Categoría: Drama

  • Las correrías del Yamato

    Las correrías del Yamato

    «Adiós, planeta Tierra. Ya va a partir la nave espacial Yamato» reza la primera estrofa del solemne tema de apertura de ésta serie, considerado por muchos como el segundo himno nacional de Japón. Uchūu Senkan Yamato es una serie de animación japonesa de ciencia ficción acerca de una nave del mismo nombre. Emitida originalmente en Japón desde el 6 de octubre de 1974 y hasta el 30 de marzo de 1975, fué transmitida por Panamericana Televisión bajo el nombre de Nave Espacial. Los personajes recibieron cambios de nombres y la nave pasó a ser llamada «Intrépido».

    Uchuu senkan Yamato

    Al contrario de la animación japonesa de los 60´s, dirigida a un público infantil, y la de principios de los 70´s a un público juvenil, el estreno de Uchuu Senkan Yamato marcaría un cambio radical en la narración del anime. La verdadera historia del Yamato empieza en 1953, cuando el jóven Akira Matsumoto hace sus pininos como dibujante de mangas shojo. En la década del 60 empieza a dibujar mangas Shonen, y en 1965 cambia su nombre original por el pseudónimo que lo llevaría a la fama: Leiji Matsumoto.

    Matsumoto quiso cambiar radicalmente de rumbo en cuanto a guiones y así partió con un proyecto a partir de la idea original de Yoshinobu Nishizaki, a la que Matsumoto, con sus grandes aportes, logró plasmarle la esencia característica del género denominado novela espacial, incorporando por primera vez un romance real entre los protagonistas, Kodai Susumu y Mori Yuki (Perseo y Selene, en la versión que transmitió Panamericana).

    La serie generalmente involucra temas de valientes sacrificios, enemigos honorables y el respeto a los héroes perdidos en el cumplimiento del deber. Esto se puede ver ya en el segundo episodio de la primera temporada, que narra la derrota del original acorazado Yamato mientras los marineros y pilotos de ambos lados saludan mientras éste se hunde. Las películas que continuaron a la serie pasan mucho tiempo mostrando los monumentos recordando la valentía de sus camaradas caídos. Desslar, el enemigo derrotado en la primera temporada y que se quedó sin un hogar y sin su pueblo, reconoce que sus enemigos están luchando por las mismas cosas que él luchó y, con el tiempo, se convierte en el aliado más importante de la Tierra.

    Un mensaje del espacio exterior

    Reina Starsha

    La historia transcurre en un futuro distópico, en el cual en el año 2199 la Tierra fué bombardeada de manera masiva con asteroides radiactivos por el planeta Gamila. Los niveles de radiación son tan elevados, que a la humanidad le queda aproximadamente un año, antes de su exterminio.

    En un puesto de avanzada en la órbita de Marte, los entonces cadetes Susumu Kodai (Perseo) y Daisuke Shima (Phebo) encuentran una nave espacial accidentada, en la cual se encuentra un mensaje de Starsha, reina del planeta Iscandar.

    Starsha ofrece su ayuda a los terrestres enviándoles el plano para la construcción de un motor de ondas, que les permitirá viajar más rápido que la luz, y así poder alcanzar en menos de 1 año el sistema Salezar, ubicado dentro de las nubes Magallánicas, donde está el planeta Iscandar.

    Allí les facilitará el limpiador cósmico, el cual eliminará la radiación de la Tierra y restaurará el planeta en muy poco tiempo.

    La historia de un coloso del futuro

    Restos del Yamato

    Luego de analizarse los planos enviados por la reina Starsha, se buscó una nave lo suficientemente grande para contener semejante tecnología, y se llegó a la conclusión que el único candidato posible era el Yamato. 

    Los restos del Yamato se encontraban incrustados en el seno marino del pacifico sur, completamente seco debido a la radiación, en la denominada zona vedada.

    Del glorioso buque quedaban sólo fierros herrumbrosos, de los cuales podían distinguirse claramente la boca de los cañones y la superestructura.

    Se empezó entonces la reconstrucción del acorazado desde dentro hacia afuera, dejando a simple vista solo el viejo casco. Desde la ciudad subterránea bajo él, podía apreciarse la popa de la renovada nave, con las toberas principales y secundarias a la vista. Es en éste remodelado Yamato en el cual su tripulación se embarca en un viaje por el cosmos con el fin de salvar a la Tierra, mientras se enfrentan constantemente a los gamilas.

    Un acorazado Intrépido

    El Yamato y la desolada Tierra

    A primera vista, podríamos decir que el Yamato no cambio mucho en su forma exterior, pues mantiene casi intacto el diseño bajo el cual fue construido originalmente. El diseñador del Yamato, Kazutaka Miyatake, conservó prácticamente intacta la forma del acorazado original, que sugiere aún más el ambiente místico que rodeó a este barco y el significado que tuvo para los japoneses. Vale decir que Miyatake alcanzó la fama como diseñador de anime después por el diseño mecánico de la serie de televisión Macross y varias de sus continuaciones de Studio Nue, del cual es miembro fundador. También ha contribuido al diseño de mecha de otras series como Mobile Suit Gundam SEED Destiny.

    En primer lugar, tenemos la proa atlántica que caracteriza a todos los acorazados de su época, seguida por la artillería principal y la apiñada superestructura, corta, que incorpora además de las baterías antiaéreas, la chimenea inclinada y el mástil principal. Los cañones posteriores y la catapulta conforman la sección posterior, y hasta ahí llega la similitud con el Yamato de la flota japonesa. 

    Popa del Yamato

    El radical cambio del diseño se ubica en la popa, rematada con las toberas del motor principal y secundarios, y las aletas direccionales. Se incorporaron además 2 alas tipo doble delta desplegables para ayudar a la nave a volar en planetas con atmósfera, donde proporcionan una sustentación complementaria para el ascenso y descenso suave de la nave, sin contar del todo con la potencia del motor.

    Y, para el uso del enorme cañón de ondas, el arma más poderosa de la nave, se diseñó una bocacha especial, ranurada, conocida como hadoo hoo en la proa del Yamato.

    El espíritu del Yamato

    En el universo de ciencia ficción del Yamato se utilizan dos tipos de energía. La primera es la siempre utilizada energía solar, y la segunda es presentada por primera vez con el nombre de «onda» u «onda de choque», generada por los motores taquiónicos. El taquión es una partícula subatómica teórica que se mueve más rápido que la luz, mientras la onda u onda de choque es una de las formas en que se explica el desplazamiento de la energía (el sonido, la luz y la electricidad, por ejemplo). 

    Esquema técnico del Motor de ondas

    Estos motores son la poderosa fuente de poder que sirve tanto para impulsar el Yamato como para disparar el cañón principal. El combustible de estos motores taquiónicos se tomaba de la materia inerte del espacio, como el polvo cósmico y los gases difusos, los cuales eran concentrados y comprimidos por una serie de poderosos campos electromagnéticos hasta conseguir una gran concentración de partículas taquiónicas.

    Generador de taquiones

    Básicamente, el generador de taquiónes desplazaba las partículas de energía hacia el condensador de energía y la cámara moduladora de presión taquiónica, que vendrían a ser el generador o turbina principal y secundaria, respectivamente. De ahí, con ayuda de los equipos de presión del impulso de onda, la masa era modulada para servir de impulso para la nave a través de las toberas, o como arma a través del cañón de onda.

    Las propiedades del motor son únicas, al poseer la potencia suficiente para mover las 62,000 toneladas que desplaza el Yamato, tanto en el espacio como en el mar, e incluso bajo el agua.  Cuando no es necesario emplear toda la potencia del motor, son los impulsores secundarios los que movilizan al navío, los cuales tienen la potencia suficiente para moverlo.

    El motor del Yamato se ubica a lo largo de todo el navío, desde la altura del armamento principal hasta las toberas.  Los conductos inyectores de energía desplazan la masa de plasma del motor hacia el cañón de onda, el cual podria decirse que es la parte delantera del motor.

    Cerrojo del cañón de onda

    La turbina de taquiones posee 2 grandes anillos exteriores, el mayor de ellos para el motor principal, y el menor para los secundarios. Estos motores fungen a su vez como primer de la turbina principal, y son estos motores los que permiten la recolección de taquiones del espacio.

    Al igual que el cazatanques Fairchild-Republic A-10 y su cañón GAU-8/A Avenger, podría decirse que el Yamato está construido alrededor de su armamento principal.

    Armamento Principal

    Esquema del sistema de armas del Yamato
    Disparo del cañón de onda

    El armamento principal del Yamato es el llamado cañón de onda de choque. El principio del cañón del Yamato está basado en la desaceleración de las partículas de taquión en el equipo de absorción de energía, que genera una enorme liberación de energía y un súbito aumento de masa, la que se almacena en los condensadores de energía. Esta descompresión de las cargas de taquión produce una reacción en cadena de nivel subatómico que convierte la materia en plasma, y es precisamente la descarga de ese plasma a través de la cámara moduladora de presión taquiónica la que se puede ver a manera de disparo.

    Este proceso es la base de todas las armas del sistema de defensa de la tierra posteriores al Yamato, y curiosamente también de las de los Gamilas. Ubicado en la proa del Yamato, este cañón emplea la energía del motor principal para su disparo, elevada por la desaceleración de los taquiones a 120% de su capacidad total. El cañón tiene una corta anima lisa. lo que hace que la trayectoria del disparo sea asimismo en línea recta a manera de rayo de energía.

    Kodai listo para disparar

    Para accionarlo, una mira y un disparador en forma de pistola emergen de la consola del artillero en el puente principal, con los cuales se alinea la nave hacia el objetivo. Para activar el mecanismo de disparo, el artillero «martilla» el gatillo hacia atras, con lo que el cañón queda listo para dispararse al alcanzar su nivel de energía. Al accionarse el gatillo, la descarga de energía es liberada por la proa del Yamato.

    Para impedir que la tremenda carga de plasma reingrese a los condensadores de energía, un cerrojo de plasma se ubica previamente al disparo en su lugar, y es su retroceso el que atenúa en parte la descarga de energía.

    La onda destructora del disparo es tal que puede incluso destruir completamente un pequeño continente, e impide a la nave moverse por unos segundos por falta de poder, dejándola a merced de ataques enemigos. Una vez disparado el cañón, los motores vuelven a funcionar automáticamente, para recargar una vez más la cantidad de taquiones suficientes para realizar otra descarga.

    Cabe mencionar que los operadores del Yamato deben emplear gafas oscuras similares a los de los astrónomos que observan los eclipses, para evitar que el destello del disparo los deje ciegos.

    Complementan al cañón de onda 9 grandes cañones vibriónicos, distribuidos equitativamente en tres torretas artilladas, dos a proa y una a popa.

    El Yamato disparando sus cañones a estribor

    Estos cañones de 460 mm. de diámetro y de 45 calibres, disparan una onda de energía que vibra a velocidades supersónicas, capacidad que les permite penetrar prácticamente cualquier tipo de coraza conocida, siempre que no se encuentre protegida por un escudo deflector. El ángulo de elevación y depresión oscila entre fabulosos +90 y –30 grados, siendo las torretas también giratorias en 320 grados, lo que le proporciona un amplio ángulo de tiro. 

    El alcance de estos cañones es desconocido, pero la cifra se sitúa entre 16 y 25,000 kms, distancia a la que frecuentemente ocurren los enfrentamientos entre naves de gran escala en el espacio. La recarga de los cañones principales se hace por medio de cargadores automáticos, y cada torreta cuenta con su dotación de servidores, aunque pueden ser también accionadas en emergencias por el artillero principal de la nave desde el puente.

    Armamento secundario

    Como armamento secundario, el Yamato cuenta con 2 torretas de 3 cañones de 155 mm. de diámetro y 55 calibres, ubicada la primera delante de la superestructura y la segunda tras el mástil principal. Como las torretas principales, su ángulos de rotación cubre 290 grados, con una elevación y depresion de +60 y –10 grados. Estos cañones toman asimismo su energía de los motores principales de la nave. Generalmente usadas contra naves de escolta o contra cazas enemigos a mediano alcance, el alcance estimado de estos cañones oscila entre 5 y 18,000 kms.

    torretas antiaéreas

    Complementando el armamento secundario, 38 torretas antiaéreas, distribuidas en ambas amuras cercanas a la superestructura de la nave, despliegan los efectivos láseres de pulso, imprescindibles contra naves enemigas a corta distancia. Estos láseres disparan pulsos de energía cada medio segundo, y están gobernados por la computadora de navegación y objetivos de a bordo, aunque pueden operarse manualmente en caso de fallo. Estos láseres proporcionan una impresionante cortina de fuego antiaéreo contra naves enemigas a muy corta distancia, y también como defensa antimisíl. Además proporciona cobertura a las tripulaciones en caso de reparaciones a efectuarse en el casco, o a los cazas dañados en trayectoria de aterrizaje.

    Misairu, Hashin!

    La capacidad misilera del Yamato es asímismo impresionante, al estar dotado de lanzadores por casi todo su casco.

    Para empezar, 3 lanzadores de misiles nucleares Kanshiyu se encuentran ubicados a cada lado de la proa del barco, bajo el Rocket Anchor. Cada misíl tiene un alcance de 20,000 kms, y su depósito de almacenaje se encuentra en la sentina del buque, debajo del Cosmo radar. La recarga se hace automáticamente por medio de cargadores, que llevan los misiles desde sus almacenes hasta los lanzadores.

    Misiles Entou

    Estas armas son utilizadas contra objetivos a gran distancia, generalmente naves enemigas.

    Dentro de la chimenea se ubican otros 8 lanzadores de misiles Entou. Éste lanzador sirve para cubrir el ángulo muerto que generalmente ofrecen los acorazados, falla en esta ocasión bien corregida por los diseñadores. Estos misiles antiaéreos se emplean generalmente contra formaciones de cazas enemigas, o contra blancos que los cañones principales no puedan alcanzar, por situarse fuera del ángulo de tiro normal. El almacén para estos misiles se ubica precisamente debajo de los lanzadores, lo que facilita su transporte por medio de elevadores.

    Misíles antimisil.

    Asimismo, tanto a babor como a estribor se ubican 8 lanzadores de misiles antimisil, los que tejen una especie de telaraña de antimateria contra ataques enemigos. Estos misiles pueden cambiarse por otros con cabeza explosiva convencional, pero la probabilidad de impacto es inferior.

    Para la lucha submarina, en los carenados en ambas bandas se ubican tubos lanzatorpedos de última generación, todos dotados con cabezas nucleares. Estos torpedos son particularmente eficaces contra blancos sumergidos, pues el Yamato puede emplearse también bajo el agua a manera de submarino.

    Corte seccional del Yamato

    La escolta del coloso

    Para terminar con el armamento, el Yamato cuenta además con su propia flota de cazas e interceptores, característica que su antecesor marino echó de menos en su corta existencia, encarnada en sus 12 escuadrones de Cosmo Tiger y Cosmo Zero.

    Cosmo Zero

    Caza espacial Cosmo Zero

    El Cosmo Zero es un caza de combate monoplaza, generalmente reservado para comandantes de escuadrón, como Suzumu Kodai, y emplean como rampa de lanzamiento las catapultas ubicadas en la popa de la nave. Como otros cazas de la serie, posee capacidades transatmosféricas.

    El armamento del Cosmo Zero son láseres de pulso y cañones ubicados en la nariz del aparato, y misiles alares. Los cañones tienen una velocidad de disparo de 20 disparos por segundo y están cargados cada uno con 2000 proyectiles perforantes de blindaje de alta velocidad (HVAP). Un cañón de gran calibre está en la línea central del morro. En una versión mejorada, dispara proyectiles de positrones. Parece estar cargado con 10 proyectiles.

    Los misiles antiaéreos van ubicados en los soportes subalares y ventrales.

    Dimensiones

    • Largo: 17.4 m
    • Envergadura: 8,2 m
    • Tripulación: 1
    • Armamento: 4 cañones laser de pulso, 1 cañón y misiles en pilones subalares

    Cosmo Tiger I  y  II

    Cosmo Tiger I y II

    El Cosmo Tiger posee 2 versiones, un caza monoplaza llamado Cosmo Tiger I, y un cazabombardero triplaza, llamado Cosmo Tiger II, dotado éste último con una torreta bitubo con láseres de pulso de 20 mm. contra naves que se aproximen por la espalda.

    La disposición de estos cazas es convencional, con la cabina de pilotaje delante, fuselaje aerodinámico, superficies de control y alas muy angulosas, y dos deflectores termicos que encubren de alguna manera la emisión de los gases de los motores. Para su uso atmosférico, los Cosmo Tiger se gobiernan como cualquier caza convencional, dadas sus características de caza de combate.

    Cosmo Tiger II

    Estos pequeños pero poderosos cazas están armados con láseres de pulso de 30 mm. a ambos lados de la nariz del aparato, 8 en caso de los monoplazas y 6 en caso de los triplazas, complementados por los de la torreta. La disposición de estos láseres recuerda mucho la de las ametralladoreas instaladas en los cazas F-86 Sabre de la fuerza aérea estadounidense. Además, tanto los cazas como los bombarderos incluyen 10 cañones de 12,7 mm., que se encuentran instalados en el borde de ataque de las alas.

    Asimismo, los pilones bajo las alas permiten llevar una variada carga militar, la mas común un gran deposito externo de combustible en el pilón central, y varios misiles en los pilones bajo el fuselaje y los subalares.

    Dimensiones

    • Largo:  17.1 mts
    • Ancho: 8.8 mts.
    • Altura: 3,2 mts.

    Los hangares para los cazas del Yamato se encuentran bajo la torreta secundaria de popa, y delante de los impulsores secundarios de la nave, en la sentina del casco. Estos hangares sirven además para la reparación de los aparatos dañados, y para el desarrollo de nuevos modelos, como el caza de una sola pieza creado por Sanada. Para acceder a las rampas de lanzamiento, el Yamato cuenta con ascensores hidrulicos, los cuales elevan o descienden a los aparatos desde y hacia los hangares. Asimismo, una larga plataforma de despegue y aterrizaje se encuentra al final del hangar, y es precisamente ahí donde atracan los cazas luego de sus misiones.

    Los ojos y oídos del Yamato

    Puente principal del Yamato

    Para gobernar el Yamato, la nave cuenta con tres puentes, uno principal, bajo la cabina del capitán, y otros 2 secundarios, ubicados a mitad de la superestructura y bajo la quilla del barco en la zona central.

    Domina el puente principal el giróscopo del Yamato, ubicado en su parte central y en el centro del puesto de pilotaje y del artillero. Este giroscopo es el encargado de dar al Yamato la posición idónea en sus tres ejes de acción, X,Y y Z, a diferencia de un navio terrestre, que solo emplea el horizonte magnético para guiarse. Éste giróscopo gobernando la sala de comando es característica de casi todas las naves de Matsumoto, desde la Death Shadow hasta la formidable Arcadia.

    Daisuke Shima

    A la izquierda de éste, y frente a la ventana exterior, tenemos a la izquierda el puesto del navegante. Generalmente operados por Daisuke Shima, los controles del Yamato no son el conocido timón de navio de guerra convencional, sino dos mandos independientes, que gobiernan la nave tanto a babor como a estribor, y de arriba hacia abajo. Graduado en grados, permiten ubicar al Yamato en el rumbo y la posición deseada, incluso ladearlo si es preciso. Daisuke está siempre en contacto directo con la sala de máquinas, a las cuales comunica la potencia que necesita para determinada acción.

    Susumu Kodai

    Al lado derecho encontramos el puesto de Artillería, operado por Susumo Kodai. A diferencia del de Shima, éste puesto gobierna tanto el armamento principal como el cañón de onda del Yamato. Los cañones principales se gobiernan mediante sistema de coordenadas y la ayuda de pantallas visuales, mientras que la corrección de tiro del cañón de onda se hace «al ojo», mediante un sistema de miras. Solo durante este momento es Kodai el que gobierna al Yamato, al enfilar la proa de la nave directamente hacia el objetivo.

    Pantallas de radar

    Para la recepción de mensajes, los centros de comuncaciones se ubican al lado derecho de la cabina, mientras que las pantallas de radar se ubican al lado izquierdo, detrás de los puestos de comando.

    Es de notar que el radar principal posee 2 pantallas, operadas por Yuki Mori(Selene), ubicada precisamente detrás de la posición del artillero, y son estas pantallas la que ayudan además durante los viajes Warp.

    Logística y bienestar

    Rampas de acceso

    Para un adecuado acceso a todos los sectores de la nave, numerosos pasillos y corredores se encuentran entrelazados entre si. Estos corredores tienen en su mayoría una banda transportadora, ubicada al centro del corredor, lo que ayuda a los tripulantes a desplazarse por toda la nave casi sin esfuerzo. En caso de ser necesario, esta banda puede detenerse a voluntad o simplemente usarse el espacio entre ésta y la pared para desplazarse a mayor velocidad.

    Los corredores a su vez estan comunicados con los diferentes niveles de la nave por rampas de ascenso y descenso, y por medio de elevadores, el principal en el centro de la superestructura.

    Sala de Briefing

    El sistema de corredores y acceso se distribuye a lo largo de toda la nave, de proa a popa, y de arriba abajo. Son pocos los lugares inaccesibles por este casi perfecto sistema, que cuenta además con puertas diseñadas para sellarse hermética y automáticamente en caso de fuga de oxigeno o de perforación del casco, que reemplazan a los compartimientos estancos del modelo original.

    Para casos de briefing, la tripulación emplea una sala especialmente acondicionada para tales efectos, con una enorme pantalla digital a nivel del piso, y diversas pantallas adicionales en sus paredes.

    Las salas de control son asímismo amplias y cómodas, diseñadas para brindar la mayor versatilidad al momento de emplearse.

    Que empiece la juerga!

    Dr. Sado y Analizer

    La tripulación del Yamato comprende que el descanso y la diversión no son menos importantes que el deber… son más importantes!, (parafraseando a Les Luthiers). El Yamato cuenta para beneplácito de la tripulación una amplia sala de cine y video, una bien dotada cafeteria con cocina internacional, un gimnasio, una sala de holoproyección e incluso un solarium. Las habitaciones para la tripulación se encuentran en la sección central de la nave, bajo la sala de computadoras. Dichas habitaciones son cómodas, y cuentan con grandes ventanales que permiten apreciar el espacio exterior.

    Para terminar, no podia faltar la enfermeria del Doctor Sado quien, acompañado por la bella enfermera Yuki Mori y Analizer, el robot, son los encargados de velar por el bienestar de la tripulación en caso de ser necesario.

    La afición de Sado por el Sake es tan legendaria como el Yamato mismo, y siempre lo veremos acompañado de su inseparable botella.

    Viajes más rapidos que la luz, el tiempo y el espacio

    Salto hiperespacial

    En el universo del Yamato existen dos tipos de espacio: el espacio normal y el subespacio. El segundo tiene el mismo rol que el hiperespacio de las historias de ciencia ficción, tales como Star Wars o Star Trek. Una nave que ingrese a este subespacio podrá viajar más rápido que la velocidad de la luz. Para realizar el viaje hasta el planeta Iscandar, el Yamato debe cruzar la brecha de la velocidad de la luz si quiere llegar a tiempo para rescatar a la raza humana de su destrucción. Junto con la velocidad de la luz, se explora además el concepto del warp. Éste salto hiperespacial es realizado varias veces al día, según el cronográma planeado por Shima, el navegante del Yamato . Durante el uso del Warp, el cañón de onda del Yamato queda inutilizado.

    Desplazarse a velocidad warp significa utilizar la brecha que existe entre el espacio normal y el subespacio. Este desplazamiento es posible cuando se hace que las cargas de taquíones regresen a su velocidad normal. La explicación del warp puede apreciarse en la misma serie, cuando en varias oportunidades se usan diagramas que muestran los «puntos de la curva» del espacio normal por donde el Yamato saltará.

    Warp!

    Punto de curva espacial

    Es decir, en lugar de seguir la curvatura del espacio, se tomará un desvío a través del subespacio al pasar directamente de una cresta a otra. El momento y el lugar de este salto es vital, pues la nave sólo podrá utilizar la velocidad warp cuando ingrese al subespacio en el exacto momento en que se encuentre en el punto más alto de la curva de espacio/tiempo. De no hacerlo así, no habrá desplazamiento de la nave, simplemente se logrará una «inmersión subespacial».

    Como lo indica su nombre, ésta es una inmersión por un período indeterminado de tiempo en el subespacio. En términos generales es identico a un ingreso al warp, pero sin desplazamiento efectivo. Esta inmersión es muy usada por los gamilas como técnica de camuflaje.

    Radar cósmico y de tiempo

    Time radar

    El time radar es un aditamento especial del Yamato. Ubicado en el espolón de proa, su principal misión es encontrar el paso por el cual circulará el Yamato al momento del Warp, y llevarlo a travez del tiempo y el espacio hasta su punto de destino. Para esto, se trasará una línea recta entre el punto en que el Yamato entra al Warp, y el lugar por donde éste sale. Cabe resaltar que durante este período, el Yamato atraviesa una curvatura temporal, donde se mezcla tiempo y espacio. De no ser por esta guía, el Yamato podría desplazarse en el tiempo y aparecer en otra época.

    Pantalla del cosmo radar

    Asimismo, el cosmo radar cumple casi la misma función que un actual radar meteorológico actual, solo que, en lugar de detectar fenómenos climáticos, detecta fenómenos cósmicos, tales como lluvia de meteoritos, tormenta de taquiones, nebulosas, entre otros. Su principal función es encontrar el camino más seguro para el Yamato en su larga travesía por el espacio.

    Complementan este radar otros tantos, convencionales, empleados para detectar aeronaves o navios espaciales en las proximidades de la nave. Su alcance es superior en cientos de kilómetros al de los radares actuales.

    Datos técnicos

    Vistas del Yamato

    I. Dimensiones

    • Largo: 265.8 Mts.
    • Ancho: 34.6 Mts.
    • Altura: 77 Mts.
    • Peso: 62,000 tons.

    II. Tipo

    Acorazado naval transformado en navío espacial.

    III. Prestaciones

    • Velocidad máxima: 300,000 kps. (igual a la de la luz)
    • Velocidad mínima: 0 Kph (sobrevuelo)
    • Tripulación: 114 oficiales y 1800 personal técnico

    Gesta y derrota de un gigante

    El Yamatoel mayor acorazado jamás construido, fue uno de los de vida más breve entre todos los grandes buques que lucharon en la segunda guerra mundial.

    Proyectado al principio como la primera unidad de una super escuadra de batalla, la marina real japonesa puso en el Yamato todas sus esperanzas de conseguir la derrota de los americanos en el mar. 

    Se trataba de un acorazado absolutamente sin rival en cuanto a potencia de fuego, velocidad y coraza. Sin embargo, como se demostraría posteriormente, todas estas características de poco servirían sin una adecuada cobertura aérea.

    El Yamato disparando sus cañones de 460 mm.

    El tamaño de los acorazados clase Yamato se determinó por el de los que los japoneses pensaban que iban a construir los Estados Unidos. Con este fín, ya en octubre de 1934, el estado mayor solicitó al ministerio de marina la elaboración del proyecto de un super acorazado, dotado de cañones de 460 mm y de una velocidad superior a los 30 nudos. 

    A fines de marzo de 1937, tres meses después de la extinción de los tratados para la limitación de los armamentos navales impuestos a Japón, el proyecto estaba ultimado en todos sus detalles, y la quilla se puso el 1 de noviembre en los astilleros de Kure. El Yamato entró en servicio el16 de diciembre de 1941, ocho días después del comienzo de la guerra del pacífico sur.

    A pesar de su enorme tamaño, era superior en todo aspecto a sus rivales americanos pues sus cañones de 460 mm, con un alcance de 37,800 metros, podían disparar proyectiles de 1350 kg. de peso y perforar la mas fuerte coraza de los buques enemigos y producir graves daños bajo la línea de flotación.

    Un viaje sin retorno

    La trágica historia del Yamato comienza el 4 de abril de 1945, cuando el almirante Toyoda, comandante en jefe de la flota combinada, dispone la constitución de una fuerza naval formada por el Yamatoel Yahagi y una división de destructores que debía atacar a los buques americanos en las costas de Okinawa, con vistas a detener la inminente invasión de la isla.

    Puesto que constituían la Única fuerza naval disponible, al Yamato y a su escolta se le dio el nombre de 1ra. Fuerza Móvil y fueron clasificados como «fuerza de ataque especial» y puestos al mando del vicealmirante Seiichi lto. La misión de esta flota era atraer a los portaaviones aliados dentro del radio de acción de la fuerza aérea japonesa con base en tierra, destruir las naves enemigas en las costas de la isla y, tras disparar todos los proyectiles, toda la tripulación debería reunirse con los defensores de Okinawa, en tierra firme, para luchar a su lado.

    Aunque los destructores iban casi al completo de nafta, el Yamato y el Yahagi solo recibieron el necesario para realizar el viaje de ida: «ataque especial» significaba ataque suicida.

    El de abril, el almirante Toyoda envió a todas las unidades un mensaje que terminaba con las siguientes frases: «El destino de nuestro imperio depende de esta única batalla. He ordenado a la fuerza naval de ataque especial la realización contra Okinawa del más trágico y heroico ataque de la guerra. Concentraremos en esta acción nuestras fuerzas navales imperiales y haremos revivir en todo su esplendor las grandes tradiciones de la Marina de Guerra Imperial, haciendo que se cubra de gloria para la eternidad.»

    El inicio del fin

    La tarde del 6 de abril, a las 15:20 horas, la flota abandonó la base de Tokuyama e inició su viaje sin retorno escoltada solo por 2 hidroaviones con detectores contra los submarinos aliados, los cuales captaron al convoy desde las 18:30 horas y lo persiguieron hasta las 02:00 del día 7 de abril, tras lo cual se supuso que se había conseguido despistarlos.

    Los aviones de reconocimiento nocturno de la marina japonesa no descubrieron nada en el mar al este de Okinawa. Pero a las 8:10 horas, los diurnos detectaron un grupo de portaaviones a unas 70 millas de la isla y luego, otros tres grupos de varios portaaviones hacia las 9 horas, los cuales fueron atacados por la fuerza aérea.

    Más tarde, a las 10:14 horas, se abrió fuego contra dos hidroaviones aliados y a las 11:14 y 11:45 horas, más cazas enemigos, que evolucionaron sobre la formación, fueron avistados.

    Suponiendo el inminente ataque, el almirante Ito dispuso la escuadra en torno al Yamato e informó de la situación al comando de la flota.

    Ya mucho antes del mediodía, las instalaciones de radar de la flota detectaron numerosos contactos de los que podía deducirse la proximidad de los cazas enemigos, 150 de los cuales emergieron del colchón de nubes a las 12:32 horas, a poco más de 20 kms. de distancia. 

    En ese momento era cuando los proyectiles San -shikique habían sido adaptados para ser utilizado como fuego antiaéreo, debían haber demostrado su eficacia desde el YamatoPero la presencia de nubes bajas hacía difícil la contínua corrección del tiro y el radar no era lo bastante preciso como para operar a través de la bruma. Dos minutos después, cuando el primer escuadrón americano se lanzó al ataque, la escuadra aumentó su velocidad a 27 nudos y las ametralladoras antiaéreas del Yamato abrieron fuego.

    Un desigual combate

    A las 12:41 horas, el Yamato fué alcanzado por dos bombas en la torre secundaria de popa, dañando gravemente todas las ametralladoras antiaéreas a su alrededor. Pocos minutos después, un torpedo abrió un boquete a babor y empezó a embarcar agua. Casi al mismo tiempo, el crucero Yahagi fué alcanzado en la popa por un torpedo que averió las máquinas por estribor, mientras que otro torpedo, seguido de una bomba, dejó al navío inmóvil.

    El Yamato bajo ataque

    Entre tanto, el destructor Hamakaze había sido hundido por un torpedo y una bomba, seguido luego por el SuzutsukiLuego de una breve pausa en el ataque, el Yamatoya alcanzado por un gran número de bombas y de torpedos, además de sufrir las consecuencias de la explosión de grandes cantidades de bombas que cayeron muy cerca, fué alcanzado en la amura de babor por dos torpedos que inutilizaron la radio, tras lo cual se recurrió a un destructor para avisar al comandante de la flota la necesidad de suspender la operación. La segunda oleada infligió un golpe mortal al destructor Kasumi.

    A las 13:33 horas, 20 aviones torpederos atacaron por el costado de babor del Yamato, que sufrió tres impactos de lleno en el centro, los que aumentaron la inclinación a la izquierda, haciéndose superior a la capacidad de los compartimentos de equilibrio de la derecha. No quedó otra alternativa que inundar la sala de máquinas y la de calderas de la derecha. En ese momento, tras haber sido alcanzado por 7 torpedos y 12 bombas, el inmóvil Yahagi acabó por hundirse.

    A las 14:02 horas, el Yamato ya no podía evadir las continuas incursiones enemigas: había sido alcanzado por otras 3 bombas en el centro, dos de las cuales eliminaron los cañones de pequeño calibre de la izquierda; pocos minutos después, un torpedo le alcanza por estribor y, cinco minutos mas tarde, otros dos explotan por babor. Esto hizo que aumentase gradualmente la inclinación hacia ese lado y que, en consecuencia, ninguna de las ametralladoras pudiera disparar. A causa de esto, a los anegamientos y al aumento de lastre, la velocidad del Yamato no superaba ya los 7 nudos.

    El golpe de gracia

    Hacia las 14:17 horas, el décimo torpedo (el noveno que impactaba por el costado izquierdo) asestó al buque el golpe de gracia. El capitán de navío Ariga, comandante del Yamato, comunicó al vicealmirante Ito que el barco se iba a pique, tras lo cual ordena ser atado al soporte de la brújula y que todos los hombres suban a cubierta.

    Por su parte, Ito dio instrucciones para que su estado mayor se traslade a un destructor. Él, sin embargo, se encerró de nuevo en su cabina bajo el puente de mando.

    Entre tanto, la inclinación del acorazado iba aumentando progresivamente hasta que, en la santabarbara, los proyectiles se desplazaron por su propio peso y chocaron entre sí, lo que provocó una explosión que lanzó hasta el cielo una inmensa columna de llamas y de humo. El super acorazado se hundió casi inmediatamente, desapareciendo entre las aguas a las 14:23 horas. De sus 3,332 hombres, sólo se salvaron 269.

    Tras asistir al fin del Yamato, los aviones americanos se retiraron hacia las 14:25 horas. No se envió un solo caza japonés para proteger la formación del Yamato, a pesar que el mando de la 5ta. fuerza aérea estaba perfectamente informado de las incursiones americanas: estaban demasiado ocupados atacando las formaciones de portaaviones americanas. 

    Dejado a su destino

    Se ha criticado severamente, tanto en aquellos días como más tarde, al hombre que concibió la idea de una operación marítima de «ataque especial» sin la más mínima protección aérea. Después de la guerra, el almirante Toyoda expresó así su opinión al respecto: «Sabia de sobra cuál seria el destino de los buques de guerra enviados a aquella misión sin protección aérea, como sabía también que las posibilidades de éxito eran mínimas. Pero, a pesar de ello, debíamos arriesgarnos en aquella empresa temeraria. Creía que, aún existiendo una mínima posibilidad de éxito, había que hacer todo lo posible para ayudar a nuestros soldados que combatían en Okinawa. Por ello, aunque aquella decisión puede ahora ser condenada, no pretendo justificarme; sólo quisiera añadir que en aquellos momentos no tenía otra alternativa.»

    La absurda pérdida de esta unidad, lanzada a un ataque «especial» contra las playas de Okinawa donde los americanos estaban desembarcando y la historia de su hundimiento, ponen de manifiesto el callejón sin salida en que se hallaba la marina imperial japonesa hacia el final de la guerra.

    Ficha técnica del Yamato original

    Vistas del acorazado Yamato

    Dimensiones

    • Eslora: 263 mt.
    • Manga: 38.9 mt.
    • Calado: 11.7 mt.

    Desplazamiento

    • Estándar: 65.020 t.
    • Definitivas: 70,605 t.
    • A plena carga: 73,970 t.
    Superestructura con las baterías antiaéreas

    Armamento

    • 9 x 460 mm. (18,1 pulgadas) 45 calibres
    • 6 x 155 mm. (6,1 pulgadas) 55 calibres
    • 24 x 127 mm. (5 pulgadas) 40 calibres
    • 146 x 25mm. (cañones antiaéreos)
    • 4 x 13mm (ametralladoras)

    Cobertura aérea

    • 6 hidroaviones (Mitsubishi FIM2 «Pete» y Aichi El 3A1 «Jake»

    Coraza

    • Costado :100-410 mm.
    • Cubierta : 200-230 mm
    • Torretas principales :190-650 mm.
    • Barbetas : 380-560 mm
    • Torretas Secundarias : 25 mm

    Maquinaria

    • Calderas (12) : Kanpon
    • Máquinas : Turbinas
    • Hélices : 4

    Potencia total

    • Proyectada :150,000 shp
    • En pruebas : 153,000shp

    Capacidad de combustible

    • Petróleo : 6,400 t.

    Prestaciones

    • Velocidad proyectada : 30 nudos
    • Velocidad en pruebas : 27,46 nudos
    • Autonomía : 6,054 MN. A 16 nudos

    Tripulación : 3332 hombres

    Historial de servicio del Yamato

    El Yamato en altamar

    1937

    • Ordenado
    • Construido en los astilleros de Kure

    1941

    • (4 de noviembre) Puesto en quilla
    • (8 de agosto) Botadura
    • (16 de diciembre) Terminado. Puesto en servicio

    1942

    • (12 de febrero) Buque insignia de la flota combinada
    • (4-6 de Junio) Batalla de Midway
    • (agosto – mayo 1943) Con base en Truk

    1943

    • (mayo – julio) A Japón y reajustes en Kure
    • (24 de diciembre) Torpedeado por un submarino norteamericano en Skate.
    • (diciembre – abril 1944) A Japón. Reparaciones y reajustes en Kure

    1944

    • (mayo) A Singapur
    • (Junio) Batalla del mar de filipinas; luego a Japón
    • (julio – octubre) A Singapur
    • (24-26 octubre) Batalla del Golfo de Leyte. Dispara a portaaviones de escolta americanos
    • (23 de noviembre — abril de 1945) Con base en Japón 1945 (6 de abril) Salida hacia Okinawa.
    • (7 de abril) hundido por un ataque aéreo norteamericano

    El arma especial que nunca sirvió

    Proyectil Antiaéreo San-shiki

    Proyectíl San-shiki

    Construido para defender a los principales acorazados japoneses de los ataques a baja cota, eran básicamente proyectiles de falsa ojiva que, al ser disparados por la artillería principal, desperdigaban en una zona de fuego de forma cónica de unos 350 mts de amplitud y 900 de profundidad, otros 6000 proyectiles más pequeños, de 25 mm.

    Disponía de una espoleta de tiempo que estallaba al acercarse a una formación aérea. La espoleta provocaba el encendido de una larga mecha colocada en el centro y que provocaba la detonación a los estratos de explosivo situados bajo cada rellano, hasta llegar al estrato inferior. Este ultimo provocaba la ruptura de la envoltura externa y proyectaba a todo su alrededor los proyectiles incendiarios.

    El alcance máximo de los San-shiki era de unos 27,000 mts, pero su fortísima explosión y el denso humo que producían dificultaban en gran medida el fuego simultáneo de los otros cañones antiaéreos.

  • Gunbuster: alcanzando la cima!

    Gunbuster: alcanzando la cima!

    Noriko, Kazumi, Jung y el Gunbuster por Haruhiko Mikimoto

    Top o Nerae! Gunbuster puede ser llamada una obra de arte de la ciencia ficción en el más puro estilo de una novela espacial, con una pizca del cine de suspenso de Alfred Hitchcock. El título es un triple juego de palabras con «Top o Nerae», «alcanzando la cima» o “logrando el triunfo”, donde Top es el nombre de una unidad de fuerzas especiales y, como combinación, los títulos del anime de tenis Ace o Nerae. y la película Top Gun, ambas con este tema. Toshio Okada nos ha entregado una historia llena de conceptos sorprendentes tanto de ciencia futura como de conflictos humanos que triunfan primeramente porque su trama, al igual que la animación, evoluciona a medida que transcurre la historia.

    Como se mencionó anteriormente, a pesar de que empieza como un anime de temática escolar y toma prestado del anime de tenis Ace o Nerae! sobre las rivalidades de colegialas que luchan por un lugar en una unidad de élite, la serie degenera rápidamente en ciencia ficción dura. La trama mantiene el interés, los personajes se encuentran en conflicto constantemente. Somos entretenidos, hasta cierto punto educados en el proceso.

    El Génesis de Evangelion

    Top o Nerae! GunBuster es también el predecesor espiritual de uno de los siguientes trabajos de Hideaki Anno, Neon Genesis Evangelion, que comparte muchos de los temas ya tratados en los OVA del ´88. El género es el mismo (mecha), los protagonistas son todavía estudiantes de secundaria, Noriko Takaya y Shinji Ikari comparten una fuerte falta de autoestima, y ​​Jung Freud, un piloto soviético en el mundo de Top o Nerae! GunBuster, aparece como el prototipo del lado psicológico y físico de Asuka Sōryū Langley.

    Noriko haciendo el «Gainax Bounce»

    Y hablando de Asuka, no podemos dejar de mencionar su famoso “Service, service”: Top o Nerae!Gunbuster fué el primer OVA en introducir el movimiento constante de los senos de sus protagonístas femeninas, al momento de moverse, como una forma de fan service. Esta práctica, que ahora se usa en muchos animes, también se llama «Gainax bounce» o «Gainaxing».

    A pesar que éste detalle fué mostrado por primera vez en el opening del corto animado Daicon IV, dibujado por Yoshiyuki Sadamoto en 1983, muchos de los miembros de la casa de animación amateur que produjo el corto, la Daicon Film, pasaron a formar parte del equipo Gainax. Sadamoto fué asímismo el director de animación de Gunbuster, y no dejó pasar la oportunidad de hacer famoso su «rebote», ésta vez de la mano de una productora de calidad.

    Una buena historia, ciencia ficción o nó, no podría aspirar a menos.

    Una joya de animación

    La calidad de la animación es de primera, tal cual esperamos de Gainax, los productores de Wings of Honneamis, Royal Space Force. Siempre irreverentes, a manera de un Monty Python japonés, Top o Nerae está plagado de gags muy finos, casi imperceptíbles al ojo del espectador. Poner a Hideaki Anno, Mahiro Maeda y Haruhiko Mikimoto, entre otros, en la lista de los oficiales sobrevivientes de la tragedia del Luxion, por ejemplo, es una pequeña muestra de su fino humor.

    Gainax le rinde también homenaje a otras legendarias obras de animación japonesa, de la mano de Noriko Takaya. Nuestra heroína es una Geek de corazón, como lo demuestran los poster que apreciamos colgados en su habitación: Uchuu Senkan Yamato, Tonari no Totoro y Taze no Tani no Nausicaä.

    Las chicas de Mikimoto

    Haruhiko Mikimoto, que participó anteriormente en exitosas series como Macross, Mospeada o Southern Cross,  es el diseñador de los personajes originales, los cuales crecen, maduran y envejecen desde el primer episodio. Además del escenario apocalíptico, el motor básico del drama es el enfoque extremadamente realista de la dilatación del tiempo debido a las batallas a la velocidad de la luz, que ocasiona que la protagonista se mantenga con 16 años durante todo el transcurso de la historia, mientras que las personas de su edad se casan, forman una familia y finalmente mueren, pero ella queda excluida de todo eso, tal cual un moderno Melquíades de “Cien años de soledad” de García Marquez. Junto con The Voice of the Stars de Makoto Shinkai, es conocido por ser uno de los pocos animes que trata el tema, tanto que se representa como uno de los elementos centrales de la trama.

    A veces, menos es más

    Ejercicios en RX-7

    Hay una vieja premisa en el mundo del anime: «Mientras menos líneas tenga el diseño de un mecha, éste se verá más elegante». Los diseños mecánicos y los efectos de animación son asímismo insuperables, Desde los mecha entrenadores RX-7 (aludiendo al recordado auto de Mazda), naves espaciales y armamentos diversos, hasta el gigantesco Gunbuster, los diseños son una maravillosa mezcla de antiguos y contemporáneos conceptos de anime, un humilde homenaje a clásicos del mecha como Tetsujin-28, Getter Robo o Mazinger Z, con una pizca de influencia de los primeros ingenios espaciales soviéticos.

    Monstruos espaciales bajo fuego de la flota terrícola

    La puesta en escena es compleja y vital, y satisface con creces incluso a los más escépticos. Los fondos y detallismo son impresionantes, especialmente en el episodio VI, filmado en blanco y negro. A título personal, el sexto episodio es, por donde se vea, fenomenal. La decisión de intensificar el dramatismo mediante el uso del contraste total del blanco y negro, y el formato para cine (35 mm) fue un golpe genial en cuanto a lenguaje cinematográfico. Los espacios y la composición de los planos se transmitien al espectador como si se tratase de una pelicula de acción real.

    Noriko y el Gunbuster

    El Gunbuster, pináculo del armamento móvil de esta animación, es básicamente impresionante.

    Su ataque masivo de cohetes antimateria, armas de energía y una fuerza capaz de destruir astronaves, lo convierten en uno de las más formibables mecha del anime. El GunBuster es uno de los medios mecánicos más grandes jamás representados, con una altura aproximada de 250 metros. Los más cercanos a él son Ideon de Densetsu kyojin Ideon, Skybreaking Arc Gurren Lagann de Gurren Lagann, Daitarn III y Danguard.

    La secuencia en que las dos Bustermachine 1 y 2, naves componentes del Gunbuster, se unen y conforman al gigantesco mecha, es a mi modesta opinión una de las mejores logradas en la história del anime. Plagada de un diálogo de por sí dramático, la excelente elección de Top o Nerae! Fly High como música de fondo para la secuencia de transformación y del posterior combate acentúa más el dramatismo de la escena.

    Los divertidos Omakes

    Omake de Gunbuster

    Complementando los episodios, encontramos en Gunbuster cortas lecciones (Omakes) de los aspectos científicos de las OVAS, que toma teorías basadas en los campos de eter, agujeros negros y saltos espaciales warp, curvatura espacial y componentes de la amenaza alienígena. Todos ellos están cuidadosamente ilustrados con comentarios científicos reales y ficticios, los que deliberadamente atraviesan esa delgada línea que los separa. Cuentan como anfitriones con las versiones Superdeformed de nuestras heroinas, con el entrenador Ota reprendiendo duramente a Noriko sobre sus estudios, cada vez que se equivocal en las respuestas.

    Si bien el valor de los datos científicos exhibidos en Gunbuster varía (muchas de las tecnologías espaciales utilizadas por los protagonistas se presentan como invenciones atribuibles al año 2015), muchas constituyen elementos típicos del género de ciencia ficción, como por ejemplo la rápida evolución tecnológica de la humanidad dictada por la necesidad de derrotar a los agresores alienígenas en el menor tiempo posible.

    Interludio a un apocalípsis

    La música es notable en su variedad y calidad orquestal. Las piezas oscilan entre vivas y divertidas, épicas y heróicas, melancólicas y de suspenso. Se pueden escuchar melodías basadas en numerosas composiciones clásicas, incluídas el Mesias de Haendel y el segundo movimiento (Largo)de la Sinfonía No. 9 en E menor (Sinfonïa del Nuevo Mundo) de Dvorak.

    Otras melodías de las cuales se hace referencia en la OVA son variaciones de «Carros de Fuego» (sobretodo en las secuencias de entrenamiento de las pilotos), «El día del Delfín», «El Imperio Contraataca» y «El Planeta» de Holst. Incluso puede llegar a escucharse el himno de la Unión Soviética en el fondo. Todas éstas variaciones son agradables al oído, a pesar de que uno no puede realmente reconocer su procedencia.

    Una cima muy difícil de alcanzar

    El Luxion

    Es el año 2015. La primera flota interestelar terrícola es destruida en el brazo Perseo de la Vía Lactea por monstruos espaciales (Uchuu Kaijuu), de aspecto insectoide. Estos seres quieren exterminar a la humanidad y como resultado se están acercando cada vez más a la Tierra.

    Entrenamiento en RX-7

    El almirante Yuzo Takaya está estudiando los daños causados a su flota, que se ha reducido a nada más que escombros. La flota alienígena fue brutal en su ataque, y la pérdida de vidas humanas es asombrosa. Takaya recibe la noticia de que todas las cápsulas de escape de su nave, el Luxion, están llenas, con espacio para solo un hombre más. Dece su lugar en favor de un hombre gravemente herido, el teniente Koichiro Ohta. Pero Ohta no quiere abandonar a su oficial al mando. Takaya le ordena a Ohta que se salve, diciéndole que él tiene muchas cosas importantes que hacer en su vida. Ohta es puesto a bordo de la capsula y es eyectada. El almirante Takaya ve esto desde el puente de su nave, al mismo tiempo que observa una imagen holográfica de su hija, Noriko. El Luxion entonces explota.

    El teniente Ohta logra sobrevivir y se convierte en el entrenador (coach) de la nueva generación de jóvenes oficiales que comandarán la nueva flota contra el invasor alienígena, llamados Top Troopers. Los Top Troopers son jóvenes seleccionados de las escuelas secundarias alrededor del mundo. En respuesta a la amenaza alienígena, los humanos han desarrollado naves espaciales de guerra y mechas de combate.

    Onee-sama y yo seremos pilotos juntas?

    Nausicaä victima del vandalismo en la escuela de Okinawa

    La verdadera historia comienza en 2023, después de la primera batalla con los monstruos espaciales, y gira en torno a la joven Noriko Takaya. Aunque el padre de Noriko era un famoso almirante que ha estado desaparecido en acción desde la batalla de Perseo, sus propias habilidades como piloto del extrenador para robot de combate no son las mejores. A pesar de ser realmente torpe, es elegida como piloto para el servicio en los mechas de combate Buster Machine I y II, junto con su ídolo, la soberbia piloto Kazumi Amano.

    Los rumores de que su nombramiento se debe a que Koichiro «Coach» Ohta fue miembro de la tripulación del almirante Takaya se esparcen por la escuela, y las compañeras de Noriko le hacen la vida imposible. Incluso fué apodada musume zenmetsu (la hija del derrotado). Noriko entonces le ruega al coach Ohta que cambie de parecer. Ohta, ignorando sus ruegos, le dice que se centrara en su formación. Incluso le mostró a Noriko porqué Kazumi era tan buena. Todo era debido al su trabajo duro, coraje y determinación.

    Inazuma Kick!

    Noriko vence a Reiko

    Decidida a dejar en alto el espíritu de su padre, Noriko comenzó a entrenar bajo la atenta mirada del entrenador Ohta. A pesar de sus mejoras y progresos notables, esto no pasó desapercibido. La matona de la escuela, Reiko Kashiwara, estaba muy celosa debido a la elección de Noriko como piloto de las Buster machine. Ella indicaba que ella debería haber sido la elegida. Confrontando a Noriko en las duchas, Kashiwara la retó a una pelea con instructores RX-7.

    Noriko acepta, pero las cosas no salen según lo planeado durante la pelea. Kazumi trata de detener la pelea, pero Ohta no le hace caso, pues tiene algo en mente. Entonces, cuando la derrota parece inminente, Noriko apaga la pantalla del monitor y cambia el curso de la batalla. Lo último que recordaría Kashiwara era a Noriko saltando en el aire y atacarla, haciendo lo que ningún estudiante novato podría haber sido capaz de hacer: el ataque Inazuma Kick, una poderosa patada voladora. Así, Noriko derrota a Reiko y finalmente es aceptada como una piloto digna del Buster machine.

    Con su formación completa, Kazumi, Ohta y Noriko abordaron un avión cohete con destino a la Estación espacial Silver Star, en la órbita de la Tierra. Se cumplió el sueño de Noriko, ella iba a ser una piloto. 

    Freud vs. Kawai

    El exelion

    Noriko mira por la ventana al lado de su asiento y ve la estructura a medio construir de la nueva nave nodriza de la Tierra, el Exelion. Ella hace un comentario acerca de que parece realmente pequeño, pero el entrenador Ohta le reprende en no prestar atención a las lecciones impartidas en la clase anterior. Menciona que debido a la inmensidad del espacio, los objetos grandes puede parecer muy pequeños. Noriko da cuenta de esto cuando pasan cerca del Exelion. La nave es enorme.

    Una vez a bordo de la estación espacial, Noriko y Kazumi se son presentadas a su jefe, el capitán Tatsumi Tashiro. También hay otra persona allí, una piloto ruso femenina con el nombre de Jung Freud. Kazumi se percata de una mirada de Jung, y se da cuenta de que la piloto rusa la ha reconocido. Hay una introducción tensa entre las dos, y Noriko siente que esta nueva relación no empieza con el pie derecho.

    El reto de la chica genio

    Kazumi y Jung en duelo

    Más tarde ese día, el capitán Tashiro se está ocupando de la tripulación. Explica que la nave espacial  estará lista dentro de siete meses y que el tiempo empleado hasta ese momento serán utilizados para entrenamiento de combate. No es mucho después que el entrenador Otha empieza a repartir los itinerarios de vuelo a los escuadrones de combate. Noriko y Kazumi se registran como escuadron de combate. Tras el lanzamiento, la pareja es confrontada por Jung y su wingman, Linda Yamamoto. Jung quiere desafiar Kazumi a una pelea, y ella acepta. Kazumi y Jung están muy bien entrenadas, y la lucha las lleva a una super estructura de una instalación de defensa militar. Noriko se separa de su compañera, y comienza a buscarlas.

    Uchuu Kaijuu

    Mientras las pilotos siguen combatiendo, Kazumi se para en seco y se queda mirando algo que hace que la sangre en sus venas se congele. Al activar los reflectores para tener una mejor visión, Jung también es testigo del hallazgo. Noriko entra en escena y la misma vista la asusta.

    Es el resto de uno de los monstruos alienígenas, suspendido en el espacio dentro de un contenedor. Noriko se petrifica y comienza a sollozar, dándose cuenta de que esta criatura era uno de los muchos que, como él, mató a su padre. Es en éste mismo instante que la red de seguridad de la instalación de se activa.

    Baño de damas

    Fraternizando en el baño

    Después de una seria reprimenda de Ohta, Noriko y Kazumi se encuentran en el baño de Mujeres. Noriko le cuenta a su amiga sobre su padre y su deseo de convertirse en piloto.

    No mucho después, Jung entra como si nada hubiera pasado entre ellas. Ella le pide perdón a las dos jóvenes, explicando que tenía que ver sólo lo bueno que era en realidad la reina Rosa, como ella llama a Kazumi. Jung las invita a su cumpleaños, sin resentimientos. Noriko se da cuenta de que ella y Jung comparten el mismo cumpleaños, y Jung comienza a hacer planes para una fiesta de cumpleaños doble.

    El exelion

    En el centro de mando, el capitán Tashiro recibe la noticia de que un objeto se dirige a la Tierra aproximadamente a la velocidad de la luz. Su punto de origen es el brazo de Perseo. Pide al Entrenador Ohta un consejo, y Ohta afirma que una misión de reconocimiento sería necesaria. Las voluntarias son Noriko y Kazumi. Tashiro de mala gana está de acuerdo con la decisión de utilizar a Noriko, en lugar que a Junga Jung, pero permite que la misión tenga lugar. Una vez que la misión está en marcha, Ohta explica a su equipo que tienen diez minutos para completar la misión. Él trae a colación el factor de la dilatación del tiempo, explicando que por cada minuto de tiempo de permanencia en la urdimbre, pasarían tres meses en la Tierra. Noriko y Kazumi entienden esto y finalmente emprenden su camino.

    Un puente demasiado lejos

    Kazumi en la banda del Luxion

    Al interceptar al objeto, Kazumi es la primero en verlo. Ella lo reconoce como una nave de la tierra con grandes cantidades de daño, y se asusta cuando ve el nombre escrita en el lado de la misma: Es el Luxion. De pronto, el infierno se desata. Noriko, desobedeciendo a Ohta, sale de su cohete e ingresa en el Luxion. Ohta órdena a Kazumi la retirada, mientras él va detrás de Noriko. Se le ordena descender de nuevo a velocidad sub-luz una vez que el abra la ventana de diez minutos para el rescate. Kazumi reconoce a regañadientes la orden.

    A bordo del Luxion, Noriko está finalmente en la puerta que llevaba al puente. Aunque han pasado siete años desde que la última vez que vio a su padre, la lectura del cronómetro es dos días desde el ataque inicial en la nave. Noriko se da cuenta de que su padre todavía podría estar vivo y abre la puerta hacia el puente. Lo que ella ve la horroriza. El puente ha desaparecido por completo, abierto al vacío del espacio. Noriko grita por su padre, Ohta aparece y comienza a arrastrarla fuera de la nave. En el exterior, Kazumi recibe la noticia de Ohta y vuela un agujero en el costado de la nave. Ohta y Noriko se tiran a sí mismos a bordo de la nave de recuperación. Ohta le pregunta a Kazumi cuánto tiempo había transcurrido desde la abertura de la ventana. Ella contesta: «Doce segundos».

    Almirante Takaya y Noriko

    De regreso en la órbita de la Tierra, el equipo de la misión es recibido a bordo del Exelion con una celebración. El cumpleaños de Noriko ya había pasado, consecuencia de la delatación temporal en el espacio. Seis meses habían transcurrido. Jung intenta confortar a Noriko sobre su padre, pero Noriko lo toma muy a mal y huye de la zona de recepción. Sola y llorando sin consuelo, Noriko recuerda un momento en que ella era una niña pequeña, sentada en los hombros de su padre. Ella le decía que quería ser un piloto. Ahora, una vez más obsesionada por el fantasma de su memoria, Noriko se da cuenta de ha perdido a su padre para siempre. 

    Una odisea espacial

    Toren y Noriko son descubiertos por Ohta

    Navegando por el espacio, el Exelion ingresa al subespacio, y las troopers son remitidos a sus cuarteles bajo un toque de queda, mientras termina la misión. Los jóvenes deciden poner a prueba el toque de queda. Como Noriko pierde la apuesta, debe ir sola al hangar de los RX, solo para encontrarse con el perdedor de la apuesta de los chicos, Smith Toren. Tambien se encuentran con Ohta, el que los obliga a limpiar los lentes de los cañones laser del exelion como castigo por infringer el toque de queda.

    Cuando el Excelion llega a la estrella Leaf 64, su destino, son golpeados por una flota enemiga a gran velocidad. Usando Leaf 64 para girar violentamente en U y atacarlos por la espalda, la estrategia es interceptarlos en el quinto planeta: Eta

    «Es por tu propio bien»

    Mientras Noriko practica en Nausicaä, su RX, accidentalmente escucha la conversación entre Ohta y Kazumi, la cual quiere disolver el equipo que conforman ambas, porque no está convencida de las habilidades de Noriko.

    Cuando Noriko abre su cabina por accidente,  Kazumi le espeta un seco «No pienses mal de mí. Es por tu propio bien» mientras se aleja.

    Ohta le dice a Noriko que debe tener más confianza en sí misma, si quiere alcanzar todo su potencial.

    Primer amor, Primer combate

    «Smiiiiiiith!»

    Profundamente entristecida por perder a su ídolo como compañera de combate, Noriko acepta a Smith Toren, quien se ofrece como voluntario para forma junto con ella un nuevo equipo. Por su parte, Kazumi forma otro nuevo equipo de combate con la piloto Jung Freud, su contraparte soviética.  

    Pronto se encuentran listos para el combate y la voz de Ohta repica en los altavoces: «Una vez lanzados, cada equipo debe actuar de acuerdo a su propio criterio! Sus ojivas de Californium tienen un promedio de vida de tres horas, así que deben regresar antes de ese tiempo. Eso es todo».

    Ya en combate, Noriko se petrifica por la velocidad del adversario mientras se desvanecen del radar. Smith desaparece tambien del escenario, mientras una asustada Noriko no deja de llamarlo. La escena es particularmente dramática, llena de suspenso al propio estilo Hitchcockiano.

    Leaf 64

    En el puente del Excelion, Toshiro descubre que el enjambre que ataca a la flota es tan solo un señuelo, mientras que el enjambre principal se encuentra dentro de Leaf 64 completando su incubación. Eso explica porqué la tan brillante estrella de hace 10 años se haya convertido ahora en una estrella enana lista a explotar.

    Se descubre que los alienígenas crecen dentro de las estrellas hasta alcanzar su estado adulto, alimentándose del plasma de la misma. Toshiro ordena la retirada, mientras los RX regresan a sus hangares. Smith nunca regresó de la escaramuza.

    Lanzamiento! El arma definitiva aún incompleta

    Andanada del Exelion y sus escolta

    En un hangar secreto, Noriko encuentra al su entrenador contemplando un robot gigante, el Gunbuster, el cual aún no está terminado. Ohta le explica que el Gunbuster es la última esperanza para la humanidad. Noriko flaquea y se culpa de la muerte de Smith. Le pide al entrenador que la entrene más duro, mientras que dentro de Leaf 64, los monstruos espaciales terminan de incubar.

    El asesor de la flota le dice al Capitán que los alienígenas van a atacar la Tierra. El entrenador ha estado entrenando personalmente a Noriko como piloto para el Gunbuster, y Jung pone a prueba a Noriko, desafiándola a un duelo. Noriko todavía está conmocionada por la muerte de su camarada y se derrumba cuando están combatiendo afuera.

    Gunbuster saliendo del Exelion

    Mientras la flota se prepara para saltar de regreso a la Tierra con la esperanza de ocultar su rastro en el subespacio, los alienígenas los atacan repentinamente y todos los troopers luchan con sus mecha. Noriko es excluída de la batalla.

    Las cosas se ven sombrías, ya que la mayoría de las fuerzas de defensa son aniquiladas, pero Noriko logra salir de su depresión y se decide a pilotar al Gunbuster por primera vez. Con mucho esfuerzo logra hacerse con la victoria.

    Volver al futuro

    Entraga de diplomas

    Después de un viaje de casi 10 años, el Exelion regresa a la Tierra. Sin embargo, debido a la dilatacion relativa del tiempo, solo unos pocos meses han pasado para la tripulación de la nave. El Exelion es decomisionado y los troopers son enviados a unas merecidas vacaciones.

    En la escuela superior de Okinawa, su alma mater, Noriko y Kazumi reciben sus diplomas de graduación. A Noriko le entristece que todos sus compañeros de escuela hayan crecido y tengan familias. Cuando se encuentra con Kimiko, una antigua compañera, Noriko se entera que la humanidad ha perdido toda esperanza de ganar contra los monstuos y que el alto mando desea evacuar el planeta. Sin embargo, hay un número limitado de asientos en las naves de evacuación. Kimiko le pide a Noriko que ayude a Takami, su hija, a que consiga un sitio en la nave de escape.

    Mientras tanto, patrullas de reconocimiento de largo alcance han detectado un enjambre de monstruos espaciales que se dirigen a la Tierra. El enjambre es tan grande que cubre varias veces la distancia entre la Tierra y el Sol.

    La enfermedad de Ohta

    Noriko observa otra conversación entre Kazumi y Ohta, está más acalorada que la anterior. Cuando el entrenador abofetea a Kazumi, ésta se retira con lágrimas en los ojos. De repente, Ohta escupe sangre y se desploma. Noriko corre para sostenerlo y pide ayuda, pero Ohta se la niega. Él le explica que el Gunbuster es la última esperanza para la humanidad y quiere que Noriko cuide de Kazumi, a quien ama.

    Tomando un baño más tarde, Noriko se da cuenta de que es posible que Kazumi ya sepa de la enfermedad de su «coach».

    !Habrá tiempo para el amor!

    BM 1 y 2 escoltando al Exelion

    En el cuartel general, el alto mando busca una forma de lidiar con la crisis. Las fuerzas de la Tierra no tienen ni el poder suficiente para contrarestar el ataque ni suficientes naves para una evacuación total. De repente, Ohta irrumpe en el salón con una idea desesperada. Planea usar el Gunbuster para escoltar el Exelion hasta el centro del enjambre de monstruos y hacer explotar su micro reactor para crear un agujero negro que se trague al enjambre entero. La operacion debe hacerse a velocidad cercana a la de la luz, y   tomara seis meses, exactamente el tiempo que le queda de vida a Ohta, enfermo de sobreexposición a los rayos cosmicos.

    Cuando el Exelion y las Bustermachine 1 y 2 se acercan al enjambre, Kazumi decide no continuar el combate. No puede soportar el dolor de no poder ver más al hombre que ama: «No quiero estar sola», comenta sollozando. Noriko le dice que el entrenador se sacrificó por eso y que combaten para salvar a toda la humanidad: «Ya habrá tiempo para el amor. Te lo ruego, Kazumi, pelea!», le grita suplicante Noriko. Kazumi regresa a la batalla y se combinan los BM 1 y 2 en el poderoso Gunbuster.  El plan tiene éxito y los atacantes, así como tres planetas, son tragados por el agujero negro. Pero los efectos de la onda gravitacional resultante en la Tierra también son devastadores; el continente australiano es atravesado posteriormente por enormes fracturas y fosos. Ya de regreso a la Tierra, Kazumi encuentra aún con vida a su amado Ohta.

    Kazumi, 15 años después

    Al fin de la eternidad…

    Quince años han pasado desde la batalla que salvara el sistema solar. Vemos a una más adulta Kazumi que reza delante de la tumba de su esposo, mientras se despide cariñósamente del mismo.

    Regresa al espacio una vez más, pero es detenida momentáneamente por las chicas de la escuela de Okinawa, donde fungía de entrenadora como su finado esposo. Takami, la hija de Kimiko, se encuentra también entre sus alumnas, y le ruega entregar una carta a su «tía» Noriko.

    Las llaves de la BM3

    Kazumi piloteará la nueva BM3, el arma suprema, una enorme bomba que generaría un super abismo negro. Está construida sobre la masa comprimida 30,000 veces del planeta Jupiter. Una vez al mando del gigantesco artefacto, Kazumi se lanza al hiperespacio para reunirse con la nueva nave insignia, el Eltrium, que la espera junto con el grueso de la flota.

    Encuentra a Noriko tras quince años de separación real, los cuales son para Noriko tan solo un año. Kazumi le entrega la carta de Takami, la cual no es otra que una despedida de su amiga Kimiko.

    Jung Freud sale también a su encuentro, y le entrega a Kazumi las llaves del BM2, el cual ella piloteaba durante la ausencia de su vieja amiga. No se encuentra muy felíz de devolverla, pero la amistad entre ellas lo merece.

    Over the top

    Warp sorpresivo

    Mientras el momento final se acerca, los monstruos espaciales ensayan una nueva táctica: Un warp extremadamente cerca de la flota terrestre, la que es tomada por sorpresa y diezmada. Los Uchuu Kaijuu superan en un número de más de 8 millones de veces superior a las naves terrícolas. Ambas especies afrontan ahora una encarnizada lucha por la supervivencia, mientras cientos de miles de las fuerzas de la tierra mueren en contados minutos. Deben proteger el BM3 a cualquier costo hasta que su reactor se active. Pero al llegar el momento, la bomba no se detona. Debido al ataque, el BM3 está tan dañada que no tiene suficiente poder para activarse por sí sola.

    Implosión de la BM 3

    La situación parece perdida para la humanidad, hasta que Noriko y Kazumi deciden ingresar al BM3 en el Gunbuster y planean detonarlo usando su propio reactor de energía, pero eso acerrearía su muerte. Jung Freud ingresa tambien para escoltar a sus amigas en su Sizzler, el nuevo Mecha estándar de combate, pero es forzada a retirarse cuando la presión dentro del BM3 amenaza con destruir al mecha.

    El truco funciona, y el BM3 se activa. Mientras empieza la implosión, el Gunbuster lucha por salir desde dentro a velocidad de la luz. Sin embargo, debido a la presencia de un campo gravitacional enorme, el tiempo pasa muy lentamente. Noriko se consterna mientras ve su pasado ante ella, porque sabe que no volverá a la Tierra que ella conoce: «Lo siento, Kimiko. Nunca más te volveré a ver».

    Bienvenidaz!

    Bienvenidas

    Segun el cronómetro, 12,000 años después, un dañadisimo Gunbuster consigue llegar a la Tierra. Noriko y Kazumi la observan consternadas, pues piensan que la humanidad ha desaparecido, hasta que, lentamente, unas enormes luces surgen de la superficie terrestre con la inscripción: Okaerinasai (Bienvenidas).

    Nota curiosa: La última «i» en Okaerinasai está inscrita al revés, como referencia a que los lenguajes cambian su fisonomía cada 500 años aproximadamente,

    «Arriba, siempre Arriba»

    Con un fondo musical sinfónico que cumple perfectamente su propósito, una dramática historia que mejora con cada episodio, plagada de situaciones histriónicas, homenajes inequívocos a otros animes y la calidad a la que Gainax nos tiene acostumbrados, Top o Nerae!Gunbuster es sin lugar a dudas una producción que sabe representar como pocas al arte del anime.

  • Chi no Wadachi: yo odio a mi mami

    Chi no Wadachi: yo odio a mi mami

    De los muchos mangas que estoy siguiendo, hay uno en particular que me ha impresionado, con una historia sobrecogedora y un protagonista que va cayendo en una espiral de locura y manipulación por culpa de la persona que más debería quererlo: su propia madre.

    Chi no Wadachi (Sangre en las vías) es un manga seinen con guion y arte de Oshimi Shūzō, serializado en la revista Big Comic Superior, actualmente cuenta con 12 volúmenes y sigue en publicación. Cabe señalar que este mangaka es muy conocido por ser el autor de Aku no Hana (Las Flores del Mal) y Happiness.

    Algo le pasa a mi mamá

    Osabe Seiichi tiene 13 años, si bien es algo tímido para su edad, tiene algunos amigos en su escuela, además tiene un primo de su edad, Shigeru, con el que suele jugar de vez en cuando; su madre,  Seiko, suele ser muy sobreprotectora con el, pero igual la quiere mucho. Se podría decir que su vida es muy tranquila y ordinaria, en una apacible y pequeña ciudad de la prefectura de Gumma ; pero todo empieza a desmoronarse luego de un paseo familiar, en el cual ocurre un terrible incidente entre Seiko y Shigeru, todo en presencia de  Seiichi, el cual para su horror, decide ocultar la verdad, de esa forma es como nuestro protagonista descubre que su madre no es tan perfecta como creía.

    Mamá se saca la máscara

    El esquema de la historia hace recordar al de Aku no Hana, con un protagonista de escuela media el cual queda envuelto en un evento que trastoca su vida cotidiana, el cual sirve como punto de partida de la degradación de la relación madre-hijo; Se nos va revelando la verdadera personalidad de Seiko, la cual demuestra que tiene un desorden mental y una obsesión malsana con su hijo, el cual poco puede hacer ante la presencia de su madre, lo cual lleva a su frágil mente al límite. La repentina presencia de Fukiishi Yuko, compañera de clases  de Seiichi, hace que despierten nuevos sentimientos y también hará que las cosas se compliquen más entre él su madre, haciendo que la trama tome un cariz más dramático.

    Rostros de dolor

    El estilo de dibujo es sencillo y cuidadoso, de trazos finos y fondos difusos, el mangaka es especialista en dar énfasis a las expresiones de sus personajes, los cuales reflejan con maestría la problemática en se ven envueltos, manteniendo en Chi no Wadachi , un ambiente lleno de tensión y dolor. Cabe resaltar las apariciones de Seiko, en un inicio se nos presentaba como una madre abnegada, pero sus expresiones y acciones van volviéndose más perturbadoras, haciendo que su presencia sea incómoda para todos.

    Un triste drama psicológico con un argumento que te va a mantener en suspenso desde el principio, con una de las peores antagonistas que haya visto en mi vida,  Chi no Wadachi es un recordatorio que las relaciones tóxicas no solo se puede dar entre parejas, sino también entre madres e hijos.

  • Mugen no Jūnin: La Espada del Inmortal

    Mugen no Jūnin: La Espada del Inmortal

    La inmortalidad es un concepto que ha fascinado al ser humano desde sus orígenes. Ha sido parte de muchas culturas y religiones además de ser un elemento muy usado en diversas artes y entretenimientos; en su mayoría se convierte un un objetivo o ideal de búsqueda, una promesa luego de una vida terrenal, pero también nos hace entender que una existencia eterna hace que el valor de la vida pierda sentido, una bendición que a la larga se puede convertir en una terrible cruz.

    Mugen no Jūnin (El habitante del infinito) , más conocido en occidente como La Espada del Inmortal, es un manga seinen de género histórico con guion y arte de Hiroaki Samura, empezó a publicarse en la revista Monthly Afternoon de Kodansha desde junio de 1993 hasta diciembre del 2012, llegando a publicar 30 volúmenes; cuenta con dos adaptaciones al anime, una novela, una película Live Action y un manga secuela.

    Inmortal conoce a chica

    La historia gira en medio de la era Edo, en la cual vive un ronin llamado Manji, conocido como «El asesino de 100 hombres», el cual recibió de una extraña anciana llamada Yaobikuni (una especie de sirena del folclore japonés) unos extraños gusanos conocidos como «kessen-chū», los cuales le permiten curar cualquier herida que su cuerpo reciba. Luego de vivir dos años en esa condición, llega a un acuerdo con la anciana, en la cual se compromete a matar a 1000 criminales para redimirse de los crímenes anteriores, y así dejar de ser inmortal. Yaobikuni se pone en contacto con una joven que requiere un guardaespaldas ; de esa forma se inicia el sangriento y brutal camino de venganza y redención.

    Rin es una joven de 16 años, dos años antes el dojo de su padre fue atacado por un grupo grupo llamado Itto-Ryu, liderados por el carismático Anotsu Kagehisa, cuyo objetivo es derrotar y unificar a todos los dojos de Japón bajo un único concepto: ganar sin importar que técnicas o armas uses, y permitiendo que cualquier persona pueda practicarlo. Ellos asesinaron al padre de Rin y violaron a su madre, la cual luego desapareció. A pesar de no ser muy hábil en la lucha, está decidida en lograr su objetivo de venganza. Manji decide ayudarla ya que Rin le recordaba a su hermana menor, la cual murió por su culpa.

    Nuestro protagonista es cínico por naturaleza, en parte a los sucesos que lo condujeron a ser inmortal , en un inicio acepta de mala gana ser guardaespaldas de Rin, pero a medida que la historia avanza, muestra una mayor preocupación por ella; por otro lado, Rin suele ser ingenua e impulsiva, lo que ocasiona que Manji tenga que salvarla en varias ocasiones; poco a poco la veremos madurar y volverse mas fuerte a su manera ,e incluso arriesgar su vida para salvar a Manji.

    Mientras se dedican a dar caza a los miembros del Itto-Ryu, surge otro grupo llamado Mugai-ryu, los cuales también se encuentran persiguiendo a los del Itto-Ryu, peor aún las cosas se complican para todos cuando un poderoso magistrado empiece a involucrarse . Esta historia cuenta con un grupo variopinto de personajes, con diversas motivaciones por la cual luchar, destacando a Kagehisa, el serio líder del Itto-Ryu , el cual esta decidido a todo a cumplir su objetivo ; Otono Tachibana Makie, la melancólica guerrera; la astuta Hyakurin; el desquiciado Shira; entre otros.

    Muchas, pero muchas armas y un arte de primera

    Hay que destacar la cantidad de armas y técnicas que usan la mayoría de personajes, las cuales le pueden hacer competencia a Rurouni Kenshin , por lo estrambóticas y curiosas que son. Solo ver a Manji desplegar todas sus espadas, katanas, puñales, cuchillos, ect. ya en sí es una locura; el resto de armas que veremos son de lo más llamativos: la espada tipo hacha de Kagehisa, La lanza de Makie, las hoces con cadenas de Giichi, la espada doble de Taito, los puñales de Rin, etc. Las escenas de batalla son intensas y sangrientas, el autor no deja nada a la imaginación y veremos usar los mas variados estilos de lucha.

    El arte de Samura es una de los mejores que haya visto, un manejo integral del dibujo, composición, diseño de personajes y escenarios, cada escena de pelea parece una obra de arte, sin dejar de lado que el autor no escatima en mostrarnos escenas de mucha crudeza.

    Una excelente adaptación anime

    El 2008 tuvo su primera adaptación al anime, la cual contó con 13 episodios; de forma sorpresiva el 2019 se realizó una nueva versión, esta vez abarcando toda la historia del manga, la cual fue producida por los estudios Liden y fue proyectada en streaming por Amazon Prime Video. Hay que resaltar la buena calidad de esta última adaptación, la cual supo transmitir la esencia del material original. Esta serie contó con 24 episodios y contó con la participación del reconocido seiyuu Kenjirō Tsuda (Tatsu en Gokushusfudo) como Manji.

    Un detalle para resaltar es el símbolo que figura en el kimono de Manji, el cual es una esvástica invertida, conocida como sauvástica , el cual es considerado como símbolo de prosperidad y buena fortuna, no tiene nada que ver con el símbolo del partido Nazi ,por culpa de ello ha habido mucha polémica (en occidente) con el uso de esta imagen ,en especial con el anime de Tokyo Revengers, el cual curiosamente es también producido por el mismo estudio que hizo la versión anime de La Espada del Inmortal.

    Estamos ante uno de los mejores exponentes de su género, una historia adulta, perturbadora, con toques fantásticos y mucha acción, personajes carismáticos y un hermoso arte. Un clásico inmortal del manga.

  • Made in Abyss: JRPG hecho anime

    Made in Abyss: JRPG hecho anime

    Un anime que plasma la exploración del lore como ningún otro. Made in Abyss es lindo, mágico e increíblemente cruel.

    Mitty y Nanachi, dos amigas inseparables, se encuentran en la sexta capa del abismo. Han sido engañadas para formar parte de un experimento mortal que probablemente acabe con la vida de miles de niños en el nombre de la ciencia. El silbato blanco Bondrewd, conocido como “El Señor de las Profundidades”, jala la palanca y activa el ascensor que envía a las dos niñas varios metros hacia abajo. A los pocos segundos la inocencia ha desaparecido. Mitty se ha transformado en un adefesio y Nanachi ya no es humana.

    Esta es una de las muchas historias que el abismo tiene para ofrecer. Made in Abyss narra la aventura de Riko, una niña problemática de 12 años que es nada más y nada menos que la hija de la legendaria exploradora Lyza, y que junto a Reg, robot reliquia que proviene de las profundidades, comenzarán su travesía por las profundidades del abismo en búsqueda de la madre de Riko, donde vivirán sucesos que dejarán impactados a más de un espectador. Pues, aunque no lo parezca, Made in Abyss no es un anime tan lindo como parece.

    Lolis y sadismo

    En el 2017 el anime recibe bastante atención, porque como ya mencioné, resulta altamente misleading. A lo largo de los 13 episodios, vemos cómo lo que parece una travesía lighthearted se torna en una pesadilla sombría. A uno le cuesta creer que personajes como Riko puedan verse tan afectados por la “maldición del abismo” que terminen tosiendo y llorando lágrimas de sangre. Tenemos también la emotiva historia de Mitty y Nanachi, que además de ser sumamente cruel, toca los corazones de los espectadores por su emotividad, sobre todo gracias a su conclusión: un acto desesperado para acabar con una vida de sufrimiento.

    No obstante, si bien Made in Abyss destaca por bastantes aspectos, considero que su fuerte es que se trata de un anime de aventura con todas las letras. El jugo de la serie se concentra en la exploración del abismo, el cual está lleno de enigmas, reliquias y personas por conocer. Y no. No se trata de cualquier anime en el cual el protagonista se embarca en una aventura, pues en este caso se siente bastante el feel de la exploración y de lo que el anime pretende emular, un JRPG y vaya que lo consigue.

    made in abyss
    made in abyss

    Adentrándonos en el abismo

    Otro de los aciertos de la propuesta audiovisual es la musicalización. Particularmente, el tema de Hanezeve Caradhina recibió bastante cariño por parte de la comunidad. Es una canción bellísima la cual se presenta en una escena de la puesta de sol, donde se presenta el universo del abismo con un trabajo de luz excelente y unos fondos excelentemente dibujados.

    https://www.youtube.com/watch?v=KPxSS1zHWwQ

    Finalmente, la serie de 13 episodios tuvo como secuela una película canon. La cual continúa la relación de Nanachi, Mitty y Bondrwed. Por otro lado, la serie tiene anunciada una segunda temporada, así como un videojuego. Así que tenemos Made in Abyss para rato. ¡La aventura nos aguarda!

  • Now and Then, Here and There: La guerra es muerte

    Now and Then, Here and There: La guerra es muerte

    Now and Then, Here and There plasma una crítica cruda hacia el imperialismo, la explotación de recursos, el abuso infantil, la avaricia y toda la destrucción bélica que los humanos pueden ocasionar.

    Bienvenido al infierno

    Shu Matsutani es un chico promedio con las características típicas de un protagonista de shonen: amable, determinado y de buena fe. Una tarde mientras se sienta a observar el atardecer sin demasiadas preocupaciones, aparece una chica misteriosa de ojos azules introvertida que tímidamente le pide que la ayude. Acto seguido, llegan unos soldados armados con robots que parecen salidos del futuro, y en un encuentro caótico transportan a Shu y a la chica enigmática -que para entonces ya sabemos que se llama Lala-Ru– a un mundo distópico en el que son secuestrados dentro de la nave de “Hellywood”-nombre que parece una especie de guiño a lo que Shu y los demás personajes están apunto de acontecer.

    Ima soko
    Lala-Ru

    Un bien escaso

    Como siempre ha sucedido en la guerra, el anime plantea un argumento en el que existe una lucha por recursos. La narrativa propone un conflicto por el agua y la dominación global, ya que al parecer es un bien escaso y las personas literalmente se mueren de sed. Es entonces donde aparece la figura de Lala-Ru, una niña que utilizando sus poderes canalizados en un pendiente de cristal que cuelga de su cuello, puede generar agua de la nada a costa de su energía vital. Es por esto que el dictador Hamdo (líder de Hellywood) y sus tropas tienen tanto interés en capturar a la jovencita.

    La nación de Hellywood cumple el rol del imperio sometedor, el cual se encarga de “reclutar” o más bien literalmente forzar y esclavizar a los habitantes de las naciones que encuentra a su paso. Aquí es que aparecen personajes como el de Nabuca, Boo y Tabool,  niños quienes han sido secuestrados por Hamdo para ser entrenados como soldados que le sirvan fielmente, con la falsa promesa de que una vez que la guerra termine- lo cual nunca sucederá- podrán regresar a su pueblo natal y vivir tranquilos, cosa que también resulta imposible, pues como se exhibe más adelante en la serie, una vez que los miembros son anexados a las filas del tirano, los escombros restantes de las aldeas son bombardeadas hasta desaparecer.

    Nabuca

    La moraleja sin cambio (Spoiler)

    El final de Now and Then, Here and There nos deja un sabor muy amargo en la boca, así como una sensación de tristeza que emula ciertamente el sinsentido de la guerra. Shu retorna a su época como si nada hubiese ocurrido, parece como si todas las muertes de sus amigos fueran parte de solo un mal sueño. Lala-Ru se desvanece mirando el atardecer mientras escuchamos un soundtrack de la serie nostálgico que solo profundiza el sentimiento de vacío. El personaje de Sala (amiga de Shu que también fue secuestrada de su tiempo) termina por aceptar a su hijo -el cual ha sido producto de múltiples abusos sexuales por parte de las tropas de Hellywood- y que la dejo desesperanzada y trastornada por gran parte de la serie. Y Hamdo termina muriendo ahogado de manera irónica, producto de su insaciable codicia .Finalmente, el mensaje que nos deja la serie es que la guerra trae muerte. Shu no cambió demasiado como personaje porque la guerra solo trae eso: muerte.

    Sara trastornada en confinamiento
    Ending
  • Mashiro no oto – En busca de tu propio sonido

    Mashiro no oto – En busca de tu propio sonido

    Revisando qué novedades traía la nueva temporada me llamó la atención que este anime tratara sobre un joven que toca el shamisen. El shamisen es un intrumento musical japonés cuyo nombre deriva del chino sanxián (3 cuerdas). Comencé a verlo más por curiosidad y me encantó. Investigué un poco más sobre el manga y me llevé una sorpresa al saber que el manga tiene 27 volúmenes y está en publicación desde el 2009. Y ahora en su versión anime no solo nos deleitamos con la historia de Setsu sino que podemos disfrutar de la hermosa música de este bello instrumento.

    Matsugoro Sawamura, un músico innigualable

    Setsu Sawamura se muda a Tokio luego de la muerte de su abuelo Matsugoro Sawamura. Desde pequeño admiró el «sonido» de su abuelo al tocar el shamisen. Siempre se esmeró es tratar de igualarlo. En su lecho de muerte, su abuelo le dice que encuentre su propio sonido. Confundido y decepcionado con su propio desempeño musical se aleja de la casa que compartía con su hermano Wakana.

    Imagen de Setsu juntos con los tomos publicados

    Setsu Sawamura

    Es un joven de cabello y ojos oscuros que ama tocar el shamisen y su más grande anhelo era igualar el «sonido» de su abuelo. Es de naturaleza reservada y no es de tener muchos amigos. Pero cuando algo no le parece, lo dice así se gane un par de golpes. Con la muerte de su abuelo, quien era un reconocido músico, deja de lado la preparatoria y su pueblo para ir a Tokio, trata de entender porqué cuando quiere tocar el instrumento nuevamente sólo obtiene notas vacías. Sin embargo, para más de uno él es un prometedor músico. Tiene un hermano mayor, Wakana Sawamura, que también toca el shamisen. Juntos de niños tocaban y componían juntos.

    Wakana y Setsu

    Setsu va caminando por las muy transitadas calles de Tokio, se aturde y choca con unos maleantes que comienzan a golpearlo. Una joven llamada Yuna lo salva y lo lleva a su casa. Al despertar y luego de desayunar juntos, ella le comenta que puede quedarse el tiempo que lo requiera pero que no trate de aprovecharse pues tiene un novio que la defendería.

    Yuna Tachiki una aspirante a actriz que ayuda a Setsu

    Yuna Tachiki

    Es una hermosa joven de largos cabellos y ojos castaños que trabaja para una agencia de actuación en espera de la gran oportunidad que la lance a ser famosa. Es muy generosa y siempre sonrie. Tiene habilidad para la autodefensa. Su novio, Taketo, es guitarrista de una banda que hace pequeñas presentaciones y que cuenta con algunos seguidores. Ella le ayuda a su novio para ciertos gastos de la banda por considerar que él es muy talentoso, pero a Setsu no le parece y causa disgusto al expresar su parecer. Una noche, luego de escuchar por primera vez el shamisen de Setsu, se anima a ir en busca de su novio solo para encontrarlo siéndole infiel. Yuna tiene que tomar una decisión importante y lo hace luego del concierto de Taketo donde luego de una desigual pelea, Setsu termina haciendo de exitoso telonero al presentarse y tocar «Jongara Bushi».

    Umeko Sawamura, madre de Setsu, cantante y modelo

    Yuna renuncia a ser una actriz y se va en busca de algo mejor que hacer con su vida. Le deja el departamento por el resto del mes a Setsu, quien aunque tuvo éxito como telonero aún siente que el sonido que produce no da la talla. Irrumpe en el departamento como un ciclón una mujer hermosa, Umeko Sawamura, su madre. Lo lleva a vivir a un barrio más adecuado y lo convence a que toque mientras ella canta. Y aunque en el mejor momento se rompe una cuerda, todo el barrio incluyendo a los transeúntes, quedan maravillados. Su madre con todo esto logra que se haga conocido y pueda tener pequeñas presentaciones mientras continúa con sus estudios.

    Shuri Maeda quiere aprender con el shamisen

    En la escuela, la joven Shuri Maeda, quiere retomar el club de Shamisen, no hay muchos miembros y Setsu no muestra entusiasmo por unirse. Sin embargo, diferentes situaciones harán que se comprometa en tocar para la abuela de Shuri e ir descubriendo que su abuelo fue creciendo junto con su sonido. Dándole la seguridad que necesitaba para seguir intentando hallar el suyo.

    De género drama y el llamado «coming of age» (paso a la madurez), el manga fue escrito por Marimo Ragawa y publicado por Kodansha del 5 de Diciembre del 2009 hasta la actualidad. Tiene 27 volúmenes publicados. También es conocida con el título «Those snow white notes» (Aquellas notas blancas como la nieve).

    El Anime fue dirigido por Hiroaki Akagi . Y el conocido Studio Shin.Ei Animation (Doraemon, Par Man, Lupin, Crayon Shin-chan entre otros). Tendrá solo 12 episodios. De verdad quería más capis.

    Si bien el diseño de personajes es muy bueno. La estrella de la serie es la música, que sumado a una buena selección de escenas, nos permite sentir la emoción que trata de transmitir el músico.

    Opening

    El tema se llama “Blizzard”, es interpretado por Burnout Syndromes. Desde el inicio nos sumerge en el hermoso ritmo del shamisen. No podía faltar el abuelo que inspiró a Setsu. Y vemos también a los personajes que acompañarán a Setsu en ir madurando su sonido.

    Ending

    La canción se titula «Kono Yume ga Sameru Made» (Until I wake from Dreaming), interpretada por los Hermanos Yoshida Miliyah Kato y Yoshida Kato. Aqui también se luce el shamisen. Una canción más lenta y rítmica donde se ven la ciudad de Tokio. Vemos a Setsu preparando su instrumento y como su sangre fluye cuando toca. Una pasión que en sentimiento lo une a la imagen de su abuelo cuando era un joven músico errante.

    Es un bello anime aunque no se encuentre mucha información del manga en internet. Bastante entendible pues el shamisen es propio de Japón. Sin embargo, el anime ha sido bastante esperado y no es de extrañar pues la música está preciosa.

  • Algunas observaciones sobre la narrativa de «Naruto» de Masashi Kishimoto

    Algunas observaciones sobre la narrativa de «Naruto» de Masashi Kishimoto

    ¿Cuáles son los límites de la ficción animada dentro nuestra realidad? ¿Qué sucede cuando esta se entrampa, de una u otra forma, en la vida real de las personas? Se diría que el público, un tanto despistado, es incapaz de responder estas preguntas. Sin embargo, las responde. Y no con palabras, sino más bien con hechos. Un ejemplo. A principios de junio de 2016, en Florida, Estados Unidos, nació el primer niño en todo Occidente a quien se bautizó con el nombre de Naruto. Sus padres, Devon Scott Murphy y Deedra Lee Newsome, decidieron llamarlo así en honor a uno de sus personajes favoritos del anime Naruto de Masashi Kishimoto. Cuando algunos periodistas cuestionaron la enorme carga simbólica que este nombre tendría en la vida del niño, el padre dijo: “Siento que el nombre de Naruto es muy poderoso. No creo que la gente lo odie (…) Además, Naruto fue el único anime que mi hermano y yo vimos antes de que este falleciera”. Como una acción inmediata a la avalancha de críticas, la madre creó el fanpage de Naruto Scott Murphy[1] y no faltó mensajes del fandom en los que le desearon suerte en la vida, en sus exámenes Chūnin[2] y en su eventual batalla contra el grupo criminal Akatsuki[3].

    Fuente: WallsField.com / Estudio Pierrot. Tokyo, Japón.

    Al conocer casos como este, podríamos decir que como el Quijote montado sobre Rocinante o como Son Goku en su singladura por las esferas del dragón, Naruto, con el zorro maldito dentro de su cuerpo y con su sueño de convertirse en Hokage, se ha transformado en un personaje de la conciencia colectiva de Occidente que trasciende las fronteras de la propia ficción gracias a la narrativa mesiánica de su historia.

    Sin ninguna duda, el manga de Masashi Kishimoto sigue siendo a la fecha un fenómeno rasante a la explosión Dragon Ball Z en cuestiones comerciales y de difusión mediática. Hasta su volumen 72, entregada en octubre de 2015, Naruto había vendido alrededor de 225 millones de copias impresas en todo el mundo, con más de 136 millones de copias en Japón y 85 millones en otros treinta y cinco países. En virtud de estas cifras, se ubicó en el tercer lugar de superventas de manga de todos los tiempos, justo detrás de la franquicia de Dragon Ball. Pero quizá lo más desbordante de su éxito sea que, como anime, llegó al capítulo número quinientos sin perder continuidad ni censura en las cadenas de televisión.

    Impulsados por el éxito de la serie, el 2017 se lanzó su spin-off titulado Boruto: Naruto Next Generations, en la que se narra las aventuras del hijo de Naruto Uzumaki y Hinata Hyūga, así como el de sus amigos, quienes conforman la nueva generación de shinobis de la Aldea Oculta de la Hoja. Esta secuela, para asombro de muchos críticos, ha tenido el mismo nivel de sintonía y aceptación que su precedente, aunque su altura argumentativa ciertamente deja mucho que desear.  

    Ahora bien, conociendo todo este panorama habría que preguntarse lo siguiente: ¿Naruto es una ficción de esencia comercial? La respuesta es sí. Pero aunque el manga haya sido creado exclusivamente como un producto de consumo masivo (Kishimoto asegura que siempre buscó emular el carácter comercial de Dragon Ball), tiene un valor estético y una preocupación formal por su narrativa que la diferencia, con mucha notoriedad, de otras ficciones del mismo género. 

    La insistencia de la forma

    Naruto aborda la historia de un niño con un demonio sellado en su interior (el Zorro de Nueve Colas, Kyūbi en su acepción japonesa) que desea convertirse en Hokage[1] para demostrar a todos su verdadero poder y ser reconocido como alguien importante en la aldea. En el transcurso de su camino como ninja, Naruto va descubriendo la importancia del valor y la amistad en un mundo viciado por el odio sistemático que al final llega a su auge en la Gran Guerra Ninja.

    Este relato aparentemente simple va tejiendo poco a poco una trama compleja y mística que revela en toda su magnitud algunos fundamentos de la condición humana. Cuestiones como la venganza, el idealismo, el amor, el odio, la degradación o la superación moral son desarrolladas con bastante pericia gracias a la exploración psicológica que realiza Kishimoto con cada uno de sus personajes. Lo interesante es que a través de ese rastreo espiritual se puede apreciar algo mucho más profundo que un mero adorno narrativo: la preocupación del autor por entender las motivaciones de las criaturas que pueblan su ficción.

    Si pensamos en otros animes comerciales como Dragon Ball Z, Bleach o Saint Seiya, caeremos en la cuenta de que sus autores privilegian más la acción desmesurada antes que el proceso anímico y emocional de los personajes para llevar a cabo sus ideales combativos. A Son Goku, por ejemplo, solo le importa pelear porque es un saiyajin de raza guerrera. Defender a sus seres queridos o al mundo es una excusa para seguir luchando contra los seres más poderosos del Universo. Ichigo Kurosaki, de Bleach, se vuelve un Cazador de Almas por accidente y, tras algunas aventuras de menor grado, emprende un camino que lo lleva a conocer su verdadera fortaleza espiritual. En Saint Seiya, Los Caballeros de Bronce solo tienen una meta: proteger a Atena y al mundo de las canalladas de dioses o demonios. Su fuerza solo depende de su terquedad frente a la batalla y del influjo del “Bien” y la “Justicia”.    

    Como se puede apreciar, en cada una de estas historias la “obsesión” o “meta” de los personajes parte de una cuestión puramente ornamental que solo sirve para enganchar al espectador con la puesta en escena de la acción. A los creadores de estos relatos no les interesa mucho el carácter psicológico de sus héroes, sino más bien la carnicería demencial que estos realizarán con sus rectilíneos modos de ser.

    Fuente: Crunchyroll. com. Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music

    Mario Vargas Llosa dijo alguna vez, en referencia a las narraciones de caballerías anteriores a Tirant lo Blanc, que “capaz de empresas descomunales, el héroe caballeresco carece de dimensión interior y su psicología suele ser tan compleja como la de su caballo”. Sucede lo mismo con la mayoría de animes comerciales. De hecho, podríamos parafrasear a Vargas Llosa del siguiente modo: “capaz de empresas descomunales, el héroe de anime comercial carece de dimensión interior y su psicología suele ser tan compleja como la de sus puñetazos”. Es cierto que un maniqueísmo convencional exige la acción pura en los animes comerciales, y por ello muchos de estos sucumben a una fórmula repetitiva que se centra en las batallas y anula casi por completo las intimidades de sus personajes. Sin embargo, en algunas ficciones superventa este esquematismo se atenúa y dosifica, creando así una historia entretenida por su acción, pero también sublimada por su preocupación estética. Naruto de Masashi Kishimoto pertenece –quizá sin proponérselo– a esta última categoría.           

    ¿Pero por qué? Pues porque se advierte en el relato un afán de profundización en varios de sus personajes. Basta pensar en Rock Lee (ninja sin talento para los jutsus, pero que se esfuerza físicamente para ser reconocido con un shinobi de la lucha cuerpo a cuerpo), Neji Hyūga (pequeño genio del clan Hyūga, quien desarrolla una personalidad fatalista desde la muerte de su padre y cree que el destino es algo decidido desde el nacimiento y que las personas, por más que se esfuercen, no lo pueden cambiar), Sasuke Uchiha (obsesionado con vengar el genocidio de su clan, asesinando a su hermano mayor), Kakashi Hatake (ninja de élite que tras la muerte de su padre, se radicaliza en el cumplimiento de las reglas shinobi) o Gaara (ninja de La Arena que, como Naruto, lleva un demonio en su interior y es odiado por su aldea) para justificar con ejemplos incididos esa afirmación.

    Desde luego, todo esto nace de la voluntad palmaria de Kishimoto por descubrir el origen y las motivaciones de sus personajes, intentando alcanzar así mayor redondez y humanismo en ellos. Para suerte del anime, esta averiguación de la intimidad no es forzada. Las personalidades de cada personaje se van dibujando de manera objetiva y gradual, variando en muchos casos (como el de Gaara o Neji Hyūga, por ejemplo) tras sus experiencias y descubrimientos personales. Solo de esta forma, el espectador llega a creer realmente en ellos y a emocionarse con sus logros o desventuras, algo imposible de lograr con los personajes de Dragon Ball Z, Bleach o Saint Seiya.

    Por otro lado, toda esta exploración a las cavernas internas es guiada y sostenida por una compleja estructura. Aunque el relato es contando de forma lineal, existe una cantidad incontable de flashbacks y subtramas que enriquecen el presente continuo de la historia. También hay escenarios y tiempos superpuestos que se van relacionando entre sí a través de vasos comunicantes y cajas chinas que se relevan e imbrican para edificar un todo narrativo. Quizá lo más logrado de la estructura sean los gaiden[2] que aparecen a partir de Naruto Shippuden. Para ejemplo se puede mencionar dos de ellos: Kakashi Gaiden y La historia de un ninja absolutamente audaz (las crónicas de Jiraya), pequeñas joyas que dan luz a los claroscuros del relato principal. Con esta configuración, Naruto se vuelve un interesante relato de muchísimas puertas por las cuales se puede ingresar a su prodigiosa intimidad.  

    Mesianismo y voz profética

    La Biblia, como el Corán, ha coqueteado desde siempre con la idea soteriológica de la intervención futura de un “Salvador” a favor de un pueblo escogido. El origen de esta creencia en Occidente se remonta a los textos del Viejo Testamento (II Samuel e Isaías), donde el mesianismo, o la llegada de un mashiah[1] al mundo, manifiesta la esperanza de una felicidad completa en el hombre y la unificación de los pueblos dentro de una sociedad apocalíptica. Este recurso profético es utilizado a menudo en las ficciones escritas y audiovisuales a modo de clave central para mover todo un corpus narrativo y legitimar una trama con visajes bíblicos. Del mismo modo, es empleado en canteras políticas o filosóficas como, por ejemplo, el mesianismo comunista nacido de los ideales de Karl Marx. Si bien la creencia de la llegada de un “mesías” al mundo puede ser abordado desde diferentes ángulos, esta jamás se desplaza de su esencia principal: la reforma de un Estado utópico dirigido por un Héroe o Salvador.

    El mesianismo también ha sido materia prima de los mangas durante la última mitad del siglo XX. Akira o Neon Genesis Evangelion, sin ir más lejos, abordan estas cuestiones en sus tramas, siendo muchas veces explícitos en sus referencias bíblicas o judeocristianas. Sobre todo lo vemos en Neon Genesis Evangelion, la cual a partir de sus incontables alusiones a la tradición bíblica crea en el presente una nueva mitología religiosa. 

    En este contexto, podríamos decir que la mayoría de héroes de mangas japoneses son creados bajo un precepto mesiánico: salvar al mundo de la maldad y establecer un nuevo sistema político. Pensemos por ejemplo en los “mesías” de Dragon Ball Z, Death Note, Saint Seiya o Bleach. Todos ellos, consciente o inconscientemente, siguen la misma fórmula bíblica. Naruto, por su lado, también lo hace, pero a diferencia de los otros, crea su propio misticismo y regula ese lugar común a través de pequeñas trampas narrativas.             

    Fuente:  Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music

    A medida que avanza la historia de Naruto, Kishimoto va articulando, poco a poco, el universo místico de su ficción. Nos presenta con mucha sutileza a las figuras fundacionales de la aldea (los cuatro hokages), nos cuenta sus leyendas (el poder del Sabio de los Seis Caminos, la oscuridad de Madara Uchiha, el peligro de Las Bestias con Cola), nos informa de la creación de los clanes y de los países vecinos, nos revela los contratos que tienen los ninjas con seres de otras dimensiones (Naruto y su contrato de sangre con los sapos del Monte Myoboku o Tsunade y su relación con la babosa Katsuyu del Bosque Shikkōtsu), nos narra la historias de las Guerras Ninja y la maldición de los Uchiha, nos muestra la solemnidad y el peso simbólico que tiene un cargo como el de Hokage, etcétera. Todos estos datos narrativos le dan relieve al desarrollo místico del relato. Cada una de las historias que cuentan los shinobis veteranos proyecta sobre el anime un pasado legendario que recorre desde sus orígenes míticos hasta su presente evocativo, el cual termina de plasmarse como una gran fantasmagoría en la mente del espectador. De modo que ni uno solo de los gaiden o flashback llegan a ser gratuitos, pues estos, a pesar de crear tiempos muertos en la acción, sirven precisamente para extender el misticismo de la serie, para complejizarla y llenarla de matices, pero sobre todo, para preparar el terreno que necesita el recurso mesiánico dentro de una ficción.   

    Así, la idea de un Salvador (de Naruto como el niño maldito que finalmente bendice a su aldea) no disuena ni se vuelve un cliché como en el caso de Dragon Ball Z o Bleach. Todo lo contrario, ahí se justifica y se la exige. Y no en un solo plano, sino en muchos. De hecho, Naruto apuesta a la posibilidad de tener en su trama a más de un mesías. Lo vemos en el caso de Nagato, a quien Jiraiya considera el Niño de la Profecía que cambiará para siempre el mundo ninja. O lo vemos también en Madara, quien se califica a sí mismo como el Salvador de todas las épocas shinobi. Obito, el amigo de Kakashi, llega a creerse el elegido que detendrá el odio y la miseria de la gente a través de su genjutsu[2]. De igual forma Sasuke Uchiha, Minato Namikaze o la misma Kaguya son presentados en la serie como posibles mesías. A decir verdad, todos ellos tienen la oportunidad de serlo en algún momento, pero de pronto algo quiebra o cambia sus destinos mesiánicos, y esa responsabilidad recae sobre un nuevo ninja.

    El último de todos estos elegidos, como ya se presupone, será el torpe y fracasado Naruto Uzumaki.              

    Un laberinto de espejos

    Parece ser que uno de los recursos favoritos que Masashi Kishimoto utiliza dentro de su narrativa es la repetición de la forma. Aunque esta sea funcional o pase desapercibida en varias ocasiones, por momentos llega a saturarse. Quizá el ejemplo más claro se vea en los subtramas del anime, los cuales emulan o repiten la fórmula que sostiene la historia principal: el hallazgo de una amistad y la ruptura definitiva de la misma. En primera instancia vemos la relación de Naruto Uzumaki y Sasuke Uchiha. Pese a sus diferencias ideológicas y emocionales, ambos logran forjar una amistad. Naruto es el niño torpe, desaliñado e infantil a quien nadie en la aldea respeta. Sasuke, por otro lado, es el niño genio de un clan de élite, estéticamente más guapo que Naruto y con habilidades shinobis que captan la atención de los demás. Naruto tiene un sueño: ser reconocido pese a su incompetencia e idiotez. Sasuke tiene un ideal: vengarse de su hermano. Naruto es la luz. Sasuke, la oscuridad. Esta aparente incompatibilidad los arrastra primero a la rivalidad; luego, solidifica los vínculos de camaradería entre ellos. En su búsqueda de poder, Sasuke trata de romper esos vínculos y se vuelve un ninja renegado de la aldea. Entonces la amistad se fractura, las emociones se sublevan y el horror empieza a florecer.

    Este esquematismo se repite como un interminable juego de espejos a medida que avanza la serie. Y los resultados siempre son iguales: la decepción, el resentimiento y el odio. Lo apreciamos así en la relación de Hashirama Senju y Madara Uchiha, donde ocurre, como en el reflejo de un espejo, exactamente lo mismo. También lo vemos en la relación de Orochimaru y Jiraiya; en la de Kakashi Hatake y Obito Uchiha; en la Hiruzen Sarutobi y Danzō Shimura, y en la de Indra y Ashura.                

    Sin embargo, esta excesiva repetición en la estructura no es gratuita. Al igual que en el esquematismo de la novela Bouvard y Pécuchet de Gustave Flaubert (donde también se insiste en el mismo patrón narrativo[1]), se ve en Naruto cómo la persistencia de la fórmula se vuelve no una simple instancia de repetición, sino más bien un instrumento técnico que sirve para imbricar la historia con un concepto central. En el caso de Flaubert, por ejemplo, la parodia a la estupidez humana. En el caso de Kishimoto: los mecanismos de la amistad

    Fuente: Crunchyroll.  Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music

    Y es que Naruto, como otros shōnen japoneses, trata de vender un discurso moralista y candoroso. En su historia podemos hallar una apología directa a la amistad, o mejor aún, a la idea de que la amistad está por encima de todo. Es por esa razón que Naruto, a pesar de las adversidades, jamás deja de luchar por su amistad con Sasuke. Y aquella terquedad por el amor idealizado es la que finalmente lo convierte en el mesías absoluto de su aldea. De modo que el juego de espejos con la historia de otros personajes que abandonan su ideal, sirve como estupendo contraejemplo para sustentar la idea comercial de que el bien se encuentra única y exclusivamente en la verdadera amistad. Kishimoto no tuvo que pensarlo mucho. Construyó distintas generaciones de ninjas, todas ellas parecidas a la de Naruto, para otorgar a la ficción un tono mucho más épico y distintivo en su mesianismo: el poder de Naruto por encima del resto de las generaciones que pudieron ser, pero que al final no fueron.

    ¿Autoayuda para dummies?

    Pero también hay otro discurso que cruza la serie y se mantiene a lo largo de todos sus capítulos y temporadas: el discurso de que el esfuerzo personal muchas veces se impone al genio natural. Este mensaje –pontificador en todo momento– no es subliminal, es más bien explícito. Los ejemplos o comparaciones son constantes: la lucha eterna entre el genio y el sujeto sin talento que, con esfuerzo y disciplina, llega a redimirse y superar a su rival. De hecho, los mejores personajes de la serie están construidos bajo esa premisa. Naruto, Rock Lee y Maito Gai (los individuos torpes y privados de talento para las peleas) en contraposición a sus eternos rivales Sasuke Uchiha, Neji Hyūga y Kakashi Hatake (legítimos herederos de la genialidad ninja transmitida a través del kekkei genkai o por simple atavismo). Naturalmente, al final los fracasados se convierten en genios del combate y, con discursos en voz alta, enrostran al espectador que la única forma de ser alguien mejor, es no rendirse nunca y luchar con mucha terquedad por esos sueños que parecen imposibles de alcanzar.

    En esa línea, podría decirse que algunos de los personajes de Naruto encarnan la poética vargasllosiana –nacida del ejemplo de Gustave Flaubert– que sostiene que el hombre sin talento puede insistir y exigirse de una manera sobrehumana para alcanzar la imposible perfección y construir su propio genio. Así salta a la vista que tanto para Kishimoto como para Vargas Llosa, el genio no nace, se hace.

    Es bien sabido que los dogmatismos o aleccionamientos suelen ser peligrosos dentro de una ficción. Sin embargo, en Naruto esta regla parece convertirse en la excepción. A pesar de que la serie pontifique su verdad continuamente, esta no hace ruido ni desbarata la historia. Todo lo contrario, la enriquece. Y sucede así porque su discurso está bien dosificado. En principio, la fuerza de la trama minimiza su evidente imposición. Después, las escenas en las que se aplica, engarzan perfectamente con la idea que la serie trata de vender. Para eso basta recordar como ejemplo el episodio donde Naruto enfrenta a Neji Hyūga en los Exámenes Chūnin. A parte de la lucha con puñetes y técnicas shinobi, hay también como trasfondo una lucha de discursos. Naruto, por su lado, sosteniendo que el esfuerzo puede cambiar los destinos. Y, Neji, obstinado con la idea de que el genio nace predestinado para serlo. Caso bastante parecido es el episodio donde Maito Gai confronta a Madara Uchiha. A modo de flashback se muestra la nulidad de Gai como ninja. Sin embargo, también se evidencia que solo gracias al apoyo de su padre y a su entrenamiento sobrehumano, este logra transformase en un guerrero de élite que finalmente se enfrenta cara a cara con el más grande de los ninjas. Incluso, su enemigo llega a bautizarlo como “El hombre más fuerte de todos”.            

    Fuente: Crunchyroll.  Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music

    De este modo, los discursos de superación llegan sin torpezas ni deficiencias que la delaten, pues jamás hacen sentir al espectador como víctima de una imposición moral. Lo único que sí se logra sentir a lo largo de Naruto y a través de su narrativa es cariño, enternecimiento y emoción por cada uno de los personajes que solidifican la trama del anime. Y esto porque a través de sus capítulos o gaiden o spin-off presenciamos ese pequeño milagro de transformación artística mediante el cual, sin ningún engaño, una caricatura animada se convierte en la imagen viva del hombre, es decir, en el trasunto de todos los hombres que la ven.


    NOTAS

    [1] Cabe recordar que Bouvard y Pécuchet siempre vuelven al mismo punto de partida cuando abandonan una ciencia para explorar otra. El esquema se repite: descubren un nuevo pasatiempo, tratan de inventar o realizar algo imposible dentro de este, la gente se burla de ellos, ambos se frustran, se asquean y finalmente regresan otra vez a buscar algo nuevo para repetir la operación.


    [1] Mashiah (hebreo): significa literalmente “ungido”. Pero también se le puede dar la interpretación de “salvador”, “escogido”, “único”.

    [2] Genjutsu: literalmente “técnica ilusoria”. Son técnicas que se emplean para manipular el flujo de energía en el cerebro de la víctima, provocándole una interrupción de los sentidos. Al igual que otras técnicas, se necesita de chakra y sellos de mano para usarla.


    [1] Hokage, latinizado como “Sombra de Fuego: es el líder supremo de Konohagakure, por lo general, el shinobi más fuerte de la aldea.

    [2] Un gaiden significa literalmente en japonés “historia alterna”.  Es un término popular en el universo del manga/anime que describe una historia paralela dentro de otra historia. Al final, ambas termina imbricándose.


    [1] Se lo puede encontrar como: NoChill Baby Naruto o en sus otras redes sociales como @NoChillNaruto

    [2] Del anime Naruto: se refiere a una serie de exámenes o pruebas de selección que los ninjas de una aldea tienen que pasar para dejar de ser un genin y alcanzar el grado de chūnin. Naruto y su equipo realizan este examen y descubren algunos secretos que marcarán sus caminos como shinobis.   

    [3] Agrupación criminal del anime/manga Naruto Shippuden.

  • El hombre deshumanizado según Tezuka: Reseña de Oda a Kirihito

    El hombre deshumanizado según Tezuka: Reseña de Oda a Kirihito

    Hablar de Tezuka Osamu es referirse a una larga lista de títulos que han marcado la historia del manga y han influido a muchísimas historias posteriores. Como artista, la imprescindible obra de Tezuka evolucionó y se transformó a lo largo de los años y es particularmente interesante revisar sus trabajos correspondientes al periodo entre finales de los años 60 e inicios de los 70. Conocidos como los años oscuros del dios del manga, fue una época donde se publicaron varios de sus relatos más maduros e interesantes en los cuales el mangaka reflexiona sobre la naturaleza humana desde una perspectiva más adulta. Aquí se inserta Oda a Kirihito (1970), protagonista de esta reseña.

    El viaje de Kirihito

    Osanai Kirihito es un doctor con un promisorio futuro que trabaja en el Departamento de Medicina Interna del Hospital Universitario M de Tokio, donde un paciente ha sido aislado en la habitación 66. La razón es que este último sufre de un extraño mal conocido como “la enfermedad de Monmo” que provoca que la persona adquiera una apariencia semejante a un perro o a un tanuki (mapache japonés) y sienta una gran necesidad de consumir carne cruda. Tras un tiempo y ante la ausencia de cura, el paciente fallece irremediablemente.

    En medio de la investigación sobre las causas y el debate médico sobre si se trata de un virus o un mal endémico, Kirihito es enviado por su superior, el doctor Tatsugaura, a investigar esta enfermedad en el pueblo de Inugamisawa, donde se pueden hallar otros casos y se espera encontrar la respuesta al enigma. No obstante, el Dr. Osanai ignora que al tratar de descubrir el misterio y viajar a distintos lugares de Asia, su vida cambiará para siempre. Este es el primer acto de un drama médico con un muy buen ritmo narrativo en el que Tezuka-sensei lleva al lector hacia un mundo que conoce bien.

    Dr. Tezuka

    A pesar de que nunca ejerció, el dios del manga estudió medicina y obtuvo su licencia como doctor. De este modo, la obra expone los conocimientos de Tezuka quien construye la enfermedad de Monmo como si se tratase de un mal real con síntomas bien explicados y similitudes con otras afecciones. Si algunos temen que eso podría hacer que el manga sea difícil de disfrutar, encontrará todas las respuestas a sus preguntas en la misma historia que brinda los detalles necesarios para aquellos no tan familiarizados con la medicina y deja la puerta abierta para aquellos que gustan investigar sobre las referencias reales que encuentran en los títulos que leen.

    Asimismo, el autor presenta la complejidad de la labor médica en la que se interceptan el deseo por ayudar a los pacientes con la ambición personal por alcanzar renombre en medio de un Japón en el que las jerarquías de poder pueden beneficiar a la injusticia y perjudicar a la integridad. Se percibe un antagonismo entre los doctores de mayor trayectoria y los jóvenes que pareciese un eco de las protestas de los estudiantes de medicina de la Universidad de Tokio contra el sistema de practicantes en 1968-1969 e, incluso se hace referencia a dichas protestas a través del pasado de Kirihito. En este contexto, Tezuka reflexiona sobre el ser humano.

    “No soy un perro, soy un ser humano”

    Uno de los aspectos más destacables de Oda a Kirihito es la manera como la afección de Monmo sirve a Tezuka-sensei para comentar sobre el prejuicio de las enfermedades como motivo de vergüenza y deshumanización, de ahí la razón de que este mal se manifieste en la apariencia física, así el paciente ya no se ve como un ser humano y se convierte en un animal. El enfermo sufre el dolor propio de su dolencia, pero también la humillación y ostracismo social así como la desatención de sus derechos humanos por parte de algunos doctores.

    En ese sentido, el autor incluso se vale de interesantes referencias católicas para hacer una analogía entre el via crucis de Cristo y la prueba que debe enfrentar el enfermo en el particular contexto japonés que se retrata. Junto a la afección misma, el dios del manga explora otras formas de deshumanización como el racismo, el clasismo o la violencia de género que cuestionan la supuesta creencia del hombre como ser civilizado y racional superior a los animales cuando mantiene prejuicios absurdos y comete actos abominables. Estas reflexiones van acompañadas de una atractiva propuesta desde la narrativa y el código visual del manga.

    El dios del manga experimentando

    El estilo de dibujo característico del icónico mangaka también se puede encontrar en esta obra así como la influencia del lenguaje y edición cinematográficos que el autor convirtió en una constante del cómic japonés. Sin embargo, además de ello, Tezuka-sensei decide experimentar en Oda a Kirihito con el simbolismo y el surrealismo que se puede reconocer en momentos clave en los que opta por sugerir y transmitir a la audiencia tanto las emociones como los estados mentales de sus personajes antes que exponer de manera explícita sus acciones. El resultado es una narrativa audaz que impacta al lector sin alejarlo de la historia.

    Acorde con el tono, Tezuka-sensei apuesta por una iluminación dramática con gran cantidad de sombras al igual que la construcción de secuencias en las que no abusa del diálogo, sino que deja que las viñetas hablen por sí mismas aportando al desarrollo de sus personajes y al ritmo de la acción. Cabe destacar la calidad que consigue al retratar la arquitectura y paisajes de los lugares que recorren Kirihito y su compañero Urabe mientras tratan de responder a la interrogante sobre la enfermedad de Monmo.

    Veredicto final

    Recomendado para los seguidores del dios del manga y aquellos interesados en pasar una tarde reflexionando sobre la condición humana o disfrutando un buen drama en el que el protagonista enfrenta una prueba tras otra. En el primer volumen de Oda a Kirihito, Tezuka-sensei consigue con éxito interpelar al lector con un relato atractivo y complejo mientras experimenta con nuevas formas de expresión. Además, siembra la intriga que hace inevitable codiciar el volumen 2 de la obra.

    Puedes encontrar Oda a Kirihito de Tezuka Osamu en Ibero Librerías, donde si eres seguidor de Proyecto Sugoi puedes adquirir tus mangas con descuento.

    Ficha Técnica

    Editorial: ECC COMICS

    Año de edición: 2016

    Páginas: 392

    Presentación: Tapa Blanda

    Peso: 0.48kg

    Ancho: 18cm

    Alto: 13cm

  • ¿Qué relación tienen Berserk y Lady Oscar?

    ¿Qué relación tienen Berserk y Lady Oscar?

    No había pasado mucho desde que Miura Kentarō había empezado a publicar Berserk y hasta ese momento había mantenido muchos de los rasgos propios de un manga dirigido al público masculino. Su máximo referente era la obra de Buronson y Tetsuo Hara, Hokuto no Ken (también conocido como Fist of the North Star o El puño de la estrella del norte) y su arte se enfocaba en la acción y la violencia de la historia de Guts. No obstante, mientras trabajaba con el mismo Buronson en las obras que ilustró para él (Ōrō, Ōrō Den y Japan), Berserk llegaba a un punto crucial para que los lectores se identificaran con el protagonista, así que Miura decidió dar un giro en su aproximación a su propio manga. Allí entra en escena la historia de nuestra querida Oscar.

    En una entrevista del año 2017, el autor confesó ser fanático del manga shōjo y señaló que le interesaba mucho la manera cómo se retrataban las relaciones y emociones tristes y dolorosas en las obras dirigidas a esta demografía, entonces, mencionó la influencia de La Rosa de Versalles. Había llegado el momento de contar por qué Guts quería vengarse de Griffith y al mangaka no le gustaba la idea de pequeños flashbacks dentro de la historia principal, pues pensaba que eso podría resultar en sólo dar información al lector antes que en expresar los sentimientos de los personajes. En consecuencia e inspirado en la historia de Lady Oscar, creada por la autora Ikeda Riyoko, y en otros títulos como el dramón Kaze to Ki no Uta de Takemiya Keiko, Miura dio vida a El Arco de la Edad de Oro desplegando todo el desarrollo de historia que consideraba que era necesario.

    Fuente: Young Animal Comics/Hakusensha/ Shūeisha

    Siguiendo el ejemplo de las autoras, Miura dedicó un poco más de 10 volúmenes publicados a lo largo de cerca de 6 años para crear un arco que por sí mismo es un relato potente emocionalmente en el que presenta el duro pasado de su protagonista, hace que el lector simpatice con sus compañeros de la Banda del Halcón y construye con especial cuidado la amistad entre Guts y Griffith. Esto deriva en un profundo compromiso sentimental por parte de la audiencia, así que cuando llega al trágico punto climático—el fatídico Eclipse—da un golpe de gracia directo al kokoro. El propósito era que los lectores pudiesen sentir la misma ira de Guts para que entendieran su deseo de venganza y fue tal la reacción del público que muchos dejaron de leer Berserk después del fin del arco y La Edad de Oro se convirtió para muchos en la mejor parte de toda la obra. En una entrevista del año 2000, el mismo Miura confesó que él mismo terminó deprimido cuando el destino de sus personajes quedó sellado. No es difícil imaginarlo y relacionarlo con la misma desolación que sentimos muchos al final de La Rosa de Versalles, otra historia que no es ajena al kokoro.

    Posteriormente, el resto de Berserk y el arte del mismo mangaka mantuvieron esa influencia que incluía una mayor delicadeza en el dibujo y énfasis en la expresión de emociones propio de la obra de Ikeda. Además, Miura mencionó que el personaje de Serpico, el sirviente medio hermano de Farnese, está basado en André, el devoto interés amoroso de Oscar y muchos fans han encontrado paralelos entre la misma protagonista y Griffith en cuanto a su diseño de personaje y su androginia. Las vinculaciones han llegado a tal punto que incluso el autor señala que para él tiene sentido que consideren a su obra en parte como un manga shōjo.

    Fuente: Young Animal Comics/Hakusensha/ Shūeisha

    Si les interesa leer más sobre El Arco de la Edad de Oro, que es retratado en la adaptación al anime Kenpū Denki Berserk, pueden revisar nuestro artículo Guts Vs. Resto del Mundo, donde analizamos la serie. También, les dejamos un enlace a algunas de las entrevistas que le han hecho a Miura Kentarō a lo largo de los años, que citamos en esta nota.

  • Violet Evergarden: Palabras que unen a las personas

    Violet Evergarden: Palabras que unen a las personas

    Hay muchas posibilidades para abordar la historia de un soldado, pero ¿qué pasa cuando ya se terminó la guerra, cuando ya no es un militar y vuelve a ser simplemente una persona? En definitiva, no puede ser una persona convencional, ya que la experiencia en el campo de batalla afecta profundamente. Ese es el caso de la protagonista de Violet Evergarden, a quien seguimos—a lo largo de 13 emotivos y poderosos capítulos—en su camino hacia su propio corazón, a esa humanidad afectada por el conflicto armado, la cual empieza a recuperar cuando descubre que las cartas y, más precisamente, las palabras pueden unir a las personas.

    Fuente: Kyoto Animation, Lantis, Pony Canyon, Rakuonsha, ABC Animation

    Las cartas en los tiempos del steampunk y la muñeca victoriana

    Como ya se mencionó, Violet Evergarden cuenta la historia de una joven exsoldado que—tras el final de la guerra en el imaginario continente de Telesis—es adoptada por una familia, Los Evergarden, por encargo de su guardián y superior, el desaparecido Mayor Gilbert Bougainvillea. El objetivo era que Violet pudiese vivir como una chica normal en una familia acomodada, pero ella quiere ser útil, así que el ex coronel Claudia Hodgins decide emplearla en su empresa de correos.

    https://youtu.be/BcgxyvX1rVU

    En la batalla final del conflicto armado, Violet perdió ambos brazos, así que usa un par de prótesis que exhiben una gran finura y flexibilidad en su movimiento, lo que es bastante sorprendente para una serie de época en la que hay una importante influencia victoriana en la ropa, arquitectura y tecnología. En ese sentido, el mundo de esta serie se puede inscribir dentro del steampunk que, según Helena Esser, es una estética que reimagina el siglo XIX—marcado por la era victoriana—desde una postura nostálgica y revolucionaria tecnológicamente que se puede hallar en muchos relatos anime.

    Dicha nostalgia victoriana se refleja en la serie a través de la cultura de las cartas que Stephanie Tingley identifica como parte importante de esa época y que, visto desde la actualidad, evoca un pasado lejano en el que los mensajes se escribían en un soporte físico como el papel y tardaban en llegar a su destino. Dentro de este contexto, la empresa de Hodgins ofrece el servicio de las Auto Memory Dolls, un puesto que Violet—cuyos deseos siempre dependían de la orden militar—quiere desempeñar voluntariamente.

    Las Auto Memory Dolls son una especie de amanuenses, copistas o escritoras fantasma que redactan cartas y otros documentos por encargo, pero su trabajo no se reduce al tipeo o transcripción. Al respecto, otra de las características del steampunk, de acuerdo con Cory Doctorow, es una veneración al artesano y Esser lo cita para señalar que en medio del ascenso de la fábrica de la Primera Revolución Industrial (siglo XIX), se reconoce la agencia, manufactura y artesanía del hombre. En otras palabras, su habilidad creadora y manual desde la razón y la emoción, un elemento que se puede extrapolar al caso de las dolls.

    En ese sentido, las cartas son presentadas en la serie como instrumentos para transmitir los sentimientos de las personas y las dolls deben entender lo que los clientes quieren expresar y extraer de ello los sentimientos para redactar las palabras que los reflejen. Antes que la fría e insensible máquina, la calidez de la empatía humana es la base de la actividad creadora y detallista de las dolls. Sin embargo, Violet—tras vivir desde pequeña en la guerra—precisamente carece de esa empatía.

    La protagonista pretende adquirirla al practicar el oficio y la razón de ello es que desea entender el significado detrás de las últimas palabras que le dijo el Mayor Gilbert antes de desaparecer: “Te amo”. En la época victoriana, Tingley señala que las mujeres eran las encargadas de la correspondencia familiar, pues la convención decía que tenían una natural inclinación a la expresión y comprensión de los afectos. En contraste, Violet en lugar de estar en casa y prepararse para cuidar a su familia, se acostumbró a obedecer las órdenes de sus superiores, cumplir la misión a toda costa, soportar varios días sin comer y dormir, ser indiferente al pudor femenino, luchar y matar.

    De este modo, si bien cuando Violet empieza a trabajar como Auto Memory Doll, le colocan un atuendo muy femenino, apropiado a su nuevo trabajo y presenta una apariencia shōjo que, Sugawa-Shimada Akiko describe como inocente, pura y vulnerable, no cumple bien su trabajo y no encaja en el rol. Antes que una sensible mujer victoriana, su manera de relacionarse con sus clientes y de escribir sus cartas, la hace parecer más a una fría muñeca victoriana de porcelana, lo que sirve tanto como una metáfora del impacto bélico en los sentimientos del soldado como una referencia a la fría máquina de la Revolución Industrial.

    Ella se mueve con base a las órdenes dictadas por las reglas del trabajo que, en su mente, sólo se pueden cumplir de manera literal dejando de lado la sensibilidad del cliente y escribiendo cartas como si se trataran de reportes militares sin mayor sentimiento ni tacto. A pesar de ello, esta muñeca se esfuerza por aprender y—como dice el lema de las Auto Memory Dolls—ir hacia donde el cliente lo solicite. De esta manera, inicia su viaje hacia sus propios sentimientos.

    Las personas en el camino y el serial Neobarroco

    Actualmente, estamos más acostumbrados a relatos anime televisivos con formato de serial, es decir, según Angela Ndalianis:

    [Aquel que] comprende una serie de episodios cuyas narrativas resisten el cierre y continúan en el (los) siguientes (s) episodio (s) dentro de la secuencia.

    En ese sentido, seguimos al o la protagonista en su camino a resolver su conflicto a lo largo de varios capítulos que suelen terminar en un cliffhanger o epílogo de enganche que lleva al espectador a ver el siguiente episodio con desesperación (más aún si no han leído el manga o novela ligera fuente). No obstante, esta no es la única modalidad y Violet Evergarden es un ejemplo de un modelo distinto en donde la historia del capítulo no se centra exclusivamente en la heroína y no necesariamente continúa en los siguientes episodios.

    Fuente: Kyoto Animation, Lantis, Pony Canyon, Rakuonsha, ABC Animation

    Después del primer capítulo, la mayoría de los episodios abordan una trama adicional a la de Violet, la cual involucra a otras Auto Memory Dolls compañeras o a clientes que le hacen algún encargo en relación con una carta o un documento e, incluso, estas líneas narrativas alcanzan mayor importancia. Esta estética narrativa es llamada neobarroca por Ndalianis y es asociada con lo que Omar Calabrese reconoce como narrativas policéntricas y de estructura abierta como el mencionado serial. De este modo, al igual que la trama principal de Violet es destacada como central dentro de la historia, lo mismo ocurre con las líneas de los otros personajes.

    Por ejemplo, mientras Violet comete su primer error como Auto Memory Doll, Erica, su colega, experimenta un conflicto interno sobre si es apta para el trabajo. Del mismo modo, Luculia, una compañera de clases de Violet, desea comunicarle su agradecimiento a su hermano, un exsoldado, por regresar vivo de la guerra, pero no puede encontrar las palabras para hacerlo. Mientras tanto, Violet intenta escribir una carta para ayudarla tratando de entender—por primera vez—los sentimientos de su cliente. Si bien tanto Erica como Luculia vuelven a aparecer en la serie, sólo en su respectivo capítulo forman parte—junto a la línea principal—del policentro narrativo.

    Precisamente, otro rasgo del neo-barroco es la capacidad de combinar la narrativa serial con una narrativa a modo de serie más tradicional que Ndalianis define de la siguiente manera:

    [Aquella que] consiste en una sucesión de episodios narrativos autocontenidos que progresan en una secuencia.

    En otras palabras, la narrativa de estos otros personajes es autoconclusiva y eso es lo que ocurre con Iris, que al final consigue reconciliarse con sus padres y reafirmar su decisión de continuar trabajando como Auto Memory Doll. Ese también es el caso de Leon que finalmente se decide a avanzar con su vida desde el duelo/desaparición de sus padres y de la Princesa Charlotte que consigue confesar sus sentimientos al príncipe Damian y casarse con él. A través de su trabajo, Violet se involucra con estas personas en esos momentos de sus vidas y los ayuda de manera consciente o inconsciente a avanzar y lo mismo ocurre en viceversa, ambas líneas narrativas se necesitan para su progreso.

    La narrativa neobarroca es empleada para evidenciar desde la estructura del relato la evolución de Violet quien va desarrollando su empatía al conocer más sobre los sentimientos humanos de otras personas que—para la historia de la protagonista—son todo menos personajes secundarios. Comienza a entender que la gente no siempre siente lo que dicen sus palabras, que unas pocas líneas pueden ser más emotivas que una carta extensa o que a veces es muy difícil expresar los sentimientos correctamente.

    Poco a poco, Violet se aproxima al amor por los hermanos, al amor por los padres, al amor por la pareja y, como resultado, la antes muñeca de porcelana comparte sus sentimientos con Leon sobre la vida sin los seres amados, se reconoce a sí misma en el problema del chico para relacionarse con otros. Incluso, después de forzar una sonrisa en su primer encuentro con la princesa Charlotte, sonríe naturalmente el día de su boda. No obstante, el desarrollo de su empatía la lleva también a ser consciente de sus propios sentimientos y abre viejas heridas.

    Chica en llamas y la culpa del soldado

    El tema de la guerra es bastante recurrente en el anime y el manga, desde el cual se han tomado distintas posturas con base en la particular y conflictiva relación que tiene Japón con los conflictos armados a partir de su experiencia histórica, sobre todo, con la Segunda Guerra Mundial. Según Eldad Nakar, una de esas perspectivas es crítica de la guerra exponiendo la magnitud de sus consecuencias en la humanidad tanto de víctimas como de victimarios. En este marco, es donde se inscribe Violet Evergarden, que critica a la guerra desde la experiencia del soldado.

    La historia de Violet toma un importante giro en el episodio 7 cuando Violet escucha de la promesa que Olivia, la fallecida hija del dramaturgo Oscar Webster, le hizo a este último, pero no pudo cumplir debido a su muerte. En ese mismo capítulo, la protagonista se entera de que Gilbert ha sido declarado muerto hace tiempo, así que, por un lado, Violet—ahora más cercana a los sentimientos humanos—ya no puede ser ajena a las promesas que, debido a sus actos durante la guerra, nunca podrán cumplirse. Por otro lado, ha perdido su máximo propósito en la vida: proteger a Gilbert, la única persona por la que—desde el inicio— expresa sus sentimientos, aunque sea torpemente.

    Dave Grossman cita a Erich Fromm para establecer que cuando los soldados cometen actos violentos pueden entrar en un distanciamiento emocional de su víctima y la deshumanizan dejando de empatizar con ella, así que ya no hay lugar a duda y se vuelve una situación muy similar a cuando una persona mata sin titubear a una mosca. Eso es exactamente lo que le pasó a Violet, quien en varios flashback de la serie, se le ve peleando y matando sin mostrar mayor incomodidad, ya que todo es entendido dentro del marco de la misión.

    La reducción de la distancia emocional que antes sentía como soldado se relaciona con la rehumanización que experimenta Violet y es terriblemente doloroso para ella, pues el enemigo se vuelve un ser humano con familia, sueños, promesas pendientes y quizás hasta posible bondad en el corazón. Mientras tanto, ella como militar se convierte en el asesino que le arrebató con frialdad su futuro a él y a los suyos.

    Johan Galtung plantea un interesante esquema sobre la culpa y la presenta como una función que involucra al daño, la intencionalidad a infringirlo y su irreversibilidad. En dicho esquema, Violet se encuentra en el peor escenario de lo irreversible, ya que no puede resucitar a quienes les quitó la vida. Aquí adquieren importancia las palabras dichas por Hodgins en el primer capítulo:

    No te das cuenta de que tu cuerpo está en llamas y se está quemando por las cosas que has hecho. Lo entenderás algún día y entonces, te darás cuenta por primera vez que tienes muchas quemaduras.

    Debido a esta situación, después del episodio 7, la historia se centra en la línea narrativa de Violet y en el formato serial, en donde—además de su participación en la guerra—se muestra el desarrollo de su relación con Gilbert. En ese tiempo, ella era sólo una niña huérfana tratada como un arma, que le es regalada al mayor por parte de su hermano. Gilbert es la primera persona que trató a Violet como un ser humano, que le dio un nombre, cariño, cuidado, y protección, así que el universo de la protagonista giraba en torno a él y su propósito de vida era protegerlo y estar a su lado. El mayor la amaba y por eso se sacrifica para protegerla y que ella pueda vivir libremente.

    Fuente: Kyoto Animation, Lantis, Pony Canyon, Rakuonsha, ABC Animation

    Como lo presenta la historia, Gilbert no volverá y las llamas de la culpa la quemarán para siempre, entonces ¿ella tiene derecho a vivir libremente como quería Gilbert? ¿qué propone la serie que haga el soldado? Después de todo lo que ha vivido, Violet trata de matarse, pero finalmente no puede hacerlo y luego recibe una carta de Erica e Iris, sus compañeras dolls, que le recuerda cómo su trabajo ha ayudado a otras personas y la ha unido a ellas. Entonces, la serie propone, a partir de las palabras de Hodgins, una vía para el soldado ahora humanizado y que ya no es una muñeca sin voluntad, sino una persona con una profunda culpa, pero que tiene gente preciada y ganas de vivir.

    Las cosas que hiciste nunca podrán ser enmendadas. Pero…todo lo que has hecho como Auto Memory Doll tampoco desaparecerá, Violet Evergarden.

    En ese sentido, si bien sus actos son irreversibles y la guerra le ha arrebatado cosas que jamás podrá recuperar, lo único que le queda a ese soldado es aprender a vivir con las llamas de la culpa tratando de retribuir en algo lo que hizo. No obstante, ¿qué pasa si el soldado debe volver a pelear?

    «Soy Violet Evergarden» y el robot steampunk

    A partir de este momento, los capítulos—dentro de la estética narrativa neobarroca—vuelven a ser autocontenidos enfocándose en el duelo y en las pérdidas provocadas por la guerra. Violet se entrega totalmente a sus tareas como doll a pesar de lo tristes que le resultan ahora y su respuesta emocional es más desinhibida, llorando desconsoladamente al pensar en lo solitaria que será la vida de Ann sin su madre y sintiéndose impotente ante los padres de Aidan, un joven soldado que no podrá volver a casa. No obstante, los dos últimos episodios vuelven al formato serial, precisamente para cerrar la evolución de Violet que parece no convencer a todos.

    El capitán Dietfried Bougainvillea, hermano mayor de Gilbert, fue quien le entregó a Violet, a quien capturó después de que esta asesinara a sus compañeros. Después de la muerte del Mayor, él ve a la protagonista como una herramienta que no puede vivir más que para la orden de matar en la guerra y que debió morir en lugar de su hermano menor. En resumen, expone la postura de que ella como soldado existe sólo dentro del conflicto armado, luego pierde su sentido y debe ser desechada, además, después de haber sido una máquina de matar, ¿cómo puede reclamar ahora humanidad y decir que escribe cartas para unir a la gente?

    En este punto, vale la pena recuperar el factor tecnológico del steampunk que ya fue mencionado y que como apunta Mike Perschon (citado por Esser), une la arquitectura, moda, música o literatura de la época con tecnologías anacrónicas, implausibles o fantásticas. Un ejemplo de este punto se puede encontrar en Steamboy de Otomo Katsuhiro o El castillo ambulante de Miyazaki Hayao, donde se pueden ver ingeniosos inventos basados en mecanismos de la Primera Revolución Industrial, pero que son ficcionales.

    En Violet Evergarden, esos mecanismos retrofuturistas son representados en la serie por sus prótesis y sirven para plantear una analogía con el soldado que antes fue una máquina de matar y ahora es un ser rehumanizado. Si el lector recuerda el último episodio, un grupo radical pone bombas a un puente para evitar que el embajador llegue a firmar el tratado que asegurará la paz de Telesis y Violet se ofrece a ayudar a un molesto Dierfried para enfrentar a los rebeldes, pero asegurándose de no matar a ninguno a pesar de que Dietfried no duda en hacerlo. El soldado ya tiene un nuevo propósito y ya no pretende lastimar a nadie ni alimentar las llamas de la culpa.

    En consecuencia, ella resulta lastimada y no sólo su cuerpo humano, sino también sus brazos prostéticos. Según Beatriz Preciado, las prótesis tuvieron su origen en la guerra, donde al reconstruir el cuerpo humano, este era repensado como una metáfora del robot. En el caso de Violet esto tiene una doble lectura, ya que la prótesis es un recordatorio de su pasado como soldado así como de su cualidad autómata cuando se encontraba deshumanizada y sólo asesinaba a sus enemigos. No obstante, Helena Esser señala que la tecnología del steampunk—por la mano humana de su artesano creador—es impredecible, precaria y, por ello, despierta una identificación emocional.

    Cuando Violet ajusta sus prótesis para tipear, cuando las usa como escudos para evitar las balas de los radicales o cuando jala desesperadamente las cargas explosivas para salvaguardar el puente, podemos escuchar esa “respiración, tos, lucha y estremecimiento” de los mecanismos de su prótesis. Precisamente, estas características son mencionadas por Catastrophone Orchestra 4 (citada por Esser) al respecto de la tecnología steampunk. Esta expone un factor de incertidumbre sobre si el mecanismo fallará y eso le da una cierta mortalidad que despierta emociones ante su posible mal funcionamiento o pérdida. No obstante, las prótesis podrían haber sido utilizadas eficazmente como armas por Violet, mas ella no deseaba eso.

    A causa de su decisión de no matar y de obedecer su propia voluntad antes que una orden, la prótesis se destruye y se revela su precariedad así como la precariedad del carácter de robot que se le adjudicaba a la protagonista. La humanidad y sensibilidad que ha ganado la pueden poner en peligro cuando está en desventaja al no matar a sus contrincantes, pero ella ya no es una máquina de matar, sino una persona que ha decidido ayudar a otros como Auto Memory Doll. Esta determinación, voluntad y cambio para seguir adelante aplacan en cierta medida a Dietfried, quien le ordena seguir viviendo como le dijo Gilbert.

    Sin embargo, la historia del soldado después de la guerra en Violet Evergarden ya no es la de la fría muñeca de porcelana o del robot, pues ya no recibe órdenes, sino que—como ser humano—decide cargar voluntariamente con la culpa por el dolor que causó y vivir con el propósito de retribuir al mundo por ello. Al mismo tiempo, concilia eso con el afecto por los suyos, la soledad ante la pérdida de compañeros y el deseo de vivir. Violet aún no comprende totalmente el significado de “te amo”, pero sabe que esas palabras la unen a Gilbert, al igual que las palabras la unieron a sus clientes y amigos.

    El bonus

    • Violet Evergarden cuenta con un OVA, una película spin-off y una cinta a manera de secuela que se estrenará este año.
    • La serie está basada en la novela ligera del mismo nombre de la autora Akatsuki Kana. Fue ganadora del Gran Premio en el 5th Kyoto Animation Awards. Justamente, Kyoto animation fue el estudio a cargo de su adaptación al anime.
    • La historia de la creación de la máquina de escribir que se menciona en la serie está basada en hechos reales. Pellegrino Turri inventó una de las primeras máquinas de escribir para su amiga de la infancia Carolina Fantoni que era invidente. La novela About the blind contessa’s new machine de Carey Wallace cuenta una versión ficcional de su historia a manera de romance.
    • Como nos gusta tanto el anime, les dejamos una lista de reproducción de Kyoto Animation con videos relacionados a la serie que incluye el proceso de dibujo y animación. Además, les recordamos que Violet Evergarden está licenciada por Netflix.
    https://www.youtube.com/watch?v=PUFFMnuOF40&list=PLTNhweghpLi0B1oPjJbNLVkeSUbBfQ0Hc&index=1

    Si les interesa indagar más sobre el steampunk, la guerra y otros temas que hablamos en este artículo, pueden revisar las siguientes fuentes:

    • Esser, H. (2018). Re-assembling the victorians: Steampunk, cyborgs and the ethics of industry. Cahiers victoriens et édouardiens [en línea]. https://journals.openedition.org/cve/3480#text
    • Galtung, J. (1998). Tras la violencia, 3R: Reconstrucción, reconciliación, resolución. Afrontando los efectos visibles e invisibles de la guerra y la violencia. Bakeaz/Gernika Gogoratuz.
    • Grossman, D. (2014). On killing. The psychological cost of learning to kill in war and society. Open Road Integrated Media.
    • Nakar, E. (2008). Framing manga: on narratives on the Second World War in japanese manga, 1957-1977. En M.W. Macwilliams. (Ed.), Japanese visual culture. Explorations in the world of manga and anime (pp. 177-199). New York, Estados Unidos: M.E. Sharpe.
    • Ndalianis, A. (2005). ‘The Neo-baroque and television seriality’. En L. Mazdon y M. Hammond. Previously on: aproaches to the contemporary television serial. University of Edinburgh. https://www.academia.edu/1000096/Television_and_the_neo-baroque
    • Preciado, B. (2002). Manifiesto contra-sexual. Editorial Ópera Prima.
    • Sugawa-Shimada, A. (2018). Playing with militarism in/with Arpeggio and Kantai Collection: Effects of shōjo images in war-related contents tourism in Japan. Journal od war & culture studies, 12(1), 53-66. https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1080/17526272.2018.1427014?journalCode=ywac20
    • Tingley, S. (1996). «A letter is a joy of earth»: Emily Dickinson’s letters and victorian epistolary conventions. The Emily Dickinson Journal, 5(2), 202-208. https://muse.jhu.edu/article/245340
  • Entre lágrimas, risas y amor: EL PECADO DE OYUKI

    Entre lágrimas, risas y amor: EL PECADO DE OYUKI

    ⛩ En esta ocasión vamos a hablarles de una novela mexicana inspirada en Japón que la rompió durante la década de los ochenta por su originalidad y magistral producción: «El pecado de Oyuki».

    🖌 El pecado de Oyuki es una telenovela mexicana producida por Lucy Orozco para Televisa en 1988. Está basada en la historieta del mismo nombre escrita por Yolanda Vargas Dulché y publicada primero en 1949 dentro de la revista Pepín y después en 1975 dentro de la revista Lágrimas, risas y amor. Fue protagonizada por Ana Martín y Boy Olmi, con las participaciones antagónicas de Salvador Sánchez y Martha Roth, y la presentación estelar de Cecilia Gabriela.
    La historia fue adaptada al formato de telenovela por la misma autora. Se transmitió originalmente del 15 de febrero al 5 de agosto de 1988 en el horario estelar de las 21:00 h. por El Canal de las Estrellas (aunque la novela fue grabada entre 1986 y 1987).

    Protagonistas de la telenovela mexicana «El pecado de Oyuki»

    🌸 DATO CURIOSO:

    • Esta telenovela significó el debut como Productora Ejecutiva de Lucy Orozco.
    • La preproducción duró un total de siete meses.
    • Las grabaciones se iniciaron con apenas cinco capítulos escritos.
    • La utilería se trasladó desde Tokio para reproducirla en México, lo que representó un alto costo debido al sobrepeso de equipaje.
    • Para las escenas de las calles de Tokio se contrataron cerca de 600 extras con rasgos orientales.
    • Para simular una nevada se utilizaron cerca de mil costales de poliestireno expandido. El equipo tardaba más de tres horas en recoger con aspiradoras el material en las faldas del Ajusco.
    • La productora Lucy Orozco tardó tres meses en editar la entrada que acompañaba los créditos.
    • El actor Gonzalo Vega había sido elegido originalmente para interpretar el personaje de Yutaka, pero al parecer, no se sintió satisfecho con el personaje.
    • Esta telenovela alcanzó una gran teleaudiencia, consiguiendo 92 puntos de índice de audiencia, ganando diversos premios y siendo transmitida en países de América Latina, además de gozar de mucho éxito en Japón.
    • El costo final de la producción fue de 432 millones de pesos de la época.
    • Esta fue la primera (y, hasta ahora, única) telenovela mexicana doblada al cebuano e hiligeino para su transmisión en las regiones filipinas de Bisayas y Mindanao.

    Ana Martín como Oyuki

    ☘️ Después de «El pecado de Oyuki» :

    * Al finalizar las grabaciones de la telenovela Ana Martín fue invitada a Japón, pues las altas jerarquías de ese país querían felicitarla personalmente por el logro de haber interpretado magistralmente a una geisha.

    * Posteriormente Martin fue puesta en manos de un famoso cirujano en Los Ángeles debido a los desgarres que tuvieron sus párpados y otras partes cercanas a sus ojos a causa del constante estiramiento para simular ojos rasgados. Esto le costó a la actriz un largo tratamiento de recuperación para lograr restablecer la piel caída.