Paru Itagaki, la mangaka creadora de Beastars, siempre fue una allegada a los animales. Como hija de Keisuke Itagaki, mangaka de títulos interesantes como Baki o Gauroden, heredó el talento en su pluma y plasmó sus emociones y sentimientos por medio de animales antropomorfos. Ella piensa que los animales y los humanos nos parecemos mucho, aunque el tema cognitivo nos diferencie.
Es así como Paru creó la historia de Beastars , mezclando el prejuicio social de los humanos con las características antropomorfas que le damos a los animales. Con un toque de fantasía que hace que cada capítulo se parezca más a la realidad, resulta una propuesta interesante. Y se los dice alguien que no se considera ¨furra¨. Lo siento tenía que decirlo.
No simpatizo con este tipo de anime, pero sinceramente, Beastars tiene lo necesario para ser un anime memorable. Comencemos con la reseña: nuestro tímido lobo Legosi, debe adaptarse a la complicada etapa de vida llamada adolescencia, siendo un carnívoro por excelencia debe ser una persona fuerte, viril, con iniciativa, pero nuestro Legosi es taciturno, relajado y con un noble corazón. Ese corazón que no puede controlar a veces y que lo lleva a ejecutar acciones que no desea, como la vez que el instinto le ganó y casi devora a una pequeña coneja blanca llamada , Haru, alumna de último año que es la hembra favorita de los herbívoros.
Ese corazón traicionero que tiene Legosi, es lo que lo lleva a enamorarse en poco tiempo de la pequeña coneja blanca, que es acosada de manera constante por las hembras de otras razas, ya que es la favorita en la sabana. Bueno, bien dicen que la secundaria es una jungla, en Beastars se demuestra este tema con firmeza. Competitividad, envidia, instinto de redención y más verás en esta obra de Paru Itagaki.
Recomiendo el título totalmente, es una historia fresca, aunque algunos digan que se parece a Zootopia, por favor, no sean injustos , esto es anime, lenguaje audiovisual no apto para niños. Aprovechen en ver una historia interesante, entretenida y que hará reflexionar con los roles que la sociedad nos impone día a día.
Actualmente la primera temporada se encuentra en Netflix y su próxima llegará a la plataforma el 2021.
«Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:
Izquierda:La portada de la sobrecubierta muestra dos estudiantes y árboles de sakura. No hay rastro de una historia de terror (aunque quién sabe. Solo hay que recordar el videojuego Doki Doki Literature Club!). Derecha: Por otro lado, la contraportada contiene la sinopsis que revela el motor de la trama: la enfermedad del páncreas de Sakura.
La brevedad de las cosas y el «mono no aware»
La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.
El prota es un introvertido ratón de biblioteca(o˘◡˘o)
La prota es una extrovertida ratona de biblioteca (≧◡≦) ambos empiezan a interactuar porque trabajan como encargados ahí.
La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«.Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cualno hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.
Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.
La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo
La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.
Las tres primeras páginas son a todo color. Cortesía de la editorial ECC. Así se puede apreciar que el árbol que suele aparecer es el sakura con su característica flor rosada.
Izquierda: Momento importante donde por primera vez el prota mira a Sakura y el árbol aparece de fondo acompañándola. Derecha: árbol aparece en primer plano. ¿Quizá es el tercer protagonista de la historia? Eso parece querer decirnos el mangaka.
Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.
Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?
El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.
Mientras Sakura en el anime está retratada como una adolescente; en el manga tiene una apariencia más infantil y moe debido al dibujo de los ojos y su corta estatura, . Esto hace que el manga sea aún más sad unu
Lo mismo sucede con el prota: su aspecto es infantil en el manga mientras en el anime parece un escolar de último año de secundaria por las facciones de su rostro y su alta estatura.
Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.
Pero,las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.
En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.
La alegre prota es un contraste con el chico serio de la clase, quien será el único que sepa su secreto y la acompañe hasta el fin de sus días. Se prioriza el uso de líneas delgadas en las comidas y bebidas que aparecen constantemente.
Cubierta original de la editorial japonesa. La edición de ECC Cómics trae ambas versiones: si le sacas la contracubierta se encuentra esta belleza.
Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español
1. Este es un manga seinen, es decir, está diseñado para ser mostrado a un público de 18 años de edad en adelante. Por consiguiente, la redactora no se hace responsable de las imágenes eróticas y/o sexuales que aparecerán en esta reseña, dado que son indispensables para entender la historia de esta obra gráfica japonesa.
2. Las imágenes usadas para este trabajo corresponden al manga publicado por Vertical Comics (formato físico), y a páginas web con contenido manganime (blogs y redes sociales) que están referidas en la bibliografía.
3. Alerta de spoilers.
En un pueblo, hay una pequeña playa que nunca esta ocupada,
ni siquiera en medio del verano.
La uso para caminar allí, mirar las cosas.
Como viejos fuegos artificiales.
O algas.
Un sombrero golpeó la cabeza de alguien debido al viento.
Básicamente nunca encuentras los que estás buscando.
Y quizás no esperabas encontrar algo correcto desde el principio».
(La chica a la orilla del mar, traducción propia)
FICHA TÉCNICA
SINOPSIS
La Chica a la Orilla del Mar (A Girl on the Shore) relata la historia de Koume Sato y Kosuke Isobe, dos adolescentes que viven sus días de colegiales en un tranquilo pueblo costero japonés. Ambos deciden embarcarse en una relación puramente física (lo que llamamos en occidente relación de “amigos con derechos”) pero, a medida que pasa el tiempo y suceden cosas, digamos, «super densas» para chicos comunes de su edad, se darán cuenta de que dejar de lado los sentimientos resultará muy pero muy complicado.
Koume Sato
Kosuke Isobe
AMOR, SEXO Y SIN/SENTIDO DE LA VIDA
La historia de Sato e Isobe parece decirnos que «la vida es un absurdo», postulado existencialista que nos recuerda al filósofo y escritor francés Jean Paul Sartre, o (si hacemos una analogía quizá algo forzada entre occidente y oriente), a lo postulado por el famoso escritor japonés de posguerra Ozamu Dazai, quien fue uno de los primeros en detectar cómo la juventud nipona vivirá (o mejor dicho, se verá condenada a vivir) en tiempos carentes de ideales que les den un sentido a su existencia, que les hagan creer que «la vida vale la pena vivirla». Un sinsentido que los académicos contemporáneos occidentales llamamos (no sin cierra ironía) un síntoma de estos tiempos «posmodernos».
Con estos antecedentes, y tomando en cuenta cómo la crítica japonesa contemporánea considera a Inicio Asano como «el mangaka de su generación» (de la llamada «Generación Millenial» japonesa), es interesante ver cómo en los personajes de este manga podemos leer una proyección de los carácteres y/o personalidades del mangaka, en tanto joven japonés crecido en una década complicada y convulsa para el desenvolvimiento de su juvenil generación, como fue la de los años noventa e inicios del 2000.
Jean-Paul Sartre (1905 – 1980)
Osamu Dazai (1909 -1948)
Aldo Panfichi y Marcel Valcárcel han estudiado las características antropológicas de los adolescentes y jóvenes latinoamericanos (especialmente peruanos) durante la década de los noventa. En ese contexto, dado que tanto el Perú como el Japón de esta década pasaron por crisis socioeconómicas que afectaron de formas similares a sus poblaciones juveniles, es pertinente utilizar sus postulados para analizar el caso de la denominada “Generación Y» japonesa, dado que muchos de los caracteres de esta generación se mantiene o incluso se han agudizado en la juventud nipona de hoy.
De acuerdo a la opinión de los académicos mencionados, la década de los noventa se caracterizó por profundas transformaciones socioeconómicas, culturales y tecnológicas, que generaron novedosas situaciones críticas, como el hecho de que los jóvenes no pudieran gozar de una estabilidad laboral que asegure su desenvolvimiento profesional y su futuro económico, o el hecho de que el pensamiento respecto de su sexualidad estuviera mucho más libre de tabúes y prejuicios. Circunstancias distintas a las que confrontaron sus padres y sus abuelos.
En ese contexto, Panfichi y Valcárcel sostienen que
[…] los discursos épicos de protesta y reivindicación de décadas anteriores pierden consistencia y densidad y son reemplazados por la revalorización de la vida misma, la individualidad llena de conflictos, violencia, incertidumbres, búsqueda de placeres para olvidar los malos momentos, y esperanza».
A partir de esta cita, podemos comprender mejor los pensamientos y acciones «hedonistas» de los protagonistas. En ese contexto, Isobe, si bien tiene sentimientos de afecto por Sato, le manifiesta de manera directa que no le importa si ella lo utiliza como un juguete (sexual). Por su parte, si bien Koume no parece en ese momento corresponder a sus sentimientos, acepta la propuesta del chico, y es así como iniciarán sus diversos encuentros en búsqueda del máximo placer.
[…] Y ya que no es posible enamorarse viviendo la fugaz y satisfactoria fantasía de la inmortalidad, entonces se dedican al desamor. […] No se entregan. No se permiten ser vulnerables. Y, en el fondo, todavía están deseando ser o atraer príncipes azules”.
Como señalan Panfichi y Valcárcel, se sugiere la contradictora relación de amor y desamor que, como la generación de Asano, viven los protagonistas. En ese contexto, es interesante que Isobe, luego de tener relaciones sexuales con Koume, comente que sabe muy bien que «el amor es una ilusión», frase a partir de la cual se entiende que es consciente de que Sato tiene sexo con él no porque lo ame sino porque «le gusta su falo», como ella misma le dijo en uno de sus encuentros. No obstante, a medida que pasa la historia vemos como Isobe en el fondo anhela que Koume se quede con él más allá del tiempo del sexo, si bien en el fondo sabe que ella se irá y volverá cuando «le dé la gana».
JUNTOS PERO DESCONECTADOS
La extraña relación entre Koume y Sato los lleva a un círculo vicioso de placer que una vez terminado deja también a los lectores una sensación de vacío/soledad. Cuando no tienen sexo, los protagonistas suelen utilizar el tiempo que están juntos aislándose en sus propios mundos (virtuales-tecnológicos): él a través de la música, ella a través del celular. Si bien existen momentos donde vemos a ambos durmiendo juntos (escenas que aportan ese toque «romántico» propio de historias adolescentes), la necesidad de evitar el tedio los motiva a hablar más de sus vidas, si bien solo cuentan lo indispensable a saber (sobre los padres, amigos, etc.), razón por la que no podemos decir que el vínculo entre ambos sea muy sólido, como si quisieran mantener cierta distancia entre sí. En este punto, el hecho de que sigan llamándose por sus apellidos es un indicador también de que no han llegado a establecer un vínculo tan cercano a nivel afectivo.
Capítulo 4. Pág, 73. Sato e Isobe «matan el tiempo» que dura la tarde juntos
Sato e Isobe durmiendo «juntos»
BRECHA GENERACIONAL Y GRUPO DE PARES
Las brechas generacionales son universales en el mundo moderno, en gran parte debido a la tecnología y a los rápidos avances de la globalización. Sin embargo, en Japón se ha prestado especial atención a la brecha entre los jóvenes y los mayores porque el orden social adulto japonés ha exigido un gran sacrificio personal a los que entraban en él, pidiendo de forma estereotipada a los hombres que se dedicaran a sus empresas y a las mujeres que se dedicaran a sus hijos».
(Matthews, Gordon; Bibliografía)
La brecha generacional entre los padres y los hijos ha sentado un precedente en la sociedad japonesa contemporánea. En ese contexto, si bien la presión porque los japoneses sigan con las metas y roles asignados a su edad y género es vigente, es cierto que muchos nipones han decidido oponerse/rebelarse a la misma. Es así como surgen por ejemplo los NEETS, aquellos jóvenes adultos que no trabajan ni estudian, o los hikikomori, es decir, jóvenes que decidieron no salir, o evitar salir, de sus habitaciones y, por ende, de sus propias casas (en ambos casos suelen ser mantenidos por los padres, quienes se sienten culpables de que hayan acabado apartándose del mundo de esa manera).
Por los mangas, videojuegos y la música «retro» de Isobe, deducimos que es un otaku (un fanático del manganime y productos comerciales derivados de estos), quien hasta el día de hoy sigue siendo visto como un parásito o ser despreciable en tanto improductivo en la sociedad nipona (el mismo Kashima, amigo de infancia de Sato, lo llama despectivamente «otaku» cuando tienen una discusión en la escuela). De hecho, parece que la misma Sato no quiere que nadie más sepa de su «amistad» con un tipo así (al menos al principio de la trama).
Kosuke no tiene amigos en la escuela, ni le interesa tenerlos porqueconsidera al resto del mundo como «idiotas egoístas e hipócritas» que no valen la pena (más adelante se explicará porque piensa así). Nos enteramos que tiene un hermano mayor «ausente», por las dos camas y aparatos tecnológicos «retro» de su habitación, y que sus padres están mucho tiempo fuera de casa por sus trabajos corporativos. En un capítulo aparece el padre, quien comenta a Isobe que lo trasladarán de local laboral y ello le permitirá estar más tiempo con él, sin embargo al chico esto no parece importarle mucho (de hecho le hace una broma sarcástica sobre ello). Es así como nos enteramos que no hay un gran vínculo comunicativo entre Kosuke y sus padres. De hecho, más adelante el mismo Isobe explicará el porqué de la ausencia de su hermano y de la distancia también puesta hacia él de parte de sus progenitores.
En el caso de Sato, parece que su madre es ama de casa y el padre suele aparecer también en ciertos capítulos (su familia tiene un negocio de acupuntura). Tiene un hermano menor, y en general parece tener una familia bien constituida. Como típica adolescente, Koume no suele hablar con su madre sobre sus problemas amorosos ni amicales. No obstante, es interesante un episodio donde la protagonista le comenta a su padre que para ella no tiene sentido seguir los designios/roles que se esperan de todos si al final ello no los hará felices, mostrando de esa manera que aunque prefiere el sexo a estudiar, ya posee cierto juicio crítico sobre la sociedad japonesa contemporánea y su propia filosofía de vida en ese contexto.
Por último, es interesante como Isobe y Sato, a diferencia de otros chicos japoneses de su edad, no se sienten super presionados o preocupados al hablar sobre sus planes futuros. La joven manifiesta que no le gusta estudiar, pero que, como quiere ir a misma preparatoria/bachillerato que desea Keiko, piensa que debe poner más empeño. Por su parte, Isobe parece un chico inteligente y podría entrar a cualquier preparatoria. Sin embargo, él manifiesta que no piensa ir a ninguna (si bien más adelante vemos como cambiará de opinión por un motivo peculiar).
ADOLESCENCIA Y MORATORIA JAPONESA
La moratoria, según Panfichi y Valcárcel, es una forma de decir a los jóvenes que existe un tiempo donde hay ciertas licencias y mayores márgenes de prueba y equivocación, una suerte de mayor permisividad o vacaciones sociales, donde se espera que el joven se equivoque, pero que obtenga poco a poco los medios y capacidades para el mañana: al final se trata de construir caminos individuales que gratifiquen las expectativas de los mayores, y las propias de los jóvenes.
En el Japón contemporáneo, el «patriarcado confuciano» y su heredada estratificación y jerarquización de los roles de género siguen incentivando una mentalidad social «conservadora», razón por la que los jóvenes no tienen mucho tiempo ni opciones para poder decidir a qué carrera dedicarse con aras de vivir de ella (sin olvidar que mucha de su oferta profesional apuntan a empleos corporativos). No obstante actualmente existe, de manera indirecta o digamos disimulada, una moratoria de tipo sexual para los mismos. Esta es la razón por la cual la homosexualidad, el travestismo, o las prácticas sexuales no convencionales pueden ser pasadas por alto en esta etapa (mientras ello no genere un gran «escandalo» social, ni ponga en riesgo el futuro estudiantil de los mismos), ya que se entiende que esta es una etapa de la vida que una vez concluida debe conducir a los adolescentes a un consecuente estadio de madurez propio de la adultez.
ADOLESCENCIA y COMING-OF-AGE
En este punto, me gustaría señalar dos partes de la trama que me parece reflejan dos momentos determinantes donde los protagonistas toman decisiones que constituirán un antes y un después para su adolescencia.
En el capítulo 12, Isobe utiliza el blog de su hermano para redactar una carta virtual, como una suerte de autoexpiación y/o catarsis a través de la palabra. A través de esta, nos enteramos que el primogénito Isobe era víctima de bullying por ser «otaku» y tener cierto problema de salud, y al no poder soportar ello se habría suicidado arrojándose al mar del pueblo. Esto a su vez explica por qué los padres de Isobe ignoran o evitan hablar de este tema con él, y todos siguen con sus vidas, asumiendo los roles de padre e hijo que la sociedad japonesa espera que sostengan y asuman hasta el final (con todos los «sacrificios» y tabúes que ello implica).
Esta revelación es clave no solo porque explica el porqué de la actitud «oscura/negativa» de Isobe, sino porque nos devela cómo Asano es capaz de artícular esta trama de una forma tan magníficamente atrapante por su realismo para hablarnos de aspectos que en la sociedad japonesa siguen siendo tabués, como el suicidio (del hermano) y la depresión (que aparentemente estaría sufriendo Isobe).
El orden social adulto japonés descrito se basaba en el ideal cultural del wa (armonía interpersonal y social), que impone a los individuos la práctica del gaman (perseverancia), que consiste en la subordinación y la eliminación personal para adaptarse a los roles sociales adultos que se le asignan».
Mathews, Gordon
A partir de esta cita, entendemos, que si una persona japonesa habla sobre su depresión será mal vista socialmente, pues se asumirá que no practica la perseverancia (gaman) para luchar contra ello y seguir con su vida, como tiene que hacer todo el mundo para mantener la armonía social (wa). De acuerdo a entrevistas audiovisuales actuales de carácter antropológico, como las de Asian Boss, la reacción «más comprensiva» del japonés promedio frente a quien le confiesa algún tipo de problema mental es decir que «es solo una idea, o, ya pasará».
En base a esta reflexión, podemos entender que Isobe es consciente del rechazo de la sociedad japonesa frente a temas como estos asociados a gente marginada como los otaku o los «enfermos mentales», lo que explica porque no confía generalmente en los demás (a los que antes había llamado idiotas). Asimismo, esto repercute en que tampoco confíe lo suficiente en sus padres como parar contarles sobre sus indicios depresivos, o porqué solo le comenta a Koume (que no es ni amiga ni novia) sus «ansias de morir» pero no profundiza en ello de forma más clara, dejando a la chica confundida por no entender a qué se refiere con sus reflexiones, digamos, «filosóficas». Quizá es también por este «tabú» que los padres de Isobe prefieren guardarse lo que piensen sobre el suicidio de su hijo (para no mostrarse «débiles» frente a él), escudándose bajo el rol típico de padres supertrabajadores, lo que termina produciendo una sensación de incomunicación, soledad, falsedad y falta de unión/empatía de las que ya hablamos en un aparatado anterior.
Capítulo 12. Isobe escribe su carta-catársis sobre el hermano mayor
Capítulo 15. Sato escribe su carta de confesión de amor a Isobe
En el capítulo 15, Koume está ansiosa por saber si Isobe irá al festival de la escuela (dado el incidente que este tuvo con Kishima) y mientras medita sobre ello decide escribir una carta a mano donde le confiesa a Isobe que después de las cosas que pasaron en los últimos meses siente que se han distanciado más, y eso la pone triste porque la ha llevado a darse cuenta de que aunque no lo entiende del todo, lo extraña mucho y quiere estar a su lado. Esta confesión nos conmueve como lectores, más aun porque Koume se ha esmerado en conseguir el CD álbum del grupo Happy End que le gusta a Izobe para ofrecérselo junto a esta carta de amor. ¡Qué detalle más romántico podía esperarse de una chica enamorada! No obstante, cuando la protagonista vaya el encuentro de su amado, se encontrará con un escenario aterrador.
ESTÉTICA MANGA: realismo, romanticismo y mono no aware
Hablar de «estética» manga puede ser problemático, dado que en la cultura japonesa no existe este concepto per se. No obstante, usaré esta terminología occidental para aludir al estilo de dibujo y otros aspectos gráficos propios de esta obra.
El estilo de dibujo de Inio Asano es muy característico y reconocible. En el caso específico de este manga, destaca su estilo, digamos, «realista», tanto en el diseño de los escenarios como de sus personajes. En ese contexto, destaca la constante y coeherente exposición de la desnudez de los protagonistas durante los diversos actos sexuales que ejecutan. Si bien para algunos lectores las poses sexuales que ejecutan los personajes no lucen realistas, considero que tomando en cuenta la juventud, el cuerpo delgado y flexible de los mismos, son verosímiles.
Respecto de los escenarios, es interesante el ya mencionado estilo realista que utiliza Asano para retratar tanto ambientes externos como internos de esta obra. Sobre el primero, destacan diversas zonas del pueblo como los vecindarios, la playa, o netamente el mar. Sobre el segundo, destacan la minuciosidad con que retrata los diversos elementos que componen por ejemplo, la habitaciones de los protagonistas, a partir de los cuales podemos comprender mejor, sus gustos y, hasta cierto punto, su personalidad. El estilo gráfico de estos ambientes es tan realista que muchas viñetas parecen fotografías convertidas en dibujo mediante alguna técnica que implique la coloración en blanco y negro, una técnica que nos recuerda a estilos pictóricos vanguardistas como el hiperrealismo o el fotorrealismo.
Otro detalle interesante que resalta en el estilo de dibujo de Asano es la lluvia. Desde una perspectiva romántico-literaria, el uso de la lluvia puede ser una proyección de los sentimientos, emociones y decisiones de los protagonistas que, como los jóvenes otakus de los noventa encerrados en un melodrama tóxico entre el deseo y la nada, están constantemente asediados por este fenómeno natural en tanto simboliza la «fatalidad, intensidad y melancolía» de sus vidas adolescentes.
A lo largo del capítulo 16, aparece una fuerte lluvia que sirve como marco estético simbólico para la expiación que Isobe busca tras sentirse responsable de la muerte de su hermano, para lo cual planea vengarlo utilizando a Misaki como chivo expiatorio; una vez logrado el objetivo, la lluvia cae sobre Isobe, mezclándose así con sus lágrimas vertidas tras lo acontecido. Otra escena donde la lluvia simboliza la «fatalidad» ocurre el capítulo 18, cuando Sato regresa triste y conmocionada de la casa de Isobe al creer que ha decido acabar como su hermano.
En Japan Talk, un sitio dedicado a esos detalles de la cultura japonesa que pueden mejorar la experiencia de un extranjero en el país, puede leerse un post en el que John Spacey comparte 50 sustantivos que el idioma japonés tiene para la lluvia, 50 formas distintas para nombrar situaciones también específicas: la lluvia que cae mientras también hay neblina, el hecho extraordinario de la lluvia que proviene de un cielo sin nubes, la primera lluvia del verano o la lluvia que nos sorprende cuando conducimos un automóvil».
Otra forma de intentar comprender el sentido de la lluvia en el manga de Asano puede ser a partir de su contextualización en la propia cultura japonesa, donde existen, como menciona la cita anterior, por lo menos 50 formas de denominarla. En ese contexto,la lluvia puede ser leída como mono no aware.
El aware o mono no aware hace referencia a la sensibilidad o capacidad de sorprenderse o conmoverse, de sentir cierta melancolía o cierta tristezaante loefímero, ante la vida y el amor. Es la capacidad de sentir compasión o piedad, sin influencia alguna de religiones o credos. Es un sentimiento puramente humano que va más allá de lo superficial y se centra en algo más profundo.
Japonismo (Bibliografía)
Esta cita ha intentado transmitir en nuestra idioma el concepto japonés «mono no aware». En ese contexto, me atrevo a resignificarlo (con intenciones didácticas) como «la evocación del sentimiento de belleza y/o melancolía hacia lo que acontece en un instante de la vida». Una escena del manga donde la lluvia expresa el mono no aware acontece, por ejemplo, cuando Kosukese queda durante un tiempo inmóvil en medio de la calle y de una intensa lluvia, y no se inmuta ante ello (absorto como está en sus pensamientos). Asimismo, otra escena ligada a la lluvia que expresa este «sentimiento estético japonés» sucede cuando, una vez pasado el aguacero, Koume se queda parada en la muralla del puerto ycontempla cómo el cielo se va despejando para dar paso al amanecer.
REFLEXIONES FINALES
La chica a la orilla del mar es una manga que vale la pena leer para pasar un rato de ocio agradable, puesto que además de entretenido se lee rápido y es relativamente corto en volúmenesa comparación de otros mangas populares, o, si eres académico, para darle una mirada más analítica para examinar diversos temas con los que mencioné en esta reseña (existencialismo, estética manga, coming-of-age-, etc).
Parafraseando a un académico peruano experto en comics occidentales, creo que una historieta debe ser capaz de transmitir lo que cuenta tanto a través de la escritura como de la gráfica, y, en ese contexto, me parece que Inio Asano ha logrado un equilibrio «zen» al utilizar pocos diálogos para que sus personajes nos digan lo necesario, ya que lo que nos nos dicen o no necesitan decírnoslo directamente lo captaremos a través de las imágenes y de otros recursos narrativos, como la conveniente «voz en off» que Asano coloca en momentos precisos para la trama, por ejemplo, con la letra de «Gather the Wind», canción del grupo japonés «retro» Happy End, que es aludida a lo largo de esta historia; o como las frases de carácter reflexivo/poético que aparecen al inicio del manga (a modo de paratexto), que serán nuevamente enunciadas directamente por Koume casi al finalizar el mismo.
Por último, respecto al final del manga, debo confesar que, al igual que otros lectores, no me lo esperaba. No obstante, me parece que es un final asombrosamente verosímil, después de todo, Isobe ya estaba alejándose de Koume, y cuando se encuentra por fin con «la otra chica en la orilla» es normal que las hormonas de adolescente le hagan verla como una nueva donna angelicata. En ese sentido, me gusta que Isobe haya decidido cerrar el capítulo deduelo por el hermano y salir del pueblo parabuscar este nuevo amorío platónico, puesto que si bien no hay garantía de que funcione (y ello lo puede llevar a recaer en la «depresión») todo lo vivido le ha dado la suficiente madurez para comprender que «el que no arriesga, no gana».
En el caso de Koume, aclarar sus sentimientos y tomar el valor para terminar confesándoselos a Isobe, me pareció una muestra loable de su crecimiento emocional (considerando sus inseguridades, miedos e indecisiones iniciales). No obstante, cuando llega a la preparatoria y tiene un nuevo novio con el que replica su relación con Isobe (es decir, salir con él solo porque le dijo que le gusta) me quedé algo confusa, pero luego comprendí que era porque aún se sentía vacía y dispuesta a llenar esa falta con algo mientras intentaba encontrar eso que en el fondo le hacia falta, que le haría sentirse bien consigo misma, plena. Y es grato saber que finalmente encuentra esa plenitud en el mar.
Como sucede con los jóvenes japoneses de los 90 y de hoy, no hay garantía en el futuro. No sabemos si Koume y Sato encontrarán el amor que anhelan, si estudiarán y trabajarán en algo que les guste, si volverán a verse o si serán felices. El futuro se les presenta inevitablemente gris, y seguramente habrán más lluvias y tifones en el camino. Pero de lo que sí tenemos certeza es de que cada uno ha encontrado para sí pequeños atisbos de felicidad que los motiva a seguir vivos; lo que nos motiva, a su vez, a nosotros (como lectores de esta generación) a creer también que «después de la tormenta, viene la calma».
En esta nota les hablaremos de Akiko Higashimura, una de las mangakas más reconocidas por la academia artística japonesa contemporánea que esta ganando mayor popularidad en Occidente y que, a pedido de nuestros nakamas, esperamos que pronto sus obras sean publicadas en español para el también deleite de sus fans latinoamericanos.
BIODATA
Akiko Higashimura nació en la ciudad de Miyagi, Japón, el 15 de octubre de 1975. Desde pequeña demostró ser una gran fan del manga shōjo, como por ejemplo del anime Chibi Maruko chan (1990-1992), de Momoko Sakura, manga que fue un boom durante la infancia de la mangaka. Así también se declaró una “niña Ribon», ya que durante su niñez fue una gran seguidora de la famosa revista Ribon, publicada de la mano con la famosa editorial nipona Sueisha. Pero su amor por el manga no quedaría ahí, pues ya soñaba con ser mangaka desde esa edad. De hecho, su talento como artista ya se hacía notar: cuando estaba en quinto grado de la escuela primaria, creó su primer manga sobre una niña detective, al que llamóTantei Puttsun Monogatari. En la escuela secundaria entró en el club de arte, y después estudió en la escuela kanezawa de arte. Finalmente, su sueño se hace realidad y debuta como mangaka a los 23 años en la revista de seinenWeekly Morning.
Fuente: Akiko Higashimura Documental (Youtube)
ESTILO E INFLUENCIA
Su estilo es característico por sus pocas líneas /trazos de dibujo en el diseño de sus personajes. Asimismo, Akiko declaró en una entrevista al también famoso mangaka Naoki Urasawa (autor de Monster 2004-2005) que su estilo está influenciado por la obra de Yokoyama Mitsuteru, celébre autor de Tetsujin 28‑gō, manga precursor del género mecca. Prueba de esto sería que en Kimawari- KenichiLegend se ve la influencia del manga Sangokushi, del maestro Yokoyama.
Para el diseño de sus personajes, Akiko ha recurrido a diversos modelos peculiares de la vida real. Por ejemplo, para Kugarehime, se inspiró en las historias que le contaban sus amigas otaku cuando salían a tomar una copa. En Himawari aparece retratado su padre, y en Mama no tenparist se inspira en su propio hijo como modelo protagónico.
Estilo de dibujo en personaje masculino, Bishoku Tantei Akechi Goro (Cocohana, 2015)
Mama wa Tenparist (Shueisha, 2007), donde el hijo de Akiko fue inspiración para el personaje protagónico
Princess Jellyfish (2008, Kodansha), inspirada en las amigas «otaku» de la mangaka
OBRAS
Akiko Higashimura tiene aproximadamente veinte años en la industria del manga, por lo que es normal que tenga una vasta lista de obras publicadas. En esta ocasión, mencionaremos algunos de sus títulos más resaltantes y exitosos no solo en Japón, sino en Occidente (es decir, EE.UU, hasta el momento): Kugarehime, traducida en inglés como Princess Jellyfish (2008, Kodansha), Tokio Tarareba Girls (2014, Kodansha), y su cómic autobiográfico Kakukaku Shikajika, más conocido como Himawari-Kenichi Legend (2012, Shueisha).
PREMIOS/RECONOCIMIENTOS
Ha sido nominada al premio Manga Taisho en repetidas ocasiones: en 2008 por kugarehime; en 2009 por Mama wa Tenparist; en 2011 por Omo ni Naitemasu, y en 2015 lo ganó por Kakukaku Shikajika.
Akiko Higashimura recibe el premio Manga Taisho por Kakukaku shikajika (2015)
DATO CURIOSO
Akiko tiene su propio bar dedicado a un teatro takarazuka cerca de Osaka, donde se viste con kimono para atender a los clientes.
En el manga Yukibana no Tora (2015, Shogakukan), la artista tiene como protagonista a Uesugi Kenshin, famoso daimyo de la era Sengoku de Japón, pero como un personaje femenino de la obra, la cual es su primera de temática histórica.
El propio Naoki Urasawa reconoció con mucho asombro que Akiko es una mangaka super veloz al momento de dibujar.
La mangaka acostumbra a trabajar en su estudio con buzo para estar más cómoda. Sin embargo, aun con un traje simple, su vestimenta suele ser colorida y detallada, “con mucho estilo”.
Su estilo de dibujo es muy meticuloso y detallado, sobretodo en cuanto a las expresiones emocionales y la vestimenta de los personajes que así lo requieran (como, por ejemplo, los históricos).
Cuando está muy cansada para seguir dibujando sus mangas, Akiko toma una pequeña siesta en su mesa personal de trabajo.
Ha llegado a trabajar con más de una decena de ayudantes para que entinten y perfilen 100 páginas de mangas distintos durante un mes.
Pese a lo atareado de su rutina, Akiko no pierde su sentido del humor.
También les recomendamos ver el video de Oriol Estrada Rangil, máster en Estudios de Asia Oriental, donde nos comenta su crítica sobre las obras de la mangaka en mención:
Cada uno de nosotros tiene un manga o un anime, que le hizo pensar—aunque sea por un segundo—en convertirse en mangaka o animador ¿Se imaginan lo que fue para miles de niños y jóvenes en 1947, la primera vez que leyeron La nueva isla del tesoro (Shin Takarajima) de Tezuka Osamu, obra clave para el manga moderno? Oriol Estrada señala que, a mediados de los 50, no habían muchas publicaciones y si bien algunos maestros como Tezuka tenían una fama ganada, los mangakas principiantes tenían que pasar muchas penurias. A pesar de ello, muchos sintieron el llamado de la obra de Tezuka-sensei y se arriesgaron a mudarse—casi sin dinero—a Tokio, donde se encuentran las editoriales, para probar suerte y seguir al dios del manga que se albergó en esa ciudad en 1953, específicamente en un edificio de departamentos, Tokiwa-so, que se volvería leyenda por sus ilustres inquilinos.
Fuente: Akita Shoten / Shōnen Gahō-sha
Tezuka estuvo poco tiempo, pero antes de mudarse cedió su mítica habitación 14 para Fujiko Fujio (A), uno de los dos creadores de Doraemon e, incluso, como cuenta Fujio (A) apoyó a este y a su compañero creativo, Fujiko F. Fujio, a pagar la renta cediendo su depósito de un año, ya que los aún novatos no podían costearse ese dinero. Entre 1953 y 1961, se alojarían figuras como Ishinomori Shotaro (llamado el rey del manga y autor de Cyborg 009, Kamen Rider y Super Sentai Series), Suzuki Shinichi (que tiene créditos en animes como Akira, Naruto, Astro Boy, One Piece o Lupin III) o Akatsuka Fujio (creador de Osomatsu-kun y Tensai bakabon), los cuales formaron una estrecha comunidad de soñadores que trataban de ganarse la vida mientras buscaban alcanzar el éxito.
Fujiko Fujio (A) relata en una entrevista cómo a veces se levantaba en la madrugada y caminaba por el pasillo, entonces, veía las luces encendidas de las habitaciones de sus colegas, quienes habían conseguido empleo en alguna revista y seguían trabajando, lo que le producía envidia, pero a la vez gusto y ganas de seguir esforzándose como mangaka. Muchos de ellos se asociaron para presentar trabajos conjuntos, se hacían préstamos para subsistir (Terada Hiroo era llamado Tera-Bank) o se apoyaban como asistentes (Fujiko Fujio (A) fue asistente de Tezuka).
Fuente: Oriol Estrada
Fuente: Japaaan magazine
En ello radica la importancia de este grupo de mangakas y su historia, en ese ímpetu y perseverancia que sirvió de inspiración para que todos ellos pudieran conseguir y completar un trabajo más que los acercó en algunos casos al ansiado éxito o a apoyar a otros en el mismo. De acuerdo con Nanbara Jun, el edificio fue demolido en 1982 y el teléfono desde el cual Ishinomori y otros más llamaban a sus editores fue removido en el 2015, pero aún se mantiene el restaurante de ramen donde se reunían a comer estos precursores del manga después de sus deadlines y que le mandaba delivery personalizado a Tezuka-sensei. Además, se colocó un pequeño monumento conmemorativo y este mes se ha abierto las puertas del museo Tokiwa-so que recrea el edificio y los antiguos espacios de trabajo de sus habitantes de antaño.
Fuente: Kajipon Sakura
Fuente: Tokiwaso Manga Museum
Fuente: Wikimapia
La historia del Tokiwa-so es contada en distintas obras como la película Tokiwa-so no seishun (The manga apartments) de 1996, el especial animado para televisión Bokura Manga-ka Tokiwa-so Monogatari (We are Manga-ka: The Tokiwa-so Story) de 1981 o en el manga Manga Michi de Fujiko Fujio (A) que tiene una secuela.
Les dejamos los links a los artículos citados y a otros que pueden ser de interés:
Poseedora de una belleza fuera de este mundo, Tomie es la misteriosa protagonista del manga de terror que lleva su nombre y que catapultó a la fama a Junji Ito. La ópera prima del mangaka se centra en esta joven inmortal que impulsa a sus admiradores a la desesperación con el fin de obtener un beneficio personal. Entre sus intereses recurrentes está la simple satisfacción de observar cómo sus víctimas hacen su voluntad, pero esto suele desembocar en una tragedia dado que la obsesión y desesperación que Tomie crea en ellosllega a tal punto que la mayoría acaba por asesinarla o herirla de las maneras más sádicas y retorcidas.
Tomie Kawakami, identificada por su largo cabello negro y un lugar debajo de su ojo izquierdo.
Para sorpresa de ellos, Tomie tiene la capacidad de regenerarse inmediatamente y también de multiplicarse. Es decir, cuando una Tomie muere genera una copia exacta de sí misma y así el proceso de clonación crea una eterna cadena de terror.
Proceso de clonación tras ser asesinada sádicamente
Junji Ito comenta que se inspiró en el fenómeno de la regeneración de los lagartos para crear el manga. Su idea inicial era centrarse en una joven que había vuelto a la vida, pero que no recordaba su muerte por lo cual actuaba con despreocupación al presentarse en el colegio ante la mirada de terror de sus compañeros. Mientras la historia se desarrollaba, Ito convirtió a Tomie en una persona cruel, ya que creía que el manga sería más interesante si presentase a alguien que no fuera agradable.
Fuente: Colección Junji Ito.
El primer capítulo fue publicado en 1987 en una revista shōjo llamada Monthly Halloween y el último salió en el año 2000. En total existen 24 capítulos que no se conectan entre sí y técnicamente cada uno se trata de una copia nueva de Tomie. Cabe resaltar que en 1989 Junji Ito fue el ganador del premio Kazuo Umezu (uno de los padres del manga de terror) que lo convirtió en uno de los referentes del terror japonés gracias a esta perturbadora historia.
Izquierda: Tomie luciendo adorable. Centro: Junji Ito siempre sonriente. Derecha: Kazuo Umezu, considerado el padre del manga de terror desde la década de los sesenta.
La película de anime que viste y no querías recordar: Midori, la niña de las camelias. Tan controversial que el director nunca encontró financiamiento y tuvo que rodarla él mismo (por eso le demoró 5 años). Tan controversial que la prohibieron en Japón (qué tan perturbadora y trasgresora tiene que ser?)
¿Por qué algo tan grotesco tiene el nombre de una flor en el título? Pero si es una niña que vende flores, ¿qué puede salir TAN mal? Pues, créannos que las cosas salen MUY mal. Este texto tiene una que otra imagen perturbadora. Seguir leyendo bajo su propia salud mental uwu.
«Midori, la niña de las camelias» o «Shojo Tsubaki» es una película de 1992 dirigida por Hiroshi Harada. Entra en el género «eroguro» (erótico y grotesco) y está basada en el manga del maestro del terror Suehiro Maruo. El film está dividido en cuatro partes: «Prólogo», «Canción Primera», «Canción Segunda» y «Canción final». En todas ellas, está la presencia de dos flores: el sakura (o flor del cerezo) y las camelias, por supuesto. Lo interesante es que sus apariciones no son gratuitas y siempre están ligadas a un solo personaje: Midori-chan :3
Flores! Sakuras! Pero qué podría salir mal? ┐(︶▽︶)┌
Esas dos imágenes de arriba pertenecen a la corta escena previa al «Prólogo» la cual es un compilado de tomas fijas de escenas de terror tradicional del antiguo Japón donde aparecen los famosos yokai y yurei. También se muestran a algunos de los futuros personajes del circo en poses -algo- sangrientas (ya en verdad se ve una niña mordiendo el ojo de un pollo). Todo este desfile de misterio de unos cuantos segundos acaba con ese par de imágenes. La imagen de la izquierda muestra las primeras flores de sakura y la imagen de la derecha es por fin el título de la obra con el fondo de sakuras (aunque uno esperaría camelias, pero no).
Ese dibujo de las flores de la derecha son realmente sakuras o camelias? Para evitar futuras confusiones hay que tener presente el siguiente gráfico:
Sakura (cerezo), Ume (ciruelo) y Momo (durazno)
Inclusive dentro de una animación, la flor de sakura puede tener una forma más de dibujito y es como la del título. La flor de la camelia es más esponjosa como se verá luego. Entonces desde el primer minuto el director ya está marcando su estilo el cual es el de contraste. Harada lo busca entre un intercalado de imágenes sangrientas y las que tienen la presencia de las flores como símbolo de la inocencia perdida (esta es el típico significado de una flor junto con el de fragilidad, pero acá no es SOLO eso) y la muerte en dentro de un mundo hostil. Estas flores también funcionan como augurio en varias escenas (vinculadas por supuesto a sucesos trágicos que tendrá la protagonista). Para ello, hay que rescatar el lenguaje de las flores, pues tanto la camelia como el sakura tienen significados bastante antiguos que han perdurado en el tiempo y la sociedad japonesa.
SAKURA: la flor del cerezo y uno de los símbolos más conocidos de Japón. Solo florecen una vez al año al comenzar la primavera durante un mes. Se le asocia con lo efímero y la mortalidad por su corta duración. La expresión «mono no aware» que significa «conciencia de la impermanencia» está simbolizada con el sakura. Además, la cultura samurái también está ligada a ella, pues la vida de ambos son breves y los pétalos al caer representaban las gotas de sangre derramada (Midori habrá sabido esto?)
CAMELIA O TSUBAKI: flor tradicional japonesa menos conocida, pero con un mito muy interesante detrás. Cuenta la leyenda (en el Kojiki, el primer libro escrito) que el dios Susanoo luego de vencer a una serpiente de 8 cabezas, se acercó a una princesa que estaba en cautiverio y, pidiéndole matrimonio, apoyó su espada en la hierba que por la sangre de la serpiente comenzó a ponerse roja. De esa mancha apareció un arbusto con unas flores que fueron llamadas Tsubaki (camelias) y su característica es que no pierde los pétalos, sino se desprende completamente de la planta al marchitarse. Se le asocia con humildad, «amor perfecto» y… sangre.
Entonces ahora sí podemos pasar a ver todas las imágenes en donde salen flores dentro de la película. Se darán cuenta que solo están vinculados con Midori-chan, pues ella representa la inocencia y fragilidad (por su condición de niña, la pobreza/desamparo en la que está sumida y su mente soñadora). Pero que también la mención de las camelias tanto en el título y dentro del film no es casualidad: hay una leyenda tan antigua que la asocia con la muerte y lo sangriento que definitivamente Suehiro Maruo (el mangaka) lo tuvo presente al hacer esta perturbadora obra.
Oh un circo yei
Las primeras imágenes son de un escenario nocturno: unas calles desoladas, pero también otras con ciertos personajes como prostitutas y jóvenes que venden caramelos. Mientras eso ven nuestros ojos, se oye una dulce voz que narra lo siguiente: «sueños de magnolia en el primer trimestre. Girasoles y princesas en el segundo trimestre. Jazmines en el tercer trimestre. Sauces en el cuarto trimestre».
Por qué una niña está en la calle de noche hablando de flores?
Esta es una lista de flores que crea un contraste con la hostilidad de la imagen. No se volverá a hacer una mención expresa sobre flores hasta los créditos finales. Finalmente la cámara (son puras imágenes fijas. Es una edición particular, pero recordemos que nadie quería financiarle la película xD) se posa sobre un puente y esta voz dice «mis flores se han marchitado».
Primera imagen de nuestra niña de las camelias :3
Aquí aparece por fin la niña a la que le pertenece la voz. Hay antecedentes de historias tristes de niños que venden en la calle para subsistir como el capítulo «La niña de los cerillos» en «Me lo contaron en Japón», el programa de las marionetas japonesas. El peligro de la presente historia cobra la forma de un señor dueño de un circo con sombrero que aparece ahí al fondo a la izquierda. Esta es la primera vez que vemos las camelias del título y no podrían venir acompañadas de un peor augurio como lo que le espera a Midori en el circo ambulante.
«Este es un lugar muy triste para venderlas. Ve a un sitio más bello” le comenta el dueño del circo quien ha aparecido sutilmente en el panorama. Además pregunta primero: «¿tu madre?» «Enferma» «¿Tu padre?» «Se ha ido». Pero por qué hace esas preguntas! Definitivamente su verdadera naturaleza está camuflada. Midori, reacciona! Pero el punto de esta historia es justo la crueldad vista desde el punto de vista de una niña que no puede anticipar los motivos egoístas de humanos como él. “Ve a casa que este lugar está lleno de hombres repugnantes”, le dice para colmo. ¿Y quién le compra todas las flores? ¿Quién compra su inocencia? Este señor que se la robará a continuación.
Midori le había puesto esas camelias antes de salir? Acá se aprecian lo pomposas que son (no confundir con rosas)
La siguiente escena muestra a una convaleciente madre en cama. Midori está yendo a contarle emocionada que un buen hombre le compró todas sus camelias, pero la madre parece no reaccionar. Sí, está muerta. No pondré la imagen de las ratas saliendo de la vagina, pero vale la pena recordarlo por el contraste que supone con la madre muerta echada entre las floras que vendía su hija. Aquí vale la pena recordar la leyenda del dios Susanoo.
Esta imagen se volverá a repetir, recuérdenla!
Esta toma engloba todo lo que es Midori: una niña que solo quiere ir al colegio. Repetidas veces ella lo menciona, es más, el dueño del circo le comenta que él podría ayudarla aunque luego se da cuenta que es mentira porque al ser un circo ambulante, ella no puede estudiar en un lugar fijo. Aquí resalta la importancia de esta característica del circo.
En la canasta de flores se pueden observar las pomposas camelias o tsubaki. Esta imagen aparece mientras las vecinas chismosas comentan sobre las ratas encontradas sobre el cadáver. Una vez más, muerte y camelias en una misma imagen.
Con esa imagen perturbadora termina el prólogo. Perfecto.
Una vez que Midori va en búsqueda del dueño del circo, pues él le ofreció ayuda, ella descubre que todo era un engaño. Es forzada a unirse a él y además es abusada sexualmente. Llama la atención que aparece en esa fuerte escena un manto con estampado de sakuras. Ahí termina el prólogo y ahora comienza la «Canción primera: Paciencia y sumisión»
Qué más simbólico que vomitar sobre el único kimono con flores de la película…
En este lapso de tiempo, Midori ha sido abusada de formas inimaginables para ser una niña. Entre las maldades a las que fue forzada es a ser espectadora de una pelea de una serpiente y un pollo. Por ello, vomita encima de su kimono que casualmente tiene estampado de sakura. Por ejemplo, los otros personajes no tienen estampados similiares, solo la otra mujer que tiene un kimono con mariposas.
En un instante se observa un sakura en flor, pero que está ya muriendo y luego de un par de escenas devastadoras, aparecen los pétalos volando al viento.
Estos chibolos no habían pagado y se burlan de la sangre :S es un contraste con la soñadora Midori
En la película no se muestran otros niños aparte de Midori y los que se encuentran a continuación. Ellos se presentan como niños poco amables que contrastan con Midori. Entonces no se trata que ella sea soñadora y buena solo por ser niña: es una cuestión de su personalidad también.
Izq: una camelia atrás que parece una almohada. Medio: Midori ya está en completa oscuridad. Derecha: flor de otoño
Antes que termine «la primera canción» aparece una almohada en forma de camelia al fondo de donde descansa Midori-chan. Ella acaba de ser obligada a lavar cuerpos mutilados y ver a otras personas tener sexo mientras duerme. Es justo después de los puntos críticos donde aparece la flor. Además, en la colcha que lleva (está con fiebre) en la imagen arriba a la derecha, tiene un estampado de una flor de otoño que recuerda a la colcha que tenía su madre en su lecho de muerte.
Por favor alguien salve a Midori-chan!
Verdadera magia! (ノ ˘_˘)ノ ζ|||ζ ζ|||ζ ζ|||ζ
Este es el punto de quiebre en la historia. Aparece Masamitsu. Le da un beso con la flor en la mano. “No recibiré uno de vuelta?” Parece que se han enamorado al instante.
Aló, ¿con la ONU?
El cambio en la vida de Midori se manifiesta visualmente con el cambio de color en las flores
Flores sobre la ropa de los enamorados ╮(︶▽︶)╭
El enano no aparecía al inicio con una flor en el pecho hasta que comienza una relación con Midori. Simboliza la unión con la niña de las camelias. En el gorro de Midori también aparece una flor amarilla, además ella está feliz.
Oh no, acá vamos
Volvió a salir la imagen! pero ahora en el sueño bonito de Midori donde está con sus padres uwu
El enano parece haberla inducido a un sueño placentero en el cual está Midori rodeada de sus padres nuevamente en un ambiente de felicidad. Se hace alusión al colegio que es lo que Midori más desea. Por ello vuelve a aparece la imagen de las camelias con la mochila, pero ya no en un contexto fúnebre. Aparte, aparece un cuadro al fondo con flores amarillas. Como hemos visto, no suelen aparecer flores así porque así en el film entonces no es casualidad que en un momento de felicidad aparezcan al fondo en el sueño.
«Midori-chan, vendrás conmigo?»
El nombre del capítulo ha marcado el fin de la historia «Canción final: bajo la flor del cerezo». Ahora la protagonista es esta flor que también está vinculada a la muerte por lo efímero de su florecer, pero también juega un rol importante en los amantes que se suelen separar (como en «5 centímetros por segundo» de Makoto Shinkai»). La distancia entre pétalo y pétalo que se desmprende enmarca una futura separación. Aquí no puede ser más claro, sobre todo cuando se sabe que él morirá en unos instantes cuando va a comprar comida y un ladrón lo asesina para robarle.
«Esto no es un sueño» dice Midori feliz porque por fin la realidad es mejor que el sueño 🙁
El augurio de los pétalos de sakura y la despedida que parece momentánea, pero será eternauwu
Busca a su amado quien ya está muerto al igual que ese árbol de cerezo. Por qué la vida es así con Midori? Qué hizo ella para merecer todo esto? ((╬◣﹏◢))
En este momento de dolor absoluto de Midori, la querida niña de las camelias, tiene una alucinación donde ve a los del circo con los pétalos de sakura volando encima. En este instante la animación cambia y ella aparece con un palo de madera que usa como bate para «matar» ese dolor que proviene del maltrato que recibió esta niña-flor. Su inocencia terminó por extinguirse.
SED DE VENGANZAÚltima imagen de Midori: la niña se funde con el color de las camelias. RIP
Y así termina la vida de Midori y la aparición de las flores con ella. Aquí en los créditos se vuelve a mencionar a las flores expresamente y cómo no pensar en la mancha de sangre vertida en el jardín por la espada del dios Susanoo que hizo florecer por primera vez a las camelias en Japón uwu la vida de Midori también se siente así: vino de un lugar sangriento como el desamparo de la calle y pobreza y aunque encontró el amor romántico (como la princesa de Susanoo), se le fue arrebatado y no hubo para ella un final feliz :c
Las camelias vinculadas a la muerte como en el mito de Susanoo (っ˘̩╭╮˘̩)っ Ese era tu destino, Midori-chan.
PD: hay otras películas japonesas donde también la camelia se asocia como un presagio de muerte. Busquen «Youth of the beast» del gran Seijun Suzuki de 1963.
Según los cálculos del genio Senkuu, te dará unos 10 000 billones de puntos a que te quedarás pegado con este manga. Doctor Stone es una manga escrito por Riichiro Inagaki (Eyeshield 21) y con la ilustración de Boichi (Sun-Ken Rock, Terra Formars Gaiden: Asimov) ambos poseen una gran trayectoria en el mundo del manga y lo dejan todo para estar primeros en las encuestas de preferencias de los lectores. Aquí te cuento un poco de la trama.
La tierra ha sufrido un ataque bioquímico. Las personas han sido convertidas en piedra; ¿la razón?, ¿Los responsables? hasta el momento es totalmente desconocida. Los seres humanos se encuentran en un estado de petrificación, y gracias a ello su cuerpo se mantendrá en un perfecto estado de conservación.
Han pasado más de 3000 años y solo un joven logró deshacerse de su estado de petrificación y ha despertado en el año 5738, su nombre es Senkuu Ishigami. Este joven es el genio de la clase en su escuela y pertenece al club de química. Gracias a su inteligencia mantuvo su conciencia activa para contabilizar el tiempo que paso petrificado hasta su despertar. Senkuu se encuentra en un mundo deshabitado y no encuentra ningún sobreviviente. Rápidamente el joven genio se traza una meta: Restaurar la civilización humana que desapareció hace más de 3000 años a causa del ataque desconocido. Como primer objetivo, busca la cura contra la petrificación para lo cual empieza a realizar diversos experimentos e investigaciones.
Seis meses después despierta Taiju Oki, su amigo de la escuela. El nuevo sobreviviente tiene grandes habilidades físicas y gracias a la gran determinación para declarar su amor a la chica que le gusta, logró romper su estado de petrificación. Antes del ataque, Taiju estaba a punto de confesarse a Yuzuriha Ogawa. Tras divisar la luz cegadora que convirtió en piedra a todos, trato de protegerla pero fue inútil. Su deseo por declarar su amor mantuvo su conciencia despierta.
Senkuu le comenta la situación a Taiju y rápidamente acepta colaborar con él, a cambio de que pueda regresar a la normalidad a Yuzuriha. La inteligencia de Senkuu y las grandes habilidades físicas Taiju es la perfecta combinación que necesita el mundo para regresar a civilización actual.
Senkuu logra obtener la cura contra la petrificación y se dispone a usarla con Yuzuriha pero sorpresivamente son atacados por unos leones y la fuerza de Taiju no fue suficiente para derrotarlos. Ambos jóvenes se vieron en la obligación de regresar a la normalidad a Tsukasa Shishio, otro estudiante que tiene una muy fuerza superior y logra derrotar a los leones con suma facilidad. Poco después, Yuzuriha logra volver a la normalidad para la felicidad de Taiju.
Tsukasa al enterarse de la situación decide no colaborar con ellos y prefiere crear un imperio donde reine el más fuerte (en pocas palabras, él). Senkuu y Taiju no comparte su forma de pensar y es ahí cuando inician un enfrentamiento, para luego terminar escapando. Ahora Senkuu tiene un rival que se opone a su objetivo. ¿Podrá Senkuu, Taiju y Yuzuriha restablecer la civilización humana?
El ingrediente principal de este shonen es la ciencia, que será de mucha utilidad para que nuestros héroes puedan sobrevivir en este nuevo mundo que empieza a renacer. Al parecer todo será más fácil puesto que todo ya está descubierto, pero no te dejes engañar será muy entretenido y a la vez sorprendente ver como Senkuu maneja la situación y aplica su intelecto logra salir victorioso de cada situación.
Por su parte el buen Taiju te dejará encantado por su valentía y buen corazón al confiar siempre en su amigo Senkuu y luchar por su amada Yuzuriha. Este manga tiene más de 10 tomos y aún sigue publicándose junto con un anime que se acaba de estrenar, espero que lo disfruten. Que tengan una feliz lectura.
Una de las formas en las que suele justificarse la crudeza exagerada de ciertos títulos de manga es alegar la existencia de una tradición nipona de representaciones de la crueldad (dentro de la cual se encuentran, por ejemplo, las colecciones de grabados conocidas como muzan-e, publicadas durante los periodos Edo y Meiji). Otra manera de hacerlo es asignar a la violencia un rol contestatario (respecto a la industria o a la sociedad), lo cual se sustenta con la afirmación de que los sentimientos de ansiedad y extrañamiento provocados por imágenes fuertes harán al espectador escéptico a las versiones idealizadas del ser humano, presentadas como fantasías escapistas y anestésicas.
Taiso Yoshitoshi autor de una de las colecciones más conocidas de muzan-e (Eimei nijūhasshūku).
No obstante, en una sociedad basada en la moda y la demanda, es menos ingenuo pensar que si algún tipo de material se sigue produciendo y distribuyendo de forma constante, es por la existencia de un nicho de consumidores establecido. En el caso de los contempladores de la crueldad, el placer resultante es de tipo libidinal, derivado de reacciones similares al goce erótico y desencadenadas por emociones violentas; asimismo, la escenificación sádica puede ayudar a reconducir las energías autodestructivas y antisociales para suscitar una catarsis en el espectador.
Como observa el estudioso Román Gubern en Laimagenpornográficayotrasperversiones, el aumento de permisividad en los medios suele obedecer más a motivos comerciales que a una promoción de libertad autorial. El mismo autor señala, además, que la imagen violenta no es artística per se, como concluye de su experiencia con dos cintas de la serie FaceofDeath (videos recopilatorios de muertes documentales). Para él, en lugar de presentar la supuesta estética de la muerte sostenida por los aficionados, las secuencias exponían una brutalidad banal y patética, carente de belleza técnica o narrativa.
Bajo estas consideraciones, la idea del eroguro como una expresión de arte antisistema resulta opinable. Podría señalarse, además, que si bien los reivindicadores de esta postura enfatizan su papel contracultural durante el periodo posterior a la ocupación estadounidense, la búsqueda de los antecedentes del eroguro remite a una estética burguesa influida por el hedonismo nihilista importado de la República de Weimar. Durante la segunda guerra mundial y el periodo posterior a esta, el eroguro sobrevivió en la narrativa de Edogawa Rampo, tras lo cual se mudó al pinku eiga japonés (cine erótico) y luego a la historieta.
Originalmente el término completo era ero-guro-nonsense, el cual indica que junto a las escenas de sexualidad aberrante debían presentarse elementos oníricos o fantásticos (en este género la fantasía se confunde y mezcla con el nonsense). Estas coordenadas son observables en clásicos como TokyoAkazukin y en las obras de veteranos como Shintaro Kago.
Tokyo Akazukin
Ilustración de Suehiro Maruo, otro representante destacado del eroguro, y adaptador al manga de los relatos de Edogawa Rampo
Mangaka visceral: Shintaro Kago
La carrera de Kago inició en 1988, con un pequeño comic de ocho páginas titulado “Uchu dai sasuken” (traducible como «Star Trek»), una burla al optimismo antropocentrista ejecutada desde el género del spaceopera. Este breve manga fue publicado en ComicBox, pero, más adelante, Kago trabajaría también en otras revistas, como MangaErotics, CottonComics, YoungJump —la versión madura de la ShonenJump— y la underground Garo. A esta producción deben sumarse los doujinshis autopublicados, así como ilustraciones y miniaturas de su diseño.
Aunque ahora es reconocido como un mangaka de culto, inicialmente su vocación estuvo orientada al cine. Tal como afirma en sus entrevistas, de niño no era un lector asiduo de comics, y su pasión por contar historias nació del encuentro con las películas de Monty Phyton. No obstante, su escasa inclinación a socializar y la falta de recursos económicos que suponían para él rodar un filme amateur lo llevaron a preferir el solitario oficio de historietista.
La elección fue, en realidad, acertada. El comic no solo le permitió prescindir de actores para dar vida a sus personajes, a través de él pudo dar vida a fantasías tan complicadas como grotescas sin la necesidad de aparatosos procesos de maquillaje o efectos especiales.
El estilo de Kago se compone de humor negro y representaciones sórdidas de sexualidad, violencia y defecación. Aunque los largos chorros de pus disparados como látigos y las desemembraciones báquicas no sean algo extraño en el eroguro, en el caso de Kago, el conocimiento de la perspectiva y la fascinación por la anatomía interna les otorgan un valor agregado. Su comicidad, además, no es arbitraría; en varios de sus trabajos es el método para caracterizar a una maquinaria social perversa, así como para cuestionar la presunta superioridad del hombre dentro de la creación. El humor escatológico resulta coherente con lo que podría considerarse su diagnóstico sobre el mundo: varias de sus historias presentan la normalización o el enaltecimiento de fluidos y excreciones corporales, que por su cercanía a la carne en descomposición pueden asociarse a la perecibilidad y a la muerte.
La instrumentalización de los cuerpos aparece como un tema recurrente en la obra de este mangaka: desarrollo de tecnologías basadas en el reciclaje órganos y cuerpos gigantescos, modificación de la propia anatomía para encajar con una moda o para agradar al ser amado, o el asesinato y el descuartizamiento como espectáculo mediático, por ejemplo. Como lo ha señalado el reseñista Eudald Espulga del sitio de Play Ground (“Siete cosas horribles que pensé al leer por primera vez a Shintaro Kago”), la imagen del cuerpo humano manipulado puede presentar varias interpretaciones. Así, como señala en su artículo, es posible atribuirle el peso de la fantasía suprema del capitalismo productivista: la trasformación del hombre en un medio de producción, reciclable y desechable a conveniencia. Bajo el mismo símbolo se representa a la ciencia como una entidad deshumanizada, servidora de las necesidades del utilitarismo. La construcción de un sistema ficticio de abuso sistemático se dirige a una caracterización de la maldad como un ejercicio puramente racional: «El sadismo en Shintaro Kago pide conciencia e ironía, los ejecutores de la crueldad no son salvajes o brutos sino seres despiadadamente inteligentes».
Hay que agregar que muchas obras de Kago conservan la dimensión del nonsense a través de los procedimientos metafictivos. En Fraction, su autoinserción como personaje le permite dar al lector una cátedra acerca de la importancia de los espacios en blanco entre las viñetas, con teorizaciones significativas para revelar el misterio principal de la historia. Las referencias a los elementos de la página se presentan también en “Reproducción por mitosis” (no pude encontrar el título en japonés), donde se muestra un universo hipotético de viñetas tridimensionales, en el que la coherencia de las representaciones entregadas al lector esconde una fealdad enfermiza.
Página de Fraction
Página de «Reproducción por mitosis»
Obras más conocidas
Super Conductive Brains Parataxis
En el futuro los seres humanos han adoptado una tecnología basada en la extracción de partes corporales de una raza de gigantes aparentemente artificial. Engendrados y criados en fábricas, estas criaturas son mutiladas de forma sistemática para construir los grotescos aparatos que preservan nuestro confort. El comic presenta varias historias ubicadas en el mismo universo ficticio.
Fraction
Mientras un asesino de mujeres que corta a sus víctimas por
la mitad hace de las suyas en Japón, el mangaka Shitaro Kago propone a su
editora la publicación de una historieta de misterio basada en los homicidios
recientes. Lo que ignora el dibujante es que el criminal ha iniciado su propia
búsqueda: la de un hombre que está imitando su método.
Harem End
Un grupo de asesinas a sueldo se encarga de liquidar a hombres por encargo. Tras obtener un fingido harem (con personajes fantásticos incluidos), estos desgraciados sufrirán una prolongada tortura antes de morir. No obstante, la situación del equipo se complicará tras su encuentro con un miembro del misterioso estudio Freaks, el cual capta y asesina seiyuus con el propósito de usar sus cadáveres para hacer animación, y se ha propuesto rodar un proyecto con las bellas sicarios para vengar a su antiguo integrante.
La formidable invasión mongola (Choudouryoku Mouko Daishuurai)
Una reconstrucción ucrónica de episodios importantes en la historia universal: el establecimiento de la dinastía mongola en China, la expedición de Vasco de Gama a la India y el despegue de la Revolución industrial. El descubrimiento de gigantes que regeneran partes de su cuerpo y cuyas manos cortadas pueden usarse como monturas eficaces cambiará el destino de las civilizaciones de Asia y Occidente, especialmente cuando los técnicos descubran que es posible crear bestias modificadas a partir de estos titanes.
Novia ante la estación y otras historias (Ekimae Hanayome)
Una recopilación de quince historias autoconclusivas. Da una visión en conjunto del arte de Kago y de sus opiniones: desde críticas a instituciones sociales como el matrimonio, hasta un abierto desagrado por el deseo juvenil de encajar en un grupo. El mangaka se complace en la deformación de objetos cotidianos para mostrar una realidad desagradable. Otras colecciones recomendables para los interesados son Reproducción por mitosis y otras historias y Fetus Collection.
Valoración personal
Como lector, tengo opiniones encontradas sobre este artista. Por un lado, hay una sincera tendencia a la crítica social y a la de la industria del entretenimiento otaku; además, las ilustraciones realmente son capaces de despertar el sentimiento de fascinación morbosa que su autor busca en los lectores. Como narrador gráfico, Kago posee también una ingenio poco común para manipular los recursos de la página: configuraciones sencillas como las tradicionales divisiones en seis u ocho viñetas comparten espacio con disposiciones experimentales como las de «Blow Up» (una excusa para dibujar páginas con aumentos exponenciales en el número de cuadros). Habría que añadir que no es necesario buscarle una verosimilitud sólida a estas historias, ya que el nonsense se basa concesiones de la coherencia interna a favor de la imagen.
Páginas de «Blow up»
Por otro lado, sus críticas no suelen pasar de una experiencia disfórica; muchas veces, incluso, se las sacrifica a favor de gags surrealistas (entonces es común encontrar la línea «Who cares?» —»¿A quién le importa [lo que estábamos haciendo hasta este momento]?»—, o una similar, en las traducciones). En realidad, las historias de Kago no superan el nihilismo; en algunos casos, incluso, se limitan a reformular a partir del extrañamiento ideas a las que el autor debería mostrarse contrario por su orientación. Fragment, por ejemplo, culmina con la formación de una conspiración de siameses inseparables para hacerse con el control del mundo. La moral de la historia parece un poco retrógada respecto a la del filme que inspiró al mangaka: Freaks. Mientras que la cinta cuestiona el lineamiento tradicional que vincula a la belleza con la bondad a partir del tropo del «monstruo inocente», el manga de Kago termina en una fantasía similar a las de los franceses medievales, que culpaban a los leprosos y judíos de envenenar el agua para hacerse del control del país (delirio que culminó con la invención de la leyenda del aquelarre y que es un probable antepasado de las modernas teorías de conspiración). La imagen de los siameses galopando con una furia delirante me pareció bastante intensa (guarda algunas semejanzas con una de las viñetas finales de Gyo, y ambas, con una obra pictórica que se me escapa), pero no sobrepasa la fascinación por lo grotesco.
Penúltima página de Fraction
Página de Fraction, la fantasía de una revolución apocalíptica.
Destacado escritor de la posguerra, pionero de la ciencia ficción nipona y amigo del gran Ozamu Tezuka, Shinichi Hoshi ha ejercido una influencia considerable en storytellers de varias disciplinas. En sus relatos, las inquietudes del ser humano sobre su lugar en el mundo aparecen transmutadas en fábulas poderosas y conmovedoras, a través de las cuales busca hacer reflexionar al lector sobre problemáticas atemporales, como la guerra, el libre albedrío y las relaciones humanas.
Durante el año 2001, la revista Mystery Bonita de Akita Shoten inició la adaptación al manga de las historias cortas de este autor. Bajo el nombre de Comic Hoshi Shinichi, la serial obtuvo la colaboración de distintos artistas reconocidos, entre ellos Mohiro Kitoh (Bokurano, Hallucination from the Womb), Sayman Downman (Nickelodeon, The Voynich Hotel) y Shuzo Oshimi (Aku no hana, Chi no wadachi). Con una duración de cinco tomos, la antología supo mantener la profundidad de los trabajos originales, además de acercar a los interesados un curioso experimento de creación en conjunto.
Como sucede con las obras multiautoriales, la heterogeneidad de estilos gráficos y narrativos es uno de sus mayores atractivos. La adaptación, además, conserva el desenfado y la ligereza de las obras en las que se basa, sin banalizar las historias o mermar la lucidez con la cual fueron escritas.
El anime y el manga japonés se caracterizan por desafiar de manera constante el orden establecido y el “buen gusto” de la sociedad. Si bien estas producciones estaban dirigidas originalmente a un público oriental, los géneros se han vuelto tan populares que tienen fans en todo el mundo. En esta ocasión nos enfocaremos solamente en el anime y sus versiones más extrañas. Había bastante de donde elegir, pero nos quedamos con los que creemos son los más peculiares, por decirlo de algún modo.
Assassination Classroom Luego de haber destruido el setenta por ciento de la luna, una especie de pulpo amarillo llega a un acuerdo con el gobierno japonés para postergar la destrucción de la tierra. ¿Las condiciones? Darle clase a un grupo de estudiantes mediocres de secundaria, quienes tienen luz verde para intentar asesinarlo antes de que lo destruya todo, el ganador recibirá una recompensa de cien millones de dólares. El detalle es que conforme pasa el tiempo los alumnos comienzan a mejorar académica mente y le empiezan a tomar cariño a su extraño profesor. Además, aparecen otros personajes quienes también quiere asesinar al maestro, lo cual complica la situación todavía más.
Rio: Rainbow Gate! Este anime gira en torno a la vida de Rio Rollins, una dealer de casino bastante popular que trabaja en el Howard Resort. Rio es conocida como la “Diosa de la Victoria” dado que les da buena suerte a los apostadores por el solo hecho de pasar junto a ellos. La trama se pone interesante dado que se revela que es poseedora de una de trece cartas mágicas, y para obtenerlas todas y ganarse el título de “dealer de casino más valiosa”, tiene que jugar en varios torneos especiales. Este anime es perfecto para los fanáticos de los juegos de casino, especialmente aquellos que disfruten de las partidas de blackjack online, como las que se ofrecen en https://www.mrgreen.com/pe/blackjack y que cuentan con delaers en vivo. Para aquellos que no son tan fanáticos de los juegos de casino, pueden echarle un ojo a ese sitio para revisar las reglas y estrategias, con lo cual podrán entender más a fondo este intrigante animé.
Polar Bear Cafe Ya el hecho de que exista un anime de animales parlantes que están a cargo de un restaurante no es lo más normal que digamos, pero lo que hace de esta serie algo especial es que los personajes son tan comunes y corrientes que hasta parece que estamos viendo un capítulo de Seinfeld. Que hablando del rey de roma, existe la posibilidad de que exista un regreso según lo que el mismo Jerry platicó: https://www.infobae.com/teleshow/infoshow/2018/02/13/a-20-anos-del-final-de-su-emblematica-serie-jerry-seinfeld-hablo-de-un-posible-regreso/. Así podremos tener lo mejor de dos mundos, a las especies en peligro de extinción de Polar Bear Cafe y los neoyorquinos desquiciados de Seinfeld.
Serial Experiments Lain El asunto se pone extraño para Lain cuando una compañera de clase fallecida dice estar viva en un espacio de realidad virtual llamado “El alambrado”, en donde dice que también encontró a Dios. En esta serie los creadores se aventuran en profundas reflexiones acerca de la realidad, la consciencia, y la relación que tienen los seres humanos con el Internet. Además de ser extraña, Serial Experiments Lain también se gana a pulso un lugar en otro tipo de listado, el de series y animes perturbadores: https://es.gizmodo.com/las-series-de-anime-mas-oscuras-y-perturbadoras-que-no-1691394005
Como ves animé hay para todos los gustos y preferencias ¿Te animas?
Si eres un fanático del anime o el manga, probablemente hayas oído hablar de Weekly Shonen Jump, publicado por Shueisha. La historia detrás del primer anime que hayas visto puede haber brotado de la revista de manga más famosa del mundo. Durante los 50 años de historia de Shonen Jump, han publicado algunos de los manga más exitosos a nivel mundial, incluyendo Dragon Ball, One Piece y Naruto. Es posible que Shonen Jump haya alcanzado su pico de circulación semanal de 6.53 millones de copias en la década de 1990, pero el avance del tiempo y la disminución de los medios impresos no han impedido a la revista ampliar su red de lectores. La audiencia de Jump se ha vuelto cada vez más global, ya que Shueisha mira hacia la distribución digital como un medio para asegurar que sus títulos sigan siendo accesibles para una amplia audiencia. En 2014, Shueisha lanzó por primera vez Shonen Jump +, una plataforma en línea en japonés que vende versiones de libros electrónicos de los títulos de manga, así como una versión digital de Weekly Shonen Jump que se puede leer en dispositivos móviles. El sitio les permite a los usuarios leer una gran muestra de Jump manga gratis, y también serializa una cantidad de títulos originales separados de la revista impresa, incluyendo ēlDLIVE y DARLING en el FRANXX. Mientras tanto, en América del Norte, los títulos populares de Jump, como My Hero Academia, son los más vendidos de las novelas gráficas. Desde 2013 hasta 2018, Viz Media publicó una versión digital de Weekly Shonen Jump, lanzando nuevos capítulos en inglés simultáneamente con la revista japonesa, y en diciembre pasado lanzaron un nuevo sitio web que da acceso a los suscriptores a más de 70 títulos de catálogo. Sin embargo, este no será el único medio a través del cual los últimos capítulos de Jump estarán disponibles digitalmente de ahora en adelante. Shueisha está lanzando una versión global de Shonen Jump + el 28 de enero, llamada MANGA Plus. El sitio y la aplicación no solo ofrecerán lanzamientos simultáneos de títulos populares serializados como One Piece, sino que también estarán disponibles en todos los países, excepto China y Corea del Sur. La aplicación también será completamente gratuita, como la versión japonesa de Shonen Jump + actualmente. Para hablar en detalle sobre esta nueva empresa, visitamos las oficinas de Shueisha y hablamos con el editor de Shonen Jump +, Shuhei Hosono, quien también supervisa MANGA Plus. Explicó todo lo que debe saber sobre MANGA Plus al momento del lanzamiento.
¿Cuándo te involucraste por primera vez en el proyecto? ¿Y cuáles son tus pensamientos como líder del equipo?
He estado con Shonen Jump + desde que comenzó en 2014. También participé en la Jump Book Store en línea que se lanzó en 2012. A través de mi trabajo en esos proyectos, quería que hubiera la mayor cantidad de manga disponible. Al igual que en Japón, hay muchos lectores de manga en el extranjero. Así que quiero llevar Shonen Jump + a personas de todo el mundo.
¿Cómo funciona exactamente Shonen Jump +?
A través de Shonen Jump +, puede comprar una versión digital de cada número de Weekly Shonen Jump al mismo tiempo que sale la versión impresa. También puedes comprar libros electrónicos de las versiones tankobon de los títulos de Jump. Además de eso, hay títulos de manga originales que se serializan exclusivamente a través del servicio. El servicio en sí es completamente gratuito. Los primeros capítulos de cada manga en Shonen Jump + manga están disponibles para que cualquier usuario los lea. Además, los últimos capítulos que están serializados también estarán disponibles para que cualquiera los lea durante un tiempo limitado.
¿Cuándo comenzó la idea de hacer una versión global de Shonen Jump +?
Empezamos a hablar de ello en 2017, y hemos estado trabajando en ello hasta el lanzamiento.
¿En qué idiomas estará el servicio?
Por ahora, solo tenemos una versión en inglés y español planeada. La versión en español se lanzará alrededor de febrero / marzo, aunque puede tener una alineación diferente de la versión en inglés. Si hay suficiente demanda, podemos agregar más idiomas.
¿Cuál es la diferencia entre la aplicación Shonen Jump de Viz y MANGA Plus?
Bueno, para empezar, habrá más títulos disponibles a través de MANGA Plus. Tenemos la intención de agregar tantos títulos como sea posible, incluso los relativamente menores que nunca antes se habían publicado en inglés. Viz se enfoca principalmente en los títulos de Weekly Shonen Jump, mientras que MANGA Plus tendrá títulos de otras publicaciones de Shueisha, como Jump Square y el manga en línea Jump +. MANGA Plus también estará disponible en más regiones. Estará disponible en todo el mundo, excepto en China, Corea del Sur y Japón, ya que ya cuentan con sus propios servicios independientes. Las regiones que antes no recibían servicios como el sudeste asiático podrán leer manga a través de esta aplicación. Hasta ahora, los títulos de Shueisha se han distribuido en América del Norte, Europa, Asia, etc., a través de editores locales o líneas de distribución. Esto marca la primera vez que Shueisha está expandiendo el servicio directo a nivel mundial.
¿Estarán disponibles todos los mangas que estén serializados en Weekly Shonen Jump a través de este servicio (y no solo los populares)?
Sí. La alineación inicial será casi todo lo que actualmente se está serializando en Weekly Shonen Jump. Habrá más de 30 títulos lanzados simultáneamente con Japón. En cuanto a los títulos que han concluido y que actualmente no están siendo serializados en la revista, como Naruto, planeamos serializarlos a través de la aplicación desde el principio para que los nuevos lectores puedan experimentarlos, un capítulo a la vez. 10 de estas serializaciones ya están planeadas y se irán agregando gradualmente con el tiempo. La alineación inicial completa está abajo. Serie en curso:
ONE PIECE
The Promised Neverland
Jujutsu Kaisen – Sorcery Fight
My Hero Academia
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba
Haikyu!!
Black Clover
Chainsaw Man
Hinomaru Sumo
Food Wars: Shokugeki no Sōma
Ne0;lation
I’m From Japan
Teenage Renaissance! David
BORUTO
We Never Learn
Dr. Stone
act-age
HUNTER×HUNTER (Suspended)
Hell Warden Higuma
Seraph of the End: Vampire Reign
Blue Exorcist
Platinum End
World Trigger
Dragon Ball Super
Yu-Gi-Oh! Arc-V
Terra Formars
Hell’s Paradise: Jigokuraku
Summertime Render
Nano Hazard
The Sign of Abyss
Blue Flag
Abyss Rage
LAND ROCK
Soloist in A Cage
Curtain’s up, I’m off
Spotless Love: This Love Cannot Be Any More Beautiful.
Dricam
Moon Land
Series completadas:
NARUTO
Bakuman.
Rosario+Vampire
Nisekoi
Claymore
Tokyo Ghoul
ONE PIECE Part 1
Assassination Classroom
DEATH NOTE
DRAGON BALL
Rurouni Kenshin: Meiji Swordsman Romantic Story
BLEACH
JoJo’s Bizarre Adventure
Para los títulos que Viz comparte con MANGA Plus, ¿la traducción será la misma?
Sí. En cuanto a otros títulos que manejan, pueden usar diferentes traductores.
¿Será la interfaz similar a Shonen Jump +?
Sí, se basará en la aplicación existente. En la página de inicio, verá los últimos capítulos que se cargarán cada día. También podrás acceder a la lista completa de títulos disponibles a través de un menú desplegable.
¿Crees que el manga mismo está cambiando a medida que el medio se vuelve más global?
Sí, hay más lectores de todo el mundo y más manga está naciendo en el extranjero. En estos días, la calidad del manga de todo el mundo es increíblemente alta. Aunque en Shueisha hacemos manga principalmente para atraer a una audiencia japonesa, esperamos que las historias también tengan un atractivo global. Es una de las muchas cosas que los editores toman en cuenta cuando pensamos qué tipo de manga publicaremos a continuación. Sin embargo, en el fondo, el manga siempre trata de contar historias interesantes, y no importa cuánto tiempo pase, ese lado del manga nunca ha cambiado.
Toyotarō, ilustrador del manga Dragon Ball Super, dejó un mensaje para los fanáticos extranjeros.
Como artista detrás de Dragon Ball Super, ¿recibes muchos comentarios de los fans en el extranjero? ¿Cómo caracterizarías esa retroalimentación?
Cuando he estado en eventos en el extranjero, la gente me ha hablado. La forma en que las personas en el extranjero perciben y evalúan mi trabajo es muy diferente de Japón, por lo que me ha resultado muy útil como referencia para crear la historia.
¿Qué tan importante diría usted que la audiencia internacional es para el éxito de Dragon Ball Super?
Debido a que Dragon Ball es amado en todo el mundo, creo que la secuela Dragon Ball Super también debe ser amada de la misma manera.
¿Está personalmente emocionado de que sus fans en el extranjero puedan ahora ponerse al día y leer sus nuevos capítulos al mismo tiempo que Japón?
Estoy muy agradecido de que no haya un retraso de tiempo para el lanzamiento del manga. Si la información de Japón se transmite de manera fragmentaria, entonces los lectores no podrán probar las emociones iniciales y la sorpresa. Estoy muy entusiasmado con el lanzamiento simultáneo.
Masashi Kishimoto, creador de Naruto, también dejó un mensaje:
«¡El manga de Jump ahora estará disponible al mismo tiempo en todo el mundo! ¡Ahora que es un servicio oficial, habrá mucho que leer! ¡Maravilloso!»
