El huevo del ángel (Tenshi no Tamago (天使のたまご) es una OVA dirigida por Mamoru Oshii en 1985. La historia gira en torno a una pequeña niña que camina sin rumbo por un oscuro mundo post-apocalíptico lleno de edificios góticos, donde ella parece ser de las únicas sobrevivientes junto a algunos soldados y a un misterioso hombre que carga una cruz. Lo curioso es que ella lleva a todos lados un misterioso huevo -de un tamaño bastante considerable- que parece querer proteger.
Pero, ¿qué hay dentro de ese huevo? ¿Por qué esta niña nunca habla? ¿Por qué ese hombre carga una cruz? El film de Oshii genera más preguntas que respuestas, pues está cargado de un alto nivel de simbolismo y tinte surrealista que ha logrado que, al terminar el film y a lo largo de los años, nazcan muchísimas interpretaciones sobre esta obra. Cabe resaltar que el mismo Oshii ha declarado que no sabe de qué trata la historia y justo antes de realizar la OVA había perdido su fe en el cristianismo (lo cual es una gran pista para poder interpretarla).
Esta obra maestra destaca por el impecable manejo del silencio por parte del director, pues el ritmo nunca decae a lo largo de los 70 minutos de duración por más que prácticamente no exista diálogo (solo en tres momentos hay un breve intercambio de palabras). Es así como Oshii se consagra como el maestro del ritmo, donde las largas secuencias de silencio se combinan con una edición visualmente brillante que atrapa al espectador y lo mantiene interesado en el vagabundeo de la misteriosa niña con su huevo por esta ciudad en ruinas. Estas largas tomas llenas de silencio nos recuerdan a las películas del director ruso Andrei Tarkovski, quien exploró este estilo en toda su filmografía.
Si normalmente eres de las personas que se salta los openings y endings en Netflix, te podrías perder de la magnífica secuencia de cierre de los episodios del anime Great Pretender que se estrenó el pasado 20 de agosto en la conocida plataforma de streaming. Las imágenes están acompañadas del tema The Great Pretender, interpretado por el famoso vocalista de la lengendaria banda Queen, Freddie Mercury, y componen un vistoso homenaje al cantante mientras conecta su versión del tema con la historia de la serie.
Great Pretender es un anime producido por Wit Studio (conocido por su trabajo en Shingeki No Kyojin) y cuenta la historia de Edamura Makoto, el autoproclamado mejor estafador de Japón, quien—tras tratar de robar a un francés llamado Laurent Thierry—se ve envuelto en una serie de fraudes de alto vuelo en los que se ponen a prueba sus habilidades para engañar. En el mencionado ending, se presenta a un gatito que sale de atrás de un telón y es iluminado por una luz teatral de la misma manera que aparece Freddie en el video oficial de la canción The Great Pretender. Otra referencia se encuentra en los tres gatitos coristas que en el video del cantante son reemplazados por él mismo, Roger Taylor (baterista de Queen) y el actor Peter Straker quienes cantan delante de un micrófono travestidos. La elección de los felinos tampoco es casualidad, pues el líder de Queen era amante de los gatos. Sin embargo, la conexión no termina allí.
The Great Pretender es una canción original del imprescindible grupo musical estadounidense The Platters que, según la última entrevista grabada en video que concedió Freddie en 1987, el cantante siempre quiso grabar, así que cuando empezó su carrera en solitario concretó un exitoso cover. En esa misma entrevista, el artista afirmó que si bien la canción habla de una persona que debe fingir estar bien después de que le rompen el corazón, para él, era una representación precisa de lo que el hacía en su carrera musical.
Cuando subía al escenario, se colocaba su vestuario y se convertía en distintos personajes (que aparecen en el video de The Great Pretender), lo que le divertía, pero tras bajar del escenario los dejaba atrás para volver a ser él mismo. De la misma forma, si bien el opening de Great Pretender presenta un energético jazz que evoca la palpitante adrenalina y comedia de las estafas, el ending presenta otro aspecto de la serie: el desarrollo en código dramático de las historias personales de los personajes que como Freddie no son «pretenders» todo el tiempo. Sin duda, una elección bien pensada.
Como dato curioso, la conexión entre Queen y Japón estuvo presente desde los inicios de la banda que llegó al país del sol naciente en 1975 sin aún una fama consolidada, pero, como relata Tōgō Kaoruko y para su sorpresa, recibieron una calurosa bienvenida de los fans en medio de la época dorada del rock en la nación japonesa. Esa visita hizo que la banda se encariñara con Japón (al que volvieron en varias ocasiones) y convirtió a Freddie en un fanático del arte y cultura del país. Incluso, se nota una influencia nipona en la canción de la banda Teo Torriatte y en un dueto de Freddie con la soprano Montserrat Caballé titulado La Japonaise, pues en ambos temas hay partes cantadas en japonés.
Los primeros 14 episodios de Great Pretender ya están disponibles en Netflix y ya saben que vale la pena quedarse hasta el final del ending donde Freddie remata con todo el virtuosismo de su arte.
Si les interesa saber más de Queen en Japón, aquí hay un artículo al respecto: https://bit.ly/3hY3Ia1
En esta nota les hablaremos de Akiko Higashimura, una de las mangakas más reconocidas por la academia artística japonesa contemporánea que esta ganando mayor popularidad en Occidente y que, a pedido de nuestros nakamas, esperamos que pronto sus obras sean publicadas en español para el también deleite de sus fans latinoamericanos.
BIODATA
Akiko Higashimura nació en la ciudad de Miyagi, Japón, el 15 de octubre de 1975. Desde pequeña demostró ser una gran fan del manga shōjo, como por ejemplo del anime Chibi Maruko chan (1990-1992), de Momoko Sakura, manga que fue un boom durante la infancia de la mangaka. Así también se declaró una “niña Ribon», ya que durante su niñez fue una gran seguidora de la famosa revista Ribon, publicada de la mano con la famosa editorial nipona Sueisha. Pero su amor por el manga no quedaría ahí, pues ya soñaba con ser mangaka desde esa edad. De hecho, su talento como artista ya se hacía notar: cuando estaba en quinto grado de la escuela primaria, creó su primer manga sobre una niña detective, al que llamóTantei Puttsun Monogatari. En la escuela secundaria entró en el club de arte, y después estudió en la escuela kanezawa de arte. Finalmente, su sueño se hace realidad y debuta como mangaka a los 23 años en la revista de seinenWeekly Morning.
Fuente: Akiko Higashimura Documental (Youtube)
ESTILO E INFLUENCIA
Su estilo es característico por sus pocas líneas /trazos de dibujo en el diseño de sus personajes. Asimismo, Akiko declaró en una entrevista al también famoso mangaka Naoki Urasawa (autor de Monster 2004-2005) que su estilo está influenciado por la obra de Yokoyama Mitsuteru, celébre autor de Tetsujin 28‑gō, manga precursor del género mecca. Prueba de esto sería que en Kimawari- KenichiLegend se ve la influencia del manga Sangokushi, del maestro Yokoyama.
Para el diseño de sus personajes, Akiko ha recurrido a diversos modelos peculiares de la vida real. Por ejemplo, para Kugarehime, se inspiró en las historias que le contaban sus amigas otaku cuando salían a tomar una copa. En Himawari aparece retratado su padre, y en Mama no tenparist se inspira en su propio hijo como modelo protagónico.
Estilo de dibujo en personaje masculino, Bishoku Tantei Akechi Goro (Cocohana, 2015)
Mama wa Tenparist (Shueisha, 2007), donde el hijo de Akiko fue inspiración para el personaje protagónico
Princess Jellyfish (2008, Kodansha), inspirada en las amigas «otaku» de la mangaka
OBRAS
Akiko Higashimura tiene aproximadamente veinte años en la industria del manga, por lo que es normal que tenga una vasta lista de obras publicadas. En esta ocasión, mencionaremos algunos de sus títulos más resaltantes y exitosos no solo en Japón, sino en Occidente (es decir, EE.UU, hasta el momento): Kugarehime, traducida en inglés como Princess Jellyfish (2008, Kodansha), Tokio Tarareba Girls (2014, Kodansha), y su cómic autobiográfico Kakukaku Shikajika, más conocido como Himawari-Kenichi Legend (2012, Shueisha).
PREMIOS/RECONOCIMIENTOS
Ha sido nominada al premio Manga Taisho en repetidas ocasiones: en 2008 por kugarehime; en 2009 por Mama wa Tenparist; en 2011 por Omo ni Naitemasu, y en 2015 lo ganó por Kakukaku Shikajika.
Akiko Higashimura recibe el premio Manga Taisho por Kakukaku shikajika (2015)
DATO CURIOSO
Akiko tiene su propio bar dedicado a un teatro takarazuka cerca de Osaka, donde se viste con kimono para atender a los clientes.
En el manga Yukibana no Tora (2015, Shogakukan), la artista tiene como protagonista a Uesugi Kenshin, famoso daimyo de la era Sengoku de Japón, pero como un personaje femenino de la obra, la cual es su primera de temática histórica.
El propio Naoki Urasawa reconoció con mucho asombro que Akiko es una mangaka super veloz al momento de dibujar.
La mangaka acostumbra a trabajar en su estudio con buzo para estar más cómoda. Sin embargo, aun con un traje simple, su vestimenta suele ser colorida y detallada, “con mucho estilo”.
Su estilo de dibujo es muy meticuloso y detallado, sobretodo en cuanto a las expresiones emocionales y la vestimenta de los personajes que así lo requieran (como, por ejemplo, los históricos).
Cuando está muy cansada para seguir dibujando sus mangas, Akiko toma una pequeña siesta en su mesa personal de trabajo.
Ha llegado a trabajar con más de una decena de ayudantes para que entinten y perfilen 100 páginas de mangas distintos durante un mes.
Pese a lo atareado de su rutina, Akiko no pierde su sentido del humor.
También les recomendamos ver el video de Oriol Estrada Rangil, máster en Estudios de Asia Oriental, donde nos comenta su crítica sobre las obras de la mangaka en mención:
💫 ¿A quién de pequeño no le fascinaban las estrellas? ¿Soñaba con tener un telescopio para poder trasnocharse para ver los planetas solo ver las estrellas, no espiar, malpensados? El día de hoy #GISugoi presenta: Koisuru Asteroid.
☄️ Anime slice of life de la temporada de invierno 2020, basado en el 4-koma de Quro del mismo nombre. Presenta el sueño que tienen Mira y Ao, amigas de la infancia que se vuelven a reunir en la secundaria, de descubrir un nuevo asteroide. Para ello se unirán al club de “ciencias terrestres”, el cual reúne a los antiguos clubs de astronomía y geología. En dicho grupo no solo encontrarán las herramientas para aumentar su conocimiento sobre la astronomía, sino también verán su relación con otras ciencias como la geografía y la cartografía. En ese sentido, el anime llama la atención por dos puntos: su potencial educativo, en la cual el espectador aprende sobre estos (a veces nuevos) temas a la par que las chicas; y la propuesta humanista y de interdisciplinariedad.
Sobre el potencial educativo, el anime no solo busca ser una introducción amena a la astronomía, geología, geografía, metereología, e incluso la astrología. También trata de que estos datos, que pueden ser complejos en ocasiones, puedan ser de fácil entendimiento y acceso al público. Ello condice con el intento de las chicas por crear en la escuela una revista informativa sobre sus investigaciones en torno a las “ciencias terrestres”, así como las actividades de difusión de las ciencias que hacen en los festivales escolares.
Por otro lado, en cuanto a la propuesta humanista y de interdisciplinariedad, el anime resalta no solo la necesidad de comunicación entre las personas, sino también la importancia del diálogo en el desarrollo del conocimiento y de las ciencias. En ese sentido, es una propuesta en contra la atomización del sujeto y del saber. El primer y segundo caso se puede ejemplificar en el arco de Mikage Sakurai, miembro del ex club de geología, quien en un inicio insiste por mantener la separación de ambos grupos, pero a medida las demás chicas toman interés por su rama, no solo se entabla una comunicación entre las ciencias, sino también una mejor comunicación entre las integrantes del grupo. Esto nos lleva a reflexionar sobre una propuesta de la ciencia como interdisciplinaria, en la cual el conocimiento nace a partir del diálogo con otras disciplinas, y humanista, ya que invita a la apertura hacia las demás personas y compartir con ellas experiencias con el objetivo de desarrollar las ciencias.
✔️ Por lo tanto, Koisuru Asteroid es un anime que no solo nos permite aprender un poco sobre las ciencias naturales, sino también invita a entender el conocimientos como algo que se construye en diálogo con otras personas y con otras ciencias. Y posee uno de los endings más bellos y feelings de la temporada.
Uno de los primeros encuentros que los peruanos tuvimos con el folclore japonés fue gracias a “Me lo contaron en Japón” transmitido por TNP (ahora TV Perú) por allá en la década de los noventas. El gobierno nipón decidió regalar a diversos países de Sudamérica programas educativos del canal nacional japonés NHK –entre ellos- éste llamado “Teatro de marionetas” (こども人形劇場) donde cada episodio era un encuentro lúdico con una historia de su folclore que transmitía valores como la amistad y promovía la reflexión.
La zorrita Kon y el tejoncito Pon se encuentran por primera vez. Fuente: Video de «MiraBolivia».
El programa se basaba en el bunraku: una antigua forma de teatro de marionetas. Entre uno de sus episodios se encuentra “La zorrita Kon y el tejoncito Pon”, una historia de amistad entre dos tipos de animales que comparten la capacidad de transformarse físicamente. Sin embargo, las familias de Kon y Pon se oponen a su amistad porque no confían en un animal que use su habilidad de metamorfosis para engañar y hacer daño a otros. Sin embargo, esto no es cierto como descubrirán luego, solo estaban juzgando a la otra especie sin conocerlos previamente.
Izquierda: Pon con sus padres. «Los zorros son maestros del engaño. Si sigues jugando con un zorro, te embrujará y te hará caer por el barranco» dice la señora tejón. Fuente: Video MiraBolivia. Derecha: Teatro Bunraku. Fuente: Britannica.com
Esta desconfianza de los padres es un reflejo de la poca comprensión que suelen recibir estos animales por parte de algunos japoneses en la vida real, pues la tradición cuenta que tanto los kitsune (zorros) como los tanuki (tejones) poseen la habilidad para transformarse como un medio de supervivencia y adaptación al constante cambio que sufre su hábitat. Sin embargo, algunos juzgan esta habilidad negativamente y los condenan como seres dedicados al arte de engañar.
«Los tejones no son nuestros amigos. Son malos y hacen travesuras» dice el señor zorro. Fuente: Video de MiraBolivia.
Alguien que desarrolló esto a fondo es Isao Takahata en su película Pom Poko donde un grupo de tejones o tanukis tienen que luchar contra la demolición de su hogar (el bosque) y usan la metamorfosis como medio para sobrevivir. No se los retrata como viles, sino que se empatiza con este poder propio del tanuki. El trasfondo (al igual que en ”Me lo contaron en Japón”) remite el respeto por otras especies, la protección de su lugar en el mundo, la indiferencia del ser humano y el disfraz como un medio de supervivencia. Entonces, a través de estos productos audiovisuales, aprendemos sobre la particular representación de estos animales en el folclore japonés donde además son categorizados como espíritus llamados yōkai.
Pom Poko dirigida por Isao Takahata en 1994. Aquí el tejón (tanuki) está en clases de metamorfosis junto a sus otros compañeros que han logrado transformarse en darumas.
Intro de «Me lo contaron en Japón».
https://www.youtube.com/watch?v=h7OFCE6O2ZE
«La zorrita Kon y el tejoncito Pon» de «Me lo contaron en Japón». Parte 1.
No había pasado mucho desde que Miura Kentarō había empezado a publicar Berserk y hasta ese momento había mantenido muchos de los rasgos propios de un manga dirigido al público masculino. Su máximo referente era la obra de Buronson y Tetsuo Hara, Hokuto no Ken (también conocido como Fist of the North Star o El puño de la estrella del norte) y su arte se enfocaba en la acción y la violencia de la historia de Guts. No obstante, mientras trabajaba con el mismo Buronson en las obras que ilustró para él (Ōrō, Ōrō Den y Japan), Berserk llegabaa un punto crucial para que los lectores se identificaran con el protagonista, así que Miura decidió dar un giro en su aproximación a su propio manga. Allí entra en escena la historia de nuestra querida Oscar.
En una entrevista del año 2017, el autor confesó ser fanático del manga shōjo y señaló que le interesaba mucho la manera cómo se retrataban las relaciones y emociones tristes y dolorosas en las obras dirigidas a esta demografía, entonces, mencionó la influencia de La Rosa de Versalles. Había llegado el momento de contar por qué Guts quería vengarse de Griffith y al mangaka no le gustaba la idea de pequeños flashbacks dentro de la historia principal, pues pensaba que eso podría resultar en sólo dar información al lector antes que en expresar los sentimientos de los personajes. En consecuencia e inspirado en la historia de Lady Oscar, creada por la autora Ikeda Riyoko, y en otros títulos como el dramón Kaze to Ki no Uta de Takemiya Keiko, Miura dio vida a El Arco de la Edad de Oro desplegando todo el desarrollo de historia que consideraba que era necesario.
Fuente: Young Animal Comics/Hakusensha/ Shūeisha
Siguiendo el ejemplo de las autoras, Miura dedicó un poco más de 10 volúmenes publicados a lo largo de cerca de 6 años para crear un arco que por sí mismo es un relato potente emocionalmente en el que presenta el duro pasado de su protagonista, hace que el lector simpatice con sus compañeros de la Banda del Halcón y construye con especial cuidado la amistad entre Guts y Griffith. Esto deriva en un profundo compromiso sentimental por parte de la audiencia, así que cuando llega al trágico punto climático—el fatídico Eclipse—da un golpe de gracia directo al kokoro. El propósito era que los lectores pudiesen sentir la misma ira de Guts para que entendieran su deseo de venganza y fue tal la reacción del público que muchos dejaron de leer Berserk después del fin del arco y La Edad de Oro se convirtió para muchos en la mejor parte de toda la obra. En una entrevista del año 2000, el mismo Miura confesó que él mismo terminó deprimido cuando el destino de sus personajes quedó sellado. No es difícil imaginarlo y relacionarlo con la misma desolación que sentimos muchos al final de La Rosa de Versalles, otra historia que no es ajena al kokoro.
Posteriormente, el resto de Berserk y el arte del mismo mangaka mantuvieron esa influencia que incluía una mayor delicadeza en el dibujo y énfasis en la expresión de emociones propio de la obra de Ikeda. Además, Miura mencionó que el personaje de Serpico, el sirviente medio hermano de Farnese, está basado en André, el devoto interés amoroso de Oscar y muchos fans han encontrado paralelos entre la misma protagonista y Griffith en cuanto a su diseño de personaje y su androginia. Las vinculaciones han llegado a tal punto que incluso el autor señala que para él tiene sentido que consideren a su obra en parte como un manga shōjo.
Cada uno de nosotros tiene un manga o un anime, que le hizo pensar—aunque sea por un segundo—en convertirse en mangaka o animador ¿Se imaginan lo que fue para miles de niños y jóvenes en 1947, la primera vez que leyeron La nueva isla del tesoro (Shin Takarajima) de Tezuka Osamu, obra clave para el manga moderno? Oriol Estrada señala que, a mediados de los 50, no habían muchas publicaciones y si bien algunos maestros como Tezuka tenían una fama ganada, los mangakas principiantes tenían que pasar muchas penurias. A pesar de ello, muchos sintieron el llamado de la obra de Tezuka-sensei y se arriesgaron a mudarse—casi sin dinero—a Tokio, donde se encuentran las editoriales, para probar suerte y seguir al dios del manga que se albergó en esa ciudad en 1953, específicamente en un edificio de departamentos, Tokiwa-so, que se volvería leyenda por sus ilustres inquilinos.
Fuente: Akita Shoten / Shōnen Gahō-sha
Tezuka estuvo poco tiempo, pero antes de mudarse cedió su mítica habitación 14 para Fujiko Fujio (A), uno de los dos creadores de Doraemon e, incluso, como cuenta Fujio (A) apoyó a este y a su compañero creativo, Fujiko F. Fujio, a pagar la renta cediendo su depósito de un año, ya que los aún novatos no podían costearse ese dinero. Entre 1953 y 1961, se alojarían figuras como Ishinomori Shotaro (llamado el rey del manga y autor de Cyborg 009, Kamen Rider y Super Sentai Series), Suzuki Shinichi (que tiene créditos en animes como Akira, Naruto, Astro Boy, One Piece o Lupin III) o Akatsuka Fujio (creador de Osomatsu-kun y Tensai bakabon), los cuales formaron una estrecha comunidad de soñadores que trataban de ganarse la vida mientras buscaban alcanzar el éxito.
Fujiko Fujio (A) relata en una entrevista cómo a veces se levantaba en la madrugada y caminaba por el pasillo, entonces, veía las luces encendidas de las habitaciones de sus colegas, quienes habían conseguido empleo en alguna revista y seguían trabajando, lo que le producía envidia, pero a la vez gusto y ganas de seguir esforzándose como mangaka. Muchos de ellos se asociaron para presentar trabajos conjuntos, se hacían préstamos para subsistir (Terada Hiroo era llamado Tera-Bank) o se apoyaban como asistentes (Fujiko Fujio (A) fue asistente de Tezuka).
Fuente: Oriol Estrada
Fuente: Japaaan magazine
En ello radica la importancia de este grupo de mangakas y su historia, en ese ímpetu y perseverancia que sirvió de inspiración para que todos ellos pudieran conseguir y completar un trabajo más que los acercó en algunos casos al ansiado éxito o a apoyar a otros en el mismo. De acuerdo con Nanbara Jun, el edificio fue demolido en 1982 y el teléfono desde el cual Ishinomori y otros más llamaban a sus editores fue removido en el 2015, pero aún se mantiene el restaurante de ramen donde se reunían a comer estos precursores del manga después de sus deadlines y que le mandaba delivery personalizado a Tezuka-sensei. Además, se colocó un pequeño monumento conmemorativo y este mes se ha abierto las puertas del museo Tokiwa-so que recrea el edificio y los antiguos espacios de trabajo de sus habitantes de antaño.
Fuente: Kajipon Sakura
Fuente: Tokiwaso Manga Museum
Fuente: Wikimapia
La historia del Tokiwa-so es contada en distintas obras como la película Tokiwa-so no seishun (The manga apartments) de 1996, el especial animado para televisión Bokura Manga-ka Tokiwa-so Monogatari (We are Manga-ka: The Tokiwa-so Story) de 1981 o en el manga Manga Michi de Fujiko Fujio (A) que tiene una secuela.
Les dejamos los links a los artículos citados y a otros que pueden ser de interés:
⛩ En esta ocasión vamos a hablarles de una novela mexicana inspirada en Japón que la rompió durante la década de los ochenta por su originalidad y magistral producción: «El pecado de Oyuki».
🖌 El pecado de Oyuki es una telenovela mexicana producida por Lucy Orozco para Televisa en 1988. Está basada en la historieta del mismo nombre escrita por Yolanda Vargas Dulché y publicada primero en 1949 dentro de la revista Pepín y después en 1975 dentro de la revista Lágrimas, risas y amor. Fue protagonizada por Ana Martín y Boy Olmi, con las participaciones antagónicas de Salvador Sánchez y Martha Roth, y la presentación estelar de Cecilia Gabriela. La historia fue adaptada al formato de telenovela por la misma autora. Se transmitió originalmente del 15 de febrero al 5 de agosto de 1988 en el horario estelar de las 21:00 h. por El Canal de las Estrellas (aunque la novela fue grabada entre 1986 y 1987).
Protagonistas de la telenovela mexicana «El pecado de Oyuki»
🌸 DATO CURIOSO:
• Esta telenovela significó el debut como Productora Ejecutiva de Lucy Orozco. • La preproducción duró un total de siete meses. • Las grabaciones se iniciaron con apenas cinco capítulos escritos. • La utilería se trasladó desde Tokio para reproducirla en México, lo que representó un alto costo debido al sobrepeso de equipaje. • Para las escenas de las calles de Tokio se contrataron cerca de 600 extras con rasgos orientales. • Para simular una nevada se utilizaron cerca de mil costales de poliestireno expandido. El equipo tardaba más de tres horas en recoger con aspiradoras el material en las faldas del Ajusco. • La productora Lucy Orozco tardó tres meses en editar la entrada que acompañaba los créditos. • El actor Gonzalo Vega había sido elegido originalmente para interpretar el personaje de Yutaka, pero al parecer, no se sintió satisfecho con el personaje. • Esta telenovela alcanzó una gran teleaudiencia, consiguiendo 92 puntos de índice de audiencia, ganando diversos premios y siendo transmitida en países de América Latina, además de gozar de mucho éxito en Japón. • El costo final de la producción fue de 432 millones de pesos de la época. • Esta fue la primera (y, hasta ahora, única) telenovela mexicana doblada al cebuano e hiligeino para su transmisión en las regiones filipinas de Bisayas y Mindanao.
Ana Martín como Oyuki
☘️ Después de «El pecado de Oyuki» :
* Al finalizar las grabaciones de la telenovela Ana Martín fue invitada a Japón, pues las altas jerarquías de ese país querían felicitarla personalmente por el logro de haber interpretado magistralmente a una geisha.
* Posteriormente Martin fue puesta en manos de un famoso cirujano en Los Ángeles debido a los desgarres que tuvieron sus párpados y otras partes cercanas a sus ojos a causa del constante estiramiento para simular ojos rasgados. Esto le costó a la actriz un largo tratamiento de recuperación para lograr restablecer la piel caída.
🎮 “¿Qué sucede cuando el ajedrez… te pone horny?” (Gilbert 2019). Esta frase tan auténtica y tan precisa quizás es la mejor forma de introducir una de las franquicias de juegos de estrategia que más reconocimiento ha obtenido Nintendo en los últimos años. #GISugoi te presenta: Fire Emblem.
⚔️ Quienes hemos tenido el privilegio de crecer con esta franquicia desde que fue introducida a Latinoamérica el 2003 con Fire Emblem: The Blazing Blade,y el 2004 con Fire Emblem: The Sacred Stones, no solo sabemos de los desafíos que trae cada partida, sino también las posibilidades que tiene cada personaje de ser waifu material (o husbando,porque somos conscientes de la diversidad y somos así de inclusivos). Y entre la variedad de este cofcofguapocofcof cast, podemos distinguir dos elementos que llaman la atención: su mecánica y la complejización de la figura del “enemigo”.
En cada una de sus entregas, Fire Emblem nos presenta una misma trama: un protagonista, quien suele ser un Lord o una figura heroica, que debe escapar y derrotar al gobernante que está provocando el caos y la guerra en la región. Una vez se presenta la trama, se introduce rápidamente al jugador en la mecánica. Por lo general, el juego comienza por introducir el principio fundamental de Fire Emblem:el héroe o Lord es la unidad más importante que debe sobrevivir a toda costa; y este suele ir acompañado de una unidad más fuerte. Luego, hay una progresión en la presentación de las unidades y en la complejidad del mapa. Primero, se presentan aquellas unidades contrapuestas en rango o movilidad (los cavalier -unidades montadas a caballo con un alto rango de movimiento- y los knights -unidad de lanza con alta defensa pero baja movilidad-). Después, el mapa presenta obstáculos como montañas y bosques, para lo cual es ideal el uso de unidades aladas (pegasus knight); junto con ellos, surge la figura de los clérigos, support ideal ya que las unidades aladas pueden ser vulnerables a los ataques. Le siguen otras unidades melee, como el fighter, la clase trainee (que puedes promover más adelante), el ladrón y arquero (ambas, unidades ideales para el saqueo). Finalmente, una vez el jugador interactúa con un mundo que le resulta cercano y “verosímil”, se añade el componente sobrenatural y las unidades mágicas: el mago y el monje.
Finalmente, la franquicia llama la atención por la humanización de la figura del enemigo. A diferencia de los monstruos y la mayoría de las criaturas mágicas, las cuales son retratadas como el epítome del mal, ellos suelen tener un rostro y razones que los conduce a creer en la validez de la guerra: el patriotismo, el “cumplir un destino” -el cual creen no tiene otra forma de resolverse-, la reforma de la estructura social aún a costa de muchas vidas, o el mantener de manera irreflexiva el status quo. Fire Emblem ha podido complejizar en los últimos años la narrativa sobre el privilegio de la nobleza, el uso de la violencia y las secuelas de la guerra: el trauma por la pérdida y el abandono de los seres amados.
NOTA: Algunos datos, como la mecánica o el nombre de las unidades, son extraídos a partir de un análisis de Sacred Stones, por lo que pueden haber variaciones con las demás entregas. Asimismo, hay clases que son presentadas en determinadas entregas y luego son omitidas, como el villager (equivalente al trainee) en Shadows of Valentia, o el tactician, clase que aparece en The Blazing Blade y retorna en Awakening como el avatar con el que el jugador se puede identificar y que es una unidad de pelea.
Una introducción a la franquicia de Fire Emblem (AKA: Fire Emblem 101):
¿Cómo distinguir a los 596 personajes de Fire Emblem? (O de dónde rayos se obtuvo la cita de introducción):
Poseedora de una belleza fuera de este mundo, Tomie es la misteriosa protagonista del manga de terror que lleva su nombre y que catapultó a la fama a Junji Ito. La ópera prima del mangaka se centra en esta joven inmortal que impulsa a sus admiradores a la desesperación con el fin de obtener un beneficio personal. Entre sus intereses recurrentes está la simple satisfacción de observar cómo sus víctimas hacen su voluntad, pero esto suele desembocar en una tragedia dado que la obsesión y desesperación que Tomie crea en ellosllega a tal punto que la mayoría acaba por asesinarla o herirla de las maneras más sádicas y retorcidas.
Tomie Kawakami, identificada por su largo cabello negro y un lugar debajo de su ojo izquierdo.
Para sorpresa de ellos, Tomie tiene la capacidad de regenerarse inmediatamente y también de multiplicarse. Es decir, cuando una Tomie muere genera una copia exacta de sí misma y así el proceso de clonación crea una eterna cadena de terror.
Proceso de clonación tras ser asesinada sádicamente
Junji Ito comenta que se inspiró en el fenómeno de la regeneración de los lagartos para crear el manga. Su idea inicial era centrarse en una joven que había vuelto a la vida, pero que no recordaba su muerte por lo cual actuaba con despreocupación al presentarse en el colegio ante la mirada de terror de sus compañeros. Mientras la historia se desarrollaba, Ito convirtió a Tomie en una persona cruel, ya que creía que el manga sería más interesante si presentase a alguien que no fuera agradable.
Fuente: Colección Junji Ito.
El primer capítulo fue publicado en 1987 en una revista shōjo llamada Monthly Halloween y el último salió en el año 2000. En total existen 24 capítulos que no se conectan entre sí y técnicamente cada uno se trata de una copia nueva de Tomie. Cabe resaltar que en 1989 Junji Ito fue el ganador del premio Kazuo Umezu (uno de los padres del manga de terror) que lo convirtió en uno de los referentes del terror japonés gracias a esta perturbadora historia.
Izquierda: Tomie luciendo adorable. Centro: Junji Ito siempre sonriente. Derecha: Kazuo Umezu, considerado el padre del manga de terror desde la década de los sesenta.
Top wo Nerae! Gunbuster es un OVA de 06 episodios dirigida por Hideaki Anno (también creador deEvangelion) en 1988. Este fue la ópera prima del director en Gainaxy marcó un antes y un después en el género mecha (ya muy popular en la década de los ochentas) porque introdujo conflictos internos profundos en los personajes lo cual era una innovación en la época (esto fue llevado a un nivel épico en Evangelion). ¿Pero qué pasó en el episodio 06?
Argumento: «Una joven piloto, hija de un capitán espacial fallecido, es seleccionada para pilotear un colosal robot como punto clave para la defensa de la Tierra en una guerra en el espacio». Fuente: IMDB. A la derecha: imagen del Gunbuster, el robot colosal, en su famosa pose.
Muchos creen que se le acabó el presupuesto a Gainaxy animar las viñetas en blanco y negro era la solución más barata. Por otro lado, también se cree que Hideaki Anno tomó esta decisión con mucha conciencia y que estaba decidido a usar todos los recursos posibles para plasmar el dramatismo y sentimiento épico de la protagonista Noriko en su última misión dentro del Gunbuster.
La protagonista Noriko en el último episodio del OVA
La duda queda despejada tras leer las memorias de Yasuhiro Takeda -productor de Gainax– titulada “Las memorias Notenki: Studio Gainax y los hombres que crearon Evangelion”. En el capítulo Tokyo Life, confirma que una de las intenciones de Hideaki Anno para el último episodio era rendir homenaje a sus películas bélicas favoritas como La Batalla de Okinawade 1971.
La Batalla de Okinawa (激動の昭和史 沖縄決戦, Gekidō no Shōwashi: Okinawa Kessen) de 1971 es una película japonesa de guerra dirigida por Kihachi Okamoto.
Además, confirma un dato vital para este antiguo debate: la elección del blanco y negro efectivamente incrementó los costos de producción.
Sin embargo, Anno se obsesionó completamente con el proyecto. Para el primer episodio, se mantuvo al margen del guion original, pero tras cada episodio su propio toque único se volvió cada vez más aparente. Para el último capítulo, hizo lo impensable—filmó el episodio completamente en blanco y negro sobre cinta de color. Hacerlo intencionadamente le costó al estudio mucho más dinero y mucho más esfuerzo del necesario.
Yasuhiro Takeda
Ahora sí, caso cerrado.
Bibliografía:
Les dejamos el e-book de las memorias del productor de Gainax. Lamentablemente solo está disponible en inglés. Por ello, la autora tuvo que traducir la cita de manera libre. «The Notenki Memoirs: Studio Gainax And The Men Who Created Evangelion» (2002). https://www.gwern.net/docs/eva/2002-takeda-notenkimemoirs#the-new-gainax
🖌🎨 Ramdaram (람다람) es el nombre artístico de un ilustrador y animador originario de Corea del Sur. Su especialidad es crear diseños animados para videos musicales de diversos géneros (como el funk, trap y el soulpunk) que comparte en sus diversas redes sociales como Youtube, Instagram y Twitter.
Una destacable muestra de sus ilustraciones es recompartida por usuarios de Pinterest (a partir de su cuenta de Twitter). Asimismo, su canal de YouTube está llamando la atención en el mercado global que valora las estéticas destacables por su peculiaridad u originalidad. Prueba de esto es haber llegado a 400,000 suscriptores en menos de un año.
Daram, uno de los personajes principales del universo Ramdaram Fuente: Twitter del artista
ESTÉTICA
Ramdaram utiliza una gama de colores pastel que son combinados con un estilo de animación caracterizado una onda retro que linda con el vaporwave (estilo musical nacido en el 2009 a partir de una mezcla de géneros indie bailables como el chillwave y el witch house con géneros populares de los años 70 y 80), una estética alternativa o independiente que está surgiendo como fuerte tendencia entre los artistas millennials de todo el orbe.
Sobre la temática de los videos de este artista, es interesante destacar que gira entorno a un universo de personajes femeninos (en su mayoría) caraterizados por un diseño estético que (apelando a la terminología propia del fenómeno japonés animado) oscila entre lo kawaii (lindo o tierno) y una rudeza que recuerda a los personajes de la banda virtual británicaGorillaz, y que se complementa con una personalidad «oscura» (depresiva, perversa o extraña).
Un personaje destacado del universo Ramdarames Daram, quien no solo resalta por ser una chica de pelo rosa (con los típicos moños chinos a lo Pucca) sino por su cola felpuda “de ardilla”, sus pendientes de cruz invertida, sus dientes filudos y una mirada constantemente agresiva y desafiante. Otro personaje peculiar es Shu, una chica de cabello blanco y listones rosas que se ve muy sonriente, amable y además tiene una tienda de dulces con su nombre, pero que detrás de esa fachada parece dedicarse a vender cosas extrañas (unas curiosas pastillas que, al parecer, Daram habría probado).
Shu promocionando sus pastillas Fuente: Captura de imagen en video de Youtube (City love)
Otro aspecto interesante a resaltar del universo Ramdaram es que la relación entre sus personajes femeninos no refleja la lindura típica de las animaciones clásicas sobre historias de chicas: un oscuro pasado compartido por las protagonistas es sugerido a partir de referencias a situaciones depresivas, suicidas u homicidas, lo que no hace sino acenturar ese contraste extraño y oscilante entre una atmósfera cute, criminal y bohemia que rodea a estas chicas.
Otros personajes femeninos de Ramdaram Fuente: inven.co.kr
PORTAFOLIO ANIMADO
Entre los trabajos de animación realizados por Ramdaram para videos musicales, podrán encontrar SODA CITY FUNK, de Tim Legend; TWO TIME , de Jack Stauber; CITYLOVE (red), de Badkid; FEEL GOOD, de Syn Cole; LOVE ME RIGHT, de Noory; SOPPY, de Dustcell, entre otros también publicados en la cuenta de youtube del animador.
Citylove (red) -Badkid
***DATO CURIOSO***
Hay muchos extranjeros introducidos al universo de Ramdaram través de canciones como ‘Two Time’ y ‘Soda City Funk’, las cuales se están volviendo más populares en países extranjeros que en Corea. Al respecto, la proporción de extranjeros en la sección de comentarios y el número de visitas es abrumadoramente alta.
Hasta el momento, los videos animados de este artista no tienen derecho de autor, o, al parecer, como autor habría permitido que sus trabajos audiovisuales sean de dominio público.
Ramdaram participó en la producción de videos musicales con temática feminista. Debido a este antedecente, y al hecho de que sus personajes son mayormente mujeres, muchos de sus seguidores tenían dudas de que fueran feministas extremas. Al respecto, el artista no ha confirmado de manera oficial cuál es su postura política.
Un video donde el animador coreano responde preguntas de sus fans aparece en su cuenta de Youtube.
Video donde Ramdaram responde las preguntas de sus fans
