevive repartiendo periódicos y dibujando dōujinshi erótico. Vive voluntariamente alejado de su familia en la capital japonesa y su dinero sólo le permite pagar un pequeño cuarto donde no tiene aire acondicionado, ni baño personal ni televisión. A pesar de ello, reserva tiempo para dibujar mangas con trama psicológica, donde sus protagonistas también tienen dificultades interactuando con otras personas debido a algún problema emocional y, aunque no se venden bien, encuentra placer creando estas historias y dibujándolas. Un día, toca a su puerta Saitou, quien ha decidido buscar al autor del cómic que ella siente que refleja muy bien el bullying escolar que ella sufrió cuando era niña por tener asperger. Por una serie de circunstancias, terminan viviendo juntos y a partir de esta premisa se desarrolla la narrativa del slice of life.
Fuente: Kodansha Comics
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Para ser más precisos, el slice of life o recuentos de la vida, es un relato que se centra en el rumbo cotidiano de la existencia de los personajes, los cuales, para Blautoothdmand tienen preminencia sobre la trama y presentan rasgos muy particulares y definidos, lo que le proporciona el encanto a seguir su día a día. En el caso de Asper Kanojo, nos encontramos con dos personajes principalmente. Por un lado, está Yokoi, un chico en sus veintes que a causa de su ansiedad social, ha decidido tener el mínimo contacto necesario con la gente, aunque cuenta con conocidos de su trabajo de repartidor, del edificio donde vive y suele responder o postear contenido en su blog y a los que leen sus trabajos. Por otro lado, está Saitou, una chica de dieciocho años que tiene asperger.
De acuerdo con la Sociedad Nacional Autista del Reino Unido, el asperger es un desorden del neurodesarrollo a causa del cual la persona puede encontrar al mundo abrumador y motivo de ansiedad, ya que tiene problemas interpretando a la gente, tanto su lenguaje verbal (todo lo entiende literal, es decir, no comprende las bromas o el sarcasmo) como el no verbal (no reconoce el significado detrás de los gestos o el cambio en el tono de voz). Como resultado, el individuo actúa sin predecir las reacciones del resto de las personas lo que puede tener como resultado conductas consideradas bizarras, inadecuadas, impulsivas o violentas, en resumen, le cuesta empatizar. Según Víctor Ruggieri,la empatía se define como un componente emocional que nos permite compartir sentimientos con otros, lo que deriva en comprenderlos y sentir un compromiso con prestar ayuda. Para Saitou, la ausencia o poca presencia de este componente deriva en que, por ejemplo, no note la expresión de nerviosismo de Yokoi cuando ella lo mira tan fijamente o la molestia que puede ocasionar a las personas cuando estas le invitan comida y ella dice sin miramientos que no come comida preparada por extraños.
Fuente: Kodansha Comics
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Debo aceptar que cuando leí el inicio de la historia, esperaba el momento en que esta flaqueara en justificar la razón por la que Yokoi acepta que Saitou se quede a vivir con él dado que inician siendo desconocidos, pero no fue así. Yokoi comparte con ella la sensación de autodesprecio y una soledad elegida a causa de su incapacidad de relacionarse con otras personas, pero esta situación se ve eclipsada por la sensación de alegría que le produce cada pequeña cosa que comparte por primera vez con Saitou. Cuando ella entra a su habitación, cuando le sonríe, cuando lo recibe al volver del trabajo. Esta empatía que Yokoi siente por su compañera se expresa en el relato no sólo a través de las acciones de este y el desarrollo de su relación romántica, sino que se evidencia a nivel narrativo por el punto de vista de él, que constantemente está observándola y analizándola tratando de encontrar conexiones entre su comportamiento y su condición así como rescatando detalles que le impresionan o le gustan de su personalidad y buscando maneras de conseguir que sea más feliz. Para Saitou, si bien le cuesta empatizar, siente una mayor cercanía con Yokoi por las semejanzas en los sentimientos de ambos, pero también hay diferencias sobre las que ahonda este slice of life y de una forma particular.
Fuente: Kodansha Comics
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Fuente: Kodansha Comics
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Si pensamos en la ficción actual, se pueden encontrar numerosos casos de representación de personajes con asperger o alguna otra condición del espectro autista y el manga no ha sido la excepción. Según el mangaka Yamada Reiji, autor de Zetsubō ni Kiku Kusuri, existe el arquetipo del asperger hero, el cual tiene dificultades empatizando con las personas a su alrededor, lo que hace que caiga mal, pero debido a que suele poseer habilidades analíticas, lógica e intuición o una alta sensibilidad artística es admirado. El autor pone como ejemplo al Sherlock de la serie del mismo nombre producida por la BBC y a L de Death Note, pero enAsper Kanojo, el autor de su historia, Hagimoto Souhachi se encarga de construir antes que talentos excepcionales, las fracturas humanas y los reveses de la complejidad mental y emocional de Saitou. En el primer capítulo de la historia, Yokoi vive solo hasta que ella irrumpe en su vida y la primera noche que Saitou se queda a dormir en su casa, él despierta y ve que ella se he hecho cortes en una de sus muñecas que yace junto a un charco de sangre. Esta caracterización realista-y a veces cruda- altera la forma más tradicional del slice of life. La razón es que ya no se trata de la peculiar manera en la que una pareja, donde a uno le cuesta expresar sus sentimientos, se va conociendo y resuelve las dificultades del día a día, sino que deben enfrentar los graves problemas que conlleva la condición específica de Saitou ante ese día a día.
Fuente: Kodansha Comics
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Además del asperger, Saitou tiene un trastorno obsesivo compulsivo derivado de su necesidad de tener algún control sobre lo que ocurre a su alrededor como cuando debe limpiarse rutinariamente sus zapatos 45 minutos para que sienta que están limpios o cuando va a comprar el mismo tipo de dulces a la misma tienda de conveniencia. Asimismo, cuando algo escapa de ese control, ya sea con las situaciones, las personas o ella misma como cuando se molestó con Yokoi y lo golpeó en un impulso, sufre ataques de pánico. Esta situación provoca que ella camine en una línea muy delgada entre estar bien y perder las ganas de vivir por lo abrumadoras que resultan sus emociones, lo que resulta en su caso en lastimarse a sí misma o posiblemente tratar de suicidarse sin que, en un inicio, pueda contenerse. Estos eventos implican un giro atípico en los relatos de recuentos de la vida. Como lo mencioné al inicio del artículo, es común que la audiencia que gusta de los slice of life se vea a sí mismo o empaticen con las historias que narran y, de acuerdo con Blautoothdmand, la razón es que siguen el pace o ritmo de la vida diaria en la que si bien se rescatan momentos significativos para la vida de los personajes no se trata de giros de trama de gran envergadura como la lucha del bien contra el mal. En Asper Kanojo, los días de Yokoi y Saitou están compuestos por muchos momentos de tranquilidad, dicha y comedia que se ven interrumpidos por crisis por parte de Saitou que alteran el pace normal y significan un giro o pico emocional en la trama de la sosegada viñeta diaria.
Estas situaciones disruptivas distan del considerado como un subgénero del slice of life, el iyashikei, centrado precisamente en transmitir una calma y relajación al lector que se ve sorprendido también por el lenguaje del mismo manga cuyo arte está a cargo de Morita Renji. A través del empleo del cambio en los tamaños de plano así como de los juegos con los contrastes y la iluminación, se pone el acento en el punto crítico que posteriormente se va relajando a partir del apoyo, sobre todo, de Yokoi. Si desde la perspectiva del lector esto es sorpresivo o impactante, también tiñe a veces de tensión o ansiedad a los momentos de calma emocional para el mismo Yokoi, quien a veces sale a trabajar con miedo de que su novia se pueda lastimar en su ausencia o que no esté haciendo suficiente por ella. A nivel visual, Morita transmite esta sensación a partir de la disposición de las viñetas en la página cuya rectitud se conecta con la necesidad constante de control de la situación por parte de los dos protagonistas. El autor establece que este es el tipo de día a día de estos dos personajes, que se parece al de todos en cierta medida y a partir de eso construye la empatía que luego encara las diferencias que hace que Yokoi y Saitou tengan que lidiar con mucho más. Sin embargo, Hagimoto ahonda en el porqué tiene que ser tan difícil para ellos.
Fuente: Kodansha Comics
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Es bastante conocido que el índice de suicidios en Japón se encuentra entre los más altos del mundo, del mismo modo, en las noticias se menciona constantemente los casos de explotación laboral, así como los hikikomori, que son jóvenes aislados en sus casas casi sin contacto alguno con el exterior. En otras palabras, el cuidado de la salud mental en el país del sol naciente es un escenario complejo y la razón es que se enfrenta a las concepciones culturales en cuanto a lo que implica tener un desorden conductual. Según Nobutada Iwase, en la nación nipona, se reconoce un estigma hacia las personas con enfermedades mentales y síndromes que se manifiestan en el comportamiento, pues su cultura destaca la importancia del autocontrol y eso es algo que es usual reconocer en muchos personajes de anime y manga que suelen llorar en solitario o disculparse por hacerlo en público colocándose a veces una máscara de felicidad o tranquilidad que es la cara que se muestra a la sociedad (tatemae). Se considera una vergüenza no tener voluntad suficiente para poder controlar los pensamientos y las emociones personales que se mantienen privadas (honne), en consecuencia, eso implica que si se tiene algún problema y se exterioriza se puede ser juzgado por el resto del grupo, así que se decide no pedir ayuda para no ser condenado. Incluso, se considera culpable al paciente, no a la enfermedad o desorden. A este estigma se suma la importancia de la homogeneidad en la sociedad japonesa que deja poco espacio a la diferencia así como a las oportunidades para las personas que representan esa diferencia a la rígida norma.
Cuando Saitou es diagnosticada con asperger, el doctor le dice que su condición es incurable, pero que es posible que se adapte a la sociedad y pueda vivir en ella. Es importante entender que existen terapias para personas con asperger que ayudan en el desarrollo de la empatía desde la niñez, pero debido a la cultura japonesa en relación con la salud mental y emocional puede ser complicado que eso se dé. En Asper Kanojo, el autor mantiene el formato slice of life para mostrar cómo el maltrato y rechazo total de su padre, la frialdad de su hermano, los poco comprometidos esfuerzos de su madre y la indiferencia por parte de su escuela ante su condición así como el bullying que sufría componen traumas que siguen persiguiendo a Saitou en su día a día, donde a veces tiene pesadillas o recuerdos que detonan las crisis ya mencionadas. De este modo, es natural que cuando Saitou se proponga buscar trabajo no encuentre ninguno en el que encaje, pues no cuenta con las herramientas para adaptarse a una sociedad que antes de Yokoi no empatizó con su situación y, por ende, no le ha dado una oportunidad ni siquiera dentro de su propia familia.
Fuente: Kodansha Comics
Fuente: Kodansha Comics
Fuente: Kodansha Comics
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El relato no revela cómo ha sido la cotidianeidad de Saitou antes de Yokoi, pero la narración demuestra que ha significado un cambio para bien cuando se observa su evolución en la misma historia, pero es claro que ello implica una dependencia hacia una sola persona que tiene mucho que enfrentar, no siempre se da abasto y desea fervientemente que su novia sea feliz. Si bien a lo largo de la historia aparecen personajes secundarios que empatizan con la situación de ambos, la cercanía aún no es suficiente para que la pareja reciba todo el apoyo que necesita. A pesar de lo contradictorio que suene, se trata de dos personajes para los cuales las personas y la sociedad en su conjunto resultan problemáticas por sí mismas y porque no los han visto con buenos ojos, pero necesitan de esas personas y de esa sociedad. A ese discurso es al que se dirige el autor con Asper Kanojo: el día a día de Saitou y Yokoi es parecido al nuestro, pero más complicado y ha mejorado por la empatía de este último, imaginen qué cambios se podrían generar con más personas como él en la vida de personas como Saitou. El manga de Hagimoto Saouhachi sigue en publicación en la plataforma de Kodansha, Comic Days, así que en estos días de cuarentena y considerando que nosotros vivimos en un país que lidia con sus propios prejuicios en cuanto al cuidado de la salud mental y emocional es una interesante elección de lectura.
Empiezo confesando que no soy un especialista en la animación japonesa, ni siquiera en el cine de animación en general, que es un mundo muy vasto y complejo. Tampoco he visto alguna otra película de Isao Takahata, el director de La Tumba de las Luciérnagas. Mi acercamiento a esa cinta ha sido, pues, la de un espectador desprejuiciado, más o menos ignorante del asunto y el género del filme, pero abierto e interesado en lo que iba a ver.
Mi impresión sobre esta película de itinerario, suerte de fábula moral sobre el horror y la belleza como experiencias básicas para el aprendizaje de la vida, fue contradictoria. Por un lado, la película evoca en mí las travesías físicas y morales de las cintas del neorrealismo italiano de la inmediata post-guerra. Esa asociación tal vez haya sido provocada por la presencia de dos niños protagonistas que recorren un paisaje devastado por la guerra y eso les enseña en un principio a sobrevivir, pero también a morir. Los recuerdos del cine de Roberto Rossellini, como Alemania, Año Cero (1947) o Europa ‘51 (1951) son inevitables.
Europa 51
Alemania año cero
Y es que en esas películas, como en La Tumba de las Luciérnagas, los espectadores nos vinculamos, solidarios, con esa mirada entre aterrada y perpleja que mantienen los niños sobre una agresividad que no entienden, sobre un mundo que se desordena ante sus ojos y se vuelve caótico e inexplicable. Ellos hacen un trabajo de duelo (en este caso, de la figura materna) interminable. No pueden deshacerse de la figura perdida porque ella se reactualiza a cada paso en la destrucción de su entorno. En La Tumba de las Luciérnagas vemos ruinas, bombardeos, matanzas, un mundo en crisis. Y, sin embargo, la película pone un filtro emocional entre la barbarie y lo que vemos.
Es que la fuerza y el carácter perturbador de este filme viene dado por la posición en la que se ubica. Mantiene una equidistancia entre la representación realista y la deriva onírica. Se trata de una cinta de animación y sus grafías nos alejan de modo casi esencial tanto del fresco realista como de la visión subjetiva y fantástica desbocada. Viendo la película, recordamos un episodio narrado por Akira Kurosawa en su autobiografía. Luego de un terremoto que asoló Tokio en los años veinte, su hermano mayor le llevó a recorrer la ciudad en ruinas. Los cadáveres descompuestos se apilaban y el niño Kurosawa cerraba los ojos ante el horror acumulado. Su hermano, en cambio, le decía que abriera los ojos, que mirara ese paisaje, que no lo olvidara. Que la experiencia de formación pasaba también por eso. Es la paradoja de enfrentar el horror con la conciencia y la lucidez. Y eso sentimos frente a La Tumba de las Luciérnagas: el horror está allí para contemplarlo con la mirada bien atenta.
Hotaru no haka
Pensemos tan sólo lo que sería una película con actores de carne y hueso en un drama así: la dimensión melodramática de la situación sofocaría nuestra capacidad crítica. No ocurre lo mismo tratándose de una película de animación. Y es que en esta vertiente del cine, podemos aceptar los hechos más terribles y conmovedores porque tenemos la salvaguarda de la convención del trazo gráfico, el esencial irrealismo provocado por el uso de las técnicas de animación, el pacto que mantenemos con esa irrealidad con el fin de dar fe de su verosimilitud. En la animación, las representaciones más alucinadas y grotescas (las escenas de destrucción masiva, la monstruosidad, la distorsión en la representación de los espacios físicos) adquieren una dimensión plástica que resulta atractiva, seductora, convincente y, por qué no, bella. La animación se impone por sus formas y colores, por la “falsedad” esencial de sus trazos, por el carácter ilusorio de su movimiento. Y en este campo, hasta la potencia emocional de una historia como la narrada por La Tumba de las Luciérnagas se hace admisible y la sentimos próxima.
Y, sin embargo, las dimensiones de la realidad y la fantasía están presentes. Takahata tiene entre manos un material dramático de gran sordidez. Los protagonistas recorren una tierra baldía en la que sólo resta caer vencido por la inanición. Hay una dimensión cotidiana muy fuerte en la película, pues es el relato de dos figuras que atraviesan un mundo hostil. Y en medio de eso, se crea un lugar para lo imaginario. Los bombardeos, el fuego, la desnutrición, el esfuerzo físico, la hostilidad del mundo conviven con la luz de las luciérnagas. Por un lado, el documento se transfigura en trazos, líneas y colores animados; por el otro, irrumpe a cada momento el destello de la violencia o la poesía.
La puesta en escena de la película sigue tres movimientos o fases. En la primera, se presenta a los personajes en su entorno; ése es el filón realista del asunto. La cámara sigue su travesía y nos informa de las circunstancias en que viven y el modo en que sus vidas se alterarán para siempre. Luego, en una segunda fase, la cámara se aproxima a los personajes y los enfrenta a sus sueños y pesadillas: el recuerdo de la madre es una presencia permanente y las luces de las luciérnagas aparecen. En el tercer movimiento, ellos están ya inmersos en su espacio imaginario. Las luciérnagas forman parte de su realidad. La dinámica del relato se basa en una alternancia entre lo de fuera y lo de dentro, entre la violencia y el reposo, entre el camino que no termina y los remansos de colaboración entre los hermanos, que se expresan en visiones compartidas.
Impresiona además en la película el uso discreto, pero enérgico, de la elipsis. Por ejemplo, el director no necesita mostrarnos la muerte de la niña: simplemente la prepara y la sugiere. Cuando nos enfrentamos a ella, ya es un hecho irreversible. Hemos visto el proceso, pero sin sentir el pathos de las situaciones.
Por cierto, existe una tradición en el cine japonés que nos presenta las relaciones entre dos personas que comparten el mundo de la violencia y la poesía, el de la tranquilidad y el sobresalto, el de la luz del fuego y el de las luciérnagas. Es el mundo de Takeshi Kitano en Flores de Fuego (1997) o El Verano de Kikujiro (1999); es el de Akira Kurosawa en Dodes’kaden (1970) o algunos episodios de Sueños (1990). Todas esas películas hablan de la muerte y la violencia que coexiste con el color de los cerezos y el sabor del sake. Pero eso nos llevaría a un tema que podríamos desarrollar en otra edición de esta revista.
Ricardo Bedoya Wilson, abogado de profesión, está vinculado al cine desde hace mucho. Es autor de diversos libros y artículos, y actualmente es profesor de la especialidad en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Lima. Alterna la docencia con la conducción del programa televisivo “El Placer de los Ojos” por la señal abierta de TNP.
