Sí, el título de esta nota no miente sobre la historia del anime Gaikotsu Shotenin Honda-san también llamado Skull-face Bookseller Honda-san. Si todavía no te acostumbras a la rareza de las premisas de varias series de animación japonesa, vas a tener problemas reconociendo que a veces hay mucho más detrás de estos curiosos relatos.
En este caso, Honda-san efectivamente es una calavera vendedora de libros, específicamente es el encargado de la sección de comics extranjeros y libros de arte. Además, entre sus compañeros de trabajo se encuentran personajes como Máscara de Gas (que sí, tiene una máscara de gas), Armadura (ya no tengo que decirlo), Linterna, Cabeza de conejo y otros personajes que—como todos ellos—cubren sus caras de maneras creativas. ¿La razón? Todos están basados en personas reales que conoció la autora, Honda, durante sus años vendiendo libros.
Como recoge Yulee Kim en su artículo, a pesar de la creciente popularidad del e-book en Japón, la cultura del libro impreso en el país del sol naciente aún mantiene su poder en el mercado, lo que se revela en la fama de la nación nipona, sobre todo Tokio (especialmente Jimbocho) como punto clave de venta de libros. Gaikotsu Shotenin Honda-san nos abre una puerta a este mundo en donde hay que preocuparse por categorizar y ordenar la mercancía que llega, organizar firmas de libros, atender a los clientes y decorar la tienda para navidad. Lo divertido está en que Honda-san y sus colegas son los que en cada uno de los dos pequeños scketch que conforman cada uno de los 12 episodios, enfrentan estos problemas, mientras evitan hacer referencias a títulos o empresas que les obliguen a pagar por derechos de propiedad intelectual.
El protagonista, Honda-san y sus compañeros son un claro ejemplo de lo señalado por Blautoothdmand acerca de que el encanto de un slice of life depende en gran medida de sus personajes, los cuales en este caso generan las situaciones más hilarantes. Como cuando el tímido pero trabajador Honda-san sufre mientras trata de explicarle a un cliente extranjero que el libro que le ha pedido comprar su hija es un «special yaoi book». Al mismo tiempo, pululan cerca un chico con una bolsa de papel en la cabeza cargando libros y una mujer que usa una máscara de médico de la peste negra mientras trata de intimidar a los distribuidores editoriales.
Esta particular combinación de cotidiana realidad, ajetreo y extravagancia, entretiene, enternece y provoca que queramos robarle el trabajo al buen Honda-san. Si están interesados en revisar la serie, está disponible en Crunchyroll y cada capítulo dura sólo 15 minutos.
Si desean también revisar más sobre la cultura del libro impreso en Japón y el slice of life, les dejamos unos links:
Aunque es un fenómeno, digamos, reciente en Latinoamerica (conocido más problamente por gamers y fans de este tipo de streamings), lo cierto es que, al ser un tema desconocido todavía por diversos investigadores de la cultura pop asiática (y por qué no, por otros “otakus”), he decidido traer a la palestra este “novedoso”, interesante y, por supuesto, “altamente tóxico” tema: el universo VTuber.
https://www.youtube.com/watch?v=aiZ6Et9ZpSs&t=2s
Famoso youtuber sueco reacciona al juego de Siro, VTuber japonesa, en Minecraft
Entonces….¿qué significa ser VTuber?
Según el canal de youtube La Madriguera Del Doc, el término VTuber(s) alude predominantemente a youtubers, que también son predominantemente mujeres, que crean un avatar digital animado con el cual interactúan con la audiencia, ahorrándose así el tener que invertir en una cámara, o hasta del uso de su voz real. Asimismo, señala que si bien este término alude a Youtube, recientemente el contenido de las Vtubers a cobrado popularidad en plataformas como Facebook Live o Twitch. La variedad de contenido de las VTubers es ilimitada: gamers, cantantes, tutoras de idiomas, pornografía, etc., etc.
VTubers japonesas, entre las que destaca al centro la más popular de todas: Kizuna Ai
Origen: ¿otro producto del softpower japonés?
Siguiendo los comentarios del youtuber aludido, el origen de este fenómeno se remonta al año 2011, no obstante estos avatars kawaii no surgieron en Japón (como yo misma pensé al inicio), sino en Gran Bretaña, pero tranquilos que hay un vinculo nipón de por medio: Ami Yamato, una bloguera japonesa radicada en el país anglosajón, que lanzaría una serie de videos animados con un avatar (suyo) animado que le hablaba a la cámara como si fuera un videblog normal para la época (es decir como el que haría uno youtuber de carne y hueso). Este formato, aunque nada parecido a lo que veríamos más tarde, sería considerado el primer prototipo de lo que años más tarde serían las VTubers.
Fuente: Página de Facebook oficial de Ami Yamato
Otra fuente sostiene que un antecedente de las VTubers pueden ser los youtubers que usaban Loquendo, un programa de software que emulaba voces «de estilo robótico», para sus Walfas, avatars creados por ellos/ellas mismos/as gracias a una página web especializada en ello, con características preponderantemente de personaje manganime; o para sus Renders, personajes manganime que eran sacados de la web cuantas veces era necesario para tener diversas expresiones, poses, actitudes de los mismos según la necesidad del loquendero youtubero. Todo esto con el fin de que crear historias divertidas, y por qué no super bizarras, contextualizadas en un mundo ficticio llamado Loquendo City (una ciudad que en realidad es un fondo de pantalla estilo manganime, osea más otaku no podia ser XD).
Pero no fue hasta el 2016 que aparecería en Japón, con el auge global de los streamings, Kizuna Ai, considerada como la primera Vtuber “hecha y derecha”. Al poco tiempo se convirtió en el fenómeno cultural pop más popular del país del sol naciente.
Cada vez este fenómeno se fue haciendo más grande, y con el aumento proporcional de los streamings, gracias sobre todo a plataformas como Twitch, comenzaron a surgir nuevas personalidades, gracias a que también empezaron a aparecer nuevasherramientas para que cualquiera pudiera crear su avatar virtual de manera digamos, sencilla y divertida.
Vtubers haciendo «streaming»
Impacto VTuber en Latinoamérica
En Occidente (tanto en el anglosajón como en el de habla hispana), las youtubers cada vez son más populares (al respecto, colocamos al inicio de esta nota un video donde el famoso youtuber sueco PewDiePie reacciona a la transmisión de una Vtuver japonesa llamado Siro en Minecraft). No obstante, (y dado que somos obviamente «latinos»), en este caso nos centraremos en el impacto que han tenido las Vtubers en nuestro continente.
En Latinoamérica existe una data creciente de youtubers como Asra,Suwie, y la famosa (y quizá hasta el momento más tildada de polémica) Nimu. Esta última es una Vtuber argentina que sería (incluso proclamada por sí misma en reiteradas ocasiones) «la más popular de nuestro continente», con una canal de youtube que rosa los 350 000 suscriptores y que cuenta además con una enorme cantidad de seguidores en Facebook Live, donde hace sus streamings. Entre los diversos factores a los que se les atribuyen su popularidad están su «peculiar sentido del humor» y su también “peculiar voz”, así como el hecho de que este avatar está poseída por una criatura morada que lleva “como adorno” en la cabeza (¿una referencia a una personaje manganime Yanguire?).
Fuente: Página oficial de Facebook de Nimu
Expectativas VTubers
Hasta el momento, existe una larga polémica respecto al futuro de las VTubers. Por un lado están los creadores de contenido que sostienen que es solo una moda pasajera (como sería el caso de Loquendo city, por ejemplo). Otros creen que, por el contrario, son la base de los youtubers del futuro, o del nacimiento de un siguiente nivel dentro del ecosistema digital, y así, existen un sinfín de opiniones/posturas sobre este tema, que solo el tiempo, esperemos, resolverá.
Y hasta aquí llegó la nota …
¿Qué por qué tan corta? ¿o por qué no hablamos de las polémicas VTubers latinoamericanas?… Para resolver estas y otras preguntas, recomendamos estar atentas y atentos al Facebook (y a la web Sugoi, porsupuesto), puesto que lanzaré un artículo más detallado sobre este tema el mes que viene. ¡No se lo pierdan!
Saludo de Vtubers a sus seguidores en Twitter (sí, también son activas en esta red XD)
Bonus track
Como parte del material extra audiovisual, les dejo este video (no apto para no fans del Yanguire ni del goré bélico «ultraviolento» XD) donde Nimu demuestra cómo una Loli juega con armas junto a su team .
🎥 ¿Quién no ha aprovechado en leer algo durante la cuarentena? ¿Ver todas las series que tenía pendiente? O mejor aún: ver todo el catálogo de Netflix ☕️👀. Y entre todas las películas que uno ha podido encontrar, quizás se ha topado con The Half of It,también titulada en castellano Si supieras o Conquista a medias: la historia de una adolescente china que se encuentra, parcialmente, fuera de lugar en su escuela, ubicada en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Si has podido ver sobre su cineasta, Alice Wu, llama la atención la poca filmografía que tiene. Pero eso no nos detendrá para hablar sobre ella el día de hoy. Por ello, ¡#GISugoi te presenta el cine de Alice Wu!
🛬 Nacida en California, Estados Unidos, en 1970, estudió Ciencias de la Computación en la Universidad de Stanford, y trabajó como ingeniera de software en Microsoft. A finales de los noventa se inscribió en un curso de guión en la Universidad de Washington, donde realizó lo que sería la historia de su primera película: Saving Face. Su cine reflexiona sobre la relación del individuo con su comunidad, el bilingüismo, los orígenes familiares y la relación con los padres, y cómo el sujeto lidia con su sexualidad.
🎊 Saving Face (2004) fue la primera película de Alice Wu, y tiene como protagonista a Wilhelmina (Wil) Pang, una cirujana sinoestadounidense que vive en Nueva York. La historia narra dos tramas: por un lado, el deseo de la madre de Wil, Gao, para que su hija se case con otro miembro de la comunidad china pese a ser lesbiana; por otro, la expulsión de la madre de Wil de la casa del padre por estar embarazada fuera del matrimonio, y la búsqueda de un marido para recuperar el honor de la familia. Sin embargo las cosas se complican para Wil cuando, al poco tiempo que comienza a salir con Vivian -sinoestadounidense e hija de su jefe-, su madre se muda con ella.
La película aborda los problemas de la comunidad china en Estados Unidos: tanto el deseo por preservar la lengua -mandarín- y los “valores” entre sus integrantes, como el temor de integrar lo “distinto” y lo que sale a la estructura familiar “tradicional” -homosexualidad, hijos fuera del matrimonio, matrimonio entre personas de generaciones distintas-. En esta doble narración el título hará referencia a cómo Wil y Gao intentan salvar el «rostro» u honor en una familia y comunidad que las ha expulsado.
💌 The Half of It, su segunda película, fue ganadora de un premio en el Festival de Cine de Tribeca y fue estrenada en mayo del 2020 en Netflix. Presenta la vida de Ellie Chu, estudiante que obtiene ingresos adicionales a partir de la venta de ensayos en su escuela. Y si bien tiene la capacidad para postular a la Facultad de Artes en el Grinnell College, en un inicio opta por rechazar dicha oferta, ya que no desea abandonar a su padre, a quien ayuda en su trabajo como operador ferroviario porque no ha podido aprender el idioma. Un día Paul Munsky, miembro del equipo de football, le pide que escriba una carta para Aster Flores, la chica que le gusta. En este proceso, de intercambio de mensajes, Aster caerá en la cuenta de que la persona de la cual se enamoró era Ellie.
En esta historia llama la atención elementos como el cuidado a los padres, lo cual entra dentro del concepto de la “piedad filial” en la cultura china; la integración a la comunidad, esta vez a través de la amistad con otras personas de su escuela, quienes forman a su vez parte de comunidades distintas: “blanco”, asiático y latino; y la construcción de la identidad. Pese a que la narrativa no propone un cierre en la relación entre Ellie y Aster, el solo hecho de que el individuo pueda retornar a su comunidad de origen, donde retomará las amistades y relaciones que quedaron pendientes, ya supone un final feliz. Esto porque, si tomamos en cuenta la fuerte influencia que tiene ser sinodescendiente en las historias de Alice Wu, ser parte de la comunidad china muchas veces supone la ruptura con el lugar de origen (China o alguno de sus pueblos).
‼️ En conclusión, el cine de Alice Wu presenta protagonistas intelectuales y no heterosexuales, donde se señalan las barreras idiomáticas (suelen ser narradas en inglés y mandarín), la convivencia dentro de la misma comunidad, y cómo se reformulan los “valores” de esta en un nuevo contexto. Se trata de un cine que apela mucho a los problemas de los descendientes de migrantes chinos en América (y aquí hago referencia al continente, donde los tusanes también podríamos empatizar con algunos de los problemas vistos en las dos películas), y cómo se produce en cierta medida una marginalidad semejante a la experiencia de los sujetos LGBT en la sociedad.
¿Quieres saber más sobre el cine de Alice Wu? Te recomendamos los siguientes links:
Los niños y los borrachos siempre dicen la verdad… al igual que los locos. Y Yumeko Jabami, protagonista de Kakegurui, no se queda atrás. Con sus excesos y locura, ella cuestionará y desestabilizará la jerarquía de la escuela, y con ello el sistema económico y político del país.
Basado en el manga escrito por Homura Kawamoto e ilustrado por Tōru Nomura, Kakegurui es un anime de estudio MAPPA que se estrenó el 2017. La trama transcurre en la Academia Hyakkaō, lugar donde estudian, en su mayoría, hijos e hijas de políticos y dueños de empresas. En este espacio, el éxito de los alumnos dependerá de su habilidad para las apuestas, con lo cual las mayores probabilidades para triunfar se la llevan los alumnos que forman parte de la élite política y económica.
De esa manera, la estructura social de la escuela imita la estructura jerarquizada de la sociedad: hay un grupo en el poder -el consejo estudiantil- que incentiva a que los alumnos luchen a través de las apuestas por el puesto que ocuparán en la jerarquía social. Con ello, algunos estudiantes pertenecerán al cuerpo estudiantil y otros serán las “mascotas” -grupo explotado, desfavorecido y abusado por los demás-. En esta jerarquía se tiene mayores probabilidades de éxito y capacidad de evadir lo más bajo de la estructura social si se posee holgura económica o se tiene conexiones y poder político.
En este contexto aparecerá Yumeko Jabami, la protagonista de Kakegurui, quien es una apostadaora compulsiva que, junto con Mary Saotome y Ryōta Suzui, desestabilizará las normas de la academia. Con ello, tenemos un anime que presenta la figura del loco que, aunado al tropo de la femme fatale, invita a otros personajes a cuestionar la estructura de la escuela.
Biopoder: las clases sociales en Kakegurui
La estructura social que nos presenta el anime es jerarquizada. En la cúspide se encuentra el consejo estudiantil, con Kirari Momobami a la cabeza, el cual maneja el dinero de la escuela y decide sobre la vida y el futuro de los estudiantes que tienen grandes deudas. Los siguientes en la escala son el cuerpo estudiantil, quienes tratan de mantener su estatus a partir de las apuestas y el uso de conexiones políticas y económicas. Y en la base se encuentran las “mascotas” -llamados “Bobby” (ポチ) o “Minina” (ミケ)-, quienes son objeto de maltrato por parte de los demás estudiantes, y de no poder pagar su deuda al consejo, tendrán que obedecer al “plan de vida” que este les imponga.
Podemos apreciar entonces un control sobre los cuerpos por parte de un grupo con poder, lo cual corresponde al concepto de biopoder.
Desde el primer episodio podemos apreciar, a través de la figura de Mary Saotome, una correlación entre el control de los cuerpos y el poder político. Mary, quien se encuentra en lo más alto de la jerarquía en su salón, reta a Yumeko un juego de “piedra, papel o tijeras”. Para ello, los estudiantes del salón deberán dibujar uno de los tres elementos en una carta. Mary “asegura” a su favor el juego a partir de los favores que le deben sus compañeros -el “cuerpo estudiantil”-.
Asimismo, se aprovecha del sistema de “mascotas”, del cual Ryōta es parte, para asegurarse que una de las tres opciones sea la más dibujada por los demás estudiantes. Con ello podemos ver que Mary es un personaje que, como parte del control político, toma control sobre el cuerpo y las decisiones de las demás personas.
Sin embargo, Yumeko descubre la lógica detrás del juego y el mecanismo por el cual se realiza la trampa, y con ello derrota a Mary, con lo cual esta última cae de lo más alto de la estructura del salón y acaba como “mascota”.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Luego del fracaso de Mary contra Yumeko, con lo cual adquiere la etiqueta de “minina”, vemos cómo sucede lo mismo con Yumeko cuando es derrotada por Yuriko -la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional-. Ante la caída del estatus de Mary y Yumeko, Ryota admite que, en el sistema de “mascotas”, las “mininas” son quienes se llevan la peor parte.
Ejemplo del abuso físico y psicológico que reciben las “mininas” lo podemos encontrar en Nanami Tsubomi, quien es maltratada por Jun Kiwatari y su grupo de amigos ya que la consideran su “juguete”. En el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), el consejo estudiantil crea un evento en el cual las “mascotas” y las personas que deben dinero pueden liquidar sus deudas. Kiwatari aprovechará esta oportunidad para demostrar su poder -en sus palabras, posicionarse como “amo”- y humillar a Mary y Yumeko, para lo cual manipulará a Tsubomi y le dará instrucciones que facilitarán el triunfo de él.
Yumeko y Mary, quienes aprovechan este evento para disminuir su deuda y evitar ser forzadas a casarse con altos funcionarios -siguiendo el “Plan de vida” que les impuso el consejo estudiantil-, se aliarán y serán una inspiración para que Tsubomi invierta los roles. A esta admiración que surge por parte de Tsubomi debe sumársele que Yumeko la convence de que deje su posición de “dominada” y desobedezca las instrucciones de Kiwatari, con lo cual se rebela en su contra.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Por lo tanto, el triunfo sobre Kiwatari, en un arco donde se muestra las jerarquías sociales y el control absoluto sobre los cuerpos más débiles -a tal punto que se les impone con quién deben casarse y tener hijos-, supone un rechazo sobre la concepción del cuerpo de lamujer como objeto de intercambio, el cual está al servicio del matrimonio heterosexual y la reproducción.
Esta posibilidad de rebelión por parte de las clases más desfavorecidas continuará en la segunda temporada, con la aparición de Rei Batsubami. En una competencia por quién obtiene la mayor cantidad de votos para ocupar el puesto de presidente del consejo estudiantil, ella concentrará los votos de los alumnos desfavorecidos o los indecisos. Con ello entrará en competencia y se sublevará contra los miembros del clan Momobami, quienes rebajaron a los Batsubami a ser sirvientes del clan.
La gente tratada como ganado desde que nace nunca se cuestiona el ser tratada así
Rei Batsubami, T. 2 cap. 11
Kirari: ¿Alguna vez pensaste que el comodín pudiera ganar?
Terano: Incluso si lo hiciera, seguiría siendo ganado, que pertenece al clan.
Kirari ¿[Acaso] El comodín no voltea el status quo en su cabeza?
Kirari y Terano, T. 2 cap. 12
No obstante, la rebelión de Rei será momentánea, hasta que es reconocida nuevamente como miembro del clan por parte de Kirari, con lo cual encontramos un límite en este personaje.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Entonces, quienes vemos se llevan el mayor abuso son las “mascotas” y la clase desfavorecida, los cuales deben cumplir con el “Plan de vida” que el consejo estudiantil les impone. Pero también el cuerpo estudiantil es controlado por quienes encabezan este sistema social.
Más allá del “Plan de vida”: luchas de poder y control del cuerpo estudiantil
Hemos visto en el anterior apartado cómo hay un control de los cuerpos por partede la élite hacia las “mascotas”, quienes deben cumplir con un “plan de vida” si es que sus deudas son muy grandes. Dicho “plan de vida” implica la entrega del cuerpo del estudiante a otra persona, sobre todo altos funcionarios. De esta forma, por ejemplo, cuando Mary es “minina” se designa que contraerá matrimonio con un funcionario -llamado Orita-, quien, a pesar de ser un “lolicon”, tiene garantizado el puesto de Ministro de Educación. Incluso el plan prevé cuántos hijos tendrá y cómo vivirá en ese matrimonio.
Otro ejemplo del control del cuerpo como una forma de castigo y dominio absoluto lo podemos apreciar en la apuesta entre la idol Yumemi Yumemite, quien forma parte del consejo, y Yumeko. Si la primera triunfa, tendrá el “Plan de vida” de la última. Ambas serán idols (1), pero Yumeko obligará a Yumeko a acostarse con ejecutivos y actuar en la industria pornográfica. De esta manera, Yumemi usaría el cuerpo de Yumeko como una moneda de intercambio.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Pero el dominio de la élite sobre los estudiantes se puede ver en pequeños detalles que nos presenta el anime, como en el tercer capítulo (“Mujer de ojos rasgados”). En este, Yumeko compite contra Yuriko Nishinotōuin, la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional. La primera se percata que todas las integrantes del club tienen perforaciones en las manos, las cuales le permiten a la presidenta hacer trampa en la partida de “Vida o muerte”.
Esto demuestra que la mayoría de los estudiantes o viven con la ilusión de ser independientes y tener poder dentro de la escuela -como Kiwatari-, o algunos voluntariamente obedecen a la élite -aunque eso signifique entregar sus cuerpos- para sobrevivir en el sistema y no caer en lo más bajo del sistema (2).
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Finalmente, podemos encontrar también una lucha por el control de los cuerpos dentro de la misma élite, a partir del personaje de Kaede Manyuda, tesorero del consejo. Él considera que “sacrificio” de las otras chicas es un “bien necesario” para poder él escalar en la jerarquía de poder. De esta forma, el sistema lo ha hecho creer que las personas que no pueden seguir avanzando en esta jerarquía no son iguales a él¿alguien dijo “el pobre es pobre porque quiere”?. Entonces, Manyuda no es capaz de ver a los demás, incluyendo a los miembros del consejo que perdieron contra Yumeko, como sus iguales:
Yumeko: ¿Estás diciendo que Sumeragi es incompetente? ¿Quién eres tú para decir eso? Pero aunque fuera verdad, ¿por qué justificaría que abandone su ambición?
Yumeko a Manyuda, T. 1, cap. 10
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Sensual (y sucio) dinero: poder político y económico
Se ha dicho que la principal fuente del poder político por parte del consejo estudiantil viene del dinero que manejan. Asimismo, los alumnos que tienen mayor cantidad de dinero son los que menos probabilidad tienen de caer en el estatus de “mascota”. Ejemplo de este vínculo entre poder político y económico lo podemos apreciar en la figura de Itsuki Sumeragi, quien es parte del consejo estudiantil e hija del dueño de la fábrica de juguetes más importante de Japón.
El poder económico trae consigo poder político. Muchos estudiantes son familiares de empresarios y líderes políticos. Y en un contexto donde la posición social en la escuela se basa en las apuestas, no basta ser un jugador habilidoso para no sufrirán opresión; esta debe ir de la mano con el acceso al capital. Así, los alumnos que donen la mayor cantidad de dinero al consejo y puedan apostar sumas mayores son quienes se ubicarán en un mejor rango.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Son, entonces, quienes tienen control sobre los medios de producción los que tienen poder político y económico. Este control sobre la producción le permitirá a Sumeragi producir una línea de cartas que le beneficie en sus apuestas, lo cual suplirá, parcialmente, la falta de “habilidad” de Sumeragi para las apuestas. Esta excesiva confianza que tiene sobre el poder que le traen las tecnologías y el control de los medios de producción es lo que la llevará a perder contra Yumeko en un juego de memoria (3).
Y si bien Sumeragi luego apoyará a Yumeko en su plan por enfrentar a la presidenta del consejo, esto lo hace solamente para volver a tener poder, ya que su padre le dio la instrucción de entrar en este para tener contacto con los grupos que controlan la política y las finanzas. Quizás la mayor transgresión que realiza este personaje es ir en contra del “plan de vida” y proponerle a Manyuda liberarse de este.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Por lo tanto, en este contexto donde las personas que tienen conexiones y controlan los medios de producción son quienes tienen poder político y económico, surgirán aquellos que buscan rebelarse contra el sistema. Esto lo podemos apreciar en Mary Saotome, quien rechaza el puesto en el consejo estudiantil cuando logra liquidar su deuda:
Es su sistema, y dentro de ese sistema ganaré y perderé. Cuando pienso cómo me controlan, se me agita la sangre y quiero vomitar. ¿Estoy de acuerdo con esto?
Mary Saotome, T.1 cap. 6
Asimismo, en la misma posición se encuentra Yumeko Jabami, quien encarna la figura del jugador compulsivo. Alguien que se dejó llevar por el exceso y la locura, y quien podrá traer el cambio en esta estructura social.
El elogio de la locura (en versión anime):
Yumeko Jabami -la mujer tentadora, la jugadora compulsiva-, desde el primer día de escuela revela las fisuras en el sistema y lo desestabiliza.
La locura es la esencia de las apuestas. En una sociedad capitalista, el dinero y la vida son la misma cosa. Ningún cuerdo confiaría su vida a la fortuna. Y sin embargo, los casinos están llenos de gente que obtiene placer de la locura de arriesgar sus vidas. En ese caso, cuanto más loco estás, más disfrutas las apuestas
Yumeko, T. 1 cap. 1
Ella encuentra una correspondencia con la figura del loco o del bufón, concepto rescatado de Mijaíl Bajtín en sus estudios sobre la literatura medieval. Esta surge en el contexto del carnaval, donde las jerarquías sociales se subvierten y el pueblo -especialmente el bufón- puede confrontar al rey o autoridad.
La relación del anime con el carnaval se ve reflejada con las imágenes del opening, el cual es una genialidad. Con una estética sobrecargada, este nos muestra un festín lleno de alimentos y excesos (4). Estos excesos también se presentarán en el anime a partir de la exagerada gesticulación de los personajes en momentos de placer, soberbia, ira o frustración:
Un festín lleno de voluptuosidad y excesos
Entonces, la posición de bufón que ocupa Yumeko le permite hablar de manera franca y directa contra su oponente -la mayoría, personas que pertenecen a la élite de la escuela-, insultar a su contrincante y bromearle. Esta suerte de discurso inconexo, atributo que se le permite al loco, permitirá finalmente quebrar a su oponente.
Además, Yumeko representa la imagen de la mujer tentadora, una femme fatale que invita a que los demás personajes vayan en contra de la racionalidad y las normas. La femme fatale en la literatura es una figura cargada de sexualidad, quien subvierte el sistema y las normas (5). Si bien originalmente provoca la caída y la locura de los personajes masculinos, también lo puede lograr en los personajes femeninos, especialmente hacia la figura del “ángel del hogar”.
Ello sepuede apreciar, nuevamente, en el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), donde Yumeko es una femme fatale o mujer tentadora ante Tsubomi, quien representaría a la “mujer ángel”. La “seduce” e incita se rebele contra la figura de autoridad, en este caso masculina. Algunas imágenes que confirman esta «seducción” por parte de Yumeko son las constantes escenas de tensión lésbica que tiene con Mary o incluso con la misma Tsubomi:
Kakegurui, estudio MAPPA
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Incluso podemos apreciar momentos en los que «seduce» tanto a personajes femeninos como masculinos, como a Itsuki, Ryōta, Manyuda o Rei:
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Y no solo Yumeko será construida como femme fatale. Kirari Momobami, como antagonista y personaje que se contrapone de manera directa a Yumeko, también presentará una tensión lésbica con Sayaka Igarashi y, en momentos, con Mary Saotome:
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Por lo tanto, todo esto nos confirmaría en Kakegurui un triunfo de la femme fatale, y con ello de la “irracionalidad”. Asimismo, se trata de un triunfo de lo sensorial, los sentidos y el deseo, lo cual va en contra del “orden social” que, por un lado, genera una jerarquización entre los sujetos, y por otro, oprime los cuerpos mediante diferentes mecanismos (sumisión de las “mascotas” y el “plan de vida”) (6).
Conclusiones
En conclusión, tanto la primera como la segunda temporada de Kakegurui nos propone una crítica a las jerarquías sociales y una desestructuración de esta. Coloca en primer plano quiénes son los que hacen uso del poder y los mecanismos por los cuales lo obtienen. No se trata de un sistema justo; por el contrario, sus integrantes no se consideran entre sí como iguales ni poseen las mismas oportunidades para escalar y ejercer el poder.
Si bien algunos personajes retoman la posición perdida -como Rei Batsubami-, otros desean mantener su posición política para verse beneficiados a futuro -como Itsuki Sumeragi, Yumemi Yumemite o Yuriko Nishinotōuin-. Será en este contexto donde las figuras de Mary Saotome y Yumeko Jabami lucharán por desestabilizar al sistema y el poder, quizás en vista de proponer algo nuevo.
¿Qué cambios, tretas y apuestas veremos en las siguientes temporadas?
NOTAS:
(1) En la segunda temporada vemos una propuesta interesante que confronta la concepción de las idols y las actrices occidentales. Natari Warakubami es una actriz que tiene talento, pero oculta sus sentimientos. Ella critica a Yumemi, quien no puede controlar ni ocultar sus sentimientos. Y si bien no tiene el talento innato que posee Natari, ha realizado un gran esfuerzo para lograr su meta. Además, es gracias al apoyo de su manager y sus fans que ha logrado triunfar. Se trata, entonces, de un enfrentamiento entre la idea del “genio” Occidental y la del trabajo en equipo en Japón.
Kakegurui, estudio MAPPA
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(2) En ese sentido, también es interesante cómo Yuriko desea mantener su puesto en el consejo estudiantil para mantener a salvo a las integrantes del club. Tanto ella como las demás integrantes saben las ventajas que trae ser parte de dicha élite, por lo cual son capaces de hacer múltiples sacrificios y adaptarse a las normas del sistema sin cuestionarlo. Esto se condice con un proceso de inversión, según Teresa de Lauretis.
(3) El castigo de Sumeragi, quien se arranca las uñas y debe sufrir dolor en sus manos por cada pequeño movimiento que realice, también se condice con el sufrimiento físico que padecen los obreros. El cuidado de las manos y las uñas por parte de Sumeragi acentúa su posición como alguien de la élite, mientras que el trabajo físico y el maltrato del cuerpo y las manos se vincula a la clase obrera. Entonces, la derrota de Sumeragi, quien se arranca las uñas, simboliza la pérdida de su estatus; deja su puesto en el comité y debe vivir bajo las reglas del cuerpo estudiantil.
(4) La imagen del festín y los excesos que se dan en este (gula, lujuria codicia, pereza, entre otros), es típica en el imaginario medieval. Esto lo aborda Bajtín en su análisis sobre la obra y las ilustraciones del Gargantúa y Pantagruel de François Rabelais.
(5) Autoras como Gilbert y Gubar señalan, a partir de la representación de los personajes femeninos en la literatura del siglo XIX, que la femme fatale representa una amenaza contra el poder patriarcal, ya que es lo diametralmente opuesto al ideal de la mujer pura, sumisa y con una sexualidad vinculada exclusivamente a la reproducción.
(6) Algo parecido podemos ver en la obra del Marqués de Sade, especialmente en las 120 jornadas de Sodoma o la escuela del libertinaje. En ella, Sade propone que las personas que sobreviven a los abusos del sistema son aquellos que se entregan a la irracionalidad y la locura. En el caso de sus personajes femeninos, son aquellas que abandonan las normas del recato y la “virtud”, símbolos de lo “civilizado”.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Bajtín, Mijaíl. 2003. La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. Madrid: Alianza Editorial. Consulta: 16 de setiembre de 2020. <https://ayciiunr.files.wordpress.com/2014/08/bajtin-mijail-la-cultura-popular-en-la-edad-media-y-el-renacimiento-rabelais.pdf>
Foucault, Michel. 2008. Historia de la sexualidad. 1. La voluntad del saber. Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores.
Gilbert, Sandra y Susan Gubar. 1998. La loca del desván: la escritora y la imaginación literaria del siglo XIX. Madrid: Ediciones Cátedra. <https://books.google.com.pe/books?id=WL7oMQ-p7DkC&pg=PA6&hl=es&source=gbs_toc_r&cad=4#v=onepage&q&f=false>
González-Linares, Mario. 2016. «Bajtín, Rabelais y el cuerpo grotesco». Amberes. Revista Cultural.
1. Este es un manga seinen, es decir, está diseñado para ser mostrado a un público de 18 años de edad en adelante. Por consiguiente, la redactora no se hace responsable de las imágenes eróticas y/o sexuales que aparecerán en esta reseña, dado que son indispensables para entender la historia de esta obra gráfica japonesa.
2. Las imágenes usadas para este trabajo corresponden al manga publicado por Vertical Comics (formato físico), y a páginas web con contenido manganime (blogs y redes sociales) que están referidas en la bibliografía.
3. Alerta de spoilers.
En un pueblo, hay una pequeña playa que nunca esta ocupada,
ni siquiera en medio del verano.
La uso para caminar allí, mirar las cosas.
Como viejos fuegos artificiales.
O algas.
Un sombrero golpeó la cabeza de alguien debido al viento.
Básicamente nunca encuentras los que estás buscando.
Y quizás no esperabas encontrar algo correcto desde el principio».
(La chica a la orilla del mar, traducción propia)
FICHA TÉCNICA
SINOPSIS
La Chica a la Orilla del Mar (A Girl on the Shore) relata la historia de Koume Sato y Kosuke Isobe, dos adolescentes que viven sus días de colegiales en un tranquilo pueblo costero japonés. Ambos deciden embarcarse en una relación puramente física (lo que llamamos en occidente relación de “amigos con derechos”) pero, a medida que pasa el tiempo y suceden cosas, digamos, «super densas» para chicos comunes de su edad, se darán cuenta de que dejar de lado los sentimientos resultará muy pero muy complicado.
Koume Sato
Kosuke Isobe
AMOR, SEXO Y SIN/SENTIDO DE LA VIDA
La historia de Sato e Isobe parece decirnos que «la vida es un absurdo», postulado existencialista que nos recuerda al filósofo y escritor francés Jean Paul Sartre, o (si hacemos una analogía quizá algo forzada entre occidente y oriente), a lo postulado por el famoso escritor japonés de posguerra Ozamu Dazai, quien fue uno de los primeros en detectar cómo la juventud nipona vivirá (o mejor dicho, se verá condenada a vivir) en tiempos carentes de ideales que les den un sentido a su existencia, que les hagan creer que «la vida vale la pena vivirla». Un sinsentido que los académicos contemporáneos occidentales llamamos (no sin cierra ironía) un síntoma de estos tiempos «posmodernos».
Con estos antecedentes, y tomando en cuenta cómo la crítica japonesa contemporánea considera a Inicio Asano como «el mangaka de su generación» (de la llamada «Generación Millenial» japonesa), es interesante ver cómo en los personajes de este manga podemos leer una proyección de los carácteres y/o personalidades del mangaka, en tanto joven japonés crecido en una década complicada y convulsa para el desenvolvimiento de su juvenil generación, como fue la de los años noventa e inicios del 2000.
Jean-Paul Sartre (1905 – 1980)
Osamu Dazai (1909 -1948)
Aldo Panfichi y Marcel Valcárcel han estudiado las características antropológicas de los adolescentes y jóvenes latinoamericanos (especialmente peruanos) durante la década de los noventa. En ese contexto, dado que tanto el Perú como el Japón de esta década pasaron por crisis socioeconómicas que afectaron de formas similares a sus poblaciones juveniles, es pertinente utilizar sus postulados para analizar el caso de la denominada “Generación Y» japonesa, dado que muchos de los caracteres de esta generación se mantiene o incluso se han agudizado en la juventud nipona de hoy.
De acuerdo a la opinión de los académicos mencionados, la década de los noventa se caracterizó por profundas transformaciones socioeconómicas, culturales y tecnológicas, que generaron novedosas situaciones críticas, como el hecho de que los jóvenes no pudieran gozar de una estabilidad laboral que asegure su desenvolvimiento profesional y su futuro económico, o el hecho de que el pensamiento respecto de su sexualidad estuviera mucho más libre de tabúes y prejuicios. Circunstancias distintas a las que confrontaron sus padres y sus abuelos.
En ese contexto, Panfichi y Valcárcel sostienen que
[…] los discursos épicos de protesta y reivindicación de décadas anteriores pierden consistencia y densidad y son reemplazados por la revalorización de la vida misma, la individualidad llena de conflictos, violencia, incertidumbres, búsqueda de placeres para olvidar los malos momentos, y esperanza».
A partir de esta cita, podemos comprender mejor los pensamientos y acciones «hedonistas» de los protagonistas. En ese contexto, Isobe, si bien tiene sentimientos de afecto por Sato, le manifiesta de manera directa que no le importa si ella lo utiliza como un juguete (sexual). Por su parte, si bien Koume no parece en ese momento corresponder a sus sentimientos, acepta la propuesta del chico, y es así como iniciarán sus diversos encuentros en búsqueda del máximo placer.
[…] Y ya que no es posible enamorarse viviendo la fugaz y satisfactoria fantasía de la inmortalidad, entonces se dedican al desamor. […] No se entregan. No se permiten ser vulnerables. Y, en el fondo, todavía están deseando ser o atraer príncipes azules”.
Como señalan Panfichi y Valcárcel, se sugiere la contradictora relación de amor y desamor que, como la generación de Asano, viven los protagonistas. En ese contexto, es interesante que Isobe, luego de tener relaciones sexuales con Koume, comente que sabe muy bien que «el amor es una ilusión», frase a partir de la cual se entiende que es consciente de que Sato tiene sexo con él no porque lo ame sino porque «le gusta su falo», como ella misma le dijo en uno de sus encuentros. No obstante, a medida que pasa la historia vemos como Isobe en el fondo anhela que Koume se quede con él más allá del tiempo del sexo, si bien en el fondo sabe que ella se irá y volverá cuando «le dé la gana».
JUNTOS PERO DESCONECTADOS
La extraña relación entre Koume y Sato los lleva a un círculo vicioso de placer que una vez terminado deja también a los lectores una sensación de vacío/soledad. Cuando no tienen sexo, los protagonistas suelen utilizar el tiempo que están juntos aislándose en sus propios mundos (virtuales-tecnológicos): él a través de la música, ella a través del celular. Si bien existen momentos donde vemos a ambos durmiendo juntos (escenas que aportan ese toque «romántico» propio de historias adolescentes), la necesidad de evitar el tedio los motiva a hablar más de sus vidas, si bien solo cuentan lo indispensable a saber (sobre los padres, amigos, etc.), razón por la que no podemos decir que el vínculo entre ambos sea muy sólido, como si quisieran mantener cierta distancia entre sí. En este punto, el hecho de que sigan llamándose por sus apellidos es un indicador también de que no han llegado a establecer un vínculo tan cercano a nivel afectivo.
Capítulo 4. Pág, 73. Sato e Isobe «matan el tiempo» que dura la tarde juntos
Sato e Isobe durmiendo «juntos»
BRECHA GENERACIONAL Y GRUPO DE PARES
Las brechas generacionales son universales en el mundo moderno, en gran parte debido a la tecnología y a los rápidos avances de la globalización. Sin embargo, en Japón se ha prestado especial atención a la brecha entre los jóvenes y los mayores porque el orden social adulto japonés ha exigido un gran sacrificio personal a los que entraban en él, pidiendo de forma estereotipada a los hombres que se dedicaran a sus empresas y a las mujeres que se dedicaran a sus hijos».
(Matthews, Gordon; Bibliografía)
La brecha generacional entre los padres y los hijos ha sentado un precedente en la sociedad japonesa contemporánea. En ese contexto, si bien la presión porque los japoneses sigan con las metas y roles asignados a su edad y género es vigente, es cierto que muchos nipones han decidido oponerse/rebelarse a la misma. Es así como surgen por ejemplo los NEETS, aquellos jóvenes adultos que no trabajan ni estudian, o los hikikomori, es decir, jóvenes que decidieron no salir, o evitar salir, de sus habitaciones y, por ende, de sus propias casas (en ambos casos suelen ser mantenidos por los padres, quienes se sienten culpables de que hayan acabado apartándose del mundo de esa manera).
Por los mangas, videojuegos y la música «retro» de Isobe, deducimos que es un otaku (un fanático del manganime y productos comerciales derivados de estos), quien hasta el día de hoy sigue siendo visto como un parásito o ser despreciable en tanto improductivo en la sociedad nipona (el mismo Kashima, amigo de infancia de Sato, lo llama despectivamente «otaku» cuando tienen una discusión en la escuela). De hecho, parece que la misma Sato no quiere que nadie más sepa de su «amistad» con un tipo así (al menos al principio de la trama).
Kosuke no tiene amigos en la escuela, ni le interesa tenerlos porqueconsidera al resto del mundo como «idiotas egoístas e hipócritas» que no valen la pena (más adelante se explicará porque piensa así). Nos enteramos que tiene un hermano mayor «ausente», por las dos camas y aparatos tecnológicos «retro» de su habitación, y que sus padres están mucho tiempo fuera de casa por sus trabajos corporativos. En un capítulo aparece el padre, quien comenta a Isobe que lo trasladarán de local laboral y ello le permitirá estar más tiempo con él, sin embargo al chico esto no parece importarle mucho (de hecho le hace una broma sarcástica sobre ello). Es así como nos enteramos que no hay un gran vínculo comunicativo entre Kosuke y sus padres. De hecho, más adelante el mismo Isobe explicará el porqué de la ausencia de su hermano y de la distancia también puesta hacia él de parte de sus progenitores.
En el caso de Sato, parece que su madre es ama de casa y el padre suele aparecer también en ciertos capítulos (su familia tiene un negocio de acupuntura). Tiene un hermano menor, y en general parece tener una familia bien constituida. Como típica adolescente, Koume no suele hablar con su madre sobre sus problemas amorosos ni amicales. No obstante, es interesante un episodio donde la protagonista le comenta a su padre que para ella no tiene sentido seguir los designios/roles que se esperan de todos si al final ello no los hará felices, mostrando de esa manera que aunque prefiere el sexo a estudiar, ya posee cierto juicio crítico sobre la sociedad japonesa contemporánea y su propia filosofía de vida en ese contexto.
Por último, es interesante como Isobe y Sato, a diferencia de otros chicos japoneses de su edad, no se sienten super presionados o preocupados al hablar sobre sus planes futuros. La joven manifiesta que no le gusta estudiar, pero que, como quiere ir a misma preparatoria/bachillerato que desea Keiko, piensa que debe poner más empeño. Por su parte, Isobe parece un chico inteligente y podría entrar a cualquier preparatoria. Sin embargo, él manifiesta que no piensa ir a ninguna (si bien más adelante vemos como cambiará de opinión por un motivo peculiar).
ADOLESCENCIA Y MORATORIA JAPONESA
La moratoria, según Panfichi y Valcárcel, es una forma de decir a los jóvenes que existe un tiempo donde hay ciertas licencias y mayores márgenes de prueba y equivocación, una suerte de mayor permisividad o vacaciones sociales, donde se espera que el joven se equivoque, pero que obtenga poco a poco los medios y capacidades para el mañana: al final se trata de construir caminos individuales que gratifiquen las expectativas de los mayores, y las propias de los jóvenes.
En el Japón contemporáneo, el «patriarcado confuciano» y su heredada estratificación y jerarquización de los roles de género siguen incentivando una mentalidad social «conservadora», razón por la que los jóvenes no tienen mucho tiempo ni opciones para poder decidir a qué carrera dedicarse con aras de vivir de ella (sin olvidar que mucha de su oferta profesional apuntan a empleos corporativos). No obstante actualmente existe, de manera indirecta o digamos disimulada, una moratoria de tipo sexual para los mismos. Esta es la razón por la cual la homosexualidad, el travestismo, o las prácticas sexuales no convencionales pueden ser pasadas por alto en esta etapa (mientras ello no genere un gran «escandalo» social, ni ponga en riesgo el futuro estudiantil de los mismos), ya que se entiende que esta es una etapa de la vida que una vez concluida debe conducir a los adolescentes a un consecuente estadio de madurez propio de la adultez.
ADOLESCENCIA y COMING-OF-AGE
En este punto, me gustaría señalar dos partes de la trama que me parece reflejan dos momentos determinantes donde los protagonistas toman decisiones que constituirán un antes y un después para su adolescencia.
En el capítulo 12, Isobe utiliza el blog de su hermano para redactar una carta virtual, como una suerte de autoexpiación y/o catarsis a través de la palabra. A través de esta, nos enteramos que el primogénito Isobe era víctima de bullying por ser «otaku» y tener cierto problema de salud, y al no poder soportar ello se habría suicidado arrojándose al mar del pueblo. Esto a su vez explica por qué los padres de Isobe ignoran o evitan hablar de este tema con él, y todos siguen con sus vidas, asumiendo los roles de padre e hijo que la sociedad japonesa espera que sostengan y asuman hasta el final (con todos los «sacrificios» y tabúes que ello implica).
Esta revelación es clave no solo porque explica el porqué de la actitud «oscura/negativa» de Isobe, sino porque nos devela cómo Asano es capaz de artícular esta trama de una forma tan magníficamente atrapante por su realismo para hablarnos de aspectos que en la sociedad japonesa siguen siendo tabués, como el suicidio (del hermano) y la depresión (que aparentemente estaría sufriendo Isobe).
El orden social adulto japonés descrito se basaba en el ideal cultural del wa (armonía interpersonal y social), que impone a los individuos la práctica del gaman (perseverancia), que consiste en la subordinación y la eliminación personal para adaptarse a los roles sociales adultos que se le asignan».
Mathews, Gordon
A partir de esta cita, entendemos, que si una persona japonesa habla sobre su depresión será mal vista socialmente, pues se asumirá que no practica la perseverancia (gaman) para luchar contra ello y seguir con su vida, como tiene que hacer todo el mundo para mantener la armonía social (wa). De acuerdo a entrevistas audiovisuales actuales de carácter antropológico, como las de Asian Boss, la reacción «más comprensiva» del japonés promedio frente a quien le confiesa algún tipo de problema mental es decir que «es solo una idea, o, ya pasará».
En base a esta reflexión, podemos entender que Isobe es consciente del rechazo de la sociedad japonesa frente a temas como estos asociados a gente marginada como los otaku o los «enfermos mentales», lo que explica porque no confía generalmente en los demás (a los que antes había llamado idiotas). Asimismo, esto repercute en que tampoco confíe lo suficiente en sus padres como parar contarles sobre sus indicios depresivos, o porqué solo le comenta a Koume (que no es ni amiga ni novia) sus «ansias de morir» pero no profundiza en ello de forma más clara, dejando a la chica confundida por no entender a qué se refiere con sus reflexiones, digamos, «filosóficas». Quizá es también por este «tabú» que los padres de Isobe prefieren guardarse lo que piensen sobre el suicidio de su hijo (para no mostrarse «débiles» frente a él), escudándose bajo el rol típico de padres supertrabajadores, lo que termina produciendo una sensación de incomunicación, soledad, falsedad y falta de unión/empatía de las que ya hablamos en un aparatado anterior.
Capítulo 12. Isobe escribe su carta-catársis sobre el hermano mayor
Capítulo 15. Sato escribe su carta de confesión de amor a Isobe
En el capítulo 15, Koume está ansiosa por saber si Isobe irá al festival de la escuela (dado el incidente que este tuvo con Kishima) y mientras medita sobre ello decide escribir una carta a mano donde le confiesa a Isobe que después de las cosas que pasaron en los últimos meses siente que se han distanciado más, y eso la pone triste porque la ha llevado a darse cuenta de que aunque no lo entiende del todo, lo extraña mucho y quiere estar a su lado. Esta confesión nos conmueve como lectores, más aun porque Koume se ha esmerado en conseguir el CD álbum del grupo Happy End que le gusta a Izobe para ofrecérselo junto a esta carta de amor. ¡Qué detalle más romántico podía esperarse de una chica enamorada! No obstante, cuando la protagonista vaya el encuentro de su amado, se encontrará con un escenario aterrador.
ESTÉTICA MANGA: realismo, romanticismo y mono no aware
Hablar de «estética» manga puede ser problemático, dado que en la cultura japonesa no existe este concepto per se. No obstante, usaré esta terminología occidental para aludir al estilo de dibujo y otros aspectos gráficos propios de esta obra.
El estilo de dibujo de Inio Asano es muy característico y reconocible. En el caso específico de este manga, destaca su estilo, digamos, «realista», tanto en el diseño de los escenarios como de sus personajes. En ese contexto, destaca la constante y coeherente exposición de la desnudez de los protagonistas durante los diversos actos sexuales que ejecutan. Si bien para algunos lectores las poses sexuales que ejecutan los personajes no lucen realistas, considero que tomando en cuenta la juventud, el cuerpo delgado y flexible de los mismos, son verosímiles.
Respecto de los escenarios, es interesante el ya mencionado estilo realista que utiliza Asano para retratar tanto ambientes externos como internos de esta obra. Sobre el primero, destacan diversas zonas del pueblo como los vecindarios, la playa, o netamente el mar. Sobre el segundo, destacan la minuciosidad con que retrata los diversos elementos que componen por ejemplo, la habitaciones de los protagonistas, a partir de los cuales podemos comprender mejor, sus gustos y, hasta cierto punto, su personalidad. El estilo gráfico de estos ambientes es tan realista que muchas viñetas parecen fotografías convertidas en dibujo mediante alguna técnica que implique la coloración en blanco y negro, una técnica que nos recuerda a estilos pictóricos vanguardistas como el hiperrealismo o el fotorrealismo.
Otro detalle interesante que resalta en el estilo de dibujo de Asano es la lluvia. Desde una perspectiva romántico-literaria, el uso de la lluvia puede ser una proyección de los sentimientos, emociones y decisiones de los protagonistas que, como los jóvenes otakus de los noventa encerrados en un melodrama tóxico entre el deseo y la nada, están constantemente asediados por este fenómeno natural en tanto simboliza la «fatalidad, intensidad y melancolía» de sus vidas adolescentes.
A lo largo del capítulo 16, aparece una fuerte lluvia que sirve como marco estético simbólico para la expiación que Isobe busca tras sentirse responsable de la muerte de su hermano, para lo cual planea vengarlo utilizando a Misaki como chivo expiatorio; una vez logrado el objetivo, la lluvia cae sobre Isobe, mezclándose así con sus lágrimas vertidas tras lo acontecido. Otra escena donde la lluvia simboliza la «fatalidad» ocurre el capítulo 18, cuando Sato regresa triste y conmocionada de la casa de Isobe al creer que ha decido acabar como su hermano.
En Japan Talk, un sitio dedicado a esos detalles de la cultura japonesa que pueden mejorar la experiencia de un extranjero en el país, puede leerse un post en el que John Spacey comparte 50 sustantivos que el idioma japonés tiene para la lluvia, 50 formas distintas para nombrar situaciones también específicas: la lluvia que cae mientras también hay neblina, el hecho extraordinario de la lluvia que proviene de un cielo sin nubes, la primera lluvia del verano o la lluvia que nos sorprende cuando conducimos un automóvil».
Otra forma de intentar comprender el sentido de la lluvia en el manga de Asano puede ser a partir de su contextualización en la propia cultura japonesa, donde existen, como menciona la cita anterior, por lo menos 50 formas de denominarla. En ese contexto,la lluvia puede ser leída como mono no aware.
El aware o mono no aware hace referencia a la sensibilidad o capacidad de sorprenderse o conmoverse, de sentir cierta melancolía o cierta tristezaante loefímero, ante la vida y el amor. Es la capacidad de sentir compasión o piedad, sin influencia alguna de religiones o credos. Es un sentimiento puramente humano que va más allá de lo superficial y se centra en algo más profundo.
Japonismo (Bibliografía)
Esta cita ha intentado transmitir en nuestra idioma el concepto japonés «mono no aware». En ese contexto, me atrevo a resignificarlo (con intenciones didácticas) como «la evocación del sentimiento de belleza y/o melancolía hacia lo que acontece en un instante de la vida». Una escena del manga donde la lluvia expresa el mono no aware acontece, por ejemplo, cuando Kosukese queda durante un tiempo inmóvil en medio de la calle y de una intensa lluvia, y no se inmuta ante ello (absorto como está en sus pensamientos). Asimismo, otra escena ligada a la lluvia que expresa este «sentimiento estético japonés» sucede cuando, una vez pasado el aguacero, Koume se queda parada en la muralla del puerto ycontempla cómo el cielo se va despejando para dar paso al amanecer.
REFLEXIONES FINALES
La chica a la orilla del mar es una manga que vale la pena leer para pasar un rato de ocio agradable, puesto que además de entretenido se lee rápido y es relativamente corto en volúmenesa comparación de otros mangas populares, o, si eres académico, para darle una mirada más analítica para examinar diversos temas con los que mencioné en esta reseña (existencialismo, estética manga, coming-of-age-, etc).
Parafraseando a un académico peruano experto en comics occidentales, creo que una historieta debe ser capaz de transmitir lo que cuenta tanto a través de la escritura como de la gráfica, y, en ese contexto, me parece que Inio Asano ha logrado un equilibrio «zen» al utilizar pocos diálogos para que sus personajes nos digan lo necesario, ya que lo que nos nos dicen o no necesitan decírnoslo directamente lo captaremos a través de las imágenes y de otros recursos narrativos, como la conveniente «voz en off» que Asano coloca en momentos precisos para la trama, por ejemplo, con la letra de «Gather the Wind», canción del grupo japonés «retro» Happy End, que es aludida a lo largo de esta historia; o como las frases de carácter reflexivo/poético que aparecen al inicio del manga (a modo de paratexto), que serán nuevamente enunciadas directamente por Koume casi al finalizar el mismo.
Por último, respecto al final del manga, debo confesar que, al igual que otros lectores, no me lo esperaba. No obstante, me parece que es un final asombrosamente verosímil, después de todo, Isobe ya estaba alejándose de Koume, y cuando se encuentra por fin con «la otra chica en la orilla» es normal que las hormonas de adolescente le hagan verla como una nueva donna angelicata. En ese sentido, me gusta que Isobe haya decidido cerrar el capítulo deduelo por el hermano y salir del pueblo parabuscar este nuevo amorío platónico, puesto que si bien no hay garantía de que funcione (y ello lo puede llevar a recaer en la «depresión») todo lo vivido le ha dado la suficiente madurez para comprender que «el que no arriesga, no gana».
En el caso de Koume, aclarar sus sentimientos y tomar el valor para terminar confesándoselos a Isobe, me pareció una muestra loable de su crecimiento emocional (considerando sus inseguridades, miedos e indecisiones iniciales). No obstante, cuando llega a la preparatoria y tiene un nuevo novio con el que replica su relación con Isobe (es decir, salir con él solo porque le dijo que le gusta) me quedé algo confusa, pero luego comprendí que era porque aún se sentía vacía y dispuesta a llenar esa falta con algo mientras intentaba encontrar eso que en el fondo le hacia falta, que le haría sentirse bien consigo misma, plena. Y es grato saber que finalmente encuentra esa plenitud en el mar.
Como sucede con los jóvenes japoneses de los 90 y de hoy, no hay garantía en el futuro. No sabemos si Koume y Sato encontrarán el amor que anhelan, si estudiarán y trabajarán en algo que les guste, si volverán a verse o si serán felices. El futuro se les presenta inevitablemente gris, y seguramente habrán más lluvias y tifones en el camino. Pero de lo que sí tenemos certeza es de que cada uno ha encontrado para sí pequeños atisbos de felicidad que los motiva a seguir vivos; lo que nos motiva, a su vez, a nosotros (como lectores de esta generación) a creer también que «después de la tormenta, viene la calma».
Cada héroe o personaje en un anime shōnen de acción suele tener una técnica de batalla icónica cuyo nombre quizás en nuestra infancia gritábamos a todo pulmón mientras tratábamos de imitarlos. Era evidente la espectacularidad de las luchas, pero además muchos comprendimos luego que estas ficciones empleaban a la cultura y tradiciones japonesas y de otros países como referentes para darles nombre y forma a estas habilidades. Asimismo, estas alusiones también se pueden leer en consonancia con las historias y conflictos de los personajes y este es el primero de una serie de artículos que pretende ser un acercamiento a ese objetivo y que inicia con el famoso Rasengan de Naruto.
Fuente: Aniplex, BANDAI NAMCO Entertainment America Inc., KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Todos giran y giran
La palabra Rasengan 螺旋丸 se puede traducir de manera literal como esfera o círculo en espiral y se relaciona con los tres procesos que el ninja tiene que aprender a efectuar en cuanto a su chakra para poder llevar a cabo esta técnica o jutsu. Cuando Jiraiya entrenó a Naruto dividió su preparación en tres lecciones: rotación, poder y compresión, es decir, primero debía hacer girar su chakra a gran velocidad, aumentar su densidad o poder y finalmente comprimirlo para darle la forma circular. Si bien parece sencillo en teoría, la serie expone que se necesita un cuidadoso manejo del chakra y es aquí donde Kishimoto Masashi, su autor, toma decisiones interesantes.
El chakra en Naruto es entendido como una forma de energía vital que emparenta con otros sistemas de poder como el ki, el nen, el reiatsu o el cosmos, empleados en otras series shōnen, pero el caso del anime del ninja rubio es particular. De acuerdo con Adalbert Schneider, chakra चक्र, un término proveniente de la tradición hinduista, significa en sánscrito rueda o disco, lo que lo vincula estrechamente con el Rasengan en tanto círculo y rotación. Al mismo tiempo, se une a una serie de referencias a la figura del espiral que se encuentran presentes en toda la obra de Kishimoto a nivel de símbolos como el de la Aldea de la hoja, nombres como Uzumaki, entre otros.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Incluso, el nombre de su protagonista, Naruto, se refiere tanto a la pasta de pescado con el dibujo de espiral, así como a la ciudad de Naruto, ubicada en la prefectura de Tokushima en Japón. Además, le da el nombre a un estrecho marino que separa las islas de Shikoku y Aiji y conecta al mar de Filipinas con el Mar interior de Seto en el Océano Pacífico, donde adivinen qué hay: los famosos remolinos de Naruto. Teniendo en cuenta esta referencia deliberada (sobre la que volveremos más adelante) no sorprende que Kishimoto haya elegido el término chakra aunque no se refiera estrictamente a energía vital. El hinduismo le confiere una definición relacionada, pero diferente.
Según Anodea Judith, se llama chakra a cada uno de los siete centros de recepción, asimilación y expresión de energía de fuerza vital que antes que emparentar con el chakra de Naruto parece ser un equivalente de las Ocho Puertas que, en la serie, controlan el flujo de chakra en el marco del sistema de circulación de chakra del cuerpo humano. Esto hace necesario referirse a la concepción del cuerpo que tiene la tradición oriental, clave para el Rasengan. Según, José Arlés Gómez Arévalo, las culturas japonesa, china e hindú comparten a grandes rasgos la idea del hombre como cuerpo, mente y espíritu, en ese sentido, hay una conexión entre cada una de estas dimensiones.
Fuente: Peter Hermes Furian
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De este modo, al igual que estas puertas, cada uno de los siete chakras se ubican en ciertas zonas del cuerpo humano y conectan le energía con dichas partes, en su caso, específicamente con los plexos nerviosos principales de la columna vertebral, glándulas del sistema endocrino y otros sistemas corporales como apuntan Brennan y Myss que son citados por Cohen. En la serie, se establece que las Ocho Puertas fungen como limitadores que evitan que el cuerpo físico se abrume por el exceso energético en el flujo de chakra y esa es la razón del peligro proveniente del Jutsu de la Liberación de las Ocho Puertas practicado por Rock Lee, Might Guy y Might Duy.
Más allá de estos casos particulares, la capacidad de los shinobi para realizar jutsus parte de su habilidad para liberar chakra del sistema de circulación a partir de los 361 tenketsu o puntos de presión equivalentes a los puntos de la acupuntura china. Según Ohnishi Tsuyoshi y Ohnishi Tomoko, la medicina oriental reconoce una relación distal entre los órganos internos del cuerpo físico y ciertos puntos en partes externas como las manos o pies. Dicha relación se establece a través del flujo de energía vital que, según la tradición china, se llama qi o chi y fluye por los meridianos mientras en el caso hindú lo hace por los nadis.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Fuente: 20 minutos
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Al respecto, los autores señalan que las artes marciales tienen en cuenta esta vinculación para atacar al oponente en determinados puntos externos para afectar internamente sus órganos y en la serie son particularmente empleados por el clan Hyūga en cuanto a varias técnicas como los Ocho Trigramas Palma de Retorno al Cielo. En el caso de la mayoría de los jutsus, estos involucran a los tenketsu de las manos y ese es el caso precisamente del rasengan y dentro de la teoría sobre el sistema de chakras tiene un particular significado dentro de la historia de Naruto.
Con el corazón en la mano
En consonancia con la concepción del hombre por parte de las tradiciones orientales y de acuerdo con Robert Beshara, los chakras del hinduismo también se asocian con funciones emocionales, así que no es de sorprender que cada uno de los siete corresponde con un aspecto emotivo particular. Incluso, la serie lo plantea del mismo modo cuando, por ejemplo, Naruto pierde el control de Kurama cuando se deja llevar por la ira. En el caso del Rasengan y las manos, Judith afirma que por su ubicación están conectadas especialmente al chakra cuatro llamado también chakra corazón que la autora denomina como el centro espiritual vinculado a los sentimientos por otros y al amor.
Fuente: Wheels of Life: A User’s Guide to the Chakra System/ Autora: Anodea Judith
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Más allá de las licencias que se puede tomar la historia al respecto—considerando que muchos villanos pueden hacer un muy buen uso del chakra quizás porque en el fondo todos aman algo más allá de ellos mismos—no deja de ser interesante lo que implica el correcto flujo de la energía y, en cuanto a la serie, el perfeccionamiento de un jutsu como el rasengan. Para Judith, uno de los aspectos que más afecta al flujo del chakra corazón es el rechazo, pues al basarse en el amor este chakra apunta a la integración y la exclusión lleva a un estado de autodestrucción. Es casi instantáneo pensar en esa conocida imagen de Naruto en el columpio fuera de la Academia Ninja.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
En el fondo y al inicio, Naruto es la historia de un niño rechazado por los pobladores de su aldea y sus pares por llevar dentro de sí a la bestia responsable de la destrucción de dicha aldea. De este modo, el deseo de ser Hokage por parte del héroe nace de su añoranza por ser reconocido, aceptado, por integrarse a ese mundo que le ha negado ese amor. Judith reflexiona al respecto del camino para abrir el chakra corazón y destaca la importancia de desarrollar compasión, conexión y entendimiento para con los otros a nuestro alrededor, lo que deriva en la urgencia de querer sanarlos o ayudarlos.
Cuando Naruto llega al episodio 86, donde Jiraiya entrena al protagonista en el Rasengan, Naruto ha ido paso a paso integrándose y relacionándose con sus compañeros ninja (especialmente Sasuke), su maestro y otras personas a su alrededor que lo reconocen y con las que empieza a desarrollar vínculos cada vez más profundos. En ese sentido, todo eso va sumando para el perfeccionamiento de él como héroe, ninja y como persona, lo que influye en ese chakra corazón y en él a nivel mental, espiritual y, por lo tanto, físico. Posteriormente, el objetivo del protagonista va mutando conforme va comprendiendo más sobre lo que implica ser Hokage y sobre los problemas del mundo ninja.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Es particularmente paradigmático y fuertemente simbólico el rasengan del episodio 65 de Boruto: Naruto Next Generations, ya que refleja no solo todo el recorrido y ciclo de Naruto como héroe en relación con todas las personas que lo apoyaron profundamente como Jiraiya, Kushina, Neji, Minato, Sasuke y Hinata, sino que también implica todas las promesas que hizo. El camino ninja de Naruto le hizo darse cuenta de que ser Hokage implicaba también una misión de servicio, especialmente, para enfrentar el odio que cargaba su mundo, de ahí que Boruto diga que pesa tanto por el poder que refleja el entrenamiento, las experiencias, el amor y las responsabilidades.
Al seguir lo señalado por Judith en cuanto a su reflexión sobre el chakra corazón, eso mismo se aplica al otro gran objetivo de Naruto que se vincula al ya mencionado: salvar a Sasuke. Además de sus propias heridas por el rechazo y la oscuridad que eso creó dentro de él, el joven ninja se conecta con su rival y amigo, se reconoce en él. Cuando este deserta obsesionado con su camino de venganza, su deseo de ser fuerte, de conseguir realizar técnicas como el Rasengan se alimenta de su aspiración de querer salvarlo de su odio considerándolo casi un requerimiento obligatorio para convertirse en Hokage.
Si consideramos los episodios posteriores al 94 de la serie Naruto, cuando el héroe realiza exitosamente su famoso jutsu, el shinobi rubio ha desarrollado variaciones del Rasengan e incluso las ha combinado con otras técnicas como el modo Sennin, el modo Kyūbi, modo Sabio Seis caminos y todo ha ido a la par de este otro camino de apertura del chakra corazón. Hasta qué punto Kishimoto pensó en estas conexiones es difícil saberlo, pero las analogías no dejan de ser interesantes y aún falta una más por notar.
Viento de cambio
En teoría, cualquier ninja podría realizar un Rasengan, pero sólo algunos lo han conseguido como es el caso de su creador, Namikaze Minato, también Jiraiya, Hatake Kakashi, Sarutobi Konohamaru, Uzumaki Boruto y, por supuesto, su padre y protagonista, Naruto. No obstante, como se señaló en la serie, este jutsu estaba incompleto, ya que además de la manipulación de forma del chakra, el Rasengan estaba pensado para incorporar la naturaleza de chakra de su usuario, es decir, el elemento fuego, rayo, tierra, agua o viento y el primero en conseguirlo fue Naruto que consiguió incluir el elemento viento creando el Rasen Shuriken.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
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Ahora bien, ¿adivinen con qué elemento Anodea Judith identifica al chakra corazón que se ubica a la altura de los pulmones? Exacto. El aire, un elemento esencial para la energía vital. En la tradición hinduista, la fuerza de vida recibe el nombre de prana प्राण que Dhawal Makwana, Archana Pithadiya, Bavun Dubal y Jatin Rola señalan que en su aspecto visible se reconoce como el aire que respiramos y que en su aspecto invisible es la energía que nos permite vivir. Incluso, estos autores señalan que en sánscrito la palabra está formada por dos sílabas: an que significa movimiento y pra que se puede traducir como constante. De este modo, prana también puede referirse a movimiento constante.
Ya sea el aire que ingresa al cuerpo humano o la energía que a partir de ello fluye por los nadis del cuerpo, ambos están en movimiento. En cuanto al Rasengan hay dos cuestiones a considerar. La primera es que el chakra ya está rotando en la mano del usuario y la segunda es que cuando este lo arroja, avanza barriendo con todo por la onda que emite. No obstante, cuando Naruto incorpora el elemento viento, el Rasen Shuriken adquiere además de un incremento de fuerza, un poder cortante que destruye hasta las rocas y hasta pudo afectar al mismo protagonista.Es el aire en tanto fuerza vital en su máximo movimiento que hace que el jutsu adquiera el máximo de su potencial.
Es en este punto donde vale la pena recuperar la figura del espiral que mencionábamos en el primer acápite ya que el viento es el que lo forma en el caso del Rasen Shuriken y de los remolinos del estrecho de Naruto. Incluso, la palabra Shippuden se puede dividir en Shippu que significa vendaval o viento fuerte y den que se refiere a cuento o leyenda, así que la secuela de Naruto lleva el nombre de cuento o leyenda del vendaval. Más allá de que este título es algo exclusivo del anime, el elemento del viento es otro importante referente de la obra de Kishimoto y tiene un significado interesante.
Fuente: Japan Craft. Autor: Utagawa Hiroshige
Según Kokubo Hideyuki, el qi/chi chino que también hace referencia a la energía vital como el prana se puede traducir como movimiento de una nube y en Japón la palabra qi/ki aún se utiliza para expresar cambios en el clima.¿Y quién es el que trae dichos cambios? Gómez apunta que especialmente el qi se refiere al fenómeno del viento que es quien influye en el cambio del tiempo así como del cultivo de los granos. El mundo tiene un determinado modo en cuanto a la energía y el estado de cosas, pero llega el viento, entonces se produce el cambio que nace de esa fuerza vital que nos sostiene a todos.
En el primer arco del anime Naruto, Prólogo – País de las Olas, específicamente en el episodio 19, tras las muertes de Haku y Zabuza, el equipo 7 habla sobre la concepción de los ninjas como herramientas y Naruto declara que él está en desacuerdo, en cambio, señala que va a seguir su propio camino ninja sin arrepentirse de nada. Desde el inicio de la historia, Naruto piensa diferente sobre la ausencia de amor y sentimientos de compañerismo entre los ninjas como quizás muchos también lo hacen, pero algunos no lo manifiestan o no deciden persistentemente mantener sus opiniones para convencer a otros de que están en lo correcto. Es ahí donde entra el héroe shōnen.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
La primera vez que Naruto consigue realizar un Rasengan es debido precisamente a su persistencia para dominar en poco tiempo una técnica que a su creador tardó 3 años en dar forma y que exige un nivel superior a un genin (además consideremos que no era el ninja más brillante). Esto termina inspirando a Tsunade a aceptar convertirse en Hokage con todas las consecuencias positivas que ello trajo a la aldea y al mundo ninja. Ella es una de la larga lista de personajes, camaradas y villanos, que se convencieron de que el cambio es posible y que, para mantenerlo, hay que seguir creyendo.
El camino ninja de Naruto del Rasengan al Rasen Shuriken sólo acentúa más este aspecto de la historia y del personaje hasta que el niño cumple la profecía y se presenta como el viento, ese prana/qi/chi/ki, que inicia el cambio del clima de odio de la sociedad shinobi para que esta última abra ese chakra número cuatro en el que los sentimientos y el amor son sentidos, pero cuyo flujo ha sido bloqueado por años de guerras, injusticias y venganzas. Planteando el primer movimiento de rotación, luego el espiral sigue girando por todas esas personas que son inspiradas por él y mantienen el movimiento de cambio.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Sin duda, tiene lo idílico de todo héroe shōnen, pero Kishimoto propone estas ideas a través de un interesante sincretismo que conjuga las tradiciones de tres culturas orientales y es en esa particular combinación, que nos permite acercarnos a ellas al mismo tiempo que las conecta con su historia y su protagonista. La icónica técnica de su héroe despierta interesantes lecturas que esperamos replicar en futuros artículos orientados a otras series o personajes.
Aquí les dejamos más información sobre los chakras y todas las formas de energía vital mencionadas en el artículo:
🖌 Sabemos que les encantan nuestras notas musicales sobre Japón. Por eso ahora les traemos a DUSTCELL, un grupo nipón que ya está dando de qué hablar en la escena «otaku» alternativa de occidente.
🎧 Cómo muchos artistas asociados a la escena independiente, existe aún poca información de rigor periodístico sobre este grupo. No obstante, gracias a WIKI FANDOM compilamos los datos básicos para armar la biodata de esta interesante propuesta musica 🌸:
Izquierda a derecha: Misumi y EMA, miembros de DUSTCELL
—DUSTCELL es un dúo musical japonés compuesto por EMA, una vocalista capaz de cantar y rapear al mismo estilo impresionante que las idols de k-pop, pero sin perder el toque kawaii japonés; y Misumi, un productor musical que a menudo crea canciones con cantantes de VOCALOID. Ambos han firmado bajo el sello de KAMITSUBAKI STUDIO, con quien hicieron su debut en YouTube el 11 de octubre de 2019.
—Como suele pasar con artistas que, al iniciar sus carreras, poseen una propuesta musical y un nombre artístico que los identifica, surgieron en las redes comentarios críticos y preocupados en torno al rumbo que tomaba EMA al firmar como parte de un proyecto a dúo del mencionado estudio. En respuesta a esto, la cantante tuiteó el 21 de octubre de 2019 una declaración expresando que se unió a KAMITSUBAKI STUDIO por su propia cuenta porque ahora está donde quiere estar: comenzando de nuevo en la escena musical como EMA de DUSTCELL junto a Misumi y creando la música que tanto ama.
—DUSTCELL lanzó su primer álbum completo「SUMMIT」el 20 de mayo de 2020, disponible ahora en Youtube Music y Spotify.
Video promocional del primer álbum de DUSTCELL
—El estilo musical de esta banda es bastante ecléptico; no obstante, destacan por el uso del dubstep, género musical derivado del bass que surgió a finales de los años 90 y comienzos de los 2000 en Londres (Inglaterra); el trap, subgénero del rap también noventero, y notas electrónicas contemporáneas que nos recuerdan o conectan con el estilo de djs como el recordado Avicii y el conocido Dj “otaku” Porter Robinson. Asimismo, la estética de sus videoclips juega de manera lúdica con el diseño 2D, sobre todo para la elaboración de los personajes “anime”, y el 3D, utilizado especialmente para la creación de escenarios que nos recuerdan la atmósfera de videojuegos “retro” en primera persona como Half-life o Counter Strike, aunque claro, con una temática más orientada hacia lo histórico, lo fantástico y el ciberpunk japonés.
***DATO CURIOSO***
DUSTCELL trabajó con Ramdaram, ilustrador y animador coreano independiente que también la está rompiendo en occidente, para su single “SOPPY”:
📝REDES SOCIALES (y otros medios de contacto):
DUSTCELL – Canal de YouTube @dust_cell – Cuenta oficial de Twitter
E MA – Canal de YouTube @ eumza1 – Cuenta oficial de Twitter
Misumi – Canal de YouTube @zeitms – Cuenta oficial de Twitter
👾 ¿Mala conexión? ¡Esperemos que no porque el día de hoy #GISugoi te recomienda Sarazanmai!
✔️ Anime de 11 capítulos creado por Kunihiko Ikuhara en el 2019, sigue la historia de Kazuki, Toi y Enta, jóvenes de 14 años que se sienten desarraigados y tienen una difícil relación con quienes los rodean. Tras destruir accidentalmente una estatua, se ven transformados en kappas para salvar a la ciudad de zombies que son enviados por el Imperio Nutria. Uno de los puntos más llamativos de la trama es cómo la serie propone una “interconexión” en distintos niveles: en la interacción con otras personas; en la interacción entre los objetos, habitantes y espacios que coexisten en la ciudad; y en las interacciones que se realizan en la misma red o Internet.
La “interconexión” entre personas es planteada en la serie a partir del grado de cercanía, confianza y honestidad que se establece con familiares y amigos. En este sentido el caso de los protagonistas es emblemático, ya que ninguno es honesto con la persona que más ama, y de ser conocidos sus secretos, sería motivo de vergüenza y estigma. Cuando ellos establecen una “interconexión” con la ciudad, sus espacios y objetos -por ejemplo, cuando interactúan con Keppi, el príncipe kappa que habitaba dentro de una estatua en la ciudad, o cuando luchan contra los zombies que tienen una “fijación” sobre determinados objetos de la ciudad y los roban-, logran cuestionar sus decisiones, así como replantearse el por qué guardan determinados secretos, y el origen de sus traumas. Esta información que ellos desean mantener oculta es revelada a los coprotagonistas a partir de un “leak” de la información, una filtración de datos que se realiza a través de la conexión que se establece entre ellos cuando derrotan a un zombie. Esto último provoca una última “interconexión” que se presenta con un lenguaje y metáforas que hacen referencia al Internet.
Finalmente, Sarazanmai expone la importancia de aceptar los deseos (por más bienintencionados o “fuera de lo normal” que estos sean) y saber comunicarlos a los otros para que estos no sean llevados a cabo de forma egoísta. Una vez logrado eso es que las acciones que los personajes realicen pueden ser guiadas por el amor, lo cual permitirá a los protagonistas establecer, por fin, relaciones estables y sinceras con quienes los rodean.
Si deseas saber más sobre la serie te recomendamos:
A finales de agosto, Íbero Librerías tuvo la gentileza de alcanzarnos el manga 5 centímetros por segundo, escrito por Makoto Shinkai e ilustrado por Yukiko Seike.
Basado en la película homónima del 2007, la trama gira en torno a Takaki Tohno, quien conoce en la escuela primaria a Akari Shinohara. Debido al gusto que comparten por la lectura y las dificultades que ambos presentan en cursos como los de educación física, se vuelven cercanos rápidamente. Sin embargo, debido al trabajo de sus padres, Akari se mudará a la prefectura de Tochigi. Si bien los dos se mantienen el contacto por un tiempo por medio de cartas, deberán despedirse una vez Takaki viaje a Kagoshima por motivos familiares.
Esta separación resultará traumática para Takaki, quien siente que no pudo expresar abiertamente sus sentimientos, por lo cual arrastrará hasta la adultez una gran frustración. Esta no le permitirá establecer relaciones cercanas ni entablar amistad con otras personas, especialmente con otras mujeres.
El manga, dividido en diez capítulos y un epílogo, nutre la historia de la película porque profundiza en el punto de vista de Akari, Kanae y Risa, los tres intereses amorosos de Takaki. Asimismo, es de resaltar el trabajo de Yukiko Seike en las locaciones y los fondos, así como la capacidad de mostrar en Takaki las sutiles reacciones en momentos clave de la trama.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
“Forget me (not)”: memoria, nostalgia y olvido
La historia coloca en primer plano el vínculo entre memoria y olvido. El primero nace partir de la ausencia del ser amado -Akari en el caso de Takaki, y viceversa-, lo cual invita al intercambio de cartas. Este ejercicio de hacer memoria o recordar los días antes de la pubertad iniciará por parte de Akari, quien comparte su día a día y sus sentimientos con Takaki a partir de la palabra y la escritura. Ambas, volcadas en el papel, permitirán a los personajes ejercer memoria, con lo cual tienen una prótesis (1) que les permitirá prolongar el olvido.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Sin embargo, tanto la palabra hablada como escrita -esta última en la forma de cartas- son presentadas como algo efímero, que perece con el tiempo, al igual que los pétalos del sakura o cerezo. Por ello, la posibilidad de que el ser amado caiga en el olvido genera en Takaki un sentimiento de nostalgia y angustia (2).
Con el paso de los años, en la adolescencia y adultez de Takaki, podemos apreciar el reemplazo de las cartas por otro medio de comunicación: el de los celulares y los mensajes de texto (sms). Si bien estas tecnologías deberían facilitar el diálogo entre las personas, 5 centímetros por segundo presenta lo contrario: el protagonista no encuentra las palabras para poder comunicarse con Akari.
La separación entre Akari y Takaki ha sido tan traumática que generó en él un desapego que no le permite generar vínculos con las demás personas, ni siquiera con la persona amada. Así, pese a que podemos ver a Takaki escribir constantemente en su celular, los mensajes de texto que escribe no son enviados. De esta manera, hay un vínculo entre las cartas y los mensajes de texto, ya que pese al desarrollo de la tecnología en la comunicación, el mensaje -pensamientos y sentimientos de Takaki- no siempre llega al receptor -Akari-.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
El origen del trauma: tiempo, velocidad y la adultez
Las cartas, el teléfono y los mensajes de texto deberían ser un medio de conexión entre las personas. Sin embargo, la experiencia de Takaki demuestra lo contrario.
Takaki nunca tuvo la posibilidad de entablar relaciones duraderas con las demás personas por el trabajo de su padre. Esta imposibilidad de conexión se verá reflejada en las múltiples imágenes que representan la velocidad y el paso del tiempo, como el árbol de sakura, el cual es un reflejo de lo efímero debido al florecimiento súbito del árbol y la corta vida de sus flores, o la constante presencia del tren. Asimismo, hay una constante referencia al tiempo a partir del dato de la velocidad en la que caen los pétalos de cerezo, en la que sube el cohete, o en el que se aproxima a tierra el tifón.
Todas estas serán metáforas del paso del tiempo y la separación entre las personas.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Y como el tiempo no perdona, en Takaki surge el deseo de volverse más fuerte y de seguir avanzando, pero esto solo generará una sensación de urgencia y arrepentimiento, ya que no ha podido confrontar sus sentimientos. Además, esto también ahondará en un sentimiento de desarraigo, elcualprovocará no pueda establecer vínculo con sus compañeros de trabajo ni con Risa, su novia.
A este deseo de seguir avanzando se debe sumar las exigencias de la adultez (3): tener un trabajo fijo y una relación estable que encamine al matrimonio. No obstante, Takaki siente que lo que hace en el trabajo no vale la pena, y siente vergüenza de conocer a los padres de Risa, ya que teme comprometerse con ella.
Todas estas exigencias de la vida adulta serán un obstáculo creado por el mismo Takaki, quien muchas veces utiliza la excusa de “estar ocupado” para no ver a su familia ni a sus compañeros de escuela o trabajo. En otras palabras, le servirá como un medio para ocultar el pasado y sus sentimientos, y no confrontarlos.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Y pese a haber ignorado o dañado el sentimiento de las demás personas, sobre todo el de Risa, ella le enseña a que es importante que acepte sus arrepentimientos -lo que no pudo decirle a cada una de las personas importantes en su vida-, ya que eso le ha permitido ser la persona que es ahora: considerado y responsable, pero que huye apenas las cosas no resultan.
“Epílogo”: mirando el presente
Será el epílogo donde vemos una promesa de crecimiento y redención en Takaki. Ello se dará a partir de la imagen de Kanae, la “protagonista” en esta última sección.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
Kanae es el “interés amoroso” de Takaki entre los capítulos 4 y 6 del manga. Ella se enamora del último en la secundaria, en Kagoshima. Y al igual que él, ella también siente una gran incertidumbre sobre su futuro. Sin embargo, aquí Takaki cumplirá un rol muy importante, porque será gracias a su amistad que descubre la posibilidad de poder entrar a la vida adulta y seguir descubriendo en el camino qué desea hacer uno.
De esta manera, el lector podrá entender por qué el epílogo se centra en Kanae, a diferencia de todo el manga, el cual está narrado, en su mayoría, desde la perspectiva de Takaki. La incertidumbre no genera angustia en Kanae, una propuesta que Takaki descubrirá recién al final del décimo capítulo y que les permitirá a los dos volver a entablar una conexión. Takaki podrá, por fin, mirar al presente y decidir qué hacer sobre el camino mientras abraza sus sentimientos.
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
5 centímetros por segundo de Makoto Shinkai y Yukiko Seike, Vertical
NOTAS:
(1) Sobre la prótesis como un medio que permite al ser humano ampliar su experiencia, revisar el artículo del video animado Shelter.
(2) Este sentimiento de angustia, vacío o suspenso ante lo efímero de las cosas genera el sentimiento de aware.
Las desventuras de Lima-chan es una historieta peruana creada y publicada por entregas virtuales desde junio del 2018 por Joaquín Ponce Vives (en su página artística de Facebook). Cuenta la historia de Lima-chan, un personaje femenino de estética manganime que encarna a la capital limeña en sus diversas aventuras y desventuras cotidianas junto a los demás departamentos del Perú.
DATO IMPORTANTE: Oficialmente la historieta continua, pero no tiene una periodicidad regular (cuenta también con entregas en formato físico). Por otro lado, este artículo se basó en un trabajo académico que comprende el análisis de este cómic hasta el episodio 33 de la tercera temporada; es decir, hasta inicios de la pandemia sanitaria en el país. Si desean leer la historieta, en la bibliografía se colocarán los enlaces para acceder a las misma. Ahora, sin más que decir, comencemos:
¿Quién es Lima-chan?
Lima-chan es un personaje creado bajo el concepto japonés denominadogijinka. Como sostiene el usuario Mr. Koyokoyo en la red social y aplicativo otaku Amino:
…es una palabra japonesa, la cual significa antropomorfismo, es un término bastante usado en Internet para referirse a personificaciones de prácticamente cualquier cosa.Estas personificaciones generalmente son de mujeres jóvenes o niñas, aunque también hay bastantes hombres, las cuales tienen rasgos del objeto, ser o concepto en el que se basan mezclados con rasgos humanos intentando generalmente que tengan un aspecto adorable o que concuerde con las características de aquello en lo que se basa. Cuando se busca que sean adorables se suele usar el término Moe Gijinka.
A partir de la cita anterior, podemos decir que Lima-chan es un personaje gijinka en tanto es la personificación femenina al estilo manganime de la capital peruana.
Joaquín Ponce Vives, en una entrevista personal (vía meet) que sostuvimos, comentó queLima-chan nació de forma inesperada (casi diríamos “como un juego” por parte del diseñador gráfico), a raíz de un comentario que Manuel Velarde, candidato a la alcaldía de Lima, posteó en sus redes sociales a inicios de junio del 2018 sobre la capital peruana: “Lima es plana, tiene clima templado y mucha gente joven”. El historietista utiliza la frase del candidato para darle un sentido humorístico afianzado, además, en los códigos que los jóvenes insertos en la cultura “otaku” (termino que alude a los fanáticos del manga y anime) pueden reconocer y consumir (el uso de los sufijos chan y kun en los nombres de los personajes es una prueba del manejo de los códigos manganime, por ejemplo). En ese contexto, tiene sentido que el pedido del autor es que los fans no sigan el ejemplo de Velarde al llamar a Lima “plana” y que en lugar de ello “quieran a su Waifu” (otra palabra otaku que hace referencia al amor platónico por un personaje como Lima-chan).
Imagen de Lima-chan para promocionar su cuenta de Instagram
Concept Art
Como sostiene Arteneo, Escuela de Artes Visuales madrileña, Concept Art o arte de concepto (a menudo también llamado desarrollo visual) es el diseño inicial utilizado para desarrollar el look and feel de un proyecto, desde películas de animación a videojuegos. Una forma fascinante de arte que combina aspectos de dibujo, ilustración y diseño.
En las desventuras de Lima-chan, el Concept Art aparece en los momentos donde han de presentarse los personajes por primera vez ante el público (fan lector) de esta historieta. Un ejemplo de esto se manifiesta en la que podemos considerar la primera página de la temporada 1 (T1) del cómic, donde se aprecia el Concept Art de Lima-chan (como manifiesta su creador, como una muchacha «plana» pero con sus curvas). Asimismo, cada vez que aparece un nuevo personaje (generalmente, un departamento del Perú), el autor coloca en los comentarios de facebook anexos al episodio un post con el Concept Art del mismo.
Concep Art de Lima-chan
Concept Art de Callao-kun, presentado en la temporada 1 (TI) del cómic
Coming-of-age y Slice of Life
Como historieta influenciada por el cómic japonés o manga, sea por su diseño estético, temáticas o géneros demográficos, y dada las respuestas de sus fanáticos, lo convencional seria calificar Las desventuras de Lima-chan como un cómic dirigido a un público masculino juvenil (en japonés, seinen). No obstante, también existe un amplio fandom femenino juvenil de esta historieta (josei). En ese contexto, otras categorías temáticas en la que podríamos contextualizar a Lima-chan es la del Coming-of-age (género literario y cinematográfico centrado en el desarrollo/crecimiento spicológico y moral de los personajes, particularmente desde la juventud hasta la adultez), en tanto que somos testigos de las diversas experiencias cotidianas (retazos de la vida o slice of life, otro género temático del manganime) a través de las cuales nuestra joven protagonista busca aprender cómo ser una mejor capital para el Perú contemporanéo (experiencias que no están exentas de las dosis de aventura y desventura propias de este tipo de género).
Uno de los conflictos más evidentes de Lima chan debe afrontar en este coming-of-age es el enunciado por el candidato Velarde: “Lima es Plana”. La protagonista, al ser un personaje construido, hasta cierto punto, bajo los tópicos clásicos del manga shōjo (cómic japonés para chicas adolescentes), tiene un carácter que evidencia una baja autoestima y una consecuente falta de confianza en sí misma, debido en este caso a su inconformidad por su apariencia física (para una chica, sea adolescente o una joven adulta, estár bajo la constante mirada estética pública es una cuestión bastante problemática). Sumado a esto, Joaquín agrega otros caracteres “negativos” a Lima-chan que corresponden a la percepción que los Limeños y habitantes de Lima tienen de la capital: es gris (carácter que refiere al cielo nublado visible recurrentemente en la capital ) y aburrida (para muchos peruanos, la capital no tiene ningún atractivo turístico por ofrecer). Por suerte para Lima-chan, los demás departamentos se van presentando como amigos y camaradas que le ayudaran lidiar con estos conflictos, como sucede con Ica-chan en el episodio 4 de la temporada 1.
Lima-chan es atacada por comentarios hate sobre su apariencia
El autor del cómic pide apreciar a nuestra capital
Ica-chan aconsejando a Lima-chan sobre su autoestima
Al mismo tiempo, y en un sentido proyectado, el autor del cómic, se anuncia ficcionalmente como la voz en off del relato para pedirnos a los lectores que ayudemos a Lima-chan a elevar su autoestima al demostrarle nuestro amor y/o cariño, un pedido que es coherente considerando que es “nuestra waifu” (más adelante desarrollaremos con profundidad este tema). Asimismo, y volviendo al sentido proyectado, la empatía y el amor/cariño que los lectores pueden sentir luego de conocer este faceta de la personalidad de Lima-chan puede repercutir en una mayor apreciación de los jóvenes peruanos por su capital: Lima es plana por su geografía, pero esa naturaleza es también atractiva y tiene para ofrecer actividades divertidas (esquí en la arena, visitar monumentos arqueológicos como Pachacamac), y si bien el cielo que la caracteriza es gris (producto de una consecuente y entendible contaminación ambiental), cuando menos lo esperas aparece despejado o con un brillante sol. Como consecuencia, es posible transformar el largo historial de apreciaciones estético-simbólicas negativas de la capital peruana, reflejadas en frases populares como “lima la horrible”, “lima, la del cielo panza de burro” o “lima la gris”.
Otro aspecto en el que somos testigos del proceso de aprendizaje de Lima-chan es el que el remite al enfrentamiento de otros conflictos internos de la protagonista: ego/individualismo vs colectivismo/espíritu comunitario. Como sucede en estos tiempos (donde el individualismo es uno principales males de la vida en sociedades contemporáneas) Lima-chan es uno de los tantos jóvenes que están tan ensimismados en sus pensamientos/deseos/sueños que no conocen su realidad más cercana (por ejemplo, en la temporada 1, Lima-chan no recordaba quien era Callao-kun, y cuando lo hace es tarde, porque ya le «ha robado»). Otro ejemplo se da en el episodio 3 (T1), cuando la protagonista quiere ayudar a Puno-kun y se le ocurre para ello tirarle desde su posición geográfica (la capital) unas frazadas (una actitud que refleja, proyectadamente claro esta, la actitud que ha tenido el gobierno capitalino al intentar ayudar a los demás departamentos con la misma actividad). No obstante, la voz en off (que por cierto puede funcionar como la voz simbólica de los peruanos) y el mismo Puno-kun comentan que esa intención no es la más óptima para ayudar a superar las heladas del sur; como si lo puede ser, por ejemplo, desarrollar medidas políticas que, comprendiendo su situación y contexto local, le ayuden a Puno a superar esos difíciles tiempos. Existen otros ejemplos en donde se evidencia el desconocimiento (o la actitud despistada típica del personaje shōjo) de Lima chan por lo que sucede en los otros departamentos, como los efectos de las inundaciones del fenómeno del niño costero sufridas por Piura-kun en la temporada 2 (T2).
Lima-chan lanzando frazadas para Puno-kun (T1)
Lima-chan no recuerda quien es Callao-kun hasta que su despiste la conduce a un robo (T1)
Lima-chan se entera a ultima hora de las inundaciones en el norte del Perú (T2)
En el episodio 8 de la temporada uno, vemos a Lima-chan entrando al departamento de Callao-kun aludiendo a su autoridad como «Lima Metropolitana» y «hermana mayor (de Callao) de todos modos». Lima, como capital metropolitana tiene al Callao bajo su jurisdicción, pero solo en un sentido administrativo. No obstante, la actitud de Lima-chan puede interpretarse críticamente como el actuar que pueden haber tenido los gobernantes de la capital en la vida real: respeto (verbalmente) la autonomía del Callao, pero en la práctica es otra historia, porque mi rango/cargo superior esta por encima de esta región, una actitud egocéntrica que puede derivar además en un “abuso de poder”. Sumado a ello, en el episodio 12(T1) se evidencia el deseo de protagonismo de Lima-chan, quien manifiesta en su discurso «político» que superaron la electionitis (la “enfermedad” que sufren todos los lugares del Perú al ser víctimas del acoso extremo de todos los candidatos a sus respectivas alcaldías), cuando vemos en la misma escena, pero en un plano de fondo, a Callao-kun siendo aún víctima de este mal que Lima “Metropolitana” declara eliminado.
Lima dando un discurso «politiquero» sobre la supuesta superación de la electionitis (T1)
Los viajes de aprendizaje al interior del Perú
Un último aspecto sobre el Coming-of age del comic es cómo actúa Lima-chan para acabar con ese egocentrismo y falta de un mayor sentido colectivo que le impide ser una mejor capital. Y es justo en este punto donde inicia una de las etapas más interesantes de la historieta: el viaje que Lima-chan realizará a diversos departamentos de la costa, la sierra y la selva del Perú con motivo de un entrenamiento para ser una mejor “líder”. Un viaje a partir del cual Lima-chan podrá ampliar su conocimiento sobre la realidad del resto de zonas del Perú, lo que repercutirá en una mayor perspectiva a lo hora de plantar medidas que ayuden o beneficien a cada región acorde a sus particulares contextos. En relación con lo anterior, señalaré dos episodios particulares:
En el episodio 10 (T1), Lima-chan viaja al Huascarán en compañía/guía de Ancash-kun, y ,aunque le da el típico soroche, en el siguiente episodio constatamos que logra llegar al famoso nevado Huascarán.
Como declara Joaquín Ponce en su cuenta de Facebook donde publica el cómic, el capítulo 18 (T2), donde hace su aparición Loreto-chan, fue inspirado por el cómic Selva Misteriosa (1971-1973), de Javier Florez del Águila, que hoy vuelve a nosotros en un compilatorio de editorial Planeta.
En el episodio 19, Lima-chan conoce a Ucayali-kun, quien la iniciará en un rito de viaje místico-ancestral. Una experiencia que alude a la famosa experiencia alucinógena atribuida a la ayahuasca, experiencia que es referenciada a su vez en la obra literaria Las tres mitades de Inomoxo y otros brujos de la amazonía (César Calvo, 1981). Como refiere el portal cultural librosperuanos.com,
César Calvo realiza, en esta novela, un viaje hacia sí mismo y hacia esos miles de rostros que son las diversas caras del Perú: el mundo amazónico, el andino, el costeño, el afroperuano. Pero Las tres mitades de Ino Moxo…es más que una novela. Es también un poema, un testimonio, el libro de un visionario. El relato de una travesía que nos permite vislumbrar un país que se reconoce en la sabiduría ancestral.
A partir del viaje selvático que la llevará a vivir una experiencia místico-ancestral, antecedida en la obra de Calvo y aludida intertextualmente en el cómic de Ponce, Lima-chan se inscribe en una aventura peculiar y de suma importancia en aras de encontrar las respuestas a las dudas que la llevaron hasta ese punto: cuál es su propósito como «ser, como «líder» de los demás departamentos del Perú.
(1971-1973)
(1981)
A través de esta experiencia mística a la que Lima-chan es introducida por (el brujo) Ucayali-kun,comprenderá dos aspectos importantes: primero (y como ha venido realizando en estos viajes) tiene que observar, con una mirada más profunda, la realidad del Perú: desde la costa norte con Piura hasta las alturas heladas de Puno. Segundo, debe mirar hacia su pasado:Lima fue colonial, luego una república y luego de otros eventos históricos contemporáneos (como la gran oleada migratoria a la capital y el conflicto armado interno, por ejemplo) es la Lima de «todas las sangres”, una frase que hace referencia a la famosa obra homónima del escritor andahuaylino José María Arguedas, publicada en 1964. En ese contexto, y un sentido proyectado, los lectores podremos (a través de Lima-chan) iniciar estos viajes de descubrimiento de nosotros mismos (tanto como individuos como colectividad), porque solo conociendo quienes fuimos, podemos saber quiénes somos y definir lo que queremos ser. Volviendo a Lima-chan, el viaje no ha culminado. En el episodio siguiente (21) aparece Madre de dios para guiarla a la última etapa del viaje astral, donde la protagonista descubrirá la realidad crítico-ambiental que sufre la selva; no obstante, en vez de esperar una respuesta diplomática de la capital, Madre de Dios la incita a “actuar” (digamos que simbólicamente esto se expresa al arrojarla en el aire a su siguiente destino, que curiosamente es el Cusco, conocido como el ombligo/origen del mundo). No obstante, en el episodio 32 de la tercera temporada, hará su aparición el mayor e inesperado desafío que Lima-chan, en alianza con los demás departamentos del Perú, deberá afrontar: el virus Covid 19. Desafío que hasta el día de hoy no sabemos a ciencia cierta cómo terminará.
Episodios del viaje «místico-ancestral» de Lima-chan (T2)
Humor político e Identidad nacional
Otro aspecto temático que subyace en Las desventuras de Lima-chan es su carácter humorístico-político, lo cual tiene mucho sentido teniendo en cuenta la historia de la historieta peruana desde su aparición oficial en el siglo XIX (coincidente con la revolución industrial y el nascimiento de los periódicos y las revistas de época). En Lima-chan es posible encontrar una conexión con los relatos costumbristas delasTradiciones Peruanas(1872), de Ricardo Palma, escritor e intelectual peruano que, valiéndose de su talento artístico-narrativo, retrata de manera romántica (añorando el pasado) las experiencias de diversos peruanos, en general nacidos o afincados en la capital, que le sirven como excusa para críticar, valiéndose de la ridiculización propia de la sátira, los vicios de la ciudad. A inicios del siglo XX, la tradición satírica será retomada por Monos y Monadas, revista de humor político de gran importancia y legado nacional. Como sostiene el portal web de periodismo de la PUCP, esta revista
…apareció en los albores del siglo veinte y luego volvió en distintos periodos, siempre para incomodar y burlarse del poder. Su etapa más polémica sin duda fue a fines de los años setenta y principios de los ochenta, cuando desde posturas de izquierda fustigó al dictador Francisco Morales Bermúdez, dejó en ridículo a los militares que oficiaban de ministros, y desplegó poco después, con sorna e ironía, una crítica severa de la clase política de entonces.
Fecha de publicación: 1872
Carátula del 8 de Enero de 1981
Otro grupo de caricaturistas importantes, que además optaron por dirigirse a un público infantil, fueron Hernán Bartra (Monky) y Juan Osorio (Osito), historietistas de Avanzada (1953-1968), revista donde aparecen tres niños-personajes que crearon bajo los nombres de Coco, Vicuñin, y Tacachito, los cuales representaban a la costa, la sierra y la selva del Perú, respectivamente. Fue uno de los primeros proyectos de arte gráfico a partir de los cuales los niños pudieron divertirse a la par que aprendían/conocían la realidad peruana.
Como menciona Carla Sagastegui, docente de Humanidades de la PUCP, otro de los historietistas peruanos creadores de propuestas artístico-narrativas para la formación de “identidades nacionales” (digamos, con conciencia crítica) es Juan Acevedo, caricaturista prolífico que a fines de los setenta crea la historieta El Cuy, cuyo protagonista es un roedor altamente cuestionador de todo (orden) preestablecido (y una crítica a la estética animada y “conservadora” de Disney). Personaje que además ha tenido posteriores aventuras y reediciones narrativas. Podríamos señalar más casos, como por ejemplo el de las historietas y novelas gráficas peruanas que, desde los años ochenta hasta la actualidad, configuran propuestas de identidad nacional que parten de contextos histórico-políticos como el “conflicto armado interno” (Luchín Gonzales, 1988; Rupay, 2008; Barbarie, 2010, etc.), u otros conflictos nacionales latentes (La guerra por el agua, cómic interactivo, 2016).
En ese contexto, si bien el cómic de Joaquín Ponce no es una historieta de humor político en el sentido estricto de la palabra, mantiene ese carácter crítico de la realidad peruana mediante la figura de Lima-chan,una crítica cuyo potencial es más efectivo en tanto va dirigida tanto a los gobernantes como a los ciudadanos peruanos, especialmente jóvenes: a los primeros les pide conocer la realidad del país para que sepan realmente cómo contribuir a su desarrollo, y a los segundos (a la par que los inculca también sobre esa realidad) les pide dejar de mirar a la capital con los ojos “despectivos” con que la miraban nuestros padres y abuelos («Lima la horrible») para que puedan apreciar la verdadera belleza y valor que se esconde tras ella (Lima es plana y gris, pero también es una fuente de recursos y vínculos de vida para el resto del país, después de todo es de “todas las sangres”). De esta manera, el cómic de Joaquín Ponce se inscribe en la ya consolidada tradición de proyectos historietísticos que apuntan a la formación de una “identidad nacional” (en las conclusiones se profundizará más sobre este último y complejo punto).
De «Lima la horrible» a «Todas las sangres»
El aspecto humorístico de esta historieta se debe también a su carácter paródico. Según el crítico literario francés Gerard Genette, la parodia sería la imitación burlesca que hace un texto respecto de otro, donde la risa surge de una constante confrontación entre ambos textos, el parodiado y el parodiante. No obstante, esta imitación desvía el sentido original del texto con el fin de entretener al público presente. En ese contexto, Las desventuras de Lima-chan representa una parodia del famoso ensayo Lima la horrible (1964), de Sebastián Salazar Bondy, en el cual (a costa de una mala interpretación que solo ve una crítica estética superflua), crítica la visión romántica de la Lima colonial que tanto añoraba y expresa en su obra Palma y otros intelectuales de la época. Joaquín parodia “Lima la horrible” en tanto le da un nuevo y cronológicamente coherente sentido crítico. En otras palabras, la crítica paródica de Lima-chan no se sostiene específicamente en el cuestionamiento del sistema jerárquico de poder hegemónico latente que se intuye en el texto de Bondy, sino en señalar lo importante que es no solo para la capital peruana, sino para todos los peruanos conocer realmente cómo es el país, con son todas sus complejidades heredadas históricamente, pues solo así podremos comprendernos, cooperaremos y creceremos como un país democrático, libre e independiente. Como un país que realmente es de “todas las sangres”.
Lima la horrible (1964), versión historieta (Casa de la Literatura Peruana, 2014)
Fecha de publicación original: 1964
Shōjo, waifuismo y fandom
Como se mencionó anteriormente, el diseño estético y de personalidad de Lima-chan emparenta con un típico diseño de protagonista kawaii del manga shōjo: tiene baja autoestima, es despistada, pero tiene buen corazón y ganas de ser una mejor líder. No obstante, y pese a las criticas recibidas por un grupo de lectores por tener el diseño estético de una “blanquita privilegiada”, Lima-chan demuestra en su habla coloquial modismos más propios de “un chibolo limeño de barrio” o digamos “achorado”. Esto ocurre por ejemplo, en el episodio 5 (T1) donde Callao-kun le roba el broche a Lima-chan y ella le lanza un típico insulto local tras sentirse impotente: “callao CTM(conchadetumadre)», o cuando en el episodio siguiente se pregunta por dónde estará el mismo: “hasta donde se habrá ido este pata”. No obstante es justamente esta personalidad la que convierte a Lima-chan en un personaje interesante, sea como personaje de inspiración manganime o como proyección de nuestra “querida” y a la vez “odiada” o enajenada capital.
Como sostiene Gerardo Ariel Del Vigo, licenciado en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires, dentro de la subcultura Otaku el término Waifu refiere a la relación o el título que se le otorga a un personaje de un anime, manga, serie o videojuego que es considerado por un fan como su “esposa”. Ser una waifu implica en el fan un compromiso que refleje el profundo amor por ella, lo que se traduce en demostrar tanto en el mundo real (eventos fandom, merchandaising) como virtual (foros web) la fidelidad hacia este personaje. ¿Cómo funciona eso en Lima-chan?, pues simplemente consumiendo cada capitulo/entrega web del cómic. Es la mejor forma para que el personaje siga existiendo, ya que la lógica del mercado digital exige que haya un público dispuesto a seguir consumiendo el producto ofrecido en dicho ámbito. El autor ofrece en agradecimiento al fandom de Lima-chan (por apoyar el proyecto con su lectura e interacción web) sorteos, y otros productos que los fans pueden adquirir (como stickers y la versión en físico de la historieta, claro).
Lima-chan firmando autógrafos de los ganadores de un sorteo propiciado por Joaquín Ponce
Cómic web y cultura digital
Otro aspecto interesante que no podemos dejar de mencionar en este cómic es su formato. Según su autor, este cómic no es un manga porque este término refiere a los cómics japoneses. Asimismo, y a diferencia de un manga, esta historieta se lee como es convencional en occidente: de derecha a izquierda. Sumado a esto, Joaquín Ponce considera que su obra responde más bien a uncómic de autor, lo que, considerando la propuesta narrativa, la estética manganime y el concep art hábilmente articulados por el diseñador gráfico, es bastante coherente.
Respecto al formato del cómic, resalta/predonima el uso de viñetas en plano entero donde visualizamos a los personajes en actitud dialogante, así como las viñetas en plano general, las cuales destacan sobre todo por mostrar los escenarios donde ocurren las desventuras o aventuras de Lima-chan (como sucede cuando la vemos en la cima del Huascarán). Asimismo, debe resaltarse el uso de toda (o casi toda) una página para presentar (emulando el Concept Art) a algún personaje clave, como sucede en la viñeta-presentación del virus Covid 19 (con una apariencia alienígena y típico traje chino que rebela su origen geográfico).
Memes y referencias digitales otaku
Un aspecto que es clave para entender en buena medida la popularidad creciente de este cómic, es el hecho de haber nacido como una historieta web, es decir como un medio de entretenimiento nativo digital, que a su vez es una gran fuente de atracción para el público peruano joven al que prioritariamente va dirigido. Asimismo, otro aspecto clave es el hecho de valerse estratégicamente del contexto digital (redes sociales y aplicaciones web) para crearse y recrearse contanstemente, sobre todo en lo que refiere al aspecto paródico humorístico de Lima-chan. Nos referimos, por ejemplo, al uso de los memes. Según Wikipedia, la enciclopedia virtual de contenido libre, el término meme en internet se usa para describir una idea, concepto, situación, expresión o pensamiento, manifestado en cualquier tipo de medio virtual, cómic, vídeo, audio, textos, imágenes y todo tipo de construcción multimedia, que se replica mediante internet de persona a persona hasta alcanzar una amplia difusión. Para el periodista chileno Javier Chamorro Bernal
Que los memes pueblen internet se debe a la mentalidad del prosumidor, como un usuario dispuesto a crear contenidos para la red. Independientemente de que sus motivaciones sean con fines de lucro o por buscar reconocimiento entre sus pares, lo llamativo es el hecho de reproducir archivos de forma constante y más aún cuando se forman comunidades en torno a ello. Asimismo, se puede llegar a pensar que el ciberespacio condiciona a ese actuar.
De acuerdo a esta cita, el ciberespacio es un medio propicio para la proliferación de memes, como en este caso de los memes reconocidos por los internautas de las comunidades otaku. En ese contexto, es interesante notar como el autor apeló a los memes otaku para parodiarlos en su cómic. Este es el caso del episodio 30 (T3), donde se hace parodia de diversos memes donde se ven a los protagonistas del manganime Jojos Bizarre (Jotaro Kujo y Dio Brando) en poses que indican que están en medio de una batalla. Joaquín reiventa la escena y coloca Cusco-kun y Puno-kun en las mismas poses de los Jojos para enfrentarse en el Takanakuy, celebración tradicional que se lleva a cabo todos los años, el 25 de diciembre, en Chumbivilcas – Cusco, donde las personas pueden «limar sus asperezas» a través de luchas, acampañados de un perertorio de música y danza conocido como wuayliya. Una parodia acertada para el contexto peruano, tal como lo demuestra la respuesta de sus fans (ver imágenes).
Posteo de un usuario de Quora (red social de preguntas y respuestas) con la escena convertida en meme de los Jojos
Puno-kun y Cusco-kun se enfrentan al estilo de JoJos Bizarre
Fan service y dōjinshiweb
Ser un cómic nacido en el mundo digital afin a la comunidad otaku implica, asimismo, manejar ciertos códigos que son parte del atractivo que genera para los fans.Este es el caso, por ejemplo, de los llamados “fanservice”, en español traducidos como «servicios para fans». Estos servicios consisten en mostrar escenas o eventos donde los fans pueden disfrutar de otras facetas divertidas o poco usuales de sus personajes como, por ejemplo, las escenas de playa donde sobretodo los fans masculinos del cómic pueden ver a Lima-chan (“la chica plana”) o a Libertad-oneesan («la chica de cuerpo escultural») en ropa de baño. En el caso de las fans, pueden disfrutar de ver a sus husbandos (“esposos”) como Puno-kun y/o Cusco-kun luciéndo su atractivo físico en el Concept Art y/o en escenas de acción, o a Moquegua-kun, si les gusta los personajes shota (personajes infantiles, o de apariencia infantil, que gustan a las mujeres jóvenes adultas u otros individuos). Asimismo, existen fans que llegan a crear al estilo dōjinshi (en japonés, autopublicación artística) sus propias versiones (Concept Art) de sus personajes favoritos.
Reflexiones finales
Mi lectura/aproximación/análisis de Las desventuras de Lima-chan me lleva a entenderla como un proyecto artístico-narrativo alternativo para entablar (o ir en línea con) una formación de identidad constructiva y «real» en los jóvenes del Perú contemporáneo. En ese contexto, toma en cuenta factores claves para este público, como el conocimiento de los código estéticos y narrativos del manganime, las tecnologías digitales inmersas en las comunidades virtuales, y las particularidades geográficas, políticas y socioculturales de cada departamento del Perú. No obstante, más que crear una “identidad nacional” entendida en el sentido de los proyectos modernistas republicanos (que no han logrado, a mi parecer, cimentarla con éxito), a lo que podría apuntar este cómic es a la formación de identidades que respondan a la época “posmoderna” que vivimos, es decir, identidades que muestran una gran complejidad ingeniosamente articulada en tres ejes:
Identidad regional: los jóvenes expresan el respeto por la diversidad étnico-cultural de su localidad y la de los otros.
Identidad nacional: los jóvenes se reconocen como parte de una comunidad macro y geopolíticamente delimitada como “país”, que los representa y, por ende, por la que deben trabajar en aras de lograr objetivos comunes para un “real” progreso.
Identidad global: la identidad creada en un contexto globalizado, donde las nuevas tecnologías de comunicación y medios digitales contribuyen a cimentar en los jóvenes ciertas ideologías, pensamientos, emociones, carácteres culturales, sociopolíticos, artísticos, etc., que les incentivan a sentirse parte de una macrocomunidad que no es física sino existente en la mentalidad/espiritualidad de los mismos, la cual es expresada o condensada en escenarios virtuales; como sucede por ejemplo, con las identidades globales afianzadas en la subcultura otaku (cultura referenciada en Las desventuras de Lima-chan).
Hablar de Tezuka Osamu es referirse a una larga lista de títulos que han marcado la historia del manga y han influido a muchísimas historias posteriores. Como artista, la imprescindible obra de Tezuka evolucionó y se transformó a lo largo de los años y es particularmente interesante revisar sus trabajos correspondientes al periodo entre finales de los años 60 e inicios de los 70. Conocidos como los años oscuros del dios del manga, fue una época donde se publicaron varios de sus relatos más maduros e interesantes en los cuales el mangaka reflexiona sobre la naturaleza humana desde una perspectiva más adulta. Aquí se inserta Oda a Kirihito (1970), protagonista de esta reseña.
Fuente: Tezuka Productions
El viaje de Kirihito
Osanai Kirihito es un doctor con un promisorio futuro que trabaja en el Departamento de Medicina Interna del Hospital Universitario M de Tokio, donde un paciente ha sido aislado en la habitación 66. La razón es que este último sufre de un extraño mal conocido como “la enfermedad de Monmo” que provoca que la persona adquiera una apariencia semejante a un perro o a un tanuki (mapache japonés) y sienta una gran necesidad de consumir carne cruda. Tras un tiempo y ante la ausencia de cura, el paciente fallece irremediablemente.
En medio de la investigación sobre las causas y el debate médico sobre si se trata de un virus o un mal endémico, Kirihito es enviado por su superior, el doctor Tatsugaura, a investigar esta enfermedad en el pueblo de Inugamisawa, donde se pueden hallar otros casos y se espera encontrar la respuesta al enigma. No obstante, el Dr. Osanai ignora que al tratar de descubrir el misterio y viajar a distintos lugares de Asia, su vida cambiará para siempre. Este es el primer acto de un drama médico con un muy buen ritmo narrativo en el que Tezuka-sensei lleva al lector hacia un mundo que conoce bien.
Dr. Tezuka
A pesar de que nunca ejerció, el dios del manga estudió medicina y obtuvo su licencia como doctor. De este modo, la obra expone los conocimientos de Tezuka quien construye la enfermedad de Monmo como si se tratase de un mal real con síntomas bien explicados y similitudes con otras afecciones. Si algunos temen que eso podría hacer que el manga sea difícil de disfrutar, encontrará todas las respuestas a sus preguntas en la misma historia que brinda los detalles necesarios para aquellos no tan familiarizados con la medicina y deja la puerta abierta para aquellos que gustan investigar sobre las referencias reales que encuentran en los títulos que leen.
Asimismo, el autor presenta la complejidad de la labor médica en la que se interceptan el deseo por ayudar a los pacientes con la ambición personal por alcanzar renombre en medio de un Japón en el que las jerarquías de poder pueden beneficiar a la injusticia y perjudicar a la integridad. Se percibe un antagonismo entre los doctores de mayor trayectoria y los jóvenes que pareciese un eco de las protestas de los estudiantes de medicina de la Universidad de Tokio contra el sistema de practicantes en 1968-1969 e, incluso se hace referencia a dichas protestas a través del pasado de Kirihito. En este contexto, Tezuka reflexiona sobre el ser humano.
“No soy un perro, soy un ser humano”
Uno de los aspectos más destacables de Oda a Kirihito es la manera como la afección de Monmo sirve a Tezuka-sensei para comentar sobre el prejuicio de las enfermedades como motivo de vergüenza y deshumanización, de ahí la razón de que este mal se manifieste en la apariencia física, así el paciente ya no se ve como un ser humano y se convierte en un animal. El enfermo sufre el dolor propio de su dolencia, pero también la humillación y ostracismo social así como la desatención de sus derechos humanos por parte de algunos doctores.
En ese sentido, el autor incluso se vale de interesantes referencias católicas para hacer una analogía entre el via crucis de Cristo y la prueba que debe enfrentar el enfermo en el particular contexto japonés que se retrata. Junto a la afección misma, el dios del manga explora otras formas de deshumanización como el racismo, el clasismo o la violencia de género que cuestionan la supuesta creencia del hombre como ser civilizado y racional superior a los animales cuando mantiene prejuicios absurdos y comete actos abominables. Estas reflexiones van acompañadas de una atractiva propuesta desde la narrativa y el código visual del manga.
El dios del manga experimentando
El estilo de dibujo característico del icónico mangaka también se puede encontrar en esta obra así como la influencia del lenguaje y edición cinematográficos que el autor convirtió en una constante del cómic japonés. Sin embargo, además de ello, Tezuka-sensei decide experimentar en Oda a Kirihito con el simbolismo y el surrealismo que se puede reconocer en momentos clave en los que opta por sugerir y transmitir a la audiencia tanto las emociones como los estados mentales de sus personajes antes que exponer de manera explícita sus acciones. El resultado es una narrativa audaz que impacta al lector sin alejarlo de la historia.
Acorde con el tono, Tezuka-sensei apuesta por una iluminación dramática con gran cantidad de sombras al igual que la construcción de secuencias en las que no abusa del diálogo, sino que deja que las viñetas hablen por sí mismas aportando al desarrollo de sus personajes y al ritmo de la acción. Cabe destacar la calidad que consigue al retratar la arquitectura y paisajes de los lugares que recorren Kirihito y su compañero Urabe mientras tratan de responder a la interrogante sobre la enfermedad de Monmo.
Veredicto final
Recomendado para los seguidores del dios del manga y aquellos interesados en pasar una tarde reflexionando sobre la condición humana o disfrutando un buen drama en el que el protagonista enfrenta una prueba tras otra. En el primer volumen de Oda a Kirihito, Tezuka-sensei consigue con éxito interpelar al lector con un relato atractivo y complejo mientras experimenta con nuevas formas de expresión. Además, siembra la intriga que hace inevitable codiciar el volumen 2 de la obra.
Puedes encontrar Oda a Kirihito de Tezuka Osamu en Ibero Librerías, donde si eres seguidor de Proyecto Sugoi puedes adquirir tus mangas con descuento.
💫 ¿A quién de pequeño no le fascinaban las estrellas? ¿Soñaba con tener un telescopio para poder trasnocharse para ver los planetas solo ver las estrellas, no espiar, malpensados? El día de hoy #GISugoi presenta: Koisuru Asteroid.
☄️ Anime slice of life de la temporada de invierno 2020, basado en el 4-koma de Quro del mismo nombre. Presenta el sueño que tienen Mira y Ao, amigas de la infancia que se vuelven a reunir en la secundaria, de descubrir un nuevo asteroide. Para ello se unirán al club de “ciencias terrestres”, el cual reúne a los antiguos clubs de astronomía y geología. En dicho grupo no solo encontrarán las herramientas para aumentar su conocimiento sobre la astronomía, sino también verán su relación con otras ciencias como la geografía y la cartografía. En ese sentido, el anime llama la atención por dos puntos: su potencial educativo, en la cual el espectador aprende sobre estos (a veces nuevos) temas a la par que las chicas; y la propuesta humanista y de interdisciplinariedad.
Sobre el potencial educativo, el anime no solo busca ser una introducción amena a la astronomía, geología, geografía, metereología, e incluso la astrología. También trata de que estos datos, que pueden ser complejos en ocasiones, puedan ser de fácil entendimiento y acceso al público. Ello condice con el intento de las chicas por crear en la escuela una revista informativa sobre sus investigaciones en torno a las “ciencias terrestres”, así como las actividades de difusión de las ciencias que hacen en los festivales escolares.
Por otro lado, en cuanto a la propuesta humanista y de interdisciplinariedad, el anime resalta no solo la necesidad de comunicación entre las personas, sino también la importancia del diálogo en el desarrollo del conocimiento y de las ciencias. En ese sentido, es una propuesta en contra la atomización del sujeto y del saber. El primer y segundo caso se puede ejemplificar en el arco de Mikage Sakurai, miembro del ex club de geología, quien en un inicio insiste por mantener la separación de ambos grupos, pero a medida las demás chicas toman interés por su rama, no solo se entabla una comunicación entre las ciencias, sino también una mejor comunicación entre las integrantes del grupo. Esto nos lleva a reflexionar sobre una propuesta de la ciencia como interdisciplinaria, en la cual el conocimiento nace a partir del diálogo con otras disciplinas, y humanista, ya que invita a la apertura hacia las demás personas y compartir con ellas experiencias con el objetivo de desarrollar las ciencias.
✔️ Por lo tanto, Koisuru Asteroid es un anime que no solo nos permite aprender un poco sobre las ciencias naturales, sino también invita a entender el conocimientos como algo que se construye en diálogo con otras personas y con otras ciencias. Y posee uno de los endings más bellos y feelings de la temporada.
