¿Hace unas semanas Jorge Nicolas Ponce Gomez escribió la nota «Mangas: el fenómeno editorial que sigue creciendo en pandemia, de la mano del streaming y un nuevo público» para la página web del Grupo RPP. En ella reflexiona sobre el crecimiento en el mercado y la venta de mangas en el Perú. Algunas de las razones que encuentra son el acceso al capital que tienen los jóvenes y la posibilidad de permanecer mayor tiempo en casa debido a la pandemia.
Para la redacción de la nota, fui contactada por Nicolás Ponce, quien me dio permiso para compartir la totalidad de la entrevista.
Nicolás Ponce: ¿Cuáles crees que son los intereses de las nuevas generaciones de lectores de manga?
Alexandra Arana Blas: Yo diría que los consumidores de anime y manga siempre han consumido géneros variados. Por ejemplo, desde que se introdujo el anime en señal abierta o en el Club Sugoi, la gente veía tanto anime shōnen (Dragon Ball, Los Caballeros del Zodiaco, Cobra), como spokon (Super Campeones), mecha (Evangelion), sentai (Ultra Siete), shōjo (Lady Oscar, Candy) o mahō shōjo (Sailor Moon, Sakura Card Captor). Pero ahora, gracias al acceso a una gran variedad de mangas en librerías y por Internet, y a la gran variedad de animes que se estrenan al año, el consumidor tiene mucho para elegir y especializarse. Por ejemplo, géneros que están creciendo y que se están consumiendo más a nivel global como el yuri, tienen una gran oferta de mangas. Incluso, si algún título japonés no satisface a los fans, ahora es posible ir a otras alternativas, como los manhuas (manga chino), manhwas (manga coreano), los OEL manga (original English-language manga) y hasta los mangas hechos en Latinoamérica.
Percibo que en mi generación, la mayoría de personas siguen consumiendo indistintamente tanto anime y manga shōnen (My Hero Academia, Jujutsu Kaisen, Shingeki no Kyojin) como shōjo (Sailor Moon Crystal, Kageki Shōjo).
Percibo que en mi generación, la mayoría de personas siguen consumiendo indistintamente tanto anime y manga shōnen (My Hero Academia, Jujutsu Kaisen, Shingeki no Kyojin) como shōjo (Sailor Moon Crystal, Kageki Shōjo).
En general, el mayor acceso a mangas por Internet y la importación de mangas al Perú permite al lector conocer nuevos títulos y explorar nuevos géneros. Asimismo, esto permitió el surgimiento de un movimiento en las universidades y otros espacios de debate, como los foros, grupos de Facebook, las redes sociales y la revista Sugoi, donde cada vez más personas se animan a estudiar la cultura japonesa a través de sus animes y mangas, y se especializan en sus géneros.
Finalmente, sobre el consumo de manga, diría que, si bien ya era algo que muchos hacíamos por Internet, con el acceso al capital, los más jóvenes ahora tenemos el interés en comprar los mangas originales. Esto porque sabemos que no solo beneficia a los mangakas, sino también dinamiza el mercado editorial y permitiría ver a Latinoamérica como un espacio de intercambio comercial con Japón, lo que a su vez nos permitiría acceder a más traducciones de manga en castellano y la importación de merchandising de anime y manga.
Una de los eventos que quizás catapultó recientemente la venta de manga en el Perú fue la pandemia, la cual brindó a algunos jóvenes con acceso al tiempo de ocio y capital, la oportunidad de consumir mangas. Asimismo, la aparición durante esta época de grupos como el Grupo de Investigación y difusión de Cultura Popular Asiática – Proyecto Sugoi (conformado el 2020 por Talía Vidal, Elizabeth Peláez, Alessandra Gamarra y yo) permitió la difusión y promoción de librerías y mangas.
Nicolás Ponce: ¿Qué les ofrece el manga que no les ofrece otro tipo de historietas o géneros literarios o audiovisuales?
Alexandra Arana Blas: Creo que, en la época de la globalización y el Internet, es imposible hablar del consumo de solo un tipo de producto. En mi experiencia y conversando con amigos, todos hasta cierto punto hemos consumido historietas, literatura, videojuegos, cine, anime, manga, entre otros. Pero -y nuevamente enfatizo en lo personal- el manga tiene una estética y un tratamiento de ciertos temas que apelan en mí y quizás en más personas de mi generación.
Así, por ejemplo, temas como el cuerpo, la sexualidad, la homosexualidad, el lesbianismo, la androginia, la asexualidad y la transexualidad fueron tocadas abiertamente en el anime y manga antes que en los productos pop Occidentales.
Asimismo, hay productos, como Shingeki no Kyojin, que transmiten el trauma que atravesó Japón después de la Segunda Guerra Mundial. Así, el anime y el manga a veces reflejan las heridas de la guerra y la inestabilidad social, problemas que el Perú no ha resuelto tras la guerra interna durante los años 80 y 90.
Entonces, diría que, a través de estos productos, los jóvenes de mi generación -nacidos a partir de los años 90- reflexionamos sobre la crisis social, económica y de identidad por la que atravesó el Perú durante y después del conflicto armado interno.
Además, existe la posibilidad de que el público latinoamericano, acostumbrado a las telenovelas, sienta afinidad hacia las historias que se presentan en los mangas porque en ambos vemos narrativas melodramáticas, donde el héroe atraviesa por peripecias -a veces repetitivas- y múltiples caídas hasta lograr el triunfo.
Nicolás Ponce: ¿Qué mangas dentro del yaoi o yuri crees que representan mejor las preferencias actuales del lector peruano?
Alexandra Arana Blas: Hablar de yaoi y yuri en el Perú es hablar de un mercado de nicho, pero no se puede dudar que el primero tiene más fuerza tanto a nivel de consumo como de producción local. Algunos títulos preferidos por los fans de ambos géneros son Given, Banana Fish, Citrus, My Lesbian Experience with Loneliness o Bloom into You. De hecho, recuerdo que alrededor del 2007, algunas librerías como Zeta Bookstore ya vendían mangas yaoi como Gravitation, pero ha tenido que pasar mucho tiempo para ver en mercados locales mangas yuri. Y es que el consumo del yaoi es favorecido por varias lectoras porque es la primera forma en la que se acercan a la sexualidad y el deseo.
El rechazo del yuri por parte de consumidoras de manga se dio por dos motivos. Por un lado, por la sexualización del cuerpo femenino y la reducción del deseo entre mujeres como algo pornográfico. Por otro lado, porque algunas lectoras consideran que es un género que no presenta «acción», es decir, se muestra la relación entre mujeres como asexual y la narrativa solo se centra en el desarrollo de la pareja. Sin embargo, con la popularización y expansión del género, este se ha difundido cada vez más y muestra una diversidad narrativa: desde la amistad entre mujeres, hasta el amor platónico y el deseo carnal.
Incluso, mangas como Urusekai Picnic demuestran que el yuri no tiene que ser solo un género romántico ni slice of life (recuentos cotidianos), sino también puede entrar en otras categorías como la ciencia ficción.
Finalmente, para entender las preferencias actuales del lector peruano alrededor del yaoi y el yuri, creo que debemos tomar en cuenta las obras creadas por grupos como Estudio Kampai, Producciones KATSU, Michi Michi y Mint Holic. Además, debemos tomar en cuenta títulos recientes creados por autoras peruanas, como Acuerdos Matrimoniales de EClover, Nuestro último amanecer de Merulandia, y En este lado del río de Puridraws o Purishira.
¡Ah, Italia! El país del buen comer. Un lugar lleno de arte e historia. Habitado por gente piadosa… y un poco mafiosa 😱. ¡Pero no teman! Porque tenemos héroes (?) que nos cubrirán las espaldas. ¿Quiénes son y por qué decidieron tomar el camino de la justicia? El día de hoy presentaremos las aventuras de Giorno Giovanna en JoJo’s Bizarre Adventure: Vento Aureo, libro llega a ustedes gracias a Ibero Librerías.
Sobre «Gang-stars» y antihéroes:
JoJo’s Bizarre Adventure: Vento Aureo nos presenta la historia de Haruno Shiobana, mejor conocido como Giorno Giovanna, hijo de Dio Brando, el antagonista de Phantom Blood y Stardust Crusaders. Giorno crecerá en un ambiente hostil, donde será abandonado por su madre, quien prefiere una vida hedonista, y es maltratado por su padrastro. Esto provocará en él una gran herida y un profundo sentimiento de soledad, lo cual será aprovechado por otros niños que abusarán de él.
Pero un día su suerte cambiará, luego de salvar de la mafia a un hombre que encontró ensangrentado junto a una pared de piedra. Después de un tiempo se reencontrará con el señor, quien le agradece y, a cambio, protege al niño en secreto. Este genuino respeto por parte de un criminal ayudó a Giorno a confiar en sí mismo y en las personas que lo rodean.
Vento Aureo nos presenta, entonces, una historia de antihéroes, donde los mafiosos son capaces de manera descarnada la violencia, pero a la vez poseen un gran sentido de humanidad. Y son exactamente esos matices y contradicciones en el ser humano lo que Hirohiko Araki quiso retratar en su manga.
Nuevos stands, nuevas peleas:
Giorno Giovanna es un joven aspirante a gángster que, si bien es servicial en su escuela, suele realizar robos a turistas en el aeropuerto. Asimismo, es un personaje que de hacer uso de la fuerza y la violencia, solo la utiliza para defenderse. Ello se ve reflejado en su stand, Gold Experience, el cual tiene la habilidad de dar vida a los objetos inanimados, y acelerar el sentido y la percepción de las personas.
Y así como tenemos a un joven antihéroe que, pese a todo, tiene un corazón de oro, nos encontraremos con otro joven que, pese a formar parte de la mafia, duda de ella. Pero esto no le restará crueldad en sus acciones.
Uno de los mayores ejemplos de violencia y sentido de la justicia que vemos en el primer volumen lo encontramos en Bruno Bucciarati, miembro de la pandilla Passione. El manga nos lo presenta como un personaje capaz de descuartizar y utilizar los miembros de sus víctimas para torturar a los demás. Sin embargo, él tampoco está convencido de que las acciones y negocios que realiza Passione son las correctas, como la venta de drogas a menores de edad.
Por lo tanto, Bucciarati es un personaje capaz de sentir compasión ante el abuso, e incluso frente a su rival se detiene para cuestionar al líder de la mafia. Con ello, se demuestra que una persona a veces opta por “el mal” por las circunstancias, pero eso no lo hace intrínsecamente malo. Así, Bucciarati decide aliarse con Giorno para poder derrocar al capo di tutti capi de Passione.
Entonces, estamos en un mundo que distingue entre antihéroes y enemigos, donde la principal diferencia será la capacidad de autocontrol y mesura por parte de los primeros.
Algunos ejemplos de enemigos entregados al exceso y las pasiones son Luca, el del ojo lloroso y Polpo. El primero es uno de los integrantes de Passione, quien le cobra cupo a Giorno por “trabajar” en el aeropuerto. El segundo es subjefe de la organización, y tiene por labor reclutar a nuevos miembros. Polpo se caracteriza por su gordura, así como su gusto por la comida, la bebida y el lujo. Su gordura es signo de exceso y su stand, Black Sabbath,es fiel reflejo de ello: cuando ataca, lo hace indiscriminadamente, sin importarle si la persona involucrada es el blanco correcto o no.
Finalmente, el Epílogo será una sección vital para entender este arco, ya que mostrará al lector las limitaciones, el proceso creativo y las tribulaciones por las que atravesó el autor durante la creación:
¿Me han impuesto una pared, un límite a mi libertad de expresión? ¿Ya no podré desarrollar mis capacidades artísticas en mis mangas? ¿La autoridad y la búsqueda del beneficio están extinguiendo el arte? A día de hoy aún sigo sin tener una respuesta clara. De una manera más tranquila, mis sentimientos y emociones de aquel entonces han quedado plasmadas en los protagonistas y sus actos
Epílogo, Hirohiko Araki
Vento Aureo se trata de una obra que reflexiona mucho sobre la autocensura y cómo el arte –especialmente aquel publicado por grandes compañías y editoriales– puede encontrar otros canales para expresarse. Se trata de un “tira y afloja” donde la resiliencia del autor puede lograr que el último llegue a nuevas formas de expresión con el objetivo de sortear la censura.
El manga logrará ello a la perfección. Sus antihéroes no caen en el estereotipo del gángster sádico y violento; por el contrario, son personas con pulsiones y matices. Giorno y Bucciarati tienen un gran sentido de la justicia que los lleva a traicionar a Passione, organización que simboliza la autoridad y las normas que deben seguir los sujetos. Sin embargo, el protagonista de manera voluntaria entra a dicha institución y obedece sus normas, para luego subvertirlas y generar un cambio desde adentro.
Conclusiones:
Por lo tanto, JoJo’s Bizarre Adventure: Vento Aureo nos presenta una narrativa que defiende la ficción como lugar de exploración, donde pese a las limitaciones que atravesó el autor, logró plasmar, muy a su estilo, “la profunda tristeza del ser humano, la tristeza de haber nacido en este mundo” (Epílogo, Hirohiko Araki).
Estamos frente a una obra donde, en contra del sentido común, es el “mal” el que enderezó el corazón del protagonista y lo hizo “mejor”. De esta manera, la narrativa sigue cumpliendo una de las funciones que Jonathan Culler adjudicó a la literatura en Breve introducción a la teoría literaria: esta ayuda al ser humano a mejorar y empatizar con otras realidades.
https://www.youtube.com/watch?v=OchozLuSHM0
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Hernández Cardona, Francesc Xavier. 2000. “Corto Maltés. Una opción en el campo de los valores”. Iber: Didáctica de las ciencias sociales, geografía e historia. Número 25, pp. 83-90. Consulta: 25 de abril de 2021. https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=183935
¿Te gustó Vento Aureo, la imagen del antihéroe y las representaciones más alá del bien y el mal? Te recomendamos algunas obras:
Han pasado dos años desde nuestro último análisis de personajes de Love Live!. La franquicia ha seguido alimentando a sus fans y hemos tenido películas, tres nuevas series (Love Live! Sunshine!!, Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai y Love Live! Superstar!!) y hasta la proyección del concierto en cines locales.
Love Live! es una franquicia que ha seguido creciendo, y antes del estreno de la nueva generación en julio, Proyecto Sugoi retomará el análisis de las integrantes de μ’s y para nada lo hacemos por pura nostalgia, cofcof.
Hemos analizado a las chicasde segundoaño, y hemos visto que uno de los problemas que nos presenta Love Live! es el de la confrontación entre lamodernidad y la tradición. Las chicas de segundo año representan la posibilidad de una convivencia entre ambos, lo cual no evita que pasen por ciertas dudas, inseguridades y tribulaciones con respecto al futuro: ¿qué será de su ciudad y su escuela, las cuales aman y representan un vínculo con las pasadas generaciones (sus madres y abuelas)?
Y desde las chicas de primer año, ¿cómo perciben esta tensión entre el pasado y el presente? ¿Acaso vemos una resignación frente a la realidad? Para responder estas dudas, continuaremos con el análisis de las integrantes de μ’s, en concreto, con las chicas de primer año. El día de hoy veremos a Rin Hoshizora.
Rin Hoshizora: características
Atlética, activa, con mucha energía y gran coraje, pero muy floja para los estudios. Es amiga de infancia de Hanayo Koizumi, y tiene algunos puntos en común con Honoka, por lo que será nombrada como la segunda al mando en el grupo. Incluso llega a reemplazarla como líder cuando, en el quinto episodio de la segunda temporada (“A New Me”), las chicas de segundo año se van de viaje.
Este capítulo no solamente explora el conflicto que genera en Rin llevar una responsabilidad muy grande como la de ser la líder suplente de μ’s -¡y gran tarea!, pues Honoka tiene una personalidad que integra a las chicas y le da la valentía para asumir la colosal tarea de salvar a su colegio-. También se reconoce la fuente de la inseguridad de Rin. Pero antes de explayarnos en el tema, veamos cuáles canciones representan a Rin y cómo las letras reflejan su personalidad.
Rin como protagonista en «A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Una música sobre la sinceridad y el optimismo
Algunas canciones de μ’s que tienen a Rin como centro son “Yuujou No Change”, “Love wing bell” y “Hello, Hoshi o Kazoete”. Asimismo, compartirá este con Hanayo en “Arashi no Naka no Koi dakara”. Como parte de la sub-unidad lily white, será centro en canciones como “Kimi no Kuse ni!”, “Onaji Hoshi ga Mitai” y “Shunjou Romantic”. Finalmente, tiene un dúo con Honoka, con quien canta “Mermaid festa vol.2 ~Passionate~”,y sus solos son “Kururin MIRACLE” y “Koi no Signal Rin rin rin!”.
Rin es el centro en la primera canción con temática amorosa en la franquicia de Love Live!. En “Yuujo No Change” (1) muestra optimismo frente a ese sentimiento tan nuevo que es el amor. La novedad de este sentir inevitablemente puede generar temor y cierto dolor, pero la “voz poética” (2) rescata el hecho de jamás darse por vencido ni paralizarse frente a los sentimientos.
I understand you’re falling in love I understand that it’s something wonderful so I hope no matter what you definitely won’t let it go
You’ll understand after losing it I understand it’s precious but Another chance will come swooping down evenly
«Yuujo No Change», μ’s
Este atisbo de personalidad decidida y enérgica podemos confirmarla en “Koi no Signal Rin rin rin!”. En esta canción descubre el amor. Y si bien no lo acepta con facilidad, prefiere ser honesta con sus sentimientos. Se sonroja con facilidad y da pequeños signos de atracción hacia el ser amado, y no se rinde aunque esta persona todavía no se da por enterado de lo que siente Rin.
Please let my ability to find mysterious awaken I want to feel excited every day But not because of you…you’ve got it all wrong! I’m in a strange mood, it feels like all excuses […]
I wanna make sure, ren-ren-rendezvous It’s so fun…isn’t this love? In my heart, a colorful ren-ren-rendezvous My reddening cheeks are too honest! […]
Here’s my small signal, rin-rin-ring a bell You pretended to not hear, but I kept on ringing Give me your answer, please!
«Koi no Signal Rin rin rin!», μ’s
«Love wing bell»: sobre la aceptación y la transformación
Por otro lado, “Love wing bell” y “Kururin MIRACLE” nos presentan la otra cara de la moneda de Rin. Se trata de un personaje que, pese a su optimismo y honestidad, tiene poca confianza en sí misma y no le gusta su apariencia. Sin embargo es gracias a sus amigas, quienes la acompañan en el camino y no la juzgan, que aprende a aceptarse a sí misma y explorar facetas de sí misma que reprimió.
«Love wing bell» es el insert song del capítulo «A new me”, en el cual las chicas de μ’s son invitadas a un evento donde Honoka desfilaría con un vestido de novia acompañada por las otras chicas del grupo, quienes estarían vestidas con un terno. Sin embargo, Honoka, Kotori y Umi deben cancelar su participación porque se irán de viaje de promoción a Okinawa. Es así como Honoka decide nombrar a Rin como segunda líder, cosa que no sería problema para ella de no ser porque, como líder y centro de la canción que van a presentar en dicho evento, debe usar un vestido.
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
«A new me» (Love Live!, Sunrise 2014)
Es en este momento donde descubrimos la mayor inseguridad de Rin: no le gusta usar faldas porque de pequeña otros niños la molestaban por su aspecto poco “femenino”. Esta experiencia, sumada con el prejuicio de que las mujeres deben desarrollar por igual pechos y cadera, con lo cual se ignora la diversidad corporal, habría creado en el personaje un complejo que la lleva a rechazar su propio cuerpo. Rin considerará, entonces, que «no es linda ni femenina».
Pero este episodio será especial para el crecimiento de Rin, pues logra reconciliarse consigo misma, y acepta su cuerpo y sus características físicas. “Love wing bell” es signo de ello. Como dijo Iida Riho, seiyuu de Rin:
It’s a record of Rin-chan’s maturing…♡
Riho Iida, “μ’s Go→Go! LoveLive! 2015 ~Dream Sensation!~”
La letra de la canción expresa el asombro de Rin por descubrir que ella también puede ser linda y femenina como las demás chicas (3). Asimismo, la «voz poética» se asombra al descubrir que habían en su interior muchas cosas en potencia. Y será gracias a la confianza que le brindan sus amigas que será capaz de explorar ello y, por fin, “transformarse” y “renacer”. Se trata, entonces, de una canción de amor, pero, sobre todo, una que implica amarse y aceptarse a uno mismo.
This road we walk down, beckoned by the light, Continues on to the future, brimming with hope.
Anyone can become cute? Yes, I know it’s possible! Even someone like me… Transform!
So, I’ll give this to you. Cheer up! With our smiles just the way they are, Let’s sing, let’s sing! I’ll give this to you. Cheer up! Let’s stop worrying and look to our dreams. If I’m with all of you, my beloved friends, new things are within my reach. Let’s be reborn! From here, your world will grow even more. Come on, I can see tomorrow! Love wing… love wing… […]
Yes, that’s right, every girl will have her day to be a princess. So happy, so happy, it’s just like magic. Surprise brings forth the pulse of a dream. Love is an important thing; it lets you do some wonderful things. Let’s be reborn. Let’s go look for the next stage. Now, what kind of ‘me’ shall I be tomorrow? Love bell… love bell…
«Love wing bell», μ’s
Por otro lado, “Kururin MIRACLE” explora la resolución de la crisis de Rin frente a su cuerpo y, quizás, una armonización en la performance de género (4). La canción muestra una «voz» alegre, enérgica, llena de optimismo y que se ha aceptado a sí misma, lo cual le permite explorar un lado que no pudo por temor:
I want to dance as my brand new self Twirl-twirl, whenever I twirl around and take a jump The sight of my fluttering skirt makes me so happy That I just have to twirl around again
I can be true to myself now, so Twirl-twirl! I’ll twirl around and chase after my goal To all of you, who gave me this bit of courage I want to say I love you!
There’s still a lot more to go If I run down the path to girlhood from the starting point It might be there, waiting for me… Love’s signal! […] I want to become cute — That’s one of my dreams!
«Kururin MIRACLE», μ’s
En el caso de Rin, se trata de una entrada a la adolescencia donde se da una aceptación del cuerpo y de la feminidad -que, nuevamente, ella misma temía explorar por haber sido objeto de bullying en su infancia-. Este inicio de la adolescencia y exploración del género se puede apreciar en el uso repetido de la palabra «girlhood» o «joshi» (女子) en la letra original, donde joshi suele hacer referencia a la etapa liminal, entre la niñez y la adultez (5).
Personajes femeninos, performances… ¿femeninas?
Finalmente, el arco de desarrollo de Rin trae a la luz otro tema importante en Love Live!: el género. Sabemos que Love Live! se caracteriza por tener en cada una de sus temporadas y generaciones de school idols un cast enteramente femenino. Esto nos invita a pensar en las diversas performances de género y en las dinámicas que se dan en los espacios homosociales femeninos.
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
Las cuatro generaciones de «Love Live!». Todas historias que presentan un mundo homosocial femenino
A través de Rin -y más adelante, con personajes como You Watanabe de Love Live! Sunshine!!– el anime parecería apostar por una «fluctuación del género», ya que Rin abraza su lado más «femenino», lo cual permite que confluyan en ella elementos “femeninos” y “masculinos”. En otras palabras, uno no excluye al otro (6).
Para cerrar, podríamos tener dos lecturas con respecto al arco de Rin, y al tema del cuerpo y género en Love Live!. Por un lado, el anime podría enseñar al público que en la infancia una chica puede tener actitudes poco femeninas, pero que a medida crece, es normal abandonar esas actitudes y adoptar la feminidad. Para algunos esto podría hacer que el anime sea concesivo y que siga la norma social, ya que uno de los personajes logra convertirse en una «chica femenina», apoyando la idea de que lo «femenino» es deseable para las mujeres. Por otro lado, quizás como una lectura más esperanzadora y transgresora, es que Love Live! propone una aceptación del cuerpo, donde confluyen lo “masculino” y lo “femenino”. Y la armonización de ambos no solo permiten el crecimiento del sujeto, sino que es un paso necesario para alcanzar la verdadera madurez.
En conclusión…
Rin Hoshizora es un personaje lleno de energía y optimismo, cuyo crecimiento se da gracias a la aceptación de sí misma. Ello le permitirá explorar otras facetas y, en el proceso, madurar. Así como Umidaba luces sobre el problema de la tradición y la modernidad en Love Live!, Rin coloca en primer plano el tema de la representación del género y su diversidad.
Con ella se da un rescate de la «feminidad», donde esta no tiene por qué ser intrínsecamente negativa. Todo depende de qué valores se le asignan y cómo se reformula.
We must protect her smile :’) (Love Live!The School Idol Movie, Sunrise 2015)
Algunas recomendaciones 🎵
Algunas canciones que reflejan muy bien la energía, honestidad y crecimiento de Rin son:
(1) La primera canción de μ’s, “Bokura no LIVE Kimi to no LIFE”, trata sobre el sentimiento de alcanzar una meta junto con las personas que más quieres. Honoka, es el centro de esta canción, por lo que tiene sentido que se desprenda del tema amoroso. (2) Acortado a “voz”, se refiere al “personaje” que tanto la letra de la canción nos brinda. En Literatura suele ser peligroso relacionar la “voz poética” con el mismo poeta, pero haremos una excepción con el análisis de las canciones de Love Live!. En el caso de las canciones y las images songs, podríamos relacionar el mensaje con el personaje que lo canta. De esta forma, las canciones serían un reflejo del personaje y ayudaría a profundizar en algún aspecto de su personalidad. (3) Quizás se sienta, por fin, parecida a Hanayo, quien considera posee aquellas cualidades que a ella le faltan. (4) Es importante no confundir “sexo” con “género”. El sexo no tiene por qué encajar con los estereotipos de género que se imponen al sujeto. En el caso del anime, probablemente a Rin no le gustaba de niña las cosas “típicas” de niña, y sus actitudes y gustos coincidían con el que la sociedad designaba de los niños. Al tender hacia lo “masculino”, y con esto escaparse de la norma, la sociedad la lastimó, lo cual generó en Rin un rechazo hacia sí misma. En consecuencia, no acepta su cuerpo, no cree merece ser calificada con términos propios de la «feminidad» como «linda», ni que tampoco pueda ropa «femenina» como las faldas. (5) Semejante al término shōjo. (6) Esta exploración del «género» más allá del sexo se propone también con el personaje de Yuu Takasaki, el self-insert character de Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai. Todos los espectadores se pueden identificar con ella, pero invita especialmente al público masculino a ingresar al mundo homosocial femenino desde la mirada de otra shōjo.
Nagaike, Kazumi. 2010. «The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics. Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives». Electronic journal of contemporary japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Enamorarse, casarse y tener hijos. Ese es el camino que por años algunos han pensado que es el único. ¿Pero cómo te tratan si “te desvías” un poco? ¿Si te casas luego de determinada edad, decides separarte o explorar tu propio cuerpo y sexualidad? Kazuo Kamimura explora estas preguntas en El club del divorcio, manga que llega a nosotros gracias a Ibero Librerías.
El club del divorcio nos presenta a Yūko Sakurai, una hostess de veinticinco años, que administra un club llamado “El club del divorcio” en el barrio de Ginza. Divorciada, decidió conseguir un trabajo que le permitiese vivir a ella y a su hija sin la compensación económica de su exmarido. Y si bien el negocio puede mantenerse a flote, tendrá que sobrellevar la recesión económica por la que atraviesa Japón y también una crisis existencial y sentimental que le harán cuestionarse si es una buena madre y si desea establecer una relación con otro hombre.
Cuerpo y sociedad: la mirada de Kazuo Kamimura
La obra de Kamimura expone de forma clara el estigma social hacia el divorcio, la pobreza y el suicidio, así como la construcción social de la maternidad, el matrimonio y la sexualidad.
En primer lugar, Yūko es una mujer divorciada que en los años posteriores a la separación debe confrontar las expectativas que tenía del matrimonio con la realidad:
Casarse es como una obra de teatro. Si cada uno logra interpretar sus respectivos papeles y salir indemne, podrá ir constituyendo una forma de vivir. A medida se va interpretando un papel, se va asimilando esa personalidad como propia. La idea es que a medida que se vaya interpretando el papel de esposa, una se vea a sí misma como tal y como nada más. Solo esa clase de persona es capaz de ser una buena esposa
Yūko Sakurai
Yūko reconoce que no pudo cumplir con el rol y las expectativas que había sobre ella cuando estuvo casada. Este desencuentro entre la expectativa y la realidad no solo lo atraviesa la protagonista; vemos que también reúne en “El club del divorcio” a mujeres separadas y que, pese a vivir cierta independencia económica y vivir su cuerpo de una manera libre, se encuentran en una posición desfavorecida.
Estas hostess, si bien no viven en la pobreza, viven de forma inestable. Por ejemplo, se nos presenta el caso de una hostess que sufre un accidente de tráfico. La indemnización que recibiría sería ínfima porque su trabajo se considera al margen de la ley: si bien hay días que puede ganar una suma elevada de dinero, en estos casos juega en su contra el no tener registro de los pagos ni haber un contrato de por medio.
Las hostess de «El club del divorcio» («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Una hostess sufre un accidente automovilístico («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Asimismo, el manga nos presenta cómo es recibida la inestabilidad económica cuando esta la padecen los hombres. Vemos en el caso de Michio, exesposo de Yūko, quien es un pianista que sufrió de depresión y alcoholismo, y tras la separación solo encontró trabajo en locales de “baja categoría”. Y pese a que consigue un trabajo, al ser este como músico en un cabaret en Hokkaido, se ve con menosprecio y llega a decir que “ha perdido toda su reputación”.
¿Por qué un sistema que permite la existencia de espacios como los bares y cabarets, y trabajos como el de hostesssiente animadversión por estos? El manga nos presenta, entonces, una serie de personajes que sienten que han “fallado” en su rol y en la sociedad.
Las altas expectativas que se tiene sobre los sujetos, unido con la realidad -donde no siempre se triunfa o uno logra sentirse a gusto con los roles-, provoca un quiebre, el cual se puede expresar en el suicidio. La obra señala, por ejemplo, una gran cantidad de suicidios que se realizan por parte de estudiantes y hostess.
Todo ello lleva a Yūko a cuestionarse sobre su rol como madre, del cual siente ha fracasado. Asimismo, vemos cómo Asako, la hija de la protagonista, comienza a ser discriminada por sus compañeros y padres de familia por el divorcio de sus padres, y porque su mamá es dueña de un bar en Ginza y su padre no tiene un trabajo fijo. Entonces, el manga nos presenta el estigma social que atraviesan toda la familia tras el divorcio.
Rechazo de la hija a su madre («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
La tristeza del padre ante su fracaso y la separación de su hija («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Rechazo a Asako por parte de otros padres («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Una vida amarga: el realismo en El club del divorcio
Si bien El club del divorcio es una historia sobre un grupo de marginados, no lo presenta con sordidez. Así, estamos frente a una narrativa realista y no naturalista, que trata de presentar las penurias y preocupaciones de hombres y mujeres rechazados por la sociedad. Con ello, Kazuo Kamimura busca desmentir los prejuicios alrededor de este grupo y mostrar el abandono por el cual atraviesan. En ese sentido, busca darles rostro, profundidad y memoria a sujetos que suelen ser olvidados por la sociedad.
La actriz porno y ex-hostess, Rika Segawa («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Memoria: recordar a Rika Segawa pese a haber sido una actriz porno («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Para ello se va a apoyar en gráficas sobre el divorcio y la tasa de suicidios, y en la exposición de las infraestructuras donde viven y trabajan las hostess. De esta forma el mangaka busca darle rostro o humanidad a estas personas y quitarles los estigmas que la sociedad impuso sobre ellos.
Representación de los espacios («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Manutención luego de la separación («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Experiencia sexual antes del matrimonio («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
Bodas y divorcios al año («El club del divorcio», Kazuo Kamimura)
En conclusión…
El club del divorcio es un manga que nos muestra la vida de una hostess divorciada, quien debe vivir día a día con las penurias que trae la crisis económica y con el prejuicio de la sociedad. Kazuo Kamimura humaniza a sus personajes y nos muestra cómo todos, desde hombres y mujeres, hasta niños y estudiantes, pueden ser víctimas de una sociedad que les impone roles y normas rígidas, que no se adecúan con el tiempo.
De esta forma, por más deseos de cambio que tiene la protagonista, en una sociedad conservadora como la de los años 70, siente que jamás logrará alcanzar el ideal de liberación y felicidad para la mujer al que alguna vez aspiró la escritora e intelectual Raichō Hiratsuka (2):
Originariamente, las mujeres eran en Sol
Raichō Hiratsuka, Bluestocking
Notas
(1) El realismo es un movimiento literario donde la narrativa se caracteriza por hacer un retrato lo más detallado y objetivo posible de la realidad. Un exponente en este género es Honoré de Balzac. En paralelo surgió el naturalismo, movimiento que presentaba la realidad en su aspecto más desfavorecido, marginal y, en ocasiones, sórdido. Un ejemplo de ello lo encontramos en la novela Nana de Emile Zolá.
(2) Raichō Hiratsuka fue una escritora, periodista, activista política y anarquista japonesa. Cofundó en 1911 la revista Seitō (o Bluestocking), donde se cuestionaba el rol tradicional de la mujer en el hogar. Esta revista es considerada como el origen del movimiento feminista en Japón.
¿Hambre de más? Te recomendamos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Lunsing, Wim. 2001. Beyond Common Sense. Sexuality and Gender in Contemporary Japan. Nuevo York: Routledge.
¿Qué puede unir a animes como K-On! y Love Live! Sunshine!! (además del género musical 😅)? Detalles que pueden pasar desapercibidos, por los que a veces hay que ver una y otra vez una serie para darse cuenta (agradezcamos que hoy se pueden ver de manera digital, sino chau DVD!). El día de hoy #GISugoi te presenta: a William S. Clark y su famosa frase “Boys, be ambitious!”.
🤔 Quizás los fanáticos de K-On!! (segunda temporada) pueden recordar el capítulo 7, donde Megumi Sokabe, expresidenta del consejo de estudiantes y fundadora del club de fans de Mio, está de viaje con sus compañeros de universidad y ve una estatua de un señor señalando al horizonte. O en Love Live! Sunshine!!, en el capítulo 6 de la primera temporada, donde se puede ver escrito en el panel de la escuela la frase ya referida. ¿Qué podría significar dicha estatua y frase en las narrativas de las dos series? Primero veamos quién fue William S. Clark y por qué es importante en Japón.
🌾 William S. Clark, nació en 1826 en Massachusetts, Estados Unidos. Fue un profesor con especialidad en química, botánica y biología, y líder en educación agrícola. Participó en la Guerra de Secesión (1861-1865), y jugó un rol importante en la reforma de la Escuela de Agricultura de Massachuetts (MAC). Actor importante en la modernización de Japón, fue invitado a trabajar como consejero en 1876, en plena época donde se dejó de lado la organización feudal y se abrió paso a una serie de reformas gracias a la Restauración Meiji. Parte de sus funciones incluyó fundar la Escuela de Agricultura de Sapporo (SAC), hoy en día la universidad de Hokkaido, y sus ideas tuvieron un gran impacto científico y económico en la región. Es conocido por sus palabras de despedida a los alumnos del SAC: “Boys, be ambitious. Be ambitious not for money, not for selfish aggrandizement, not for the evanescent thing which men call fame. Be ambitious for the attainment of all that a man can be”.
🧠 ¿Por qué la figura de William S. Clark puede ser importante en K-On!! y Love Live! Sunshine!!? En primer lugar, la frase “Boys, be ambitious!” parece referirse al deseo de alcanzar el éxito como “nación” a través del esfuerzo conjunto, así como la capacidad de modernización y adaptación. Es una invitación a llevar al máximo el esfuerzo con el objetivo de lograr la plenitud misma del ser humano, y no por cosas pasajeras como la fama o el dinero. Asimismo, implícitamente está una invocación a un esfuerzo conjunto al referirse a dejar de lado el “engrandecimiento egoísta” 🏆
K-On!! capítulo 7. Se puede apreciar la estatua de William S. Clark.
🎸 Entonces, en K-On! podemos apreciar la unión entre las integrantes de Ho-kago Tea Time, así como el apoyo mutuo entre las protagonistas para que todas puedan desarrollarse de manera satisfactoria en la escuela y en la banda. Pero esta colaboración no queda solo entre los miembros de la banda: resulta claro que tanto sus profesores, amigas de otras bandas, alumnas de la escuela y el mismo club de fans juegan un rol importante en el desarrollo de las chicas. Se trata, finalmente, de un grupo con personalidades diversas que encuentra como punto de unión su pasión por la música, y eso las lleva a mantenerse unidas 🎤
Love Live! Sunshine!! capítulo 6. En el panel, en la esquina superior derecha, se puede apreciar una reformulación del motto original: «Girls, Be ambitious!».
☀️ Por otro lado, en Love Live! Sunshine!! vemos un principio parecido: las nueve integrantes de Aqours son chicas con diferente personalidad, pero las une la pasión por las idols y el deseo por salvar su escuela. La trama del capítulo y la frase tendrán mucha relación entre sí. En este, las protagonistas desean promocionar en un video promocional los principales atractivos del pueblo, y para lograrlo necesitarán del apoyo de las personas de su escuela y su pueblo. Es en este momento cuando se puede apreciar el vínculo con la frase de William S. Clark: el éxito y el desarrollo se logran por la perseverancia de uno, el apoyo entre los integrantes del grupo y, sobre todo, de quienes están alrededor 🌈
✔️ Por lo tanto, el principio del “Boys, be ambitious!” se puede ver en ambas series a través de la importancia de la unión, pasión y perseverancia para lograr el éxito. Asimismo, resalta el rol que juegan todos los integrantes de una comunidad para el triunfo de un grupo o, incluso, de una persona.
¿Y tú lector de Sugoi, pudiste encontrar otros vínculos o intertextualidades en otros animes y mangas?
Los días de escuela, y hay cosas que no cambian: el trato hacia los “marginados”. Pero así como hemos visto en algunas películas estadounidenses para adolescentes, donde de pronto los chancones tienen un improvement, de igual manera vemos en la película china Our Shining Days que son los otakus quienes salvan el día.
Our Shining Days (闪光少女), película china dirigida por Wang Ren y estrenada el 2017, presenta a Jing Chen, una joven de segundo año que estudia en la Academia de Música Zhongxia. Esta se divide en dos áreas: el de música folklórica china y el de música “clásica” ¾occidental¾, donde sus estudiantes compiten y se menosprecian entre sí.
En este contexto, Jing Chen, quien es experta en yangqin¾instrumento de cuerda emparentado con el guzheng, el koto japonés o incluso con el piano¾, se enamora de Wen Wang, joven
promesa del piano que se encuentra
en el último año de escuela y está próximo a realizar sus estudios
universitarios en el extranjero. Por ello, la protagonista decide declararle su
amor. Sin embargo, será rechazada no
solo porque Wen Wang no la conoce, sino también la menosprecia por tocar un instrumento
“no prestigioso”.
Y para sumarle mayor drama a su historia, su especialidad
corre el riesgo de cerrar porque el director no considera que esta sea
atractiva, importante ni fructífera a diferencia de los estudios de música
“clásica”. Por ello formará con su mejor amigo, You Li, y cuatro jóvenes marginalescofcofotakuscofcof
una banda musical llamada “Dimensión 2.5”,
la cual les permitirá demostrar a maestros, padres y compañeros que la música folklórica china no es motivo de
vergüenza ni está próxima a desaparecer.
De esta forma, Our
Shining Days llama la atención por la aproximación que tiene sobre el pasado y la tradición, la cultura de fans y la cultura otaku, y la capacidad que tiene
este grupo de tomar una acción política
y reactualizar el pasado.
Los “marginados”: los otakus y los estudiantes de música tradicional
Our Shining Days presenta a los estudiantes de música tradicional como alumnos marginados dentro de la estructura social de la Academia de Música Zhongxia. No reciben el apoyo de los profesores del colegio y son percibidos como una carga, a diferencia de los alumnos de la especialidad de música “clásica”, a quienes se les otorgan la mayor cantidad del presupuesto y se les brindan espacios donde pueden presentarse como ensamble. Esta inequidad del trato por parte de las autoridades refuerza la diferencia entre ambas especialidades y alienta a los alumnos de música “clásica” a sentirse superiores a sus compañeros.
Sin embargo, dentro de este grupo hay uno aún más marginalizado: las chicas del dormitorio 502, quienes se dice están obsesionadas con la “segunda dimensión”. Estas otakus aman los animes, mangas y videojuegos, y pese a ser etiquetadas como las “raras” de la escuela, Jing Chen tendrá que recurrir a ellas si desea crear una banda de música folklórica que llame la atención de Wen Wang.
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De esta forma, la protagonista les ofrece a Xiao Mai, Ying Zi, Beibei y Tata ¾especialistas en guzheng, erhu, ruan y pipa respectivamente¾ comprarles muñecos originales de anime por cada semana que entrenen y pagarles por un año el servicio de Internet. Así nace el ensamble Dimensión 2.5, en el cual las chicas del dormitorio 502 representan la segunda dimensión ¾por sus gustos, “su estilización y belleza”, en palabras de una¾ y Jing Chen y You Li representan el mundo real.
Vemos, entonces, dos grupos que son marginalizados en la sociedad: los estudiantes de música tradicional ¾quienes por parte de los profesores y el alumnado se cree que no representan lo “moderno”, van en contra del “progreso”, tienen un conocimiento “obsoleto” y quedarán en la pobreza¾ y las jóvenes otaku ¾a quienes sus amigos conciben como “infantiles” y sus familiares consideran como “extravagantes” y no productivos¾ (1).
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Este discurso de la música folklórica como algo destinado al fracaso incluso ha sido asimilado por los mismos estudiantes, especialmente por la protagonista, quien criticará a sus compañeras:
“¿Cuál es la gloria de hacer algo que está destinado al fracaso? Admite que lo haces por tu propia gratificación” (Jing Chen, Our Shining Days).
Jing Chen ha internalizado el discurso de que la música tradicional está destinada al fracaso, y ella abandona la música folklórica cuando Wen Wang la rechaza por segunda vez y porque cree que dicho camino le es una carga; algo que le fue impuesto por su familia.
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El rechazo hacia los estudiantes de la especialidad de música folklórica y hacia los otakus encuentra un paralelo con la creencia de que los fans son inadaptados sociales.
Matt Hills en la introducción de su libro Fan Cultures, cita a Jenkins, quienseñala que los fans suelen ser objeto de burla y sobre ellos se proyectan diversas ansiedades sociales. Asimismo, Federico Álvarez Gandolfi nos señala que la sociedad suele imponer diversos mecanismos que permiten la patologización del fan, en el cual se construye al sujeto como “vago”, “inútil”, “enfermo”, “solitario” u “obsesionado”.
Pero veremos, gracias a la teoría de fans, cómo la película deconstruye esta imagen y nos propone que los otakus pueden ser un grupo creativo, capaz de reactualizar el pasado y hacer que la gente retome atención en este. La búsqueda del fan joven no se basa en la nostalgia ¾en el regreso de un pasado que solo provoca la petrificación¾, sino en el respeto por el pasado y en el mensaje que buscaba transmitir, y tratar de adaptarlo a los nuevos tiempos.
De consumidores a productores: la teoría de fans
“Ser débil y pequeño está bien porque tenemos amigos” (Our Shining Days)
Por años, se ha señalado al fan como infantil, un consumidor pasivo que está inserto en las normas de mercado. Sin embargo, Matt Hills resalta que el fan, al igual que el niño, tiene una capacidad lúdica que le permite transformar los objetos y productos culturales, y usarlos de manera creativa. Asimismo, resalta que el fan también puede tener el rol de un productor.
Este proceso refleja que el fan tiene una capacidad auto reflexiva, la cual le permite entender las razones de su gusto o fijación por un producto, sistematizarlo y crear algo nuevo. Finalmente, Hills señalará que este proceso de producción implica por parte del fan una mezcla de entusiasmo y pasión que será transmitida al espectador.
En primer lugar, esta imagen del fan-productor lo podemos ver en la película en personajes como Xiao Mai, quien es conocida en Internet como “El señor de los mil dedos” y es una conocida intérprete de música ancestral. Ella recibirá el apoyo de Ying Zi, Beibei y Tata, quienes son expertas en historia, literatura, textos antiguos y en instrumentos folklóricos chinos.
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Ellas demuestran que la mujer ocupa en el fandom un lugar importante, y muchas de ellas suelen ser consumidoras y productoras. Robin Brenner, por ejemplo, en su artículo “Teen Literature and Fan Culture” rompe con el mito de un fandom mayormente masculino, y señala que los productos realizados por fans mujeres suelen cuestionar la norma.
De esta forma, la música ancestral que producen Xiao Mai y compañía cuestionan la petrificación ¾imposibilidad de renovación y cambio¾ de la música folklórica, y a partir de un profundo conocimiento de la música de antaño, ellas performan un género que respeta la tradición e inserta algunos elementos de la modernidad (2), como guitarras eléctricas o un espectáculo visual.
En segundo lugar, este entusiasmo y energía serán transmitidas al espectador en un momento clave de la película: la convención de ACGD ¾anime, cómics, juegos/games y donghua¾. Este espacio es vital no solo porque en él logran acercar la música ancestral a otros fans gracias a un elemento que apela a ellos: el cosplay (3). También conviven en este la modernidad y la tradición.
El show principal presenta a un grupo idol y al ensamble “Dimensión 2.5”. La primera se vincula a la cultura idol,género que proviene de Japón y que a su vez bebe de otros estilos occidentales. Este género se vincula a la modernidad y la tradición no solo porque nace por un proceso de globalización (4), sino también porque la concepción de sus cantantes se puede vincular a la construcción del cuerpo y las deidades en Japón. Por otro lado, la segunda banda performa música ancestral, la cual ya hemos visto, une elementos de la música folklórica china con otros más modernos, como la ropa en el caso de la convención o instrumentos y tecnologías contemporáneas, como se podrá apreciar en la última presentación, casi al final de la película.
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Entonces, tanto el espacio de la convención, el cual une modernidad y tradición, como la referencia a la cultura idol no deben pasar desapercibidos.
Asimismo, tampoco debe pasar desapercibido cómo la película propone que tanto la convención de ACGD, donde se presentó el grupo Dimensión 2.5, como el auditorio donde se presentó Wen Wang son espacios culturales válidos. Pese a que el primero sea menospreciado bajo la etiqueta de “cultura popular” o “baja cultura” y el otro como “alta cultura”, ambos deben ser reconocidos como espacios válidos para la difusión cultural. Lo interesante es que la película propone que la convención de ACGD es un espacio “alternativo” dentro del circuito musical, donde se revaloriza el pasado y la tradición. Esto se puede apreciar luego del concierto, cuando los asistentes le preguntan a Jing Chen qué instrumento tocó porque desean aprenderlo.
Dicha presentación no solo repercutirá en los espectadores del evento. Gracias a la tecnología ¾es decir, celulares, grabación e Internet¾ la presentación llegará a los ojos de la escuela, donde se sembrará una esperanza de cambio en los alumnos de la especialidad de música folklórica.
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Música ancestral: esperanza utópica y comunidad otaku
“Amamos el folklore, amamos la segunda dimensión. Amamos la música ancestral” (Xiao Mai, Our Shining Days)
Esta esperanza de cambio que se da a través de la cultura popular tiene un correlato con el concepto de “esperanza utópica”. En el libro Turning Pages de Sarah Frederick, la autora cita el concepto de Rita Felski para referirse al potencial que tiene la literatura melodramática para generar una esperanza de cambio social en el lector.
En este caso, podemos realizar una extrapolación, ya que las integrantes del grupo Dimensión 2.5 son okatus. Es decir, ellas consumen anime, manga y videojuegos, todos ellos productos de la cultura popular, en cuya categoría también entra la literatura melodramática, pues en su momento fue considerada parte de una “cultura de masas”. De esta forma, podemos intuir que el potencial que Felski identifica en la literatura melodramática también lo podríamos encontrar en algunos productos de la cultura otaku.
Por lo tanto, no es gratuito que la película nos muestre diferentes referencias al anime: los pósters en el dormitorio 502, el centro de convenciones de ACGD y las figuras que Jing Chen debe comprarles a las chicas ¾entre los cuales reconocemos a Kotori Minami de Love Live!, personajes de Kuroshitsuji, Kancolle y Touken-Ranbu¾.
Pero entre todas las referencias al anime, hay una que llama la atención: la recurrencia a Love Live! y la cultura idol. Entonces, será necesario entender esta película en una relación intertextual con dicha franquicia.
Al menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenesAl menos podemos encontrar una referencia a Love Live! en cada una de estas imágenes
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La historia de Love Live! nos presenta personajes que, gracias a la pasión y amor que sienten hacia los espacios que frecuentan y que las conectan con sus madres, su familia y su pasado, logran evitar que su escuela cierre.
De igual manera, Jing Chen recuperará la pasión que sentía hacia el yangqin y utilizará ese amor que siente hacia la música folklórica para salvar a su especialidad. Es así como vemos que la pasión de la protagonista hacia la música tradicional china es semejante al concepto que propone Hills sobre el fan. Se trata de un sujeto que, luego de descubrir su pasión, pasa por una experiencia autotransformativa y sigue este camino de manera voluntaria.
Este camino le permitirá a Jing Chen y sus amigos cuestionar la supuesta superioridad de la cultura occidental sobre la local:
“¿Sabes lo que es un yangqin, Wen Wang? Al yangquin lo trajeron a China de Persia durante la dinastía Ming. Comparte sus raíces con el piano. El primer piano fue inventado en Alemania en 1709, ¡pero los chinos tocamos yangqin desde hace 400 años! ¡400 años! ¿Quién eres para menospreciarla? Cuando vayas al exterior, ¿no quieres decirle a todos lo grandiosa que es nuestra música? (You Li, Our Shining Days)
Luego de que Dimensión 2.5 adquiriera cierta notoriedad entre otros otakus y los estudiantes de la especialidad de música folklórica, y que Wen Wang rechazara por segunda vez a Jing Chen, es que los jóvenes dejan de menospreciar el conocimiento que tienen y lucharán para que este no sea olvidado ni desplazado por lo “moderno” y lo “occidental” (5). Ello tiene por consecuencia una lucha entre bandas, la cual se desarrollará durante la visita de un inspector del Estado a la escuela:
Como se puede apreciar en el video, entre ambas especialidades existía una reja ¾desde el lado de la especialidad de música folklórica¾ que los separaba. Ello demuestra que para las autoridades de la escuela la música tradicional china es rechazada y tratada de manera desigual. Sin embargo los alumnos demostrarán que la música folklórica china y la música occidental están al mismo nivel. Pero la música china tiene una ventaja. A diferencia de los instrumentos occidentales, poseen el suona, instrumento que logra emular el sonido de la naturaleza y hasta el habla (6).
Esta pasión que sintieron los jóvenes hacia la música folklórica les permitió posicionarse como iguales ante sus compañeros de la especialidad de música “clásica”.
“Oriente y Occidente se unen. No existen los conflictos en la música. Saquen la puerta. Es y santuario del arte. No lo haga ver como una cárcel” (Inspector del Ministerio de Educación, Our shining days).
El siguiente elemento intertextual con Love Live! es cuando se anuncia, casi al final de la película, que el departamento de música folklórica no admitirá estudiantes el siguiente año. Ante dicha noticia Xiao Mai y los integrantes de Dimensión 2.5 se ofrecen como voluntarios para tocar en un concierto en vivo que será transmitido por televisión. Y con ellos se unirán otros chicos del departamento, lo cual se asemeja al apoyo que las integrantes de μ’s y Aqours, de Love Live! y Love Live! Sunshine!! respectivamente, reciben de sus compañeras de colegio para salvar la escuela. De esta manera, la pasión que siente un pequeño grupo puede transmitirse a las demás personas, con lo cual pueden lograr algo mayor (7).
Gracias a la participación de todos los estudiantes de música folklórica y el apoyo de los chicos de la especialidad de música “clásica”, logran presentarse en vivo. En dicho lugar demostrarán ante los futuros estudiantes de la escuela que el folklore puede incluir elementos de la modernidad, con lo cual crean un producto que llama la atención a las nuevas generaciones.
De esta manera, la música ancestral no solo incluye elementos de la tradición, sino también de la contemporaneidad y la tecnología. Es así como en su performance, además de utilizar instrumentos chinos tradicionales, incorporan guitarras electrónicas y hasta hologramas. Con lo cual tienen como resultado un show que atrae a la nueva generación de alumnos y los convencerá para unirse a la especialidad de música folklórica.
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Conclusiones
Por lo tanto, Our
Shining Days propone una esperanza de cambio en la sociedad. Vemos por
parte de Jing Chen y los integrantes de Dimensión 2.5 una esperanza útopica que conduce a una acción política que permite la reactualización
del pasado, es decir, una renovación de la música tradicional. Ello permite
que la tradición y el pasado sigan vigentes, pero esto se da gracias a que esta no es estática ni petrificada. Por
el contrario, debe entablar diálogo con nuevos género y nuevas tecnologías e
influencias, con lo cual se le da un nuevo carácter.
Por ello, queridos lectores,
piensen dos veces antes de burlarse de los nerds u otakus. Puede que nos salven
el pellejo ¾o
nuestra historia¾ un
día.
Notas
(1) Esto lo podemos ver en el caso de Xiao Mai, Beibei, Tata y Ying Zi, cuyos padres y amigas las consideran como infantiles e improductivas a nivel económico. Como contraparte tenemos a You Li, un otaku de clóset que, por presión de su familia, debe prepararse para estudiar en el extranjero. Él es un ejemplo de cómo los padres y la sociedad consideran a los jóvenes como competentes y productivos si es que acceden a la universidad, y mejor aún si llegan a realizar sus estudios en el extranjero. Sin embargo llama la atención cómo la película también parece criticar a quienes viajan al extranjero y pasan por un proceso de aculturación, como Wen Wang. De esta manera, cuando Jing Chen califica a You Li como un “traidor”, podría verse un reflejo de cómo la cultura china contemporánea concibe a quienes se van del país: como jóvenes que traicionan a la patria, ya que traerían ideas que van en contra de la norma y lo que instituye el Partido Comunista Chino.
(2) Esto nos lleva a pensar cuál es la aproximación, por ejemplo, que se tiene de algunas danzas folklóricas en los países latinoamericanos. Se percibe un enfrentamiento de perspectivas, donde se puede advertir un desplazamiento de algunas danzas sobre otras más populares. Sin embargo queda abierta la posibilidad de una renovación y evolución de estas a partir del conocimiento que tienen los más jóvenes de otras danzas.
(3) Se puede apreciar que Xiao Mai en sus presentaciones usa un traje inspirado en la estética del género Wuxia. Este es un género de ficción que presenta aventuras de artes marciales en la antigua China.
(4) Asimismo, la reciente internacionalización del fenómeno idol en Asia y hasta en Latinoamérica ¾como se pudo apreciar en las notas de los eventos “Kawaii Music” y “Lovely Maid Café Comeback!”, donde en el último sus integrantes tienen influencia de la cultura idol, específicamente animes como Love Live!¾ demuestra cómo la cultura popular y la cultura de fans china dialoga con otros países de la región.
(5) De igual manera se ve en Love Live! a través del conflicto entre A-Rise y μ’s, donde la escuela de la primera representa la modernidad y la escuela de la cual proviene la segunda representa la tradición. Para una ampliación sobre el tema se puede consultar el artículo “A-RISE: el auge del consumo y la modernidad (Love Live!)”.
(6) Instrumento relacionado con el oboe y la trompeta. Fue introducido a Centroamérica, especialmente en Cuba, tras las migraciones chines; allí es conocido por el nombre de corneta china. Este triunfo de un instrumento que imita los sonidos de la naturaleza y la voz humana representaría una idealización de la sociedad china, la cual une la naturaleza y la esfera humana. Un contraste con la cultura occidental, la cual se ha caracterizado por una oposición entre lo humano y la naturaleza.
(7) Premisa un poco distinta a Love Live!, donde las idols, gracias al apoyo de las demás personas, logran el éxito, lo cual conduce a su vez a un éxito grupal. En el caso de Our Shining Days se propone que un grupo inspira a las otras personas para que todos en conjunto puedan alcanzar la meta.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Álvarez Gandolfi, Federico. 2015. “Cultura de fans y cultura masiva. Prácticas e identidades juveniles de otakus y gamers”. La Trama de la Comunicación. Rosario, 19, 45-65.
Becker, Howard. 2010. Outsiders. Hacia una sociología de la desviación. Buenos Aires: siglo veintiuno editores.
Brenner, Robin. 2013. “Teen Literature and Fan Culture”. YALS. Young Adult Library Services. 33-36.
Chen, Jin-Shiow. 2007. “A Study of Fan Culture: Adolescent Experience with Animé/manga Doujinshi and Cosplay in Taiwan”. Visual Arts Research. Illinois, 33, 1, 14-21.
Frederick, Sarah. 2017. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Shamoon, Deborah. 2012. Passionate Friendship. The Aesthetics of Girls’ Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai‘i Press.
“El instrumento chino más contundente — el Suona”. En Shen Yun Performing Arts. Recuperado el 15 de diciembre de 2020. <https://es.shenyunperformingarts.org/news/view/article/e/zd13dGAgDg8/el-instrumento-chino-m%C3%A1s-contundente-%E2%80%94-el-suona.html>
Versailles no Bara, traducido como La rosa de Versalles o Lady Oscar, es un título conocido no solo por los amantes del género shōjo, sino también por todo otaku latinoamericano nacido antes del 2000. Presenta a Oscar François de Jarjayes, última hija del Comandante de la Guardia Imperial, y criada como hombre para poder sucederlo.
Así como el anime presentaba temas transgresores para la época, como el travestismo, los otakus más jóvenes podrán encontrar en este manga varios temas refrescantes y muy actuales. Por ello, el día de hoy presentaremos, gracias a Ibero Librerías el volumen 1 de La rosa de Versalles.
Revisitando un clásico: antecedentes de Lady Oscar en el Perú
Lady Oscar o La rosa de Versalles es un título que no resulta ajeno a los jóvenes otakus. Mucho menos a aquellos que han disfrutado de los primeros animes en señal abierta ni quienes asistieron a las proyecciones de Club Sugoi en los años 90 e inicios del 2000.
Como parte del primer grupo, recuerdo la novedad cada vez que veía, cuando tenía nueve años, al personaje de Oscar, allá por el 2003 en canal 5. Por esa razón, no puedo evitar la emoción al leer el primer volumen. ¿Qué se siente, ahora a mis 27 años, visitar otra vez esta historia? ¿Qué puedo decir de nuevo sobre esta obra?
Oscar y María Antonieta. Primera página de La rosa de Versalles, ECC Ediciones (2020).
Lady Oscar llegó al Perú en 1989, diez años después de su estreno en Japón. Se trata de una obra inserta en el género shōjo, cuyos temas no solo coinciden con las propuestas que trajo el feminismo estadounidense de segunda ola en Japón -la necesidad de debatir sobre sexualidad, familia, trabajo, derechos reproductivos, entre otros- por los años 70. También tiene influencias del Takarazuka Revue, un teatro conformado exclusivamente por mujeres, donde un grupo performa un rol femenino -las musumeyaku– y otro performa papeles masculinos -las otokoyaku-, y la misma literatura de Clase S, género inaugurado por Yoshiya Nobuko en la preguerra y cuyas historias desarrollan la relación entre chicas adolescentes en un espacio exclusivamente femenino.
A la izquierda, una otokoyaku, y a la derecha una musumeyaku. Vía: Kageki Hankyu
Para el momento en el que Lady Oscar llegó a nuestro país, nuestra cultura no era ajena, en el ámbito literario, al “travestismo”. Basta recordar la imagen de la mujer-varón –mujer vestida con traje de varón para poder viajar con seguridad y pasar desapercibida en la esfera pública– en algunas obras de Shakespeare como Duodécima noche, o lo que quieras, o textos del Siglo de Oro español como la Historia de la Monja Alférez Catalina de Erauso, contada por ella misma. Este uso del traje lo que crea es una narrativa con un cuerpo ambiguo o trans, que, a su vez, permitirá abordar la tensión amorosa entre la mujer-varón y otras mujeres, tal y como sucede en el caso de Viola y Olivia en Duodécima noche, y Catalina de Erauso con sus múltiples prometidas.
Anne Hathaway en el rol de Viola, en la obra Duodécima noche de William Shakespeare. Vía: The New York Times
Asimismo, se estrenó en un momento en el que el feminismo y los movimientos LGBTIQ+ en el Perú habían cobrado fuerza. Muchas escritoras e intelectuales peruanas feministas habían unido esfuerzos desde la década del 70 para articularse y visibilizarse en la escena literaria y crítica local. Y en la década de los 80’s se crearon los primeros grupos LGBT en el Perú, con el surgimiento del MHOL y el GALF.
Todo ello permitió un boom de la literatura LGBTIQ+ peruana en la década de los 90, con la aparición de obras como Las dos caras del deseo (1994) de Carmen Ollé, Ximena de dos caminos (1994) de Laura Riesco, No se lo digas a nadie (1994) de Jaime Bayly, Efecto invernadero (1992) de Mario Bellatin y 56 días en la vida de un frik (1996) de Morella Petrozzi. Estos presentaron personajes con una sexualidad no heterosexual y una performance de género que cuestionaba la dicotomía masculino-femenino.
Finalmente, en el ámbito de la literatura, del 2000 en adelante encontramos obras que unen la identidad queer con la identidad fan. Títulos que ejemplifican ello son Cromosoma Z (2007) de Jennifer Thorndike, Kimokawaii (2015) de Enrique Planas y Compórtense como señoritas (2019) de Karen Luy de Aliaga.
Portada del libro Cromosoma Z (2007), Bizarro Ediciones
Portada del libro Kimokawaii (2015), Penguin Random House
Portada del libro Compórtense como señoritas (2019), Editorial Paracaídas
Para cerrar estos antecedentes, al contexto histórico-literario hay que sumarle la tendencia homosocial y la larga tradición de colegios femeninos, masculinos y católicos en la capital. Desde el lado de los colegios femeninos, estos fueron espacios predilectos -hasta casi inicios del 2000- para un sector social y económico de la población. Ellos no solamente permitieron a las jóvenes el desarrollo de sus gustos y su personalidad sin una mirada adulta o masculina que las ciñera siempre a los roles de género, sino también se situaba, en ocasiones, como un espacio medianamente transgresor. Este espacio homosocial femenino, permitía, durante festivales o celebraciones, que las chicas performaran papeles masculinos durante las obras, actuaciones o danzas del colegio. Asimismo, tampoco era un espacio ajeno a la violencia física, psicológica o verbal entre chicas, a diferencia del estereotipo de “inherente delicadeza” de la mujer.
Por todo lo anterior, al espectador peruano, especialmente al público adolescente femenino –target original del shōjo (1)-, no le serían ajenos los temas presentes en Lady Oscar (2).
La rosa de Versalles: shōjo y transgresión
El primer volumen de La rosa de Versalles no solo resultó transgresor en su época. También presenta algunos temas que podrían resultar llamativos para el lector contemporáneo.
En primer lugar, la obra presenta diversos tropos clásicos del shōjo: la madurez emocional y física de la joven protagonista -visto en María Antonieta y Oscar-, el desarrollo del amor heterosexual -entre María Antonieta y Hans Axel von Fersen, y más adelante entre Oscar y André-, la amistad apasionada entre chicas -en la relación de princesa y guardián entre María Antonieta y Oscar, y luego entre Oscar y Rosalie-, el principio de hermandad y la rivalidad entre hermanas -visto en Jeanne y Rosalie-, y la contraposición entre la shōjo y la mujer adulta -en el antagonismo entre María Antonieta y Madame du Barry (3)-.
Madame du Barry y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 142, 2020)
Oscar y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 150, 2020)
Jeanne y Rosalie. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 180, 2020)
En segundo lugar, de los tres personajes principales del manga, María Antonieta, Hans Axel von Fersen y Oscar François de Jarjayes, será este último el más transgresor y que resalta las dificultades de ser un sujeto no normativo en la sociedad. Pese a haber nacido mujer, el padre lo cría como hombre y lo asigna como su heredero. Ello no solo le permitirá usar un traje de hombre en el espacio público, sino también el desempeñar un rol distinto al de otras mujeres de su época. Sin embargo, ¿ello supondrá una verdadera liberación y avance para Oscar?
Esta imposición del padre sobre Oscar creará un sujeto queer, es decir, un cuerpo que se mantiene en la periferia. Estolo podemos ver en múltiples escenas del manga, como cuando decide estar al margen en el conflicto entre María Antonieta y Madame du Barry, o cuando las damas de la corte señalan que se casarían con ella si hubiese nacido hombre. De esta forma, podemos observar a un personaje que es consciente de la posición ambigua en la que se encuentra.
María Antonieta se entera de la identidad de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 47, 2020)
Oscar escucha los comentarios de las damas de la corte. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 94, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 95, 2020)
Sobre la ambigüedad de su posición y el matrimonio, por un lado, el padre tiene la autoridad de darle a Oscar un espacio que, por lo general, es vetado a las mujeres. Pero, por otro lado, la corte de Versalles es un espacio que no garantiza la igualdad entre sus súbditos, ya que hay una distinción de las tareas por género -en su mayoría en correlación al sexo del individuo, salvo en el caso de Oscar- y no brindan una igualdad de derechos a Oscar -como la posibilidad de que se case con otros miembros de la corte- por tratarse de un cuerpo fuera de la norma.
Esto último se debe a que, en caso Oscar contraiga matrimonio con una mujer, no podría tener hijos legítimos -importante en el sistema de herencias de la corte y de las clases altas, y vital para entender la forma cómo se concibe actualmente la familia-, y de casarse con un hombre no podría cumplir exclusivamente con un rol maternal, ni cuidar del hogar ni administrar los bienes del esposo.
Además, Riyoko Ikeda resalta esta marginalidad, al situar a Oscar constantemente como espectadorincómodo ante los comentarios que realizan las mujeres sobre su “belleza” o “elegancia” (4), o cuando se señalan sus “cualidades femeninas”, supuestamente inherentes a su sexo. Esto nos lleva a un tercer punto, donde es interesante cómo -al menos en la traducción en castellano- hay una fluctuación entre los pronombres masculinos y femeninos para referirse a Oscar, lo cual resalta su carácter ambiguo.
Las damas de la corte señalan la «elegancia» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
André señala la «intuición femenina» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 200, 2020)
Las jóvenes de París describen a Oscar como «guapo». La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 174, 2020)
En conclusión…
La rosa de Versalles es un shōjo que, en el primer volumen, nos presenta el crecimiento de Oscar François de Jarjayes, quien se sitúa como un sujeto marginal y fuera de la norma. Se trata de un personaje que vive en una sociedad clasista y conservadora, que encuentra paralelos no solo con la sociedad japonesa en la cual nace este manga, sino también con la sociedad peruana de los años 80’s.
Tal y como se señala en el artículo “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”:
No deja de ser curioso que un producto de la cultura japonesa —conocida por su apego a las tradiciones— sea el origen de estas reflexiones. Dice Andrea de Pablo que tiene que ver con que el manga es un territorio ficcional donde la ideología oficial se pone en entredicho por medio de comportamientos y reacciones que jamás serían permitidos en la vida real. Pero, es sabido, que este material sí tiene un impacto en quienes lo consumen. El innegable poder de la ficción
Catherine Subirana (2019)
Y este poder que tiene la ficción, específicamente el manga y anime shōjo, coloca en primer plano los problemas de la sociedad para crear una esperanza utópica en el espectador. Es decir, genera una esperanza de cambio social, donde todos los integrantes de la sociedad -sea cual sea su sexo, género o sexualidad- pueden gozar, algún día, de los mismos derechos e igualdad.
NOTAS
(1) Entonces, vemos paralelos entre el contexto que permitió el surgimiento del shōjo y sus espectadoras en el contexto peruano. Para más información, sobre los antecedentes y evolución del shōjo, leer el artículo sobre Catarsis de Mōto Hagio o el video del Centro de Estudios Orientales – PUCP sobre la evolución de la literatura de Clase S al shōjo y yuri.
(2) Público que, en comparación a la crítica y recepción que tuvo Ranma ½ en los 90’s, no criticó ni satanizó a Lady Oscar. Quizás, una razón de ello, es el rechazo hacia la homosexualidad masculina y la transexualidad femenina, en comparación al lesbianismo y la transexualidad masculina, donde la primera fue interpretada o codificada como una amistad, y la segunda presentada como pasajera.
(3) Lo cual corresponde también a un enfrentamiento entre la joven adolescente, quien se encuentra en una etapa liminal donde no ha contraído matrimonio ni ha tenido, supuestamente, relaciones sexuales, y la mujer adulta, de quien se espera haya contraído matrimonio y tiene una sexualidad al servicio del marido -o, en su defecto, al servicio de los hombres-.
(4) En ocasiones las damas de la corte se refieren a Oscar como “elegante” y las parisinas como “apuesto”. Vemos que en ambos casos hay incomodidad, pero en el adjetivo utilizado por las mujeres parisinas, aún más. Quizás se debe a la confusión de estas sobre el sexo de Oscar, ya que creen que es hombre, mientras que las primeras son conscientes de ello y optan por usar un adjetivo que podría usarse indistintamente en hombres y mujeres.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Arana Blas, Alexandra. 2017. Representación y mecanismos de silenciamiento de personajes femeninos queer en dos novelas peruanas de los años 90: Efecto invernadero y Las dos caras del deseo (Tesis de Licenciatura de Literatura Hispánica, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Perú).
Burkett, Elinor. “Women’s rights movement: political and social movement” Encyclopedia Brittanica. Consulta: 15 de enero de 2021.
https://www.britannica.com/event/womens-movemen
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Cuba, Lucero. 2012. Entre orgullo y resistencias. Una aproximación al movimiento LGBT en el Perú. Lima: Programa Democracia y Transformación Global. Consulta: 15 de enero de 2021. < https://democraciaglobal.org/wp-content/uploads/Entre-orgullos-y-resistencias-pdf.pdf>
Driscoll, Catherine. 2002. Girls: Femenine Adolescence in Popular Culture and Cultural Theory. Nueva York: Columbia University Press.
Escobedo, Angélica. “El travestismo en el siglo de oro español”. Retruécano. Rebeldía retórica. 1 de mayo de 2017. Consulta: 16 de enero de 2021.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
Ikeda, Riyoko. 2020. La rosa de Versalles. Volumen 1. Traducido por Yasuko Tojo. Barcelona: ECC Ediciones.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Subirana Abanto, Katherine. “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”. El Dominical. Suplemento de El Comercio. 22 de octubre de 2019. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://elcomercio.pe/eldominical/lady-oscar-el-anime-que-rompio-esquemas-noticia/>
Takarazuka Revue. Página Oficial. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://kageki.hankyu.co.jp/english/index.html>
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
Seamos honestos: toda comunidad de fans tiene sus discusiones y diferencias. Pero siempre podremos encontrar momentos o eventos que se consideran como espacios de reunión e hitos fundacionales, importantes para la conformación de una comunidad. Y para los lovelivers -o fanáticos de Love Live!–el espacio que nos congrega es «Snow Halation».
“Snow Halation” 101: Un poco de historia
Snow Halation es el segundo single de μ’s -banda conformada por los personajes Honoka Kousaka, Umi Sonoda, Kotori Minami, Maki Nishikino, Hanayo Koizumi, Rin Hoshizora, Nico Yazawa, Eli Ayase y Nozomi Toujou, miembros de la primera generación de school idols de la franquicia-, lanzado el 22 de diciembre de 2010, meses después de ser anunciado el proyecto multimedia Love Live! en la revista Dengeki G’s Magazine.
Se trata de una canción de los inicios de μ’s, cuando ni la franquicia ni todas sus seiyuus eran tan populares. Junto con la canción realizaron un promotional video (PV), donde vemos una mayor estilización en el diseño de los personajes (1). La canción también fue el tema central del episodio nueve de la segunda temporada de Love Live!, estrenada el 1 de junio de 2014.
“Snow Halation” y los fans: del concierto al anime
Desde las primeras presentaciones de Love Live! se ha usado un lightstick especial, llamado UO o “ultra orange”, para marcar el “camino de luz” que sigue a Honoka, quien es el centro de la canción, durante el PV. Y a medida fueron volviéndose más grandes y masivos los conciertos, el uso de este en las performances de “Snow Halation” se convirtió en una de las marcas de la comunidad loveliver.
Y es que el UO no solo tiene un significado especial para los fans de Love Live!, sino también en el mundo idol, ya que posee una iluminación más fuerte que los lightsticks regulares, por lo que solo es usado en momentos especiales. En este contexto, el uso masivo de este demuestra la gran capacidad de organización de los fans, quienes se sirvieron de las redes sociales para promoverlo o incluso algunos regalaron UO en la entrada de los conciertos.
Estos eventos no solo permiten la formación de una comunidad entre los fans. También les brinda la sensación de formar parte de este mundo de ficción, donde las seiyuus encarnan por unas horas a los personajes y los fans representan tanto el escenario del MV como el público que hace posible la realización del concierto (2).
Dicha participación por parte del público, quienes hacen posible los eventos, apoyan y admiran a las jóvenes idols, se puede apreciar en el noveno capítulo de la segunda temporada de Love Live!, “Melody of the Heart”,estrenada el 2014. Cabe resaltar que para ese momento ya era conocido y difundido entre el público el uso de UO en las presentaciones de “Snow Halation”.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
El anime nos presenta las preliminares para las finales de la competencia de idols escolares, Love Live! Las nueve integrantes de μ ‘s deberán reunirse en el lugar donde se desarrollará el evento, pero antes las chicas de segundo año tendrán que estar presentes en la charla informativa de Otonokizaka, a la cual asistirán las alumnas interesadas en unirse a la escuela. Y si bien es un evento al cual Honoka, Umi y Kotori no desean faltar, ya que de ello también depende el futuro de su colegio, una fuerte tormenta podría impedirles asistir a la competencia.
Terminado el evento, se dirigen a la final, sin embargo están por rendirse debido a la tormenta de nieve. No obstante, salen a su encuentro todas las alumnas de la escuela, quienes han limpiado el camino para que puedan correr sin dificultades hasta el lugar de la competencia. Con ello vemos cómo se resalta que el éxito de las idolssolo es posible gracias al apoyo de toda la comunidad. En ese sentido, el éxito de μ ‘s se dio a lo largo de la serie no solo gracias al apoyo de sus fans, la escuela y sus familiares, sino que se produjo, especialmente, por el soporte que les brindó la comunidad estudiantil. Así como las chicas de μ ‘s les brindaron a sus compañeras la esperanza de que el colegio no va a cerrar (3), toda la comunidad estudiantil les ayudará y las alentarán hasta el final.
Fuente: «Melody of the Heart», capítulo 09 temporada 02 de Love Live!
Por lo tanto, la historia de “Snow Halation” representa todo el esfuerzo que tuvo que realizar la primera generación de seiyuus de la franquicia para que esta tuviese éxito. Pero también simboliza la organización y apoyo de los fans, quienes son el soporte y la razón de la popularidad que alcanzó Love Live!
10 años de una franquicia: su evolución (y sus memes)
Y como todo hito fundacional contemporáneo, el alcance de “Snow Halation”ha sido tal que ha repercutido en Internet y ha sido objeto de meme material (4).
Recordemos que hasta hace unos años, antes del 2016, era muy difícil acceder al contenido de la franquicia de manera legal, por lo que algunos usuarios compartían por redes las canciones y demás productos. Sin embargo, los videos y canciones subidas a YouTube serían luego censuradas, ya que infringían los derechos de autor. Como respuesta, algunos fans responderían de manera lúdica y harían mashups o rips de “Snow Halation”, de tal manera que no podría ser censurada nuevamente. Ejemplo de ello lo encontramos en las versiones de SilvaGunner o Triple-Q. Ello nos demuestra que la comunidad de fans, especialmente la de Internet, siempre encontrará una forma de superar la censura y compartir contenido de manera creativa.
Han pasado 10 años desde el lanzamiento de la franquicia; 10 años desde el hito que nos funda como comunidad.
“Snow Halation” es uno de los elementos que une a los fans más antiguos y más nuevos de la franquicia. Y es gracias al gran éxito que representa que el día de hoy tenemos un nuevo anime y una tercera generación de school idols. Incluso se ha anunciado a inicios de año una cuarta generación de Love Live! y quiénes serán las nuevas seiyuus (5).
Como fan de Love Live!,“Snow Halation” representa todo lo bueno de la serie y sus personajes: la pasión, la energía y la esperanza, así como la posibilidad de seguir lo que uno ama y en el camino encontrar una comunidad con la cual compartir y mejorar.
NOTAS:
(1) Diseño descartado en su momento, pero que parece haber sido recuperado y vuelto trabajar para el diseño de personajes del anime Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai.
(2) Este mismo principio, y la inmersión del espectador o jugador (en el caso del gacha Love Live! School Idol Festival) en la narrativa, fue rescatado en Love Live! Nijigasaki Gakuen School Idol Doukoukai a partir de la creación del personaje de Yū Takasaki, quien cumple el rol de compositora y manager del club.
(3) Y con ello no cerrará un espacio que ha congregado a distintas generaciones de mujeres, donde han estudiado abuelas, mamás e hijas. Este dato se sabe gracias al anime y a los School Idol Diaries, donde se señala que las mamás o las abuelas de Honoka, Eli, Kotori y Umi han estudiado en la Preparatoria Otonokizaka.
(4) Esto nos muestra un cambio de paradigma, donde los hitos fundacionales no tienen que ser momentos “sagrados”. Por el contrario, las personas pueden aproximarse a este de una forma lúdica y hasta creativa.
(5) Gratamente, se trata de un grupo más «internacional», ya que personajes como Kanon Shibuya y Keke Tang son ¼ española y china respectivamente. Incluso, la seiyuu de Keke Tang, Liyuu, es china, y la de Sumire Heanna, Naomi Payton, es japonesa-estadounidense.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos y links
Hills, Matt. 2002. Fan Cultures. Nueva York: Routledge.
Hills, Matt. 2017. “From Fan Culture/Community to the Fan World: Possible Pathways and Ways of Having Done Fandom”. Palabra clave. 20, 4, 856-883.
Significado y relevancia del color naranja durante los conciertos de Love Live!:
Los peruanos hemos crecido con animes y telenovelas. ¿Quién no llegaba del colegio y veía Dragon Ball o Sakura Cardcaptor? Los animes de la tarde que daban espacio a las telenovelas. La cuota diaria de melodrama (japonés o latino) para seguir nuestro día.
Y si de melodramas japoneses hablamos, no podemos dejar de hablar del shōjo. Por ello, el día de hoy presentaremos el libro Catarsis de Mōto Hagio, el cual llega a nosotros gracias a Íbero Librerías.
Catarsis es una compilación de mangas de Mōto Hagio (Fukuoka, 1949), considerada como la “madre fundadora” del manga shōjo contemporáneo, especialmente del shōnen-ai o Boys’ Love. En ella encontramos algunas de sus historias cortas más aclamadas.
Llama la atención cómo sus narrativas beben del shōjo y la “literatura de Clase S” de inicios de siglo XX, ya que presenta tópicos como la hermandad, el principio de semejanza, la idealización de los cuerpos y un imaginario lleno de imágenes occidentales -algunos paisajes y estructuras lejanas, como en Europa-. Asimismo, presenta una crítica a la construcción del género -tanto femenino como masculino- y aborda la interioridad y los sentimientos tanto de hombres como de mujeres. Finalmente, pese a que sus historias están dirigidas a jóvenes y adolescentes, aborda temas tabú.
Carátula del libro Catarsis de Mōto Hagio, TomoDomo Ediciones
De la literatura de Clase S al shōjo:
Algunas historias como “Mitad” y “La niña iguana” juegan con el “principio de semejanza” y de hermandad, propio del shōjo y la“literatura de Clase S”. En ambas vemos a una hermana que es considerada bella como un ángel, y otra que es, a los ojos de la sociedad o de la madre, un “monstruo”. La hermana “angelical”, quien es la menor, requiere de mayores cuidados, mientras que la mayor es constantemente regañada y relegada por la madre. Además, es la hermana mayor la que suele desarrollar una personalidad rebelde o más crítica con las normas.
Escena de «Mitad», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Resalta cómo en ambas historias las protagonistas experimentan un quiebre en su interior. Pese a que logran insertarse en la sociedad mediante el matrimonio o el enamoramiento, no pueden conciliarse fácilmente con el trauma experimentado en la niñez, especialmente con el rechazo de la madre.
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Camino a la adultez: personalidad y sexualidad
Otras historias que llama la atención por el desarrollo de la interioridad y los sentimientos de los personajes son “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis” y “Al Sol de la tarde”.Las dos primeras nos presentan protagonistas masculinos que se encuentran hastiados de la sociedad y de sus padres, quienes no toman en cuenta sus malestares ni la presión que sienten por alcanzar el éxito. Y como única solución deciden escapar del hogar o incluso de la realidad.
Escena de «Las pastillas de ir a la escuela», Catarsis de Mōto Hagio
Por otro lado, la protagonista de “Al Sol de la tarde” se aleja de la típica joven adolescente del manga shōjo, pues se trata de una señora de 42 años cuyo matrimonio está en crisis. La narración contrapone la idealización del matrimonio por parte de la protagonista y sus amigas en la adolescencia, y la realidad del matrimonio en la adultez. Además, a través de la imagen de Hitomi, la hija de la protagonista, se presenta un cambio generacional, donde las chicas tienen mayor independencia y agencia. Sin embargo, ¿hasta qué punto este deseo de cambio choca con la realidad?
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
“Al Sol de la tarde” nos presenta también una figura masculina joven e idealizada, construida como un bishōnen. Este personaje performa la masculinidad distinta a la del marido, ya que el primero es un hombre que, pese a estar desempleado, es sensible, atento y con gusto por las labores del hogar. El marido, por el contrario, solo se dedica al trabajo, va a locales de prostitutas y espera que su esposa lo sirva. De esta manera, desde el género shōjo se propone una nueva masculinidad (2).
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Shōnen-ai: la pérdida de la inocencia
Por último encontramos una representación del trauma y temas tabú en “Camuflaje de ángel”, “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis”, “El falso rey” y “El invernadero”. Los tres primeros nos presentan cómo los protagonistas lidian con el abandono de sus padres, la posibilidad del divorcio -con lo cual se derrumba la institución del matrimonio-, la depresión, el duelo, el suicidio y el aborto.
Las dos últimas,“El falso rey” y “El invernadero”, nos presentan protagonistas masculinos con un profundo sentimiento de desolación, soledad, abandono y desapego. Esto nos hace recordar a las protagonistas en la literatura deClase S escrita por Yoshiya Nobuko (1), donde la mayoría había sufrido la pérdida de la madre o sabían que terminada la escuela contraerían un matrimonio arreglado por su familia. Pero ante dicho destino, las protagonistas optarán por una relación de “hermandad” con alguna amiga o compañera de grados mayores, al igual como sucede entre L’Ange y Joschafat en “El invernadero”.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Asimismo, en ambas historias cortas vemos una exploración del cuerpo, la sexualidad y la violencia -ejercida a través de la violación-. En ese sentido, resulta intrigante por qué el shōjo opta por presentar el trauma y la violencia física sobre el cuerpo masculino. Para ello, tomemos en cuenta “El invernadero”. En la narración vemos cómo el invernadero es un espacio que cobra vida y seduce e invade a L’Ange. Este acto, que es observado en secreto por Joschafat, es percibido como traumático, casi como una violación -lo cual simboliza, a su vez, el fin de la pureza del “hermano” menor-. De igual manera, el protagonista de “El falso rey” cuenta, en un momento de máxima tensión, como fue violado por el rey durante “Las Fiestas de la Expiación”.
Al estar el shōjo dirigido a un público femenino adolescente, la autora desplaza estos eventos traumáticos hacia un cuerpo masculino -que simbolizaría el “otro”-. De esta manera, se genera una catarsis de las experiencias traumáticas pero se conservará a la vez la pureza del cuerpo femenino.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
En primer lugar, se produce una catarsis sobre el cuerpo masculino porque, pese a haber sido un cuerpo preparado para la guerra a partir de instituciones como la educación y los medios de comunicación -a través de las revistas para chicos de inicios de siglo XX-, es percibido como un cuerpo derrotado, o corrompido y “violado” en un sentido figurado, ante la guerra.
Por otro lado, la búsqueda por preservar la pureza en el cuerpo femenino podría ser producto de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El “sentido común” dictaría que las mujeres no habrían experimentado los traumas de la guerra porque no han participado de manera directa en la guerra. En otras palabras, la mujer “no habría padecido los traumas ni la violencia” del campo de batalla. Pero una segunda lectura podría indicarnos que, si bien Japón perdió la guerra, busca preservar su honor como nación al mantener “íntegro” el cuerpo y la virginidad de sus mujeres.
De esta manera, el shōjo aborda la experiencia traumática por la que han atravesado tanto hombres como mujeres, pero sin ir en contra del “sentido común”, que dicta que la mujer y su cuerpo son “inherentemente puros”, y sin poner en entredicho el honor de la nación.
Conclusión
Finalmente, Catarsis de Mōto Hagio resulta un recorrido interesante y necesario para entender el desarrollo del género shōjo. En ella se aprecia una exploración de los sentimientos tanto en personajes masculinos como femeninos -y en este grupo, en mujeres que se encuentran en varias etapas de la vida-. Son historias que beben de la narrativa para chicas precedente, y exploran temas tabú. Una lectura que vale la pena.
(2) Una nueva masculinidad vinculada a lasensibilidad promovida por la imagen de la otokoyaku en el Takarazuka Revue, a inicios del siglo XX.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
Ueno, Chizuko. 2004. Nationalism Gender. Boston: Trans Pacific Press.
Welker, James y Katsuhiko Suganuma. 2006. “Celebrating Lesbian Sexuality: An Interview with Inoue Meimy, Editor of Japanese Lesbian Erotic Lifestyle Magazine Carmilla”. Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context. Volumen 12. Consulta: 28 de octubre de 2020. <http://intersections.anu.edu.au/issue12/welker2.html>
Nada es fijo. La vida siempre es un constante cambio y Shiki Oriori reflexiona sobre la necesidad de adaptarse a estos.
Shiki Oriori (en Netflix Latinoamérica Shiki Oriori: Sabores de la juventud) es una película de anime estrenada el 2018. Es una coproducción chino-japonesa entre CoMix Wave Films y Haoliners Animation League que presenta tres relatos: “Fideos de arroz”, “Un pequeño desfile de modas” y “Amor en Shanghai”.
Si bien estos no se conectan hasta el final, el encuentro de los protagonistas en un aeropuerto es un elemento vital, ya que nos está planteando revisar las tres historias desde la perspectiva de la migración, el movimiento y el cambio. Estos temas nos pueden hacer recordar a las obras de Makoto Shinkai tanto por sus referencias al pasado, como lo efímero, la nostalgia y la pérdida del ser amado, pero Shiki Oriori los aborda desde una perspectiva distinta.
A partir de los “valores” y características de la cultura china, la película hace hincapié en la familia, los lugares y objetos de encuentro, la esperanza de una reunión y la reconciliación entre el presente y el pasado.
“Fideos de arroz”: ciudad, pasado y nostalgia
La primera entrega presenta a Xiao Ming, un joven adulto que vive en la ciudad de Beijing. En los primeros minutos lo vemos saliendo de una estación de tren y dirigiéndose a tomar desayuno en una tienda de comida rápida. Ahí reflexiona sobre sus sentimientos y su pasado: ¿vale la pena haber dejado su pueblo? ¿Qué recuerdos despierta en él dicho lugar?
La dura ciudad hace que los rostros sean inexpresivos. Probablemente yo soy uno de ellos […] siento que extravié algo. Adormecidos, perdemos el sabor del hogar […] ¿Adónde fueron todos los recuerdos?
Xiao Ming, “Fideos de arroz”
Para él la ciudad es un lugar con gente distante y sin afecto, donde algo se pierde. Y ni siquiera la comida que debería hacerle recordar al sabor de su hogar logra tranquilizar su alma. Así es como comienza una narración en racconto -cuando se presenta eventos del pasado que van progresando de manera lineal hasta el momento inicial de la historia-. Xiao Ming nos presenta sus días de niñez y juventud en Hunan, cuando desayunaba sopa de fideos San Xian con su abuela. Asimismo, recuerda su adolescencia y su primer amor.
En primer lugar, la historia nos presenta un contraste entre la ciudad (Beijing) y el campo/pueblo (Hunan). El primero es retratado como una ciudad donde siempre llueve y donde la comida -representada en la sopa de fideos- es diferente a la de su infancia: son fideos son casi perfectos, pero trae menos guarniciones y es más costosa. El pueblo de Hunan en el que nació y creció, por otro lado, es representado con colores brillantes y estaciones cambiantes (un gran verano o un lugar lleno de nieve). Y en cualquier clima, Xiao Ming recuerda que iniciaba su día tomando una sopa de fideos que se caracterizaba una preparación casera.
En estos recuerdos, vemos que el protagonista siente fascinación por la comida y su preparación, pero ante todo recuerda estos sabores con cariño porque le hace recordar a sus días con su abuela. De esta forma, la mesa y la comida son el espacio de reunión con su familia, especialmente con la abuela, quien representa su pasado.
Algunos autores han explorado la importancia de la comida en la cultura china, como Guansheng Ma, quien señala que esta ayuda a formar relaciones interpersonales y a crear una comunidad. En ese sentido, la comida en la sociedad china es importante para establecer o fortalecer vínculos, lo cual se puede apreciar en la costumbre de invitar a comer al otro, así como de servir los platos al centro de la mesa. Esta tradición de compartir la comida y comer en grupo permite el establecimiento y transmisión de una cultura.
A partir de ello podemos entender el fuerte apego que siente Xiao Ming hacia su abuela y, especialmente, la nostalgia hacia su lugar de origen. Asimismo, el hecho de que resalte la abundancia de ingredientes en la sopa San Xian que comía en Hunan no es un detalle gratuito no es para sacarnos pica o un fanservice para los amantes del food porn xP.
Esta descripción tiene el objetivo de desmentir la pobreza del campo y hacer una crítica hacia la ciudad. Para sustentar ello podemos retomar el argumento de Guansheng Ma, quien señala que la comida suele ser signo de estatus social: la presencia de carnes o ingredientes raros suelen demostrar mayor adquisición económica y suelen ser presentados con el deseo de mostrar respeto a los invitados. Además, la importancia de la comida en la cultura china llega a ser tal que incluso cada alimento tiene un simbolismo y se utiliza para conmemorar eventos importantes, o con ella se premia o castiga algún logro.
Y es que, pese a la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china (1), para Xiao Ming la comida de la capital no puede equipararse a la de Hunan.
Este componente de unión y calidez que le brinda la comida le hará recordar también otros eventos de su pasado, como el primer amor y las horas antes de la escuela. A su primer amor la recuerda con cariño: una chica de clases superiores a la que veía pasar todos los días frente al local donde él tomaba sopa. Sin embargo, nunca pudo hablar con ella, y con el tiempo dejó de verla. Pero no por ello siente angustia, lo cual muestra un personaje consciente de lo efímero de las cosas y que se caracteriza por estar acostumbrado al cambio.
De igual manera, es testigo de los cambios del negocio donde solía tomar sopa antes de ir a la escuela. Y aunque estos cambios lo apenan, Xiao Ming no se opone a ellos. Por el contrario, muestra una predisposición, tal y como la misma comida china se adapta a su entorno.
Por último, el retorno al pueblo de origen y la visita a la casa familiar con motivo del fallecimiento de su abuela, es un último signo de cambio -y aparente fin- en “Fideos de arroz”. El protagonista no percibe este evento como traumático. Lo acepta como parte de la vida, con lo cual el espectador nuevamente se reafirma en una lectura donde el protagonista tiene la capacidad de aceptar y adaptarse ante los cambios.
Xiao Ming no podrá olvidar su pasado ni su lugar de origen, y queda en él cómo reformula su relación con la ciudad.
Familia y cultura de chicas en “Un pequeño desfile de modas”
“Un pequeño desfile de modas” transcurre en Cantón. Nos presenta a Yi Lin, una de las modelos más famosas de China que cree que será próximamente desplazada por otras modelos más jóvenes. Dicho temor aumenta cuando ingresa un nuevo jefe a la compañía en la que trabaja y cuando su enamorado toma interés en una modelo que considera su “contrincante”: Shui Jing.
En este contexto, la angustia de Yi Lin provocará que se distancie de su hermana, la única familia que le queda, y de Steve, quien pese a ser su manager es la única persona fuera del hogar que la aprecia y reconoce fuera de su belleza externa.
Lo único que tengo es este cuerpo. La belleza se esfumará si lo permites […] Cuando dejé de trabajar, parecía que había desaparecido. Hay muchos reemplazos. El mundo seguirá sin mí.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
La película resalta muchos elementos que nos podrían remitir al shōjo bunka japonés: el principio de hermandad, la vida burguesa y el consumo -moda, revistas y películas-. A partir del caso japonés, sabemos que el surgimiento de una “cultura de chicas” se dio en las grandes ciudades, gracias a un contexto de bonanza económica que permitió a un grupo de mujeres tener mayor acceso a la educación y/o la economía.
En China, una de las ciudades que se desarrolló económicamente gracias a la industria de la seda fue Cantón (Guangdong), lugar que vio hasta 1920 una migración de mujeres que trabajaron en dicho rubro. Se sabe que tuvieron una relativa independencia económica que les permitió formar gremios y no contraer matrimonio. Asimismo, la ubicación de esta ciudad fue vital para el comercio marítimo y el intercambio cultural.
Todos estos factores serán importantes para entender por qué la locación de esta historia y los temas que trata. Pero a diferencia del shōjo bunka japonés, que resalta los lazos de “hermandad” entre adolescentes en la escuela, esta narrativa coloca en primer plano la importancia de la unidad familiar y el apoyo mutuo.
Yi Lin es un sujeto que ha interiorizado los “valores” de la economía de consumo (2) (3): como modelo -cuerpo que trabaja en la industria de la moda- se percibe como cuerpo efímero y que puede ser fácilmente desechado. Y este temor se acentúa cuando conoce a Shui Jing, joven modelo que la va desplazando en el espacio de la moda e incluso genera interés en su enamorado, quien la deja por ella. De esta manera, Shui Jing representa un sistema que promueve la competitividad entre mujeres, la preferencia por la juventud -pues son cuerpos que representan la productividad y reproductividad– y el quiebre en las relaciones de comunidad.
Como contraparte, se encuentra Lu Lu, la hermana de Yi Lin. Las dos son huérfanas y fueron criadas por separado por unos familiares. Sin embargo, cuando la protagonista obtuvo empleo en la industria de la moda decidió hacerse cargo de su hermana menor. Pese a vivir juntas, Yi Lin no le confía sus problemas a Lu Lu, lo cual provoca un quiebre en la relación familiar (4). De igual manera sucederá con Steve, manager y amigo de Yi Lin, quien pese a los años de trabajo juntos, no logra que Yi Lin sea honesta y le comente sus miedos (5).
Todo lo anterior muestra a una protagonista que ha roto con los lazos de comunidad y que se siente atomizada en la sociedad. Tal es el estado de Yi Lin que espacios como el hogar -y en especial el comedor-, que deberían permitir la unión familiar y amical, demuestran en la película la separación y el quiebre de las relaciones amicales y familiares.
Pero al final de la película, lo que paradójicamente unirá a las hermanas será aquello que causó la atomización de Yi Lin: la moda. Lu Lu tiene interés en estudiar diseño y establecer su propia compañía, en la cual desea trabajar junto con su hermana. De esta forma, ambas no solo volverán a restablecer los vínculos familiares, sino también recordar que este interés por la moda y la costura se lo deben a su madre.
El mundo cambia rápidamente. Las modas, la gente y nosotras, las modelos. Esta carrera no durará para siempre. Pero aún quiero brillar por mi hermana, mi única familia.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
Por lo tanto, “Un pequeño desfile de modas” propone la posibilidad de un mercado de la moda y el consumo libre de la individualización y la atomización del sujeto. Esto se logrará a través de un modelo donde primen los lazos familiares y amicales, lo que se ve reflejado en el deseo de las hermanas por establecer en el futuro su propia firma de moda.
“Amor en Shanghai”: Recuperando la tradición (y el amor)
La última historia se titula “Amor en Shanghai”, y presenta a tres amigos de infancia -Pan, Li Mo y Xiao Yu- que viven durante su adolescencia en un antiguo barrio estilo shikumen.
Esta entrega nos presenta a Li Mo y Xiao Yu, quienes sienten atracción el uno por el otro, pero se tendrán que separar una vez terminen la escuela, ya que los padres de Xiao Yu desean que ella postule a la universidad de Yangpu. Sin decírselo a sus amigos, Li Mo decide sacrificar todo y postular a la misma universidad, ingresando a la carrera de arquitectura. Y aunque él es aceptado, no lo será Xiao Yu, lo cual supone una despedida para la pareja.
Dicho ingreso a la universidad supondrá una alegría para la familia, ya que encontrarán una razón para mudarse del antiguo shikumen, y con ello “progresar”y ascender socialmente. Aunque todo esto debería interpretarse como símbolo de éxito, para Li Mo aquellos sacrificios resultan ser una carga en la vida adulta. Pese a que estudió en una universidad prestigiosa y obtuvo trabajo en una compañía reconocida, siente que ha dejado de lado sus sueños y su creatividad -estos, desplazados ante la jerarquía y la obediencia a una autoridad-, así como el vínculo con sus amigos, su familia y su pasado.
Esta primera separación viene acompañada de una segunda, en la cual Xiao Yu viaja a Estados Unidos para estudiar. Vemos entonces como una constante la “idea del progreso” y la migración. Se considera de bajo estatus vivir en un lugar antiguo -pese a que el shikumen en algún momento fue símbolo de modernidad al ser un modelo arquitectónico basado en la estética occidental- y no lograr ingresar a una universidad estatal reconocida. Por ello, tanto los padres de Li Mo como de Xiao Yu estarán a la expectativa de que sus hijos logren los mejores puestos y trabajos.
En ese sentido, es tal el deseo de la familia de Xiao Yu por progresar que vemos cómo ella viaja a Estados Unidos con el fin de adquirir conocimiento en el extranjero y, en el mejor de los casos, quedarse, o retornar al país de origen para obtener un mejor trabajo. Este deseo que yace detrás de la migración se da con la expectativa de que la joven no pierda su cultura en el proceso.
Este “ideal del progreso” no solo lo vemos en las familias, sino también en la sociedad a través de la modernización de la ciudad. Al inicio de la película apreciamos que el jefe de Li Mo le encara que los inversionistas apuestan por grandes edificios. Y en la ventana de su cuarto él ve cómo, poco a poco, las zonas antiguas de Shanghai van desapareciendo.
Vemos entonces un proceso que busca “borrar” todo rastro de lo antiguo -edificios, objetos y hasta personas-, lo cual es considerado como signo de “atraso” y “pobreza”, y dar paso a lo “nuevo”. Esto lo podemos confirmar cuando Li Mo regresa al shikumen, el cual luce abandonado y casi destruido. Incluso parece habitar únicamente su abuela. De esta forma, podemos presenciar que en este ímpetu de modernización se desplaza e invisibiliza lo que se considera como “antiguo” e “inútil” o abyecto- para la sociedad (6).
No obstante, será la interacción con este espacio y con sus objetos lo que le permitirá a Li Mo reconciliarse con su pasado. Tras escuchar unos cassettes que había intercambiado con Xiao Yu, decide no abandonar su pasado y emprender un nuevo proyecto: modernizar el shikumen y convertirlo en un atractivo turístico. Con ello iría a contracorriente del sentido común: la destrucción de lo antiguo.
Finalmente, este rescate del pasado por parte de Li Mo vendrá acompañado con el retorno de Xiao Yu. Él, quien ha restaurado una zona llena de historia en Shanghai -lo cual simboliza un respeto por la tradición y el pasado-, podrá reencontrarse con Xiao Yu, quien regresa a China con el conocimiento del extranjero y la modernidad.
De esta forma, la narración propone la posibilidad de una sociedad que pueda lograr la modernidad sin que por ello tenga que borrar su pasado. Asimismo, este proceso de modernización y globalización no tiene que implicar una aculturación. Y por el contrario, se presenta a una generación de jóvenes que conciben el éxito como la posibilidad de establecer una convivencia entre la tradición y la modernidad.
CONCLUSIONES
Finalmente, llama la atención que Shiki Oriori cierre la película con los protagonistas de las tres historias en el aeropuerto. Y esto no debería extrañar al espectador, pues este espacio debe ser entendido como aquel que simboliza la esperanza de la adaptación, la comunicación y el cambio enuna sociedad globalizada.
Por lo tanto, a partir de los temas que hemos expuesto a lo largo del artículo –el pasado, la migración, la modernidad y la tradición– vemos cómo cada uno de los personajes se ha adaptado a su entorno. Y no solo eso; los protagonistas critican algunos sentidos comunes -la pérdida del pasado, la destrucción de lo antiguo y el desplazamiento de algunos cuerpos- y proponen nuevas soluciones ante los problemas que los rodean.
La película parecería recordarle al espectador que la sociedad china, tan acostumbrada al desplazamiento y la migración, siempre encuentra una forma de adaptarse al cambio sin perder en el proceso su pasado e identidad.
Notas:
(1) Autores como Chang señalan la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china, pudiendo reemplazar ingredientes o prescindir de estos. Incluso un mismo alimento puede ser preservado de diversas maneras y presentar diferentes sabores gracias a los distintos procesos de conservación que tiene la cocina china. Esta también se caracteriza por su capacidad de aprovechar al máximo los ingredientes para hacer con ellos la mayor cantidad de platos posibles. Según Kathy Lin esto se debe al principio llamado “yi xing bu xing”, en el cual se debe usar para la cocina todas las partes del animal así como el ser humano utiliza todas las partes de su cuerpo en la vida diaria.
(2) Hay que recordar que China tiene un modelo mixto, donde en el plano económico prácticamente es un país capitalista.
(3) Sobre la noción de los cuerpos en una sociedad capitalista, extractivista y tecnologizada, revisar los artículos de Mononoke Hime y Shelter.
(4) Resulta de más curioso que el nombre del personaje se asemeje al término “lala”, el cual hace referencia al lesbianismo en China. Este dato, junto con la presencia de una “cultura de chicas” -que en Japón llevó a la creación de una cultura que promovía las “amistades apasionadas” entre mujeres adolescentes- lleva a pensar en una reformulación de la “cultura de chicas” en China. En ella, se mezclarían conceptos de piedad filial y los vínculos familiares. Por ello, la película resalta esta “cultura de chicas” donde hay una fuerte relación de hermandad y amistad. Sobre las “amistades apasionadas” y el “amor espiritual” en el shōjo bunka, leer el artículo de Liz and the Blue Bird, y sobre la importancia de la piedad filial y los vínculos familiares, ver Their Story y el cine de Alice Wu.
(5) Es interesante cómo esta “cultura de chicas” permite la inclusión del homosexual -visto en la figura de Steve-, un cuerpo que, por lo general, no suele ser aceptado en la sociedad.
(6) Sobre los cuerpos abyectos, revisar el artículo de Mononoke Hime, en el cual se señala la separación entre un cuerpo “productivo” e “improductivo”, así como el lugar que le da Lady Eboshi en la sociedad a los leprosos.
Bibliografía
Chang, K.C. 2008. “Food in Chinese Culture”. En Asia Society. Consulta: 20 de octubre de 2020.
Han, Qijun. 2019. “Diasporic Chinese family drama through a transnational lens: The Wedding Banquet (1993) and Saving Face (2004)”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 3, pp. 323-343.
Kennedy, Ryan. 2016. Fan and Tsai: Food, Identity, and Connections in the Market Street Chinatown. Doctorado en Filosofía, Departamento de Antropología. Indiana: Indiana University.
Li, Haili. 2019. “Representations and public discourse of Chinese family cultures across media platforms”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 2, pp. 239-247.
Lin, Kathy. 2000. “Chinese Food Cultural Profile”. En EthnoMED. Consulta: 20 de octubre de 2020.
Ma, Guansheng. 2015. “Food, eating, behavior, and culture in Chinese society”. Journal of Ethnic Foods. Volumen 2, número 4, pp. 195-199. Consulta: 20 de octubre de 2020.
🎥 ¿Quién no ha aprovechado en leer algo durante la cuarentena? ¿Ver todas las series que tenía pendiente? O mejor aún: ver todo el catálogo de Netflix ☕️👀. Y entre todas las películas que uno ha podido encontrar, quizás se ha topado con The Half of It,también titulada en castellano Si supieras o Conquista a medias: la historia de una adolescente china que se encuentra, parcialmente, fuera de lugar en su escuela, ubicada en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Si has podido ver sobre su cineasta, Alice Wu, llama la atención la poca filmografía que tiene. Pero eso no nos detendrá para hablar sobre ella el día de hoy. Por ello, ¡#GISugoi te presenta el cine de Alice Wu!
🛬 Nacida en California, Estados Unidos, en 1970, estudió Ciencias de la Computación en la Universidad de Stanford, y trabajó como ingeniera de software en Microsoft. A finales de los noventa se inscribió en un curso de guión en la Universidad de Washington, donde realizó lo que sería la historia de su primera película: Saving Face. Su cine reflexiona sobre la relación del individuo con su comunidad, el bilingüismo, los orígenes familiares y la relación con los padres, y cómo el sujeto lidia con su sexualidad.
🎊 Saving Face (2004) fue la primera película de Alice Wu, y tiene como protagonista a Wilhelmina (Wil) Pang, una cirujana sinoestadounidense que vive en Nueva York. La historia narra dos tramas: por un lado, el deseo de la madre de Wil, Gao, para que su hija se case con otro miembro de la comunidad china pese a ser lesbiana; por otro, la expulsión de la madre de Wil de la casa del padre por estar embarazada fuera del matrimonio, y la búsqueda de un marido para recuperar el honor de la familia. Sin embargo las cosas se complican para Wil cuando, al poco tiempo que comienza a salir con Vivian -sinoestadounidense e hija de su jefe-, su madre se muda con ella.
La película aborda los problemas de la comunidad china en Estados Unidos: tanto el deseo por preservar la lengua -mandarín- y los “valores” entre sus integrantes, como el temor de integrar lo “distinto” y lo que sale a la estructura familiar “tradicional” -homosexualidad, hijos fuera del matrimonio, matrimonio entre personas de generaciones distintas-. En esta doble narración el título hará referencia a cómo Wil y Gao intentan salvar el «rostro» u honor en una familia y comunidad que las ha expulsado.
💌 The Half of It, su segunda película, fue ganadora de un premio en el Festival de Cine de Tribeca y fue estrenada en mayo del 2020 en Netflix. Presenta la vida de Ellie Chu, estudiante que obtiene ingresos adicionales a partir de la venta de ensayos en su escuela. Y si bien tiene la capacidad para postular a la Facultad de Artes en el Grinnell College, en un inicio opta por rechazar dicha oferta, ya que no desea abandonar a su padre, a quien ayuda en su trabajo como operador ferroviario porque no ha podido aprender el idioma. Un día Paul Munsky, miembro del equipo de football, le pide que escriba una carta para Aster Flores, la chica que le gusta. En este proceso, de intercambio de mensajes, Aster caerá en la cuenta de que la persona de la cual se enamoró era Ellie.
En esta historia llama la atención elementos como el cuidado a los padres, lo cual entra dentro del concepto de la “piedad filial” en la cultura china; la integración a la comunidad, esta vez a través de la amistad con otras personas de su escuela, quienes forman a su vez parte de comunidades distintas: “blanco”, asiático y latino; y la construcción de la identidad. Pese a que la narrativa no propone un cierre en la relación entre Ellie y Aster, el solo hecho de que el individuo pueda retornar a su comunidad de origen, donde retomará las amistades y relaciones que quedaron pendientes, ya supone un final feliz. Esto porque, si tomamos en cuenta la fuerte influencia que tiene ser sinodescendiente en las historias de Alice Wu, ser parte de la comunidad china muchas veces supone la ruptura con el lugar de origen (China o alguno de sus pueblos).
‼️ En conclusión, el cine de Alice Wu presenta protagonistas intelectuales y no heterosexuales, donde se señalan las barreras idiomáticas (suelen ser narradas en inglés y mandarín), la convivencia dentro de la misma comunidad, y cómo se reformulan los “valores” de esta en un nuevo contexto. Se trata de un cine que apela mucho a los problemas de los descendientes de migrantes chinos en América (y aquí hago referencia al continente, donde los tusanes también podríamos empatizar con algunos de los problemas vistos en las dos películas), y cómo se produce en cierta medida una marginalidad semejante a la experiencia de los sujetos LGBT en la sociedad.
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Los niños y los borrachos siempre dicen la verdad… al igual que los locos. Y Yumeko Jabami, protagonista de Kakegurui, no se queda atrás. Con sus excesos y locura, ella cuestionará y desestabilizará la jerarquía de la escuela, y con ello el sistema económico y político del país.
Basado en el manga escrito por Homura Kawamoto e ilustrado por Tōru Nomura, Kakegurui es un anime de estudio MAPPA que se estrenó el 2017. La trama transcurre en la Academia Hyakkaō, lugar donde estudian, en su mayoría, hijos e hijas de políticos y dueños de empresas. En este espacio, el éxito de los alumnos dependerá de su habilidad para las apuestas, con lo cual las mayores probabilidades para triunfar se la llevan los alumnos que forman parte de la élite política y económica.
De esa manera, la estructura social de la escuela imita la estructura jerarquizada de la sociedad: hay un grupo en el poder -el consejo estudiantil- que incentiva a que los alumnos luchen a través de las apuestas por el puesto que ocuparán en la jerarquía social. Con ello, algunos estudiantes pertenecerán al cuerpo estudiantil y otros serán las “mascotas” -grupo explotado, desfavorecido y abusado por los demás-. En esta jerarquía se tiene mayores probabilidades de éxito y capacidad de evadir lo más bajo de la estructura social si se posee holgura económica o se tiene conexiones y poder político.
En este contexto aparecerá Yumeko Jabami, la protagonista de Kakegurui, quien es una apostadaora compulsiva que, junto con Mary Saotome y Ryōta Suzui, desestabilizará las normas de la academia. Con ello, tenemos un anime que presenta la figura del loco que, aunado al tropo de la femme fatale, invita a otros personajes a cuestionar la estructura de la escuela.
Biopoder: las clases sociales en Kakegurui
La estructura social que nos presenta el anime es jerarquizada. En la cúspide se encuentra el consejo estudiantil, con Kirari Momobami a la cabeza, el cual maneja el dinero de la escuela y decide sobre la vida y el futuro de los estudiantes que tienen grandes deudas. Los siguientes en la escala son el cuerpo estudiantil, quienes tratan de mantener su estatus a partir de las apuestas y el uso de conexiones políticas y económicas. Y en la base se encuentran las “mascotas” -llamados “Bobby” (ポチ) o “Minina” (ミケ)-, quienes son objeto de maltrato por parte de los demás estudiantes, y de no poder pagar su deuda al consejo, tendrán que obedecer al “plan de vida” que este les imponga.
Podemos apreciar entonces un control sobre los cuerpos por parte de un grupo con poder, lo cual corresponde al concepto de biopoder.
Desde el primer episodio podemos apreciar, a través de la figura de Mary Saotome, una correlación entre el control de los cuerpos y el poder político. Mary, quien se encuentra en lo más alto de la jerarquía en su salón, reta a Yumeko un juego de “piedra, papel o tijeras”. Para ello, los estudiantes del salón deberán dibujar uno de los tres elementos en una carta. Mary “asegura” a su favor el juego a partir de los favores que le deben sus compañeros -el “cuerpo estudiantil”-.
Asimismo, se aprovecha del sistema de “mascotas”, del cual Ryōta es parte, para asegurarse que una de las tres opciones sea la más dibujada por los demás estudiantes. Con ello podemos ver que Mary es un personaje que, como parte del control político, toma control sobre el cuerpo y las decisiones de las demás personas.
Sin embargo, Yumeko descubre la lógica detrás del juego y el mecanismo por el cual se realiza la trampa, y con ello derrota a Mary, con lo cual esta última cae de lo más alto de la estructura del salón y acaba como “mascota”.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Luego del fracaso de Mary contra Yumeko, con lo cual adquiere la etiqueta de “minina”, vemos cómo sucede lo mismo con Yumeko cuando es derrotada por Yuriko -la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional-. Ante la caída del estatus de Mary y Yumeko, Ryota admite que, en el sistema de “mascotas”, las “mininas” son quienes se llevan la peor parte.
Ejemplo del abuso físico y psicológico que reciben las “mininas” lo podemos encontrar en Nanami Tsubomi, quien es maltratada por Jun Kiwatari y su grupo de amigos ya que la consideran su “juguete”. En el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), el consejo estudiantil crea un evento en el cual las “mascotas” y las personas que deben dinero pueden liquidar sus deudas. Kiwatari aprovechará esta oportunidad para demostrar su poder -en sus palabras, posicionarse como “amo”- y humillar a Mary y Yumeko, para lo cual manipulará a Tsubomi y le dará instrucciones que facilitarán el triunfo de él.
Yumeko y Mary, quienes aprovechan este evento para disminuir su deuda y evitar ser forzadas a casarse con altos funcionarios -siguiendo el “Plan de vida” que les impuso el consejo estudiantil-, se aliarán y serán una inspiración para que Tsubomi invierta los roles. A esta admiración que surge por parte de Tsubomi debe sumársele que Yumeko la convence de que deje su posición de “dominada” y desobedezca las instrucciones de Kiwatari, con lo cual se rebela en su contra.
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Por lo tanto, el triunfo sobre Kiwatari, en un arco donde se muestra las jerarquías sociales y el control absoluto sobre los cuerpos más débiles -a tal punto que se les impone con quién deben casarse y tener hijos-, supone un rechazo sobre la concepción del cuerpo de lamujer como objeto de intercambio, el cual está al servicio del matrimonio heterosexual y la reproducción.
Esta posibilidad de rebelión por parte de las clases más desfavorecidas continuará en la segunda temporada, con la aparición de Rei Batsubami. En una competencia por quién obtiene la mayor cantidad de votos para ocupar el puesto de presidente del consejo estudiantil, ella concentrará los votos de los alumnos desfavorecidos o los indecisos. Con ello entrará en competencia y se sublevará contra los miembros del clan Momobami, quienes rebajaron a los Batsubami a ser sirvientes del clan.
La gente tratada como ganado desde que nace nunca se cuestiona el ser tratada así
Rei Batsubami, T. 2 cap. 11
Kirari: ¿Alguna vez pensaste que el comodín pudiera ganar?
Terano: Incluso si lo hiciera, seguiría siendo ganado, que pertenece al clan.
Kirari ¿[Acaso] El comodín no voltea el status quo en su cabeza?
Kirari y Terano, T. 2 cap. 12
No obstante, la rebelión de Rei será momentánea, hasta que es reconocida nuevamente como miembro del clan por parte de Kirari, con lo cual encontramos un límite en este personaje.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Entonces, quienes vemos se llevan el mayor abuso son las “mascotas” y la clase desfavorecida, los cuales deben cumplir con el “Plan de vida” que el consejo estudiantil les impone. Pero también el cuerpo estudiantil es controlado por quienes encabezan este sistema social.
Más allá del “Plan de vida”: luchas de poder y control del cuerpo estudiantil
Hemos visto en el anterior apartado cómo hay un control de los cuerpos por partede la élite hacia las “mascotas”, quienes deben cumplir con un “plan de vida” si es que sus deudas son muy grandes. Dicho “plan de vida” implica la entrega del cuerpo del estudiante a otra persona, sobre todo altos funcionarios. De esta forma, por ejemplo, cuando Mary es “minina” se designa que contraerá matrimonio con un funcionario -llamado Orita-, quien, a pesar de ser un “lolicon”, tiene garantizado el puesto de Ministro de Educación. Incluso el plan prevé cuántos hijos tendrá y cómo vivirá en ese matrimonio.
Otro ejemplo del control del cuerpo como una forma de castigo y dominio absoluto lo podemos apreciar en la apuesta entre la idol Yumemi Yumemite, quien forma parte del consejo, y Yumeko. Si la primera triunfa, tendrá el “Plan de vida” de la última. Ambas serán idols (1), pero Yumeko obligará a Yumeko a acostarse con ejecutivos y actuar en la industria pornográfica. De esta manera, Yumemi usaría el cuerpo de Yumeko como una moneda de intercambio.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Pero el dominio de la élite sobre los estudiantes se puede ver en pequeños detalles que nos presenta el anime, como en el tercer capítulo (“Mujer de ojos rasgados”). En este, Yumeko compite contra Yuriko Nishinotōuin, la presidenta del Club de Investigación de Cultura Tradicional. La primera se percata que todas las integrantes del club tienen perforaciones en las manos, las cuales le permiten a la presidenta hacer trampa en la partida de “Vida o muerte”.
Esto demuestra que la mayoría de los estudiantes o viven con la ilusión de ser independientes y tener poder dentro de la escuela -como Kiwatari-, o algunos voluntariamente obedecen a la élite -aunque eso signifique entregar sus cuerpos- para sobrevivir en el sistema y no caer en lo más bajo del sistema (2).
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Finalmente, podemos encontrar también una lucha por el control de los cuerpos dentro de la misma élite, a partir del personaje de Kaede Manyuda, tesorero del consejo. Él considera que “sacrificio” de las otras chicas es un “bien necesario” para poder él escalar en la jerarquía de poder. De esta forma, el sistema lo ha hecho creer que las personas que no pueden seguir avanzando en esta jerarquía no son iguales a él¿alguien dijo “el pobre es pobre porque quiere”?. Entonces, Manyuda no es capaz de ver a los demás, incluyendo a los miembros del consejo que perdieron contra Yumeko, como sus iguales:
Yumeko: ¿Estás diciendo que Sumeragi es incompetente? ¿Quién eres tú para decir eso? Pero aunque fuera verdad, ¿por qué justificaría que abandone su ambición?
Yumeko a Manyuda, T. 1, cap. 10
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Sensual (y sucio) dinero: poder político y económico
Se ha dicho que la principal fuente del poder político por parte del consejo estudiantil viene del dinero que manejan. Asimismo, los alumnos que tienen mayor cantidad de dinero son los que menos probabilidad tienen de caer en el estatus de “mascota”. Ejemplo de este vínculo entre poder político y económico lo podemos apreciar en la figura de Itsuki Sumeragi, quien es parte del consejo estudiantil e hija del dueño de la fábrica de juguetes más importante de Japón.
El poder económico trae consigo poder político. Muchos estudiantes son familiares de empresarios y líderes políticos. Y en un contexto donde la posición social en la escuela se basa en las apuestas, no basta ser un jugador habilidoso para no sufrirán opresión; esta debe ir de la mano con el acceso al capital. Así, los alumnos que donen la mayor cantidad de dinero al consejo y puedan apostar sumas mayores son quienes se ubicarán en un mejor rango.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Son, entonces, quienes tienen control sobre los medios de producción los que tienen poder político y económico. Este control sobre la producción le permitirá a Sumeragi producir una línea de cartas que le beneficie en sus apuestas, lo cual suplirá, parcialmente, la falta de “habilidad” de Sumeragi para las apuestas. Esta excesiva confianza que tiene sobre el poder que le traen las tecnologías y el control de los medios de producción es lo que la llevará a perder contra Yumeko en un juego de memoria (3).
Y si bien Sumeragi luego apoyará a Yumeko en su plan por enfrentar a la presidenta del consejo, esto lo hace solamente para volver a tener poder, ya que su padre le dio la instrucción de entrar en este para tener contacto con los grupos que controlan la política y las finanzas. Quizás la mayor transgresión que realiza este personaje es ir en contra del “plan de vida” y proponerle a Manyuda liberarse de este.
Kakegurui, estudio MAPPA
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Por lo tanto, en este contexto donde las personas que tienen conexiones y controlan los medios de producción son quienes tienen poder político y económico, surgirán aquellos que buscan rebelarse contra el sistema. Esto lo podemos apreciar en Mary Saotome, quien rechaza el puesto en el consejo estudiantil cuando logra liquidar su deuda:
Es su sistema, y dentro de ese sistema ganaré y perderé. Cuando pienso cómo me controlan, se me agita la sangre y quiero vomitar. ¿Estoy de acuerdo con esto?
Mary Saotome, T.1 cap. 6
Asimismo, en la misma posición se encuentra Yumeko Jabami, quien encarna la figura del jugador compulsivo. Alguien que se dejó llevar por el exceso y la locura, y quien podrá traer el cambio en esta estructura social.
El elogio de la locura (en versión anime):
Yumeko Jabami -la mujer tentadora, la jugadora compulsiva-, desde el primer día de escuela revela las fisuras en el sistema y lo desestabiliza.
La locura es la esencia de las apuestas. En una sociedad capitalista, el dinero y la vida son la misma cosa. Ningún cuerdo confiaría su vida a la fortuna. Y sin embargo, los casinos están llenos de gente que obtiene placer de la locura de arriesgar sus vidas. En ese caso, cuanto más loco estás, más disfrutas las apuestas
Yumeko, T. 1 cap. 1
Ella encuentra una correspondencia con la figura del loco o del bufón, concepto rescatado de Mijaíl Bajtín en sus estudios sobre la literatura medieval. Esta surge en el contexto del carnaval, donde las jerarquías sociales se subvierten y el pueblo -especialmente el bufón- puede confrontar al rey o autoridad.
La relación del anime con el carnaval se ve reflejada con las imágenes del opening, el cual es una genialidad. Con una estética sobrecargada, este nos muestra un festín lleno de alimentos y excesos (4). Estos excesos también se presentarán en el anime a partir de la exagerada gesticulación de los personajes en momentos de placer, soberbia, ira o frustración:
Un festín lleno de voluptuosidad y excesos
Entonces, la posición de bufón que ocupa Yumeko le permite hablar de manera franca y directa contra su oponente -la mayoría, personas que pertenecen a la élite de la escuela-, insultar a su contrincante y bromearle. Esta suerte de discurso inconexo, atributo que se le permite al loco, permitirá finalmente quebrar a su oponente.
Además, Yumeko representa la imagen de la mujer tentadora, una femme fatale que invita a que los demás personajes vayan en contra de la racionalidad y las normas. La femme fatale en la literatura es una figura cargada de sexualidad, quien subvierte el sistema y las normas (5). Si bien originalmente provoca la caída y la locura de los personajes masculinos, también lo puede lograr en los personajes femeninos, especialmente hacia la figura del “ángel del hogar”.
Ello sepuede apreciar, nuevamente, en el capítulo 5 (“La mujer que se convirtió en humano”), donde Yumeko es una femme fatale o mujer tentadora ante Tsubomi, quien representaría a la “mujer ángel”. La “seduce” e incita se rebele contra la figura de autoridad, en este caso masculina. Algunas imágenes que confirman esta «seducción” por parte de Yumeko son las constantes escenas de tensión lésbica que tiene con Mary o incluso con la misma Tsubomi:
Kakegurui, estudio MAPPA
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Incluso podemos apreciar momentos en los que «seduce» tanto a personajes femeninos como masculinos, como a Itsuki, Ryōta, Manyuda o Rei:
Kakegurui, estudio MAPPA
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Kakegurui, estudio MAPPA
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Y no solo Yumeko será construida como femme fatale. Kirari Momobami, como antagonista y personaje que se contrapone de manera directa a Yumeko, también presentará una tensión lésbica con Sayaka Igarashi y, en momentos, con Mary Saotome:
Kakegurui, estudio MAPPA
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Kakegurui, estudio MAPPA
Kakegurui, estudio MAPPA
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Por lo tanto, todo esto nos confirmaría en Kakegurui un triunfo de la femme fatale, y con ello de la “irracionalidad”. Asimismo, se trata de un triunfo de lo sensorial, los sentidos y el deseo, lo cual va en contra del “orden social” que, por un lado, genera una jerarquización entre los sujetos, y por otro, oprime los cuerpos mediante diferentes mecanismos (sumisión de las “mascotas” y el “plan de vida”) (6).
Conclusiones
En conclusión, tanto la primera como la segunda temporada de Kakegurui nos propone una crítica a las jerarquías sociales y una desestructuración de esta. Coloca en primer plano quiénes son los que hacen uso del poder y los mecanismos por los cuales lo obtienen. No se trata de un sistema justo; por el contrario, sus integrantes no se consideran entre sí como iguales ni poseen las mismas oportunidades para escalar y ejercer el poder.
Si bien algunos personajes retoman la posición perdida -como Rei Batsubami-, otros desean mantener su posición política para verse beneficiados a futuro -como Itsuki Sumeragi, Yumemi Yumemite o Yuriko Nishinotōuin-. Será en este contexto donde las figuras de Mary Saotome y Yumeko Jabami lucharán por desestabilizar al sistema y el poder, quizás en vista de proponer algo nuevo.
¿Qué cambios, tretas y apuestas veremos en las siguientes temporadas?
NOTAS:
(1) En la segunda temporada vemos una propuesta interesante que confronta la concepción de las idols y las actrices occidentales. Natari Warakubami es una actriz que tiene talento, pero oculta sus sentimientos. Ella critica a Yumemi, quien no puede controlar ni ocultar sus sentimientos. Y si bien no tiene el talento innato que posee Natari, ha realizado un gran esfuerzo para lograr su meta. Además, es gracias al apoyo de su manager y sus fans que ha logrado triunfar. Se trata, entonces, de un enfrentamiento entre la idea del “genio” Occidental y la del trabajo en equipo en Japón.
Kakegurui, estudio MAPPA
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(2) En ese sentido, también es interesante cómo Yuriko desea mantener su puesto en el consejo estudiantil para mantener a salvo a las integrantes del club. Tanto ella como las demás integrantes saben las ventajas que trae ser parte de dicha élite, por lo cual son capaces de hacer múltiples sacrificios y adaptarse a las normas del sistema sin cuestionarlo. Esto se condice con un proceso de inversión, según Teresa de Lauretis.
(3) El castigo de Sumeragi, quien se arranca las uñas y debe sufrir dolor en sus manos por cada pequeño movimiento que realice, también se condice con el sufrimiento físico que padecen los obreros. El cuidado de las manos y las uñas por parte de Sumeragi acentúa su posición como alguien de la élite, mientras que el trabajo físico y el maltrato del cuerpo y las manos se vincula a la clase obrera. Entonces, la derrota de Sumeragi, quien se arranca las uñas, simboliza la pérdida de su estatus; deja su puesto en el comité y debe vivir bajo las reglas del cuerpo estudiantil.
(4) La imagen del festín y los excesos que se dan en este (gula, lujuria codicia, pereza, entre otros), es típica en el imaginario medieval. Esto lo aborda Bajtín en su análisis sobre la obra y las ilustraciones del Gargantúa y Pantagruel de François Rabelais.
(5) Autoras como Gilbert y Gubar señalan, a partir de la representación de los personajes femeninos en la literatura del siglo XIX, que la femme fatale representa una amenaza contra el poder patriarcal, ya que es lo diametralmente opuesto al ideal de la mujer pura, sumisa y con una sexualidad vinculada exclusivamente a la reproducción.
(6) Algo parecido podemos ver en la obra del Marqués de Sade, especialmente en las 120 jornadas de Sodoma o la escuela del libertinaje. En ella, Sade propone que las personas que sobreviven a los abusos del sistema son aquellos que se entregan a la irracionalidad y la locura. En el caso de sus personajes femeninos, son aquellas que abandonan las normas del recato y la “virtud”, símbolos de lo “civilizado”.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Bajtín, Mijaíl. 2003. La cultura popular en la Edad Media y el Renacimiento. Madrid: Alianza Editorial. Consulta: 16 de setiembre de 2020. <https://ayciiunr.files.wordpress.com/2014/08/bajtin-mijail-la-cultura-popular-en-la-edad-media-y-el-renacimiento-rabelais.pdf>
Foucault, Michel. 2008. Historia de la sexualidad. 1. La voluntad del saber. Buenos Aires: Siglo Veintiuno Editores.
Gilbert, Sandra y Susan Gubar. 1998. La loca del desván: la escritora y la imaginación literaria del siglo XIX. Madrid: Ediciones Cátedra. <https://books.google.com.pe/books?id=WL7oMQ-p7DkC&pg=PA6&hl=es&source=gbs_toc_r&cad=4#v=onepage&q&f=false>
González-Linares, Mario. 2016. «Bajtín, Rabelais y el cuerpo grotesco». Amberes. Revista Cultural.
