Como las pisadas de los Titanes del anime Shingeki no Kyojin, este sábado 8 de febrero el concierto Attack on Titan Sinfónico buscará hacer retumbar el escenario del Centro de Convenciones de Surco y sacudir el panorama de la música otaku local a lo grande.
Una gran música para un gran anime
Shingeki no Kyojin /Attack on Titan (2013-2023) dejó una gran huella en la historia del anime contemporáneo. La adaptación del manga de Hajime Isayama sobre un grupo de jóvenes soldados que deben defender a una humanidad amurallada del ataque de los gigantescos titanes se convirtió en una serie de televisión con éxito de audiencias y popularidad a nivel mundial.
La revista Sugoi No 30 con portada de Shingeki no Kyojin
Uno de los puntos más altos de de la serie es su banda sonora. Desde la aparición de su primer opening Guren no Yumiya el impacto fue enorme. A lo largo de la serie las composiciones de Hiroyuki Sawano y Linked Horizon se encargaron de hacer crecer el impacto de Shingeki no Kyojin y en piezas angulares de los conciertos de sus respectivos artistas. Tremendos espectáculos con una energía desbordante.
Ahora nuestra escena local tiene la oportunidad de disfrutar de un concierto con lo mejor de esa música.
Pensando en grande
La carrera de Edison Adrian Animepianist es un ejemplo de crecimiento. Hace poco más de 10 años comenzó sus primeros recitales como pianista, luego fue sumando poco a poco voces y acompañamiento de instrumentos sinfónicos hasta llegar a sus conciertos sinfónicos corales como los de Anime vs Videojuegos realizados en los últimos dos años.
En esta ocasión Edison promete realizar su concierto más grande hasta la fecha con orquesta sinfónica, coro, voces solistas, banda de rock y hasta bailarines con temática de Attack on Titan, hasta alcanzar más de 70 performers en escena.
Edison Adrian dando detalles del concierto
La diferencia con los anteriores conciertos es que esta vez el núcleo es la música de la banda de rock a la cual se integra la orquesta y los demás participantes. A Edison no le es extraño tocar en una banda pues formó parte de Wasabi en sus inicios, de hecho, algunos de sus miembros estarán en este nuevo concierto.
Edison nos comenta que la idea de realizar un concierto dedicado íntegramente a Shingeki no Kyojin nació hace casi 10 años, y desde hace un tiempo atrás ya tenía algunos temas ensayados como el Shinzou wo Sasageyo!, el cual servía como gran cierre a sus conciertos de Anime vs Videojuegos. El escenario proyectado para este espectáculo iba a ser el Gran Teatro Nacional, pero finalmente el Municipio de Surco abrió las puertas de su nuevo Centro de Convenciones para recibir a su amigable vecino Edison Adrian y su «shingekazo».
Sasageyo!
El repertorio del Attack on Titan Sinfónico promete dejar satisfechos tanto a los fans de la serie como a los amantes del rock sinfónico en general. Destacan los openings y endings de la serie, los temas de Linked Horizon, Hiroyuki Sawano y otros reconocidos artistas japoneses como Hyde y Yoshiki.
El concierto contará con la participación especial de cantantes y bandas de la escena anison local.
Así que los fans de Shingeki no Kyojin pueden tener un febrero para recordar con el estreno en cines de la película final de la serie y un concierto sinfónico dedicado íntegramente a su anime favorito.
Concierto Attack on Titan Sinfónico
Fecha: 08 de febrero del 2024, 07:00 PM
Lugar: Centro de Convenciones del Parque de la Amistad, Santiago de Surco, Lima, Perú.
Existen personas que un día abandonan la seguridad del viajar junto a la caravana y dedicen aventurarse en terrenos inexplorados. El peligro de fallar aguarda en cada giro del camino, pero aún así perseveran. Algunos los llaman soñadores, otros los llaman locos. Pero no tienen miedo a fallar o son tan testarudos que deciden correr el riesgo. ¿Existe algo más arriesgado para una banda de música japonesa en la Lima friki del 2022, congestionada de Anison, que tocar un género como el City Pop, tan lejano a nuestra realidad como el Japón de los 80s? Pues a veces el riesgo rinde frutos, como le pasó a «Tokio Cassette» al llevarse el premio grande en la Guerra de Bandas de la 12º edición del Friki Festival.
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El día Domingo 18 de Septiembre del 2022 se desarrolló la final de la tradicional Guerra de Bandas como parte del evento de cierre de la decimosegunda edición del Friki Festival en el Mall del Sur. El torneo fue el número principal de la jornada a nivel competencia, pues inmediatamente después, como cierre del Frikifest, venía la presentación del actor de doblaje para Latinoamérica de Vegeta (René García). La expectativa para ver la aparición de la voz latina del Principe de los Saiyajin atrajo un público masivo al escenario. La final de la Guerra de Bandas iba tener un marco a lo grande.
Las cinco bandas en competencia, en orden de aparición, fueron: «Kitsune», «Kanaria», «Tokio Cassette», «MooNPhase» y «Yue». Uno de los atractivos de la Guerra de Bandas es ver surgir los nuevos talentos así como ser testigos de la evolución de las agrupaciones musicales que se presentan; en este caso, del quinteto que llegó a la final, algunas bandas ya habían competido en ediciones anteriores de la Guerra de Bandas del Frikifest y/o competencias musicales similares, mientras que otras daban sus primeros pasos.
En este punto es necesario repetir algo que posiblemente les hayan dicho a los integrantes de las bandas que no ganaron: el haber llegado a la gran final ya es mérito suficiente para ser ganadores. Y, aunque no lo crean, es verdad, TODAS las bandas que llegaron a la final son ganadoras. El mero hecho de subirse a un escenario tan grande frente a tanto público requiere de un valor digno de la tropa de reclutas al enfrentar un Titán ; la mayoría de mortales no podríamos hacerlo. Y ni hablar de la capacidad y dedicación que requiere tocar o cantar en circunstancias tan intimidantes. Por esos motivos, todas las bandas ya eran ganadoras antes de que los jueces dieran su veredicto al final.
Antes de la entrada de las bandas en competencia, tuvimos la presentación en el escenario de Ikigami BAND. Si alguien se preguntase porque campeonaron dos veces en la Guerra de Bandas, viendo su performance en esta presentación hubiera entendido las razones. Era tanta la energía que irradiaban que por momentos el local les quedaba chico. Aún más sorprendente que su capacidad para desatar el huracán del pogo en la audiencia era la comodidad con la que lo hacían.
«Ikigami Band» sube a escena, pide pogo, y lógico: se desata el pogo.Mientras la banda «Kitsune» parecía querer empinarse para llenar un escenario enorme, la banda «Yue» probó distinas direcciones.«Kanaria» mostró los cuernos en la gran pantalla y también en las más pequeñas.«MooNPhase» levantó el micrófono y luego estiró su cable hasta llevarlo a la misma tribuna. No campeonaron, pero se llevaron la aclamación más grande del público.
REWIND ◄◄
La historia de la banda «Tokio Cassette» se remonta a fines de la decada pasada cuando el «Mellogramático» Jan Carrillo junto al guitarrista Luis «Invisble» Pelaez se unen en el proyecto de formar una banda de City-Pop. La idea podía parecer disparatada, pero ya la intención de difundir en nuestro medio la música japonesa alejada del popular Anison quedaba patente cuando, por esos tiempos, el «Mellogramático» lanzó el podcast JMusic Inside. La idea de la banda no avanzó por falta de integrantes y el Covid los obligó a parar en seco. Recién a finales del 2021 «Tokio Cassette» pudo tomar forma y su presentación en sociedad ocurrió en mayo de este año. Curiosamente fue en otra guerra de bandas, el J-Rock Fest, llevado a cabo en «Mi Tercer Lugar» en el Centro de Lima.
Aquel debut de «Tokio Cassette» no pintaba promisorio en términos de competitividad, era el sabado 14 de Mayo día de la semifinal del J-Rock Fest y la competencia se decidía no por voto de jurado sino por aclamación del público. Era obvio que la audiencia se iba a inclinar a favorecer las bandas con temas de Anison, las voces rugientes, los sonidos fuertes y la invitación al pogo. «Tokio Cassette» lucía extraño en la competencia con su look elegante, sus ritmos suaves y estilizados, sus tonos de Jazz y Pop sintético. Lo lógico era que no clasificaran a la final. Pero una vez más se dió lo ilógico y casi por un pelo (un aplauso, una aclamación) «Tokio Cassette» se impuso y pasó a la gran final.
Ese momento en que «Tokio Cassette» hizo renacer al City Pop,reviviendo por momentos un tiempo y lugar tan alejados de nuestra cotidaneidad como el Japón ochentero; además de lograr conectar y mover a la gente con una suavidad que contrastaba con todas las otras bandas del lugar, fue una de las sorpresas del año. Era para frotarse los ojos, el triunfo improbable; como la fábula en la cual el sol le gana al viento al quitarle el abrigo al viajero. Luego de ese éxito todo era posible, como sucedió al día siguiente, cuando «Tokio Cassette» se proclamó campeón del J-Rock Fest en la gran final.
«Tokio Cassette» mostrando toda la actitud y la elegancia en la final del Frikifest 12
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Hay un requisto indispensable para poder ganar una competencia de bandas: conectar con el público. Por la naturaleza del Frikifest y su audiencia masiva, es más fácil lograrlo desde los populares temas de anime, los ritmos fuertes y la busqueda del pogo. A pesar de que el ganador es decidido por un jurado, la respuesta del público puede influir decisivamente en el lucimiento de la banda. «Tokio Cassette» sufrió ese handicap en la pasada edición de la Guerra de Bandas en el Friki Festival 11 en Junio de este año. Su performance de «Plastic Love»(la canción más representativa del City Pop), la cual había funcionado tan bien en el espacio pequeño del J-Rock Fest, aqui lucía disminuída y apagada. De esa forma era muy difícil campeonar. La presencia de Ikigami BAND en la competencia lo volvió una misión imposible.
FAST FORWARD ►►
Pero «Tokio Cassette» supo aprender de sus errores y fue así como los tuvimos de vuelta en la final de la Guerra de Bandas del Friki Festival del pasado Septiembre. En esta ocasión la canción escogida fue «Tasogare no Bay City» y la banda apeló a todos sus recursos para lograr la conexión con el público sin perder el estilo City Pop. Hubo suaves contoneos, llamados a la audiencia, pasitos de baile y al final encontraron un conexión como banda que los hacía moverse como un solo cuerpo con un coqueto swing ochentero.
Pasito a paso, «Tokio Cassette» empezó a ganarse a la audienciaY luego buscando acortar distancias con la genteEl jurado, dentro de lo posible, trató de no perder el equilibro a la hora de escoger al campeón. Según manifestaron, fue una decisión difícil que se definió por detalles minimos (¿»Tokio Cassette» y «MooNPhase»?)
Finalmente la decisión de declarar al campeón de la Guerra de Bandas recayó una vez más en el jurado, quienes manifestaron que la elección fue difícil y, casi por puntos, habían llegado al veredicto: «Tokio Cassete» eran los nuevos campeones de la Guerra de Bandas del «Friki Festival». Habían pasado tan solo 4 meses de su debut en el J-Rock Fest.
«El padre de la criatura» con los campeones.
STOP ■ EJECT
Vegeta (René García) llegó, habló y la rompió.
Mientras la voz de Vegeta entraba al escenario y el público enloquecía con cada una de sus frases, las bandas se iban disolviendo en medio de la multitud. Quizás en ese momento comenzaban las preguntas y reflexiones internas: «¿Qué nos faltó para ganar?», «¿En que aspectos podemos mejorar?»,etc.
En tanto, la gente de «Tokio Cassette» estaba que reventaba de felicidad contagiante. Habían dado un paso más en la arriesgada ruta de apostar por el City Pop. Tal vez, pasada la euforia del triunfo, se hayan hecho la pregunta «¿Y que viene después?». Una vez que llegas a una cima es difícil bajar para volver a subir. Por lo pronto ya alistan una presentación para el 31 de Octubre, noche de Halloween, la Canción Criolla, y (¿Por qué no?) el City Pop. Estamos seguros que se vienen mas noches de música japonesa ochentera en el futuro. El casete volverá a girar.
Cuando los “descubrimos” un día sábado de mayo en el Friki Day: Dia del Orgullo Friki nuestra sorpresa fue mayúscula. A lo largo de los años habíamos sido testigos de algunas de sus interpretaciones musicales, tanto en vivo como en grabaciones de video, pero ninguno de esos antecedentes nos podía haber preparado para lo que vimos y escuchamos aquella tarde donde Atodivarius y su agrupación musical subieron al escenario del Centro Cultural Geek en la Avenida Alfonso Ugarte. Cuando entraron los danzantes interpretando a los personajes de los animes, cuyas melodías estaban tocando los músicos, la sorpresa se convirtió en una satisfacción aún más grande. Fue un momento inolvidable: la música sinfónica se combinaba con la interpretación de la danza (tal vez) por primera vez en los conciertos geek/friki en el Perú. Lo más increíble de todo fue que no tuvimos que pagar ni un sol para presenciar tamaño espectáculo.
Con ese antecedente, cuando nos enteramos que “Atodivarius” volvía a los escenarios con una reedición de su espectáculo, esta vez en el Gran Teatro de la UNI, no podíamos perdernos la oportunidad de repetir la experiencia, esta vez a gran escala.
El Gran Teatro de la Uni antes del ingreso del público, un escenario enorme con gran acústica que merece recibir mas conciertos de anime
La banda completa ensaya antes del inicio del espectáculo. A la derecha, «Atodivarius» (Renato Barraza)
El violinista bajo el tejado (de un gran teatro)
El pasado viernes 09 de septiembre a las 5.30 pm se llevó a cabo la presentación de “Atodivarius Geek Music System” en el Gran Teatro de la UNI (Universidad Nacional de Ingeniería). Para quienes nunca hayan estado en ese lugar, deben saber que es uno de los mejores escenarios del país, no sólo es enorme y de aspecto espectacular, sino que tiene una acústica excelente. (Pequeña digresión: en ese mismo escenario pudimos asistir en 1998 a la proyección organizada por la Revista Sugoi de la película Dragon Ball: Saikyō e no Michi, fue una de las mejores experiencias de una proyección de anime) .
El concierto en la UNI fue la presentación en sociedad de “Atodivarius Alfa”, nombre con el cual “Atodivarius” y compañía han bautizado a su formato artístico que combina música y danza, gran parte del cual ya habíamos podido ver en mayo. Al igual que en aquella ocasión la interpretación musical estuvo a cargo de la banda de “Atodivarius Geek Music System” y la interpretación de la danza corrió a cargo de la Compañía Vidanza Producciones.
Si se les hace confuso todos estos “Atodi-nombres” es necesario explicar su origen. “Atodivarius” es el nombre artístico de Renato Barraza (Renato + Stradivarius = Atodivarius), músico, violinista, director, arreglista y fundador del proyecto “Atodivarius Geek Music System” y con su banda ha tocado temas de anime, videojuegos y también películas en los últimos años. En la UNI la agrupación contó con 7 músicos incluyendo a “Atodivarius”, y sonaban como si fueran 30. Repetimos la acústica del lugar es increíble, aunque también lo era la calidad de la ingeniería de sonido (no en vano estábamos en la Universidad de Ingeniería).
Abajo el telón mientras el público sigue llegandoPor increíble que parezca, la entrada fue gratuita para todos los asistentesAl inicio del concierto se presentó el «Atodúo», integrado por Hann Melendez (guitarra) y «Atodivarius»(violín), uno de los temas que tocaron fue del recordado anime de los 90s «Rurouni Kenshin»Todo listo para que la banda completa de «Atodivarius Geek Music System» inicie el concierto
Varias cuerdas, un mismo arco
El ”Atodivarius Alfa” en su hora y media de duración deleitó a todos los presentes con las piezas musicales interpretadas: temas de videojuegos como algunas de las entregas de las sagas de “Mario Bros”, “Legend of Zelda” o “Donkey Kong Country”; también hubo un medley de temas de películas de Pixar, la mayor parte del concierto estuvo conformada por temas de anime.
Dividimos las piezas de anime interpretadas en 3 categorías: los temas musicales, los temas con participación de cosplayers y los temas con interpretación de danzantes. Los temas musicales provinieron de la saga de “Sailor Moon”, «Rurouni Kenshin» y el entusiasmante opening de “One Piece”. En tanto, las piezas musicales de “Dragon Ball Super”, “Naruto” y “ Kimetsu no Yaiba” contaron con la interpretación de los siempre ubicuos cosplayers de Cosplay ANS.
En cuanto a los temas con interpretaciones de danza de la compañía Vidanza fueron: el magistral tema principal de la película “Howl´s Moving Castle”, un mix de temas de “Saint Seiya” incluyendo la recreación de la escena de la muerte de Esmeralda en la batalla entre Ikki y su maestro, y el potente tema de “Attack of Titan” que marcó el cierre de una función a lo grande.
El medley de «Kimetsu no Yaiba» contó con la participación de Iguro Obanai en versión cosplayer de Cosplay ANSEl vals del «Carrusel de Vida» de «Howl´s Moving Castle», uno de los más hermosos temas del Estudio GhibliLos Caballeros de Zodiaco entrenando ante la mirada atenta de Tatsumi y la presencia de Matsumasa Kido durante el medley de «Saint Seiya»Toda la potencia de «Shingeki no Kyojin» para cerrar el concierto
Dos apoyos sostienen una cuerda
Aparte de las personas y entidades anteriormente mencionadas, este gran espectáculo no hubiera podido llevarse a cabo sin la ayuda del Centro Cultural de la UNI y el de los alumnos de la UNI miembros del Centro Cultural de Anime y Manga. Esperemos que con su participación y entusiasmo puedan llevarse a cabo mas conciertos de música de anime en su teatro. Tremendo escenario, con semejantes prestaciones de audio, merece acoger más espectáculos de música de anime. ¿Se imaginan como sería un espectáculo que combine música, canto y danza? Las posibilidades son para entusiasmarse.
Queremos destacar la labor de la producción de “Atodivarius”, Hanan Art encabezados por Geysel Poggi. Cuando la vimos en acción con su equipo antes de iniciarse el concierto entendimos que para lograr un gran producto final no se necesita un gran presupuesto o un numeroso personal, muchas veces el esfuerzo y el talento logran resultados admirables. También se requiere una gran coordinación con el director del espectáculo, “Atodivarius”; obviamente el hecho que sean esposos ayuda bastante a esta sincronía.
Esperamos asistir próximamente a nuevos espectáculos musicales de “Atodivarius” y «Hanan Art», estamos seguros que si siguen el camino ya emprendido podrán alcanzar el éxito y el apoyo que se merecen. Después de todo, para bailar se necesitan dos.
La noche del pasado Sábado 03 de Setiembre se llevó a cabo la “Lollipop Party Survivor 2” en el Centro Cultural Geek ubicado en la Avenida Alfonso Ugarte 1476, Breña. La fiesta otaku estaba de vuelta por segunda vez. Y decimos segunda vez, porque la “Lollipop Party Survivor 2” fue la segunda edición. Esta estuvo mejor producida, una vez más había llegado el momento de bailar, cantar, poguear y celebrar al ritmo de los temas Anison y Jpop del ayer y hoy, beber como piratas, saltar como ninjas y alegrarnos de que a pesar de todo lo pasado en estos años de ausencia la Lollipop estaba de vuelta. El dinosaurio no se había extinguido, había logrado sobrevivir al diluvio de la pandemia. Era un survivor.
Avenida Alfonso Ugarte, Sábado 03 de Setiembre, 10 de la noche. Unos cosplayers departiendo afuera y un banner con una figura conocida nos indican que estamos en la puerta de la Lollipop Party Survivor 2
Para las productoras y organizadores poder volver a realizar eventos otakus luego de la pandemia del COVID-19 representó una auténtica sobrevivencia.
En el caso de la productora de la “Lollipop Party”, Animax Eventos, el último evento que organizaron antes de la pandemia fue la “Neko Party” a inicios del 2020. Luego de casi dos años y medio de ausencia los vimos volver con la primera edición de la “Lollipop Party Survivor”. Según nos comentó el director y fundador de “Animax Eventos” Miguel Rodríguez, aquella fue la fiesta con mayor afluencia de público que habían organizado en sus casi 10 años de actividades. En cuanto a la más reciente edición de la Lollipop, nos dijo que fue la fiesta con mayor nivel de producción realizada por “Animax Eventos”. En esta ocasión, tomaron en cuenta la opinión y quejas de los asistentes a la primera Survivor dando como resultado: una mejora en la organización, banners, luces, competencias, videos proyectados y seguridad, además, está vez no faltó la cerveza.
Partiendo la party
La “Lollipop Party Survivor 2” tuvo 3 partes bien marcadas: las competencias de karaoke y cosplay, el baile con pogo y la hora de los clásicos.
Hay que aclarar que el horario de ingreso oficial a la fiesta fue las 10 de la noche. Una puerta metálica es la entrada a un largo pasadizo que desemboca en el salón principal de baile. Dentro del pasadizo hay stands donde puedes comprar comida, hubo una guardianía para pertenencias personales o para alguna bebida que hayas traído (está prohibido llevar bebidas, en cambio si puedes llevar alimentos). En el salón principal está la pista de baile, un escenario elevado donde se realizan las competencias, la novedad era un enorme proyector en el escenario que proyectaba videos en la pared posterior. En un costado hay un balcón para el DJ donde además están las máquinas de luces láser. Debajo del balcón había una pared de cajas de cerveza para la venta, además de agua y gaseosas para la sed.
Los pasadizos afuera del salón de baile fueron el lugar para comprar comida y también para reencuentros amistosos.Mientras tanto, adentro del salón de baile, una imagen del evento proyectada en la pared posterior y el escenario aún vacío aguardan el inicio de la fiesta.
Cerca de las 12 de la noche se encendieron las luces principales del salón y comenzaron las competencias en el escenario. La encargada de presentar esos segmentos fue la cosplayer Yui-chan. Tras la breve competencia de karaoke, veinte minutos después, se desarrolló la pasarela cosplay con una veintena de participantes. Tras una breve pausa se realizó la premiación de los ganadores, los cuales podían llevarse como premio un banner del escenario de su elección y una figura de anime.
Una escalera musical de distintos estilos para la competencia de karaokeHubo todo tipo de personajes en la pasarela cosplay: de piratas a almirantes. En tanto, el público observaba atento.La presentación de las competencias estuvo a cargo de Yui-chan. A la derecha: coordinando temas con el jefe y fundador de Animax EventosLos cosplayers hicieron gala de todos sus talentos en la pasarela: armas giratorias, besos robados y levitación momentánea.La hora de los ganadores: el placer de escoger un premio y el éxtasis de recibirlo.
Luego se apagaron las luces principales y empezó la hora del baile o del pogo a la una de la mañana. En esta segunda parte de la fiesta, la pista de baile se convierte en una mezcla de gimnasio, karaoke y bar. Si deseas bailar bailas, si deseas beber bebes, si deseas poguear…bueno puedes hacerlo pero mejor anda preparado, porque en la Lollipop te vas a encontrar con veteranos del pogo que te sorprenderán con su resistencia junto con nuevos valores más agiles que Naruto.
Es la hora de los temas metal y punk de anime. Vale la pena recalcar que casi el 100% de la música son temas de anime, J-Pop y J-Rock, eso es algo que los fans del anime apreciaron. No esperes escuchar música de salsa, cumbia u otros géneros populares, incluso en las horas finales de fiesta. No sólo se baila el pogo, puedes bailar con ritmo o sin él con tu pareja, tu conocido o quien acabas de conocer. Puedes seguir las coreografías o sumarte al trencito. Si por último no deseas hacer nada, puedes sentarte (o echarte) en alguna de las bancas alrededor de la pista.
Mientras las luces láser giraban en las alturas, en la pista bailaban desde los más jóvenes hasta los más dinosaurios.
Y el Dinosaurio todavía estaba allí (bailando)
Finalmente cerca de las 3 de la mañana viene la hora de los temas clásicos. Prepárate para cantar y/o bailar canciones de Saint Seiya, Dragon Ball, Barón Rojo, Digimon y demás temas del ayer. Es la hora también donde te puedes subir al escenario a cantar, bailar, o abrazarte y sumarte al grupo. También puedes acercarte al escenario o subirte a él para bailar temas de complejas coreografías que pondrán a prueba tu resistencia o tu equilibrio. De pronto, notas que hay un dinosaurio bailando por todos lados: en la pista, en el escenario, en el pasadizo. Todos quieren bailar con él y él quiere bailar con todos. De pronto entiendes que ese dinosaurio es como un símbolo de la Lollipop. Otro survivor.
A poco de ser la 5 de la mañana, la pista va quedando vacía. Mientras, en el escenario hay tiempo para un último baile.
Ya son las 5 de la mañana, la fiesta va quedando vacía. Incluso el dinosaurio desaparece. Pero ha valido la pena. Es una fiesta más que recomendada, incluso si vas solo. Sólo necesitas ser un fan del anime, conocer las canciones y ya está, cuando corre la música todos somos nakamas, todos nos abrazamos, todos navegamos juntos.
The Vapors es una banda a la que se le recuerda por un único éxito, el sencillo Turning Japanese. La canción fue lanzada en 1980 y su letra y su melodía aluden, a grandes rasgos, a Japón. De forma similar, pero salvando distancias, la famosísima ópera compuesta por Giacomo Puccini en 1904, Madama Butterfly, emplea escenarios propios del país del Sol Naciente para narrar un romance trágico concebido en occidente.
Transportémonos ciento quince años en el futuro, al año 2019: la estrella pop Billie Eilish lanza You Should See Me in a Crown, extraído de su álbum debut When We All Fall Asleep, Where Do We Go? El videoclip de dicho título ostenta imágenes de Takashi Murakami, un archi popular artista plástico oriundo de Tokyo. En el video, Eilish se convierte en un personaje de anime en 3D: ojos gigantes, nariz diminuta y figura filiforme. Y cuando el video marca el segundo minuto, Murakami se impone: las flores tornasoladas se multiplican al lado de una araña mutante, que no es otra que Eilish bailando sobre un escenario psicotrópico. Es la colisión feliz de dos linajes opuestos: oriente y occidente, juntos en tres minutos de animación.
Billie Eilish Murakami style
Lo que queda claro de estos ejemplos es que Japón ha calado hondo desde siempre. Su influencia se manifiesta por doquier en la obra de artistas de ayer y hoy. Ya sea desde su arista más visible (el anime) o desde otras fuentes menos extendidas (como su literatura), compositores e intérpretes occidentales se valen de signos y estandartes nipones para enriquecer sus creaciones (sin ir muy lejos, recordemos a Daft Punk y su Insterstella 5555).Incluso, algunas veces, la totalidad de una obra puede ceñirse a abarcar el significado de Japón bajo la luz de una mirada extranjera.
Y eso es lo que está a punto de pasar por estos lares. A propósito del estreno en Lima de un musical que comparte nombre con el País del Sol Naciente, revisemos aquellas obras que no ocultan su afinidad por la patria de Astroboy.
¿Un musical sobre otakus?
Giacomo Puccini – Madama Butterfly (1898)
Para crear Madama Butterfly, Giacomo Puccini se inspiró en una obra de teatro de David Belasco, llamada Madame Butterfly: Una Tragedia de Japón (1900). Esta obra primigenia es en verdad una adaptación dramática de un cuento de John Luther Long, de título homónimo, publicado en 1898. Sin embargo, la obra de John Luther Long no es original, sino una reelaboración de la novela de Pierre Loti, Madama Crisantemo, editada en 1887.
Eso sí, todas presentan una anécdota más o menos igual: un oficial naval apostado en Nagasaki contrae matrimonio con una jovencita llamada Cio-Cio San. El conflicto ocurre por la huida del oficial después de la noche de bodas. Cio-Cio San será incapaz de reconciliar la ausencia de su amado consigo misma. Esta situación se exacerbará cuando su ex marido vuelva a Nagasaki acompañado de otra mujer.
Si bien la melodía de la composición de Puccini no posee, ni pretende poseer, una musicalidad oriental, sí se vale de una escenografía que se alimenta de texturas niponas. Para el ojo moderno, tales aspectos pueden parecer meros estereotipos. Sin embargo, hay que tener en cuenta que la aparición de esta ópera, así como las obras que la inspiraron, se encargaron de darle forma a aquella incipiente mirada occidental sobre el universo asiático.
Y no hay que dejar de lado, por supuesto, la hermosa aria que nos legó Puccini, Un bel di vedremo, donde Cio-Cio San se desgarra ante nosotros por el anhelo del ser amado, o por la sospecha de una traición inevitable.
Blue Öyster Cult – Godzilla (1977)
Esta banda oriunda de Nueva York se hizo popular gracias a la singular mezcla que hicieron de hard rock con letras inspiradas en la ciencia ficción, la fantasía y el ocultismo. Entre sus canciones más conocidas se encuentran (Don’t fear) The Reaper, Burning For You y Godzilla. Esta última hace referencia, qué duda cabe, al mismísimo rey de los monstruos, el emblemático kaiju de aliento atómico.
La banda incluyó dicho tema dentro de su quinto disco, Spectres, lanzado en Octubre de 1977. La letra de Godzilla describe el avistamiento de la criatura y su posterior ataque a la metrópolis, y además incluye un puñado de frases en japonés, a la manera de anuncio televisivo.
La canción se hizo tan célebre que, hasta el día de hoy, artistas de todos los hemisferios le han dedicado multitud de covers. El último de ellos es el que interpretó Serj Tankian (el líder de System of a Down) para el blockbuster gringo Godzilla: King of Monsters.
The Vapors – Turning Japanese (1980)
Lo único japonés que posee esta cancion es el mal llamado ostinato asiático, esa frase musical que evoca cierto carácter oriental imaginario. Y utilizo la palabra “imaginario” porque dicho ostinato no tiene filiación alguna con oriente. Se trata, más bien, de una creación occidental para evocar un «sonido» estereotípico de China, Hong Kong o Japón.
La sucesión de notas que caracterizan esta frase tratan de emular las escalas que emplean la música tradicional asiática. Su primera aparición se puede rastrear desde finales del siglo diecinueve, cuando la tonada fue incluida en un espectáculo basado en la leyenda deAladino.
Luego, el cancionero popular mundial se apropiaría de aquella melodía. Por ejemplo,Kung Fu Fighting, de Carl Douglas, se apoya en ella para añadirle color a su oda de las cintas hongkonesas de artes marciales setenteras. Hasta los peruanos la hemos podido gozar, contrabandeada en uno de los temas más célebres del rock nacional: Las Torres, de Los Nosequién y los Nosecuántos.
Como recordarán, la letra de este sencillo nombra varias perlas de nuestro alicaído parnaso político. El mentado ostinato surge cuando el vocalista concluye el siguiente verso: “y por cinco lucas me compro un diputado, un juez, un fiscal, un par de abogados, un arquitecto o, en su defecto, un novelista, un par de periodistas, un arzobispo, un cardenal, una virgen que llora y una virgen de verdad, y quizás a Fujimori”.
En el caso de The Vapors, el riff oriental se repite varias veces durante Turning Japanese. La letra utiliza el concepto de «volverse japonés» como sinónimo de enajenamiento, el cual se produce a partir de una desilusión amorosa. Turning Japanese fue el único éxito de The Vapors, quienes vieron su carrera musical deteriorarse luego que la gente perdiera interés en su arbitraria interpretación del amor no correspondido.
David Sylvian & Ryuichi Sakamoto – Forbidden Colours (1983)
Este sencillo es un sublime ejercicio de intertextualidad, un abanico de significados latentes esperando ser descubiertos por el oyente sensible. Empezando por la melodía, que no es sino el leitmotiv principal de la cintaFuryo – o Merry Christmas, Mr. Lawrence, por su título occidental-, realizada por el otrora enfant terrible del cine nipón, Nagisa Oshima.
Furyo relata un romance imposible bajo el disfraz de un drama bélico. Los protagonistas son dos íconos de la música que se encontraban por primera vez: David Bowie y Ryuichi Sakamoto. Sakamoto, famoso por ser el líder de la banda electrónica Yellow Magic Orchestra, interpreta al Capitán Yonoi. Bowie es su antípoda, un tenaz prisionero de guerra llamado Jack Celliers.
El conflicto surge a partir de la repentina atracción que siente Yonoi por su prisionero. Al verse invadido por sentimientos tan profanos, Yonoi tratará de extinguirlos de forma literal. Esto es, pulverizando a su obscuro objeto del deseo mediante la tortura. Pero cada intento de desaparecer a Celliers de su mente no hará más que fijarlo más y más adentro de su pecho.
El clima melancólico de la cinta se acentúa gracias a su banda sonora, la cuál fue compuesta por el mismo Sakamoto. Además, a la melodía principal se le añadiría letra e intérprete: David Sylvian, líder de la banda Japan, prestaría su voz al canto visceral de un amor funesto.
La presencia andrógina de Sylvian es el complemento ideal de este tema que toma el título –Colores prohibidos– de una novela de Yukio Mishima. El texto de Mishima relata el romance platónico surgido entre dos hombres que se enfrentan en todos los flancos: vejez y juventud, fealdad y belleza, fallecimiento y vitalidad, rencor y ternura. En ese mismo clima, los versos de Sylvian describen las heridas físicas y espirituales infligidas por un deseo no consumado.
Es una canción delicada y radiante, aunque trágica. Además, reúne las sensibilidades de cinco temerarios intérpretes, todos prestos a mostrar sus masculinidades como cotos de fragilidad a flor de piel.
Beastie Boys – Intergalactic (1998)
El trío de hip-hop más prestigioso de Nueva York se valió de su afición por las franquicias Super Sentai para realizar el video de Intergalactic. El tema forma parte de su disco Hello Nasty, lanzado en junio de 1998. Cabe anotar que en el mismo disco se incluye el tema Body Movin, cuyo video musical emplea referencias cinematográficas del cine criminal italiano setentero.
Mientras que los versos de Intergalactic no dicen absolutamente nada sobre Japón, son las imágenes del videoclip las que están plagadas de referencias a los films de kaijus, al género de efectos especiales conocido como Tokusatsu y a las franquicias de Ultraman y de los héroes enmascarados del Super Sentai(de donde salieron los Power Rangers).
Como homenaje, el video es un ensayo erudito: utiliza con eficacia los recursos y estilemas propios de los géneros cinematográficos mencionados. Como pieza audiovisual, Intergalactic es una exquisitez para los ojos: no hay otra forma de articular el placer de ver a un calamar antropomorfo batirse a duelo con un robot gigante, mientras los Beastie Boys recorren en cámara lenta los andenes de las estaciones ferroviarias de Tokyo.
Flaming Lips – Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1 (2002)
The Flaming Lips es una banda de rock psicodélico y espacial formada en Oklahoma y que se ha mantenido activa desde los años ochenta. Para su décimo disco, el grupo se inspiró en la presencia de Yoshimi P-We, una artista de noise rock proveniente de Okayama, Japón. Yoshimi es célebre por ser miembro de la famosa banda experimental Boredoms, además de fungir de líder del colectivo musical femenino OOIOO.
El título de la canción alude a la sensación que le generaba a Wayne Coyne, líder de The Flaming Lips, escuchar a Yoshimi P-We cantar. Era, literalmente, como detalla el título: cuando entona una melodía, parece que Yoshimi lucha contra robots rosados. Y es que en las composiciones de OOIOO, plenas en sonidos abrasivos y ruidos metálicos, parece que se está despanzurrando a algún robot maligno.
Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1, sin embargo, es todo lo contrario. Una melodía amable y agridulce que es una celebración de una tal Yoshimi, experta en karate y enemiga natural de unos cyborgs antropófagos que amenazan con comerse a su mejor amigo.
El videoclip muestra a varias señoras vestidas con kimonos y a una multitud de personas que rodean a la banda, que se desplaza sin soltar sus instrumentos. La propia Yoshimi P-We aparece en el video, realizando una especie de performance que la hace devorar frutas y vegetales. Al final, Yoshimi flota sobre la multitud, con una media sonrisa y una mirada serena.
The Bird and the Bee – Love Letter to Japan (2009)
Esta canción es justo lo que subraya el título, al pie de la letra: una carta de amor a Japón. La intención se transparenta desde la primera estrofa: Desde Occidente hasta Oriente, he venido para estar a tu lado / He recorrido toda esta distancia para estar cerca, para estar aquí contigo / Y ahora, entregaré todo mi corazón precisamente a tus pies.
Podría tratarse de una declaración amorosa a un chico o chica, pero la intérprete no deja lugar a dudas: Ya empaqué, estoy en camino / Estoy lista para cualquier estación / Estoy lista para permanecer / Aquí está mi corazón, mi palpitante corazón / Oh, ya deseo que este romance comience / Oh, cómo anhelo que esta aventura amorosa empiece.
¿No son estas mismas palabras las que todos nosotros, feligreses de la tierra de los cerezos en flor, hemos querido vociferar alguna vez, cuando el ansia febril de escapar hacia Japón parecía abrumarnos?
Love Letter to Japan forma parte del disco debut de The Bird and the Bee, una banda de electro pop afincada en el terreno de la nostalgia. Su producción discográfica posterior refleja esta voluntad, con dos discos dedicados a homenajear íconos ochenteros: el dúo new wave, Daryl Hall & John Oates y la banda de glam metal, Van Halen.
El videoclip que acompaña a Love Letter to Japan también manifiesta esta simpatía por el pasado. Los colores violáceos de las lámparas de neón, las máquinas electrónicas del obsoleto Dance Dance Revolution y las pantallas con imágenes de baja resolución son algunos de los elementos que complementan esta carta de amor al país del city pop.
DyE – Fantasy (2011)
Dye es un músico francés de electro pop. Fantasy fue el segundo single promocional de su primer disco, Taki 183. Aunque la canción no hable de oriente (salvo una intrascendente mención a Tokyo), ni tampoco sea particularmente memorable, es el videoclip la verdadera estrella.
El mini film inicia como una típica película de adolescentes: cuatro jovencitos irrumpen en lo que parece ser la piscina de un colegio desolado. La travesura responde al ímpetu de dar rienda suelta a sus incipientes deseos sexuales. Pero, de pronto, lo que parecía ser una cinta de transición se transforma en un inquietante film de horror.
Entonces, unas grotescas extremidades brotan de los jovencitos, convirtiéndolos en monstruos esperpénticos y sedientos de sangre. Solo se libra la chica que no sucumbió a sus bajos instintos, que huye tras sortear a sus ex compañeros. Al sumergirse en la piscina, se topa con un portal hacia una cueva húmeda. Al levantar la mirada, sus ojos no pueden concebir lo que ven y estallan. Finalmente, su cuerpo exánime cae. En el horizonte se vislumbra la estampa de un cefalópodo gigantesco, rodeado por unos amplios anillos grises que sugieren un origen espacial.
El realizador de esta pesadilla animada, Jérémie Périn, no teme esconder sus influencias. Desde la ciencia ficción existencial de Katsuhiro Otomo en Akira hasta el body horror de John Carpenter y David Cronenberg. Pero no solo ellos: los diseños de los personajes parecen emular los trazos de Satoshi Kon o Junji Ito, y la textura de los monstruos recuerdan a las creaciones cyberpunk de Shinya Tsukamoto. Por último, la aparición final del coloso obscuro, mezcla de calamar y dragón, remite inmediatamente a Cthulhu, la bestia cósmica que fuera creada por H.P. Lovecraft casi dos siglos atrás.
Anamanaguchi – Meow (2013)
Anamanaguchi es una banda que tiene como razón de ser la reivindicación de todas sus pasiones: los videojuegos de antaño, el anime y la cultura del internet. La banda alcanzó prestigio gracias al soundtrack que creara para la versión videojuego de la película Scott Pilgrim Vs. The World (a su vez, un título que empleaba como materia prima las mismas fuentes que Anamanaguchi).
Meow es un tema perteneciente a su segundo disco, intitulado Endless Fantasy. Dicho álbum se lanzó en mayo de 2013, y fue patrocinado por los seguidores de la banda mediante una exitosa campaña de Kickstarter.
El videoclip del sencillo encapsula todas las filias de la Anamanaguchi en un solo lugar: una galería de máquinas de juegos electrónicos. Los músicos interactúan con una serie de pintorescos personajes, mientras la textura de la imagen es intervenida por Furbys, gráficos de computadora aleatorios, colores ionizados e ideogramas japoneses por doquier.
Un maullido robotizado tintinea alrededor de los compositores que, instrumentos en mano, buscan reproducir la ilusión de un juego de Nintendo o Sega. El resultado se convierte en un bucle anacrónico y nostálgico que tantea la belleza extinta y pixeleada de los sprites de ocho bits.
Jaden – GOKU (2018)
Los raperos estadounidenses aman el anime y, especialmente, Dragon Ball y Naruto. Entre las decenas de canciones dedicadas a la animación nipona, Jaden – Smith, hijo de Will Smith– sobresale por escoger el nombre terrícola de Kakarotto como título para su sencillo de 2018.
En realidad, la canción no guarda relación estrecha con Dragon Ball. El uso del nombre Goku solo sirve de metáfora para expresar una sensación de ¿invencibilidad? Por otro lado, cabe destacar la escenografía, que no es otra que el célebre distrito de Akihabara, cuna mundial del mundo gamer y otaku, ubicada en el centro de Tokyo.
Eso sí, el single no es una típica canción de hip-hop ni de trap. Todo lo contrario: Jaden emplea las cadencias y los efectos del dubstep y utiliza los beats como contrapuntos de la colorida metrópoli que lo rodea. Además, hace realidad la fantasía máxima de todo fanático de Dragon Ball: aquella donde es posible invocar las llamaradas azules del kame hame ha con tan solo juntar ambas muñecas.
Dua Lipa – Levitating (2021)
Como se ha podido comprobar a través de esta breve antología, las representaciones de Japón han pasado de ser alusiones veladas para convertirse en homenajes manifiestos. Es lo que ocurre con el último sencillo deDua Lipa, Levitating.
La canción no habla de las sailor senshi, ni mucho menos. La letra tampoco invoca el poder de la Luna ni de ninguno de los astros de nuestra galaxia. El ritmo o la melodía no guardan semejanza con los compases característicos del jpop. Ni siquiera se samplea algún efecto sonoro del famoso anime de la Toei.
El tema en cuestión no lo dice, pero el videoclip sí: Dua Lipa ama a Sailor Moon y por eso decide transustanciar su ser para convertirse en una versión alternativa de Usagi Tsukino. El estudio de animación NOSTALOOK se encargó de la producción y, además de inspirarse en el arte de Sailor Moon, también utiliza como referencias visuales al anime ochentero Magical Angel Creamy Mami.
Porque el homenaje también se puede dar desde el otro lado. Esta vez, con el archiconocido tema de la cantante hispano-británica Jeanette, lanzado originalmente en 1974. La intérprete es Kaori Yoshinari, una ex artista pop de la que hoy no se tiene mayor novedad. Al parecer, su carrera se resume en tres sencillos lanzados en los años ochenta y unos cuantos trabajos menores de actuación.
La versión nipona, sin embargo, es una maravilla. Quizá se deba al hecho que las canciones de Jeanette poseen cierta sofisticación cosmopolita, lo que las asemeja y emparenta con el city pop japonés de aquellos años.
Por supuesto, la letra y el título cambian para adecuarse al fraseo nipón. El título cambia de Por qué te vas a Hanikami Tenshi (timidez de ángel) y, como es costumbre en las baladas city pop, la letra se carga de una melancolía poética de alegorías cotidianas. “El corazón es lluvia” canta Kaori, mientras los compases de uno y otro hemisferio se entrelazan para obsequiarnos tres minutos de una vaporosa tristeza que nos invita a bailar.
En la mayoría de casos, el arte de los openings es una arista complementaria en la experiencia de ver anime. Algunos los saltan, otros escuchan el del episodio inicial y el del final, y unos cuantos se aprenden todos los que han visto. Para este último grupo en especial, viene dedicada una lista de viejos conocidos y olvidados títulos con openings instrumentales.
Si uno hablara de endings también, la recopilación no encajaría en un breve artículo como este. No obstante, el grupo selecto de animes que abren cada episodio con una canción sin vocales no excede los treinta nombres. Salvo un par de ellos, la mayoría no suele aparecer en los clásicos anime quizzes, por lo que se espera que este listado resulte novedoso para muchos fans.
Vale aclarar que la elección ha sido totalmente a dedo por quien escribe, más que nada para poder agruparlos en cuatro grupos de tres. No hay ninguna clase de preferencia por un anime u otro, ni se toma en cuenta la valoración que podría dársele a cualquiera de estos. Nunca hay que olvidar que el opening no incide directamente con la trama y los eventos de una serie.
Los clásicos
«Tank!», opening de Cowboy Bebop.
Una lista así no podía empezar sin uno de los animes más icónicos de la historia. Cowboy Bebop, anime original del estudio Sunrise, se estrenó en la temporada de Primavera 1998. La fama de las aventuras en el espacio de Spike Spiegel y compañía, así como el tema interpretado por The Seatbelts, no necesitan mayor introducción.
«GRAIN», opening de Monster.
La adaptación del aclamado manga de Naoki Urasawa es otro de los viejos más conocidos de esta compilación. Monster fue llevado a las pantallas por Madhouse en la temporada Primavera 2004, y trata de la compleja historia alrededor del neurocirujano de élite Kenzou Tenma. El opening interpretado por Kuniaki Hishima cae al pelo con la atmósfera de la serie.
«Free Bird», opening de Haibane Renmei.
Aunque mucho menos popular que los dos anteriores, Haibane Renmei de Yoshitoshi Abe no deja de ser un anime de culto muy importante. El anime producido por el estudio Radix se emitió en la temporada de Otoño 2002, y cuenta la historia de Rakka, una joven Haibane –seres angelicales que nacen de un capullo. El calmado tema interpretado por Kou Otani refleja el místico y misterioso relato de la vida de Rakka y quienes la rodean en una ciudad cerrada y a cuyos habitantes no se les permite dejar.
Los 2000s
«Gun’s&Roses», opening de Baccano.
Baccano es sin duda otro de los nombres que más suenan en esta lista, al igual que su opening interpretado por Paradise Launch y caracterizado por unas transiciones bien creativas entre los planos. Fue producido por el estudio Brain’s Base y emitido en la temporada de Verano 2007. Una serie muy aclamada por su narrativa poco convencional y cómo conecta eventos y personajes que parecen no tener relación alguna.
«Main Theme», opening de Ghost Hunt.
No suena mucho en la actualidad, pero Ghost Hunt tuvo también algo de apogeo en su momento. Producido por J.C.Staff y emitido en la temporada Otoño 2006, trata acerca de la incursión forzada de la joven Mai Taniyama en el mundo paranormal de cazar fantasmas tras romper una cámara fotográfica. El opening interpretado por Masuda Toshio invita de manera tétrica al espectador a una historia con algo de terror y comedia.
«Paraiso», opening de Michiko to Hatchin.
Con dirección, filtros y mezcla de colores muy particular, el opening de Michiko to Hatchin –interpretado por SOIL & “PIMP” SESSIONS- completa este grupo. Tiene una vibra occidental y está ambientada en un setting sudamericano, en la cual se desarrolla la historia de Michiko Malandro, una ex convicta, y de Hana Morenos, una niña a la que “secuestra” de una familia adoptiva abusiva. El anime fue producido por Manglobe, y se emitió en la temporada de Otoño 2008.
Los OVAs
«Opening», opening de Golden Boy.
Debió entrar en el apartado de clásicos, pero para mantener uniformidad en el formato el histórico Golden Boy encabeza el grupo de OVAs. Un tema jovial y relajado, interpretado por Joyo Katayanagi, que va muy bien con la historia de un crack pervertido que acabó la universidad –como el mejor de su promoción- sin graduarse que viaja por Japón en su bicicleta, cruzándose con una serie de mujeres atractivas en el camino. Fue producido por APPP y lanzado por primera vez en octubre de 1995.
«R.O.D no Theme», opening de R.O.D: Read or Die.
R.O.D: Read or Die es otra serie que ya no suena mucho hoy en día, pero que cuenta con una reputación sólida y un tema con aire de misterio interpretado por Taku Iwasaki. Producido por Studio Deen y lanzado por primera vez en mayo de 2001, su popularidad desencadenó en un anime de TV en Otoño 2003 (R.O.D: The TV). El OVA sigue las aventuras de Yomiko Readman, una agente secreta afanada con los libros que tiene el poder de manipular el papel como un elemento supernatural.
«optimistically», opening de Kubikiri Cycle: Aoiro Savant to Zaregototsukai.
Aunque es la adaptación de únicamente el primer volumen de la serie de novelas ligeras Zaregoto, Kubikiri Cycle: Aoiro Savant to Zaregototsukai no falla en entregarle a los fans de Shaft lo que les gusta. La historia se centra en la resolución de un asesinato en una mansión isolada, pero con la “rareza” de lo que se espera del creador de Monogatari. Fue producido por Shaft –quienes más- y lanzado por primera vez en octubre 2016, con otra gran composición de Yuki Kajiura como opening.
Los olvidados
«Theme of D4», opening de D4 Princess.
Este es uno al que le tengo cariño y que me hubiese gustado que se extienda más, pero me ayuda escuchar de vez en cuando el épico tema del gran Kenji Kawai. D4 Princess trata sobre la experiencia de la joven princesa Doris Ruridou en la Academia Teito como una “Panzer”, una persona con habilidades especiales que lucha con una “herramienta”. Fue producido por el estudio Daume, y se emitió en la temporada de Primavera 1999.
«boomerang boogie», opening de Gad Guard.
Gad Guard es uno de los clásicos sci-fi producidos por Gonzo, que entró en emisión en la temporada de Primavera 2003. Con el tema interpretado por Pe’z, muestra a los diversos personajes en un futuro en el cual los recursos de la tierra se han agotado y el mundo está dividido en “unidades”. El encuentro entre el protagonista Hajiki Sanada y un GAD, objeto que reconstruye materiales y reacciona a los sentimientos de una vida orgánica, es aquello que pone la historia en marcha.
«Najica», opening de Najica Dengeki Sakusen.
Este tema interpretado por el Diligent Circle of Ekoda es mi favorito personal de toda la lista, y muestra todo lo que puedes esperar de Najica Dengeki Sakusen: acción, panty shots y panty shots. Como fiel producción del Studio Fantasia, este anime emitido en Otoño 2001 es la “secuela espiritual” de la serie AIKa. La historia de la perfumera y agente secreta, Najica Hiiragi, junto a su pareja Lila, una “humaritt” -“androide” con habilidades de combate-, es una muy entretenida con mejor desarrollo de personaje del que aparenta.
Han pasado dos años desde nuestro último análisis de personajes de Love Live!. La franquicia ha seguido alimentando a sus fans y hemos tenido películas, tres nuevas series (Love Live! Sunshine!!, Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai y Love Live! Superstar!!) y hasta la proyección del concierto en cines locales.
Love Live! es una franquicia que ha seguido creciendo, y antes del estreno de la nueva generación en julio, Proyecto Sugoi retomará el análisis de las integrantes de μ’s y para nada lo hacemos por pura nostalgia, cofcof.
Hemos analizado a las chicasde segundoaño, y hemos visto que uno de los problemas que nos presenta Love Live! es el de la confrontación entre lamodernidad y la tradición. Las chicas de segundo año representan la posibilidad de una convivencia entre ambos, lo cual no evita que pasen por ciertas dudas, inseguridades y tribulaciones con respecto al futuro: ¿qué será de su ciudad y su escuela, las cuales aman y representan un vínculo con las pasadas generaciones (sus madres y abuelas)?
Y desde las chicas de primer año, ¿cómo perciben esta tensión entre el pasado y el presente? ¿Acaso vemos una resignación frente a la realidad? Para responder estas dudas, continuaremos con el análisis de las integrantes de μ’s, en concreto, con las chicas de primer año. El día de hoy veremos a Rin Hoshizora.
Rin Hoshizora: características
Atlética, activa, con mucha energía y gran coraje, pero muy floja para los estudios. Es amiga de infancia de Hanayo Koizumi, y tiene algunos puntos en común con Honoka, por lo que será nombrada como la segunda al mando en el grupo. Incluso llega a reemplazarla como líder cuando, en el quinto episodio de la segunda temporada (“A New Me”), las chicas de segundo año se van de viaje.
Este capítulo no solamente explora el conflicto que genera en Rin llevar una responsabilidad muy grande como la de ser la líder suplente de μ’s -¡y gran tarea!, pues Honoka tiene una personalidad que integra a las chicas y le da la valentía para asumir la colosal tarea de salvar a su colegio-. También se reconoce la fuente de la inseguridad de Rin. Pero antes de explayarnos en el tema, veamos cuáles canciones representan a Rin y cómo las letras reflejan su personalidad.
Rin como protagonista en «A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Una música sobre la sinceridad y el optimismo
Algunas canciones de μ’s que tienen a Rin como centro son “Yuujou No Change”, “Love wing bell” y “Hello, Hoshi o Kazoete”. Asimismo, compartirá este con Hanayo en “Arashi no Naka no Koi dakara”. Como parte de la sub-unidad lily white, será centro en canciones como “Kimi no Kuse ni!”, “Onaji Hoshi ga Mitai” y “Shunjou Romantic”. Finalmente, tiene un dúo con Honoka, con quien canta “Mermaid festa vol.2 ~Passionate~”,y sus solos son “Kururin MIRACLE” y “Koi no Signal Rin rin rin!”.
Rin es el centro en la primera canción con temática amorosa en la franquicia de Love Live!. En “Yuujo No Change” (1) muestra optimismo frente a ese sentimiento tan nuevo que es el amor. La novedad de este sentir inevitablemente puede generar temor y cierto dolor, pero la “voz poética” (2) rescata el hecho de jamás darse por vencido ni paralizarse frente a los sentimientos.
I understand you’re falling in love I understand that it’s something wonderful so I hope no matter what you definitely won’t let it go
You’ll understand after losing it I understand it’s precious but Another chance will come swooping down evenly
«Yuujo No Change», μ’s
Este atisbo de personalidad decidida y enérgica podemos confirmarla en “Koi no Signal Rin rin rin!”. En esta canción descubre el amor. Y si bien no lo acepta con facilidad, prefiere ser honesta con sus sentimientos. Se sonroja con facilidad y da pequeños signos de atracción hacia el ser amado, y no se rinde aunque esta persona todavía no se da por enterado de lo que siente Rin.
Please let my ability to find mysterious awaken I want to feel excited every day But not because of you…you’ve got it all wrong! I’m in a strange mood, it feels like all excuses […]
I wanna make sure, ren-ren-rendezvous It’s so fun…isn’t this love? In my heart, a colorful ren-ren-rendezvous My reddening cheeks are too honest! […]
Here’s my small signal, rin-rin-ring a bell You pretended to not hear, but I kept on ringing Give me your answer, please!
«Koi no Signal Rin rin rin!», μ’s
«Love wing bell»: sobre la aceptación y la transformación
Por otro lado, “Love wing bell” y “Kururin MIRACLE” nos presentan la otra cara de la moneda de Rin. Se trata de un personaje que, pese a su optimismo y honestidad, tiene poca confianza en sí misma y no le gusta su apariencia. Sin embargo es gracias a sus amigas, quienes la acompañan en el camino y no la juzgan, que aprende a aceptarse a sí misma y explorar facetas de sí misma que reprimió.
«Love wing bell» es el insert song del capítulo «A new me”, en el cual las chicas de μ’s son invitadas a un evento donde Honoka desfilaría con un vestido de novia acompañada por las otras chicas del grupo, quienes estarían vestidas con un terno. Sin embargo, Honoka, Kotori y Umi deben cancelar su participación porque se irán de viaje de promoción a Okinawa. Es así como Honoka decide nombrar a Rin como segunda líder, cosa que no sería problema para ella de no ser porque, como líder y centro de la canción que van a presentar en dicho evento, debe usar un vestido.
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Es en este momento donde descubrimos la mayor inseguridad de Rin: no le gusta usar faldas porque de pequeña otros niños la molestaban por su aspecto poco “femenino”. Esta experiencia, sumada con el prejuicio de que las mujeres deben desarrollar por igual pechos y cadera, con lo cual se ignora la diversidad corporal, habría creado en el personaje un complejo que la lleva a rechazar su propio cuerpo. Rin considerará, entonces, que «no es linda ni femenina».
Pero este episodio será especial para el crecimiento de Rin, pues logra reconciliarse consigo misma, y acepta su cuerpo y sus características físicas. “Love wing bell” es signo de ello. Como dijo Iida Riho, seiyuu de Rin:
It’s a record of Rin-chan’s maturing…♡
Riho Iida, “μ’s Go→Go! LoveLive! 2015 ~Dream Sensation!~”
La letra de la canción expresa el asombro de Rin por descubrir que ella también puede ser linda y femenina como las demás chicas (3). Asimismo, la «voz poética» se asombra al descubrir que habían en su interior muchas cosas en potencia. Y será gracias a la confianza que le brindan sus amigas que será capaz de explorar ello y, por fin, “transformarse” y “renacer”. Se trata, entonces, de una canción de amor, pero, sobre todo, una que implica amarse y aceptarse a uno mismo.
This road we walk down, beckoned by the light, Continues on to the future, brimming with hope.
Anyone can become cute? Yes, I know it’s possible! Even someone like me… Transform!
So, I’ll give this to you. Cheer up! With our smiles just the way they are, Let’s sing, let’s sing! I’ll give this to you. Cheer up! Let’s stop worrying and look to our dreams. If I’m with all of you, my beloved friends, new things are within my reach. Let’s be reborn! From here, your world will grow even more. Come on, I can see tomorrow! Love wing… love wing… […]
Yes, that’s right, every girl will have her day to be a princess. So happy, so happy, it’s just like magic. Surprise brings forth the pulse of a dream. Love is an important thing; it lets you do some wonderful things. Let’s be reborn. Let’s go look for the next stage. Now, what kind of ‘me’ shall I be tomorrow? Love bell… love bell…
«Love wing bell», μ’s
Por otro lado, “Kururin MIRACLE” explora la resolución de la crisis de Rin frente a su cuerpo y, quizás, una armonización en la performance de género (4). La canción muestra una «voz» alegre, enérgica, llena de optimismo y que se ha aceptado a sí misma, lo cual le permite explorar un lado que no pudo por temor:
I want to dance as my brand new self Twirl-twirl, whenever I twirl around and take a jump The sight of my fluttering skirt makes me so happy That I just have to twirl around again
I can be true to myself now, so Twirl-twirl! I’ll twirl around and chase after my goal To all of you, who gave me this bit of courage I want to say I love you!
There’s still a lot more to go If I run down the path to girlhood from the starting point It might be there, waiting for me… Love’s signal! […] I want to become cute — That’s one of my dreams!
«Kururin MIRACLE», μ’s
En el caso de Rin, se trata de una entrada a la adolescencia donde se da una aceptación del cuerpo y de la feminidad -que, nuevamente, ella misma temía explorar por haber sido objeto de bullying en su infancia-. Este inicio de la adolescencia y exploración del género se puede apreciar en el uso repetido de la palabra «girlhood» o «joshi» (女子) en la letra original, donde joshi suele hacer referencia a la etapa liminal, entre la niñez y la adultez (5).
Personajes femeninos, performances… ¿femeninas?
Finalmente, el arco de desarrollo de Rin trae a la luz otro tema importante en Love Live!: el género. Sabemos que Love Live! se caracteriza por tener en cada una de sus temporadas y generaciones de school idols un cast enteramente femenino. Esto nos invita a pensar en las diversas performances de género y en las dinámicas que se dan en los espacios homosociales femeninos.
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
A través de Rin -y más adelante, con personajes como You Watanabe de Love Live! Sunshine!!– el anime parecería apostar por una «fluctuación del género», ya que Rin abraza su lado más «femenino», lo cual permite que confluyan en ella elementos “femeninos” y “masculinos”. En otras palabras, uno no excluye al otro (6).
Para cerrar, podríamos tener dos lecturas con respecto al arco de Rin, y al tema del cuerpo y género en Love Live!. Por un lado, el anime podría enseñar al público que en la infancia una chica puede tener actitudes poco femeninas, pero que a medida crece, es normal abandonar esas actitudes y adoptar la feminidad. Para algunos esto podría hacer que el anime sea concesivo y que siga la norma social, ya que uno de los personajes logra convertirse en una «chica femenina», apoyando la idea de que lo «femenino» es deseable para las mujeres. Por otro lado, quizás como una lectura más esperanzadora y transgresora, es que Love Live! propone una aceptación del cuerpo, donde confluyen lo “masculino” y lo “femenino”. Y la armonización de ambos no solo permiten el crecimiento del sujeto, sino que es un paso necesario para alcanzar la verdadera madurez.
En conclusión…
Rin Hoshizora es un personaje lleno de energía y optimismo, cuyo crecimiento se da gracias a la aceptación de sí misma. Ello le permitirá explorar otras facetas y, en el proceso, madurar. Así como Umidaba luces sobre el problema de la tradición y la modernidad en Love Live!, Rin coloca en primer plano el tema de la representación del género y su diversidad.
Con ella se da un rescate de la «feminidad», donde esta no tiene por qué ser intrínsecamente negativa. Todo depende de qué valores se le asignan y cómo se reformula.
We must protect her smile :’) (Love Live!The School Idol Movie, Sunrise 2015)
Algunas recomendaciones 🎵
Algunas canciones que reflejan muy bien la energía, honestidad y crecimiento de Rin son:
(1) La primera canción de μ’s, “Bokura no LIVE Kimi to no LIFE”, trata sobre el sentimiento de alcanzar una meta junto con las personas que más quieres. Honoka, es el centro de esta canción, por lo que tiene sentido que se desprenda del tema amoroso. (2) Acortado a “voz”, se refiere al “personaje” que tanto la letra de la canción nos brinda. En Literatura suele ser peligroso relacionar la “voz poética” con el mismo poeta, pero haremos una excepción con el análisis de las canciones de Love Live!. En el caso de las canciones y las images songs, podríamos relacionar el mensaje con el personaje que lo canta. De esta forma, las canciones serían un reflejo del personaje y ayudaría a profundizar en algún aspecto de su personalidad. (3) Quizás se sienta, por fin, parecida a Hanayo, quien considera posee aquellas cualidades que a ella le faltan. (4) Es importante no confundir “sexo” con “género”. El sexo no tiene por qué encajar con los estereotipos de género que se imponen al sujeto. En el caso del anime, probablemente a Rin no le gustaba de niña las cosas “típicas” de niña, y sus actitudes y gustos coincidían con el que la sociedad designaba de los niños. Al tender hacia lo “masculino”, y con esto escaparse de la norma, la sociedad la lastimó, lo cual generó en Rin un rechazo hacia sí misma. En consecuencia, no acepta su cuerpo, no cree merece ser calificada con términos propios de la «feminidad» como «linda», ni que tampoco pueda ropa «femenina» como las faldas. (5) Semejante al término shōjo. (6) Esta exploración del «género» más allá del sexo se propone también con el personaje de Yuu Takasaki, el self-insert character de Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai. Todos los espectadores se pueden identificar con ella, pero invita especialmente al público masculino a ingresar al mundo homosocial femenino desde la mirada de otra shōjo.
Nagaike, Kazumi. 2010. «The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics. Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives». Electronic journal of contemporary japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Los días de escuela, y hay cosas que no cambian: el trato hacia los “marginados”. Pero así como hemos visto en algunas películas estadounidenses para adolescentes, donde de pronto los chancones tienen un improvement, de igual manera vemos en la película china Our Shining Days que son los otakus quienes salvan el día.
Our Shining Days (闪光少女), película china dirigida por Wang Ren y estrenada el 2017, presenta a Jing Chen, una joven de segundo año que estudia en la Academia de Música Zhongxia. Esta se divide en dos áreas: el de música folklórica china y el de música “clásica” ¾occidental¾, donde sus estudiantes compiten y se menosprecian entre sí.
En este contexto, Jing Chen, quien es experta en yangqin¾instrumento de cuerda emparentado con el guzheng, el koto japonés o incluso con el piano¾, se enamora de Wen Wang, joven
promesa del piano que se encuentra
en el último año de escuela y está próximo a realizar sus estudios
universitarios en el extranjero. Por ello, la protagonista decide declararle su
amor. Sin embargo, será rechazada no
solo porque Wen Wang no la conoce, sino también la menosprecia por tocar un instrumento
“no prestigioso”.
Y para sumarle mayor drama a su historia, su especialidad
corre el riesgo de cerrar porque el director no considera que esta sea
atractiva, importante ni fructífera a diferencia de los estudios de música
“clásica”. Por ello formará con su mejor amigo, You Li, y cuatro jóvenes marginalescofcofotakuscofcof
una banda musical llamada “Dimensión 2.5”,
la cual les permitirá demostrar a maestros, padres y compañeros que la música folklórica china no es motivo de
vergüenza ni está próxima a desaparecer.
De esta forma, Our
Shining Days llama la atención por la aproximación que tiene sobre el pasado y la tradición, la cultura de fans y la cultura otaku, y la capacidad que tiene
este grupo de tomar una acción política
y reactualizar el pasado.
Los “marginados”: los otakus y los estudiantes de música tradicional
Our Shining Days presenta a los estudiantes de música tradicional como alumnos marginados dentro de la estructura social de la Academia de Música Zhongxia. No reciben el apoyo de los profesores del colegio y son percibidos como una carga, a diferencia de los alumnos de la especialidad de música “clásica”, a quienes se les otorgan la mayor cantidad del presupuesto y se les brindan espacios donde pueden presentarse como ensamble. Esta inequidad del trato por parte de las autoridades refuerza la diferencia entre ambas especialidades y alienta a los alumnos de música “clásica” a sentirse superiores a sus compañeros.
Sin embargo, dentro de este grupo hay uno aún más marginalizado: las chicas del dormitorio 502, quienes se dice están obsesionadas con la “segunda dimensión”. Estas otakus aman los animes, mangas y videojuegos, y pese a ser etiquetadas como las “raras” de la escuela, Jing Chen tendrá que recurrir a ellas si desea crear una banda de música folklórica que llame la atención de Wen Wang.
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De esta forma, la protagonista les ofrece a Xiao Mai, Ying Zi, Beibei y Tata ¾especialistas en guzheng, erhu, ruan y pipa respectivamente¾ comprarles muñecos originales de anime por cada semana que entrenen y pagarles por un año el servicio de Internet. Así nace el ensamble Dimensión 2.5, en el cual las chicas del dormitorio 502 representan la segunda dimensión ¾por sus gustos, “su estilización y belleza”, en palabras de una¾ y Jing Chen y You Li representan el mundo real.
Vemos, entonces, dos grupos que son marginalizados en la sociedad: los estudiantes de música tradicional ¾quienes por parte de los profesores y el alumnado se cree que no representan lo “moderno”, van en contra del “progreso”, tienen un conocimiento “obsoleto” y quedarán en la pobreza¾ y las jóvenes otaku ¾a quienes sus amigos conciben como “infantiles” y sus familiares consideran como “extravagantes” y no productivos¾ (1).
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Este discurso de la música folklórica como algo destinado al fracaso incluso ha sido asimilado por los mismos estudiantes, especialmente por la protagonista, quien criticará a sus compañeras:
“¿Cuál es la gloria de hacer algo que está destinado al fracaso? Admite que lo haces por tu propia gratificación” (Jing Chen, Our Shining Days).
Jing Chen ha internalizado el discurso de que la música tradicional está destinada al fracaso, y ella abandona la música folklórica cuando Wen Wang la rechaza por segunda vez y porque cree que dicho camino le es una carga; algo que le fue impuesto por su familia.
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El rechazo hacia los estudiantes de la especialidad de música folklórica y hacia los otakus encuentra un paralelo con la creencia de que los fans son inadaptados sociales.
Matt Hills en la introducción de su libro Fan Cultures, cita a Jenkins, quienseñala que los fans suelen ser objeto de burla y sobre ellos se proyectan diversas ansiedades sociales. Asimismo, Federico Álvarez Gandolfi nos señala que la sociedad suele imponer diversos mecanismos que permiten la patologización del fan, en el cual se construye al sujeto como “vago”, “inútil”, “enfermo”, “solitario” u “obsesionado”.
Pero veremos, gracias a la teoría de fans, cómo la película deconstruye esta imagen y nos propone que los otakus pueden ser un grupo creativo, capaz de reactualizar el pasado y hacer que la gente retome atención en este. La búsqueda del fan joven no se basa en la nostalgia ¾en el regreso de un pasado que solo provoca la petrificación¾, sino en el respeto por el pasado y en el mensaje que buscaba transmitir, y tratar de adaptarlo a los nuevos tiempos.
De consumidores a productores: la teoría de fans
“Ser débil y pequeño está bien porque tenemos amigos” (Our Shining Days)
Por años, se ha señalado al fan como infantil, un consumidor pasivo que está inserto en las normas de mercado. Sin embargo, Matt Hills resalta que el fan, al igual que el niño, tiene una capacidad lúdica que le permite transformar los objetos y productos culturales, y usarlos de manera creativa. Asimismo, resalta que el fan también puede tener el rol de un productor.
Este proceso refleja que el fan tiene una capacidad auto reflexiva, la cual le permite entender las razones de su gusto o fijación por un producto, sistematizarlo y crear algo nuevo. Finalmente, Hills señalará que este proceso de producción implica por parte del fan una mezcla de entusiasmo y pasión que será transmitida al espectador.
En primer lugar, esta imagen del fan-productor lo podemos ver en la película en personajes como Xiao Mai, quien es conocida en Internet como “El señor de los mil dedos” y es una conocida intérprete de música ancestral. Ella recibirá el apoyo de Ying Zi, Beibei y Tata, quienes son expertas en historia, literatura, textos antiguos y en instrumentos folklóricos chinos.
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Ellas demuestran que la mujer ocupa en el fandom un lugar importante, y muchas de ellas suelen ser consumidoras y productoras. Robin Brenner, por ejemplo, en su artículo “Teen Literature and Fan Culture” rompe con el mito de un fandom mayormente masculino, y señala que los productos realizados por fans mujeres suelen cuestionar la norma.
De esta forma, la música ancestral que producen Xiao Mai y compañía cuestionan la petrificación ¾imposibilidad de renovación y cambio¾ de la música folklórica, y a partir de un profundo conocimiento de la música de antaño, ellas performan un género que respeta la tradición e inserta algunos elementos de la modernidad (2), como guitarras eléctricas o un espectáculo visual.
En segundo lugar, este entusiasmo y energía serán transmitidas al espectador en un momento clave de la película: la convención de ACGD ¾anime, cómics, juegos/games y donghua¾. Este espacio es vital no solo porque en él logran acercar la música ancestral a otros fans gracias a un elemento que apela a ellos: el cosplay (3). También conviven en este la modernidad y la tradición.
El show principal presenta a un grupo idol y al ensamble “Dimensión 2.5”. La primera se vincula a la cultura idol,género que proviene de Japón y que a su vez bebe de otros estilos occidentales. Este género se vincula a la modernidad y la tradición no solo porque nace por un proceso de globalización (4), sino también porque la concepción de sus cantantes se puede vincular a la construcción del cuerpo y las deidades en Japón. Por otro lado, la segunda banda performa música ancestral, la cual ya hemos visto, une elementos de la música folklórica china con otros más modernos, como la ropa en el caso de la convención o instrumentos y tecnologías contemporáneas, como se podrá apreciar en la última presentación, casi al final de la película.
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Entonces, tanto el espacio de la convención, el cual une modernidad y tradición, como la referencia a la cultura idol no deben pasar desapercibidos.
Asimismo, tampoco debe pasar desapercibido cómo la película propone que tanto la convención de ACGD, donde se presentó el grupo Dimensión 2.5, como el auditorio donde se presentó Wen Wang son espacios culturales válidos. Pese a que el primero sea menospreciado bajo la etiqueta de “cultura popular” o “baja cultura” y el otro como “alta cultura”, ambos deben ser reconocidos como espacios válidos para la difusión cultural. Lo interesante es que la película propone que la convención de ACGD es un espacio “alternativo” dentro del circuito musical, donde se revaloriza el pasado y la tradición. Esto se puede apreciar luego del concierto, cuando los asistentes le preguntan a Jing Chen qué instrumento tocó porque desean aprenderlo.
Dicha presentación no solo repercutirá en los espectadores del evento. Gracias a la tecnología ¾es decir, celulares, grabación e Internet¾ la presentación llegará a los ojos de la escuela, donde se sembrará una esperanza de cambio en los alumnos de la especialidad de música folklórica.
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Música ancestral: esperanza utópica y comunidad otaku
“Amamos el folklore, amamos la segunda dimensión. Amamos la música ancestral” (Xiao Mai, Our Shining Days)
Esta esperanza de cambio que se da a través de la cultura popular tiene un correlato con el concepto de “esperanza utópica”. En el libro Turning Pages de Sarah Frederick, la autora cita el concepto de Rita Felski para referirse al potencial que tiene la literatura melodramática para generar una esperanza de cambio social en el lector.
En este caso, podemos realizar una extrapolación, ya que las integrantes del grupo Dimensión 2.5 son okatus. Es decir, ellas consumen anime, manga y videojuegos, todos ellos productos de la cultura popular, en cuya categoría también entra la literatura melodramática, pues en su momento fue considerada parte de una “cultura de masas”. De esta forma, podemos intuir que el potencial que Felski identifica en la literatura melodramática también lo podríamos encontrar en algunos productos de la cultura otaku.
Por lo tanto, no es gratuito que la película nos muestre diferentes referencias al anime: los pósters en el dormitorio 502, el centro de convenciones de ACGD y las figuras que Jing Chen debe comprarles a las chicas ¾entre los cuales reconocemos a Kotori Minami de Love Live!, personajes de Kuroshitsuji, Kancolle y Touken-Ranbu¾.
Pero entre todas las referencias al anime, hay una que llama la atención: la recurrencia a Love Live! y la cultura idol. Entonces, será necesario entender esta película en una relación intertextual con dicha franquicia.
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
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La historia de Love Live! nos presenta personajes que, gracias a la pasión y amor que sienten hacia los espacios que frecuentan y que las conectan con sus madres, su familia y su pasado, logran evitar que su escuela cierre.
De igual manera, Jing Chen recuperará la pasión que sentía hacia el yangqin y utilizará ese amor que siente hacia la música folklórica para salvar a su especialidad. Es así como vemos que la pasión de la protagonista hacia la música tradicional china es semejante al concepto que propone Hills sobre el fan. Se trata de un sujeto que, luego de descubrir su pasión, pasa por una experiencia autotransformativa y sigue este camino de manera voluntaria.
Este camino le permitirá a Jing Chen y sus amigos cuestionar la supuesta superioridad de la cultura occidental sobre la local:
“¿Sabes lo que es un yangqin, Wen Wang? Al yangquin lo trajeron a China de Persia durante la dinastía Ming. Comparte sus raíces con el piano. El primer piano fue inventado en Alemania en 1709, ¡pero los chinos tocamos yangqin desde hace 400 años! ¡400 años! ¿Quién eres para menospreciarla? Cuando vayas al exterior, ¿no quieres decirle a todos lo grandiosa que es nuestra música? (You Li, Our Shining Days)
Luego de que Dimensión 2.5 adquiriera cierta notoriedad entre otros otakus y los estudiantes de la especialidad de música folklórica, y que Wen Wang rechazara por segunda vez a Jing Chen, es que los jóvenes dejan de menospreciar el conocimiento que tienen y lucharán para que este no sea olvidado ni desplazado por lo “moderno” y lo “occidental” (5). Ello tiene por consecuencia una lucha entre bandas, la cual se desarrollará durante la visita de un inspector del Estado a la escuela:
Como se puede apreciar en el video, entre ambas especialidades existía una reja ¾desde el lado de la especialidad de música folklórica¾ que los separaba. Ello demuestra que para las autoridades de la escuela la música tradicional china es rechazada y tratada de manera desigual. Sin embargo los alumnos demostrarán que la música folklórica china y la música occidental están al mismo nivel. Pero la música china tiene una ventaja. A diferencia de los instrumentos occidentales, poseen el suona, instrumento que logra emular el sonido de la naturaleza y hasta el habla (6).
Esta pasión que sintieron los jóvenes hacia la música folklórica les permitió posicionarse como iguales ante sus compañeros de la especialidad de música “clásica”.
“Oriente y Occidente se unen. No existen los conflictos en la música. Saquen la puerta. Es y santuario del arte. No lo haga ver como una cárcel” (Inspector del Ministerio de Educación, Our shining days).
El siguiente elemento intertextual con Love Live! es cuando se anuncia, casi al final de la película, que el departamento de música folklórica no admitirá estudiantes el siguiente año. Ante dicha noticia Xiao Mai y los integrantes de Dimensión 2.5 se ofrecen como voluntarios para tocar en un concierto en vivo que será transmitido por televisión. Y con ellos se unirán otros chicos del departamento, lo cual se asemeja al apoyo que las integrantes de μ’s y Aqours, de Love Live! y Love Live! Sunshine!! respectivamente, reciben de sus compañeras de colegio para salvar la escuela. De esta manera, la pasión que siente un pequeño grupo puede transmitirse a las demás personas, con lo cual pueden lograr algo mayor (7).
Gracias a la participación de todos los estudiantes de música folklórica y el apoyo de los chicos de la especialidad de música “clásica”, logran presentarse en vivo. En dicho lugar demostrarán ante los futuros estudiantes de la escuela que el folklore puede incluir elementos de la modernidad, con lo cual crean un producto que llama la atención a las nuevas generaciones.
De esta manera, la música ancestral no solo incluye elementos de la tradición, sino también de la contemporaneidad y la tecnología. Es así como en su performance, además de utilizar instrumentos chinos tradicionales, incorporan guitarras electrónicas y hasta hologramas. Con lo cual tienen como resultado un show que atrae a la nueva generación de alumnos y los convencerá para unirse a la especialidad de música folklórica.
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Conclusiones
Por lo tanto, Our
Shining Days propone una esperanza de cambio en la sociedad. Vemos por
parte de Jing Chen y los integrantes de Dimensión 2.5 una esperanza útopica que conduce a una acción política que permite la reactualización
del pasado, es decir, una renovación de la música tradicional. Ello permite
que la tradición y el pasado sigan vigentes, pero esto se da gracias a que esta no es estática ni petrificada. Por
el contrario, debe entablar diálogo con nuevos género y nuevas tecnologías e
influencias, con lo cual se le da un nuevo carácter.
Por ello, queridos lectores,
piensen dos veces antes de burlarse de los nerds u otakus. Puede que nos salven
el pellejo ¾o
nuestra historia¾ un
día.
Notas
(1) Esto lo podemos ver en el caso de Xiao Mai, Beibei, Tata y Ying Zi, cuyos padres y amigas las consideran como infantiles e improductivas a nivel económico. Como contraparte tenemos a You Li, un otaku de clóset que, por presión de su familia, debe prepararse para estudiar en el extranjero. Él es un ejemplo de cómo los padres y la sociedad consideran a los jóvenes como competentes y productivos si es que acceden a la universidad, y mejor aún si llegan a realizar sus estudios en el extranjero. Sin embargo llama la atención cómo la película también parece criticar a quienes viajan al extranjero y pasan por un proceso de aculturación, como Wen Wang. De esta manera, cuando Jing Chen califica a You Li como un “traidor”, podría verse un reflejo de cómo la cultura china contemporánea concibe a quienes se van del país: como jóvenes que traicionan a la patria, ya que traerían ideas que van en contra de la norma y lo que instituye el Partido Comunista Chino.
(2) Esto nos lleva a pensar cuál es la aproximación, por ejemplo, que se tiene de algunas danzas folklóricas en los países latinoamericanos. Se percibe un enfrentamiento de perspectivas, donde se puede advertir un desplazamiento de algunas danzas sobre otras más populares. Sin embargo queda abierta la posibilidad de una renovación y evolución de estas a partir del conocimiento que tienen los más jóvenes de otras danzas.
(3) Se puede apreciar que Xiao Mai en sus presentaciones usa un traje inspirado en la estética del género Wuxia. Este es un género de ficción que presenta aventuras de artes marciales en la antigua China.
(4) Asimismo, la reciente internacionalización del fenómeno idol en Asia y hasta en Latinoamérica ¾como se pudo apreciar en las notas de los eventos “Kawaii Music” y “Lovely Maid Café Comeback!”, donde en el último sus integrantes tienen influencia de la cultura idol, específicamente animes como Love Live!¾ demuestra cómo la cultura popular y la cultura de fans china dialoga con otros países de la región.
(5) De igual manera se ve en Love Live! a través del conflicto entre A-Rise y μ’s, donde la escuela de la primera representa la modernidad y la escuela de la cual proviene la segunda representa la tradición. Para una ampliación sobre el tema se puede consultar el artículo “A-RISE: el auge del consumo y la modernidad (Love Live!)”.
(6) Instrumento relacionado con el oboe y la trompeta. Fue introducido a Centroamérica, especialmente en Cuba, tras las migraciones chines; allí es conocido por el nombre de corneta china. Este triunfo de un instrumento que imita los sonidos de la naturaleza y la voz humana representaría una idealización de la sociedad china, la cual une la naturaleza y la esfera humana. Un contraste con la cultura occidental, la cual se ha caracterizado por una oposición entre lo humano y la naturaleza.
(7) Premisa un poco distinta a Love Live!, donde las idols, gracias al apoyo de las demás personas, logran el éxito, lo cual conduce a su vez a un éxito grupal. En el caso de Our Shining Days se propone que un grupo inspira a las otras personas para que todos en conjunto puedan alcanzar la meta.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Álvarez Gandolfi, Federico. 2015. “Cultura de fans y cultura masiva. Prácticas e identidades juveniles de otakus y gamers”. La Trama de la Comunicación. Rosario, 19, 45-65.
Becker, Howard. 2010. Outsiders. Hacia una sociología de la desviación. Buenos Aires: siglo veintiuno editores.
Brenner, Robin. 2013. “Teen Literature and Fan Culture”. YALS. Young Adult Library Services. 33-36.
Chen, Jin-Shiow. 2007. “A Study of Fan Culture: Adolescent Experience with Animé/manga Doujinshi and Cosplay in Taiwan”. Visual Arts Research. Illinois, 33, 1, 14-21.
Frederick, Sarah. 2017. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Shamoon, Deborah. 2012. Passionate Friendship. The Aesthetics of Girls’ Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
“El instrumento chino más contundente — el Suona”. En Shen Yun Performing Arts. Recuperado el 15 de diciembre de 2020. <https://es.shenyunperformingarts.org/news/view/article/e/zd13dGAgDg8/el-instrumento-chino-m%C3%A1s-contundente-%E2%80%94-el-suona.html>
Seamos honestos: toda comunidad de fans tiene sus discusiones y diferencias. Pero siempre podremos encontrar momentos o eventos que se consideran como espacios de reunión e hitos fundacionales, importantes para la conformación de una comunidad. Y para los lovelivers -o fanáticos de Love Live!–el espacio que nos congrega es «Snow Halation».
“Snow Halation” 101: Un poco de historia
Snow Halation es el segundo single de μ’s -banda conformada por los personajes Honoka Kousaka, Umi Sonoda, Kotori Minami, Maki Nishikino, Hanayo Koizumi, Rin Hoshizora, Nico Yazawa, Eli Ayase y Nozomi Toujou, miembros de la primera generación de school idols de la franquicia-, lanzado el 22 de diciembre de 2010, meses después de ser anunciado el proyecto multimedia Love Live! en la revista Dengeki G’s Magazine.
Se trata de una canción de los inicios de μ’s, cuando ni la franquicia ni todas sus seiyuus eran tan populares. Junto con la canción realizaron un promotional video (PV), donde vemos una mayor estilización en el diseño de los personajes (1). La canción también fue el tema central del episodio nueve de la segunda temporada de Love Live!, estrenada el 1 de junio de 2014.
“Snow Halation” y los fans: del concierto al anime
Desde las primeras presentaciones de Love Live! se ha usado un lightstick especial, llamado UO o “ultra orange”, para marcar el “camino de luz” que sigue a Honoka, quien es el centro de la canción, durante el PV. Y a medida fueron volviéndose más grandes y masivos los conciertos, el uso de este en las performances de “Snow Halation” se convirtió en una de las marcas de la comunidad loveliver.
Y es que el UO no solo tiene un significado especial para los fans de Love Live!, sino también en el mundo idol, ya que posee una iluminación más fuerte que los lightsticks regulares, por lo que solo es usado en momentos especiales. En este contexto, el uso masivo de este demuestra la gran capacidad de organización de los fans, quienes se sirvieron de las redes sociales para promoverlo o incluso algunos regalaron UO en la entrada de los conciertos.
Estos eventos no solo permiten la formación de una comunidad entre los fans. También les brinda la sensación de formar parte de este mundo de ficción, donde las seiyuus encarnan por unas horas a los personajes y los fans representan tanto el escenario del MV como el público que hace posible la realización del concierto (2).
Dicha participación por parte del público, quienes hacen posible los eventos, apoyan y admiran a las jóvenes idols, se puede apreciar en el noveno capítulo de la segunda temporada de Love Live!, “Melody of the Heart”,estrenada el 2014. Cabe resaltar que para ese momento ya era conocido y difundido entre el público el uso de UO en las presentaciones de “Snow Halation”.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
El anime nos presenta las preliminares para las finales de la competencia de idols escolares, Love Live! Las nueve integrantes de μ ‘s deberán reunirse en el lugar donde se desarrollará el evento, pero antes las chicas de segundo año tendrán que estar presentes en la charla informativa de Otonokizaka, a la cual asistirán las alumnas interesadas en unirse a la escuela. Y si bien es un evento al cual Honoka, Umi y Kotori no desean faltar, ya que de ello también depende el futuro de su colegio, una fuerte tormenta podría impedirles asistir a la competencia.
Terminado el evento, se dirigen a la final, sin embargo están por rendirse debido a la tormenta de nieve. No obstante, salen a su encuentro todas las alumnas de la escuela, quienes han limpiado el camino para que puedan correr sin dificultades hasta el lugar de la competencia. Con ello vemos cómo se resalta que el éxito de las idolssolo es posible gracias al apoyo de toda la comunidad. En ese sentido, el éxito de μ ‘s se dio a lo largo de la serie no solo gracias al apoyo de sus fans, la escuela y sus familiares, sino que se produjo, especialmente, por el soporte que les brindó la comunidad estudiantil. Así como las chicas de μ ‘s les brindaron a sus compañeras la esperanza de que el colegio no va a cerrar (3), toda la comunidad estudiantil les ayudará y las alentarán hasta el final.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Por lo tanto, la historia de “Snow Halation” representa todo el esfuerzo que tuvo que realizar la primera generación de seiyuus de la franquicia para que esta tuviese éxito. Pero también simboliza la organización y apoyo de los fans, quienes son el soporte y la razón de la popularidad que alcanzó Love Live!
10 años de una franquicia: su evolución (y sus memes)
Y como todo hito fundacional contemporáneo, el alcance de “Snow Halation”ha sido tal que ha repercutido en Internet y ha sido objeto de meme material (4).
Recordemos que hasta hace unos años, antes del 2016, era muy difícil acceder al contenido de la franquicia de manera legal, por lo que algunos usuarios compartían por redes las canciones y demás productos. Sin embargo, los videos y canciones subidas a YouTube serían luego censuradas, ya que infringían los derechos de autor. Como respuesta, algunos fans responderían de manera lúdica y harían mashups o rips de “Snow Halation”, de tal manera que no podría ser censurada nuevamente. Ejemplo de ello lo encontramos en las versiones de SilvaGunner o Triple-Q. Ello nos demuestra que la comunidad de fans, especialmente la de Internet, siempre encontrará una forma de superar la censura y compartir contenido de manera creativa.
Han pasado 10 años desde el lanzamiento de la franquicia; 10 años desde el hito que nos funda como comunidad.
“Snow Halation” es uno de los elementos que une a los fans más antiguos y más nuevos de la franquicia. Y es gracias al gran éxito que representa que el día de hoy tenemos un nuevo anime y una tercera generación de school idols. Incluso se ha anunciado a inicios de año una cuarta generación de Love Live! y quiénes serán las nuevas seiyuus (5).
Como fan de Love Live!,“Snow Halation” representa todo lo bueno de la serie y sus personajes: la pasión, la energía y la esperanza, así como la posibilidad de seguir lo que uno ama y en el camino encontrar una comunidad con la cual compartir y mejorar.
NOTAS:
(1) Diseño descartado en su momento, pero que parece haber sido recuperado y vuelto trabajar para el diseño de personajes del anime Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai.
(2) Este mismo principio, y la inmersión del espectador o jugador (en el caso del gacha Love Live! School Idol Festival) en la narrativa, fue rescatado en Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai a partir de la creación del personaje de Yū Takasaki, quien cumple el rol de compositora y manager del club.
(3) Y con ello no cerrará un espacio que ha congregado a distintas generaciones de mujeres, donde han estudiado abuelas, mamás e hijas. Este dato se sabe gracias al anime y a los School Idol Diaries, donde se señala que las mamás o las abuelas de Honoka, Eli, Kotori y Umi han estudiado en la Preparatoria Otonokizaka.
(4) Esto nos muestra un cambio de paradigma, donde los hitos fundacionales no tienen que ser momentos “sagrados”. Por el contrario, las personas pueden aproximarse a este de una forma lúdica y hasta creativa.
(5) Gratamente, se trata de un grupo más «internacional», ya que personajes como Kanon Shibuya y Keke Tang son ¼ española y china respectivamente. Incluso, la seiyuu de Keke Tang, Liyuu, es china, y la de Sumire Heanna, Naomi Payton, es japonesa-estadounidense.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos y links
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Significado y relevancia del color naranja durante los conciertos de Love Live!:
El ser humano no es nada sin las tecnologías. El fuego, la ropa, la agricultura, la música, las estructuras y más recientemente los celulares y computadoras… Todas ellas son una ampliación de nuestro cuerpo, nuestra vida y experiencias, y el mismo principio sugiere el video musical Shelter.
Póster promocional del video musical Shelter
“Shelter”, canción de música electrónica lanzada el 2016, es una colaboración entre Madeon y Porter Robinson. Ese mismo año se estrenó su video musical, el cual era una colaboración entre Porter Robinson y A-1 Pictures. El video nos presenta a Rin, joven de 17 años que vive en una realidad virtual que puede construir y reconstruir gracias al uso de una tablet. Sin embargo, poco a poco unas memorias reprimidas irrumpen, cual bugs o errores de sistema, el mundo de la protagonista. Eso provoca que su entorno, en un primer momento colorido, se torne oscuro y hasta caótico -con elementos que no responden a nuestro “sentido común” de “naturaleza”-.
Esta realidad virtual que saldrá del control de Rin reactivará tanto su memoria como las del padre, las cuales estaban almacenadas en la nave espacial. En estos recuerdos se ve el esfuerzo del padre para construir una nave espacial que le permitiese a su hija sobrevivir en el espacio, ya que la Tierra sería destruida por la colisión con otro planeta. Él conectará a Rin a la máquina, tecnología que fungirá en adelante como una prótesis, es decir una prolongación del cuerpo de Rin, y de la memoria del padre. En este sentido, el video musical llama la atención por la importancia que le otorga a las tecnologías para la supervivencia del ser humano. Sin embargo, ante todo, no debemos olvidar que se trata de una canción de música electrónica, por lo que la canción en conjunto con su video musical reflexiona también (de manera implícita) sobre el uso de las tecnologías en la música. Por ello, veremos primero los antecedentes de la música electrónica, con especial ahínco en Japón.
Pero antes de leer el artículo, te invitamos a sufrir con nosotros y ver el video musical :’)
Porter Robinson… WHYYYY!?!?!? *insertar llanto*
Antecedentes: Música electrónica en Japón
Thom Holmes, en su libro Electronic and experimental music realiza un exhaustivo análisis de la música electrónica, cuyos antecedentes yacen en un ámbito académico, específicamente en Europa (Francia y Alemania) y Estados Unidos. El uso de tecnologías que permitirán la experimentación en el ámbito musical no será de fácil acceso: muchas de estas herramientas eran obtenidas gracias al trabajo en universidad, o en ámbitos como la ingeniería, las telecomunicaciones y la electrónica. Asimismo, llegó a ser considerada una música academicista, que no llegaba a ser del gusto del general. Incluso llegó a ser catalogada de “inarmoniosa” -como fue calificada en su momento la musique concrète-, y criticada hoy en día por algunos como “repetitiva” y que “limita” al ser humano (1).
https://youtu.be/q2o9VyuJSD4
Ejemplo de musique concrète, por Pierrer Schaeffer. ¡Ciudado! Realmente puede salir de lo que canónicamente entendemos por «armonía» xP
El autor estudia también el desarrollo de la música electrónica en Japón hasta los años 70. Se trata de una música que une elementos de la música asiática con teorías de composición Occidental, con una primera aproximación a la música electrónica de Alemania y Francia. Los años 50 verán el surgimiento del Jikken Kobo (Taller Experimental), un colectivo de poetas, pintores y músicos que trabajarán en proyectos multimedia. Ellos colaborarán con la empresa Sony, quienes, luego de ver el tape composition que realizaban a partir de una de sus grabadoras, vieron una oportunidad de promocionar sus tecnologías a través de la música y proyecciones de arte que realizaban.
Ballet Mirai no Eve del grupo Jikken Kobo, vía Frieze
Asimismo, Holmes señala que en 1953 llegará la musique concrète, con Toshiro Mayuzumi, y en 1955 la elektronische Musik luego de la visita del compositor Makoto Moroi al estudio Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) en Köln, Alemania. Moroi traerá de vuelta todo lo aprendido en Alemania y establecerá un estudio en la NHK -Nippon Hōsō Kyōkai (NHK, Corporación de Radiodifusión Japonesa)-. Y si bien es gracias al Jikken Kobo/Sony y la NHK que el público japonés estuvo expuesto desde los años 50 a la música electrónica, será un género marginalizado hasta los años 1970. En ese año despega gracias a la Feria Mundial en Osaka, donde el gobierno apoyará a numerosos compositores para que se presenten en dicho evento.
Hoy en día encontramos en Japón una producción diversa y numerosa de música electrónica: desde compositores y cantantes que pertenecen a conocidos sellos musicales como TeddyLoid, Mondo Grosso y Perfume; los que se mueven en un círculo underground como Goth-Trad; y quienes pertenecen a un medio de producción y difusión “alternativo” -los círculos dōjin y los espacios Comiket– como Shibayan Records y Alstroemeria Records.
Entonces, encontramos en este país un proceso de experimentación, popularización y difusión de la música electrónica no solo en círculos comerciales, sino también en espacios alternativos y de producción dōjin.
«Future Pop» de Perfume no solo es una canción dentro del electropop, sino también propone el uso de las tecnologías en su video musical.
The Anime Machine: las tecnologías en la animación japonesa
Un segundo elemento a tomar en cuenta para entender el surgimiento del video musical de Shelter es la reflexión inherente sobre el uso de tecnologías que tiene todo proceso de animación. Sobre el uso de las tecnologías en la animación japonesa, el libro The Anime Machine: A Media Theory of Animation de Thomas Lamarre es un referente. En su estudio expone dos elementos que permiten entenderla: la introducción y el impacto que tuvo el tren en Japón, y el uso de herramientas low-tech y la producción de bajo presupuesto.
El impacto del tren reside en cómo este permite a su usuario cambiar la percepción de lo que lo rodea. Se debe imaginar el cuerpo y la mirada -aparentemente inamovibles- como ejes centrales, y en una lógica donde existe la velocidad y el movimiento, los objetos externos son los que se mueven de manera secuencial. Si esta manera de percibir la secuencia de imágenes la aunamos al uso de la cámara multiplano y herramientas low-tech, tenemos lo que Lamarre llama “animetism” y efectos multiplano: un movimiento entre planos y superficies que permite la sensación de movimiento y profundidad.
Como el proceso de producción del anime implica inherentemente el uso de tecnologías -y explotar o innovar el uso que se le puede dar-, también invita a pensar en su uso y en la relación que el ser humano establece con estas: no solo permitirán al animador explorar el potencial de la imagen animada, sino también lo compromete a pensar en el uso de la misma tecnología, con nuevas formas de habitar y convivir en un mundo tecnologizado. De esta manera, el proceso de producción del anime, al igual que la música electrónica, nos invita a reflexionar sobre el uso de las tecnologías.
En ese sentido, pese a que el proceso de producción del video musical Shelter se sirve de las nuevas tecnologías para el desarrollo del corto animado, arrastra consigo las características inherentes del anime expuestas por Lamarre: la reflexión sobre el uso de las tecnologías.
Ok, ya tenemos las bases, ahora… Shelter! (?)
¡Chotto matte, joven-san! Antes sería bueno revisar la carrera musical de sus compositores (Madeon y Porter Robinson) y los vínculos que tienen con la cultura pop y las tecnologías, importantes para entender qué llevó a crear un corto animado como Shelter.
Porter Robinson, músico estadounidense nacido en 1992, se hizo conocido en los círculos en el 2010 con el sencillo “Say my Name”, el cual llegó a ser número uno en la plataforma Beatport. Asimismo, en esa misma época produce música que autodenomina dentro del género “complextro” (unión de los términos “complex” y “electro”). En 2012 comienza a hacer remixes oficiales de artistas como Avicii y Lady Gaga, y sacará “Language”, “complextro” con un inicio fuerte, que luego se torna melódico y profundo. En 2014 lanza su primer álbum titulado Worlds, con canciones como “Sea of Voices”, “Sad Machine”, “Lionhearted” y “Flicker”,las cuales presentan el interés del compositor por la cultura japonesa, los videojuegos, el anime y el programa Vocaloid, y evocarán una sensación de nostalgia.Por un año detendrá su producción musical, y en el 2016 lanza en colaboración con Madeon la canción “Shelter”, del cual se encargará, junto con A-1 Pictures de la elaboración de su video musical. Vemos entonces que, hasta el 2016, Robinson presenta una música que se caracteriza por un sonido profundo, introspectivo y nostálgico.
Por otro lado, Madeon es un compositor nacido en Nantes (Francia) en 1994. En el 2011 lanzó el sencillo “Pop culture”, un mashup de 39 de sus canciones favoritas. Su disco Adventure (2015), que en su edición, deluxe incluye canciones como “Imperium”, “You’re On”, “Pay No Mind”, “Home”, “Icarus” y “Cut the Kid”, es un álbum que según el mismo Madeon: “busca capturar el sentimiento y sensibilidad de su adolescencia. Busca ser un álbum vibrante y pop, y que termine con un tono contemplativo”. En ese sentido, “Cut the Kid” y “Pay No Mind” tienen esa energía y onda pop de la cual habla el compositor; y “Home” y “Technicolor” un tono contemplativo. Para la promoción del álbum creó una aplicación llamada “Adventure Machine” que permitía mezclar fragmentos seleccionados del disco usando el celular, la tablet o la computadora. Esta herramienta sería nominada a los Webby Award, premio concedido a la excelencia en el desarrollo del Internet. Y en el 2016 y 2017 realizará una gira con Porter Robinson del sencillo “Shelter”. Hasta ese momento apreciamos, entonces, que la música de Madeon se caracteriza por un estilo enérgico, vibrante y con momentos contemplativos.
Did you feel the energy?
Por lo tanto, podemos apreciar a dos compositores de música electrónica que se sirven de la nueva tecnología y se inspiran muchas veces en ella para darle nuevos usos. Es sobre la base de esta relación y reflexión que los compositores tienen sobre la tecnología que surge la trama del corto animado. Y en este proceso, será vital la participación de Porter Robinson, cuyo interés por la cultura pop japonesa -y la reflexión sobre el uso de tecnologías que tiene el anime- hará un buen match con la reflexión que tiene sobre la tecnología, el pasado y los procesos musicales.
Sujeto + Tecnologías: la inevitabilidad de la prótesis
Hemos visto entonces que el uso de la tecnología (animación y música) invita al ser humano ha repensar nuestra relación con ella. Especialmente, en el ámbito musical ha permitido al sujeto ampliar la creación de sonidos y su experiencia frente a la música. De esta forma se cumple lo que señala José Ignacio López Ramírez Gastón en su libro La guardia vieja: visiones sobre la música electrónica en el Perú. En este explora la interdependencia que existe entre la tecnología y la música, y apunta la importancia de la aparición de máquinas de creación sonora como medio para ampliar nuestras limitaciones naturales y la experiencia musical.
Este mismo proceso nos invita a pensar la producción musical como obra de las tecnologías, donde tanto las nuevas tecnologías como la música electrónica fungen de prótesis del ser humano, los cuales le permitirán ampliar su experiencia musical y auditiva, y experimentar nuevas sensaciones. Estassegún Paul B. Preciado y Marshall McLuhan no deben ser únicamente entendidas como una sustitución artificial de alguna parte del cuerpo, sino también se incluye toda tecnología de uso que permite ampliar nuestros sentidos, como el teléfono, el televisor o las computadoras. Con ello se implica que todo cuerpo por sí mismo es “incompleto” y que requiere de una tecnología que le permita superar los límites físicos y de los sentidos.
Entonces, con todo el marco presentado procedemos a analizar el video musical (o corto animado, sin ponernos tan exquisitos con la terminología) Shelter.
¡Ahora sí! Shelter: Rin y el antropocentrismo
ADVERTENCIA Si no has visto todavía el corto animado, te animamos a que lo hagas, porque a partir de ahora vamos a iniciar de lleno con el análisis (AKA spoiler alert)
Como recordarán en el artículo sobre Mononoke Hime, el sujeto en la sociedad occidental colonialista y capitalista es concebido como un cuerpo “completo”, es decir sano, sin enfermedades ni mutilaciones, el cual es productivo en sentido reproductivo y económico. Asimismo, se trata de un sujeto que se encuentra escindido de la esfera natural, con lo cual todo vínculo con ella es rechazado y considerada como “irracional”. Tenemos, entonces una sociedad occidental con una perspectiva antropocéntrica, donde el ser humano es concebido como la medida y centro de todas las cosas.
Bajo esta misma lógica todo vínculo que se pueda establecer entre el sujeto y la tecnología también será rechazado. Esto provoca dos tendencias: por un lado se percibe el avance de la tecnología y su inserción en la vida cotidiana con miedo, ya que se considera es motivo de alienación del ser humano y provocará su desplazamiento (cual narrativa de ciencia ficción o postapocalíptica); y por otro coloca en primer plano la “imperfección” del cuerpo, asemejándolo a aquellos discapacitados o mutilados, lo que la sociedad ha calificado bajo la etiqueta de “abyecto”. Asimismo, se concibe un riesgo de la tecnología como fuente de escape y aislamiento.
En ese sentido, los primeros minutos del corto animado nos presentan a Rin como un sujeto que puede ser identificado como un ser humano “completo”, es decir, sin enfermedades ni mutilaciones:
Rin como cuerpo «completo» pero que depende de la tecnología (tableta). Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Si bien se trata de un cuerpo “no productivo”, ya que la mayor parte del tiempo yace entre las paredes de su habitación -haciendo uso de su tableta para crear objetos y paisajes-, no es distinto al ser humano concebido desde el antropocentrismo. Esto debido a que se trata de un sujeto desconectado de su entorno, el cual construye, reconstruye y modifica este a su antojo con el único fin de adaptarlo a sus necesidad y que le ayude a escapar de su soledad. En otras palabras, el entorno que crea Rin gracias a su tableta y la realidad virtual tiene por finalidad satisfacer sus necesidades. Pero este colonialismo sobre la naturaleza no será perfecto porque hay algunos elementos que Rin no podrá controlar, como los cambios de clima y la aparición (cual glitches o bugs) de algunos objetos:
Rin frente a un columpio que no programó con su tablet. Estos bugs demuestran una falta de control absoluto hacia la realidad virtual (equivalente al territorio) por parte del sujeto. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Por lo tanto, en los primeros minutos del corto animado se puede identificar a una protagonista que pone en cuestión la aproximación occidental que tiene el ser humano con el territorio, ya que pese a ser un cuerpo con capacidad productiva, está aislado de su entorno y no tiene plena facultad para controlarlo. Asimismo, se puede apreciar un uso incorrecto de la tecnología y la realidad virtual por parte de Rin, ya que inicialmente serán un medio de escape y aislamiento.
Shelter, prótesis y tecnologías
Sin embargo, si profundizamos en el uso que se le da a las tecnologías, podemos identificarlas como una prótesis. La realidad virtual, según su creador Jaron Lanier, tiene el potencial de ser una prótesis ya que una vez el usuario sale de esta, ayudaría a percibir lo que lo rodea de forma más nítida y vívida. Asimismo, el autor rescata que esta debería ayudar al ser humano a ser más creativo, expresivo y empático. En el caso del corto animado, al tratarse de una narrativa postapocalíptica -donde Rin no tiene contacto alguno con otros seres humanos ni con la Tierra debido a la destrucción de esta-, la realidad virtual suplirá tanto las relaciones humanas, como el territorio o la naturaleza. De esta forma, las tecnologías fungirán para Rin como una prótesis de los sentidos y la experiencia.
La realidad virtual como «prótesis» de la naturaleza y una exploración de los sentidos para Rin. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Podemos apreciar, además, una resignificación del cuerpo según la lógica antropocéntrica, ya que el cuerpo “completo” de Rin requerirá de una nave espacial, es decir, una tecnología o prótesis, para sobrevivir en el espacio. Esta nave inventada por su padre demuestra la profunda interdependencia o interconexión que hay entre el ser humano y la tecnología, pues la máquina no cumpliría su objetivo sin el ser humano ni este puede sobrevivir sin el uso de estas. Con ello, el video está en contra de la noción de que la máquina va a desplazar al ser humano y, por el contrario, la inserción de las tecnologías a la vida se trata de un proceso inevitable e irreversible para la supervivencia humana. Por lo tanto, la tecnología se trata de una prótesis del cuerpo:
La interconexión (inevitable) entre el cuerpo y la máquina para sobrevivir. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
También es interesante cómo la tecnología (nave espacial y realidad virtual) funge de prótesis de la memoria de Rin y del padre. Por un lado, la realidad virtual es una prótesis de la memoria de Rin ya que esta, cuando se sale del control y presenta bugs, se asemeja a los recuerdos reprimidos de Rin, y la obliga a confrontarse con su pasado:
Recuerdos reprimidos por parte de Rin. El enfrentarse a ellas le permitirá reconectarse con su pasado. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
Por otro lado, la nave espacial es una prótesis de la memoria del padre, ya que en esta se guardan los recuerdos de este: desde su preocupación por proteger y cuidar de su hija en los últimos días que le quedan a la Tierra, hasta el proceso de construcción de la máquina que le permitirá a Rin sobrevivir en el espacio. De esta forma, la nave será una prolongación de las memorias del padre, y un nuevo refugio que servirá de “hogar”.
Por último, el final del corto animado refuerza la idea de que es en el mismo cuerpo y mente de la protagonista donde se almacena la memoria de su padre: si no fuese por sus recuerdos, no habría podido liberar las memorias del padre, las cuales yacían almacenadas en la misma nave espacial. Con ello, la tecnología deja de ser aquel elemento expulsado de la esfera humana, y el que provoca la separación entre los mismos sujetos; por el contrario, ayuda a restablecer una (re)conexión entre Rin (sujeto), el padre (las otras personas) y la tecnología (que en la realidad virtual cumple también un equivalente a la naturaleza).
En conclusión, el video musical Shelter es producto de la reflexión inherente sobre el uso de tecnologías en la animación japonesa y en el proceso de producción de la música electrónica. Gracias a ello el espectador tiene un producto que lo invita a (re)pensar cómo nos aproximamos hoy en día a la tecnología: su uso y desarrollo es parte de un proceso inevitable e irreversible, y tiene el potencial de conectar a los seres humanos (todo esto, quizás, elementos que resonarán con nosotros después del coronavirus…).
La propuesta de Shelter: una interconexión entre Rin, su padre y la tecnología. Una visión esperanzadora, pero no por ello menos postapocalíptica. Shelter de Porter Robinson y A1-Pictures
[EXTRA] Entre lo apocalíptico y lo lúdico: la “estética del error”
Una reflexión final. En el proceso de lectura e investigación para la redacción del trabajo (2017-2018) sobre el que se basa el presente artículo había surgido un discurso que defendía el “regreso a lo natural”. Asimismo, se había identificado que algunos autores teóricos consultados temían que la sociedad colocara las tecnologías por encima del ser humano, ya que este exceso de confianza en la tecnología empobrecería al sujeto y lo “deshumanizaría”. Frente a esta tendencia, ya desde hace un tiempo algunos artistas fueron conscientes de la posibilidad del error y fallo inherentes al uso de las tecnologías y la incorporaron en sus productos. En otras palabras, le dieron un fin lúdico. Ejemplo de ello lo podemos ver en el glitch art.
Algunos videos de música electrónica en la última década han incorporado dicha estética (2). Shelter es un ejemplo a nivel narrativo, ya que los bugs y glitches en la realidad virtual son lo que permiten el crecimiento de la protagonista, quien recuerda su pasado, y con ello se reconecta con su padre y la tecnología. La misma estética podemos identificar en otro videomusical de Porter Robinison: Flicker, donde el glitch art es una herramienta que permite al espectador percibir las imágenes desde una óptica nueva -creativa- y potenciar algunos elementos que existen en la realidad. Finalmente, tampoco sería descabellado identificar estéticas como el vaporwave -con álbumes como Floral Shoppe de Macintosh Plus- como cercanas a esta forma artística. Esto debido a que su estética rompe con el sentido lineal de tiempo, y yuxtapone elementos que no pertenecen a una misma era: el arte grecolatino con la estética de los años 80’s; una nostalgia y estética de la ciudad que supone un “error” en la lógica lineal del tiempo. Frente a todo ello, ¿a dónde nos llevará esta aproximación -más confiada, pero no por ello menos cuidadosa- que tenemos a la tecnología?
Glitches a más no poder en Flicker de Porter Robinson
El «error», lo «atemporal» y «alocal» en la estética vaporwave
NOTAS
(1) Sobre la crítica a la música electrónica, leer You are not a Gadget de Jaron Lanier, creador de la realidad virtual.
(2) Y si consideramos que los videos musicales apelan al pensamiento y la mirada de una generación, ¿será acaso que los nacidos a finales de la generación millennial y los de la generación Z son conscientes de la posibilidad de error en las tecnologías, y por ello no las perciben de manera fatalista como las generaciones anteriores?
¿Te gustan las tecnologías y la música electrónica? Te recomendamos…
Holmes, Thom. 2008. Electronic and experimental music. 3ra edición. Nueva York: Routledge.
Lamarre, Thomas. 2009. The Anime Machine. A Media Theory of Animation. Mineápolis: University of Minnesota Press.
Lanier, Jaron. 2010. You are not a Gadget. A Manifesto. Nueva York: Alfred A. Knopf.
Lanier, Jaron. 2017. Dawn of the Everything: Encounters with Reality and Virtual Reality. Nueva York: Henry Holt and Company.
López Ramírez-Gastón, José Ignacio. 2019. La Guardia Nueva: Visiones sobre la música electrónica en el Perú. Lima: IDE-PUCP.
Mayorá Román, Eduardo. 2015. “Pop atmosférico. Sobre Marshall McLuhan y la estética contemporánea”. La Trama de la Comunicación. 19, 331-345.
McLuhan, Marshall. 2002. Understanding Media. The Extensions of Man. Nueva York: Routledge.
Preciado, Paul B. 2011. Manifiesto contrasexual. Barcelona: Editorial Anagrama.
El presente trabajo es una ampliación y adaptación de
Arana Blas, María Alexandra. 2018. “Prótesis e Interconexión: un análisis del video musical Shelter de Porter Robinson” Ponencia presentada en el Congreso Internacional ALADAA 2018. Lima. (Documento enviado a las Actas de Congreso ALADAA 2018)
🖌🎨 Ramdaram (람다람) es el nombre artístico de un ilustrador y animador originario de Corea del Sur. Su especialidad es crear diseños animados para videos musicales de diversos géneros (como el funk, trap y el soulpunk) que comparte en sus diversas redes sociales como Youtube, Instagram y Twitter.
Una destacable muestra de sus ilustraciones es recompartida por usuarios de Pinterest (a partir de su cuenta de Twitter). Asimismo, su canal de YouTube está llamando la atención en el mercado global que valora las estéticas destacables por su peculiaridad u originalidad. Prueba de esto es haber llegado a 400,000 suscriptores en menos de un año.
Daram, uno de los personajes principales del universo Ramdaram Fuente: Twitter del artista
ESTÉTICA
Ramdaram utiliza una gama de colores pastel que son combinados con un estilo de animación caracterizado una onda retro que linda con el vaporwave (estilo musical nacido en el 2009 a partir de una mezcla de géneros indie bailables como el chillwave y el witch house con géneros populares de los años 70 y 80), una estética alternativa o independiente que está surgiendo como fuerte tendencia entre los artistas millennials de todo el orbe.
Sobre la temática de los videos de este artista, es interesante destacar que gira entorno a un universo de personajes femeninos (en su mayoría) caraterizados por un diseño estético que (apelando a la terminología propia del fenómeno japonés animado) oscila entre lo kawaii (lindo o tierno) y una rudeza que recuerda a los personajes de la banda virtual británicaGorillaz, y que se complementa con una personalidad «oscura» (depresiva, perversa o extraña).
Un personaje destacado del universo Ramdarames Daram, quien no solo resalta por ser una chica de pelo rosa (con los típicos moños chinos a lo Pucca) sino por su cola felpuda “de ardilla”, sus pendientes de cruz invertida, sus dientes filudos y una mirada constantemente agresiva y desafiante. Otro personaje peculiar es Shu, una chica de cabello blanco y listones rosas que se ve muy sonriente, amable y además tiene una tienda de dulces con su nombre, pero que detrás de esa fachada parece dedicarse a vender cosas extrañas (unas curiosas pastillas que, al parecer, Daram habría probado).
Shu promocionando sus pastillas Fuente: Captura de imagen en video de Youtube (City love)
Otro aspecto interesante a resaltar del universo Ramdaram es que la relación entre sus personajes femeninos no refleja la lindura típica de las animaciones clásicas sobre historias de chicas: un oscuro pasado compartido por las protagonistas es sugerido a partir de referencias a situaciones depresivas, suicidas u homicidas, lo que no hace sino acenturar ese contraste extraño y oscilante entre una atmósfera cute, criminal y bohemia que rodea a estas chicas.
Otros personajes femeninos de Ramdaram Fuente: inven.co.kr
PORTAFOLIO ANIMADO
Entre los trabajos de animación realizados por Ramdaram para videos musicales, podrán encontrar SODA CITY FUNK, de Tim Legend; TWO TIME , de Jack Stauber; CITYLOVE (red), de Badkid; FEEL GOOD, de Syn Cole; LOVE ME RIGHT, de Noory; SOPPY, de Dustcell, entre otros también publicados en la cuenta de youtube del animador.
Citylove (red) -Badkid
***DATO CURIOSO***
Hay muchos extranjeros introducidos al universo de Ramdaram través de canciones como ‘Two Time’ y ‘Soda City Funk’, las cuales se están volviendo más populares en países extranjeros que en Corea. Al respecto, la proporción de extranjeros en la sección de comentarios y el número de visitas es abrumadoramente alta.
Hasta el momento, los videos animados de este artista no tienen derecho de autor, o, al parecer, como autor habría permitido que sus trabajos audiovisuales sean de dominio público.
Ramdaram participó en la producción de videos musicales con temática feminista. Debido a este antedecente, y al hecho de que sus personajes son mayormente mujeres, muchos de sus seguidores tenían dudas de que fueran feministas extremas. Al respecto, el artista no ha confirmado de manera oficial cuál es su postura política.
Un video donde el animador coreano responde preguntas de sus fans aparece en su cuenta de Youtube.
Video donde Ramdaram responde las preguntas de sus fans
🎮🎶 Se acaba de anunciar en Twitter el próximo lanzamiento de la versión en anime del videojuego The World Ends With You (すばらしきこのせかい, It’s a Wonderful World).
Famoso juego lanzado en el 2007 para la consola portátil Nintendo DS, se centra en Neku Sakuraba, quien despierta en la ciudad de Shibuya y se ve obligado a participar en un juego del cual dependerá su vida. En su recorrido, tendrá el apoyo de otros adolescentes como Shiki Misaki, Yoshiya Kiryu (Joshua), Daisukenojo Bito (Beat) y Raimu Bito (Rhyme).
Quienes hemos tenido la oportunidad de jugarlo, recordaremos los increíbles gráficos, la música y la jugabilidad, la cual explotó al máximo la integridad del Nintendo DS: desde el uso de las dos pantallas, hasta la incorporación del micrófono y el puntero, y el uso de todos los botones.
Sin duda, se trata de una gran noticia para los fanáticos del videojuego (que ya se hacía extrañar) y esperaremos con ansias las noticias sobre el anime.
Y tú fanático de Sugoi, ¿qué experiencias tienes sobre este videojuego? 👀
