Cada uno de nosotros tiene un manga o un anime, que le hizo pensar—aunque sea por un segundo—en convertirse en mangaka o animador ¿Se imaginan lo que fue para miles de niños y jóvenes en 1947, la primera vez que leyeron La nueva isla del tesoro (Shin Takarajima) de Tezuka Osamu, obra clave para el manga moderno? Oriol Estrada señala que, a mediados de los 50, no habían muchas publicaciones y si bien algunos maestros como Tezuka tenían una fama ganada, los mangakas principiantes tenían que pasar muchas penurias. A pesar de ello, muchos sintieron el llamado de la obra de Tezuka-sensei y se arriesgaron a mudarse—casi sin dinero—a Tokio, donde se encuentran las editoriales, para probar suerte y seguir al dios del manga que se albergó en esa ciudad en 1953, específicamente en un edificio de departamentos, Tokiwa-so, que se volvería leyenda por sus ilustres inquilinos.
Fuente: Akita Shoten / Shōnen Gahō-sha
Tezuka estuvo poco tiempo, pero antes de mudarse cedió su mítica habitación 14 para Fujiko Fujio (A), uno de los dos creadores de Doraemon e, incluso, como cuenta Fujio (A) apoyó a este y a su compañero creativo, Fujiko F. Fujio, a pagar la renta cediendo su depósito de un año, ya que los aún novatos no podían costearse ese dinero. Entre 1953 y 1961, se alojarían figuras como Ishinomori Shotaro (llamado el rey del manga y autor de Cyborg 009, Kamen Rider y Super Sentai Series), Suzuki Shinichi (que tiene créditos en animes como Akira, Naruto, Astro Boy, One Piece o Lupin III) o Akatsuka Fujio (creador de Osomatsu-kun y Tensai bakabon), los cuales formaron una estrecha comunidad de soñadores que trataban de ganarse la vida mientras buscaban alcanzar el éxito.
Fujiko Fujio (A) relata en una entrevista cómo a veces se levantaba en la madrugada y caminaba por el pasillo, entonces, veía las luces encendidas de las habitaciones de sus colegas, quienes habían conseguido empleo en alguna revista y seguían trabajando, lo que le producía envidia, pero a la vez gusto y ganas de seguir esforzándose como mangaka. Muchos de ellos se asociaron para presentar trabajos conjuntos, se hacían préstamos para subsistir (Terada Hiroo era llamado Tera-Bank) o se apoyaban como asistentes (Fujiko Fujio (A) fue asistente de Tezuka).
Fuente: Oriol Estrada
Fuente: Japaaan magazine
En ello radica la importancia de este grupo de mangakas y su historia, en ese ímpetu y perseverancia que sirvió de inspiración para que todos ellos pudieran conseguir y completar un trabajo más que los acercó en algunos casos al ansiado éxito o a apoyar a otros en el mismo. De acuerdo con Nanbara Jun, el edificio fue demolido en 1982 y el teléfono desde el cual Ishinomori y otros más llamaban a sus editores fue removido en el 2015, pero aún se mantiene el restaurante de ramen donde se reunían a comer estos precursores del manga después de sus deadlines y que le mandaba delivery personalizado a Tezuka-sensei. Además, se colocó un pequeño monumento conmemorativo y este mes se ha abierto las puertas del museo Tokiwa-so que recrea el edificio y los antiguos espacios de trabajo de sus habitantes de antaño.
Fuente: Kajipon Sakura
Fuente: Tokiwaso Manga Museum
Fuente: Wikimapia
La historia del Tokiwa-so es contada en distintas obras como la película Tokiwa-so no seishun (The manga apartments) de 1996, el especial animado para televisión Bokura Manga-ka Tokiwa-so Monogatari (We are Manga-ka: The Tokiwa-so Story) de 1981 o en el manga Manga Michi de Fujiko Fujio (A) que tiene una secuela.
Les dejamos los links a los artículos citados y a otros que pueden ser de interés:
Hay muchas posibilidades para abordar la historia de un soldado, pero ¿qué pasa cuando ya se terminó la guerra, cuando ya no es un militar y vuelve a ser simplemente una persona? En definitiva, no puede ser una persona convencional, ya que la experiencia en el campo de batalla afecta profundamente. Ese es el caso de la protagonista de Violet Evergarden, a quien seguimos—a lo largo de 13 emotivos y poderosos capítulos—en su camino hacia su propio corazón, a esa humanidad afectada por el conflicto armado, la cual empieza a recuperar cuando descubre que las cartas y, más precisamente, las palabras pueden unir a las personas.
Las cartas en los tiempos del steampunk y la muñeca victoriana
Como ya se mencionó, Violet Evergarden cuenta la historia de una joven exsoldado que—tras el final de la guerra en el imaginario continente de Telesis—es adoptada por una familia, Los Evergarden, por encargo de su guardián y superior, el desaparecido Mayor Gilbert Bougainvillea. El objetivo era que Violet pudiese vivir como una chica normal en una familia acomodada, pero ella quiere ser útil, así que el ex coronel Claudia Hodgins decide emplearla en su empresa de correos.
https://youtu.be/BcgxyvX1rVU
En la batalla final del conflicto armado, Violet perdió ambos brazos, así que usa un par de prótesis que exhiben una gran finura y flexibilidad en su movimiento, lo que es bastante sorprendente para una serie de época en la que hay una importante influencia victoriana en la ropa, arquitectura y tecnología. En ese sentido, elmundo de esta serie se puede inscribir dentro del steampunk que, según Helena Esser, es una estética que reimagina el siglo XIX—marcado por la era victoriana—desde una postura nostálgicay revolucionaria tecnológicamente que se puede hallar en muchos relatos anime.
Dicha nostalgia victoriana se refleja en la serie a través de la cultura de las cartas que Stephanie Tingley identifica como parte importante de esa época y que, visto desde la actualidad, evoca un pasado lejano en el que los mensajes se escribían en un soporte físico como el papel y tardaban en llegar a su destino. Dentro de este contexto, la empresa de Hodgins ofrece el servicio de las Auto Memory Dolls, un puesto que Violet—cuyos deseos siempre dependían de la orden militar—quiere desempeñar voluntariamente.
Las Auto Memory Dolls son una especie de amanuenses, copistas o escritoras fantasma que redactan cartas y otros documentos por encargo, pero su trabajo no se reduce al tipeo o transcripción. Al respecto, otra de las características del steampunk, de acuerdo con Cory Doctorow, es una veneración al artesano y Esser lo cita para señalar que en medio del ascenso de la fábrica de la Primera Revolución Industrial (siglo XIX), se reconoce la agencia, manufactura y artesanía del hombre. En otras palabras, su habilidad creadora y manual desde la razón y la emoción, un elemento que se puede extrapolar al caso de las dolls.
En ese sentido, las cartas son presentadas en la serie como instrumentos para transmitir los sentimientos de las personas y las dolls deben entender lo que los clientes quieren expresar y extraer de ello los sentimientos para redactar las palabras que los reflejen. Antes que la fría e insensible máquina, la calidez de la empatía humana es la base de la actividad creadora y detallista de las dolls. Sin embargo, Violet—tras vivir desde pequeña en la guerra—precisamente carece de esa empatía.
La protagonista pretende adquirirla al practicar el oficio y la razón de ello es que desea entender el significado detrás de las últimas palabras que le dijo el Mayor Gilbert antes de desaparecer: “Te amo”. En la época victoriana, Tingley señala que las mujeres eran las encargadas de la correspondencia familiar, pues la convención decía que tenían una natural inclinación a la expresión y comprensión de los afectos. En contraste, Violet en lugar de estar en casa y prepararse para cuidar a su familia, se acostumbró a obedecer las órdenes de sus superiores, cumplir la misión a toda costa, soportar varios días sin comer y dormir, ser indiferente al pudor femenino, luchar y matar.
De este modo, si bien cuando Violet empieza a trabajar como Auto Memory Doll, le colocan un atuendo muy femenino, apropiado a su nuevo trabajo y presenta una apariencia shōjo que, Sugawa-Shimada Akiko describe como inocente, pura y vulnerable, no cumple bien su trabajo y no encaja en el rol. Antes que una sensible mujer victoriana, su manera de relacionarse con sus clientes y de escribir sus cartas, la hace parecer más a una fría muñeca victoriana de porcelana, lo que sirve tanto como una metáfora del impacto bélico en los sentimientos del soldado como una referencia a la fría máquina de la Revolución Industrial.
Ella se mueve con base a las órdenes dictadas por las reglas del trabajo que, en su mente, sólo se pueden cumplir de manera literal dejando de lado la sensibilidad del cliente y escribiendo cartas como si se trataran de reportes militares sin mayor sentimiento ni tacto. A pesar de ello, esta muñeca se esfuerza por aprender y—como dice el lema de las Auto Memory Dolls—ir hacia donde el cliente lo solicite. De esta manera, inicia su viaje hacia sus propios sentimientos.
Las personas en el camino y el serial Neobarroco
Actualmente, estamos más acostumbrados a relatos anime televisivos con formato de serial, es decir, según Angela Ndalianis:
[Aquel que] comprende una serie de episodios cuyas narrativas resisten el cierre y continúan en el (los) siguientes (s) episodio (s) dentro de la secuencia.
En ese sentido, seguimos al o la protagonista en su camino a resolver su conflicto a lo largo de varios capítulos que suelen terminar en un cliffhanger o epílogo de enganche que lleva al espectador a ver el siguiente episodio con desesperación (más aún si no han leído el manga o novela ligera fuente). No obstante, esta no es la única modalidad y Violet Evergarden es un ejemplo de un modelo distinto en donde la historia del capítulo no se centra exclusivamente en la heroína y no necesariamente continúa en los siguientes episodios.
Después del primer capítulo, la mayoría de los episodios abordan una trama adicional a la de Violet, la cual involucra a otras Auto Memory Dolls compañeras o a clientes que le hacen algún encargo en relación con una carta o un documento e, incluso, estas líneas narrativas alcanzan mayor importancia. Esta estética narrativa es llamada neobarroca por Ndalianis y es asociada con lo que Omar Calabrese reconoce como narrativas policéntricas y de estructura abierta como el mencionado serial. De este modo, al igual que la trama principal de Violet es destacada como central dentro de la historia, lo mismo ocurre con las líneas de los otros personajes.
Por ejemplo, mientras Violet comete su primer error como Auto Memory Doll, Erica, su colega, experimenta un conflicto interno sobre si es apta para el trabajo. Del mismo modo, Luculia, una compañera de clases de Violet, desea comunicarle su agradecimiento a su hermano, un exsoldado, por regresar vivo de la guerra, pero no puede encontrar las palabras para hacerlo. Mientras tanto, Violet intenta escribir una carta para ayudarla tratando de entender—por primera vez—los sentimientos de su cliente. Si bien tanto Erica como Luculia vuelven a aparecer en la serie, sólo en su respectivo capítulo forman parte—junto a la línea principal—del policentro narrativo.
Precisamente, otro rasgo del neo-barroco es la capacidad de combinar la narrativa serial con una narrativa a modo de serie más tradicional que Ndalianis define de la siguiente manera:
[Aquella que] consiste en una sucesión de episodios narrativos autocontenidos que progresan en una secuencia.
En otras palabras, la narrativa de estos otros personajes es autoconclusiva y eso es lo que ocurre con Iris, que al final consigue reconciliarse con sus padres y reafirmar su decisión de continuar trabajando como Auto Memory Doll. Ese también es el caso de Leon que finalmente se decide a avanzar con su vida desde el duelo/desaparición de sus padres y de la Princesa Charlotte que consigue confesar sus sentimientos al príncipe Damian y casarse con él. A través de su trabajo, Violet se involucra con estas personas en esos momentos de sus vidas y los ayuda de manera consciente o inconsciente a avanzar y lo mismo ocurre en viceversa, ambas líneas narrativas se necesitan para su progreso.
La narrativa neobarroca es empleada para evidenciar desde la estructura del relato la evolución de Violet quien va desarrollando su empatía al conocer más sobre los sentimientos humanos de otras personas que—para la historia de la protagonista—son todo menos personajes secundarios. Comienza a entender que la gente no siempre siente lo que dicen sus palabras, que unas pocas líneas pueden ser más emotivas que una carta extensa o que a veces es muy difícil expresar los sentimientos correctamente.
Poco a poco, Violet se aproxima al amor por los hermanos, al amor por los padres, al amor por la pareja y, como resultado, la antes muñeca de porcelana comparte sus sentimientos con Leon sobre la vida sin los seres amados, se reconoce a sí misma en el problema del chico para relacionarse con otros. Incluso, después de forzar una sonrisa en su primer encuentro con la princesa Charlotte, sonríe naturalmente el día de su boda. No obstante, el desarrollo de su empatía la lleva también a ser consciente de sus propios sentimientos y abre viejas heridas.
Chica en llamas y la culpa del soldado
El tema de la guerra es bastante recurrente en el anime y el manga, desde el cual se han tomado distintas posturas con base en la particular y conflictiva relación que tiene Japón con los conflictos armados a partir de su experiencia histórica, sobre todo, con la Segunda Guerra Mundial. Según Eldad Nakar, una de esas perspectivas es crítica de la guerra exponiendo la magnitud de sus consecuencias en la humanidad tanto de víctimas como de victimarios. En este marco, es donde se inscribe Violet Evergarden, que critica a la guerra desde la experiencia del soldado.
La historia de Violet toma un importante giro en el episodio 7 cuando Violet escucha de la promesa que Olivia, la fallecida hija del dramaturgo Oscar Webster, le hizo a este último, pero no pudo cumplir debido a su muerte. En ese mismo capítulo, la protagonista se entera de que Gilbert ha sido declarado muerto hace tiempo, así que, por un lado, Violet—ahora más cercana a los sentimientos humanos—ya no puede ser ajena a las promesas que, debido a sus actos durante la guerra, nunca podrán cumplirse. Por otro lado, ha perdido su máximo propósito en la vida: proteger a Gilbert, la única persona por la que—desde el inicio— expresa sus sentimientos, aunque sea torpemente.
Dave Grossman cita a Erich Fromm para establecer que cuando los soldados cometen actos violentos pueden entrar en un distanciamiento emocional de su víctima y la deshumanizan dejando de empatizar con ella, así que ya no hay lugar a duda y se vuelve una situación muy similar a cuando una persona mata sin titubear a una mosca. Eso es exactamente lo que le pasó a Violet, quien en varios flashback de la serie, se le ve peleando y matando sin mostrar mayor incomodidad, ya que todo es entendido dentro del marco de la misión.
La reducción de la distancia emocional que antes sentía como soldado se relaciona con la rehumanización que experimenta Violet y es terriblemente doloroso para ella, pues el enemigo se vuelve un ser humano con familia, sueños, promesas pendientes y quizás hasta posible bondad en el corazón. Mientras tanto, ella como militar se convierte en el asesino que le arrebató con frialdad su futuro a él y a los suyos.
Johan Galtung plantea un interesante esquema sobre la culpa y la presenta como una función que involucra al daño, la intencionalidad a infringirlo y su irreversibilidad. En dicho esquema, Violet se encuentra en el peor escenario de lo irreversible, ya que no puede resucitar a quienes les quitó la vida. Aquí adquieren importancia las palabras dichas por Hodgins en el primer capítulo:
No te das cuenta de que tu cuerpo está en llamas y se está quemando por las cosas que has hecho. Lo entenderás algún día y entonces, te darás cuenta por primera vez que tienes muchas quemaduras.
Debido a esta situación, después del episodio 7, la historia se centra en la línea narrativa de Violet y en el formato serial, en donde—además de su participación en la guerra—se muestra el desarrollo de su relación con Gilbert. En ese tiempo, ella era sólo una niña huérfana tratada como un arma, que le es regalada al mayor por parte de su hermano. Gilbert es la primera persona que trató a Violet como un ser humano, que le dio un nombre, cariño, cuidado, y protección, así que el universo de la protagonista giraba en torno a él y su propósito de vida era protegerlo y estar a su lado. El mayor la amaba y por eso se sacrifica para protegerla y que ella pueda vivir libremente.
Como lo presenta la historia, Gilbert no volverá y las llamas de la culpa la quemarán para siempre, entonces ¿ella tiene derecho a vivir libremente como quería Gilbert? ¿qué propone la serie que haga el soldado? Después de todo lo que ha vivido, Violet trata de matarse, pero finalmente no puede hacerlo y luego recibe una carta de Erica e Iris, sus compañeras dolls, que le recuerda cómo su trabajo ha ayudado a otras personas y la ha unido a ellas. Entonces, la serie propone, a partir de las palabras de Hodgins, una vía para el soldado ahora humanizado y que ya no es una muñeca sin voluntad, sino una persona con una profunda culpa, pero que tiene gente preciada y ganas de vivir.
Las cosas que hiciste nunca podrán ser enmendadas. Pero…todo lo que has hecho como Auto Memory Doll tampoco desaparecerá, Violet Evergarden.
En ese sentido, si bien sus actos son irreversibles y la guerra le ha arrebatado cosas que jamás podrá recuperar, lo único que le queda a ese soldado es aprender a vivir con las llamas de la culpa tratando de retribuir en algo lo que hizo. No obstante, ¿qué pasa si el soldado debe volver a pelear?
«Soy Violet Evergarden» y el robot steampunk
A partir de este momento, los capítulos—dentro de la estética narrativa neobarroca—vuelven a ser autocontenidos enfocándose en el duelo y en las pérdidas provocadas por la guerra. Violet se entrega totalmente a sus tareas como doll a pesar de lo tristes que le resultan ahora y su respuesta emocional es más desinhibida, llorando desconsoladamente al pensar en lo solitaria que será la vida de Ann sin su madre y sintiéndose impotente ante los padres de Aidan, un joven soldado que no podrá volver a casa. No obstante, los dos últimos episodios vuelven al formato serial, precisamente para cerrar la evolución de Violet que parece no convencer a todos.
El capitán Dietfried Bougainvillea, hermano mayor de Gilbert, fue quien le entregó a Violet, a quien capturó después de que esta asesinara a sus compañeros. Después de la muerte del Mayor, él ve a la protagonista como una herramienta que no puede vivir más que para la orden de matar en la guerra y que debió morir en lugar de su hermano menor. En resumen, expone la postura de que ella como soldado existe sólo dentro del conflicto armado, luego pierde su sentido y debe ser desechada, además, después de haber sido una máquina de matar, ¿cómo puede reclamar ahora humanidad y decir que escribe cartas para unir a la gente?
En este punto, vale la pena recuperar el factor tecnológico del steampunk que ya fue mencionado y que como apunta Mike Perschon (citado por Esser), une la arquitectura, moda, música o literatura de la época con tecnologías anacrónicas, implausibles o fantásticas. Un ejemplo de este punto se puede encontrar en Steamboy de Otomo Katsuhiro o El castillo ambulante de Miyazaki Hayao, donde se pueden ver ingeniosos inventos basados en mecanismos de la Primera Revolución Industrial, pero que son ficcionales.
En Violet Evergarden, esos mecanismos retrofuturistas son representados en la serie por sus prótesis y sirven para plantear una analogía con el soldado que antes fue una máquina de matar y ahora es un ser rehumanizado. Si el lector recuerda el último episodio, un grupo radical pone bombas a un puente para evitar que el embajador llegue a firmar el tratado que asegurará la paz de Telesis y Violet se ofrece a ayudar a un molesto Dierfried para enfrentar a los rebeldes, pero asegurándose de no matar a ninguno a pesar de que Dietfried no duda en hacerlo. El soldado ya tiene un nuevo propósito y ya no pretende lastimar a nadie ni alimentar las llamas de la culpa.
En consecuencia, ella resulta lastimada y no sólo su cuerpo humano, sino también sus brazos prostéticos. Según Beatriz Preciado, las prótesis tuvieron su origen en la guerra, donde al reconstruir el cuerpo humano, este era repensado como una metáfora del robot. En el caso de Violet esto tiene una doble lectura, ya que la prótesis es un recordatorio de su pasado como soldado así como de su cualidad autómata cuando se encontraba deshumanizada y sólo asesinaba a sus enemigos. No obstante, Helena Esser señala que la tecnología del steampunk—por la mano humana de su artesano creador—es impredecible, precaria y, por ello, despierta una identificación emocional.
Cuando Violet ajusta sus prótesis para tipear, cuando las usa como escudos para evitar las balas de los radicales o cuando jala desesperadamente las cargas explosivas para salvaguardar el puente, podemos escuchar esa “respiración, tos, lucha y estremecimiento” de los mecanismos de su prótesis. Precisamente, estas características son mencionadas por Catastrophone Orchestra 4 (citada por Esser) al respecto de la tecnología steampunk. Esta expone un factor de incertidumbre sobre si el mecanismo fallará y eso le da una cierta mortalidad que despierta emociones ante su posible mal funcionamiento o pérdida. No obstante, las prótesis podrían haber sido utilizadas eficazmente como armas por Violet, mas ella no deseaba eso.
A causa de su decisión de no matar y de obedecer su propia voluntad antes que una orden, la prótesis se destruye y se revela su precariedad así como la precariedad del carácter de robot que se le adjudicaba a la protagonista. La humanidad y sensibilidad que ha ganado la pueden poner en peligro cuando está en desventaja al no matar a sus contrincantes, pero ella ya no es una máquina de matar, sino una persona que ha decidido ayudar a otros como Auto Memory Doll. Esta determinación, voluntad y cambio para seguir adelante aplacan en cierta medida a Dietfried, quien le ordena seguir viviendo como le dijo Gilbert.
Sin embargo, la historia del soldado después de la guerra en Violet Evergarden ya no es la de la fría muñeca de porcelana o del robot, pues ya no recibe órdenes, sino que—como ser humano—decide cargar voluntariamente con la culpa por el dolor que causó y vivir con el propósito de retribuir al mundo por ello. Al mismo tiempo, concilia eso con el afecto por los suyos, la soledad ante la pérdida de compañeros y el deseo de vivir. Violet aún no comprende totalmente el significado de “te amo”, pero sabe que esas palabras la unen a Gilbert, al igual que las palabras la unieron a sus clientes y amigos.
El bonus
Violet Evergarden cuenta con un OVA, una película spin-off y una cinta a manera de secuela que se estrenará este año.
La serie está basada en la novela ligera del mismo nombre de la autora Akatsuki Kana. Fue ganadora del Gran Premio en el 5th Kyoto Animation Awards. Justamente, Kyoto animation fue el estudio a cargo de su adaptación al anime.
La historia de la creación de la máquina de escribir que se menciona en la serie está basada en hechos reales. Pellegrino Turri inventó una de las primeras máquinas de escribir para su amiga de la infancia Carolina Fantoni que era invidente. La novela About the blind contessa’s new machine de Carey Wallace cuenta una versión ficcional de su historia a manera de romance.
Como nos gusta tanto el anime, les dejamos una lista de reproducción de Kyoto Animation con videos relacionados a la serie que incluye el proceso de dibujo y animación. Además, les recordamos que Violet Evergarden está licenciada por Netflix.
Si les interesa indagar más sobre el steampunk, la guerra y otros temas que hablamos en este artículo, pueden revisar las siguientes fuentes:
Esser, H. (2018). Re-assembling the victorians: Steampunk, cyborgs and the ethics of industry. Cahiers victoriens et édouardiens [en línea]. https://journals.openedition.org/cve/3480#text
Galtung, J. (1998). Tras la violencia, 3R: Reconstrucción, reconciliación, resolución. Afrontando los efectos visibles e invisibles de la guerra y la violencia. Bakeaz/Gernika Gogoratuz.
Grossman, D. (2014). On killing. The psychological cost of learning to kill in war and society. Open Road Integrated Media.
Nakar, E. (2008). Framing manga: on narratives on the Second World War in japanese manga, 1957-1977. En M.W. Macwilliams. (Ed.), Japanese visual culture. Explorations in the world of manga and anime (pp. 177-199). New York, Estados Unidos: M.E. Sharpe.
Tingley, S. (1996). «A letter is a joy of earth»: Emily Dickinson’s letters and victorian epistolary conventions. The Emily Dickinson Journal, 5(2), 202-208. https://muse.jhu.edu/article/245340
🎮 “¿Qué sucede cuando el ajedrez… te pone horny?” (Gilbert 2019). Esta frase tan auténtica y tan precisa quizás es la mejor forma de introducir una de las franquicias de juegos de estrategia que más reconocimiento ha obtenido Nintendo en los últimos años. #GISugoi te presenta: Fire Emblem.
⚔️ Quienes hemos tenido el privilegio de crecer con esta franquicia desde que fue introducida a Latinoamérica el 2003 con Fire Emblem: The Blazing Blade,y el 2004 con Fire Emblem: The Sacred Stones, no solo sabemos de los desafíos que trae cada partida, sino también las posibilidades que tiene cada personaje de ser waifu material (o husbando,porque somos conscientes de la diversidad y somos así de inclusivos). Y entre la variedad de este cofcofguapocofcof cast, podemos distinguir dos elementos que llaman la atención: su mecánica y la complejización de la figura del “enemigo”.
En cada una de sus entregas, Fire Emblem nos presenta una misma trama: un protagonista, quien suele ser un Lord o una figura heroica, que debe escapar y derrotar al gobernante que está provocando el caos y la guerra en la región. Una vez se presenta la trama, se introduce rápidamente al jugador en la mecánica. Por lo general, el juego comienza por introducir el principio fundamental de Fire Emblem:el héroe o Lord es la unidad más importante que debe sobrevivir a toda costa; y este suele ir acompañado de una unidad más fuerte. Luego, hay una progresión en la presentación de las unidades y en la complejidad del mapa. Primero, se presentan aquellas unidades contrapuestas en rango o movilidad (los cavalier -unidades montadas a caballo con un alto rango de movimiento- y los knights -unidad de lanza con alta defensa pero baja movilidad-). Después, el mapa presenta obstáculos como montañas y bosques, para lo cual es ideal el uso de unidades aladas (pegasus knight); junto con ellos, surge la figura de los clérigos, support ideal ya que las unidades aladas pueden ser vulnerables a los ataques. Le siguen otras unidades melee, como el fighter, la clase trainee (que puedes promover más adelante), el ladrón y arquero (ambas, unidades ideales para el saqueo). Finalmente, una vez el jugador interactúa con un mundo que le resulta cercano y “verosímil”, se añade el componente sobrenatural y las unidades mágicas: el mago y el monje.
Finalmente, la franquicia llama la atención por la humanización de la figura del enemigo. A diferencia de los monstruos y la mayoría de las criaturas mágicas, las cuales son retratadas como el epítome del mal, ellos suelen tener un rostro y razones que los conduce a creer en la validez de la guerra: el patriotismo, el “cumplir un destino” -el cual creen no tiene otra forma de resolverse-, la reforma de la estructura social aún a costa de muchas vidas, o el mantener de manera irreflexiva el status quo. Fire Emblem ha podido complejizar en los últimos años la narrativa sobre el privilegio de la nobleza, el uso de la violencia y las secuelas de la guerra: el trauma por la pérdida y el abandono de los seres amados.
NOTA: Algunos datos, como la mecánica o el nombre de las unidades, son extraídos a partir de un análisis de Sacred Stones, por lo que pueden haber variaciones con las demás entregas. Asimismo, hay clases que son presentadas en determinadas entregas y luego son omitidas, como el villager (equivalente al trainee) en Shadows of Valentia, o el tactician, clase que aparece en The Blazing Blade y retorna en Awakening como el avatar con el que el jugador se puede identificar y que es una unidad de pelea.
Una introducción a la franquicia de Fire Emblem (AKA: Fire Emblem 101):
¿Cómo distinguir a los 596 personajes de Fire Emblem? (O de dónde rayos se obtuvo la cita de introducción):
NOTAIMPORTANTE:Las investigaciones sobre la lolita usadas en este artículo están basadas en producciones académicas de los periodos 2005-2014. No obstante, se han realizado actualizaciones para el presente análisis gracias a los aportes de Lolimafia, la comunidad oficial de lolitas en Perú.
Cuando escuchamos la palabra Lolita, nos viene a la memoria la protagonista de la famosa novela de Vladimir Nabokov publicada en 1955. No obstante, la lolita de la que tratará este artículo alude a una estética denominada por sus seguidoras (como, por ejemplo, las lolitas peruanas) como fashion lolita.
Como sostiene Vanessa Huaytan, administradora deLolimafia, la comunidad lolita del Perú, el estilo lolita «está inspirado principalmente en el Victoriano y Rococó; al ser la mezcla entre lo elegante y extravagante, es más una versión pop de la ropa de esos periodos al darle esa pizca juvenil con una presentación de prendas coloridas».
Fuente: Pinterest
¿POR QUÉ LOLITA?
Muchas lolitas son conscientes de la connotación negativa asociada al nombre de su adorada estética, y a menudo hará todo lo posible por negar todas las asociaciones con la obra homónima de Vladimir Nabokov. Otras afirman que es un misterio total, o afirman que el nombre fue elegido de una manera completamente arbitraria y sin una comprensión real de lo que trata dicha novela. En ese contexto, asumir que solo porque esta estética y la lolita de Nabokov tienen un antepasado comúntodas las seguidoras de este estilo son fieles devotas del escritor ruso es entender de forma prejuiciosa y superflua cómo funcionan ciertos conceptos y cómo es que interactúan con la literatura, la moda y otras expresiones de la cultura pop japonesa. Por consiguiente, es pertinente analizar el uso que hacen los japoneses del término Lolita para comprender cómo lo han asimilado o reinventado hasta convertirlo en el fenómeno que es hoy.
Izquierda a derecha: Sue Lyon y Dominique Swain, protagonistas de las versiones cinemátograficas de Lolita en (1962) y (1997), respectivamente
LOLITA EN OCCIDENTE Y ORIENTE
De acuerdo al blog de estética juvenil F Yeah Lolita, el significado de la palabra‘Lolita’ ha cambiado a lo largo de los años, y en Japón esto no es la excepción. Es por esto que (y apelando a un fragmento parafraseado del artículo que elaboré sobre el Lolicon), es necesario rastrerar los orígenes etimológicos de este fenómeno. En ese contexto, se rastrea a la lolita en la concepción del ‘El Complejo Lolita’ (derivado del inglés ‘The Lolita Complex’), término compuesto que fue acuñado por Russell Trainer en 1966 en su libro del mismo nombre. Este texto era una pieza de estilo sensacionalista, un falso estudio psicológico que estaba destinado a excitar y venderse a cuestas de la popularidad de la polémica obra de Nabokov.
Poco después de la publicación, ‘El complejo Lolita’, se tradujo al japonés como su abreviatura ‘Lolicon’, y así terminó apareciendo en Stumbling Upon A Cabbage Field (1974), un manga-parodia de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (1865). A finales de los 70 y principios de los 80, el Lolicon empezó a usarse como referencia a los personajes femeninos favoritos de los fanáticos de este tipo de mangas. Así también, muchos de los primeros personajes de anime que tenían el término ‘Lolita’ formaron parte de las historias para chicas adolescentes (Shoujo), y parecía haber un estigma significativamente menor contra el término en ese momento: parecía tener una definición mucho más «domesticada» (y en ese sentido «femenina») en un sentido patriarcal, de la que incluso puede tener hoy en día. Aunque la moda Lolita no se llamaría así hasta muchos años después, tanto la chica Lolicon como la chica Lolita tenían sus raíces en estas épocas.
Stumbling Upon A Cabbage Field (1974)
ETIMOLOGÍA LOLITA
Existen lolitas en Japón que están tan molestas como las lolitas occidentales por la connotación negativa que las asocia al personaje de Navokov. Es por esto que muchas incluso adoptaron una ortografía diferente de la palabra original para diferenciarse, (al menos en un sentido lingüístico). Mientras que Lolita normalmente se escribe «ロ リ ー タ», muchas eligen la variación «ロ リ ィ タ», en la que la «i» habitual se sustituye por una «i» pequeña. Sin embargo, muchas publicaciones y tiendas en línea usan el típico «ロ リ ー タ». Asimismo, hace unos años atrás, en el oeste, las lolitas se referían frecuentemente a la moda con la pronunciación / ortografía japonesa de ‘rorita’ por exactamente la misma razón. Por otro lado, Terasa Younker, especialista en cultura popular japonesa, sostiene que dado que las seguidoras de esta estética tienden a ignorar las normas sociales y hacer lo que quieren, no estarían en realidad tan preocupadas por el tipo de ideas erróneas que los extraños puedan tener sobre ellas a partir de las connotaciones de su nombre, puesto que de ser así nunca habrían aceptado ser partícipes de una estética tan polémica.
ORIGEN Y EVOLUCIÓN DE LA LOLITA
De acuerdo a diversos estudios y registros documentales, no hay un origen oficial de la lolita, más sí diversas teorías que proponen su nacimiento estético derivado de otras modas que incluyen también la producción local.
De acuerdo a F Yeah Lolita, uno de movimientos estéticos que influyó en la creación de la Lolita surgió en Japón a fines de los años 60, a partir de las modas promocionadas por marcas como Natural Kei. Esta se caracterizaba por sus «románticos» diseños de inspiración victoriana, los cuales se extendieron a la cultura popular a partir de tendencias bohemias que emulaban lo campestre. Pronto no solo las jovencitas, sino hombres y mujeres de todas las edades se inspiraron repentinamente en un ideal de vida más romántico y simple. Desde la música, los muebles, y por supuesto la ropa que utilizaban, nos recordaban a los queridos personajes de la teleserie americana Little House on the Prairie (1974-1983), más conocida en Latinoamérica como “La familia Ingalls”.
De acuerdo al portal de moda Rebels Markert, otra vertiente de la lolita la coloca como descendiente directa del Doll Fashion, una moda que se desarrolló a principios de la década de 1980, popularizada por la marca Pink House y por el estilo de casa de muñecas desarrollado por la marca Milk. Durante este tiempo, aquellas que lucían esta estética de muñecas eran llamadas Olive Girlsdebido a su amor por las publicaciónes de este estilo en la revista Olive Magazine .
Little House on the Prairie (1974-1983), serie basada en la saga literaria homónima estadounidense escrita alrededor de los años 30
Revista Seventeen versión japonesa. Nótese la influencia de la estética femenina occidental campestre
Olive girls
A mediados de la década del ochenta, muchas Olive Girls comenzaron a usar atuendos más brillantes, más diversos y visualmente más llamativos cuando fueron a ver a sus artistas favoritos tocar en vivo, muchos de los cuales firmaron con la etiqueta independiente más importante de la época, Nagomu Records, luego de lo cual sus fanáticas terminaron ganándose el título de Nagomu Girls.
Nagomu Girls
En los noventa, las bandas de rock inspiradas en el estilo visual Kei surgieron en la escena, y el mundialmente famoso grupo X Japan lanzó su álbum debut. Algunas de las características del visual Kei incluían trajes y vestidos exagerados, maquillaje femenino y una obsesión con los elementos visuales sobre todo lo demás. La popularidad deX Japan visibilizó más la moda lolita, dado que las lolitas góticas (de quienes hablaremos con detalle más adelante) eran sus más grandes fanáticas.
Malice Mizer, banda de rock influente en la moda lolita. Dato curioso: Mana, el baterista del grupo, está vestido como una Gotic lolita.
A finales de los 90, la lolita empezó a tener más visibilización digamos, mediática, gracias a sus apariciones en revistas de moda. Es la época del boom lolita, y con ella empieza a ser conocida como tal tanto en Japón como en el extranjero. Lo que resultó en nuevas e innovadoras marcas dedicadas a la cultura, así como en una diversificación masiva del género. A medida que la moda lolita fue adoptada por el mundo occidental (manteniendo sus raíces aún firmemente plantadas en Japón), una gran cantidad de otros subestilos lolita como la Lolita Punk y la Lolita Country hicieron de esta estética más fuerte, variada y llamativa que nunca.
Revistas con modelos vestidas como Lolitas punks
LOLITA Y LA MODA VICTORIANA
Como se mencionó al inicio de este artículo, uno de los personajes influyentes en la creación de la estética lolita fue la protagonista homónima de Alicia en el país de las maravillas (1865) que llegó al Japón moderno a través de la literatura occidental que fue adaptada a la propia cultura popular japonesa a través del manga y el anime. A partir de personajes como este, la infancia victoriana fue entendida por los japoneses como un estadio idílico de total felicidad e inocencia, algo que no estaba tan alejado de la mentalidad de los propios ingleses decimonónicos (es decir, de los que nacieron y vivieron durante el reinado de Victoria I, desde el 20 de junio de 1837- hasta el 22 de enero de 1901). Según Terasa Younker, para los hombres victorianos, recordar su niñez era recordar una época marcada por un rígido sistema social que los obligó a una edad temprana a comenzar sus estudios fuera de casa, mientras que sus hermanas siguieron usando enaguas y continuaron su educación en el ámbito doméstico, razón por la cual aquellos que llegaron a convertirse en escritores (tocados por la nostalgia del paso del tiempo) empezaron a difundir “…la imagen de la niña como símbolo de la perfecta infancia afincada en el reino de lo doméstico-familiar”. En ese contexto, Younker sostiene que la idealización de la infancia victoriana aprehendida por los japoneses a partir de la literatura y la cultura popular sería, en parte, la responsable de la predilección de la moda lolita por una estética juvenil y conservadora: “un diseño de blusas que evitaran la exposición del pecho y el cuello, así como de un vestido de corte infantil que llegara hasta la pantorrilla y que fuera mucho más ligero que un vestido adulto de la época con una crinolina más pesada”.
Fotografía de Alice Liddell (1858), la niña que inspiró la creación del famoso personaje de Lewis Carrol
Alicia (1865), la niña victoriana más famosa de la literatura universal
Retrato de dos adolescentes victorianas (Inglaterra,1865)
LOLITA Y EL ROCOCÓ
Otra de las modas europeas que influyó en el estilo lolita fue el rococó, surgida en Francia a mediados del siglo XVIII, el cual se caracterizó por ser una estética ligera, más acorde con la vida alegre, relajada y llena de ocio de la aristocracia local. Su temática favorita eran los ambientes campestres o de recreación pastoril pintados con tonos suaves y pasteles, los cuales servían de atmósfera perfecta para recrear las actitudes y aficiones despreocupadas y sensuales de los nobles de la monarquía francesa. Una evidencia contemporánea del gusto rococó en Japón es el hecho de que el creador de la marca lolita Innocent World declaró el aporte de este estilo en la creación de uno de sus diseños con el nombre de “vestido abultado a lo Pompadour”, el cual consta de una falda abultada que recuerda a la que solía vestir la famosa marquesa en los retratos de su pintor favorito François Boucher. No obstante, dada la predilección de los japoneses por una esencia puritana que no encontraba en un estilo de un corte más bien maduro y sensual como el rococó, Younker sostiene que “…lo único que el diseño lolita habría tomado del modelo francés es su obsesión por el detalle y la pomposidad”.
Retrado rococó de Madame de Pompadour, de Francois Boucher (1703- 1770)
Retrato rococó de noble francesa
LOLITA EN LA LITERATURA, MANGA Y ANIME
Ya habíamos hablado de como Alicia (en el país de las maravillas) se convirtió en un referente estético icónico para la moda lolita. No obstante, surgieron otros personajes que inspiraron también el ideal de una vida en la pradera inherente en esta estética, como el caso de Ana (de las tejas verdes), personaje inspirado en la novela (infantil) homónima de la escritora decimonónica canadiense Lucy Maud Montgomery, que, como Alicia, tuvo su propia versión animada en los ochentas. Otro personaje influyente es Ira, la protagonista del manga Banana Bread no puding, escrito en 1977 por Yumiko Ōshima, quien padece algunas perturbaciones mentales que la motivan a actuar como una niña, y cuya estética además inspiró los diseños del creador de Baby The Stars Shine Bright, una de las marcas de ropa lolita más famosas dentro y fuera de Japón.
Ira, protagonista de Banana Bread no Pudding (1977)
Ana de las tejas Verdes, versión anime (Akage no an?1979)
Alicia en el pais de las maravillas versión anime (Fushigi no Kuni no Alice, 1983)
A partir de la decada del 2000, aparecen personajes de manga y anime con una estética bastante similar a la lolita. A continuación señalaremos algunos casos, como el de Le Portrait de Petit Cossette(2004), una serie de ovas donde la protagonista, Cossette, es un fantasma (presumiblemente) de una época pasada que sufre la maldición de estar atrapada en un cuadro por toda la eternidad. Otro ejemplo es Gosick (2011), cuyo relato se desarrolla en un país europeo ficticio a inicios del siglo XX y cuya protagonista, Victorique de Blois, posee una estética inspirada en la Inglaterra victoriana. Por último, en Paradise Kiss (2005), aparece Miwako Sakurada, quien en algunos capítulos suele usar atuendos extravagantes y originales inspirados en el estilo lolita.
Retrato animado de Cossette (2004)
Miwako Sakurada (2005)
Victorique de Blois (2011)
No obstante, debe reconocerse también que a partir de la entrada al nuevo siglo se han registrado casos interesantes donde sí aparece la lolita. Uno de ellos es el anime YamatoNadeshiko Shichi Henge(2006), donde existe un grupo de lolitas góticas que tienen el papel de antagonistas (cómicas) de la serie. En el terreno del manga, destaco dos casos interesantes. Uno es Ibitsu, manga de terror de Haruto Ryo, donde la lolita actua como el personaje terrorífico de esta historia. El otro es Cat Street (2004-2007), escrito por Kamio Yoko. En esta serie aparece Momiji Noda, una colegiala lolita que diseña sus propios atuendos con ayuda de la protagonista de la trama.
Lolitas góticas en Yamato Nadeshiko Sichi Henge (2006)
Lolita en Cat Street (2004-2007)
En la literatura, destaca el papel protagónico de la lolita en Shimotsuma Monogatari-Yanki-chan to Rorita-chan, novela ligera del 2002 escrita por Novala Takemoto que cuenta además con una adaptación manga y una película (Kamikaze Girls). Esta obra nos narra la vida de Momoko Ryugasaki, una estudiante de bachillerato que decidió convertirse en lolita motivada por su amor al rococó francés; y en Ichiko, una yankee (digamos, una “estudiante pandillera”) que conoce por azares del destino y con la cual formará una curiosa y entrañable amistad.
Como sostiene Vanesa de Mafialolita, «Novala takemoto nos explica que la lolita es un ser individual, que se reconoce a sí misma como una princesa más no como una niña, una mujer que es capaz de renunciar a todo para ser feliz a su manera».
CLASIFICACIÓN DE LA LOLITA
Si bien se han señalado algunos estilos temáticos de la estética lolita, como el punk, country, y las ahora populares versiones gore y sailor, desde que comenzó este fenómeno, ha ido evolucionando a tal punto que sería tedioso y quizás insuficiente nombrar todas las categorías conocidas. De acuerdo a Kathryn Hardy Bernal, teórica e historiadora cultural autodeclarada seguidora de este estilo, esto se debe en parte a que pasó de ser una estética subterránea e insular,donde sus adeptas a menudo creaban sus propias prendas, a una tendencia de diseño cada vez más mundial. Esta es la progresión natural para cualquier «subcultura típica» hecha visible a través de la estética. Es por esto que en su análisis del fenómeno lolita la especialista describe las tres principales categorías del movimiento, o, digamos, de la denominada «lolita de la vieja escuela».
El estilo clásico de la Lolita (classic lolita en inglés) es la manifestación más conservadora de esta estética, y dicta reglas y regulaciones bastante específicas sobre elementos permisibles de diseño que muestren dicha esencia. Es un estilo más maduro: menos adornos, un escote alto, mangas largas, y vestidos no tan esponjosos, con colores menos brillantes o diseños florales con colores más cálidos. Faldas con dobladillos por debajo de la rodilla, capas y capas de enaguas, y/o medias muy largas o medias completas.
Classic Lolita. Fuente: Pinterest
Lolita gótica, conocida también como Gosurori (en pronunciación japonesa) o GothLoli (una contracción inglesa de ‘Gótico’ y ‘Lolita’), es el estilo evidentemente de mayor inspiración victoriana e influído también por la moda gótica, ya que se basa en el uso del color negro y la referencia al luto victoriano, maquillaje pesado en los ojos y una predilección por los accesorios como cruces, crucifijos y rosarios. La lolita gótica también puede adornar sus prendas con antigüedades genuinas como broches o colgantes y cuentas negras. Aunque haya vínculos estéticos, este estilo difiere del «típico» aspecto gótico occidental en tanto esta «endulzado» por el aspecto infantil o de muñeca.
Ghotic Lolita Fuente: Kathryn Hardy
Lolita dulce (o Sweet Lolita) es la versión que destaca por concentrar los aspectos más tiernos de esta estética: pone más énfasis en un diseño rococó dulce o en tener la muñeca victoriana más bonita. Su vestido es una explosión de espuma, lazos y volantes, y se caracteriza por tonos de color pastel: rosa pálido, azul bebé, salmón, azul claro, limón, amarillo mantequilla, malva o verde suave, a veces mezclados con blanco o crema, incluso azul marino, frambuesa o negro. Si el vestido de la lolita dulce no es monocromático, tendrá un patrón con un bonito borde o un estampado completo que puede ser una casa de muñecas, motivos florales, rosas, frutas (comúnmente fresas y cerezas), pasteles, caramelos, helados y / o personajes de cuentos de hadas como Alice in wonderland (a menudo contra un fondo de cuadros, rayas o manchas). Asimismo, si la usuaria usa una tela estampada es clasificada como Country Lolita o Country Sweet Lolita, una subcategoría de la Sweet Lolita.
Sweet Lolita
LOLITA Y FEMINISMO: rompiendo mitos
Terasa Younker señala el comentario de una lolita que entrevistó mientras estuvo estudiando este fenómeno en Japón en el 2011: “Nosotras nos vestimos para nosotras mismas”, a partir del cual se infiere que las seguidoras de esta moda han encontrado en la lolita una estética que las aleja de la mirada sexual masculina. Ellas son muy enfáticas en este punto y tienen mucho cuidado de diferenciarse de las maid que trabajan en los Maid Café; es decir, de jóvenes que trabajan en restaurantes cuya temática es atender al público vestidas como la versión japonesa de las mucamas europeas de inicios del siglo XX, así como de otras mujeres que se visten como su personaje favorito de anime y manga y se dejan tomar fotografías por el público(cosplays). Así también, la investigadora de esta tendencia sostiene que “…con su énfasis en la modestia, la extravagancia y su actitud narcisista de no hacer caso a quien no quieren, la lolita no se considera atractiva para los hombres japoneses en general”. Esto se debería a que ellos estarían más asustados que seducidos por una lolita que, aunque muestra símbolos externos de infantilidad, demuestra que es una mujer adulta que tiene el suficiente valor y confianza en sí misma como para usar este tipo de traje en público y, por lo tanto, no sería (ni buscaría ser) fácilmente aprovechable en un sentido sexual.
De acuerdo con la Escala Para Medir la Agencia Personal y Empoderamiento [ESAGE], la agencia es la habilidad que poseen los individuos para actuar acorde a sus intenciones, significados, motivaciones y propósitos. La agencia y los conceptos psicológicos previamente descritos y aplicados son procesos que ocurren a nivel individual. No obstante, el desarrollo de la agencia usualmente tiene implicaciones a nivel social: “Una vez que la agencia comienza a impactar en la familia, los colegas, las organizaciones y la comunidad, se convierte en empoderamiento”. De acuerdo con lo anterior, si bien las japonesas han encontrado una fuente de agencia en la moda lolita, esta no ha generado un impacto a nivel externo que la transforme en empoderamiento. Según Terasa Younker, esto se debería a que “casi cuarenta años después de su concepción, la idea de escapar de la realidad sigue estando en el centro de la filosofía de vida de la lolita”. No obstante, las nuevas investigaciones antropológicas sobre la lolita señalan que no es una tendencia en ellas el deseo de emular una fantasía de vida infantil: “no queremos ser niñas, no escapamos de nuestro rol de ser un adulto, sólo disfrutamos ser uno mismo acoplando estas prendas al día a día”.
Younker sostiene también que las lolitas podrían encontrar un problema para desarrollarse en el ámbito laboral: “…trabajar en una empresa o tienda especializada en la moda lolita se ha convertido en una de las pocas opciones viables para las mujeres que deseen vestirse como niñas todos los días”. Otro aspecto negativo que según la teórica tendrían las lolitas (especifícamente japonesas) es que la presión social dirigida hacia las lolitas les dificulta encontrar pareja, e incluso si lo hacen, es probable que está las presione para que acepten el matrimonio y la vida de ama de casa. No obstante, la historia de Vanessa Huaytan demuestra que, en el caso específico de occidente, existen lolitas que actualmente (y con mucha perseverancia también, claro está) pueden vivir como tales sin que ello irrumpa el desarrollo de sus metas personales y profesionales: tiene un trabajo y una pareja como cualquier mujer adulta de nuestros días. Asimismo, la joven peruana confirma esta idea al manifestar su propio sentir lolita:
Ser lolita es una búsqueda de individualidad y encontrarse a sí mismo dentro de este estilo, no buscamos ser como las mujeres victorianas o rococó, creo que lo que si tomamos, y no son todas las chicas que siguen el estilo, es realzar nuestros talentos para gozo propio. Te comento que evitamos en lo posible usar la palabra infantil para que no imaginen los hombres cosas que no son…»
CONCLUSIÓN
A través de este artículo se evidencia cómo la lolita, más allá de ser una estética nipona alternativa que ha derivado en un estilo transnacional, funciona como una expresión de rebeldía, deseo y sentir de sus usuarias contra los roles de género impuestos a través de la vestimenta; actitud que las dota de agencia y del potencial que las convierte en mujeres empoderadas. No obstante, es necesario precisar también que,además de interpretar en ellas una actitud feminista expresada mediante la estética, las lolitas son una expresión de diversas dimensiones histórico-culturales, artísticas, spicológicas y colectivas que se condensan en un ser original y diverso, pero que no por ello deja de ser tan humano como cualquiera de nosotros.
Agradecimientos especiales:
Agradecimientos especiales a Vanessa Huaytan, administradora de la comunidad lolita del Perú (Lolimafia), por la información actualizada brindada sobre las lolitas.
Al inicio del manga Ao no flag, el protagonista se plantea la siguiente pregunta: ¿Amor o amistad? Al respecto, en abril de este año, se publicó su capítulo final y hubo una serie de reacciones diversas debido a que el personaje principal, Ichinose Taichi, rompe con su novia de la secundaria, Kuze Futaba y, cuando es adulto, se le ve en una relación amorosa con Mita Touma, su mejor amigo de la infancia. Este cierre fue una sorpresa para muchos (grata para unos y no tan grata para otros), pues no es usual en los cómics de la popular Shonen Jump. No obstante, si bien su última entrega es una respuesta a la pregunta inicial, esta es más profunda de lo que parece y propone una mirada interesante del paso a la adultez en la cultura japonesa.
Fuente: Shūeisha/Ivrea
“En esta época jodidamente complicada, los tres acabamos en la misma clase”
Ao no flag es un manga de la autoría de Kaito que empezó a publicarse en febrero del 2017 en la plataforma digital japonesa Shōnen Jump + y desde enero del 2019, está disponible también en la aplicación MANGA Plus. La premisa de esta historia parte de que la estudiante Futaba está enamorada de Touma, otro estudiante, así que le pide ayuda a su compañero Taichi, quien lo conoce desde la infancia, para acercarse más a él, pero en el camino, Taichi se enamora de Futaba y los dos ignoran a quién ama Touma. A muchos no les atrajo la historia al inicio, pues parecía confundirse con el estereotípico triángulo amoroso de un drama escolar. Sin embargo, lo que se revela es un retrato complejo de la llamada aoi haru o seishun, expresión japonesa que se puede traducir como la primavera azul (de ahí el nombre del manga, bandera azul) y que se refiere a los últimos años en la escuela o la adolescencia, que también puede entenderse, según Wesley H. W. Tong, como el mejor momento de la vida que cada vez se vuelve más adulta.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Para Manuel Hernández Pérez, siguiendo la teoría narratológica de Seymour Chatman, además de las acciones realizadas por los personajes, la ambientación o settings es otro elemento imprescindible para toda historia e implica tanto tiempo como espacio. La escuela japonesa no es un escenario ajeno para las historias shōnen, donde no solamente vemos los salones de clases, los patios o los jardines, sino que acompañamos a los estudiantes en las actividades extracurriculares, los festivales deportivos o las excursiones. No obstante, la ambientación que propone Ao no flag se nutre de la comedia y las tribulaciones internas de los personajes en esta etapa de sus vidas y ello hace que el lector sienta de forma más intensa sus conflictos.
Tomando como punto de partida el concepto de focalización de Gerard Genette, Hernández-Pérez lo aplica al caso del manga y resalta el empleo de dibujos chibi o SD, los bocadillos de pensamiento y las narraciones autodiegéticas de los personajes focalizantes como elementos que construyen la perspectiva de los personajes. Adicionalmente, se reconocen el empleo de analepsis internas, definidas por Gaudreault y Jost como un viaje al pasado dentro del mismo relato, para demostrar la constante reflexión sobre los hechos ocurridos por parte de los jóvenes personajes. Eso es justamente lo que puede encontrar el lector de Ao no flag, quien consigue experimentar la vida escolar con una mirada realista a los dilemas internos que la componen.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En el caso específico de los tres personajes principales y del resto del cast, están en el último año del bachillerato, así que el contexto escolar como setting se dinamiza aún más como detonante de las acciones de los personajes al componer una época de un importante impacto para su futuro. Yoneyama Shoko enmarca el ingreso a la universidad en la súpermeritocracia japonesa en el que las universidades a las que uno puede ingresar dependen del senior high school al cual ha atendido y, Park HyunJoon y Gary Sandefur agregan que, del mismo modo, ello determina las empresas que pueden contratarte siendo el juken (tomar el examen de admisión) un momento crucial en la transición a la adultez. Este escenario sumado a la rigurosidad de las escuelas japonesas, aterriza la historia de amor, pues si bien se ve florecer la relación amorosa entre Futaba y Taichi, al mismo tiempo que se refuerza la amistad con Touma, estos vínculos se enfrentan a las dificultades personales de la realidad.
Las inseguridades de Futaba y Taichi sobre sí mismos se trasladan a su decisión de carrera frente a lo cual temen equivocarse y ser criticados por los demás, al mismo tiempo, hay tensión entre ellos por la posibilidad de separarse y mantener una relación a distancia cuando elijan sus universidades. En el caso de Touma, debe lidiar con la preocupación de su hermano mayor, Seiya, y de Taichi sobre su decisión de no ir a la universidad, que contrasta con la elección que todos esperan de él, pero que no corresponde con sus deseos. La experiencia interna de estos conflictos se expresa desde los bocadillos de pensamiento, las narraciones autodiegéticas y las analepsis. De este modo, las decisiones vinculadas al amor y la amistad no son tan idílicas como parecen, sino que a veces son difíciles, pues se vinculan con las metas y sentimientos personales de los individuos que, en este caso, son adolescentes que aún tratan de conocerse más a sí mismos para decidir sus caminos, pero que TIENEN que decidir ya porque el tiempo no se detiene.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
“Has decidido quién soy por mi apariencia”
Al igual que la elección profesional, la ambientación de Kaito y su trabajo desde la focalización acerca al lector a la dinámica entre los estudiantes, la cual ejemplifica muchos rasgos socio-culturales de Japón que, según Mio Bryce, incluyen a la competencia y el control que él condensa en el tate shakai (sociedad vertical). El autor señala que las relaciones sociales en Japón se guían por la jerarquía o verticalidad dentro de los grupos sociales, lo que conlleva al constante reforzamiento de las normas del grupo en contra de la individualidad así como la constante vigilancia entre los miembros del grupo para cumplir el rol de cada uno. En resumen, ser adulto implica adaptarse a este status quo y poder lidiar con el conflicto interno que conlleva. Una de las razones por las que Futaba se enamora de Touma es justamente porque él entiende esa preocupación que también atormenta a la chica: ¿Por qué yo no puedo adaptarme como los demás?
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
El tate shakai se encuentra fuertemente relacionado con el tatemae (fachada social) y el honne (sentimientos personales) siendo el primero clave para la integración en el grupo y evitar ser sancionado. Touma es un ejemplo de alguien con un profundo conflicto acerca de su tatemae, pero que trata, en un inicio, por todos los medios de encubrir su honne. Desde el diseño de personaje y también en la parte de su comportamiento que forma su tatemae, Touma representa una masculinidad ideal que se confirma a partir de la visión de Taichi y de sus amigos que se sienten en un nivel inferior al compararse con él. Eso hace que, por un lado, se le asocien toda una serie de rasgos que no necesariamente corresponden con su personalidad y que se le restrinja salirse del rol.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En comparación con él, tanto Futaba como Taichi se sienten inferiores, incluso el segundo llega a odiarse a sí mismo, porque no se gusta y siente envidia contra su amigo, lo que derivó en el distanciamiento de ambos después de la primaria. El protagonista cree que Touma lo tiene todo fácil y que desperdicia su potencial al no ir a la universidad, pero, como lo demuestra la misma historia, el concepto de felicidad de Touma está muy lejos de lo que piensan sus pares. A pesar de las restricciones del tate shakai y de las críticas que a veces reciben Futaba y Taichi por estar cerca de Touma al pertenecer a distintos estratos de la popularidad escolar, el manga retrata sus intentos por cambiar dentro de las reglas, por demostrar su individualidad tratando de salir del conformismo para construir las memorias de su último año escolar.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Además de la focalización durante la historia, Kaito dedica capítulos íntegros al dilema de alguno de sus personajes remarcando aún más la identificación del lector con el punto de vista del mismo y ese es el caso de Yagihara Mami, una estudiante que, como Futaba, también está enamorada de Touma. Ella representa un caso particular, ya que aun cuando trata de mostrar su honne al mostrarse genuinamente entusiasta a tener amigos y construir una relación de confianza con ellos, es tachada por una visión estereotipada de su tatemae. Al ser bonita, ir siempre bien vestida y ser franca con sus pensamientos y sentimientos, es vista por las chicas como un posible peligro para sus novios y por los chicos como una provocadora u objetivo de romance.
De este modo, se cuestiona la imposibilidad de la amistad entre hombres y mujeres, al darse mayor importancia al rol de chico y chica por sobre el de persona. Shingo y Mami son amigos y no se ven como intereses amorosos, mientras que Kensuke no puede ver a Mami de otra forma que no sea como un objetivo romántico. Esas dos situaciones amplían el debate sobre los roles sociales y las posibilidades de vínculos entre las personas a partir de ellos, lo que evidencia la rigidez de los prejuicios del tatemae y el tate shakai para limitar a los individuos desde etapas tempranas y que son parte de ese marco social en el que también se vive el amor y la amistad en la adolescencia y la adultez.
Fuente: Akihabara Station/Ivrea/Shūeisha
“Quiero vivir con libertad”
Tras la publicación del capítulo 5 de Ao no Flag, el manga se volvió trending topic en Twitter en Japón y, precisamente, al final de ese episodio, Masumi le revela a Touma que ella sabe su secreto, que es igual a ella. Con ese simple texto, se revela el honne de Touma y de Masumi a la audiencia: ambos están enamorados de sus correspondientes mejores amigos, Taichi y Futaba. Como señalan Gaudreault y Jost, el orden es una de las variables narrativas con las que cuenta el enunciador para construir su texto y ello es un interesante punto de partida desde el cual interpretar el hecho de que se le haya dado una ventaja de conocimiento a los lectores sobre el interés amoroso de Touma, pero recién esto es conocido por Taichi 36 capítulos más tarde. Mientras tanto, es innegable el impacto emocional que construye Kaito cuando el público puede leer las acciones de Touma desde el amor que siente por Taichi (quien no sabe nada) y reconoce su predicamento al estar con él, a evitar revelar cualquier indicio de sus sentimientos en sus conversaciones o al verlo con Futaba con quien desea que sea feliz. En resumen, Kaito pone a todos en el lugar del personaje para sentir su conflicto interno con él: tener que ocultar sus sentimientos.
Fuente: Shōnen Jump +/Shūeisha
De acuerdo con Marc López, en Japón, la masculinidad tradicional se construye en torno a conseguir empleo, casarse y tener hijos, pero las minorías sexuales en el marco social no reciben un rechazo abierto, sino más bien una invisibilización que Sam Shoushi, citado por López, denomina vivir en el mikage, es decir, en las sombras. Al respecto, Kakefuda Hiroko agrega que si no funciona ignorar a las minorías como las lesbianas, la sociedad las presiona al silencio. Cuando el secreto de Touma se revela en medio de un descuido que deriva en una pelea física con su amigo Kensuke en el colegio, detonan las reacciones de sus compañeros que expresan las distintas posturas ante la homosexualidad masculina generando un interesante diálogo que puede ser un punto de partida de reflexión para el público objetivo del manga: varones adolescentes entre 12 y 18 años, según Robin Brenner.
Por un lado, Kensuke quien encarna la masculinidad tradicional y ha sufrido acoso por parte de un sujeto antes, considera que las relaciones amorosas entre hombres son desagradales y emplea el argumento biológico (características físicas y corporales) para establecer una diferencia entre hombres y mujeres resaltando que él nunca podría sentirse atraído por un hombre y no es natural que sea así. Por otro lado, Shouko y Sayaka, amigas de Touma y Mami, muestran una postura opuesta, destacando el respeto a la vida privada de todos, el cuestionamiento a la afirmación de que las personas gay son necesariamente depredadores sexuales y que todas las diferencias físicas entre hombres y mujeres no se cumplen en todos los casos además que destacan la libertad e inevitabilidad de los sentimientos de las personas y que, como Kensuke no ha experimentado la misma situación de Touma, no entiende y, por eso, rechaza sus sentimientos y los odia.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
En este punto, el discurso se podría haber decantado por darle la razón a Shouko y Sayaka, pero Kaito incluye una postura más, la de Shingo (otro amigo de Touma), quien subraya que ellas están tratando de imponer sus valores en Kensuke desacreditando sin más su punto de vista y atacándolo con la excusa de no discutir el asunto cuando el ser indulgente tampoco es una salida, pues así como Touma no puede evitar estar enamorado, Kensuke tampoco puede evitar sentir rechazo. Incluso, Shingo cuestiona la aproximación de las chicas a la pelea entre Touma y Kensuke, quienes como hombres, según él, estaban resolviendo sus problemas de manera masculina y saludable: con los puños (léase que Touma parece aún ser considerado masculino a pesar de su sexualidad). A partir de esta intervención, se pone en evidencia una crítica no a las posturas, sino al debate mismo sobre la homosexualidad y parece que se propone un cambio en el rumbo de la discusión cuando Taichi les pregunta a Shingo y a Kensuke, qué harán con Touma.
Antes de que todo saliera a la luz, Touma no pretendía revelar sus sentimientos a Taichi ni mucho menos hacerlos público, pues como lo señala más adelante era impensable para él que su mejor amigo lo amara como hombre y peor aún que pretendiera iniciar una relación con él y la razón de ello se relaciona con el honne y el tatemae, pero también con el uchi y el soto.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Uchi es donde las verdaderas opiniones, pensamientos personales o motivos reales son expresados.
Brian J. McVeig
Tamagawa Masami cita esta definición y la complementa señalando que se refiere al círculo más interno y cercano de familia y amigos, mientras que soto es lo opuesto, es decir, lo más público y externo. La revelación de la homosexualidad o la identificación con alguna otra orientación sexual en cuanto al soto ya ha sido referida, pero ¿qué hay del uchi? Durante el diálogo entre Akiko, la cuñada de Touma y Masumi, la segunda le dice que ella es feliz si las personas que le importan son felices, pero teme que si revela su secreto (que está enamorada de una mujer) no vayan a entenderla y no puedan perdonarla.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Precisamente, Tamagawa destaca que en la sociedad japonesa la homofobia en un sentido explícito y directo proviene del uchi, sobre todo de la familia que al ser un pilar social es el contexto en el que el odio o rechazo a la homosexualidad es expresada e internalizada. Es correcto decir que los tiempos están cambiando y que tanto Seiya, hermano mayor de Touma, como Kensuke (los que podrían oponerse) dan a entender que a pesar de sus opiniones propias, apoyarán al chico, pero de igual forma se entiende el temor de Masumi y el deseo de Touma de irse de su casa y trabajar para vivir por su cuenta, ya que ello constituye su felicidad:
Quiero ser capaz de decir que amo lo que amo, estar feliz cuando esté feliz y estar triste cuando esté triste. Que no me digan que hacer. No lastimar a nadie ni ser lastimado por nadie.
Touma
En resumen, Touma desea escapar de las nociones del tatemae y el honne, así como no preocuparse en expresarse a sí mismo en el marco del uchi o del soto y es muy probable que Masumi querría lo mismo. Sin embargo, ello es muy difícil a menos que escapasen de su sociedad, pero incluso así tendrían que distanciarse de los vínculos con su uchi, donde se hallan las personas que quieren. En ese sentido, el debate sobre la homosexualidad se aterriza a los vínculos personales del uchi, donde se cuestiona si se debe juzgar al ser querido por el rol que le es impuesto por la sociedad o por la persona que se sabe que es y que trata de construir su felicidad. Al respecto, Akiko señala:
Todo lo que podemos hacer es elegir el camino que creemos mejor. Como otros vean esa elección es su problema, aunque eso te duela, eso es algo ante lo que no puedes hacer nada.
Akiko
De este modo, una elección sobre el amor o la amistad para Touma y Masumi gravita en el soto, pero también en el uchi, de donde puede venir el apoyo como el de Kensuke, Shingo y Seiya o la comprensión, pero también el rechazo y el prejuicio.
“¿Qué opinas tú de mis decisiones?”
En las visual novels, una bandera se suele asociar con un evento que demanda una decisión por parte del usuario, la cual va a cambiar el rumbo de su ruta y puede también afectar la manera como lo ven las otras personas y un evento de ese tipo se puede asociar con la llamada primavera azul o seishun, de ahí una segunda interpretación del nombre de Ao no flag, bandera azul. En el comentado capítulo final del manga, Kaito nos muestra, como él mismo lo dice, el futuro que los personajes han elegido y partiendo del carácter cinemático de las viñetas en el cómic japonés, se puede señalar que el autor construye principalmente este episodio desde la ocularización. Gaudreult y Jost llaman ocularización interna primaria cuando la cámara refleja lo que ve un personaje cuya presencia se construye a partir de ciertas huellas en la imagen. En este caso, se eligió la mirada de Touma quien aparte de su mano, no se le ve ni se le escucha, sino que sólo se muestra lo que él observa.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Esta decisión fue vinculada por los fans, junto con el salto temporal, con un intento de censurar el desarrollo o exposición de la relación amorosa entre Taichi y Touma, pero es interesante analizar el efecto de esta decisión. Después de que se hace pública la homosexualidad de Touma en la escuela y de que este manifiesta su sueño de tratar de vivir en libertad en cuanto a lo que ama, esta empieza a formar parte de su tatemae, así que de todos los personajes, era el que había tomado la decisión que—en medio del tate shakai—iba a impactar más en su vida en sociedad. Al respecto, el capítulo 48 puede servir como un punto clave de interpretación del final, ya que también se construye con base en la misma ocularización, pero se centra en contar cómo Touma se enamora de Taichi y la angustia hacia la mirada social desde el soto que compone la escuela a la cual debe regresar el chico después de que todo ha salido a la luz. Sobre todo, a Touma le preocupan las reacciones y consecuencias para sus amigos, su uchi. En ese sentido, en contraste, el capítulo final muestra cómo el mundo de Touma se ve y se siente—desde su mirada—libre de esa angustia mientras comparte la felicidad que sus amigas, Masumi y Futaba, han elegido para ellas, y ve a Taichi, su pareja, incluso se deja entrever que Kensuke ha mantenido su vínculo y amistad con él después de tanto tiempo.
Fuente: MANGA Plus/Ivrea/Shūeisha
Asimismo, la elección de la mirada de Touma permite ver de una particular manera, la elección de Taichi. En el penúltimo episodio, Taichi señaló que aún no sabía qué era la felicidad para él, pero que parte de ella era su relación amorosa con Futaba y su amistad con Touma, pero años después Futaba está feliz casándose con otro hombre y Taichi está casado o comprometido con Touma, es decir, lo eligió a él y al mirar a su pareja se ve feliz. Como Taichi lo dice, dos años después del fin del bachillerato, él y Futaba decidieron terminar y en algún momento, posteriormente, se enamoró y tomó la decisión de comprometerse con Touma. Tomó una decisión durante su adolescencia que tuvo un resultado y cuando llegó el momento, en otra etapa de su vida, volvió a decidir. De esta manera, Kaito elabora un relato que apunta a señalar que el amor o la amistad son relaciones que se viven en medio de la serie de decisiones que componen la vida y que van desde la elección inconsciente de enamorarse o sentir cariño por una persona, hasta iniciar una relación pública en medio de una sociedad vigilante y las preocupaciones de cada individuo. Para Ao no flag, la bandera azul de la adolescencia enseña que ser adulto significa adaptarse a ese proceso de decisión, a la incertidumbre de no saber si te equivocarás, a la ansiedad sobre el qué dirán, al miedo a ser juzgado por los tuyos y a entender que la felicidad es algo que se construye pasando una y otra vez por esto, pero que puede alcanzarse.
Para los interesados Ao no Flag es una lectura más que recomendable y si desean conocer más del arte de Kaito, les dejamos su cuenta en Pixiv y bibliografía para profundizar sobre el tema.
Brenner, R. (2007). Understanding anime and manga. Westport, Irlanda: Libraries unlimited.
Park, H. and Sandefur, G.D. (2005), «TRANSITION TO ADULTHOOD IN JAPAN AND KOREA: AN OVERVIEW», Bass, L. (Ed.) Sociological Studies of Children and Youth (Sociological Studies of Children and Youth, Vol. 10), Emerald Group Publishing Limited, Bingley, pp. 43-73. https://www.emerald.com/insight/content/doi/10.1016/S1537-4661(04)10004-4/full/html
🖌🎨 Ramdaram (람다람) es el nombre artístico de un ilustrador y animador originario de Corea del Sur. Su especialidad es crear diseños animados para videos musicales de diversos géneros (como el funk, trap y el soulpunk) que comparte en sus diversas redes sociales como Youtube, Instagram y Twitter.
Una destacable muestra de sus ilustraciones es recompartida por usuarios de Pinterest (a partir de su cuenta de Twitter). Asimismo, su canal de YouTube está llamando la atención en el mercado global que valora las estéticas destacables por su peculiaridad u originalidad. Prueba de esto es haber llegado a 400,000 suscriptores en menos de un año.
Daram, uno de los personajes principales del universo Ramdaram Fuente: Twitter del artista
ESTÉTICA
Ramdaram utiliza una gama de colores pastel que son combinados con un estilo de animación caracterizado una onda retro que linda con el vaporwave (estilo musical nacido en el 2009 a partir de una mezcla de géneros indie bailables como el chillwave y el witch house con géneros populares de los años 70 y 80), una estética alternativa o independiente que está surgiendo como fuerte tendencia entre los artistas millennials de todo el orbe.
Sobre la temática de los videos de este artista, es interesante destacar que gira entorno a un universo de personajes femeninos (en su mayoría) caraterizados por un diseño estético que (apelando a la terminología propia del fenómeno japonés animado) oscila entre lo kawaii (lindo o tierno) y una rudeza que recuerda a los personajes de la banda virtual británicaGorillaz, y que se complementa con una personalidad «oscura» (depresiva, perversa o extraña).
Un personaje destacado del universo Ramdarames Daram, quien no solo resalta por ser una chica de pelo rosa (con los típicos moños chinos a lo Pucca) sino por su cola felpuda “de ardilla”, sus pendientes de cruz invertida, sus dientes filudos y una mirada constantemente agresiva y desafiante. Otro personaje peculiar es Shu, una chica de cabello blanco y listones rosas que se ve muy sonriente, amable y además tiene una tienda de dulces con su nombre, pero que detrás de esa fachada parece dedicarse a vender cosas extrañas (unas curiosas pastillas que, al parecer, Daram habría probado).
Shu promocionando sus pastillas Fuente: Captura de imagen en video de Youtube (City love)
Otro aspecto interesante a resaltar del universo Ramdaram es que la relación entre sus personajes femeninos no refleja la lindura típica de las animaciones clásicas sobre historias de chicas: un oscuro pasado compartido por las protagonistas es sugerido a partir de referencias a situaciones depresivas, suicidas u homicidas, lo que no hace sino acenturar ese contraste extraño y oscilante entre una atmósfera cute, criminal y bohemia que rodea a estas chicas.
Otros personajes femeninos de Ramdaram Fuente: inven.co.kr
PORTAFOLIO ANIMADO
Entre los trabajos de animación realizados por Ramdaram para videos musicales, podrán encontrar SODA CITY FUNK, de Tim Legend; TWO TIME , de Jack Stauber; CITYLOVE (red), de Badkid; FEEL GOOD, de Syn Cole; LOVE ME RIGHT, de Noory; SOPPY, de Dustcell, entre otros también publicados en la cuenta de youtube del animador.
Citylove (red) -Badkid
***DATO CURIOSO***
Hay muchos extranjeros introducidos al universo de Ramdaram través de canciones como ‘Two Time’ y ‘Soda City Funk’, las cuales se están volviendo más populares en países extranjeros que en Corea. Al respecto, la proporción de extranjeros en la sección de comentarios y el número de visitas es abrumadoramente alta.
Hasta el momento, los videos animados de este artista no tienen derecho de autor, o, al parecer, como autor habría permitido que sus trabajos audiovisuales sean de dominio público.
Ramdaram participó en la producción de videos musicales con temática feminista. Debido a este antedecente, y al hecho de que sus personajes son mayormente mujeres, muchos de sus seguidores tenían dudas de que fueran feministas extremas. Al respecto, el artista no ha confirmado de manera oficial cuál es su postura política.
Un video donde el animador coreano responde preguntas de sus fans aparece en su cuenta de Youtube.
Video donde Ramdaram responde las preguntas de sus fans
🐉 No solo de anime vive el hombre. Por ejemplo, ¿qué sería del shōjo sin todo el background literario de las revistas para chicas de inicios del siglo XX? ¿O Dragon Ball sin la mitología china? No sería raro, entonces, encontrar una cultura popular construida en base a la literatura o las tradiciones orales. ¿Pero puede suceder a la inversa, especialmente en el contexto latinoamericano? #GISugoi te presenta el día de hoy Imperio de sombras.
📖 Primera novela publicada por Nilton Maa, se ubica dentro del género fantástico. En ella no solo podemos establecer un nexo con la cultura y religiosidad de China y Japón (incluso, se llega a sugerir una sensibilidad andina) (1); también tiene elementos propios de algunas series y películas de la cultura pop. El lector será testigo de la convivencia entre las artes marciales, la magia y lo sobrenatural (¿alguien recuerda Avatar the Last Airbender?). Las primeras dos partes desarrollan la trama política: la organización del Imperio Wa, las líneas de sucesión y la inestabilidad política y social por la que atraviesa. Y la última parte colocará en primer plano el triunfo y la vuelta al orden gracias a la magia y lo sobrenatural, lo cual se da gracias a una conexión entre el ser humano y la naturaleza.
🥋 Llama la atención los personajes femeninos, los cuales el lector puede relacionar fácilmente a los de Hayao Miyazaki: mujeres fuertes, capaces de tomar las armas, que pueden comunicarse con los dioses y los espíritus, y que poseen una gran sabiduría. En ese sentido, la división de los capítulos responderá al personaje femenino que tome protagonismo: Xiao Mei, donde veremos el rol importante de las artes marciales y qué espera la sociedad de una princesa; la princesa Suyen, quien nos presenta cómo es la vida en el Palacio, las conspiraciones que se dan en su interior, y la débil presencia que tiene el gobierno en algunos territorios del reino; y Saori, quien nos presenta cómo es la vida fuera del reino, así como el nexo que tienen los dioses y los espíritus con los seres humanos. Además, llaman la atención otros personajes como el de la guerrera que lucha al lado de Xiao Mei en el bosque, o la princesa Mei. De ellos el lector desearía saber más, y podría dar lugar a una ampliación del mundo ficticio creado por el autor
Finalmente, Imperio de sombras resulta una obra atractiva y entretenida, la cual valdría la pena también ver en un formato gráfico, donde se podría aprovechar al máximo las secuencias de peleas y el worldbuilding.
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NOTA:
(1) Ello es pertinente, ya que la relación que establece el sujeto con el territorio es muy similar en la lógica japonesa y en la lógica andina. Asimismo, la costumbre de realizar “marcas” (por ejemplo, lugares de descanso) en el territorio y de delimitar lugares sagrados (como las montañas) es una práctica que se puede observar también en la cultura china.
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👉 Novela (vía Amazon):
Sobre la sensibilidad andina en la novela, revisar la reseña del libro en Lámpara de papel:
¿Cuántas veces no hemos metido la pata en la adolescencia? ¿Acaso no hemos hecho tonterías con nuestros amigos y vivido al máximo nuestros sentimientos?
La misma premisa sigue el manhuaTheir Story, también conocido como Tamen De Gushi o SQ: Begin W/Your Name!,publicado desde el 2014 por Tan Jiu. Con 203 capítulo hasta la fecha, es un slice of life que presenta el desarrollo de la amistad entre Sun Jing y Qiu Tong, dos chicas que estudian en escuelas distintas. En paralelo se explorará el día a día de sus amigos, los eventos que ocurren tanto en el colegio como fuera de este, y la relación que tienen con su familia.
Si bien el manhua tiene como centro el desarrollo de la relación entre Sun Jing y Qiu Tong, llama la atención cómo la narrativa presenta múltiples capítulos centrados en otros personajes, lo cual permite complejizar no solo en la personalidad de las protagonistas, sino también en la de sus amigos. Ello permitiría al lector profundizar el contexto en el que estos adolescentes viven. Se trata, entonces, de una obra narrada desde múltiples perspectivas o, en otras palabras, una polifonía. Término acuñado por Mijaíl Bajtín, la polifonía consiste en la pluralidad de voces en una obra, cada cual con una personalidad y un punto de vista sobre lo que los rodea.
De esta manera, gracias a la polifonía encontramos la aproximación que tienen las protagonistas y sus amigos sobre la adolescencia yla adultez, la relación que tienen con su familia, el género, y la sexualidad; todo esto en el contexto de una China urbana y contemporánea. Por ello, antes de profundizar en estos aspectos, vale la pena revisar brevemente cómo el manhua se refiere a dicha sociedad.
https://twitter.com/i/status/960213462587654144
Construcción de una sociedad: ¿compañerismo o individualismo?
Their Story deconstruye el mito de una sociedad china que desea caracterizarse por la camaradería y el sentido de comunidad. Un ejemplo de ello lo podemos encontrar en el personaje de “Tattletale” -en su traducción al inglés, o “chismoso” en castellano-, quien desde los primeros capítulos es presentado como un personaje que respeta de manera desmedida y acrítica la “nación”. Ello se puede apreciar cuando en un día de lluvia decide salir corriendo del salón para “rescatar” la bandera y evitar que se moje:
Tattletale al «rescate» de la bandera. Capítulo 27 de Their Story, Tan Jiu.
Y si bien este amor por el territorio, costumbres y hasta la política podrían ayudar a crear un sentido de comunidad con sus compañeros, sucede lo contrario y, paradójicamente se lo construye como un personaje individualista. A ello se le debe sumar su poca capacidad de diálogo y de tolerancia, ya que siempre ignora las invitaciones de Sun Jing y Qi Fang para salir, y cree que el camino al éxito solamente se logra a través de una disciplina que lo obliga a ignorar los momentos de ocio -por lo cual, por ejemplo, siente celos hacia Qi Fang y le cuesta entender cómo logra alcanzar un mejor puesto que él-:
«¡Tenemos distintos valores!». Capítulo 81 de Their Story, Tan Jiu.
«…Tan molestos», el individualismo de Tattletale. Capítulo 10 de Their Story, Tan Jiu.
Por otro lado, el manhua cuestiona el ideal de camaradería y comunidad a través de la representación que hace del bullying. Ello se puede apreciar en el capítulo 122, en un flashback que tiene el presidente de clase Ashu:
Presidente de clase Ashu como contraposición de Tattletale. Capítulo 116 de Their Story, Tan Jiu.
Arco de crecimiento (físico y psicológico) de Ashu, el presidente de clase. Capítulo 123 de Their Story, Tan Jiu.
Él servirá como contraposición de “Tattletale”, ya que encarna los valores de la disciplina, la constancia y el apoyo a los demás, por lo cual sí podría encarnar el ideal de compañerismo. Con ello se demuestra que la camaradería, más que ser un valor adquirido por ceñirse al discurso oficial de una nación, es algo que se construye entre sus integrantes a partir de un compromiso y apoyo mutuo. En otras palabras, la comunidad solo se logra construir a partir del reconocimiento del otro y la apertura al diálogo.
Es así como Their Story presenta desde temprano en su narrativa una fuerte crítica social que se extenderá en la forma cómo se construye a los sujetos y cómo se los encamina a la adultez.
“Explorar nuestros límites”: Adolescencia vs. Adultez
El manhua plantea la adolescencia como aquella etapa donde el sujeto tiene mayor libertad y puede expresar sin temor sus emociones, a diferencia de la adultez, en la cual deben adaptarse a las normas y cumplir con las expectativas sociales. Esto se debe a que la sociedad entiende la adolescencia como aquella etapa donde el joven termina de asimilar qué es lo apropiado y qué no, y se encamina a las responsabilidades que le esperan en la adultez. Por ello, “pequeñas desviaciones” a la norma pueden ser toleradas. Sin embargo, en la adultez se esperará que estos mismos sujetos puedan obtener un trabajo estable, se casen y puedan hacerse cargo de la familia (teniendo hijos y cuidando a los padres).
Pero además de haber asimilado estas normas, en Asia, y específicamente en China, será importante que los jóvenes también hayan interiorización el cuidado del “rostro”. Este consiste en la reputación individual y familiar que debe mantener el sujeto. Bajo los nombres de miànzi (面子) -estima personal, reputación, prestigio, honor, posición social- y liǎn (臉子) -respeto, reputación, prestigio, influencia-, el “rostro” se le otorga al sujeto, pero también debe ser construido y se debe luchar por él. Por ello, será vital que el joven actúe en la esfera pública ciñéndose a la norma, cuidándose de no realizar alguna acción que sea juzgada por la comunidad y que provoque la pérdida de su reputación y la de su familia.
Sin embargo, llama la atención cómo los personajes de Their Story son abiertos en sus emociones. En lugar de mostrarse en la esfera pública -en la calle y en la escuela- como estoicos y con un perfecto control sobre sus emociones, son muy transparentes. Ello se puede apreciar cuando se contrasta a los transeúntes, quienes no suelen demostrar en exceso sus emociones, con los protagonistas. Y aunque hayan casos donde la gran alegría de los personajes se traslada a los personajes de fondo, estos tratan de mantenerse inamovibles:
Contraste de sentimientos: transeúntes y Sun Jing (¿soy yo o también hay concepto de “rostro” en la imagen? :pensando:). Capítulo 19 de Their Story, Tan Jiu.
Their Story plantearía, entonces, la adolescencia con un potencial transgresor, ya que en ella se permite a los jóvenes, todavía en tránsito de asimilar la norma, buscar sus límites y decidir si más adelante la cuestionan:
«Mamá, ¿acaso en la escuela no te morías de ganas de conocer los límites del ser humano?». Capítulo 93 de Their Story, Tan Jiu.
Si bien se percibe una “rebeldía” en los personajes, nada garantizaría que esta se mantendrá en la adultez. No obstante, la constante referencia que hacen los personajes sobre sus padres nos lleva a la pregunta: ¿realmente mantendrán el mismo sistema en el cual viven?
Entre la atomización y la gratitud: relación con los padres
La piedad filial es un aspecto muy importante en la sociedad china. Autores como Qijun Han señalan que el modelo tradicional de familia china se construye sobre una base patriarcal, patrilineal y patrilocal, donde los hijos tienen un sentido de responsabilidad con los padres y los mayores, lo cual los coloca en una relación jerárquica y de obediencia.
Y pese a que el manhua nos sitúa en un contexto urbano y contemporáneo donde la imponente figura de un “patriarca” ha desaparecido, se suma otro problema: la inserción de los sujetos a las dinámicas de globalización e industrialización. Este viraje económico se realizó en China en los años 90, especialmente en las grandes ciudades, y no solo provocó el cambio en las dinámicas familiares -como la inserción del hombre y la mujer a la esfera laboral-, sino también la separación de los padres con sus hijos por la sobrecarga laboral que deben asumir para mantener el hogar. Los efectos de esta pueden ser percibidos en el caso de la madre de Qin Xiong, quien se hace cargo de mantener a la familia y llega cansada al hogar, o la madre de Qiu Tong, quien trabaja horas adicionales y constantemente debe cancelar los planes que tenía con su hija:
Desmintiendo el mito de la familia: el libre mercado y la atomización del sujeto. Capítulo 93 de Their Story, Tan Jiu.
Todo esto construye un contexto donde hay una atomización del sujeto, donde el ideal de familia y de familia extendida, con la presencia de tíos o abuelos, es desmentido al mostrar la soledad en la que se encuentran. Y pese al desamparo en el cual se encuentran, llama la atención cómo estos no dejan de reconocer el esfuerzo de sus padres, y sienten una profunda gratitud hacia ellos:
Un regalo por el día de la madre: relación de Qiu Tong y su mamá. Capítulo 53 de Their Story, Tan Jiu.
“Gracias por tu arduo trabajo”: Qin Xiong agradece a su madre, quien los mantiene a ambos. Capítulo 196 de Their Story, Tan Jiu.
Ello se aprecia sobre todo cuando se refieren a la figura de la madre. No obstante la ausencia del padre es expresada por los personajes masculinos de forma violenta, y la relación con este parece tensa, como se puede observar en la forma cómo Qin Xiong se refiere a su padre, o cuando un personaje extra conversa con su padre en el restaurante:
Relación de Qin Xiong con su padre y su pueblo de origen. Su historia viene después del capítulo 107, donde un personaje extra discute con su padre sobre su ausencia y repentino interés en lo que hace. Capítulo 108 de Their Story, Tan Jiu.
El rechazo de Qin Xiong de visitar a su padre no solo sería una ruptura con la estructura patrilocal propia de la piedad filial, sino también es un desarraigo hacia la ciudad de origen, lo cual podría provocar un quiebre en el sujeto al romper de manera violenta con su pasado.
De esta manera, Tan Jiu señala un cambio en la estructura familiar de la sociedad china, así como múltiples quiebres que se dan en el sujeto, ya sea por la atomización que sufre debido a su inserción en la dinámica neoliberal o por la ruptura con el lugar de origen -vinculado a la patrilocalidad-. Y si bien la urbe china presenta una paulatina inserción de la mujer en el trabajo y la desaparición de la figura masculina como única cabeza de la familia, el manhua nos muestra que la sociedad atraviesa todavía por una inequidad.
Del arte a la crítica social: ¿cómo hablar del género?
En este contexto, si Their Story es una historia que cuestiona el modelo tradicional de familia, también dedica algunas secciones para criticar la construcción del género.
Para entender cómo se construye el género en China se debe tomar en cuenta las influencias del confucianismo. Este sistema de pensamiento apunta la necesidad de una diferenciación sexual con el objetivo de mantener la armonía social. Con ello, se construyeron roles de género de manera marcada: a las mujeres se les asignó el rol de esposas, concubinas o prostitutas, con una sexualidad al servicio del hombre y, de ser casadas, al cuidado del hogar; mientras que el hombre era considerado la cabeza de la familia, quien debía tener hijos para demostrar la “prosperidad” familiar -lo cual también es parte del concepto de “rostro”- y su trabajo se ubica en la esfera pública.
Sin embargo se pueden encontrar dos momentos que permitirán un cambio en el rol de la mujer en China: el surgimiento de las fábricas de seda y la Revolución Cultural (1949). Las fábricas de seda fueron espacios que, hasta 1920, permitieron a las mujeres obtener ingresos económicos, y a partir de ellos se formaron comunas que les brindaron una relativa libertad y donde no se les imponía el matrimonio. Por otro lado, en la era de Mao Zedong (1949-1978) se buscó una igualdad de la mujer en el ámbito legal y social. No obstante, este discurso de “equidad” se basó en introducir a la mujer en la esfera laboral -muchas veces en trabajos de “segunda clase”-, pero sin quitarles la carga de trabajo doméstico. Esto se mantendrá por décadas, inclusive con la inserción de China a la economía de libre mercado, a partir de los años 90.
Sun Jing presenta a sus papás, quienes trabajan en el rubro de fotografía y editorial. Capítulo 45 de Their Story, Tan Jiu.
Se trata, entonces, de un contexto donde si bien la mujer tiene un lugar en la esfera laboral y tiene mayor acceso a la educación, sigue existiendo la imposición del matrimonio y una reducción de su cuerpo a objeto de deseo. Asimismo, las leyes y el discurso oficial animan a las mujeres a focalizarse en la familia y en el cuidado del hogar a partir de una carencia de leyes que prohíben el acoso sexual, y a través del uso de la propaganda y los medios, respectivamente.
De esta manera, el manhua retrata la problemática de la inequidad de género de manera más clara a partir del 2018, meses después del surgimiento de los movimientos #MeToo en Asia. China no será ajeno a ello, ya que usará el hashtag en redes sociales, pero ante la censura será reemplazado por términos como #WoYeShi, #metoo o #RiceBunny -ya que el hashtag original “#MeToo” se asemeja en pronunciación a la palabra en mandarín “Mi Tu”, “conejo de arroz”-. Así, como toda obra de ficción, Their Story se verá influenciada por los discursos con los cuales entra en contacto su autor, quien decidirá a través de su historia si los avala, cuestiona o transgrede.
En un contexto donde se desea denunciar algo que produce malestar a un grupo de la población, pero se corre el riesgo de la censura, ¿cómo transmitirlo? A través del arte, ya sea desde la literatura, el cine, la música o el cómic. Y si Their Story ya había planteado desde entregas anteriores las problemáticas por las que atraviesan los jóvenes en relación con los ideales de familia y adultez, este tema no estará exento, solo que, a diferencia de los anteriores, llama la atención la manera directa en la cual lo denuncia. Ello se puede apreciar primero cuando Sun Jing defiende a Qiu Tong de un acosador, quien filmaba debajo de su falda durante una visita al parque temático. Ante ello la respuesta del parque fue recomendarle a Qiu Tong no use una falda corta en lugares con mucha gente, pero Sun Jing seguirá defendiendo la opción de vestimenta de su amiga:
Sun Jing recriminando a una trabajadora del parque de diversiones, quien critica la ropa que usó Qiu Tong. Capítulo 184 de Their Story, Tan Jiu.
Otro ejemplo de ello se presentará capítulos más adelante, donde un hombre -no se puede explicar con precisión si se trata del padre de Sun Jing, o si bien se trata de uno de los tantos personajes de fondo que toman en ocasiones protagonismo en la obra- imagina el futuro de su hija. Él espera que ella pueda vivir plenamente y con libertad, pero algunas decisiones que desea tomar no son aceptadas, muchas veces por el riesgo que supone para ella “por ser mujer”. Y si bien, pese a que ese camino parece encasillar a la joven, al final se abre la posibilidad de que logre -de alguna forma, sin que el lector sepa el proceso de cuestionamiento o simplemente si decidió “asumir el riesgo”- algunas de sus metas:
Cómo el padre se imagina a su hija pese a la realidad de la sociedad. (Capítulo no es de libre acceso), Their Story, Tan Jiu.
Lo visto hasta el momento nos demuestra que Their Story es un manhua que no es indiferente a los problemas sociales en los cuales se insertan sus protagonistas. Si este se ha visto influenciado por todas las denuncias de acoso y objetivización de la mujer que surgieron a partir del 2018, y lo expuso pese a los antecedentes de censura, ¿cómo pudo desarrollar casi desde sus inicios la relación entre Sun Jing y Qiu Tong?
“Y pese a todo… ‘buenos ciudadanos’”: la (homo)sexualidad
La homosexualidad no resulta nueva en la sociedad China, ya que se tiene registro de ello en las cortes, entre hombres de alto rango. Asimismo, Fung Kei Cheng señala que en estos mismos espacios las relaciones lésbicas fueron incentivadas no solo con el objetivo de crear una mayor armonía entre las mujeres y concubinas del palacio, sino también porque les permitiría a los hombres conservar su energía sexual -y con ello, según la doctrina taoísta, alcanzar la longevidad-. No obstante, estas relaciones entre personas del mismo sexo serán recién suprimidas en la China moderna, y encontrarán una mayor notoriedad a partir del 2000.
Con las reformas post-socialistas, la globalización e industrialización de los años 90, la población China podrá acceder al Internet y, con ello, entrará en contacto con los hábitos de consumo y las diversas comunidades de Taiwán y Hong Kong. Según Jamie Zhao, este antecedente permitirá no solo la visibilización del deseo lésbico, sino también su expresión a partir del 2000 en series de televisión. El caso emblemático sería el reality “Super Voice Girl”, en el cual compiten cantantes de China continental, Taiwán y Hong Kong, y donde algunas de ellas presentan una performance artística tomboyish, también conocido en China como “T-style” (1). Este programa será censurado en el 2006 porque la Administración Estatal de Radio y Televisión consideró que la competitividad entre las concursantes y las discordancias con los jueces “promovían un contenido vulgar y que representaba poco la ideología del Estado”. A pesar de la censura, la popularidad del programa permitió que el formato regresara en el 2009. En este resaltarían un ambiente de “felicidad” entre las competidoras -incluyendo todavía a aquellas con una performance de género no normativo-; con segmentos donde se muestra su día a día y se recalca que son ciudadanas “normales, positivas y ordinarias”. Este antecedente nos permitirá entender la construcción de la trama GL (Girls’ Love) del manhua.
Al inicio del artículo se propuso una construcción de la narrativa de Their Story a partir del uso de la polifonía. Esta permitirá que diversas “voces” o personajes presenten su posición sobre los discursos de familia, comunidad y adultez que giran a su alrededor. Pero fuera de ello, la mayoría son jóvenes que cumplen con sus responsabilidades como compañeros, estudiantes e hijos: se apoyan entre sí, se ubican en buenos puestos en la escuela y sienten gratitudhacia sus padres -especialmente hacia sus madres, con quienes tienen un vínculo más estrecho-. Se tratan entonces de “buenos ciudadanos” que no deberían suponer un “peligro para la comunidad” sea cual sea su sexualidad.
Y en lugar de presentar la atracción entre Sun Jing y Qiu Tong como un evento extraordinario, el manhua naturaliza la atracción que sienten los demás jóvenes tanto hacia personas de su mismo sexo como hacia las del sexo opuesto. Así, por ejemplo Qi Fang resulta atractivo para varias chicas de la escuela; y Xuezhang -estudiante de tercer año cuyo físico podría considerarse “masculino”- siente atracción hacia Qin Xiong -amigo de salón de Sun Jing y que también es considerado con rasgos “masculinos”-. Esta última pareja llama la atención porque rompe con el estereotipo del rol “pasivo”/“activo” que existe sobre la homosexualidad en la cultura popular.
Qi Fang con una compañera del colegio. Capítulo 144 de Their Story, Tan Jiu.
Relación de Qin Xiong con Xuezhang. Capítulo 38 de Their Story, Tan Jiu.
Aunque esta atracción es algo que Qin Xiong no esperaba, tampoco rechaza la presencia de Xuezhang, ni será objeto de burla por parte de sus amigos, lo cual demuestra una sociedad -o aunque sea un grupo pequeño como el de la escuela- donde el deseo hacia las personas del mismo sexo es normal.
Sun Jing con Mo Xiaonan, compañera del colegio que se siente atraída por la protagonista. Capítulo 87 de Their Story, Tan Jiu.
Otro ejemplo lo podemos encontrar en la imagen de Sun Jing, quien resulta atractiva tanto para Mo Xiaonan -compañera del colegio que, avanzada la historia, se declarará a Sun Jing- como para Qiu Tong -coprotagonista y principal interés amoroso-. Pero al ser el desarrollo de la relación entre Sun Jing y Qiu Tong el centro de la historia, esta tendrá que hacer uso de otro recurso para evitar la censura: una “treta del débil”. Término acuñado por Josefina Ludmer y aplicado mayormente a la literatura, consiste en la aceptación de los roles y lugares asignados a cada sujeto para cambiarlo y resignificarlo. En este sentido, Their Story construye una narrativa GL bajo los parámetros del “sentido común”, es decir, como una “imitación” de la heterosexualidad, donde una tendrá un rol y una estilo de vestimenta y comportamiento tomboyish o “T-Style”, y la otra será representada de manera más “femenina” -aunque llama la atención cómo su vestimenta cambiará, y sus prendas adquirirán una expresión más “neutra”-:
El manhua presenta cómo de a pocos la amistad de Sun Jing y Qiu Tong deviene en atracción. Capítulo 89 de Their Story, Tan Jiu.
El desarrollo del amor entre las protagonistas y la no imposición de los sentimientos. Capítulo 145 de Their Story, Tan Jiu.
Por lo tanto, Their Story presenta gracias a una polifonía narrativa distintos puntos de vista sobre los “valores tradicionales” y cómo estos evolucionan en la urbe. Asimismo, muestra cómo la inserción de la sociedad a las dinámicas de libre mercado ha generado una separación en la familia, el mismo núcleo que se supone el gobierno busca defender. Finalmente, llama la atención cómo hace uso de distintas estrategias, como la “treta del débil”, para evitar la censura. Con ello presenta a todos los personajes del manhua como “buenos ciudadanos”, y construye la relación entre Sun Jing y Qiu Tong bajo parámetros que la sociedad puede aceptar.
Primer beso in story entre Sun Jing y Qiu Tong. Llama la atención que en algunas plataformas este no pueda visualizarse completo, así como algunos capítulo «transgresores» señalados anteriormente. Capítulo 145 de Their Story, Tan Jiu.
Pese a que Tan Jiu no presenta un enfrentamiento de las protagonistas ante una sociedad que sigue siendo en algunos aspectos conservadora, ni complejiza qué se puede esperar de la relación de las protagonistas a futuro, resulta una obra muy entretenida, donde se puede apreciar el apoyo mutuo y el respeto entre los personajes.
NOTA:
(1) En ella queda un espacio de duda si dicha performance obedece a una identidad o si se trata de una exigencia de los agentes o representantes con la finalidad de atraer un público LGBT y una mirada no normativa de las fans. Además, Zhao argumenta que esta estrategia permitirá desexualizar a las artistas y construirlas bajo una imagen de “género neutro”.
Las viñetas se han tenido que adaptar. La lectura se realizará de izquierda a derecha, y luego se pasará al nivel de abajo.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Cheng, Fung Kei. 2018. “Dilemmas of Chiniese Lesbian Youths in Contemporary Mainland China”. Sexuality & Culture. Volumen 22, pp. 190-208.
Han, Qijun. 2019. “Diasporic Chinese family drama through a transnational lens: The Wedding Banquet (1993) and Saving Face (2004)”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 3, pp. 323-343.
Judge, Joan. 2004. “The Emerging Lesbian: Female Same-Sex Desire in Modern China by Tze-Ian D. Sang” (Review). Journal of the History of Sexuality. Texas, volumen 13, número 2, pp. 260-263.
Kam, Lucetta Y.L. 2014. “Desiring T, Desiring Self: ‘T-Style’ Pop Singers and Lesbian Culture in China”. Journal of Lesbian Studies. Volumen 18, número 3, pp. 252-265.
Lin, Hui-Ling. 2009. “Looking for Asian Butch-Dykes: Exploring Filmic Representations in Donna Lee’s Enter the Mullet”. Journal of Lesbian Studies. Volumen 13, número 1, pp. 68-76.
Zhao, Jamie J. 2018. “Queer, yet never lesbian: a ten-year look back at the reality TV singing competition show Super Voice Girl”. Celebrity Studies. Volumen 9, número 4, pp. 470-486.
Muchas veces el manga retrata contextos distintos al japonés y nos permite aproximarnos a otras culturas. Ese es el caso de Otoyomegatari, también llamado Bride stories, de Mori Kaoru, que se centra en las tribus de las estepas centroasiáticas del S. XIX. Como su mismo nombre lo dice, cuenta la historia de distintas novias, es decir, mujeres que están casadas, que acaban de contraer matrimonio, están comprometidas o van a estarlo pronto. Cada una de ellas experimenta este evento social, personal, familiar y conyugal de manera particular al mismo tiempo que se nos dan detalles de las costumbres de estas sociedades. Eso puede ser chocante para algunos lectores debido a que pertenecemos a una cultura occidental a partir de la cual juzgamos todo, pero la autora trata estas diferencias sin morbo o exotismo, sino con sutileza y normalidad centrándose en el día a día de sus personajes.
Fuente: Norma Editorial/Enterbrain
La trama inicial es la de Amira, una joven de 20 años que ha sido enviada a casarse con Karluk, un niño de 12 años, para entablar una alianza entre sus clanes. Naturalmente, esto provocará toda una serie de complicaciones. Por un lado, el hecho de que ella es considerada muy mayor, así que tendrá menos años por delante para tener hijos y, además, ella tiene costumbres propias de las tribus nómadas, lo que a veces la convierte en una mujer demasiado audaz o diferente para la tribu de su esposo. Por otro lado, Karluk tendrá que demostrarse a sí mismo, a su familia y a la tribu de su esposa, que a pesar de su corta edad, puede y debe ser un hombre capaz de protegerla y ser el jefe de su propio hogar, al mismo tiempo que, como ella, debe acostumbrarse a su nueva vida en común que todavía no es la de un matrimonio real como lo entendemos debido a que él aún es un niño, pero que se basa igualmente en la confianza y el cariño.
Fuente: Norma Editorial/Enterbrain
Entre las demás líneas argumentales se encuentran la de Anis, una mujer casada de la alta sociedad persa; Laila y Leyli, un par de gemelas muy graciosas que se casan con un par de hermanos; Talas, una viuda que se enamora de un viajero inglés y Pariya, una niña con un carácter considerado demasiado fuerte para el ideal femenino de la época, lo que la convierte en una candidata poco atractiva para el compromiso. Cada personaje, incluidos los masculinos, son muy bien desarrollados y demuestran una complejidad que si bien coincide en algunos puntos con los preceptos sociales de la época en otros casos es divergente, lo que alimenta la profundidad de los discursos que propone Otoyomegatari.
Fuente: Enterbrain
Además del detallado costumbrismo de este drama con tintes románticos y de la narrativa llena de calidez y emotividad, el pincel de Mori es privilegiado, ya que cada dibujo contiene un detalle y un cuidado que los convierte en una obra de arte a los ojos. Es imposible no detenerse en la lectura para apreciar los patrones de los tejidos o de la ebanistería de la época así como la expresividad de los personajes en cada viñeta. Sin duda, una estética digna de una larga ovación de pie.
Fuente: Enterbrain
Autorretrato de Mori Kaoru. Fuente: MyAnimeList
En esta lista de reproducción, podrán ver el proceso de dibujo de Mori Kaoru para que admiren el minucioso trabajo de la mangaka.
El manga empezó a publicarse en 2008 y sigue en curso en la revista Harta. La obra ganó el 7mo premio de manga Taishou en 2014 y el Intergénérations Prize en el Angoulême International Comics Festival en 2012. Mori Kaoru también es autora del drama victoriano Emma (2001-2008), que también cuenta con una adaptación al anime.
Si estás viendo Tower of God, recordarás a Khun-san, aliado y compañero del protagonista Baam, pero si tienes conocimiento de fútbol y escuchas el nombre completo del personaje, Khun Aguero Agnis, entonces te darás cuenta de que es una referencia al jugador argentino Sergio «El Kun» Agüero. Curiosamente, el mismo apodo del futbolista del Manchester City, proviene de la serie de animación japonesa Kum-Kum que veía cuando era niño.
Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company/Fox Sports
Aquellos que están al día con la publicación del Webtoon, encontrarán otros casos similares que han sido reconocidos por el mismo SIU, autor del cómic, o señalados por los fans como Arie Inieta (Andrés Iniesta), Fabregas (Cesc Fàbregas), Ha Yuri Zahard apodado Zahard de Effenberg (Stefan Effenberg), Grace Mirchea Luslec (Mircea Lucescu), Walcott (Theo Walcott), Chigrinsky (Dmytro Chygrynskiy), entre otros.
Fuente: Naver
Fuente: Getty Images
Fuente: Naver
Fuente: Reuters
La razón de esto es que SIU, que significa Slave. In. Utero. y es el apodo de Lee Jong Hui, es un gran admirador del deporte rey, así que decidió evidenciarlo en su obra. Según Wolfram Manzenreiter y John Horne, Asia ocupa la periferia del mapa futbolístico mundial en cuanto a sus logros e impacto en el mismo. No obstante, la copa del mundo Corea Japón 2002 fue un momento clave para obtener reconocimiento internacional así como para motivar el fanatismo y nacionalismo de sus hinchas, los Diablos Rojos. SIU, nacido en 1986, pertenece a esa generación que vio cómo su país además de ser el anfitrión, venció a España e Italia y alcanzó las semifinales marcando un hito—aún no superado—en cuanto a resultados de equipos asiáticos en un mundial de fútbol. Actualmente, el balón pie comparte su popularidad en Corea del Sur con el béisbol, la selección coreana es considerada una potencia asiática y ha conseguido exportar jugadores a clubes importantes del mundo como Park Ji-sung (Manchester City), Park Chu-young (As Mónaco y Arsenal F.C.) y Son Heung-min (Hamburgo S. V., Bayer Leverkusen y Tottenham Hotspur).
Fuente: Naver
Fuente: AFP / Jimin Lai
Fuente: ANSA
La serie anime Tower of God está en su episodio 11 y puede ser vista por Crunchyroll, mientras que el webtoon, que sigue en publicación, ya tiene 478 capítulos (61 de la tercera temporada) y se puede leer por el sitio web o la aplicación Webtoon. En ese sentido, quizás veremos más referencias a jugadores de fútbol en los nombres de nuevos personajes.
Si desean enterarse de más curiosidades de la historia, pueden revisar el blog oficial de SIU, pero les advertimos que lo lean con el traductor abierto en otra pestaña o le den clic a la opción de traductir en Google Chrome, porque está en coreano.
Aquí les dejamos algunos artículos sobre el fútbol en Asia, los Diablos rojos y el deporte en Corea del Sur:
Era la década del 60 y, según Joon Yang Kim, los estudios de animación surcoreanos empezaron a ser subcontratados por la industria del anime para participar en la animación de las historias que eran provistas por Japón. Sin embargo, Sawada Yukari señala que en los años 80, los nombres de los animadores eran reemplazados por nombres japoneses en los créditos, lo que no cambió hasta la mitad de la década del 90. El primero de abril de este año, se estrenó Tower of God y el primer crédito en solitario que se vio en la pantalla durante el opening, reservado para los nombres más importantes en la producción, fue el de SIU, el autor surcoreano del comic en el que está basado el nuevo anime, realizado por Telecom Animation Film, un estudio japonés. Esto, señoras y señores, es el fenómeno webtoon y su entrada a la animación japonesa.
Fuente: Sega, Rialto Entertainment, Sola Entertainment, Naver Webtoons, Crunchyroll, Tower of God Animation Partners, Telecom animation Film Company.
Eto…¿qué es el webtoon?
La palabra webtoon proviene de la unión de web y cartoon, así que podría traducirse como historieta para web. No obstante, para los recién iniciados, es importante entender que no cualquier cómic publicado en internet puede ser considerado un webtoon, ya que más allá de su soporte de difusión, se trata de un formato de origen surcoreano que tiene ciertas características que parten de su concepción para ser consumidos en dispositivos digitales, especialmente, smartphones. En ese sentido, hay varios rasgos que los diferencian de nuestros amados mangas, como el hecho de que se basan en la lógica del scrolling vertical, es decir, el desplazamiento de arriba abajo que es propio, por ejemplo, de la lectura de páginas web como está que están revisando. De esta manera, los autores tienen un lienzo casi infinito donde se disponen las imágenes y los textos que tampoco siguen la distribución de viñetas tradicional. En Corea del Sur, es muy común la snack culture que, de acuerdo con Ah-young Chung, se refiere a lo siguiente:
Consumir información y contenidos culturales en un corto tiempo en lugar de involucrarse en una lectura profunda
Fuente: Benoit Travers
De este modo, los webtoon se caracterizan por tener poco texto y las imágenes, que son el elemento predominante, se encuentran bastante separadas en el espacio blanco lo que permite una lectura descansada, sencilla y rápida de izquierda a derecha (otra diferencia importante) que puedes hacer mientras esperas a tus chingu, tu oppa o tu noona bajo tu árbol de sakura preferido. Un punto muy importante es que debido a que se trata de un contenido digital, el gasto de impresión ya no impide que los gráficos sean a color e, incluso, pueden incluir otros efectos como animaciones simples o música que puedes disfrutar mientras lees. Actualmente, este formato cuenta con gran popularidad a nivel mundial, pero ¿cómo empezó todo esto?
Acompáñenme a ver esta triste y luego feliz historia
Cuando se anunció el anime de Tower of God, además de webtoon, se mencionó otra palabra para referirse al material fuente en el que está basada la historia y esa era manhwa, el nombre con el que se le conoce al cómic de Corea del Sur (independientemente de si es impreso o digital) y que se considera el antecesor de la historieta web. Su camino de evolución fue complejo a causa de muchas circunstancias históricas que incluyen a la anexión de los territorios coreanos por parte de Japón, la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea así como la competencia en el mercado surcoreano del cómic con el manga.
Carcicatura de Lee Do Yeong. Fuente: parkseokhwang.com
Posters de exhibición de Park Ki-jeong. Fuente: Korea Manhwa Museum
Era 1945, la ocupación japonesa llegaba a su fin, así que finalmente el manhwa podría retomar su desarrollo que tuvo su inicio en 1909 con la primera tira cómica y esta vez estaba apoyado por el gobierno, ya que Paula Fernández señala que se decretó la prohibición de productos culturales japoneses como el manga y el anime (sí, el apocalipsis que todos tememos). En ese sentido, los surcoreanos tendrían que consumir los productos de su industria local, pero como señala Fernández la popularidad de su similar japonés no disminuyó, sino que aumentó debido a que el manga seguía ingresando por el mercado negro en desmedro de la historieta surcoreana. Esta es la parte triste, pero ¿qué ha cambiado desde entonces para que incluso algunos sectores de la industria del manga estén considerando adoptar el formato webtoon?
La década del 90 es clave, pues en primer lugar, Fernández apunta que en 1997 se impuso en Corea del Sur una censura a los contenidos de los cómics en favor de la juventud, así que los autores que querían enfocarse en la crítica social adulta, tratamiento de la violencia o realismo se chocaban con las restricciones al manhwa impreso, así que decidieron migrar a la web. En esos mismos años, la autora señala que el mismo gobierno se enfocó en la expansión, desarrollo y abaratamiento de las telecomunicaciones, así que había una posibilidad de aumento de consumo de contenidos digitales. La autora señala que esta conjunción de circunstancias fue visibilizada por los dos principales monstruos en cuanto a portales de internet en Corea del Sur: Naver, propietaria de Webtoon (con mayúscula pues es el nombre de una de las plataformas para publicar webtoon) y Daum, que luego se fusionó con Kakao Corp. quienes crearon sus secciones para historieta web en 2004 y 2003 respectivamente. A ellos se les sumaría Lezhin Comics en 2013 terminando de formar esta triada principal del poder, aunque los fans saben que hay muchas más plataformas (gratuitas y de paga).
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Daum
Fuente: Daum
Fuente: Lezhin Comics
Fuente: Lezhin Comics
En este periodo, se ubica la primera generación de creadores de webtoon a las que pertenece un estudiante universitario sin educación artística formal que en el 2002 decidió crear su sitio web y un año después publicaría en Daum su trabajo debut, la icónica Love Story, también llamada Hello Schoolgirl. El nombre de ese chico era Kang Full (o Kang Pool) y, de acuerdo con Korea.net, consiguió un récord de 2 millones de visitas en un día.
Es más un Big Bang en la industria del webtoon a través del nacimiento de un genio creador como Kang Pool antes que una expansión gradual de la industria. Kang Pool era tan poderoso. Cuando sea que él actualizó sus series, todo el servidor de internet se volvía inestable.
Entrevistado Z citado en Pyo, Yang y Joon 2019
Fuente: Babelio
Fuente: Daum
Para los fans, es indiscutible que uno de los máximos atractivos del webtoon radica en sus historias que se centran en una amplia variedad de temas transmitiendo mucho a partir de gráficos muy expresivos y la simpleza en la diagramación de la página. Eso ya se encontraba, según Hyung-Gu Lynn, en la cálida y excéntrica comedia de la historia de amor entre un trabajador de cuello blanco y una colegiala en Hello Schoolgirl. El autor apunta a que el formato de esta primera generación se puede definir como diarios pictóricos o ensayos visuales con narrativa episódica y se encuentran ejemplos de esto en otros importantes títulos como Marine Blues, Snow Cat,Pape Popo Memories y Lunapark.
Pape Popo Memories y Marine Blues. Fuente: Kim’s Licensing.
Con este nuevo sistema establecido, nació la segunda generación de autores de webtoon que, además, se vieron beneficiados no sólo con el éxito de sus predecesores, sino con los efectos a largo plazo de un fenómeno con el que los millones de fans de la cultura surcoreana deben estar familiarizados: el hallyu conocido también como korean wave u ola coreana. Paula Fernández explica que desde 1993 el gobierno surcoreano desarrolló un proyecto para exportar la identidad de su país a través de la globalización de sus industrias culturales entre las que se encuentran los K-dramas o el K-pop y, para convertir el plan en una realidad, tenía que apoyarlas. De este modo, Lynn apunta que el estado financia festivales de animación, manhwa (aquí entiéndase como impreso) y webtoon a nivel nacional e internacional, monitorea la piratería, invirtió en la creación de agencias y asociaciones dedicadas al estudio y promoción de contenidos digitales, motivó el desarrollo de departamentos artísticos afines en universidades, creó fondos para estudios en el extranjero, etc. En resumen, participó en la misma apuesta que los creadores y las plataformas, la cual está rindiendo importantes frutos.
Fuente: Group Eight
Fuente: YGEX
Actualmente, Corea del Sur es un uno de los países con la mejor conexión a internet del mundo (prácticamente el cielo para los que estamos haciendo teletrabajo) y el mayor uso de dispositivos digitales. Lynn destaca la alta difusión de su banda ancha y su velocidad así como la mayoritaria posesión de teléfonos inteligentes que no plantean dudas de la popularización del webtoon en su país natal. Korea.net señala que el 80% de surcoreanos leen webtoon en plataformas digitales y estas ya tienen versiones en inglés, chino y otros idiomas, lo que amplifica su audiencia al resto del mundo. ¿Cómo fue en el caso de Tower of God?
Subiendo la Torre o ¿cómo llegamos al anime de Tower of God?
Había una vez un chico llamado Lee Jong Hui, que era como tú y como yo. Había estudiado arte y al igual que muchos muchachos surcoreanos se fue a sus dos años de servicio militar obligatorio (las fanáticas del K-pop que esperan el regreso de sus idols con light stick en mano estarán familiarizadas con ello). Durante esos dos años, Jacob Parker-Dalton señala que Jong Hui tuvo la idea de una historia que decidió publicar a su regreso bajo el pseudónimo de SIU en el Challenge Corner de la plataforma de Naver, Webtoon, pues era un concurso abierto para exponer los comics web de novatos con miras a probar suerte con los lectores. Si conseguía llamar la atención, obtendría la oportunidad de un contrato profesional para una serialización. Era el año 2010 y, como en todo buen shōnen, nuestro héroe perdió esta primera batalla y no ganó el concurso.
Fuente: Naver
No obstante, Lynn menciona que SIU siguió publicando Tower of God durante seis meses sin mucha reacción hasta que recibió el llamado y como en su caso, el 80% de los autores deWebtoon son reclutados por concursos similares en el que se enfrentan a otros cerca de 120 000 aspirantes. La competencia es dura, pero Jane Yeahin Pyo, Minji Jang y Tae-jin Yoon destacan que es una puerta directa para los novatos que, en el caso de Corea del Sur, a veces no suele estar abierta por el sistema de aprendiz/asistente-maestro que se suele seguir para ascender a la publicación de trabajos propios. Del mismo modo, Lynn afirma que, para las plataformas, implica una apuesta sin mucho riesgo, pues se constata la calidad y aceptación de un producto a partir de estas publicaciones piloto. Además, este sistema pone de relieve la importancia del público como factor ya que la publicación en web permite, por un lado, un contacto directo con los seguidores o críticos que se sienten más involucrados con la historia así como con los creadores y, por otro lado, sirve como un punto de retroalimentación constante sobre las preferencias o tendencias. Sin embargo, más allá de ello ¿qué significa conseguir el contrato en realidad?
Fuente: Naver
A nivel económico, Liynn señala que significa un pago mensual por tu obra que se suma a los ingresos por publicidad y a las regalías por el uso de tu título o personaje y si hablamos de cifras reales los artistas top, es decir, con las series más populares y/o la mayor reputación recibían en 2015 entre 5 000 y 6 000 dólares mensuales mientras que la mayoría de los creadores gana entre 1 000 y 3 000 dólares mensuales. Al año, Lynn precisa que en ese año el 7.7% de todos los autores recibe 40 000 dólares y el 47.7%, 10 000 dólares. En este marco, hay que considerar el trabajo demandante que implica cumplir con los deadlines y las demandas editoriales al mismo tiempo que se trata de mantener la calidad, el público y la vida propia. Adicionalmente, Paula Fernández señala que el 7.7% son los que pueden llevar una vida verdaderamente cómoda con sus ganancias considerando el costo de vida en Corea del Sur. Entonces, ¿todo es horrible? No se trata de eso, pero es una realidad que hay que considerar y que de seguro experimentó SIU cuyo trabajo, Tower of God, es uno de los máximos éxitos de la plataforma Webtoon que aún publica religiosamente un episodio de su obra cada lunes, pero por el que también obtiene una ganancia. Ahora bien, siguiendo con su historia, es momento de pasar a la siguiente parte: el OSMU.
One source, multiple use.
A partir de los webtoon (historias y personajes) Wonho Jang y Jung Eun Song establecen que se han producido toda una serie de productos culturales que incluyen películas, dramas, musicales o juegos online.Hacer una lista parece interminable, pero Ji Hoon Park, Jeehyun Lee y Yongsuk Lee destaca los éxitos en audiencia de los dramas Misaeng (2014) y Cheese in the trap (2016), adaptaciones de las obras de Yoon Tae-ho (Daum), y Soonkki, (Webtoon), respectivamente. El procedimiento para que estos productos audiovisuales y Tower of God se realizaran fue más o menos así considerando la información disponible sobre la industria del K-drama. Lee, Park y Lee describen que lo central para las productoras son los guiones (una verdad universal, amigos) y es difícil encontrar buenos escritores sin arriesgar, por eso prefieren adaptar webtoons que demuestran calidad y popularidad que además es un extra para convencer a los canales de querer transmitir sus dramas. En ese sentido, los autores precisan que las plataformas como Webtoon, con base en el OSMU, ya tienen listos catálogos de títulos con potencial para la adaptación y hay practicantes en las productoras revisando webtoons que pueden ser interesantes apuestas (el trabajo soñado).
Fuente: tvN/Daum
Fuente: tvN
Fuente: Eight Works y Kross Pictures/Navier
En el caso del acuerdo entre Crunchyroll y Webtoon, siguió un esquema similar como lo afirman las declaraciones iniciales de la Administradora General del servicio de streaming que ahora también tiene su propia productora de contenido original:
Estamos extremadamente emocionados de estar asociándonos con Webtoon…Webtoon tiene un tremendo catálogo de contenido y creadores que resuenan profundamente con nuestra audiencia y no podemos pensar en mejor manera de deleitar a los fans que trayendo estas historias a la vida a través de la animación.
Joanne Waage
Se puede especular sobre cuánto dinero recibieron la plataforma y SIU a partir de los 20 000 a 100 000 dólares que Lee, Park y Lee afirman que suelen costar los derechos televisivos de un drama de 16 a 24 episodios, pero una cuestión es clara: el fenómeno webtoon ya ha entrado a la animación japonesa y se vienen dos animes más basados en The God of High School, de la autoría de Yongje Park con la animación de estudio MAPPA y Noblesse, de la pluma de Jeho Son y Kwangsu Lee encargada a Production I.G..
Ok. Te entendí, pero ¿por qué tanto escándalo?
Bueno, si un producto audiovisual tiene éxito, los realizadores son felices, porque recibirán dinero al igual que reputación y el público será feliz porque habrá disfrutado una buena historia. Sin embargo, si Tower of God, The God of High School y/o Noblesse tienen éxito podría pasar lo siguiente (esta es la parte de las teorías conspirativas):
Se abriría la puerta para toda una camada de creadores e historias que serían una corriente de aire fresco para el anime. Los que leen webtoon saben a lo que me refiero, pues hay una variedad de narraciones que tienen a todos esperando cada semana para que salga el episodio gratuito en la app de su preferencia. Acción, ciencia ficción, comedia, drama, terror, psicológico, etc. hay para todos los gustos y colores.
Otros webtoon podrían ser adaptados y la gran cantidad de fans del formato estarían más que felices. Un anime de Solo Levelling podría ya no ser algo que se consiga con junta de firmas y no necesariamente tendría que ser realizado por Crunchyroll. Otros servicios de streaming o canales de difusión podrían seguir el modelo que ya demostró ser exitoso y traernos sorpresas gratas para todos.
El webtoon podría acceder como propiedad intelectual a otros espacios de mayor envergadura (como ejem ejem Hollywood) al entrar desde el anime. No sé si se lo han preguntado, pero ¿por qué no adaptaron Tower of God a la animación surcoreana? La respuesta es que actualmente el anime es una marca (hay un video de Gigguk que lo explica muy bien) debido a la popularidad que ha alcanzado a nivel mundial y ello es lo que ha generado tantas discusiones sobre qué es anime. Ahora muchos productos animados son etiquetados como tal cuando no son japoneses o no cumplen con ciertos rasgos que son señalados como los más comunes, pues ello llama la atención de las audiencias, sobre todo las poco familiarizadas con la animación japonesa. El público ve la sección de anime de Netflix e instantáneamente asume que eso es anime y son consumidos con esa premisa que los imbuye de la mística y de la popularidad del mismo. Tower of God como historia basada en un webtoon, un manhwa para web entraría con esa misma etiqueta y como tantos otros anime podría sumar puntos para futuros live action occidentales que sean adaptaciones de otros comic web del mismo país de origen.
Finalmente, una adaptación de un webtoon parte de la idea de que hay una audiencia esperando ver el mundo del cómic trasladado a otro medio, lo que incluye una fidelidad en la historia pero también en el diseño de los personajes si hablamos de animación. En ese sentido, en la misma línea de lo anterior y considerando la variedad de estilos de dibujo de los webtoon, quizás se iniciarían nuevas discusiones sobre cómo se debe ver un anime o una redefinición de ello (por favor, pensemos en la paz mundial). Esto no sería nada malo, sino quizás una evolución natural del medio sobre lo que habría que pensar en su momento si nuevos webtoon son adaptados al anime.
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Naver
Fuente: Daum Webtoon
Tower of God está en su episodio 10 del anime de los 13 que tiene programados y el webtoon está en el capítulo 481 (para acceso gratuito), lo que nos indica que en las próximas 3 semanas podrían moverse fichas importantes que no sólo planteen una segunda temporada (incluso muchas más si se considera el tamaño de la obra sin contar el resto del universo de Talse Uzer), sino un cambio importante en la industria del anime y el webtoon que esperemos que sobre todo sea para beneficio de los autores y los consumidores. Seguiremos atentos a lo que ocurra.
Si quieren revisar más sobre la industria del webtoon, aquí les dejo algunos artículos:
“Cuando Chihaya Ayase cursaba el sexto grado de primaria, su máximo sueño era ver a su hermana convertida en una modelo reconocida. No obstante, este sueño se transforma cuando conoce a Arata Wataya, un compañero de clase transferido de Fukui, quien le muestra un juego de cartas tradicional japonés llamado Karuta. Chihaya rápidamente se contagiará de su pasión por este juego y decide que nuevo sueño será convertirse en la mejor jugadora de karuta de Japón”.
Fuente: Wikipedia
https://www.youtube.com/watch?v=rxebYxY9NXE
Opening 1 de Chihayafuru (el favorito de la redactora XD)
🌸🖌 Esta es la trama que caracteriza a Chihayafuru, un manga que fue llevado al anime gracias al estudio Madhouse, bajo la dirección de Mori Osaka, cuya emisión fue realizada durante tres temporadas correspondientes a los años [2011], [2013] y [2019-2020].
✔️ Durante el año 2016, bajo la dirección de Norihiro Koizumi, se estrenó en Japón una película, de imagen real, basada en dicho manga, la cual fue titulada Chihayafuru: Kami no ku. El 20 de abril del mismo año fue estrenada una segunda parte de la película, titulada Chihafuru: Shimo no ku. Dos años después, se estrenó la tercera parte del live action, bajo el nombre de Chihayafuru: Musubi.
El 2018 fue estrenada una serie de drama japonés llamada Chihayafuru. Tsunagu, la cual se encargó de conectar los acontecimientos ocurridos en la segunda película con los acaecidos en la tercera. Cuenta con un total de 5 episodios y fue transmitida por la cadena de streaming Hulu.
Se han producido una infinidad de narrativas alternas sobre Chihayafuru: novelas ligeras, nuevos mangas, series, etc. sobre esta obra. No obstante, en esta nota les mostramos las más resaltantes para que inicies tu propia exploración de este universo de cartas poéticas hecha deporte. ¿Qué esperas? ¿te animas a conocerlo?
CHIHAYAFURU (Imagen promocional del anime)
*DATO CURIOSO*:
Entre los variados juegos de cartas que existen en japón, el que protagoniza la serie es el Uta-karuta, el cual está basado en una antología de poemas llamada Hyakunin Isshu («Cien personas, un poema»), en la que hay cien autores, y cada uno de ellos tiene recogido un poema waka (término que refiere a un poema japonés en un sentido tradicional). También es llamado habitulamente karuta, ya que es más corto.
Acerca de si habrá una temporada 4: «todo depende de qué tanto falte por adaptar del manga de Yuki Suetsugu. Pero es seguro que nuevamente Madhouse se haga cargo de su adaptación. Sería muy raro que a estas alturas el comité del anime decidiera cambiar de estudio. De modo que solo resta esperar y ver qué sucede de aquí en adelante» (fuente: Universo Nintendo).
P.D: Si te animaste a aprender a jugar karuta, te recomendamos este vido tutorial en español:
