Categoría: Notas

  • Golden Kamuy: Oro de locos

    Golden Kamuy: Oro de locos

    Si hablamos de una historia que combine aventura, acción, comedia y la búsqueda de un tesoro, muchos dirán que «One Piece» es el ejemplo más popular (y lo sigue siendo) en el mundo del manga y anime; el manga que les traigo a continuación sigue la misma temática de encontrar un tesoro, pero con características únicas que lo hacen muy especial (y altamente recomendable).
    Golden Kamuy es un manga escrito e ilustrado por Noda Satoru desde el 2014 en la Weekly Young Jump y lleva publicando hasta la fecha 25 volúmenes, además de contar con 3 temporadas de anime, OVAS y un manga spin off llamado Silver Kamuy.

    Fiebre del oro Ainu

    La historia transcurre en los finales del período Meiji, en donde nuestro protagonista Sugimoto Saichi, un veterano de la guerra Ruso- Japonesa, el cual es conocido como «Sugimoto el Inmortal» debido a su increíble fuerza y resistencia , se encuentra en hokkaido como buscador de oro, luego de escuchar la historia de un fantástico tesoro por esa región, el cual consiste en aproximadamente 20 kilos de oro, decide ir a buscarlo, en esas correrías es salvado por Asirpa, una niña Ainu, la cual también tiene sus razones para buscar dicho tesoro, luego se les une el ladrón de poca monta Shiraishi Yoshitake , los 3 inician una inusual aventura por todos los rincones de Hokkaido y como ya nos podemos imaginar en este tipo de aventuras, no serán los únicos que ambicionan este tesoro.

    Cazadores de tesoros

    En la búsqueda del oro existen dos facciones conocidas. Por el lado de los militares se encuentra el grupo de la 7° División del Ejercito Imperial Japonés, comandados por el primer teniente Tsurumi Tokushito, un personaje con una cicatriz y extraño casco le le cubre la frente, tiene a muchos muchos soldados partidarios a su causa gracias a su inusual carisma , propio de su personalidad manipuladora y calculadora, se podría decir que es el principal antagonista ; el otro grupo que también esta buscando el oro esta liderado nada más y nada menos que por Toshizou Hijikata , el famoso vicecomandante del Shinsengumi, el cual se suponía muerto en la batalla de hakodate, al final de las guerras Boshin; a pesar de su avanzada edad, no ha mermado su ambición por encontrar el tesoro y nuevamente seguir con el sueño de la República de Ezo; en medio de esta guerra, el grupo de Asirpa, Sugimoto y Shiraishi tendrá que en muchos casos enfrentarse o aliarse a cualquiera de los grupos, dependiendo la situación.

    Si hablamos de los personajes, nuestra coprotagonista, Asirpa ,es una niña con muchas habilidades, aprendió de su padre a cazar y todo sobre la vida Ainu, sabe que la desaparición de su padre está relacionada con el oro ,así que decide unir fuerzas con Sugimoto; en su caso, la necesidad de encontrar el tesoro es para ayudar a la viuda de su mejor amigo, la cual tiene un problema en la vista; pero mientras transcurre la historia, la relación con Asirpa se hace más cercana y es su mayor deseo protegerla y ayudarla a descubrir la verdad.

    Historia con mucha historia

    Para buscar dicho oro existe un mapa, pero muy particular, la persona que estuvo involucrada en el ocultamiento del oro, estando encerrado en la prisión de Abashiri, ideó un curioso mapa: tatuando la piel de varios presos con extraños signos Ainu , los cuales solo sería posible leerlos en conjunto ;estos presos lograron escapar así que la búsqueda en sí es en dar con todos los presos fugados (Shiraishi y Hijikata eran parte de esos presos tatuados)
    Para los que empiezan a leer este manga ,nos sorprende la cantidad de información que Noda nos da en cada capítulo, ya que hacer este tipo de mangas históricos requiere una investigación muy concienzuda , sobre todo con la cultura Ainu, a medida que la historia avanza, conoceremos mucho de ellos: costumbres, vestimentas, vivienda, comida, lenguaje ; y aparte , Golden Kamuy nos muestra como fue la vida en Japón en los finales de la era Meiji, en la cual se puede apreciar la influencia y avance de la cultura occidental, en muchos casos de forma negativa para los Ainu, que sienten que su entorno natural, su modo de vida y costumbres son amenazados, siendo un tema recurrente en la historia.

    El humor de Golden Kamuy

    Un de las características más saltantes es el humor, no veremos muchos rostros con gestos graciosos (bueno Asirpa y Shiraishi si que tienen sus momentos) , no habrán muchas waifus , pero Noda hace del uso del humor de forma magistral, y agrega a esta historia muchas situaciones jocosas, parodias, gags o escenas ridículas (además de tener una fascinación por dejar en paños menores a muchos personajes masculinos) , no quiere decir que no haya situaciones serias o dramáticas, pero es usual en Golden Kamuy que dichas escenas terminen con situaciones jocosas (ejemplo: el «Golden shower» que hace Shiraishi) . Los secundarios son un caso aparte, ya que tendremos de todo un poco y uno más loco o excéntrico que otro: el taxidermista diseñador, el asesino que le excitaba ser asesinado, el «amante» de osos, los soldados de la 7° división, etc.

    ¿Vale la pena leer este manga?

    Es innegable el éxito de la versión impresa, siendo ganadora del premio Taisho el 2016 ,el 2018 recibió el premio Ozamu Tezuka en la categoría «Gran premio» y este 2021 recibió en la edición 24 del Japan Media Arts Festival Awards en la categoría Premio impacto social ; el 2018 es adaptada a una versión anime por el estudio Geno y actualmente ya se han emitido 3 temporadas de 12 capítulos, recientemente se ha anunciado que el manga está llegando a su clímax, así es probable que pronto tendremos que decirles adiós a uno de los mejores seinen de aventura de la década pasada. 100% Recomendado para los que les gusta conocer más de historia japonesa y matarse de risa con las estupideces de Sugimoto y compañía.

  • Made in Abyss: JRPG hecho anime

    Made in Abyss: JRPG hecho anime

    Un anime que plasma la exploración del lore como ningún otro. Made in Abyss es lindo, mágico e increíblemente cruel.

    Mitty y Nanachi, dos amigas inseparables, se encuentran en la sexta capa del abismo. Han sido engañadas para formar parte de un experimento mortal que probablemente acabe con la vida de miles de niños en el nombre de la ciencia. El silbato blanco Bondrewd, conocido como “El Señor de las Profundidades”, jala la palanca y activa el ascensor que envía a las dos niñas varios metros hacia abajo. A los pocos segundos la inocencia ha desaparecido. Mitty se ha transformado en un adefesio y Nanachi ya no es humana.

    Esta es una de las muchas historias que el abismo tiene para ofrecer. Made in Abyss narra la aventura de Riko, una niña problemática de 12 años que es nada más y nada menos que la hija de la legendaria exploradora Lyza, y que junto a Reg, robot reliquia que proviene de las profundidades, comenzarán su travesía por las profundidades del abismo en búsqueda de la madre de Riko, donde vivirán sucesos que dejarán impactados a más de un espectador. Pues, aunque no lo parezca, Made in Abyss no es un anime tan lindo como parece.

    Lolis y sadismo

    En el 2017 el anime recibe bastante atención, porque como ya mencioné, resulta altamente misleading. A lo largo de los 13 episodios, vemos cómo lo que parece una travesía lighthearted se torna en una pesadilla sombría. A uno le cuesta creer que personajes como Riko puedan verse tan afectados por la “maldición del abismo” que terminen tosiendo y llorando lágrimas de sangre. Tenemos también la emotiva historia de Mitty y Nanachi, que además de ser sumamente cruel, toca los corazones de los espectadores por su emotividad, sobre todo gracias a su conclusión: un acto desesperado para acabar con una vida de sufrimiento.

    No obstante, si bien Made in Abyss destaca por bastantes aspectos, considero que su fuerte es que se trata de un anime de aventura con todas las letras. El jugo de la serie se concentra en la exploración del abismo, el cual está lleno de enigmas, reliquias y personas por conocer. Y no. No se trata de cualquier anime en el cual el protagonista se embarca en una aventura, pues en este caso se siente bastante el feel de la exploración y de lo que el anime pretende emular, un JRPG y vaya que lo consigue.

    made in abyss
    made in abyss

    Adentrándonos en el abismo

    Otro de los aciertos de la propuesta audiovisual es la musicalización. Particularmente, el tema de Hanezeve Caradhina recibió bastante cariño por parte de la comunidad. Es una canción bellísima la cual se presenta en una escena de la puesta de sol, donde se presenta el universo del abismo con un trabajo de luz excelente y unos fondos excelentemente dibujados.

    https://www.youtube.com/watch?v=KPxSS1zHWwQ

    Finalmente, la serie de 13 episodios tuvo como secuela una película canon. La cual continúa la relación de Nanachi, Mitty y Bondrwed. Por otro lado, la serie tiene anunciada una segunda temporada, así como un videojuego. Así que tenemos Made in Abyss para rato. ¡La aventura nos aguarda!

  • Colorful: El Lain del fanservice

    Colorful: El Lain del fanservice

    Aunque en estos tiempos esté visto como “políticamente incorrecto”, el morbo de un vistazo perverso de un hombre hacia una mujer siempre ha existido. ¿Cómo sería recibido en pleno 2021 Colorful, un anime que literalmente trata acerca de hombres mirando mujeres? ¿Cambiaría en algo si dijera que fue dirigido por Ryūtarō Nakamura, director de Serial Experiments Lain?

    Colorful es un anime poco recordado que estuvo en emisión en la temporada de Verano 1999. Con 16 episodios de aproximadamente seis minutos y medio cada uno, resulta aún más difícil de encontrar por llamarse igual que la aclamada película de Keiichi Hara. Tiene una serie de opiniones mixtas, especialmente alrededor de qué tan graciosa resulta en realidad la sátira o de cómo presuntamente celebra el voyerismo.

    «Boku no Taion wa 37.5C», opening de Colorful.

    Siguiendo la misma línea de Lain, Colorful tiene aún más la pinta de anime low budget, pero esto tampoco representa un factor contraproducente para la propuesta de Nakamura. Quizá hoy en día resultaría asqueroso o muy bajo para quienes están acostumbrados a visuals del nivel de Kyoto Animation o ufotable, o en general para los fans de algo más ‘pulcro’. Sin embargo, y al margen de si gusta o no la temática de los mirones, es sin duda un producto audiovisual muy curioso que vale la pena revisar.

    Secuencias surrealistas

    Considero que, superficialmente, uno podría describir a Colorful como un anime dotado de expresionismo con algo de surrealismo integrado en él. Que esto no suene a que pretende ser algo serio o profundo, porque realmente no lo es. Lo llamativo de la serie es que logra hacer funcionar una premisa básica, ordinaria y ridícula con una presentación y dirección bizarra.

    Crossover anime x Word Art 1998(?)

    Mientras en Lain tenías a la protagonista viendo como le emanaba vapor(?) de la yema de sus dedos, en Colorful te presentan a una escolar gigante saliendo del mar. El primer caso se trata más quizá de un simbolismo respecto a la distorsión de la barrera entre el mundo “real” y el de la Wired, mientras en el otro es un hecho inverosímil e inexplicable, cuya naturaleza insólita se ve relegada a un segundo plano ante la perversión del hombre. Por ello, no son exactamente paralelos, pero sí ejemplos que contribuyen a plasmar una deformación subjetiva de la realidad.

    Algo más propio de Colorful son las breves secuencias que colocan entre cada skit del episodio. Imágenes no animadas, planos aparentemente aleatorios, repetición de elementos, colorizaciones variadas, son montadas de distintas maneras, y son estas combinaciones las que rememoran aquella vibra de las escenas nocturnas de Serial Experiments Lain. No parecen tener un significado más allá de ser una muestra de la creatividad y el estilo del director, pero no las hace menos interesantes de ver.

    Secuencia de transición del episodio 12 de Colorful.

    Sonido, ambientación y particularidades

    Algo muy reconocible en las obras de Ryūtarō Nakamura es su utilización del sonido, y en este campo también es posible hacer algunas comparaciones llamativas. Hay una escena en el episodio 1 de Lain en el cual ella se sube a un tren para ir a la escuela, y se queja del ruido de la gente. Además del ruido ambiental, está presente un efecto de sonido que genera tensión. No hay música de fondo.

    Escena del tren del episodio 1 de Serial Experiments Lain.

    El contexto y lo que busca transmitir la escena es totalmente distinto, pero resulta gracioso comprarla con una escena de tren en el episodio 13 de Colorful. Tampoco hay música que acompañe el momento, y todo es el ambiental y las voces. Hasta que llega también el uso de esta especie de efecto de tensión, pero con un nivel de seriedad sustancialmente opuesto. Es muy curioso el intentar encontrar las similitudes.

    Escena del tren del episodio 13 de Colorful.

    Por otro lado, un detalle llamativo de Colorful es cómo se diferencia de algún ecchi genérico más moderno en cuanto a la presentación de las mujeres. Más allá del surrealismo mencionado anteriormente, en este anime no hay caídas ni accidentes de protagonista de harem, ni waifus sexualizadas gritándole “¡pervertido!” a alguien mientras se cubren avergonzadas. Se logra una mezcla extraña de situaciones mundanas con una serie de componentes absurdos.

    ¿La recomendación?

    Si bien Colorful es sin duda un anime original e interesante –especialmente- desde una mirada audiovisual, no es el título más fácil para recomendar al espectador casual. Está lejos de ser perfecto, y podría pasar incluso más como algo experimental o una creación divertida para su director. Más allá de las secuencias surrealistas, la animación y el arte pueden alejar tranquilamente a la mayoría de espectadores.

    Habría que sumarle también que hoy la temática no esté bien vista por todos, a pesar de se trata un dibujo animado ficticio. Como sucede siempre con el género comedia, puede que el humor del anime tampoco guste a todo el mundo. No obstante, no creo que estaría mal darle una oportunidad si uno busca algo raro o distinto, y la corta duración de los episodios lo hace más fácil de ver.

    Ya hablando a gusto personal, a mí me llamó la atención el carácter experimental y la premisa ridícula del anime. Me gustaron más en particular los episodios 12 (la waifu gigante que sale del mar), el 13 (la visita del amigo de Steve) y el 15 (un dilema entre las mujeres 2D vs las 3D). Así ratifico que es una pieza audiovisual que vale la pena, que también constituye otra faceta más colorida del reconocido Ryūtarō Nakamura, que en paz descanse.

    Low budget Lain vibes.
  • Nekojiru Gekijou: Cuando la curiosidad mató a todos, menos al gato

    Nekojiru Gekijou: Cuando la curiosidad mató a todos, menos al gato

    Japón le tiene camote al gato. Cuán singular es su aprecio de dicho felino doméstico que el símbolo nipón de la buena fortuna es uno: el maneki-neko, famoso tótem de la suerte que es representado con una pata alzada y con una moneda de oro del periodo Edo.

    La estrecha relación de ambos, país y criatura, viene de antaño y no es sorpresa para nadie. Y los ejemplos sobran: he ahí el raudo gato bus de Hayao Miyazaki en Mi Vecino Totoro, o la guardiana felina y parlante de Usagi Tsukino en Sailor Moon, e incluso Doraemon, el famosísimo gato robot enviado del futuro por su dueño, para que ayude a su nieto a subir las notas del colegio.

    Una característica particular se puede desprender de los ejemplos citados, y esta es la naturaleza sobrenatural de todos ellos. Sin duda, se trata de un lugar común: muchas figuras felinas ostentan una naturaleza real maravillosa. Tanto es así que incluso Netflix estrenó en el 2020 una película sobre este asunto: Amor de gata, que narra la historia de una niña capaz de convertirse en un minino blanco con la ayuda de una máscara hechizada.

    No es el caso, en absoluto, de Nekojiru Gekijou, que se encuentra en la orilla opuesta de las consabidas representaciones fantásticas de dichos animales nocturnos.

    Nutritiva sopa de mininos en la pantalla chica

    Nekojiru Gekijou (algo así como teatro de sopa de gato) es un anime de 27 episodios de 2 minutos cada uno. Fue estrenado en el año 1999, como parte de un programa de TV conducido por la dupla cómica Bakusho Mondai. La miniserie se encargó de adaptar por primera vez los trabajos de la mangaka Chiyomi Hasiguchi, más conocida en el mundo de las artes gráficas por su nombre de pluma, Nekojiru (nuevamente, sopa de gato.)

    Afiche de la serie de Nekojiru Gekijou

    El anime narra las desventuras de Nyako, una gatita avispada que, junto a su hermano Nyatta, se encargará de hacerle la vida de cuadritos a todo aquel que ose interferir con la conquista satisfactoria de sus travesuras. Además, el recorrido diario de los mocosos contará con la asistencia involuntaria de la madre, una hacendosa felina de carácter insobornable, y el padre, un gato desempleado y obeso que se la pasará todo el tiempo empinando el codo.

    A pesar de tratarse de episodios muy breves (desde uno hasta tres minutos), la huella que imprime cada uno de ellos es indeleble. Esto se debe a que cada relato nos confronta con una visión cínica e implacable de la vida cotidiana de dos escolares de clase media. Se trata de una mirada tan apática sobre la insignificancia del hombre común que, cualquier acción, accidental o no, encaminará a las personas que se crucen con los gatos hermanos hacia un destino infeliz e incluso mortal.  

    La curiosidad no mató al gato

    Tal cinismo se hace evidente desde el primer episodio, que se desarrolla en el colegio de los protagonistas: habiendo concluido las clases, un compañero de aula se dirige a Nyako a preguntarle sobre sus planes para el día siguiente. Ella le contesta que faltará a clases, ya que quiere pescar cangrejos de río. El niño hace visible su decepción y, acto seguido, le pregunta si es que la puede acompañar. Sin siquiera pestañear, Nyako responde: “Ni hablar, porque eres un cerdo.” (En honor a la verdad, cabría acotar que su amigo es, efectivamente, un cerdito parlante.)

    Y esa es solo la punta del iceberg. Las situaciones por las que se desenvuelven los mininos oscilan desde las más pueriles (como el rechazo desbocado a la comida de un familiar) hasta las más atroces (como el homicidio consecutivo de ocho personas, con la ayuda de un tractor gigante). La violencia explícita, la crudeza de los sucesos y la sorpresa de las víctimas (cuyas reacciones incluyen el rencor, el desconsuelo o la más plana indiferencia) le otorgan al conjunto un clima absurdo que alcanza picos desternillantes. Aquí la comedia no tiene bandera ni principios.

    Gatos de culto en formato OVA

    Por otro lado, cabe anotar que Nekojiru Gekijou no es la única adaptación alrededor de la obra de Chiyomi “Nekojiru” Hasiguchi. Un cortometraje de 34 minutos, intitulado Cat Soup (Nekojiru Grass), se estrenó en el mercado de video en el 2001. La producción estuvo a cargo de la casa de animación J.C. Staff, que tiene entre sus franquicias más conocidas a animes como Revolutionary Girl Utena o Food Wars. El director del film fue Tatsuo Sato, el mismo responsable de la realización de Martian Successor Nadesico, la célebre space-opera noventera que homenajea y parodia al mismo tiempo a otros colosos del género, como Macross, Gundam y Space Battleship Yamato.

    Esta OVA se aleja del carácter lenguaraz y la chispa jocosa de la obra original. Más bien, es una adaptación libre en clave surrealista, donde los hermanos gatunos llevan a cabo un viaje de carácter astral, alternando así el mundo de los vivos con el de los muertos. Personajes célebres de la adaptación televisiva también concurren (los padres, el amigo cerdito), pero lo hacen brevemente y sin mayor relieve sobre el curso del relato.

    La cinta contiene muchos elementos afines a su fuente impresa. Sin embargo, la sustancia fundamental, ese humor caricaturesco que era enfatizado por su perfidia infantil, está ausente. Por el contrario, ahora prevalece el aspecto visual, con una estética similar a la de clásicos de la animación francesa, como El Planeta Salvaje (1973). El carácter de la anécdota es hermético, y posee una atmósfera onírica y solemne. Esa seriedad desentona con los personajes, y por ende la violencia se torna densa y un tanto gratuita.

    Aún así, la gran mayoría de escenas que compone Cat Soup son de antología. La infinidad de cuadros alucinados que se suceden uno tras otro le ha garantizado a esta pieza un culto único entre los feligreses del cine bizarro. No es para menos. La textura expresionista de las figuras, sumada a un cromatismo de carácter tenebrista, hacen del film una experiencia inquietante e impredecible. No es frecuente encontrar encarnaciones tan vívidas del mundo de los muertos.

    Nekojiru Gekijou: vida después de la muerte

    Es probable que la perspectiva nihilista que adoptaron la serie y el ova se deba al pesimismo inflexible de la autora del manga original, Nekojiru. Si bien en sus primeras obras (una suerte de bitácoras que registraban su día a día, y donde la mangaka se dibujaba a sí misma como un gato) su apatía no era evidente, es a partir de la creación de Nyako y Nyatta que su desidia por lo ordinario surge. En los títulos Nekojiru Udon, Nekogamisama o Nekojiru Dango prevalece la indiferencia por todo tipo de ansia humana, sin distinción entre necesidades elementales como el hambre, o sentimientos nobles, como el amor al prójimo.

    Chiyomi “Nekojiru” Hasiguchi

    Lamentablemente, esa misma indolencia se reflejó en la propia vida de Nekojiru. La mangaka, nacida el 19 de enero de 1967 con el nombre de Chiyomi, se quitaría la vida treinta y un años después, el 10 de mayo de 1998. Desde ese momento, su esposo, Yamano Hajime, adoptó el alias Nekojiru-y en honor a su pareja, y se encargó de reeditar sus obras completas, además de continuar las aventuras de los mininos Nyako y Nyatta. Gracias a aquel esfuerzo, el legado de Nekojiru, contra todo pesimismo, permanece vivo hasta el día de hoy.

    No hay que confundirse. No es Nekojiru Gekijou una oda a la indolencia ni la malicia. Más bien, todo lo contrario: es una celebración a la niñez más insumisa, aquella que se regocija con travesuras inocentes. Los irreverentes mininos de Nekojiru-san reflejan la mirada cándida del infante que abre los ojos por vez primera: la de un recreo eterno y sin consecuencias.

    Portada del manga original
  • Shunsuke Kikuchi, compositor de las melodías de la saga Dragon Ball, fallece a los 89 años de edad.

    Shunsuke Kikuchi, compositor de las melodías de la saga Dragon Ball, fallece a los 89 años de edad.

    Shunsuke Kikuchi, compositor de los temas de Dragon Ball, Dragon Ball Z, Doraemon y Dr. Slump falleció a los 89 años de edad. Según el portal Oricon Music, las causas de su deceso han sido complicaciones relacionadas a la neumonía.

     No obstante, lo que ha causado conmoción ha sido que esta noticia data del 24 de abril. La familia del compositor ha decidido mantener este lamentable deceso en secreto para poder despedirse de él en la más completa intimidad.

     Kikuchi nació en Hirosaki (Aomari) el 1 de noviembre de 1931 y la primera película en la que trabajó fue The Eighth Enemy en 1961.

    El reconocido compositor deja una obra titánica de casi 260 títulos musicales, según IMDB. Entre ellos encontramos más de 400 piezas musicales para el anime Dragon Ball y Dragon Ball Z respectivamente. Asimismo, trabajó en la serie Doraemon, anime que estuvo en el aire desde 1979.

    En el año 1983, Kikuchi fue nominado al Óscar de Japón a través de obras en The Gate of Youth y To Trap a Kidnapper. En el 2013 recibe un premio al logro en los Tokyo Anime Awards en 2013 y un Lifetime Achievement Japan Record Award en 2015. En el año 2017 decide retirarse para dedicarse de lleno a su salud.

  • Now and Then, Here and There: La guerra es muerte

    Now and Then, Here and There: La guerra es muerte

    Now and Then, Here and There plasma una crítica cruda hacia el imperialismo, la explotación de recursos, el abuso infantil, la avaricia y toda la destrucción bélica que los humanos pueden ocasionar.

    Bienvenido al infierno

    Shu Matsutani es un chico promedio con las características típicas de un protagonista de shonen: amable, determinado y de buena fe. Una tarde mientras se sienta a observar el atardecer sin demasiadas preocupaciones, aparece una chica misteriosa de ojos azules introvertida que tímidamente le pide que la ayude. Acto seguido, llegan unos soldados armados con robots que parecen salidos del futuro, y en un encuentro caótico transportan a Shu y a la chica enigmática -que para entonces ya sabemos que se llama Lala-Ru– a un mundo distópico en el que son secuestrados dentro de la nave de “Hellywood”-nombre que parece una especie de guiño a lo que Shu y los demás personajes están apunto de acontecer.

    Ima soko
    Lala-Ru

    Un bien escaso

    Como siempre ha sucedido en la guerra, el anime plantea un argumento en el que existe una lucha por recursos. La narrativa propone un conflicto por el agua y la dominación global, ya que al parecer es un bien escaso y las personas literalmente se mueren de sed. Es entonces donde aparece la figura de Lala-Ru, una niña que utilizando sus poderes canalizados en un pendiente de cristal que cuelga de su cuello, puede generar agua de la nada a costa de su energía vital. Es por esto que el dictador Hamdo (líder de Hellywood) y sus tropas tienen tanto interés en capturar a la jovencita.

    La nación de Hellywood cumple el rol del imperio sometedor, el cual se encarga de “reclutar” o más bien literalmente forzar y esclavizar a los habitantes de las naciones que encuentra a su paso. Aquí es que aparecen personajes como el de Nabuca, Boo y Tabool,  niños quienes han sido secuestrados por Hamdo para ser entrenados como soldados que le sirvan fielmente, con la falsa promesa de que una vez que la guerra termine- lo cual nunca sucederá- podrán regresar a su pueblo natal y vivir tranquilos, cosa que también resulta imposible, pues como se exhibe más adelante en la serie, una vez que los miembros son anexados a las filas del tirano, los escombros restantes de las aldeas son bombardeadas hasta desaparecer.

    Nabuca

    La moraleja sin cambio (Spoiler)

    El final de Now and Then, Here and There nos deja un sabor muy amargo en la boca, así como una sensación de tristeza que emula ciertamente el sinsentido de la guerra. Shu retorna a su época como si nada hubiese ocurrido, parece como si todas las muertes de sus amigos fueran parte de solo un mal sueño. Lala-Ru se desvanece mirando el atardecer mientras escuchamos un soundtrack de la serie nostálgico que solo profundiza el sentimiento de vacío. El personaje de Sala (amiga de Shu que también fue secuestrada de su tiempo) termina por aceptar a su hijo -el cual ha sido producto de múltiples abusos sexuales por parte de las tropas de Hellywood- y que la dejo desesperanzada y trastornada por gran parte de la serie. Y Hamdo termina muriendo ahogado de manera irónica, producto de su insaciable codicia .Finalmente, el mensaje que nos deja la serie es que la guerra trae muerte. Shu no cambió demasiado como personaje porque la guerra solo trae eso: muerte.

    Sara trastornada en confinamiento
    Ending
  • Sugoi Ramen – 24 años

    Sugoi Ramen – 24 años

    El sábado pasado, 24 de abril, Proyecto Sugoi cumplió 24 años. Más de dos décadas persistiendo en el proyecto, a veces con las revistas, con las proyecciones y ahora con los eventos virtuales. Bueno, no podemos dejar pasar esta fecha así nomás, así que vamos a celebrarlo realizando un Sugoi Ramen y por supuesto están todos invitados para este domingo 02 de mayo a las 18 hrs.

    En el Sugoi Ramen para iniciar contaremos con la participación de Natalia Jaira, actual coordinadora de nuestro Grupo de investigación y difusión de Cultura Popular Asiática , ella nos reseñará algunos títulos de libros que están trayendo nuestros amigos de Ibero Librerías. Luego, contaremos con la presencia de Iván Antezana Quiroz, Jorge Thomas Romero y Khaled Encalada, quienes conversarán sobre los inicios del proyecto y algunas anécdotas, pero, cómo recordar es volver a vivir, con este nuevo aire también tenemos que mirar cómo está el presente y nuestros planes para el futuro, nos hablarán sobre las novedades del proyecto y las sorpresas que estamos preparando para este año.

    Entonces, los esperamos este domingo a las 18 hrs. en nuestro Fanpage y si todavía no lo haces, no te olvides de suscribirte.

    Link del evento

    Pdta: vamos a sortear regalos a los que estén presentes, después no digas que no te avisamos 😉

  • I like your face: La esencia del yuri

    I like your face: La esencia del yuri

    La ‘magia’ del yuri, al igual que el propio género, es complicada de poner en papel. Su naturaleza es ambigua, y las características de su audiencia son muy variadas. No obstante, entre los cientos de one shots que he podido leer, hay uno en particular que me ilustró mejor que cualquier definición académica: I like your face, una obra que plasma el purismo del yuri en su sutil expresión.

    Creado por Hanimi y publicado en la revista Comic Yuri Hime de Octubre 2018, I like your face trata de Suzuno y Kanami, dos amigas de colegio que se encuentran regresando en tren. El primer diálogo es justamente un title drop de Suzuno hacia Kanami, quien le confiesa espontáneamente que le gusta su cara. Aunque esto normalmente implicaría que hay sentimientos románticos de la primera hacia la segunda, el final se encarga de subvertir las expectativas.

    Página 1 de I like your face. Kanami (arriba) y Suzuno (abajo).

    ¿Qué tiene de especial este one shot en específico? Yendo a un terreno más subjetivo –y de gusto personal-, destaco el uso de las expresiones faciales para comunicar sin necesidad de emplear diálogos. La mezcla entre inocencia, lo platónico y la verosimilitud que transmite la interacción entre ambas chicas deja al lector con la sensación de haber leído algo wholesome, pero no del tipo de Gochuumon wa Usagi Desu ka? o de Sakura Trick.

    Una definición del yuri

    Precisar una definición del género es justamente uno de las cuestiones más discutidas en el campo académico. Todas las definiciones coinciden en que el núcleo de los textos considerados yuri son las relaciones entre mujeres, pero de ahí las posturas son diversas. Hay una propuesta por la académica Verena Masser que resulta muy interesante, pues habla del yuri en términos de intimidad.

    Es partir de lo anterior que utiliza la expresión “intimidad del mismo sexo entre mujeres” para describir al género. Esto busca principalmente evitar hablar de “identidades sexuales”, dado que términos como “lesbiana” y “homosexual” hacen referencia a categorías de identidad que nunca son meramente descriptivas. Se argumenta, en ese sentido, que no son descripciones neutrales ni estables a lo largo del tiempo.

    Página 20 del capítulo 21 de la edición impresa de Seven Seas Entertainment del manga Girl Friends (2006) de Milk Morinaga. Esta es la única vez que se emplea la palabra “gay” a lo largo de toda la narrativa. El personaje de Mariko no sabe si identificarse o no como “gay”, pero la cuestión es tratada a la ligera/con una connotación cómica, y no se vuelve a tocar.

    Para poner lo anterior en cristiano, lo principal es entender que no es lo más preciso referirse al yuri como “animes y mangas de lesbianas”. La obra de Nobuko Yoshiya –considerada la madre de las narrativas shōjo– utiliza y subvierte los parámetros sexológicos, de manera que ofrece diferentes posibilidades para entender el amor entre mujeres y chicas. Vale destacar que estas historias fueron las que pusieron la primera piedra para los cánones del género.

    La esencia de lo ambiguo

    Siguiendo esa misma línea, resulta complicado definir la naturaleza de las relaciones en los textos yuri con términos como “amor”, “amistad” o “romance”. Estos terminan siendo muy limitados para el amplio espectro de posibilidades que podemos encontrar. No quiere decir que estos nunca estén presentes, pero en la mayoría de casos no basta con una palabra para hacer una descripción consistente.

    Volviendo a I like your face, Kanami sí menciona que existe una amistad entre ella y Suzuno. Sin embargo, no alcanzaría con firmar en piedra que su relación es únicamente que son amigas de la misma escuela. El hecho que Suzuno le insista inocentemente –porque evidentemente no es un tease– que le gusta su cara, y que esto desencadene en una conversación cómoda y de importante cercanía, deja en claro que hay algo más ahí.

    Es una cuestión seria.

    No obstante, es justamente aquella ambigüedad la que captura la esencia más pura del yuri. ¿A Suzuno le gusta Kanami? ¿Se trata de una especie de amor o admiración platónica? ¿Será que realmente solo quería decirle que le gusta su cara? Se sabe por el final que Kanami pone aquella fachada seria y calmada, pero que en realidad quiere que Suzuno este enamorada de ella. Y, a pesar de ello, nunca se menciona textualmente qué clase de sentimiento alberga Kanami hacia su amiga.

    Es interesante también la diferencia en cómo ambas acomodan sus piernas. Subtexto(?)

    Más allá de la fórmula

    Es interesante también cómo I like your face ilustra de cierto modo cómo han evolucionado las narrativas yuri en los últimos tiempos. Ya no es únicamente el encuentro entre chica A y chica B, tras el cual una de las dos se interesa en la otra. Kanami rememora cómo se conocieron, y a pesar de lo significativo que resulta este evento, ella misma lo pasa a segundo plano con un “bueno, es todo del pasado”. La conversación es en función a la trivialidad del hecho que a Suzuno le gusta su cara, tanto hasta el punto que Kanami pensó que le tenía miedo porque no la miraba a los ojos.

    No se discute en ningún momento cómo se identifica cada personaje, ni estos hablan directamente del estado de su relación. La situación luego de que Kanami le dice a Suzuno que puede mirarla si desea connota muchas posibilidades. La ‘magia’ de esta corta historia está en tratar de leer las expresiones faciales y lo que puede haber detrás de un dialogo cotidiano, pero son –en mi opinión- las páginas sin texto aquellas que brillan más.

    Es también una posibilidad argumentar que este one shot es mucho más simple de lo que se ha hecho parecer en este texto, y es perfectamente válido. Pero considero que es justamente la mística que transmite esta simpleza la que da para hacerle una apreciación a un manga que es desconocido incluso para el lector promedio del género. En cualquier caso, tómese como una invitación a purificar su día en apenas 16 páginas.

    Maser, V. (2015). Beautiful and Innocent Female Same-Sex Intimacy in the Japanese Yuri Genre.

    Suzuki, M. (2006). Writing Same-Sex Love: Sexology and Literary Representation in Yoshiya Nobuko’s Early Fiction. The Journal of Asian Studies; Ann Arbor Tomo 65, N.º 3,  pp. 575-599.

  • Trapitos mágicos: Bokura wa Mahou Shonen

    Trapitos mágicos: Bokura wa Mahou Shonen

    Bokura wa Mahou Shonen es un manga de fantasía y comedia con demografía seinen.  Inició su publicación en el 2018 por Shueisha; y cuenta con guion y dibujo de Fukushima Teppei, más conocido por su obra Samurai Usagi. Actualmente va por su cuarto tomo y está siendo traducida al inglés por el fansub Hachimitsu Scans.

    Bokura wa Mahou Shounen #2

    Sinopsis

    El manga trata de las aventuras de Kaito Odagiri, un niño de once años frecuentemente involucrado en peleas con abusones de clases superiores. Su vida toma un giro inesperado cuando un misterioso niño se da cuenta de su potencial y le ofrece la oportunidad de convertirse en un superhéroe, a lo que Kaito accede emocionado y de buena gana. No obstante una vez activados sus poderes se da cuenta que no es lo que buscaba: se ha transformado en un mahou shonen, un combatiente del crimen vestido de niña. Aunque en un principio esto despierta la repugnancia de Kaito, gracias al travestismo comienza a descubrir facetas de él que desconocía y termina aceptando sus nuevos poderes.

    Personajes

    La dupla principal está balanceada por el apasionado héroe local Kaito Odagiri (conocido con el nombre de Thrilling Pink en su forma de mahou shonen) y el tranquilo y serio niño rico  Makoto Kaibara (Rowdy Blue). En su carrera como mahou shonen conocerán a otros chicos mágicos como Akito y Haruto Hibino (Lofty Purple y Sparkly Yellow), quienes aparecerán primero como rivales suyos.

    Por un lado, Kaito es retratado como un niño apasionado con alma heroica y con un fuerte sentido de la justicia. Poco a poco, no obstante, descubrirá que también le atraen las cosas lindas convertido en un mahou shonen, y ser admirado por las personas. Por el otro, la historia revelará la fascinación de Makoto por el rol de mahou shonen y sus esfuerzos para convertirse en uno, resaltando con ello que no se trata de un hijito de papi, sino alguien que busca valerse por méritos propios.

    Opinión

    Lo primero que llama la atención de este manga es su estilo de dibujo cercano al cartoon. Esta elección estilística impide la sobresexualización, frecuente en los manga gender bender. La temática romántica también está fuera de su esfera. No es un manga yaoi o shonen-ai (con excepción del capítulo 7). Aunque por momentos apela al moe para generar empatía hacia los personajes, Bokura wa Mahou Shonen es un manga sobre la amistad y la aceptación de aspectos de la propia personalidad. Asimismo, trata sobre la niñez y el tono cándido de las historias se ajusta perfectamente al tipo de dibujo.

  • GUNNM Mars Chronicle: Pequeños ángeles de la guerra

    GUNNM Mars Chronicle: Pequeños ángeles de la guerra

    La tercera (y última) parte de la saga de Gally empezó a publicarse en octubre del 2014 en la Evening (la misma que publicó LAST ORDER) y a pesar de su ritmo irregular, ya tiene acumulado 7 volúmenes, el último publicado el año pasado.

    Volvamos al pasado (otra vez)

    En esta ocasión tendremos dos líneas temporales: 3 años después de los sucesos del torneo ZOTT, en el cual Gally se vuelve a encontrar con Erica Wald, a ella ya la habíamos visto en algunos flasback y al final de GUNNM LAST ORDER como la misteriosa terrorista Frau X; ella forma parte de un grupo terrorista llamado Einherjar, el cual está vinculado a una facción que busca el control de Marte, la cual se denomina como la División del Neo-tercer Reich , la cual está causando varios ataques terroristas (aprovechando la ausencia de Trinidad);se descubre que los miembros de Einherjar son “ Necro soldiers” , soldados resucitados;  Gally sabe que Erica es una de ello ya en el pasado, cuando eran miembros del  Grünthal ,Erica murió luego de una pelea de práctica con Yoko; aun así , nuestra protagonista está decidida a liberar a su amiga del control de Einherjar y buscar una cura para los necro soldier.

    En la otra línea temporal (y en la actualmente está en desarrollo) regresamos al pasado y vemos que sucedió con Yoko (el antiguo nombre de Gally) y Erica luego de ser rescatadas por Gerda y un grupo de Künstlers, son llevadas a un orfanato en la ciudad de Mamiana, pero esto solo sería el inicio de su camino, ya que hay gente en Marte que quiere tener en su poder a la pequeña Yoko.

    Una nueva protagonista y un mundo en llamas

    A diferencia de las dos partes anteriores, en Mars Chronicle tenemos a Erica como coprotagonista y como el hilo conductor de toda la narrativa del pasado, un personaje tan importante, pero con muy pocas apariciones en la segunda parte de GUNNM, en esta ocasión conoceremos más de su pasado: una infancia marcada por el abuso físico y psicológicos de sus padres, su encuentro con Yoko es primordial para el destino de ambas niñas, haciendo de esta saga, una lucha diaria de ambas por sobrevivir en Marte, un planeta en medio de una guerra cruenta guerra civil; sin que ellas lo sepan, sus acciones futuras afectarán no solo al futuro de Marte, sino a todo el universo.

    De todos los secundarios que han aparecido (hasta el momento) en el manga, hago una mención especial: El Barón Muster, cuya historia tiene mucha relación con el origen de Yoko y de una forma u otra también con Erica. Una suerte de villano que causa zozobra entre los nobles de Marte, pero su trágica vida está relacionada a la búsqueda de un extraño tesoro y a la ambición desmedida de una noble marciana.

    Una historia que a va a su propio paso

    Con un ritmo pausado, Kishiro no quiere apurar el desarrollo de la historia, teniendo muchas pausas debido al estado de salud del autor . Esperemos que no sea nada grave y tenga pronta mejoría, por el bien de la serie.

    Aún quedan muchas preguntas por responder en este último arco, solo nos queda esperar ¿Cómo Erica y Yoko se convierten en aprendices del Panzer Kunst? ¿Cómo la dulce Yoko llega a convertirse en la mayor asesina de la historia del Panzer Kunst? ¿Qué sucedió con ellas durante su tiempo en el Grünthal? ¿Gally logrará liberar a Erica del control de Einherjar?

  • ¿Por qué mirar FLCL? Gainax en modo random

    ¿Por qué mirar FLCL? Gainax en modo random

    Erecciones, madurez y robots gigantes. A poco más de 20 años de su lanzamiento, repasamos las razones por las cuales FLCL (Fooly Cooly) es una obra maestra.

    Sinsentido lógico

    Medical Mechanica es una sociedad intergaláctica que busca implantar planchas gigantes en todos los planetas para aplanarlos uniformemente, logrando así la ansiada igualdad máxima de todos los lugares y personas. Esto parece más una especie de crítica a la desindividuación, inoriginalidad o hasta un statement político, sin embargo, no deja de parecer irónico incluso hasta para el mundo del anime. Por supuesto, la archinémesis de la presunta organización es Haruko Haruhara, quien encarna la libertad, originalidad y la locura misma. Manejando a toda velocidad su motocicleta, Haruko atraviesa los suburbios de Mabase (espacio ficcional donde transcurre la historia) y se topa con un niño de 12 años. Termina metiéndole un guitarrazo en la cabeza a Naota Nandaba (protagonista del anime) y le abre un portal interdimensional que le deforma la frente y hace que le salgan robots en lo que parece más un chiste fálico que cualquier intento de narrativa seria.

    La trama de FLCL a primera vista parece un tanto dispersa, pero con el pasar de los capítulos, y sobre todo, con el mensaje que busca transmitir la serie, esta se explica mejor. Es relativamente similar a la de Evangelion, ya que ambas son como un iceberg. Existe una trama superficial concentrada en el desarrollo de los personajes, pero al mismo tiempo se esconde en las profundidades de la historia una temática más compleja. En el caso de FLCL, si bien muchos de sus chistes o referencias fueron incluidos por motivos de entretenimiento, varios guiños o diálogos tienen significados importantes que buscan transmitir un mensaje claro a través de su animación.

    FLCL
    Naota portal

    Never knows best

    Naota es un Fooly Cooly, es un “tonto cool”. Probablemente, la temática más recurrente en la serie es la madurez que es perfectamente sintetizada en el nombre del anime. El joven de 12 años se encuentra en una etapa compleja (la pubertad). Es una actitud muy recurrente, sobretodo en esa edad, el querer aparentar madurez y rechazar las actitudes infantiles. Naota se aleja los sabores dulces y empieza a beber sustancias más amargas, negando que aún es un niño y que, por lo tanto, sigue siendo inmaduro. Con Minanori sucede algo parecido, es una niña que trata de mostrarse frívola y desapegada de sus problemas familiares, cuando en realidad sufre mucho por dentro. Por otro lado, Mamimi (la ex novia del hermano de Naota) vive atrapada también en la inmadurez. Ella escapa de sus dolores reconfortándose en el vago apego emocional que le ofrece Naota y en supuestos dioses inexistentes que le crean sensaciones efímeras de tranquilidad. La realidad es que todos estos personajes se encuentran atrapados dentro del mismo problema, y la única solución es dejarse llevar por la vida y no acelerar la moto antes de tiempo. Las cosas suceden en su momento Naota termina aceptando que le gustan los sabores infantiles y que quiere a Haruko; Mamimi finalmente logra por fin avanzar y dedicarse a la fotografía, pero para poder encontrar su camino ambos deben reconocer primero que la vida es incierta. Que como la frase que literalmente Mamimi se fuma dice: “nadie sabe qué hacer”.

    never knows best FLCL
    Mamimi fumando

    El anime más random

    Es innegable lo impredecible que es FLCL. La puesta en escena cuenta con una animación excelente, así como con un soundtrack magnífico compuesto por la banda de rock The Pillows. Pero todo esto se queda corto comparándolo con la cantidad de referencias y dirección aleatoria- porque realmente no existe otra palabra para describirla- que el anime maneja. Por poner ejemplos, hay escenas que transcurren en páginas de manga; hay otras que están animadas y dibujadas al estilo de South Park; e incluso la voz del gato Miyu Miyu es interpretadada por Hideaki Anno. FLCL es un popurrí, pero uno excelente.

    FLCL South Park

    El universo FLCL continúa

    Algo que me sorprendió bastante fue que el anime continúa con dos inesperadas secuelas lanzadas en el 2018, las cuales son una suerte de spinoff del anime original: FLCL Alternative y FLCL Progressive. Ambas expanden las aventuras de Haruko con dos jovencitas diferentes, en las cuales a través de dos películas la motociclista trata de frustrar los planes de Medical Mechanica una vez más, siguiendo un proceso similar al logrado con Naota en la serie del 2000. Si te gustó FLCL, tienes Haruko para rato.

  • Jikuu Tenshou Nazca: ¿Perú en anime?

    Jikuu Tenshou Nazca: ¿Perú en anime?

    Entre las “joyas” perdidas de los 90s se encuentra un anime muy particular, además de curioso para cualquier espectador -y en especial- peruano. Su “fama” en la cultura popular se debió a que aportó un par de fotogramas en el opening del sitcom Malcolm in the Middle, pero Jikuu Tenshou Nazca es mucho más que solo eso. Una obra tan bizarra como la idea de que en Perú usamos llamas como taxis, que goza del mismo nivel de credibilidad de aquella falsa concepción extranjera.

    «Ai no Fuuga», opening de Jikuu Tenshou Nazca.

    Nazca trata, en resumen, de Kyoji Miura, un estudiante de Kendo que descubre ser la reencarnación del guerrero inca Bilka, discípulo de Atahualpa. Su maestro, Tate Mazanari, resultó ser también un luchador incaico llamado Yawaru, pero este es fiel a Huáscar y también un rival que enfrentó en el pasado. Tate buscará otras almas reencarnadas, y pretende despertar el ‘Irya Tesse’ –el llamado poder de la tierra- para destruir el mundo. Kyoji y Yuka Kiritake, prometida de su ahora enemigo y reencarnación de la sacerdotisa Aquira, deberán detener aquella ambición.

    Como buen anime de fantasía que es, no faltó agregar a la mezcla algo de magia y movimientos dimensionales –como dice el título en inglés, Dimension Movement of Nazca-, además de peleas ‘incaicas’ con poderes y espadas. Más allá de la trama y sus personajes –que merecen un texto aparte-, resulta interesante hacer un repaso de los “signos peruanos” presentes en la serie. ¿Qué tan preciso es afirmar que Nazca es un anime de Perú? Si nos guiamos solo de nombres y del uso de “El Cóndor Pasa” como ending, podríamos llevarnos una idea más equivocada que los propios creadores de Nazca.

    «Condor wa Tonde Iku», ending de Jikuu Tenshou Nazca.

    Lugares y espacios

    Perú es descrito textualmente como un país “3.5 veces más grande que Japón” y ubicado en Sudamérica, aunque visualmente solo es mostrado mediante las locaciones de Machu Picchu y el Tahuantinsuyo (el lugar aún existe). Kyoji y Yuka viajan a nuestro país en el episodio 2, y se les puede ver caminando en una Machu Picchu deshabitada. Esta es representada como “la antigua ciudad inca ubicada a 2400 m.s.n.m.”, dibujada en base a la realidad: grande, verde, con presencia de andes y estructuras de piedra. Los conquistadores no pudieron encontrarla, y se mantiene intacta.

    Sobre el propio Tahuantinsuyo, este es representado como una tierra sagrada: árida y montañosa en el presente, solo habitada por lo que parecen ser cóndores. Kyoji y Yuka son transportados mágicamente del Santuario Histórico Peruano a este lugar en el episodio 3. Se dice que los incas “crearon un gran imperio dentro de un corto periodo de tiempo, y que para los inicios del siglo XV habían conquistado las tierras al norte de Ecuador y al sur de Argentina”. ¿Parece que hay incertidumbre respecto a los límites de lo que fue el imperio incaico?

    Es curioso que, aparentemente, en la actualidad se puede llegar caminando de la tierra árida del Tahuantinsuyo hasta el Lago Titicaca como lo hicieron Kyoji y Yuka. Este es representado como una especie de pantano aislado y rodeado de montañas, y descrito como el “lago donde el dios Sol envío a los que serían los incas”. Yuka se lanza al fondo, y así recuerda que ella fue la sacerdotisa Aquira en su vida pasada, sobre el ‘Irya Tesse’ y de la guerra entre Huáscar y Atahualpa.

    “Yo, Orehon, nací en el seno de la familia del alto sacerdote del palacio del Cusco”. Esa es la única referencia que tenemos a la ciudad que aparece en los flashbacks, presuntamente la capital del imperio incaico. Es curioso que las calles se ven similares a las de una Europa medieval, y destaca ¡una catedral! en el medio de todo. Como datos adicionales, se puede apreciar al ejército de Atahualpa movilizándose en caballos para invadir Quito, y también a Huáscar en un templo de piedra sentado en un trono entre un par de antorchas.

    Las personas

    La vestimenta y apariencia de las reencarnaciones del Tahuantinsuyo también resultan muy curiosas. Se puede ver que la gente de la ciudad es en su mayoría de tez clara. Lo más destacable es quizá el hecho que los guerreros inca luchan con espadas, con excepción de sacerdotes que utilizan poderes mágicos. Visten ropa colorida y pegada al cuerpo con plumas, muñequeras de oro y otros adornos plateados. Aquira lleva un vestido blanco con adornos de oro, brazos descubiertos, velo voluminoso, y Orehon una túnica que le tapa el rostro, adornos de oro y metales preciosos. En cuanto a Atahualpa y a Huáscar, es mejor verlos uno mismo en la galería.

    «Elementos» culturales

    Como siendo “fiel” al título, las líneas de Nazca están en todas a lo largo del anime. La más predominante es la del cóndor, que figura hasta en el opening. Los geoglifos están en el Tahuantinsuyo y en Asuka (Japón), a partir de una “hipótesis que dice que los antiguos peruanos y japoneses eran originalmente una misma raza y cultura”. En el episodio 8, Shiogami –el del opening de Malcolm- utiliza el dibujo de la araña como una especie gran círculo mágico. ¿La explicación? “Los sacerdotes incas estudiaron las leyes del universo, y aprendieron a controlar su poder a través de estos símbolos”.

    Es gracioso cómo Shiogami afirma también que cada geoglifo corresponde a un planeta distinto, y que la araña es protegida por la luna. Hay otros “elementos” peruanos que aparecen, pero tienen menos relevancia que las líneas de Nazca. El Tumi es representado como un cuchillo usado en los rituales sagrados inca, y parece también estar cargado de un poder mágico para viajar a otra dimensión. Finalmente, el Intihuatana es quizá el símbolo más “ordinario”, solo descrito como “significa nacido del sol”. Eso, y los cóndores que aparecen volando épicamente cuando Kyoji se transforma.

    Es complicado encontrar Jikuu Tenshou Nazca en buena calidad, y por diversas razones es considerado obscuro entre los animes retro. No obstante, como peruano de bien no está de más darle una oportunidad a esta pieza de ficción tan particular. Elegí responder a la pregunta del título con que esta serie construye su propio mito sobre el Perú, o quizá su investigación simplemente no pudo siquiera llegar al hecho que Nazca es una cultura pre inca. En cualquier caso, puedo decir que vale la pena ver a japoneses en 2d haciendo jutsus sobre la figura del cóndor.

    Kuchiyose no Jutsu(?)