Categoría: Reseña

  • Love Live 9no Aniversario

    Love Live 9no Aniversario

    El pasado fin de semana (15 y 16 de febrero) varios cines en Lima nos sorprendieron con la proyección del reciente concierto por el noveno aniversario de la popular franquicia Love Live, que reunió a las seiyuus de la franquicia, incluyendo el retorno a la “generación original”: Muse. Que pasen anime en las salas limeñas ya es bastante raro, pero que pasen un concierto era una cosa que ni en los más locos sueños de los fans.

    Antes de empezar a contar sobre la experiencia de este inesperado estreno, debo aclarar un punto: no soy fan “de sangre pura” de esta franquicia. Soy lo que podría llamarse un otaku “vieja escuela”, veterano de la era pre-internet. Mis amigos ya saben mi famosa frase sobre un anime “si no tiene un tanque o un robot, no me interesa”. Caigo a conocer Love Live de manera tangencial, por no decir “no me quedó otra”, gracias a mi hijo (cuando dije que era veterano no era en broma). Mi hijo, fan de Love Live y responsable de que mi hogar sea una especie de templo a Umi Sonoda, me hizo ver todas las series, películas, especiales, escuchar soundtracks, juegos y demás yerbas relativas a esta franquicia. He arrastrado mi hijo a muchos eventos, animes y películas, así que consideré justo compartir su entusiasmo con esta franquicia, y acompañarlo a ver este concierto.

    Love Live, como dije, es una franquicia que he “descubierto” recientemente. Una serie sencilla que no se complica ni descubre la pólvora (ni trata de hacerlo). Nueve amigas, lideradas por la hasta entonces más discreta del grupo, deciden formar su grupo de “idols escolares” para ganar el popular concurso Love Live, y que eso haga que su escuela sea más popular y evitar que cierre.
    Esta es la historia de las Muse, y por supuesto todas las pegajosas canciones que vienen en combo con todo esto. En lo personal, me entretuvo mucho la serie original, casi me duermo con la segunda (con Yohane agregada a mi baúl de personajes insoportables del anime, al lado de
    Chibi-Usa y Ranka Lee), y gracias a las notificaciones de Instagram conozco algo del nuevo grupo. Debo reconocer que algunas de sus canciones lograron llegar a estar en mi playlist del teléfono. Algo de alegría musical no cae mal en un alma oscura después de todo.

    Sabiendo que este concierto llegaría a las salas limeñas desde el 2019, era cuestión de esperar hasta enero, que fue cuando anunciaron la preventa de entradas. La sala 4 del Cineplanet del Mall del Sur nos esperaba, y quede sorprendido al ver que a unas horas nada más de haber iniciado la preventa ya estaba vendida más de media sala. Ya gracias a mi hijo, pude ver cuán grande y popular ha sido, y es, Love Live por todos lados. Recordé entonces algunos eventos relacionados que hubo aquí en Lima que vi en Facebook pero que no tome atención en su momento.

    Llegó el día, y estábamos listos. Cola inexistente, y entramos al cine. Ya empapado no solo de la música de las Muse, sino de la siguiente generación, Aqours, y algo de las chicas de Nijigasaki
    High School, del nuevo juego, nos sentamos a esperar. Momento gracioso, solo había menos de
    20 o 30 personas a poco menos de 15 minutos de empezar la función. Por un momento pensé que nos habíamos equivocado de sala y hasta salí a ver si no nos habíamos confundido pues no había nada en la entrada de la sala sobre esta función. Ya más calmado, veo que recién habían puesto el banner promocional luminoso en la entrada. Pero yo aún me sentía algo extrañado de que la sala siguiera medio vacía.

    6:00 pm… Se apagan las luces… y… un regimiento enorme de fans, amigos, admiradores, y entusiastas entra a la sala y la llena casi por completo. Este fue el primer indicador de que esta no sería una función de cine normal y corriente. El concierto inicia con las Aqours, dando la respectiva bienvenida a los “asistentes” con un coliseo más lleno que un bar con cerveza gratis. Luego vendría la parte de “compra niño, compra” presentando a todas las integrantes del juego nuevo, que me dicen ya tendrán pronto su serie. Ya para este momento, no entraba ni un alma más en la sala. Los gritos de los fans asistentes al ver a las seiyuus, que eran presentadas junto sus versiones animadas, en las enormes pantallas del concierto resonaban más que la música. “Te amo”, “lindura”, “preciosa” se podía escuchar entre todos los gritos de la platea. No importaba que se cumpliera esa regla de que el parecido de un seiyuu con su contraparte animada sea inversamente proporcional a cuan bello/a o voluptuoso/a sea en su animación. Esto no era una función de cine, era teletransportarse al concierto en vivo en Japón. Llegamos a la parte de los solos de las nuevas integrantes, luego sazonados con las sub-unidades de Aqours y la participación especial de las “Saint Snow”, rivales de este grupo que terminaron siendo muy populares (dicho sea de paso fueron lo único que me gustó de “Love Live Sunshine” jejeje). Ya en este nivel, no escuchabas una sola palabra en castellano, ya que la meta de los chicos (y no tanto) era corear todos los temas. Aplausos, coros, gente emocionada. Es en este momento, es que a mi cabeza viene esa hermosa nostalgia de las gloriosas funciones del club SUGOI en el colegio Champagnat. Esa energía, ese calor, esa emoción de la gente. Los orgullosos otakus demostrando que el anime es una gran diversión pero solo cuando te unes a otros de tu misma afición es que llevas la experiencia a otro nivel.

    La puesta en escena es soberbia. Pantallas enormes, videos coordinados, luces y efectos por todos lados, las cantantes eran transportadas en tres enormes módulos por todo el escenario, y hasta vimos UN BARCO con todas las Aqours salir del escenario y moverse al centro. Era tan espectacular, que te hacía olvidar el hecho de que algunas de las chicas no cantan ni en fiesta de cumpleaños ¿Eso importa? Para nada. Los fans siguen cantando. Una pena que los encargados del cine prohibieron los light sticks, pero un aplauso al público que supo respetar las reglas… Bueno al menos hasta esta parte…

    Pasaron ya dos horas de concierto. Mucho cuchicheo en algunas filas, pero nada que distraiga.
    En eso, durante uno de esos momentos en que las seiyuus hablan y hacen los guiños de sus personajes, se acerca un entusiasta fan a mi hijo para ofrecerle el listado y las letras de todas las canciones del concierto. Otro salto en el tiempo, cuando veía a los primerizos otakus limeños vendiendo mercadería o merchandising en las reuniones. El ambiente de la sala era familiar, ya no había grupitos. Muchos se preguntaban o se pasaban la voz sobre algo del concierto y hasta se compartían canchitas. Todos eran Love Live. Y finalmente… Mi hijo me grita “¡POR FIN!”. Era EL MOMENTO. El retorno de las Muse, el grupo original que dio origen a toda esta locura y que estaba retirado ya varios años. Locura total. Gritos, risas, llantos… emoción, el Retorno del Rey. Las chicas saludan al público generando histeria colectiva. “Nico Nico Niiiiiiiiiiiiiii” retumbó en toda la sala. Las Muse anuncian que harán un “medley” (potpurrí) con sus canciones. Los tres módulos llevan a las divas por toda el área del concierto, y las canciones suenan en versiones cortas pero eso no importa. Los coros son cantados sin parar, y no faltan los que se saben toda la letra (un chico me mira raro de escucharme cantar “Sore Wa Bokutachi No Kiseki” completa). Dato curioso: son las mismas canciones que tengo en el celu. Ya en estos momentos la sala está transportada a la dimensión Love Live… y… las Muse van al centro del escenario y se vienen los acordes de LA CANCIÓN: Snow Hallation. Empieza a sonar y ya no hay quien pare esto. Aplausos, gritos y la platea pateando el piso al ritmo de la canción, al punto de generar algunos grados Richter. Los light stick salen finalmente, no importa nada más. A mi cabeza saltan las funciones del SUGOI con la gente entonando el “Zankoku na No Tenshi No Teeze” de Evangelion. El final del tema, es una locura… los silbidos, gritos y demás hacen la magia.

    Ya cerramos las tres horas. No queda más que la despedida ya agradecimiento de las todas las Seiyuus y se cierra el telón. Muchos esperando un encore, pero se apaga la pantalla. No hay escena extra jejeje. Los fans salen, comentan, rostros felices, todos vieron algo que sus amigos no. La salida del cine es alegría general, pues la fiesta no acaba con la función. Vemos a los grupos tomándose la foto respectiva junto al banner luminoso de la entrada del cine (como dije lo pusieron casi para empezar la función). Foto solo, foto grupal, en pareja y en todas las combinaciones posibles. Un fan con rostro de hombre realizado sonríe para cámara.
    Ovaciones. La salida está llena de merchandising, fotos, figuras, peluches. Muchos nuevos amigos intercambian números. Mi nostalgia me trae más recuerdos de las viejas funciones noventeras de Sugoi. Nadie se quiere ir, y ya hay planes para “repetir el plato” con la segunda función del domingo. Salgo más que contento, no solo porque fue una buena presentación en general, no. Asumo que no capté ni la mitad de los “easter eggs” de los verdaderos fans de la franquicia, pero creo lo mejor fue sentir de nuevo esta genial experiencia de ver una proyección de cine rodeado de personas que aman lo que están viendo y disfrutan compartiéndolo. Eso hizo de esta función algo muy diferente.

    En estos tiempos de redes donde el contacto y calor humano parece perdido, y donde el anime parece ser algo para pasar el rato dentro del bus con tu celu, ha sido grato ver otakus de todas las edades disfrutando música (que no es reeggaeton sobre todo) y que sepan mantenerse unidos alrededor de una afición. Mi hijo a la salida: “Viejo, gracias por acompañarme”. Me, Grimlock: “No, gracias a ti por regresarme a una de las mejores etapas de mi vida”. Dato extra: anunciaron el próximo estreno de la película de “Goblin Slayer”. Cineplanet se ha puesto las pilas con los estrenos de anime.

  • Review Domestic na Kanojo

    Review Domestic na Kanojo

    Ciertamente Domestic na Kanojo fue uno de los animes más esperados en la temporada de invierno. No es de sorprender, ya que la historia, de Kei Sasuga, tiene todos los componentes que una comedia romántica debe tener para ser un éxito: personajes estructurados, creíbles, humor, conflicto de valores familiares y un poco de necesaria dosis de descubrimiento sexual que hacen la historia imperdible este año.

    afiche promocional adaptación anime

    Actualmente el manga sigue en ejecución, por lo que los más fanáticos de la vida de Natsuo deben ya ser de un equipo apoyando  a una de sus hermanastras. Sasuga nos regala una situación que nos podría pasar a cualquiera: tu padre es viudo y decide volverse a casar, algo normal, pero no es necesario que lo haga con la madre de dos mujeres que han marcado tu vida.

    Natsuo, el protagonista, la tiene difícil. Debe convivir con el amor de su vida, Hina, que es su profesora de inglés y, además, su hermanastra mayor. Y por otro lado con, Rui, la chica con la que decidió debutar  sexualmente y ahora es su hermanastra menor.  Toda ésta situación condimentada con las vidas de otros personajes secundarios que cada vez más se hacen protagonistas.

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    No fue un desatino que, Shōta Ihata, decidiera dirigir la adaptación al anime de ésta complicada historia. Si vamos a la parte de la crítica, recordando que nos encontramos en el capítulo 5, el protagonista puede pecar de ser repetitivo o común pero no llega a ser desagradable para el espectador. Es mas, me atrevería a decir, que para ser un adolescente, en plena explosión hormonal, tiende a ejecutar acciones dentro de la ética y moral.

    Hina Tachibana

    En otra esquina, encontramos a los personajes de Hina y Rui. Si piensas que son típicas créeme que te darás un golpe contra la pared. Hina no está dentro del estereotipo de profesora de colegio : se nos presenta una docente joven llena de problemas existenciales y amorosos que decide disimularlos en salidas solitarias a bares. Y Rui debe de enfrentar el descubrimiento del primer amor junto a su falta de adaptación a la sociedad. Pienso que el guión de, Tatsuya Takahashi, es aceptable y la música también va al borde.

    Rui Tachibana

     Domestic na Kanojo gana cuatro puntos en una escala del 1 al 5. Actualmente el manga tiene 21 volúmenes y se encuentra en publicación. Si deseas darle una oportunidad lo puedes encontrar en Crunchyroll por transmisión simulcast.

  • Crítica ¨Niños Lobo¨ nuevo estreno de Netflix

    Crítica ¨Niños Lobo¨ nuevo estreno de Netflix

    Si revisando los nuevos estrenos de anime, en la plataforma  de streaming más usada en la actualidad, viste la película ¨Los Niños Lobo¨y pensaste que era una común historia familiar, estás equivocado. Yo misma pensé lo mismo al leer la sinopsis de la obra de, Mamoru Hosoda, pero, mientras va transcurriendo la trama en ella se abren historias de personajes peculiares, sencillos a simple vista, pero que conforme va avanzando el desarrollo de la trama  estos mutan y renacen con nuevas actitudes hacia la vida, firmes, justificables y reales. Lo cual hace que Okami Kodomo no Ame to Yuki sea considerada en la sección ¨Aclamada por la crítica¨ de Netflix. La vida de una joven universitaria de 19 años da un giro al enamorarse de un hombre lobo. Si deseas ver el típico esteriotipo de éste personaje mitológico, mejor busca por otro sitio, Mamoru nos trae una historia que es un símil de la vida misma, el temor al ser diferente y el lógico rechazo hacen que los personajes de éste largometraje sean interesantes.  Hana (Aoi Miyazaki) es una joven universitaria  de Tokio que se ve atraída por un muchacho tímido que finge ser estudiante de la misma escuela con la finalidad de aprender más sobre la literatura, se hacen amigos y más tarde pareja. Poco después el hombre lobo (Takao Osawa) le confiesa que es el último hombre lobo que existe en Japón pero ésta revelación no preocupa a Hana que con una sonrisa le responde a la fantástica revelación. Se van a vivir juntos y tienen dos hijos: la mayor se llama Yuki (Haru Kuroki) y el menor  Ame (Yukito Nishii) . En un afán de cocinarle una sopa reponedora a su esposa el hombre lobo fallece en un inexplicable accidente. Es así como Hana queda al total cuidado de los pequeños niños lobo que pronto comenzarán a mostrar sus habilidades especiales heredadas por su padre. La película ha sido galardona en festivales como MAINICHI FilmAWARDS 2012 : como mejor película de animación y ganadora de los  Premios de la Academia Japonesa: como mejor película de animación (2012). Actualmente la cinta animada se encuentra en la sección de series populares de Netflix.  

  • VAGABOND: manga del guerrero invencible bajo el sol

    VAGABOND: manga del guerrero invencible bajo el sol

    La historia de Musashi, el personaje principal de Vagabond, gira en torno a su aprendizaje espiritual en el camino de la espada. Comienza con una vida de musha shugyō (práctica de viajar o peregrinar como entrenamiento), donde continuamente busca el significado de la verdadera fortaleza e invencibilidad. En el camino aprende sobre la vida, la humanidad y sobre sí mismo.  Eventualmente, Miyamoto Musashi se convierte en uno de los guerreros más respetados y famosos de todo Japón.

    El joven Takezo se reubatiza como Miyamoto Musashi

    Creciendo entre el período Sengoku y el período Edo en el siglo 17, Shinmen Takezo es rechazado por los aldeanos locales y tildado de “demonio” por su salvaje y violenta naturaleza. Al escapar del pueblo con su mejor amigo Hon’iden Matahachi, Takezo se enrola en el ejército Toyotomi para combatir contra el clan Tokugawa en la batalla de Sekigahara. Sin embargo, los Tokugawa consiguen una arrasadora victoria llevándolos a casi 300 años de gobierno bajo el shogunato Edo. Takezo y su amigo logran sobrevivir a la batalla y juran desde ahora hacer grandes cosas con sus vidas, aunque eventualmente toman diferentes caminos. Takezo, ahora llamado Miyamoto Musashi se embarca en un viaje para convertirse en el samurái más fuerte de Japón yendo de pueblo en pueblo en búsqueda de los guerreros más fuertes. Él aprenderá que ser el más fuerte no es la respuesta para acabar con sus demonios internos.

    Musashi ha crecido durante uno de los períodos más inestables y violentos de la historia de Japón: el período Sengoku. Al contar con un débil emperador y shōgun (líder militar) y con los astutos daimyō (señores feudales) peleando por el poder, los habitantes de Japón no conocían la paz. En el caso del protagonista, el ambiente externo se refleja en su vida personal, pues ha vivido una vida caótica y violenta hasta sus 17 años.  Criado por un padre agresivo y  rodeado de vecinos que le gritaban demonio, él ha creído estas palabras y decide hacer lo que cree que es consecuente para él: asesinar con su katana a todo quien se le ponga adelante. Pero, en este camino de la espada, él conocerá a dos personajes cruciales para su desarrollo interno: su archirrival Sasaki Kojiro y el monje budista cómico Takuan Sōhō (Takuan es un personaje histórico).

    El mangaka Inoue tiene la habilidad para dar movimiento y velocidad a la tinta. No sólo se nota en las batallas, sino en las cosas cotidianas. Por ejemplo, el agua fluyendo es un elemento recurrente en el manga y contrasta con el estancamiento mental de Musashi.

    Sasaki Kojiro: el rival más fuerte de Musashi

    Mientras la ilustración del personaje de Musashi connota fortaleza en sus cejas y demás facciones, Kojiro transmite la impresión de fragilidad junto con una paz imperturbable en sus ojos rasgados, manos delgadas y cabello siempre al viento, pero nada más lejos de la realidad.

    Sasaki Kojiro es el archirrival del protagonista. Sus destinos parecen estar entrelazados: si algún día se enfrentan se sabrá realmente quién es el mejor samurái de la historia de Japón. Kojiro es sordo de nacimiento, pero lo ha compensado con una visión veloz que le ha hecho ganar el título del guerrero más temido. Sus motivaciones para tomar el camino de la espada son diferentes a las de Musashi, pues si a Kojiro no le buscan pelea, él no pelea. Sin embargo, a la hora de la batalla saca a flote una perturbadora y sanguinaria violencia que parece disfrutar. Su técnica es el “corte golondrina” inspirada en el rápido y esquivo movimiento de este ave al volar. Su conexión con el mar y la katana han sido plasmados de manera única por el mangaka Inoue.

    Takuan: el espíritu cómico del zen


    El monje budista cómico Takuan renombra a Takezo como Miyamoto Musashi, liberándolo espiritualmente para que continúe su camino y evolucione en su personalidad.

    Takuan Sōhō es un monje budista Zen de la escuela Rinzai que encarna el espíritu cómico del Zen. Él es un vagabundo también, sólo cuenta chistes y no pertenece a ningún templo como otros monjes. Se dedica a viajar para descubrir la naturaleza de la condición humana. “Este es un viaje para ver las cosas que no quería ver dentro del hombre”. Esta forma de ver el mundo se relaciona con una técnica propia del Zen Rinzai llamada “kensho” que significa “ver nuestra verdadera naturaleza” o “iluminación”. Para ello, hay que liberar el pensamiento y Takuan usa el mecanismo de no tomarse en serio a sí mismo (vía el humor) para lograrlo, aunque esto pueda chocar con  el paradigma habitual del monje serio.

    Ésta esencia del carácter de Takuan se puede asociar con la figura del monje-payaso de Conrad Hyers. En su libro “Zen y el espíritu cómico” señala la existencia de la figura “monje-payaso” como punto clave para no olvidar la tarea del no-apego a las cosas. El payaso en muchas culturas simboliza la emancipación y la libertad aunque quizá no de la manera más espiritual o refinada. El “monje-payaso” cumple la función de figura religiosa por su espíritu amplio, intuitivo y espontáneo tan ligado a la búsqueda zen. Esta visión es interesante porque los elementos cómicos en relación a las formas religiosas suelen estar relegados a una categoría inferior por ser asociadas como distracción (o a veces hasta como una negación) de la seria y sagrada tarea religiosa. Sin embargo, Vagabond plantea lo contrario y es gracias a esta particular manera de actuar que Takuan logra llegar al pensamiento de Musashi (quien no le hacía caso a nadie).

    La relación de estos dos personajes recuerda a la de maestro-alumno que es tan importante en el budismo zen. Él ayuda a Musashi a cuestionar su búsqueda por ser invencible (y de paso su existencia) por primera vez a través de su particular manera de hablar (algo irracional) y por sus preguntas que recuerdan a los famosos kōan (técnica zen basada en un problema que el maestro plantea al alumno para comprobar sus progresos. Muchas veces el kōan parece un problema absurdo).

    Estos son sólo 3 personajes del gran abanico con el que cuenta Vagabond. Es un manga que vale la pena leer no sólo por su aspecto histórico y filosófico, sino por la impresionante calidad del dibujo.

    El maestro del movimiento: Takehiko Inoue, creador de Vagabond

    El responsable es el mangaka Takehiko Inoue, conocido por “Slam Dunk”, un manga sobre baloncesto que se convirtió posteriormente en anime en los noventas. Cuando le preguntaron cómo surgió la idea de crear Vagabond en 1998 confiesa haber estado explorando la pregunta sobre qué significa ser japonés. En una entrevista en “Manga: maestros del arte” comenta: “lo que quería era simple. Hoy en día en Japón las personas de mi edad y los que son mucho menores están fuera de contacto con la historia de Japón y nuestra tradición cultural. Yo mismo ignoraba estas cosas. Entonces esperaba que Vagabond despierte un chispazo de interés en ellos”. Menciona además tener que investigar elementos históricos como tipos de kimonos, peinados y armaduras porque cambiaban dependiendo del período e inclusive por la clase social.

    Su estilo de dibujo tiene una fuerza kinestésica sacada de una película de Akira Kurosawa. Y efectivamente, él se considera fan del director japonés. “Creo que tendría que decir que he sido influenciado por Kurosawa. Comencé a usar un pincel porque quería conseguir ese sentimiento sombrío y sucio, quería una textura artística que los “Siete Samuráis” o “Rashomon” tenían. Ese es el sentimiento que quiero lograr con mi arte”. Él empezó usando un estilógrafo hasta el “arco de Kojiro” en Vagabond y luego pasó al pincel porque quería intensificar la emoción. Impresiona su habilidad para darles movilidad, pero sobre todo, velocidad a los personajes tanto dentro como fuera de batalla. Es considerado como  el maestro del movimiento.

    El manga está basado en la novela de Eiji Yoshikama “Musashi” de 1935. Es un relato de ficción basado en la biografía de Miyamoto Musashi, probablemente el guerrero japonés más famoso y creador del estilo Niten Ichi Ryu o “con dos sables”. Este personaje histórico fue autor de «El libro de los cinco anillos» que trata sobre el arte marcial “kenjutsu” (el kendo vendría a ser una versión moderna de este arte) e implica entender los elementos tierra, agua, fuego, viento y vacío como parte del camino de la espada. Él escribió la obra cuando dejó de asesinar y confesó sentir que venció estos duelos no por haber dominado la estrategia, sino que por ser más fuerte, preparado o simplemente por suerte. En su vida de ermitaño entra en contacto con otras formas de arte como escultura, pintura, caligrafía y también meditación Zen, pero siempre viajando y vagabundeando.

    “El alcaudón en el árbol estéril” de Miyamoto Musashi (1584-1645). Pergamino sobre papel de tinta. Kubuso Memorial Museum ofArts, Izumi, Osaka.

    Este legendario guerrero ha inspirado otros mangas tales como “Rurouni Kenshin” (Samurái X) donde se puede hacer un paralelo entre las decisiones del personaje principal Kenshin Himura al elegir una vida pacífica tras un ciclo de violencia tal como hizo Miyamoto Musashi.

    Malas noticias: Vagabond está en hiatus desde el 2015

    Lo que todo lector teme es que su manga entre en el famoso hiatus que significa que el autor ha dejado de emitir nuevos capítulos. Vagabond se encuentra en el hiatus más largo de su historia.

    Han pasado 19 años desde la primera emisión de Vagabond y aún no finaliza. Esto se debe en parte a la discontinuidad de Inoue al sacar material. Hasta el 2010 el ritmo era de uno o dos capítulos por semana, pero desde hace unos años la salud mental de Inoue empeoró y comenzaron los hiatus con espacio de 3 a 6 meses. Luego se puso mejor, pero en lugar de volver a Vagabond, comenzó a trabajar en un nuevo manga llamado “Real” sobre el baloncesto en silla de ruedas dejando de lado por completo a Miyamoto Musashi. Esto ha causado conmoción en muchos fans que esperan el final del manga desde hace 3 años, pues Inoue ha comentado que ya está cerca. Actualmente, el último capítulo publicado en tankōbon es el 322 llamado «Libélulas» (秋津Akitsu), pero el último que ha sido emitido es el 327 llamado “El hombre llamado Tadoki”.

    Puede sonar desalentador comenzar a leer un manga que está paralizado desde el 2015 (para los que aún no lo han leído), pero es una obra de culto que merece un espacio en el kokoro de cualquiera interesado en adentrarse en uno de los mejores mangas de los últimos tiempos. En la siguiente entrevista, cuenta cómo su depresión lo ha alejado de Vagabond: “veo en el hiatus mi muerte como artista, pero aunque sé que suena como una manera dramática de ponerlo, he estado llevando una carga por mucho tiempo y sé que me convertiré en un mejor artista si primero descargo todo esto”. Sin embargo, hay muchos rumores sobre que “El hombre llamado Tadoki” es el final de la serie añadiéndole aún más misticismo y culto. Si Inoue decide no darle un final convencional a Vagabond quizá sea consecuente con la vida de Musashi, quien nunca dejó de viajar física y espiritualmente en el camino que tomó: el camino de la espada.

    Invencible bajo el sol. Volumen 1.  Entrevista: https://bit.ly/2FrsTTW
  • Miss Guillotine

    Miss Guillotine

    Tradicionalmente, el atributo de la belleza se vincula a los de la inteligencia y la bondad. Desde el punto de vista psicológico, las personas solemos padecer de un sesgo conocido como Efecto Halo, que consiste en atribuir a personas atractivas cualidades y virtudes que, en realidad, no poseen. En los últimos años, además, la belleza se ha convertido en un bien consumible y en una forma de prestigio, asequible por medio de cirugías plásticas. En una sociedad abrumada por la cultura de consumo y el culto a la belleza como lo es Corea del Sur, no es extraño que aparezcan ficciones a través de las cuales se deslicen relatos de inconformidad, resentimiento y snobismo. Ya sea la representación de una venganza, la crítica trillada a la moral decadente y autodestructiva de jóvenes bellos pero criminalmente superficiales, o un verdadero intento de subversión mediante la deconstrucción de arquetipos ficticios. Este manhwa tiene un poco de cada cosa.

    Miss Guillotine es un webcomic creado por los historietistas Gaje (guión) y stego (dibujo), publicado desde el 2015 hasta marzo de este año en Lezhin Comics, actualmente el portal web de manhwa más grande de Corea del Sur. En él se presenta como escenario la ciudad de Peace City, una metropoli de primer mundo cuyo principal problema es la constante invasión de seres misteriosos que intentan acabar con ella. Pese al terrible poder de estos entes, los habitantes de la ciudad han sobrevivido gracias a la recurrente intervención de las chicas mágicas (mahou shojo o magicals girls), cuyas principales misiones son las de derrotar a estas amenazas y servir de modelos de virtud a los ciudadanos corrientes. En su vida privada, sin embargo, estas jóvenes distan mucho de ser modelos a seguir y aprovechan el status que les otorga el ser heroínas para aprovecharse de otros.

    Callie es testigo de primera mano de la personalidad hipócrita de estas chicas: todos los días sufre las palizas e insultos propinados por Hailey, el alterego de Iluminity Beauty, la chica mágica más poderosa y admirada en la ciudad. No se atreve a delatarla, por miedo a las amenazas y a que no se le crea, pero su deterioro es evidente. Cierto día la abusadora manda a un grupo de subordinadas a golpearla, pero es rescatada por su hermana, Jullie, lo cual desencadenará la tragedia para ambas.

    A partir de entonces, Hailey pasa por una aparente redención y busca un acercamiento amistoso a su antigua víctima. Callie recupera el cariño por las chicas mágicas que comparte el resto de la ciudad. Pero mientras ella mejora, su hermana comienza a llegar tarde a casa y con moretones en el cuerpo. Además, ha ganado aversión hacia las chicas mágicas y le reclama a Callie por su cambio de conducta. Callie intuye la nueva situación, pero no se atreve a hacer nada por miedo a perder su precaria tranquilidad. Hasta que una noche Jullie no llega de la escuela.

    Pero su hermana conoce a las culpables…

    La vulneración del arquetipo de la magical girl no es una novedad; inicia, como mínimo, con el nuevo milenio y el fanfic Sailor Nothing. No obstante, su popularización reciente se debe al surgimiento de la franquicia Madoka Magica. La cual ahora debe compartir espacio con las de Yuki Yunna is a Hero y Ikusei Keikaku, además de con el juego de rol Tokyo Heroes, el webcomic Shattered Starlight  (y otros) y los mangas de Kentaro Sato (donde el concepto de chica mágica se distorsiona por completo).

    Habría que recordar que este tipo de personajes surgió como un producto para consumidores masculinos, en los años sesenta, a solo diez años de la ocupación norteamericana en Japón tras la Segunda Guerra Mundial. Durante esta época era común usar mujeres para promocionar aparatos electrónicos y otros bienes industriales. La idea era otorgar a estos avances una cara amigable con el fin de conciliar al nuevo sistema de producción con el ciudadano, ya que este todavía necesitaba adaptarse a los traumas de la derrota de los valores japoneses tradicionales y de la implantación de un orden centrado en la adquisición de bienes. Las «shojo» (doncella o chica joven) de la publicidad sirvieron como base para el nacimiento de las magical girls, quienes, al igual que sus contrapartes humanas fueron la representación idealizada de lo femenino, con la función principal de reconfortar a los consumidores. 

    No obstante, el rol de las chicas mágicas iba más allá de ser objetos de deseo. Debido a que la caracterización heroica presentaba varios de los valores que la sociedad japonesa esperaba que los jóvenes asumiesen a medida que iban madurando, como los del autosacrificio y la perseverancia, no era complicado sentirse identificado con ellas. Además, la condición eternamente prepúber de estas chicas servía como un medio para focalizar la fantasía de evasión a las obligaciones reproductivas y laborales impuestas por la sociedad.

    Desde esta perspectiva, a pesar de que varias de estas nuevas versiones «oscuras» buscan reconciliar su cinismo con el «niño interior»de sus consumidores al final de la historia (la derrota de Fav en Ikusei Keikaku; el reinicio del universo fictivo por el poder de la divinizada Madoka; etc.),  es fácil leer estas series como una expresión disfórica respecto a las expectativas frustradas de la sociedad y el individuo. Mientras que las chicas mágicas originales son característicamente optimistas y en su evolución se muestra una clara confianza a los relatos de progreso (en los que el futuro solo puede ser mejor), las nuevas «heroínas» parecen representar una asunción tardía de la crisis de las grandes creencias. Aunque suelen mostrar también lo perjudicial que resulta el egoísmo absoluto a largo plazo.

    Miss Guillotine no tiene un arte sobresaliente. Hay una predominancia de los primeros planos, lo cual indica que el eje principal del relato son los personajes. En lugar de una historia de aventuras o de fantasía, este webcomic es predominantemente un thriller, si bien las escenas de lucha y conjuros aparecen en los momentos adecuados para reinsertarnos en la mitología de las magical girls.

    La trama se divide en dos partes. En la primera se narra el desarrollo de la venganza de Callie, quien descubrirá que el origen de la crueldad de las villanas radica en la obsesión por la belleza y el prestigio. (La recurrencia de este aspecto en otros manhwas, como Beauty Game y A World That I Rule, sugiere que es sintomático). En la segunda parte se introducirán nuevos personajes y se cuestionará la idea de la venganza como medio de ejecutar justicia, así como la legitimización de comportamientos e ideas a través de la aceptación social de estas. Aunque de  eso tratará una reseña futura.  

  • El diario gatuno de Junji Ito

    El diario gatuno de Junji Ito

    Ya que la fecha más indicada tiene poco de haber terminado, me gustaría hablar sobre mangakas de terror. Por fortuna este es uno de los géneros más fecundos de la historieta japonesa, el mismo cuenta con los elegantes trazos de Maruo Suehiro, el horror psicológico de Kazuo Umezu, la crítica metafictiva de Shintaro Kago y el siniestro extrañamiento de Senno Knife. Todos ellos han publicado obras importantes de gran alcance a lo largo de sus carreras y cualquiera de estas merece ser reseñada. No obstante, elegí la siguiente por su peculiaridad dentro del conjunto de obras de su autor.

    Considerado por algunas personas como el representante más significativo del manga de horror vivo, Junji Ito sorprende por la variedad de temas que maneja. Bastaría reseñar brevemente los conceptos de tres de sus series principales para dar una idea de su fecundidad creativa. Gyo, por ejemplo, trata acerca de una aparente invasión de las criaturas marinas a la superficie en un pequeño pueblo costero; Tomie, de la intensa maldad de una hermosa joven, cuya verdadera naturaleza dista mucho de ser humana; y Uzumaki, de una serie de fenómenos en un pueblo, provocados por el despertar de una entidad misteriosa y antigua. Sus historias menores, las autoconclusivas, también están caracterizadas por esa mitología experimental. En ellas, los pobres humanos se ven atormentados por demonios, fantasmas, alienígenas y, no en raras ocasiones, otros hombres y mujeres.

    Pese a su considerable desempeño en el horror, Junji Ito no se mueve exclusivamente en este terreno: ha publicado también adaptaciones literarias y manga autobiográfico. Sin embargo, los libros que ha recreado (entre ellos, Frankenstein y Humano demasiado humano) no se divorcian por completo de su nicho recurrente. Sí lo hacen, en cambio, sus historias autobiográficas, en las que, a excepción de una en la que relata la influencia que recibió de Umezu, prefiere hablar de su relación con sus seres queridos y los animales.

    La historia de Ito Junji’s Cat Diary inicia con la compra de una nueva casa por parte del mangaka. Su novia, a la cual se refiere bajo el seudónimo de A-ko, le recuerda que, para desgracia del autor, poco amante de los gatos, habían acordado traer al minino de la casa de sus padres a vivir con ellos. Para empeorar la situación lo convence de adoptar un segundo gato con el fin de que el primero no se sienta solo. Así, la rutina de Junji lentamente se ve modificada por el deber de adaptarse a la comodidad de sus mascotas. Las cuales, además, ignoran sus desesperados intentos por obtener cariño de ellas.

    Traducido como El diario gatuno de Junji Ito, en general, este manga no presenta complejidad alguna; solo relatos autoconclusivos sobre la crianza de gatos, que serán más del gusto de los dueños de estas mascotas. Sin embargo, más allá del argumento resulta interesante observar cómo el estilo de dibujo y las mismas expresiones venosas y exageradas utilizadas para el horror se adaptan al  género de la comedia y del slice of life, sin apartarnos del ambiente familiar en el que se insertan. Incluso muestras de inclinación a lo monstruoso, como las transformaciones del gato Yon, terminan conformando gags refrescantes y divertidos. Si consideramos la invención como un redescubrimiento, puede considerarse que su brillantez radica en el recordatorio de la maleabilidad de ciertos procedimientos gráficos y en que la obtención del efecto deseado con estos depende de una correcta contextualización. 

  • Pokémon

    Pokémon

    Muchas animaciones han surgido por casualidad o por acción comercial que impulsan la mercadotecnia de la franquicia. Tal es el caso de esta animación, la cual sencillamente se ha consolidado en el gusto del público y, consecuentemente, sus productos se siguen vendiendo como pan caliente.

    En la actualidad los Pokémon están en boca de todos desde el lanzamiento del último juego de realidad aumentada para móviles Pokémon Go, la cual ha invocado en más de uno y a nivel mundial su deseo de ser maestro Pokémon. Más aun con el próximo estreno del anime Pokémon Generations cuyo estreno se realizará el este viernes 16 de Setiembre la cual será un spin-off de 18 capítulos que relatará historias de todas las generaciones y regiones del mundo Pokémon que conocemos gracias a las películas y los videojuegos de la franquicia.

    Estos monstruitos japoneses nacieron en 1995 en forma de videojuego. Algunos recordaran con nostalgia la primera vez que jugaron el Pokémon Blue o Red en su versión para la consola Game Boy, a modo personal aquellos pixeles que formaban rudimentariamente la figura de los personajes del juego, llegaban a mi mente como si fuesen proyecciones en full hd, estoy más que seguro que a muchos les paso lo mismo. 

    Pero… ¿Qué es Pokémon? La palabra Pokémon es la contracción de pocket monsters, es decir, monstruos de bolsillo en inglés. En español puede llevar acento y variar en plural, según la RAE (los Pokémones, pero también es correcto dejarlo en los Pokémon), y lo mismo sucede con cada especie (como los pikachus, los bulbasaurs, etc.). Pero en inglés y japonés no cambia ni la palabra Pokémon ni cada tipo.

    El concepto de la franquicia está basado en la afición a coleccionar insectos que de pequeño tenía el productor ejecutivo del universo Pokémon, Satoshi Tajiri. Así, lo incluye en los videojuegos (el producto original) pero también una tiene serie animada, películas, un juego de cartas, juegos de mesa, y muchos más merchaidising

    El protagonista de la serie, Ash Ketchum, en Japón se llama Satoshi, como su creador. Ash era una de las opciones para el nombre del protagonista de los primeros juegos y el apellido es una contracción sonora del lema de la saga en inglés: Gotta catch ‘em all! (¡Hazte con todos!). No es el único cuyo nombre cambió al abandonar Japón: sus compañeros eran Misty (Kasumi), Brock (Takeshi) y May (Haruka), y sus rivales Gary (Shigeru) y el Team Rocket, con Jessie (Musashi) y James (Kojiro). Estos últimos adquirieron sus nombres occidentales por el bandido estadounidense Jesse James.

    Sin embargo, cabe resaltar que la línea más apegada a la idea original de Pokémon está contenida en el manga, la cual, si bien a simple vista pareciera muy similar al anime, difiere totalmente. Y es que el Manga Pokémon está basado en los juegos principales de la franquicie. Según Satochi Tajiri, Pocket Monsters Special (Ese es su nombre original del manga Pokémon) son lo más cercano a lo que él quería que fuera el mundo Pokémon. En las publicaciones siguientes empezaremos a detallar las Sagas en las que se encuentra dividida esta serie de mangas, sin embargo hago mención de forma resumida..

    Saga Rojo, Verde y Azul 
    Muestra el viaje de Rojo y Azul, unos jóvenes de 11 años que inician su aventura Pokémon por la región Kanto. Ellos dos buscarán derrotar a los 8 líderes de gimnasio y salir campeones de la Liga Pokémon mientras el Team Rocket comete sus actos criminales con los Pokémon, entre ellos al llamado Mewtwo.


    Saga Rojo, Verde y Azul 

    Saga Amarillo 
    Trata sobre la travesía de una chica llamada Amarillo que es encomendada por Verde para una misión que consiste en rescatar a Rojo, desaparecido misteriosamente tras recibir una carta de un contrincante que resulta ser miembro del Alto Mando de Kanto.


    Saga Amarillo 

    Saga Oro, Plata y Cristal 
    Una nueva aventura da inicio en la región Johto donde el personaje Oro recibirá su Pokémon inicial de manos del profesor Elm junto a su rival misterioso Plata, que es buscado por el robo de un Totodile, y Cristal, una experta en la captura Pokémon, que deberán recolectar los datos de la nueva Pokédex. También se encontrarán con el Neo Team Rocket cuyo líder es The Mask of Ice.


    Saga Oro, Plata y Cristal 

    Saga Rubí y Zafiro
    La historia toma lugar en Hoenn, lugar al cual se muda el personaje Ruby para que su padre Norman pueda ejercer el cargo de líder de gimnasio de dicha región. Ruby se fuga para convertirse en un gran coordinador Pokémon y por el camino se encuentra con Sapphire, quien va tras las medallas de gimnasio. También se encuentran con Wally, un chico desconfiado de sus habilidades. Juntos deberán combatir contra el Equipo Aqua y el Equipo Magma.


    Saga Rubí y Zafiro

    Saga Rojo Fuego y Verde Hoja
    Se inspira en parte de las Islas Sete de las versiones del videojuego Pokémon Rojo Fuego y Verde Hoja. La trama se compone sobre el intento de atrapar a Deoxys por Team Rocket; y Rojo, Azul, Verde, Amarillo y Plata se esfuerzan para detenerlos. En el camino deben rescatar al abuelo de Azul, el Profesor Oak, y los padres de Verde, que han sido secuestrados por Deoxys. Nuevamente el Team Rocket hace de las suyas. Es en este capítulo donde Plata encuentra su pasado.


    Saga Rojo Fuego y Verde Hoja

    Saga Esmeralda
    La misión de Emerald es derrotar a la cúpula del Frente Batalla en siete días, y al mismo tiempo él y Cristal buscarán atrapar al misterioso Jirachi por encargo del profesor Oak. El objetivo es cumplir un deseo muy importante para salvar a los entrenadores antes de que alguien con malas intenciones como Guile Hideout consiga capturar a Jirachi.


    Saga Esmeralda

    Saga Diamante y Perla
    Diamond y Pearl son unos chicos que juntos hacen un dúo de comedia. Debido a una confusión se convierten en los acompañantes de una joven adinerada llamada Platinum, la cual tiene un importante cometido: llegar hasta el Monte Corona. De esta manera los tres iniciarán una aventura por Sinnoh y Platinum se irá enfrentando a los desafíos de los gimnasios Pokémon.


    Saga Diamante y Perla

    Saga Platino 
    La crónica se centra ahora en Platinum y su participación en el Frente Batalla. Ella se encuentra con Handsome, un detective que investiga los sucesos en el Mundo Distorsión y que buscará detener los planes del Equipo Galaxia.


    Saga Platino 

    Saga Oro HeartGold y Plata SoulSilver
    El argumento lo vuelven a protagonizar los personajes de Johto Oro, Plata y Cristal, pero ahora con diferentes misiones y nuevos encuentros. El Team Rocket regresa con nuevos planes y Oro deberá presenciar la ira del legendario Arceus.


    Saga Oro HeartGold y Plata SoulSilver

    Saga Negro y Blanco
    Se exhiben a los entrenadores originarios de Pueblo Arcilla en un viaje para alcanzar sus objetivos acompañados por Pokémon como Tepig, Snivy y Oshawott. Negro sueña con ser el campeón de la Liga Pokémon mientras que Blanca quiere ser la mejor mánager de actores Pokémon, pero sus planes se verán frustrados por el Equipo Plasma y el misterioso N.


    Saga Negro y Blanco

    Saga Black 2 y White 2
    Narra la historia de Lack-two, un miembro de la Policía Internacional cuyo objetivo es hallar a los integrantes del Equipo Plasma que quedaron tras la caída de la organización dos años atrás. En el proceso Lack-two termina involucrándose con Whi-two, una joven que intenta dejar atrás su pasado como antigua miembro del Equipo Plasma.


    Saga Black 2 y White 2

    Saga XY
    Trata sobre las aventuras de X y de Y, los cuales inician su viaje por Kalos poco después de que su ciudad natal fuera casi destruida por un combate entre los Pokémon legendarios Xerneas e Yveltal. El Team Flare tiene como objetivo hacerse con el Mega-aro de X y con Xerneas e Yveltal para fabricar un arma definitiva.


    Saga XY

    Saga Omega Ruby y Alpha Sapphire
    Vuelven los Pokédex Holder de Hoenn Ruby, Sapphire y Emerald con el fin de proteger su región de un grave peligro. Para ello tendrán que controlar la megaevolución en una aventura también conocida como Episodio Delta.


    Saga Omega Ruby y Alpha Sapphire

    Nos vemos.

  • Bakuman

    Bakuman

    BAKUMAN es creado por Takeshi Obata y Tsugumi Oba, conocidos mundialmente por ser autores de Death Note, este manga fue publicado después de su serie estrella, y fue concebido en el año 2008, muchos creen que este manga es una autobiografía de este dúo, pero ellos han negado que sea así. El manga está finalizado con 176 capítulos, el anime tiene 3 temporadas de 25 capítulos cada uno, y un Live Action, esta película fue condecorada en la 39º edición de la ceremonia de la Academia Japonesa de Cine con los premios a la «Mejor Música», «Mejor Edición» y el premio de «Popularidad».

    La historia nos lleva a conocer al dúo Ashirogi Muto, conformado por Mashiro Moritaka, alias Saiko y Akito Takagi, alias Shuujin, quienes de una forma poco común se juntaron para seguir su sueño de ser los mejores mangakas de su época. Mashiro vive enamorado de Asuki, y por su timidez le es muy difícil acercase a ella. Un día olvida su cuaderno en el colegio (este cuaderno tiene dibujos de Asuki), al entrar al salón para recuperar su cuaderno se encuentra con Takagi, quien le comenta su sueño de ser un mangaka y le pide hacer una dupla, Mashiro se encargaría de los dibujos y Takagi del guión. Mashiro se niega rotundamente, entonces Takagi usa una estrategia para conseguir su propósito. Tras un chantaje logra que Mashiro confiese su amor hacia Asuki, y no solo eso, le pide matrimonio, y para su buena suerte Asuki también está enamorada de Mashiro, pero prometen casarse cuando se cumplan sus sueños, el sueño de Asuki es ser una seiyuu y Mashiro confiesa que desea ser un mangaka como su tío fallecido. Ambos pactan casarse cuando sus sueños se hagan realidad y prometen que cuando el manga que realice Mashiro y Takagi se vuelva un anime, Asuki sería la Seiyuu de la heroína de su historia, hasta entonces no podrán volver a verse, solo mantendrán comunicación por cartas, mensajes de texto o correos.

    A simple vista, este argumento parece ser uno de los tantos Shoujo´s que existen, pero no juzguemos antes de leer, más de allá de mostrarnos una historia melosa entre Mashiro y Asuki, los autores explotan su experiencia en el mundo del manga y nos da a conocer cómo funciona una revista de manga, la famosa Shonen Jump, que el manga la conocen como la Jack. 

    Aquí podrás conocer detalles desde como uno consigue publicar su Oneshot, lo que se debe hacer para tener una publicación semanal hasta los sacrificios que se hacen para conseguir que tu obra sea convertida en un anime. El dúo Ashirogi Muto no la tendrán fácil en el camino para conseguir su sueño, pero eso no amilana sus deseos para conseguir su sueño. A lo largo de toda la serie encontraras muchas referencias de los mangas actuales como Dragón Ball, One Piece, Ashita no Joe, Death Note entre otros y conocer diversas técnicas aplicadas por los autores.

    Bakuman tiene una buena cantidad de personajes con los que te sentirás identificado y te vas a encariñar rápidamente, incluso hasta con los rivales de los protagonistas, cada uno tiene su propio encanto y sus historias te harán reír, llorar y hasta renegar con algunos. Si te gustan las historias de sacrificio y lucha por conseguir tus sueños y deseas disfrutar de un buen Shonen, esta es una buena opción, también para los amantes del manga que en algún momento han soñado en tener su propia historia, tengan por seguro que les encantará. Espero que este manga sea de su agrado y les deseo una feliz lectura, nos leemos.

  • Breves apreciaciones sobre Shingeki no Kyojin hasta el episodio 8

    Breves apreciaciones sobre Shingeki no Kyojin hasta el episodio 8

    Después de 3 años y medio de espera, la segunda temporada de «Shingeki no Kyojin» estrenó su primer episodio (el 26 de la historia en general) el 1 de abril. Aunque las cabezas de la serie anterior volvieron, hubo un cambio importante: Tetsurou Araki pasó a supervisar el proyecto como director jefe, mientras Masashi Koizuka asumió la dirección propiamente dicha. Koizuka ya había participado en la primera temporada en varias labores, e incluso dirigió cuatro episodios, entre ellos el 25.

    Imagen promocional de la segunda temporada

    Primero, la canción de apertura de la serie, «Shinzou wo Sasage yo!» («¡Ofrece tu corazón!»), sigue la línea que había sido iniciada con las dos primeras, especialmente la segunda, «Jiyuu no Tsubasa» («Alas de libertad»): un himno para ser cantado con la postura firme y una mano al pecho, proporcionado otra vez por la banda Linked Horizon.

    Pero lo más sorpresivo vino del lado del ending: “Yuugure no Tori” («Ave del crepúsculo») de la banda Shinsei Kamattechan es, sin duda, una canción poco común: con una voz distorsionada acompañada de un coro casi fantasmal (que suena infantil), resulta inquietante a la vez que adictiva. Por su lado, las imágenes, que se presentan como si hubieran sido filmadas y conservadas en celuloide maltratado (aunque parezca un anacronismo) y se asemejan a ilustraciones medievales, plantean una historia propia que varios han señalado como portadora de spoilers importantes, los mismos que reconocerán aquellos que sigan la historia impresa, pero que sin contexto, deja a los que seguimos la animación con varias dudas y abre la puerta a múltiples hipótesis.

    Algunas series se toman muy en serio el poner al corriente al espectador luego de que regresan al aire para una segunda parte por temor a perder su atención o para no asustar demasiado a quienes planeen saltarse la primera y, así, obtener una mayor audiencia. “Shingeki no Kyojin” nos deja bastante claro desde el principio que tiene pocas contemplaciones con los espectadores nuevos. Hay un brevísimo resumen al inicio del primer episodio y nada más. Asume que las explicaciones de su mundo, las reglas con las que se juega, ya se dieron y, principalmente, se mostraron anteriormente. Tiene la confianza, a pesar de haber sido emitida hace más de tres años, que los espectadores conocen a sus personajes.

    “Shingeki no Kyojin” planteaba una historia de supervivencia en la que la única opción que le quedaba a la humanidad era salir de la comodidad de sus muros, enfrentarse a los peligros del mundo (los titanes), ir a lo desconocido y desentrañar misterios que obstaculizaban su camino, porque, tarde o temprano, el permanecer encerrados los eliminaría. Claro, la decisión de aventurarse más allá de una supuesta zona segura no bastaba y el precio a pagar se traducía en vidas. Muchas vidas. Pero pronto descubrimos la conciencia de grupo, de sacrificio personal por conseguir un ideal mayor (como la naturaleza de himno de los OP nos recuerda).

    Esta continuación sigue con esa idea. Se hace presente en el ambiente en general, pero también en las pequeñas historias. Hay más espacio para ver a los compañeros de los centrales Eren, Mikasa y Armin (cuyas relaciones y motivaciones ya son conocidas y que habían tenido bastante pantalla en la serie del 2013). Así, podemos conocer un poco más a algunos de estos personajes, parte de su pasado, seres que les eran queridos en entornos que les eran familiares. Este tiempo es importante, los aleja de ser simples figuras que rellenan el espacio, de ser sólo la chica obsesionada con la comida, del bajito del grupo. Mientras que con otros, multiplica la intriga: al dosificar lo que sabemos de ellos, nos hace querer conocer más. Aunque “Shingeki no Kyojin” no se ha caracterizado precisamente por mostrar personajes muy complejos, se da mano suficiente para que nos preguntemos qué llevó a algunos a hacer lo que hacen y cómo se conecta con los sucesos mayores.

    En este tramo, la narración se ha centrado en seguir un evento medular con el agregado de flashbacks. Aunque a la serie estos últimos no le son desconocidos, esta vez su presencia se hace notar por dedicárseles más tiempo. Funcionan muy bien para esconderle información al espectador, hacerles reevaluar situaciones y comportamientos ya vistos, aunque sacrifica un poco el ritmo. Con unos cuantos episodios, la aparición del segmento que nos muestra algo que sucedió hace unas horas o unos años ya es esperada e, incluso, da la sensación de seguir una rutina. A pesar de esto, hasta el episodio 7 se mantiene cierta sensación de urgencia.

    Para el octavo, hay un momento de calma. Luego de la acción y las liberaciones (y ocultamientos) de información que derivaron en el clímax del séptimo: el descubrimiento de la identidad del titán colosal y el titán acorazado, sigue una sensación de derrota. Y a esta una reafirmación: aunque las cosas no hayan salido de la mejor manera, no hay que dejarse vencer y continuar. «Nunca lo vi ganar, pero tampoco lo vi rendirse derrotado», dice Hannes sobre Eren para motivar a Mikasa y a Armin. Para motivarse a sí mismo. Ese es un buen recordatorio de lo que se propone la serie: esta no será la última vez que sientan que han fracasado, pero lo importante es volverse a levantar, salir nuevamente aunque el mundo intente devorarte. Conocer la verdad.

    https://www.youtube.com/watch?v=x_1rOzwzKXw

  • Battle Angel Alita, reseña OVA

    Battle Angel Alita, reseña OVA

    Conocido en Japón como GUNNM es un OVA de 2 episodios lanzados en el año 1993, basado en el manga Battle Angel Alita del mangaka Yukito Kishiro.

    01. Rusty Angel (Angel Oxidado)

    El Patio de Desperdicios es el lugar donde la gente de la ciudad flotante de Salem vierte su basura. Durante su búsqueda de refacciones, el doctor Ido encuentra un cyborg maltrecho, el cual repara y nombra Gally, a quien él y su amigo Guntz advierten de los peligros de la calle. Luego Gally conoce a Yugo, quien se dedica a la reparación de las hélices de las casas. Un día que salen juntos, Yugo le cuenta su sueño de ir a Salem, y pronto nace un bonito sentimiento entre ambos. Gally nota que Ido sale por las noches, así que con la creencia de que éste se dedica a algo malo lo sigue, mas descubre que éste es un cazador-guerrero. Aquella noche Gally mata a Rasha y tiene su primer enfrentamiento con Grewcica. Más tarde, pese a la oposición de Ido, ella se convierte en una cazadora-guerrera. Grewcica busca entonces a Chiren, la ex socia de Ido, quien lo repara. Ido y Gally llegan a un bar de cazadores-guerreros, en el cual Grewcica los alcanza. Antes de enfrentar a Gally, mata al perro que los acompaña. Gally acepta el reto, logrando imponerse al poderoso enemigo. Chiren, quien ha observado el episodio, acepta la superioridad de Ido.

    Gally es reparada y renombrada por el doctor Ido

    02. Tears Sign (Marca de lágrimas)

    Yugo clandestinamente roba columnas vertebrales. Vector, quien le compra lo que roba, le ofrece trabajar con él, pero Yugo desea fervientemente ir a Salem. Así que continúa con sus negocios, mas es emboscado por un cazador-guerrero, e inmediatamente se pone un precio a su cabeza. Gally consigue ubicar a Yugo, y éste le cuenta su historia, y ante ello Gally le ofrece ayuda. Sin embargo, éste es encontrado por Gime, un cazador-guerrero, quedando seriamente lastimado. Entonces Gally se encarga de dar cuenta del cazador, tras lo que lleva a Yugo para que Ido lo repare. Al despertar, Yugo escucha a Ido decir que no se puede ir a Salem, y decide subir por los tubos que conectan a Salem con la Tierra. Gally corre tras él, logrando cruzar palabras antes de que llegue una de las cuchillas gigantes que son lanzadas desde Salem

    Gime, se prepara para su ultima batalla con Gally