Una princesa aburrida y en búsqueda de aventuras se aleja de su castillo siguiendo los pasos Mikoto Kibitsu el exterminador de onis. Junto una chica/coneja irá formando un variopinto cuarteto en un mundo donde ser diferente es motivo de persecución o muerte. Sally y Mikoto luchan contra onis pero tienen diferentes ideales.
Humanos, onis, vampiros, elfos… de todo como en botica
Comienza la nueva temporada de animes y este título llamó mi atención. Y aunque comienza un poco diferente al manga no es más que una cuestión de orden de eventos. Así que hasta ahí todo bien. El primer capi deja ver que en este medieval mundo los semi-humanos son considerados peligrosos por los humanos pues su lado salvaje prevalece sobre la razón.
La fuerza de los onis es tal que los humanos no son rival
Los onis, son otro tema. Tienen inteligencia pero se alimentan de humanos y se acercan a los reinos para pedir “ofrendas vivas” a cambio de vivir en paz. Utilizan a los fuertes monstruos-oni, (animales con cuernos similares a los oni) para atacar a los humanos. Tienen diferentes niveles de poder. Incluso pueden desaparecer todo un reino con un solo ataque.
Ex-princesa Saltherine. Prefiere que la llamen Sally
Saltherine Aldarake
Alias Sally, una princesa cansada de serlo y con sed de aventuras. Luego de ver como un muchacho delgado (no mas alto que ella y al que confundió al inicio con una chica) derrotar a un oni mucho más grande, decide finalmente enfrentar a su padre y hacer prevalecer su deseo de conocer el mundo.
Pero esta princesa no solo sale de lo común por eso. Cuando está cerca algún oni, una fuerza ajena a ella se apodera de su ser y lucha contra su enemigo hasta derrotarlo solo para luego perder el sentido. Tiene un poder oculto similar al de Mikoto. Cuando lucha la pupila de su ojo derecho toma la forma de un durazno. Ni siquiera la bruja del bosque puede indicar de donde proviene el poder que posee.
La persistencia de Sally logra que Frau sea apreciada
Lo que comenzó con un viaje de aventuras se convirtió en una cruzada para Sally. Quiere que el mundo sea mejor, desea fervientemente que no haya discriminación. Hay diferentes tipos de seres en este mundo: Reptilianos, elfos, onis, semi-humanos, humanos, brujas o algún oni que se quedó sin poderes. Y Sally quiere lograr que todos se respeten y toleren entre si. Parecía imposible al inicio pero va teniendo pequeños logros que la motivan a continuar.
Llegará el momento en el que controle su poder y con tal control comenzará a sentir que no debe quedarse mucho tiempo en un mismo lugar. Siente que alguien la está poniendo a prueba con cada oni que aparece en el camino y por el bien de sus nuevos amigos debe continuar su viaje. Afortunadamente, ellos no la dejarán ir sola.
La poderosa Frau. ¿Coneja, angel o demonio?
Frau
La semi-humana, se llama Frau. Es muy fuerte y se comunica de manera muy sencilla y práctica. Tiene 300 años y renunció a sus poderes hace tiempo. Es una semi-humana fuera de lo usual y eso es porque al parecer ella proviene del cielo. Ha muerto más de una vez y está dispuesta a seguir a Sally porque no solo le dio una zanahoria, sino que considera que tiene el corazón en el lugar correcto.
Hawthorn es humano pero uno fuerte y noble
Hawthorn Grattor
A Sally y Frau se les unirán Hawthorn Grattor, Comandante de los Caballeros Reales del Reino de Rimdarl. Muy querido y estimado por la gente del reino. Lamentablemente su reino fue vaporizado por un oni. Se une a las chicas y acepta enseñarle a luchar con la espada a Sally. No tiene prejuicios. Rapidamente hace amistad con Frau y con Karrot.
Eye oni detesta a los humanos.
Karrot
La oni llamada Eye Oni tenía un cuerno y un ojo demoniaco que le permitía reproducir varios «ojos» y espiar todo de diferentes ángulos. También podía lanzar un poderoso rayo destructor que drenaba su energía y la dejaba reducida de tamaño. Pero Mikoto se cruzó en su camino y en lugar de matarla, la despoja de su cuerno y ojo de oni.
Un horrible ojo pero poderoso
Cualquier oni al quedar sin lo que lo marca como tal, es despreciado tanto por los onis como por los humanos. La muerte es mejor consuelo que continuar viviendo. Pero no sucede así con esta oni. Al inicio aceptará ser espía de su raza, pero conocerá la gentileza al lado de estos humanos lo cual hará que cambie de parecer. Frau la bautizará como Karrot. Comprensible pues ¿Qué más le puede gustar a una coneja?
Mikoto en modo lucha
Kibitsu Mikoto
¿Y que hay del joven al que Sally intenta alcanzar? Se hace llamar Kibitsu Mikoto, aparentemente es débil, pero tiene una capacidad de lucha muy grande. Cuando lucha, ambos ojos muestran un durazno donde la pupila normalmente se ve. Lo acompaña un perro que habla y que sirvió al verdadero Kibitsu Mikoto. Detesta a los oni y está dispuesto a erradicarlos del mundo. Disfruta de matarlos pero no siempre se deja llevar por la sed de sangre que siente. A veces el peor castigo es dejar a un oni sin poderes.
Mikoto y Sally son imparables cuando luchan
La máxima compañía que acepta es la del perro. Pero en algún momento le seguirá una oni vestida de monja que le hará gastar demasiado en comida. La idea de Sally quizás llegue a calar en él algún día.
Imperial Oni
Imperial Oni
Detrás de todos los onis que se presentan a luchar con el grupo de Sally, está Imperial Oni. Es muy inteligente y no muestra su poder fácilmente. Es respetado incluso por God Oni que es más fuerte que él. De correcto hablar y de intenciones aún no muy claras, sigue los pasos de los viajantes y ofrece a Sally unirse para lograr el gran fin de acabar con el odio entre humanos y onis. Los gestos que hace cuando nadie lo ve hacen dudar sobre sus verdaderas intenciones.
El manga
Comenzó como una Webmanga en el 2008 escrito por Coolkyousinnjya. En el 2015 se presenta el remake escrito nuevamente por Coolkyousinnjya pero ilustrado por Johanne. Publicado por Kodansha ya tiene recopilados 9 volúmenes y sigue en publicación.
El anime
Asahi Production es el estudio a cargo de la animación. La dirección va a cargo de Shigeru Ueda y es escrito por Keiichiro Ochi y ha sido licenciado por Crunchyroll. Esta temporada constará de 12 episodios.
La calidad de animación es estupenda, la dosis de gore bien balanceada, hay personajes con misteriosos pasados y una intención de tener un mundo mejor. Algo que todos queremos, es difícil de llevar a cabo pero no imposible.
La música
La música del anime está a cargo de Takaaki Nakahashi
En cuanto al OPENING tenemos una muy animada «Dark spiral journey» cantada por Yuko Suzuhana.
Vemos como Sally y Mikoto hacen camino por separado pero hay un vínculo entre ellos. Ese poder que tienen en común es uno de los misterios por resolver. No es el hilo rojo del destino pero la forma en que lo presentan hace pensar que quizás sean hermanos.
El ENDING se llama «Yoru Wo Koeru Ashikto» cantada por Miteino Hanashi. Aqui les comparto la canción. La imagen aún no está en línea pues recién ha salido el primer capítulo y está calientito.
https://youtu.be/1BzFVuFP0ZI
Es uno de los más esperados de esta temporada. Y tanto misterio me ha dejado enganchada. Disfrútenlo!
¿Tu sueño es ser un mangaka exitoso y planeas hacer todo lo posible para que ese sueño se concrete? Genial. Quiere decir que todavía estás a tiempo. Así es. Presta atención: arrepiéntete ahora que tienes chance. No es broma. Recapacita. Reacciona. Recula. Retrocede. Y luego, mira Monthly Girls’ Nozaki-kun y convéncete.
Por supuesto, estoy exagerando. Monthly Girls’ Nozaki-kun (Gekkan Shoujo Nozaki-kunen su título original; Nozaki y su revista mensual para chicas, para su edición en español) fue lanzado originalmente el 25 de agosto del 2011 en el sitio web de Gangan Comics. Dicho sello editorial es propiedad del conglomerado empresarial Square Enix Holdings, famoso mundialmente gracias a su compañía subsidiaria Square Enix, desarrolladora de algunas de las franquicias de videojuegos de rol más populares de la historia (Final Fantasy, Dragon Quest, Kingdom Hearts y la lista sigue).
A su vez, Gangan Comics cuenta entre sus publicaciones a títulos igual de célebres, como Fullmetal Alchemist, Akame ga Kill!, Black Butler y Kakegurui. La aparición de Monthly Girls’ Nozaki-kun, sin embargo, es inusual.
Izumi Tsubaki: especialista en yonkoma
Escrito e ilustrado por Izumi Tsubaki, el manga en cuestión no es uno tradicional, sino un yonkoma, que en español quiere decir “manga de 4 viñetas”. Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun está más próximo a lo que los occidentales conocemos como tira cómica, una historieta breve que relata un acontecimiento en pocos cuadros. Pero, mientras que la tira cómica occidental normalmente presenta paneles distribuidos de forma horizontal, el yonkoma hace lo propio de manera vertical.
De esa forma, cada anécdota suele concluir en una sola hoja, en cuatro fases diferentes. Esta configuración dramática se conoce comoKishoutenketsu, y remite a las estructuras narrativas clásicas japonesas, chinas y coreanas. En Japón, las cuatro fases llevan el nombre de kiku (introducción), shouku (desarrollo), tenku (giro inesperado) y kekku (conclusión). Cabe precisar que esta estructura contiene una etapa más que el modelo clásico aristotélico, el cual condensa el relato en tres actos: planteamiento, nudo y desenlace. Para Monthly Girls’ Nozaki-Kun, cada desventura puede contenerse en una sola hoja y contarse en cuatro momentos claves.
Primeros yonkomas de Monthly Girls’ Nozaki-kun
Al tratarse, en esencia, de una tira cómica, hay que considerar las características del formato. Es decir, este manga no tiene una narración amplia que se suceda en varios episodios consecutivos. No. Un solo capítulo se divide en escenas independientes, cada una con su propia lógica interior. Y la lógica de este manga está subordinada al género donde encaja: la comedia romántica.
Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun girará en torno a los malentendidos románticos provistos por dos protagonistas: Chiyo Sakura, una estudiante de secundaria, sensible, estudiosa e idealista; y Umetarou Nozaki, objeto amoroso de Chiyo, y mangaka en ciernes que vive y muere por su oficio (mangaka es el término japonés que designa al historietista). El germen cómico se erigirá a partir de estos objetivos opuestos e irreconciliables: Chiyo ama a Nozaki, pero Nozaki solo ama a su trabajo.
Ganganonline: biblioteca manga al alcance de un click
Este yonkoma de Tsubaki-san añade otra particularidad: su estirpe digital. Y es que Monthly Girls’ Nozaki-kun apareció primero en Gangan Online, la revista virtual gratuita de Gangan Comics que funciona en el dominio ganganonline.com.
Dicho sitio web ofrece una variedad de mangas en distintas configuraciones. El acceso a algunos números es previo pago o mediante el acceso a una aplicación para celular. Asimismo, el visitante puede navegar por una serie de títulos con episodios de libre acceso. Incluso, algunos números de Monthly Girls’ Nozaki-kun se encuentran disponibles para su lectura. Hasta se pueden apreciar banners celebratorios por el aniversario de esta exitosa franquicia. Lamentablemente, la totalidad de la página se encuentra en japonés.
Página de inicio de ganganonline
Algunos títulos disponibles
Lectura al alcance de un click
Banner del aniversario de su título estrella
Yonkoma de Monthly Girls’ Nozaki-kun
Pero el propósito de este texto no se ciñe al manga, sino al anime del mismo nombre, producido por el estudio de animación Doga Kobo y estrenado en la cadena TV Tokyo el 07 de Julio del 2014. Por eso, ocupémonos de lo que nos compete:lo bueno, lo malo y lo feo de la adaptación animada de Monthly Girls’ Nozaki-kun, que en verdad debería llamarse Cómo aprender a vivir como mangaka explotando laboralmente a tus amigos sin que se den cuenta.
Romance ad-honorem
El argumento del anime sigue la misma pauta del manga: una tarde cualquiera, Chiyo Sakura decide confesarle su amor a Umetarou Nozaki, su compañero de clase. Sin embargo, Nozaki, que secretamente se desempeña como autor de manga shoujo, confunde la confesión de Sakura con un pedido de autógrafo, al cual accede. La confusión empeora cuando Nozaki entiende al pie de la letra una segunda revelación de Sakura: ella admite que, en verdad, quiere estar con él. Nozaki entiende, por supuesto, que la jovencita quiere estar con él, pero literalmente a su lado por toda esa tarde, ayudándolo a pasar a limpio los bocetos de su historieta. De pronto, Sakura acaba de convertirse en la asistente ad-honorem de su amado.
La manera en que este título presenta a ambos protagonistas es ideal. Sin siquiera ser consciente de ello, el espectador puede reconocer el conflicto principal que articulará todo el drama: el amor imposible entre los protagonistas.
¿Amor a primera vista?
Esta pugna romántica irreconciliable no es original, pero no por eso la intriga deja de ser eficaz. ¿Cuántas ocurrencias es capaz de acometer Sakura para declararle su amor a Nozaki? ¿Qué tan imperturbable puede permanecer Nozaki ante las indirectas de nuestra heroína? Mientras tanto, el espectador sufre y goza con las idas y venidas de este romance, aderezado por las carencias presentes en la vida laboral de los mangakas en Japón.
Crónica de un naufragio laboral
Y quizás aquel flanco de la anécdota sea el más interesante. Porque Monthly Girls’ Nozaki-kun no solo funciona como una comedia romántica, sino también como una crónica que desmenuza el día a día de los artistas gráficos en tierras niponas. Después de todo, Nozaki es un dibujante que se está abriendo paso en el ultra competitivo mercado gráfico japonés.
El manga de su autoría, llamado Let’s Fall in Love (que en español quiere decir Enamorémonos) se publica en Monthly Girls’ Romance, una revista típica de manga shoujo que agrupa trabajos de varios autores, y que se imprime en papel económico (como suelen ser este tipo de revistas antológicas). Además, Let’s Fall in Love también se edita en tankobons(volúmenes serializados que recopilan los episodios de un único título, los cuales pueden haber sido publicados previamente en alguna revista similar a Monthly Girls’ Romance).
Chiyo Sakura leyendo Let’s Fall in Love en Monthly Girls’ Romance
Por lo tanto, Nozaki es un mangaka con presencia en el mercado. ¿Y cómo es la vida de un artista gráfico en actividad en el Japón de hoy? Según lo que podemos atestiguar en la serie, se trata de una vida sacrificada, por utilizar una expresión benigna. Porque la historieta no acaba con el trazo final de la última viñeta. Ese es solo el comienzo.
¿Todo sea por el amor al arte?
Una vez que Nozaki concluye su primer boceto, debe recurrir a sus asistentes para que acaben de darle forma a su nueva entrega. Esto involucra a Sakura, que tiene el rol deentintadora (básicamente, ella es la que pasa a limpio el boceto). Además de Sakura, Nozaki cuenta con tres asistentes adicionales: Mikoto Mikoshiba, que se encarga de decorar los fondos con detalles ornamentales; Masayuki Hori, responsable de diseñar las escenografías que adornarán los fondos; y Hirotaka Wakamatsu, hábil para la incorporación de sombras y texturas en la copia final que luego será enviada al editor.
El trabajo no para
Por supuesto, al tratarse de un artista de éxito relativo, Nozaki no puede darse el lujo de pagarle a sus asistentes, quienes lo ayudan de buena voluntad. Pero la necesidad de Nozaki no conoce límites: ahí están las arduas sesiones de dibujo del equipo, que puede incluir jornadas sin cenar, e incluso amanecidas; lo que sea con tal de terminar el último número pendiente. Y no hay que dejar de lado el trabajo de campo: incursiones en el exterior para encontrar material de referencia (desde modelos humanos hasta ejemplos escenográficos), y viajes a tiendas por departamento para suplir la falta de herramientas de dibujo.
Y la única recompensa que reciben los amigos/asistentes de Nozaki es la satisfacción de haber colaborado con un mangaka auténtico. ¿Dónde está la Sunafil cuando se le necesita?
¿Comedia romántica o sátira de denuncia?
Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun nos permite experimentar, de primera mano, la trayectoria editorial de una historieta nipona, desde su gestación en la fase de inspiración (basta que algo mínimamente memorable le pase a Nozaki para que este extraiga su libreta y lo registre como potencial episodio próximo), hasta su tramo final, cuando el editor a cargo da el visto bueno (si es que no solicita alguna corrección inmediata).
Y en el ínterin, sufrimos juntos a nuestros héroes la enredada madeja de problemas con los que tienen que lidiar: líos románticos, obligaciones académicas, minucias cotidianas (como comprar víveres o ropa) y hasta la presión de los jefes (no solo están los rígidos plazos de entrega, sino también la imperante necesidad de ofrecer un producto que no se aleje de las expectativas del público y que no arriesgue las ventas de la casa editorial).
Ni siquiera la enfermedad disuade a nuestro mangaka favorito
Aunque no se trata de un anime de denuncia, el mensaje entre líneas es evidente: la vida de los artistas gráficos nipones es una ordalía sin fin. El estado japonés no garantiza su estabilidad económica ni protege sus derechos laborales. Al contrario, sume a los artistas en la precariedad profesional. No hay día de descanso ni vacaciones y, la mayoría de las veces, el tiempo libre de los dibujantes debe ser puesto al servicio de la revista. Eso es justo lo que demuestra la actitud de Nozaki: contra viento y marea, aunque llueva o truene, siempre prevalece su afán por ser un verdadero obrero del manga.
Amor en los tiempos del shoujo
Pero Monthly Girls’ Nozaki-kun no es un documental y, a pesar de servir de retrato del arduo día a día de un mangaka, también es una irreverente comedia romántica. Todo asomo de solemnidad es desbaratado con la introducción de un elemento inesperado. La colisión de lo ceremonioso con lo absurdo en un entorno adolescente (donde los sentimientos más extremos aguardan a flor de piel) resulta en desatinos divertidísimos, que a su vez propician disparates de mayor envergadura.
¿shoujo dentro de otro shoujo?
Además, hay un dimensión adicional que puede pasar desapercibida, y esa es la cualidad meta-dramática que posee la serie. Porque, recordemos, Nozaki es un fabricante de fantasías románticas para jovencitas adolescentes (su manga, Let’s Fall in Love, se rige bajo los preceptos del género shoujo). Al mismo tiempo, la propia historia romántica entre Chiyo y Nozaki se va desenvolviendo en una mecánica similar (y Nozaki lo evidencia cada vez que se esmera en incorporar las experiencias propias en sus ficciones gráficas). De esa forma, el espectador es capaz de reparar en las particularidades del género romántico gracias al efecto espejo que se crea por el reflejo de una ficción dentro de otra ficción.
Al final de cuentas, de eso se trata: de como el romance siempre impone sus veleidades en el papel y en la vida. En Monthly Girls’ Nozaki-kun, el amor, como en casi todas partes, es un vehículo para poner en aprietos hasta a los más avezados; y es esa vorágine la que invita al espectador a ser cómplice de nuestros héroes colegiales. Es natural que cualquiera que disfrute con las desventuras de estos adolescentes se sienta identificado. Después de todo… ¿Quién no ha sido víctima de las peores torpezas a la hora de congeniar el amor con el trabajo, los estudios, o con cualquier cosa?
La inmortalidad es un concepto que ha fascinado al ser humano desde sus orígenes. Ha sido parte de muchas culturas y religiones además de ser un elemento muy usado en diversas artes y entretenimientos; en su mayoría se convierte un un objetivo o ideal de búsqueda, una promesa luego de una vida terrenal, pero también nos hace entender que una existencia eterna hace que el valor de la vida pierda sentido, una bendición que a la larga se puede convertir en una terrible cruz.
Mugen no Jūnin (El habitante del infinito) , más conocido en occidente como La Espada del Inmortal, es un manga seinen de género histórico con guion y arte de Hiroaki Samura, empezó a publicarse en la revista Monthly Afternoon de Kodansha desde junio de 1993 hasta diciembre del 2012, llegando a publicar 30 volúmenes; cuenta con dos adaptaciones al anime, una novela, una película Live Action y un manga secuela.
Inmortal conoce a chica
La historia gira en medio de la era Edo, en la cual vive un ronin llamado Manji, conocido como «El asesino de 100 hombres», el cual recibió de una extraña anciana llamada Yaobikuni (una especie de sirena del folclore japonés) unos extraños gusanos conocidos como «kessen-chū», los cuales le permiten curar cualquier herida que su cuerpo reciba. Luego de vivir dos años en esa condición, llega a un acuerdo con la anciana, en la cual se compromete a matar a 1000 criminales para redimirse de los crímenes anteriores, y así dejar de ser inmortal. Yaobikuni se pone en contacto con una joven que requiere un guardaespaldas ; de esa forma se inicia el sangriento y brutal camino de venganza y redención.
Rin es una joven de 16 años, dos años antes el dojo de su padre fue atacado por un grupo grupo llamado Itto-Ryu, liderados por el carismático Anotsu Kagehisa, cuyo objetivo es derrotar y unificar a todos los dojos de Japón bajo un único concepto: ganar sin importar que técnicas o armas uses, y permitiendo que cualquier persona pueda practicarlo. Ellos asesinaron al padre de Rin y violaron a su madre, la cual luego desapareció. A pesar de no ser muy hábil en la lucha, está decidida en lograr su objetivo de venganza. Manji decide ayudarla ya que Rin le recordaba a su hermana menor, la cual murió por su culpa.
Nuestro protagonista es cínico por naturaleza, en parte a los sucesos que lo condujeron a ser inmortal , en un inicio acepta de mala gana ser guardaespaldas de Rin, pero a medida que la historia avanza, muestra una mayor preocupación por ella; por otro lado, Rin suele ser ingenua e impulsiva, lo que ocasiona que Manji tenga que salvarla en varias ocasiones; poco a poco la veremos madurar y volverse mas fuerte a su manera ,e incluso arriesgar su vida para salvar a Manji.
Mientras se dedican a dar caza a los miembros del Itto-Ryu, surge otro grupo llamado Mugai-ryu, los cuales también se encuentran persiguiendo a los del Itto-Ryu, peor aún las cosas se complican para todos cuando un poderoso magistrado empiece a involucrarse . Esta historia cuenta con un grupo variopinto de personajes, con diversas motivaciones por la cual luchar, destacando a Kagehisa, el serio líder del Itto-Ryu , el cual esta decidido a todo a cumplir su objetivo ; Otono Tachibana Makie, la melancólica guerrera; la astuta Hyakurin; el desquiciado Shira; entre otros.
Muchas, pero muchas armas y un arte de primera
Hay que destacar la cantidad de armas y técnicas que usan la mayoría de personajes, las cuales le pueden hacer competencia a Rurouni Kenshin , por lo estrambóticas y curiosas que son. Solo ver a Manji desplegar todas sus espadas, katanas, puñales, cuchillos, ect. ya en sí es una locura; el resto de armas que veremos son de lo más llamativos: la espada tipo hacha de Kagehisa, La lanza de Makie, las hoces con cadenas de Giichi, la espada doble de Taito, los puñales de Rin, etc. Las escenas de batalla son intensas y sangrientas, el autor no deja nada a la imaginación y veremos usar los mas variados estilos de lucha.
El arte de Samura es una de los mejores que haya visto, un manejo integral del dibujo, composición, diseño de personajes y escenarios, cada escena de pelea parece una obra de arte, sin dejar de lado que el autor no escatima en mostrarnos escenas de mucha crudeza.
Una excelente adaptación anime
El 2008 tuvo su primera adaptación al anime, la cual contó con 13 episodios; de forma sorpresiva el 2019 se realizó una nueva versión, esta vez abarcando toda la historia del manga, la cual fue producida por los estudios Liden y fue proyectada en streaming por Amazon Prime Video. Hay que resaltar la buena calidad de esta última adaptación, la cual supo transmitir la esencia del material original. Esta serie contó con 24 episodios y contó con la participación del reconocido seiyuu Kenjirō Tsuda (Tatsu en Gokushusfudo) como Manji.
Un detalle para resaltar es el símbolo que figura en el kimono de Manji, el cual es una esvástica invertida, conocida como sauvástica , el cual es considerado como símbolo de prosperidad y buena fortuna, no tiene nada que ver con el símbolo del partido Nazi ,por culpa de ello ha habido mucha polémica (en occidente) con el uso de esta imagen ,en especial con el anime de Tokyo Revengers, el cual curiosamente es también producido por el mismo estudio que hizo la versión anime de La Espada del Inmortal.
Estamos ante uno de los mejores exponentes de su género, una historia adulta, perturbadora, con toques fantásticos y mucha acción, personajes carismáticos y un hermoso arte. Un clásico inmortal del manga.
La existencia de la humanidad ha llegado a su fin. Las deidades están cansadas de ver que los humanos descuiden el mundo que habitan y por mayoría de votos va a ser exterminada. Pero la Valkiria Brunilda propone la “Lucha Definitiva” Dioses vs humanos, el Ragnarok.
La lucha entre Dioses y Humanos. El Ragnarok
“Shumatsu no Valkyrie”, también titulada “Record of Ragnarok” es una historia cuyo manga ha tenido mucho éxito. La animación la ha licenciado Netflix, que nos ha dejado ver los 12 primeros episodios que son tan buenos que más de uno se lo termina en una noche, solo para quedar con la miel en los labios. Afortunadamente el público la ha colocado entre los 10 primeros puestos, así que fácilmente veremos la segunda temporada a finales del 2021 o comienzos del 2022.
A primera vista parece una serie de peleas espectaculares pero es más que eso. Cada personaje tiene un llamativo o cuestionado trasfondo que a uno le pica la curiosidad. Como el porqué una valkiria, Brunilda, aboga por los humanos y es que ella es mitad humana. Desea que los dioses sean derrotados y humillados . O el hecho de que Adán al ser hecho a imagen y semejanza de Dios tiene un poder llamado «Reflejo Divino» que le permite copiar los ataques de sus enemigos. Y el caso del «Perdedor más Grande» que es elegido porque con la experiencia ganada en la derrota, obtenía una victoria virtual recrear la pelea «en su mente».
Los dioses que más figuran son los griegos, como , Hermes, Zeus y Afrodita; nórdicos como Thor, Loki y Odín; hindúes como Shiva, entre otros. Todos pensaron que terminaría penosamente rápido, pero terminan disfrutando el ser testigos de unas peleas bastante parejas. Los humanos le ponen tanto empeño a querer sobrevivir que rozan el nivel divino.
Brunilda, la Valkiria
Brunilda sustenta su petición en el artículo No. 62, párrafo 15 de la constitución del Valhalla, el cual detalla que este enfrentamiento de 1 contra 1 entre los dioses y la humanidad, constará de 13 combatientes de cada lado, el primero en lograr 7 victorias será el ganador. Si la Humanidad pierde, serán extintos, pero si logran ganar, podrán vivir por 1000 años más.
Claro que ese artículo fue puesto como una broma por parte de los dioses ya que es IMPOSIBLE que un humano derrote a un Dios. Y aunque los dioses protestaron por perder el tiempo en una propuesta tan inútil. Brunilda sugiere que quizás teman enfrentar a los humanos. Esto ocasiona que los orgullosos dioses acepten el reto de enfrentar a los humanos.
Los luchadores
La Valkiria Brunilda será la encargada de elegir a los 13 humanos que pelearan en el Ragnarok contra los dioses. Ella elegirá no solo a correctos paladines de la justicia, sino también a cuestionados asesinos, inventores, visionarios o escritores o a alguien que nunca en su vida ganó una batalla.
Por parte de los dioses participarán Apolo, Susanoo, Belcebú, Shiva, Odín, Loki, Poseídon, Zeus entre otros conocidos. Los demás serán meros espectadores de las peleas más increíbles.
Para hacer un poco más justa la pelea, las valkirias apoyarán al luchador humano al forjar con él un volundr, un arma adecuada a la técnica que usan y en la cual colocarán sus espíritus. Solo así potenciarán el poder de un humano sobresaliente para que pueda enfrentar a un dios. Pero al hacerlo el destino de la valkiria y del humano estarán unidos.
Son 3 espectaculares peleas en la Arena Valhalla que veremos en esta temporada. El texto da solo una idea de lo grandiosas que fueron así que hay que verlas.
Thor vs Lü Bu
Todos tenemos una idea de cómo luce Thor: fuerte y digno. Aparte de eso, esta versión del Dios del Rayo, es pelirrojo y lleva unos guantes llamados Járngreipr los cuales le permiten sujetar al conocido y poderoso martillo Mjolnir. Pero no es así, dichos guantes evitan que la extrema fuerza del dios dañe al martillo mientras está dormido. Cuando Mjolnir despierta es cuando Thor puede sujetarlo sin dicha ayuda y se convierte en un poderoso martillo monstruoso que tiene un corazón que late y carne que sobresale de sus uniones.
El poderoso Thor
Lü Bu
Luchando por la humanidad tenemos a Lü Bu, de procedencia china/mongol, un hombre que sobrepasaba su límites entrenando día a día, llegando a dividir las nubes con ayuda de su alabarda. Llega a obtener un técnica de pelea definitiva pero nunca tuvo un rival con quien aplicarla. Montaba su caballo Liebre Roja y tenía muchos seguidores que lo admiraban. Contra lo que se cuenta, él no murió suplicando por su vida, más bien esperaba la muerte pues estaba muy aburrido.
Mjolnir no solo es monstruosamente enorme sino también esta vivo
Al inicial la pelea Lü Bu con ayuda de la valkiria Randgríðr forja una alabarda con la que podrá enfrentar a la máxima defensa. Con ello logra que la primera sangre derramada en la arena sea de Thor. Ambos luchadores están contentos de pelear contra alguien tan fuerte. Lü Bu parece tener mejor dominio de la pelea pero Mjolnir despierta y todo cambia. Thor ataca con toda su fuerza pero es bloqueado por su contrincante. El bloqueo habrá sido efectivo pero el precio a pagar fue grande, ambas piernas tienen los huesos rotos y solo se sigue manteniendo en pie con fuerza de voluntad y la ayuda de su alabarda.
Lü Bu peleó con toda su fuerza
Thor se apresta a rematarlo, en ese momento ingresa a la arena el fiel caballo Liebre Roja. Lü Bu monta sobre él y no es descalificado porque en las batallas el caballo se volvía una extensión del cuerpo de su amo. La lucha contínua y ambos presentan su mejor técnica y es Lü Bu quien recibe el mayor daño. Pierde un brazo y una pierna, el brazo que le queda solo cuelga de piel. Su alabarda ha sido destruida, es decir Randgríðr, la valkiria ha muerto. Con los dientes se arranca el brazo que le queda y se lanza con orgullo guerrero hacia Thor, quien no duda en dar el último golpe que lo decapita. Los fieles seguidores de Lü Bu lo siguen también en la muerte. La victoria ha sido para los dioses.
Zeus vs Adán
El Padre de la mayor parte de los dioses contra el Padre de la Humanidad. Shiva iba a ser el dios que peleara en esta contienda pero Zeus insistió. A primera vista Zeus es solo un viejito enjuto cubierto por una túnica. Pero al momentos de la lucha cambia su cuerpo a uno muy musculoso. Adán es joven y sólo viste la hoja de parra usual. Ya que va a enfrentar a un dios, forja junto a la valkiria Reginleif un volundr que toma la forma de una nudillera. Parece poco, pero con su habilidad «Reflejo Divino», Adán logra golpear duramente a su contrincante sin recibir ningún golpe. El gran Zeus cae con la cabeza completamente volteada y casi dan por ganador a Adán.
Zeus adopta la poderosa forma de Adamas
El Padre de los Dioses, emocionado se ve obligado a cambiar físicamente a una forma llamada Adamas (Diamante) en la que se comprimen sus músculos para brindar golpes mucho más potentes. Pero al haber recibido tanto daño le queda poca energía. Adán por otro lado, ha estado usando demasiado su poder y su cuerpo está sufriendo daño. Ambos peleadores deben dar su máximo esfuerzo para definir al ganador YA.
La pelea de Adán y Zeus parecía pareja al inicio
El cuerpo de Adán colapsa primero, queda ciego y recibe el primero de muchos golpes por parte de Zeus. La humanidad mira horrorizada la escena. Pero Adán está decidido a luchar por sus hijos y logra coger del cabello al anciano. Los golpes ahora son repartidos mas equitativamente. Hasta que finalmente todo se paraliza. El único en pie con una sonrisa es Adán, mientras Zeus está de rodillas y su cuerpo vuelve a su forma enjuta. La victoria es para Zeus pues Adán, aún de pie, había dado su último aliento antes de que Zeus cayera.
Zeus reconoce el poder de Adán
Poseidón vs Kojiro Sasaki
Poseidón, hijo de Zeus, es presentado al ingresar a la arena como muy poderoso, frío y letal. Mientras que a Kojiro se le presenta como el Mayor Perdedor de la Historia de la Humanidad, pero ojo, es un personaje que evoluciona cada vez que pierde. Por lo que incluso después de muerto ha seguido mejorando y tiende a «visualizar en su mente» el resultado de cada acción que fuera a tomar. Una vez que derrotaba en su mente a su rival, no veía necesario el enfrentarlo de la manera usual. En vida perdió ante los más grandes espadachines y a todos les ganó en su mente. Así había alcanzado el nivel perfecto. Se le ve avejentado pues ya tiene la experiencia y está en su mejor momento.
Al iniciar la pelea ninguno da el primer paso. Poseidón espera que Kojiro se mueva para atacarlo sin más, mientras que Kojiro estudia la mejor manera de atacar sin ser eliminado. Finalmente lanza el primer ataque, dejando intrigado a Poseidón por la manera en que le devuelve el golpe. Para esta pelea, por medio del volundr, la valkiria Hrist se convierte en la espada Monohoshizao, que se traduce como Vara de secar la ropa. Junto a esta arma, Kojiro lucha conociendo los ataques de Poseidón pues ya los ha enfrentado en su hábil mente.
Poseidón logra herir a Sasaki
Pero Poseidón decide ser más rápido que el análisis de Kojiro y arremete de tal manera que lo hiere en un costado. El dios de los mares ahora no sólo mira a los ojos a un humano por primera vez, sino que también se dirige hacia Kojiro y se burla de su fallido análisis. La lucha continúa y esta vez Poseidón logra romper la espada de su rival. Con renovadas energías, Kojiro sujeta decidido los dos pedazos de su espada. La dualidad de la valkiria Hrist permite que aparezcan dos espadas. La lucha se reinicia y Sasaki usa todas las técnicas aprendidas en su derrotas. El cuerpo de Poseidón presenta cada vez más cortes y el suelo bajo sus pies se mancha de sangre.
Sasaki ahora tiene dos espadas y está cerca del triunfo
Finalmente, Sasaki recibe ánimos de todos los que fueron sus compañeros de lucha y de los cuales aprendió. Esto le da el último empujón para perfeccionar su técnica con la que logra literalmente hacer pedazos al orgulloso Poseidón. El Más Grande Perdedor ahora es el primer humano en derrotar a un Dios.
Los dioses ahora si se tomarán en serio a los humanos en las siguientes peleas. La que sigue es el enfrentamiento de Ares vs Jack el Destripador. Pero eso lo veremos animado en la segunda temporada. Sino pueden esperar pueden leerlo en el manga.
El Manga
El manga es de estilo Seinen y fue escrito por Takumi Fukui y Shinya Umemura y dibujado por Azychika. Es publicado por Gekkan Comic Zenon desde el 25 de noviembre 2017 y ya tiene 11 volúmenes publicados. El personaje de Lü Bu tiene su propio manga Spin-off cortesía de Takeo Ono, el cual sigue en publicación y van 4 tomos publicados.
El Anime
La animación es ONA Original Net dirigido por Masao Ōkubo y el estudio Graphinica. Como fue licenciada por Netflix la pueden encontrar en su lista de estrenos de este mes. El diseño de los personajes es similar al del manga. Las peleas son brutales. Los personajes pueden tener un comportamiento muy serio que contrastan con los momentos cómicos. La primera temporada consta de 12 episodios y se espera para fines de año o inicios del 2022 la siguiente temporada.
Opening y Ending
El Opening se titula «Kamigami». La banda japonesa Maximum Hormone pone una canción fuerte de ritmo que presenta a todos los personajes que veremos esta estupenda animación.
https://youtu.be/Lo9lCTgE3Cw
El ending se titula «Inevitable» y la canta SymaG. Una canción oscura que sigue los pasos de Brunilda por los campos de batalla para elegir a los mejores guerreros.
Lo que muchos estaban esperando, y algunos desconocían, uno de los mangas más influyentes de los últimos años llegó a la plataforma de streaming más grande del mundo, en su versión animada. Por que lo es, Jojo´s Bizarre Adventure actualmente, es uno de los títulos que más influyentes que tienen guiños en diversos animes de estos últimos años como:Tonikaku Kawaii, Himouto! Umaru-chan, Africa no Salaryman, Maria Holic, Jujutsu Kaisen, entre otros.
Y es que la historia de Hiroiko Araki tiene muchas aristas que alguna te llamará la atención desde su trazo en los dibujos hasta las diversas historias y protagonistas que habrán en cada temporada. Sí, señores, algo novedoso y menos agotador es saber que el protagonista en cada temporada variará y el contexto histórico, por ende, también avanzará. Todo el trama se basa en la historia de la familia Joestar, encontrándonos con el patriarca del lunar de estrella, Jhonathan Joestar, un joven adinerado que ve su mundo derrumbarse gracias a su hermano adoptivo Dio Brando, el antagonista, que luchará para quitarle todo lo que tiene Jhonathan con tal de quedarse con el herencia de la familia inglesa más rica del lugar.
Además del curioso enfrentamiento familiar, existe un toque de magia que en la trama, la mitología Azteca y la aparición de una máscara de piedra que con una gota de sangre y al colocarla en el rostro de una persona, ésta convierte a humanos en zombies, tal poder sobrenatural no es desperdiciado por Dio quien roba esa máscara y se vuelve un ser inmortal que logra con inteligencia y cautela sobrevivir cuatro generaciones de la familia Joestar.
Protagonistas de las 7 primeras temporadas
Lo interesante también es que cada generación de Joestar los protagonistas irán variando, tanto de escenario histórico como personajes en sí, cada Jojo tendrá una escala de valores distinta acorde a su crianza y situaciones externas que atraviese. Así que ten por seguro que alguno atinará a generar empatía contigo. En mi opinión tengo un par que son mis favoritos, como la nobleza y caballerosidad de Jhonathan Joestar o el ímpetu y energía de Joseph Joestar.
Personajes de la temporada cinco Vento Aureo
Sea cual sea el Jojo que elijas uno te robará el corazón, sin contar con los arcos argumentativos, en mi opinión, la cúspide del trabajo y arte de Araki, es el arco Vento Aureo, más conocido comoGolden Wind; la quinta temporada de la saga te lleva a la hermosa Italia, donde el mangaka se luce con el diseño de los personajes, desde el vestuario hasta su peinado y carácter de cada personaje secundario, acompañado de una musicalización magistral realizada por la productora David Production.
Por el momento solo se encuentran disponibles dos de las cinco temporadas adaptadas al anime en Netflix, así que tienes tiempo de sobra para poder engancharte y darle una oportunidad a los Joestar.
Imagínense al mundo asolado por una infección desconocida que obliga a la humanidad a permanecer escondida, impedida de vislumbrar la luz de la superficie para salvaguardar su vida. No, no estoy describiendo al planeta Tierra bajo la amenaza del COVID-19, sino al universo de BLAME!, manga seinen de ciencia ficción escrito e ilustrado por Tsutomu Nihei, publicado originalmente para la revista mensual Afternoon, desde 1997 hasta2003.
Portada del primer volumen del manga BLAME! Master Edition
Virus cibernético
Sin embargo, en este caso, el virus mortal no ataca a los terrícolas, sino a las máquinas, las cuales se transforman en artefactos infatigables de construcción y muerte. Estos seres mecanizados cuentan con dos funciones matrices: la reproducción de estructuras metálicas y la desaparición de todo agente no cibernético. Es decir, el exterminio de la humanidad para la proliferación de sus afanes arquitectónicos.
Pero los hombres y las mujeres de BLAME! no están solos. Killy, un enigmático y huraño guerrero, portador de una poderosa arma conocida comoEmisor de Rayos Gravitacionales, surgirá cual haz de esperanza en medio de las sombras robóticas. Su origen es un misterio, pero su propósito es claro: consumar el hallazgo de una persona que tenga la capacidad genética de conectarse a laRed Esfera (una especie de red de redes que es capaz de controlar a todas las máquinas).
Killy
Los páramos de Nihei
Los exterminadores
Acero letal
Cibo
Este es, a grandes rasgos, el argumento central de BLAME! Aparentemente, se trataría de una típica historia de tintes cyberpunk, que se desarrolla en un escenario apocalíptico donde reina la anomia, por parte de las máquinas, y la anarquía, por parte de los humanos. Pero el encanto de este título está en otros flancos. Por medio de esta reseña a dos adaptaciones audiovisuales (la miniserie web de Group Tac y la versión cinematográfica distribuida por Netflix), trataré de aproximarme a las particularidades que hacen de BLAME! un manga cyberpunk de excepción.
Antes de comenzar, cabe hacer la precisión que ambos productos relatan la misma anécdota.Lo que diferencia a una adaptación de la otra es, aparte del metraje y el presupuesto, los tratamientos estéticos y narrativos.
Group Tac: De la fuente impresa a la web
La primera adaptación audiovisual vio la luz en el año 2003.La realización estuvo a cargo del experimentado estudio de animación Group Tac., casa productora responsable de algunos títulos imprescindibles del anime e incluso de la historia de la animación.
A ella le debemos piezas emblemáticas como Acorazado Espacial Yamato (Uchuu Senkan Yamato, 1974), Una Noche en el Tren Intergaláctico (Ginga Tetsudou no Yoru, 1985), Street Fighter II: The Animated Movie (1994), Street Fighter II V (1995), Those Who Hunt Elves (1996), Twin Spica (2003) y hasta Superman: la serie animada, famosísima adaptación de las aventuras del último hijo de Kriptón, producida por Bruce Timm y Paul Dini.
Space Battleship Yamato
Una Noche en el Tren Galáctico
Street Fighter II: La Película Animada
Street Fighter II V
Los Cazadores de Elfos
Superman: La Serie Animada
Lamentablemente, en el año 2010, meses después del fallecimiento de uno de los fundadores, Atsumi Tashiro, Group Tac. se declaró en quiebra. La empresa fue liquidada por completo. Su último proyecto fue la cinta Konchuu monogatari Mitsubachi Hacchi: Yuuki no merodi (una versión cinematográfica del afamado anime del estudio Tatsunoko, conocido en Hispanoamérica como Las Aventuras de José Miel o La Abeja Hutch.)
Páramos metálicos
La miniserie de BLAME! contó con seis episodios de aproximadamente seis minutos cada uno y estuvo pensada para ser transmitida a través de internet. Es decir, se trató de una ONA (acrónimo de Original Net Animation), un producto que se caracteriza por su exclusividad web y su breve metraje. Estos mini episodios fueron dirigidos por Shintaro Inokawa.
La factura técnica de la serie web se caracteriza por el uso de colores fríos, privilegiando los grises y las tonalidades purpúreas y desaturadas. Este detalle le imprime al conjunto un carácter monocromático, muy a tono con el manga original. También, al igual que la fuente impresa, la narrativa de la ONA nos enfrenta con un relato hermético y atmosférico. Los diálogos son mínimos y las secuencias de acción son la excepción y no la regla.
La ausencia de claridad no afecta el desarrollo. Por el contrario, el espectador tiene la oportunidad de experimentar la misma desolación que Killy, el androide taciturno. Su trayectoria a través de las urbes decrépitas y hostiles de Nihei son exactamente eso: traslados y nada más. El resto es solo ruina.
Esta primera adaptación posee la misma aura que transmite el manga: el de estar recorriendo un páramo metálico y estéril, donde la vida y el color son solo destellos reservados para el asomo de la violencia, la máquina o la muerte.
Polygon Pictures + Netflix: ciencia ficción de alto calibre
La adaptación de Netlix, en cambio, se encuentra en las antípodas. Lanzada en el año 2017, esta cinta fue dirigida por Hiroyuki Seshita y producida por el estudioPolygon Pictures, los mismos responsables de otros títulos importantes del anime contemporáneo: Caballeros de Sidonia (adaptación en formato serie de otro manga de Tsutomu Nihei, lanzada en el 2014); Ajin (la trilogía de cintas y también la serie de TV lanzados entre 2015 y 2016); Godzilla: Planeta de monstruos, Godzilla: Ciudad al Filo de la Batalla y Godzilla: El Devorador de Planetas (trilogía de films que adaptan el universo del rey de los kaijus en formato anime.)
Caballeros de Sidonia, adaptación de otra obra de Nihei
Si bien la trama sigue siendo básicamente la misma, en este caso el tratamiento se aproxima más a una película tradicional de suspenso, acción y ciencia ficción. Además, el foco del protagonismo cambia, apartando al héroe Killy y limitándolo a un rol secundario. Más bien, el énfasis se coloca en una tribu de humanos que se ocultan para no ser pulverizados por robots asesinos, pero que se ven obligados a exponerse en la intemperie con la finalidad de encontrar alimento.
Como se puede inferir, gracias a su condición de largometraje y su asociación con Netflix, las principales virtudes de este film residen en sus valores de producción, ahora potenciados gracias a un mayor presupuesto. Las estructuras laberínticas de Nihei cobran vida y se convierten en auténticas mazmorras cuadrangulares, zigzagueadas de cabo a rabo por circuitería y chatarra.
Perfiles tridimensionales
Las bondades de la animación otorgan al espectador la oportunidad de apreciar con nitidez la voluminosa plasticidad de la pesadilla tecnológica del manga original. Al mismo tiempo, los humanos protagonistas y los robots dejan de ser figuras filiformes y sombrías, para pasar a convertirse en cuerpos de peso y flexibilidad semejantes.
Esta variación con respecto al manga (que se caracteriza por el rechazo de la uniformidad, privilegiando las formas serpenteantes y enrevesadas) le resta originalidad al apartado visual de la adaptación, y lo emparenta estéticamente con otros largometrajes en 3D, como Resident Evil: Degeneration (2008), Appleseed (2004) o Final Fantasy: The Spirits Within (2001).
Dejando de lado las particularidades artísticas de cada uno de esos títulos, los acabados de las figuras y el dinamismo de los movimientos de todos ellos presentan más coincidencias que contrastes.
Metal y melancolía
Sin embargo, donde la cinta se desprende de todas esas generalidades es en la introducción de sus dos héroes: Killy y Cibo. Ambos se presentan como guardianes renuentes, seres que se encuentran a medio camino entre una naturaleza humana y otra artificial. Tales detalles les otorgan a ambos una capa adicional de complejidad. Sumado a ese acierto, está el de dejar sus objetivos en una oscura imprecisión. Es decir, su atractivo reside en el magnetismo de unas presencias que son en verdad asomo de suspenso y peligro. Es imposible saber si sus intenciones son benévolas o pérfidas.
Killy + Cibo
A pesar de tratarse de una historia lineal y predecible, la adaptación 3D de BLAME! tiene la virtud de ser un vehículo perfectamente digerible, que tiene como mérito mayor el ser capaz de aproximar los espectadores casuales a la obra gráfica de Tsutomu Nihei, quizá una de las más originales y profundas de los últimos tiempos.
Porque, tras ese laberinto críptico de acero y fibra de vidrio, BLAME! se perfila como una reflexión sobre la frontera que separa la esencia vital del ser humano de su obsolescencia física. Esa frontera, para Nihei, no es otra cosa que el hocico voraz de la tecnología, capaz de triturar la voluntad y escupir nuestros huesos.
¿Quién es esta hermosa chica que lleva un broche que señaliza su status de bruja, cuyo pálido cabello aletea…? Sí, eres tú. Siempre será Elaina, el centro y origen de su propio universo ficticio. Narcisista, cínica y ambiciosa, pero nunca menos grandiosa. Majo no Tabitabi es una obra no apta para aquellos que esperaban vivir un viaje inspirador y conocer personas llenas de bondad.
«Literature», opening de Majo no Tabitabi.
Hay muchas aristas que podrían dar pie a escribir diversos artículos sobre el que fue uno de los títulos más populares de Otoño 2020. Con una premisa simple y relativamente episódica, Majo no Tabitabi trata sobre el largo viaje de Elaina, una chica prodigio que se graduó como bruja a los 14 años. Sus aventuras van desde reencontrarse con su maestra y ayudar a sus alumnos, hasta visitar un hogar con indicios morbosos de abuso infantil, por ejemplo.
Aquello que me motivó a escribir esta nota fue una reseña negativa sobre el anime que leí en internet, la cual estaba fundada principalmente en que toda la historia y sus elementos son cínicos. Hay muchas cosas que se le podrían criticar a la serie, pero aquí eligieron bajarle el dedo porque “si quiero recordar que el mundo apesta, mejor veo las noticias”. Considero que esta clase de enfoque no debería ser relevante al puntuar (objetivamente) una serie.
Humor pálido
Hablando exclusivamente del anime, para mí Majo no Tabitabi califica como un slice of life debido a su carácter episódico, y a que Elaina experimenta algo de las vidas diarias de las personas que conoce en su aventura. A mí no me molestó que su personaje casi no haya sido desarrollado a lo largo del anime, pero esta sí podría ser una crítica válida. No hay mayor motivación en ella más allá de ganar dinero, comer, llevar una buena vida y ser elogiada.
Elaina reaccionando ante a una bolsa llena de dinero.
Es entendible, en ese caso, que el espectador opte por determinar qué tanto se puede relacionar con la personalidad de Elaina, o si es que le cae bien o no. Y bueno, también es comprensible que no cualquiera aprecie a una persona narcisista con monólogos arrogantes y que ama que le inflen el ego. Sin embargo, más allá del tema de sus motivaciones y su desarrollo, el personaje de Elaina es coherente, funcional y pertinente con el universo ficticio que plantea la historia.
Como bien lo describe la crítica, se trata de un viaje a través de un mundo nihilista y morboso cuya fuerza motora es un protagonista narcisista. Pero este no es planteado exageradamente, ni se acerca a ponerse modo Akame ga Kill! aún en su episodio más violento. Mi punto es el siguiente: ¿Qué tiene de malo con que el autor opte por que su mundo ficcional juegue cómicamente con el morbo? ¿Por qué estaría mal que la mayoría de personajes tengan siempre algo de maldad?
Pesimismo del bueno
Uno de los episodios que más me gustó fue el 6, y creo que ejemplifica muy bien el sentir del universo de Majo no Tabitabi. Elaina llega a una ciudad en la que las personas no pueden decir mentiras, y observa a sus alrededores que todo anda muy silencioso. Los guardias lo introducen como un territorio en el que no hay mentirosos, y se ríen cínicamente al decirle “¡bienvenida a este país maldito!».
Segmento del episodio 6 de Majo no Tabitabi. Para observar las expresiones, la indiferencia y el disfrute de los pobladores ante la pelea. Las respuestas de Elaina son también muy propias de ella.
A Elaina parece no importarle mucho –para variar- las circunstancias ni el comportamiento de la gente, más allá del factor curiosidad que la llevó a entrar al país porque sí. Como se puede apreciar en el anterior segmento del episodio, el poblador da a entender que las personas simplemente no pueden evitar mentir. Que, por naturaleza, el hablar siempre con la verdad desencadenará en peleas.
No obstante, esto es presentado como un asunto trivial e incluso con un tono burlesco. Majo no Tabitabi no pretende ser un ejemplo de valores o moral, ni busca satisfacer a la audiencia con una enseñanza o reflexión detrás del cinismo que presenta regularmente en cada episodio. Más que no tomarse en serio a sí mismo, la serie parece ser fiel a la actitud de la propia Elaina respecto a sus alrededores: nihilista, adoptar un rol más de espectador, de evitar involucrarse en problemas ajenos en la medida de lo posible.
La plata mueve al mundo, y tanto Elaina como su cliente Estelle lo saben muy bien.
Cada mundo en lo suyo
Algunas personas compararon a la serie con Kino no Tabi: The Beautiful World, y el autor de la reseña hizo hincapié en el “compás moral” del protagonista de aquel anime. Indica que este sí ayudaba a las personas que lo necesitaban, y que sí era empático con ellas. Elaina, por otro lado, solo lo hacía si ella se beneficiaba de alguna manera, por lo que sus motivos son –citando textualmente- “menos relacionables y admirables”. Pues, ¿bien por él?
Las reflexiones “filosóficas” de Elaina al final de cada aventura reflejan claramente su estilo de vida y forma de ver las cosas, por lo que podrían tranquilamente no gustar o resultar cuestionables para alguien que no le cuadra su personalidad. Sin embargo, eso, por sí solo, no da para calificarlo de “bueno o malo” en función a si estás de acuerdo o no con ella. Uno no debería pretender que las obras de ficción coincidan con sus propias visiones, ideas, creencias, etc.
Es grandiosa, pero Elaina es un personaje ficticio. El universo del anime es ficción.
Que el cinismo y morbo de Majo no Tabitabi te cause repulsión, te de risa o te entretenga es una cuestión personal de cada espectador. La ficción no tiene por qué equipararse con cómo funciona el mundo real. Lo importante es que cada universo ficcional sea coherente y consecuente con las reglas que él mismo establece. Una temática, por si sola, no es ni buena ni mala. Aquello que determina esto último es la implementación y ejecución de la misma.
El veredicto
En cuanto a mi valoración personal, Majo no Tabitabi me pareció un buen anime que bordea entre un 7 o 7.5/10. El arte, la animación y el uso del sonido son impecables. Estos contribuyen a establecer ese estilo de comicidad mórbida, que de alguna forma trivializa situaciones moralmente cuestionables y marca la indiferencia y el egoísmo de muchos personajes. Un par de episodios me aburrieron un poco, pero la mayoría me resultaron entretenidos.
Saya y Elaina.
A mí sí me gusto Elaina, pues me encanta su diseño y el hecho que no tenga reparos en mostrarse como realmente es. Me refrescó que no sea una protagonista idealista, que busque hacer el bien por bondad y porque es lo “correcto” ser bueno con los demás. Ella tampoco es una mala persona, y en particular lo que más disfruté fueron sus interacciones con Saya, quien está obsesionada con su existencia.
Como mencione anteriormente, hay varias cosas que podría uno criticarle al anime. Sin embargo, no considero que la elección del autor de crear un mundo pesimista y deprimente, envuelto con una premisa aparentemente inspiradora y mágica, sea una de ellas. ¿O acaso reclamamos el por qué en un cute girls doing cute things todos los personajes son un pan de dios, libres de cualquier clase de cuestionamiento moral o actitud repudiable?
Le duela a quien le duela, Elaina tiene con qué jactarse de ser hermosa. (あずーる – https://www.pixiv.net/en/users/5838770/illustrations)
Un joven de 26 años desempleado y decepcionado con su vida, queda muy apenado al enterarse por un noticiero de la muerte de la que fue su novia en la escuela. La única chica que realmente lo quiso. Regresando a su pequeño y descuidado departamento, alguien lo empuja a las líneas del tren. Frente a la muerte solo piensa en Hinata Tachibana. En un parpadeo se da cuenta de que: ¡Ha retrocedido en el tiempo! Viajó al pasado y ahora puede salvarla. Pero eso no será sencillo. Primero tendrá que evitar que se desarrolle la peligrosa banda «Tokio Manji».
El canal de noticias anuncia la muerte de Hinata Tachibana
El tema de viajar en el tiempo se da en películas y series de todo el mundo. Pero en Tokyo Revengers la premisa de salvar a Hinata Tachibana lleva a Takemichi no solo a viajar constantemente en el tiempo, sino también a tener que unirse a la peligrosa banda Tokyo Manji y desarticularla. Esos continuos viajes causan el crecimiento de su persona. El antes cobarde se convierte en alguien tan seguro que va enfrentando situaciones cada vez más complejas y aunque no es buen peleador, su determinación le gana el respeto de los miembros de la banda a su cargo.
Sus amigos Akkun, Takuya, Makoto y Yamagishi
Al escuchar su nombre, Takemichi Hanagaki voltea y se encuentra con su antiguo grupo de amigos del segundo año de preparatoria (Makoto, Yamagishi, Takuya y el líder Akkun) . Confundido los sigue solo para confirmar en cada paso que se encuentra exactamente 12 años en el pasado. Tiene el cabello teñido de rubio y viste los pantalones bombachos que vestía en ese entonces. Su antiguo look le parece ridículo a sus ahora 26 años.
Mikey, Takemichi y Draken encabezando la ToMan
Para su mala suerte ese día tenían que enfrentarse a una banda de Shibuya frente a la que pierden y se vuelven soldados de la reciente banda Tokyo Manji. Takemichi recuerda que organizaban peleas para que los de clase más baja lucharan. Si perdían les pegaban más. Fue por eso que al finalizar sus estudios se alejó de ahí y comenzó a trabajar en diferentes labores en las que nunca le fue bien. Luego de recibir la dura golpiza, Takemichi piensa que Dios le está haciendo revivir el peor día de su vida que conllevó a tener una vida de fracasos.
Hinata siempre trató bien a Takemichi
Recuerda a Hinata y va a visitarla. Ella lo recibe preocupada al verlo tan golpeado y lo trata con tanto cariño que el aún confundido Takemichi se va corriendo y llorando. Se detiene en un parque donde un niño está siendo molestado por unos muchachos más grandes. Takemichi golpea a uno de ellos brutalmente llevado por la frustración que siente. Los amigos del derribado muchacho se lo llevan a rastras.
El niño resulta ser Naoto Tachibana, hermano de Hinata. Takemichi le advierte que el 1° de julio del 2017 van a morir ambos hermanos. El niño se asusta, pero promete recordar la fecha. Ambos se dan la mano y en ese momento Takemichi despierta en la enfermería de la estación de trenes. Ante esto supone que todo ha sido un sueño pero de igual manera se sorprende de no haber muerto. Le presentan a quien le salvó de las vías del tren. Para su sorpresa es Naoto.
El agente de policía Naoto Tachibana
La visita al pasado de Takemichi causó un cambio en los eventos actuales, Naoto está vivo y cambió su destino, ahora es un agente de policía. Pero no pudo salvar la vida de su hermana. Así que le pide su ayuda para lograrlo. Obviamente acepta. Como Hinata muere al darse una disputa de la banda Tokyo Manji, la idea es desmantelar dicha banda antes de que se vuelva peligrosa. El joven agente de policía embute de información a Takemichi para su misión.
Ken «Draken» Ryuguji, detrás de él Manjiro «Mikey» Sano
El plan es que Takemichi viaje al pasado y evite que se conozcan Manjiro Sano y Tetta Kisaki, los actuales y peligrosos líderes de la Tokyo Manji. Naoto presume que al haberse salvado por la advertencia de Takemichi, han quedado conectados de alguna manera. Así que al darse la mano con el Naoto actual viajará al pasado y con el Naoto del pasado viajará al futuro.
Takemichi, Draken y Mikey
Se dan la mano e inmediatamente Takemichi se encuentra en los días de las peleas acordadas por un miembro de la Tokyo Manji de ese entonces, Kiyomasa. Al cual reta frente a todos a una pelea para evitar que su amigo Takuya sea terriblemente lastimado como en lo que recuerda de dicho evento. Takemichi va recibiendo muchos golpes pero no cede. Kiyomasa se cansa y se va a retirar cuando Takemichi le pregunta por Sano o por Kisaki, el abusivo pide su bate para terminar con él. Unos cuantos golpes son dados hasta que parece el subcomandante Ken «Draken» Ryuguji y el comandante Manjiro «Mikey» Sano. Dan por terminadas las peleas, Mikey deja inconsciente a Kiyomasa y le dice a Takemichi que ahora son amigos.
Mikey
Al principio esta «amistad» con Mikey y Draken asusta Takemichi pero conforme los va conociendo se da cuenta que tienen ciertos valores de base y que quieren crear una NuevaEra de Delincuentes. Algo alejado de la Tokyo Manji del futuro, donde estaban involucrados en juego, fraude, violencia e incluso asesinatos. Ambos aprecian a Takemichi porque no hay muchos que se enfrenten a quien sea para proteger lo que les importa como hizo él. Con esta nueva información en su cabeza se dirige a casa de Hinata para estudiar. En el mejor momento, accidentalmente coge de la mano a Naoto y regresa al futuro.
Las peleas son parte de la historia. Y Takemichi recibe varios golpes
El agente de policía Naoto se enfurece cuando Takemichi le comenta sobre lo no tan mala persona que es el Mikeydel pasado. Y es por eso que Hanagaki pide hablar con el Mikey actual para saber en qué momento todo cambió. Pero no es fácil llegar a Mikey. Mientras revisan el papeleo descubren que este último viaje al pasado ha causado otro cambio. Akkun, su amigo de la preparatoria, ahora es un miembro del alto mando de la ToMan.
Takemichi busca entre sus cosas viejas el número de teléfono de su amigo. Ahora dirige un Club Nocturno muy vistoso. Al encontrarse con su ahora «exitoso» amigo que luce demacrado por el terror que le tiene a Kisaki, descubre varias cosas: que Mikey está fuera del radar hace tiempo, que la ToMan la dirige Kisaki, que para Mikey todo cambió el día que Draken murió y que fue Akkun quien lo empujó a las vías del tren. Su antes mejor amigo deduce que si está frente a él es porque descubrió como viajar en el tiempo. Le pide que los salve a todos y con lágrimas en los ojos se lanza de lo alto del edificio. El llanto desgarrador de Takemichi llega a los oídos de Kisaki.
Takemichi tendrá que ser parte de la banda para desarticularla desde adentro
Ahora Takemichi está decidido, salvará no solo a Hinata, también a Akkun y a Draken. Con eso evitará que la ToMan pierda el rumbo que le daba Mikey. Ahora Naoto le dirá la fecha en la que murió Ken «Draken» Ryuguji e iniciará un nuevo viaje al pasado.
Como pueden ver, esta historia no es solo salvar a la chica. El protagonista debe introducirse en el corazón de un banda que cada vez se pondrá más peligrosa. El diseño de personajes es estupendo, la narrativa super atrapante. El perfil y desarrollo de los personajes son complejos y bastante reales. Como se trata el tema de las bandas tiene su dosis de violencia y drama.
EL MANGA
Ken Wakui es el artista detrás de esta historia, de género Shonen, que comenzó a publicarse el 1° de marzo del 2017 en la Weekly Shonen Magazine y que tiene 22 volúmenes publicados en la actualidad. Las ilustraciones del manga tienen tan alto nivel de detalle que uno inmediatamente recuerda las de Tite Kubo.
EL ANIME
Está dirigido por Koichi Hatsumi con el estudio Liden Films. El estilo es bastante fiel al manga. Consta de 24 episodios que fueron licenciados por Crunchyroll.
MÚSICA
Opening
Aunque se siente como una especie de himno la canción «Cry Baby» del grupo Official Hige Dandism sirve de buen fondo para que conozcamos a los personajes de esta estupenda serie.
Ending
La canción «Koko de Iki o Shite» en la voz de Eill . Nos muestra al personaje que menos sale en la serie y quien es el inicio de todo: Hinata. Pareciera que se halla en una especie de limbo.
Un infortunado joven de 15 años es obligado a realizar trabajos de riesgo para que sus padres se puedan dar la gran vida, finalmente es vendido a un demonio llamado Sullivan. El muchacho que solo conoció el trabajo duro supone que su vida terminará pronto a manos de su ahora dueño. Pero se convierte en el «nieto humano» de un demonio.
El demonio Sullivan le pide a Iruma que sea su nieto
Si buscas un anime gracioso y entretenido con un toque de nivel absurdo. Este es el adecuado. No solo porque el protagonista es bueno hasta la médula sino que sin pensar y sin querer logra tener muy buenos amigos entre los demonios que se lo comerían de saber que es humano. Durante la primera temporada, vemos como entabla amistad incluso con la Presidenta del Consejo Estudiantil. Ahora en la Segunda Temporada veremos el Lado Oscuro de Iruma.
Iruma y sus compañeros de escuela
Cuando Iruma Suzuki llega al inframundo y se entera en el camino que fue vendido por sus padres al demonio Sullivan, teme lo peor. Pero contra todo lo esperado, Sullivan le pide por favor que acepte ser su nieto para poder alardear de él. Es así que el joven no puede negarse y acepta la petición del demonio y ahora tiene todo lo que le negaron sus padres y mucho más: Un abuelo que lo matará a mimos, un sirviente leal llamado Ópera, ropa bonita, sabrosa e inacabable comida, amigos y por fin irá a la escuela!!
Iruma tiene buen apetito
Ahora entendemos el porqué del título “¡Bienvenido a la escuela demoniaca! ¡Iruma-kun!”
Y sí, asistirá a la escuela de demonios Babyls. Sullivan le recomienda que oculte su naturaleza humana porque sus compañeros de clases se lo podrían comer. Para evitar oler a humano, el abuelo lo baña con una esencia especial y lo acompaña todo el camino a la escuela.
La segunda temporada trae mas acción y risas
El primer día de clases, Iruma trata de pasar desapercibido. Con terror ve su plan desvanecerse cuando presentan a Sullivan como Director de la escuela, el cual sube al podio anunciando que su nieto asistirá a esta escuela y con orgullo muestra la foto que se tomaron juntos en la entrada. Esta vez el mejor alumno, Asmodeus Alice, no dará el discurso de inicio de año escolar.
Lo hará el alumno nuevo, completamente en shock, Iruma sube al podio en el que su abuelo le dejó una nota con las palabras que ayudarán a iniciar con buen pie su vida escolar. Lo lee sin conocer el significado de las palabras pero las expresiones de los alumnos son de horror. Y no es para menos pues se trata de una maldición para evitar cualquier tropiezo, que si es mal expresada causa la explosión del invocador. Con eso se gana la admiración de todos los alumnos y la ira de Asmodeus , que no tarda en retarlo.
Iruma junto a Clara y Asmodeus
Gracias a su habilidad para esquivar toda amenaza, Iruma esquiva los feroces ataques y logra vencer sin querer a Asmodeus ganándose su respeto y admiración. Y según la Ley Demoniaca debe servir a su vencedor. Por lo que siempre estará al lado de Iruma. Clara Valac, una inquieta demonio de pocas luces se les unirá, haciendo que nunca pasen desapercibidos. Junto a otros alumnos que salen de lo común forman parte de la Clase de Inadaptados.
Iruma no lo tendrá fácil, el profesor Kalego lo detesta solo por ser el nieto de Sullivan. La Presidenta del Consejo estudiantil lo convoca cada cierto tiempo para que le lea los mangas del mundo humano que colecciona y se irá enamorando de él. Las clases serán todo un reto pues tendrán que ir subiendo de rango, lo cual logrará por su buen corazón o por pura buena e increíble suerte.
Los Personajes
Demonio Sullivan
El abuelito
Es un delgado demonio calvo, con sus dos cuernitos de ley y orejas puntiagudas. Usa anteojos y un bigote. Es muy poderoso por lo que es el Director de la Escuela Babyls. Harto de escuchar a sus amigos alardear de los logros de sus nietos, decide adoptar uno. Pudo adoptar a cualquier demonio pero eligió a un humano al cual le da mucho amor y apoyo. Parece ser muy entrometido pero sus intenciones son las mejores y graciosas.
Iruma Suzuki
Iruma les enseña sobre la amistad a los demonios
Es un joven de 15 años, de cabello y ojos celestes. Tiene un ahoge característico. Siempre viste uniforme escolar. Es muy noble y de buen corazón. Iruma es incapaz de negarse a algún favor que le soliciten, sus padres se aprovecharon de eso y lo hacían trabajar para ellos darse la gran vida. Como estuvo expuesto a grandes peligros obtuvo la habilidad de esquivar todo tipo de ataque y también tiene la capacidad de comer extremas cantidades de comida. Cuando Sullivan lo adopta como su nieto, su vida se vuelve muy interesante.
Sullivan le entrega un “Anillo Glotón” que le permitirá hacer magia como cualquier alumno demonio. Eso si, cada cierto tiempo Sullivan debe alimentarlo con magia porque sino «muere de hambre» y sale un monstruo hambriento del anillo. En la segunda temporada esta energía en el anillo evoluciona y desarrolla una personalidad, Arikured ,que ayuda a su dueño en ciertas situaciones pero también causa que emerja el lado maligno de Iruma.
Arikured
El lado oscuro de Iruma trae un leve cambio físico. El cabello se torna un poco más oscuro, con ligeras líneas violeta, su ojos también tienen un destello igual y su mirada es maliciosa. Sus amigos notan el cambio y asumen que está pasando por un «Ciclo de Maldad» algo que solo le pasa a los demonios en situaciones de stress, pero que fue inducido por Ari en Iruma pues él es humano.
Iruma en sus dos versiones
El antes tímido Iruma nunca se hubiera atrevido a solicitar una mejor aula. El Iruma malicioso desea que a su clase se le conceda el uso de el aula Royal One, que es la que usó el antiguo Rey Demonio y no tendrá reparos en valerse de cualquier argucia para salirse con la suya. Esta vez, toda el Aula de Inadaptados se unirá para lograrlo. ¿Quizás Iruma se vuelva el siguiente Rey Demonio?
Asmodeus Alice
El mejor amigo de Iruma
Es un poderoso demonio de cabello y ojos rosados. Tiene también orejas puntiagudas y es conocido por ser un excelente alumno. Le disgustó que le negaran dar el discurso de bienvenida a la escuela, por eso retó a Iruma el primer día de clases y se convierte en su sirviente al perder ante él. Es muy educado leal e inteligente. Esta dispuesto a apoyar a Iruma en la conquista de la escuela.
Clara Valac
Clara Valac
Es una demonio de cabello verde y largo. Sus ojos son verde-amarillo y posee dos cuernos. Le gusta mucho jugar. Es capaz de duplicar objetos con facilidad. Por ello ofrecía todo lo que podía duplicar con sus bolsillos mágicos a cambio de que jugaran un rato con ella. Iruma es su primer verdadero amigo pues aceptó jugar sin que le diera nada a cambio. Tiene un «espíritu familiar» llamado Falfan que cuando es invocado le lanza varas a Clara para que los traiga. Ella será siempre la que pone la nota absurda a esta loca historia.
Kalego Sensei
El profesor Kalego
Es un demonio de cabello oscuro y corto. Siempre tiene una mirada fría y anda malhumorado. Detesta a los revoltosos y a Iruma mucho más. Tratará de ponerle las cosas difíciles y ofrecerá crueles castigos. Lamentablemente para él, en una clase resulta siendo invocado por Iruma convirtiéndose en su adorable «Familiar» Eggie.
Kalego sensei versión «Familiar de Iruma»
Aunque le reviente el hígado debe obedecer todo lo que su amo le ordene. Felizmente Iruma no quiere causarle disgustos. Pero el Iruma-Dark piensa diferente. Está dispuesto a causar problemas y eso en el mundo de los demonios está bien visto.
El Manga
De género Shonen, comedia, sobrenatural y Fantasía. El Manga de Mairimashita! Iruma-Kun! Fue publicado el 2 de marzo de 2017. Su creador es Osamu Nishi. Sigue publicándose en Shukan Shonen Champion y ha recopilado 21 volúmenes y continúa publicándose.
El anime
El Animación fue realizada por Estudio Bandai Namco Pictures con Makoto Moriwaki como su director. La primera temporada tuvo 23 capítulos y la segunda tendrá 21 capítulos.
1° TEMPORADA
Opening
El título de la canción es «Majikaru Babirinsu» y la canta Da PUMP. Animada canción donde vemos a todos los personajes que acompañarán a Iruma. Una breve mirada a la locura que trae.
Ending
«Debikyuu» es una alegre canción con la voz de Yuu Serizawa. Los personajes femeninos salen en versión de muñecas recortables. Primero saldrán solo en versión «sombra» para después salir bastante coloridas.
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2° TEMPORADA
Opening
«No! No! Satisfaction!» Cantada por Da Pump. Una pegajosa canción donde todos los personajes de la clase de Inadaptados serán presentados por su nombre. La revolución comienza!
Ending
«Kokoro Show Time» es cantada por Amatsuki . Alegre canción que nos muestra de manera graciosa y divertida a los personajes en sus coloridos momentos.
Mi relación con los animes viene de larga data; me gustaban incluso cuando no tenía idea de qué era exactamente lo que estaba viendo y tengo una lista interminable de producciones que seguí en varias etapas de mi vida y que recuerdo con mucho cariño. Magic Knight Rayearth, o Las guerreras mágicas, como se llamó aquí, es una de ellas.
La historia, como muchas otras, nació como un manga, y con el tiempo descubrí que se publicó entre 1993 y 1996 en su presentación original. El anime propiamente dicho, ese que llegó al Perú y que muchos, lo mismo que yo, vimos semana a semana en televisión nacional, empezó a emitirse en 1996.
Magic Knight Rayearth
La premisa de Las guerreras mágicas no es muy distinta a las de otras producciones con las que estábamos familiarizados hasta entonces, y sin embargo, para mí, una niña en esa época, fue un soplo de aire fresco y, aun más, una historia con la que sentirme identificada.
En esta ficción conocemos a tres adolescentes de secundaria con caracteres y orígenes muy opuestos que por azares del destino se encuentran en la Torre de Tokio el día que la historia da inicio. Hikaru, Umi y Fü, o Lucy, Marina y Anaís para nosotros, se ven abducidas por un poder desconocido que las traslada de nuestro mundo a otro en el que impera la magia, Céfiro. Allí, son recibidas por el mago Guru Cleff, quien les hace saber muy suelto de huesos que son las legendarias Guerreras Mágicas y que el planeta necesita de su ayuda para recuperar el equilibrio luego de que su pilar, la princesa Esmeralda, fuera raptada por el que fue su sumo sacerdote, Zagato.
La labor de las chicas será derrotar al que nos presentan como el villano de la historia, rescatar a la princesa, y restaurar la paz en Céfiro. Según una tradición ancestral, el mundo necesita de su pilar, en este caso la princesa, para no caer en el caos.
Ceres, Rayearth y Windom
Las cosas, sin embargo, no serán tan sencillas como las pinta el mago y al tiempo que las protagonistas empiezan a hacerse una idea del lío en que se han metido, tendrán que descubrir también la forma de despertar sus poderes y convocar a los llamados «genios», criaturas mitológicas que las ayudarán en su labor. Solo así podrán salvar el planeta y regresar a Tokio.
Es a partir de aquí donde las chicas inician ese «viaje del héroe», que es la columna vertebral de este tipo de historias. Lo que siempre encontré especial es que las protagonistas fueran personajes que no parecen tener mayores aptitudes para semejante labor. Todas se nos presentan con defectos, miedos, y era habitual oírlas pelear durante buena parte de la trama porque tenían puntos de vista tan distintos que chocaban una y otra vez. Y sin embargo, cuando había que hacerlo, sacaban lo mejor de cada una y nunca dudaron en enfrentar las dificultades y sacrificarse por el bien mayor y por ellas mismas, con lo que vemos un crecimiento significativo de su amistad según avanza la trama.
Uno de los puntos fuertes de la historia, además, o al menos siempre lo vi así, fue que los personajes y con eso me refiero a todos ellos, tenían muchos más matices de lo que uno hubiera imaginado en un inicio; no solo eso, sus motivaciones eran mucho más complejas de lo que parece. Ni los buenos son tan buenos ni los villanos lo son tanto. El por qué de los actos de Zagato y la complicidad de la princesa Esmeralda en los mismos se nos revela al final y supone una vuelta de tuerca tremenda en lo que habíamos creído hasta entonces.
Y eso es genial. Porque juega con tus prejuicios y con todo lo que estábamos acostumbrados a ver; al menos en lo que a animes se refería. Esa moral ambigua de Zagato, la caída de la princesa y el hecho de que incluso algunos de sus compinches respondieran más a un fin noble que interesado supuso un gran impacto en mí.
El final es agridulce porque tanto Zagato como Esmeralda mueren, y aunque con ello las chicas cumplen con su misión, terminan sumidas en el arrepentimiento porque sienten que pese a haber cumplido con lo que se esperaba de ellos, lo que hicieron no fue precisamente lo correcto.
Zagato y Esmeralda
Es entonces cuando tenemos la segunda parte que, para mí, es la mejor.
En esta suerte de continuación nos encontramos con las chicas un año después del acontecimiento, una vez más en la Torre de Tokio, para recordar todo lo ocurrido durante su visita a Céfiro. Ninguna ha podido olvidar lo ocurrido entonces y el recuerdo no las deja tranquilas, pero entonces descubren que el destino les presenta una nueva oportunidad.
Son llevadas nuevamente al planeta para descubrir que ha caído en un caos absoluto luego de la muerte de su pilar. Una vez más, son recibidas por el mago Guru Clef, quien les pide que busquen un nuevo pilar para restaurar el orden en Céfiro y no solo eso, les advierte también de un nuevo peligro: tres facciones de planetas vecinos, Autozam, Cizeta y Faren, pretenden invadirlos para ocupar su territorio.
Planeta Autozam
Planeta Cizeta
Planeta Fahren
Las chicas, ya más maduras, y con más conocimientos luego de su experiencia de un año atrás, no dudan en aceptar la misión y se embarcan en un nuevo viaje lleno de aventuras y descubrimientos.
Algo que hace que aprecie más esta entrega que la primera es que tenemos un abanico más amplio personajes y que gracias a ellos podemos profundizar una vez más en lo que para mí es lo más destacable de la historia: cómo las apariencias engañan y las motivaciones de las personas a quienes nuestras protagonistas conocen no son tan simples como ellas piensan, lo que dificulta aún más las difíciles decisiones que se ven obligadas a tomar una y otra vez.
Por ejemplo, en el caso de Lucy, ella traba una especie de amistad con Águila, uno de los enviados de Autozam, quien resulta siendo un personaje complejo y con un fin más bien noble, aun cuando este colisione con los intereses de Céfiro. Y es gracias a este contacto, además, que Lucy conoce a Latis, que es nada más y nada menos que el hermano menor del fenecido Zagato y quien siente un profundo rencor por ese sistema según el cual es necesario que un ser vivo se sacrifique para convertirse en pilar y entregar su vida al planeta privándole de vivir una vida propia como le ocurrió a la princesa Esmeralda, que fue al fin y al cabo el motivo por el que ella y su hermano tuvieron un fin tan trágico.
La honestidad e inocencia de Lucy siempre me parecieron refrescantes y eso es algo que queda de manifiesto una y otra vez en este arco argumental. A pesar de que ella y Águila son una especie de rivales y pese a que Latis no tiene ningún motivo para confiar en ellos, terminan por entablar una buena amistad que les permite conocerse mejor entre ellos y comprender por qué hacen lo que hacen. Al final, el vínculo entre ellos será tan poderoso que los impulsa a sacrificarse por el bienestar de los demás.
Podemos conocer un poco más acerca de las motivaciones de los recién llegados de Cizeta y Faren gracias a Marina y Anaís, que se ven obligadas a acompañarlos y que en el camino nos muestran las distintas aristas que componen a personajes tan excéntricos y al mismo tiempo interesantes.
En esta segunda parte, nos encontramos también con villanos mejor concebidos que en la primera. La presencia de Nova, una entidad nacida del arrepentimiento de Lucy luego de la muerte de Zagato y Esmeralda, confieren a la historia un aire oscuro importante que permanece latente hasta el final, cuando tenemos nuevamente un resultado más bien adverso.
Águila y Lucy se convierten en pretendientes a ser el nuevo pilar y luego de una lucha alentada por el creador de Céfiro, que resulta siendo Nikona, esa criatura que considerábamos inofensiva y cuya presencia era netamente anecdótica, es la segunda quien recibe el título, pero lo más interesante ocurre a continuación. Lucy se rebela y ese gesto tan simple supone toda la diferencia del mundo para el sistema que había imperado hasta entonces en Céfiro. Ella no quiere asumir esa responsabilidad y mucho menos ver morir a sus amigos sacrificados una y otra vez por una lucha injusta e inútil. Ella decide que sea el propio pueblo de Céfiro el que tome control de su destino y quienes se conviertan en ese nuevo pilar que podrá trabajar de forma conjunta para refundar su planeta.
Mokona (Nikona en latinoamerica)
Luego de esto, las chicas dan su labor por terminada y vuelven a casa, esta vez con la sensación de que hicieron lo mejor por los motivos correctos y que tal vez ahora Céfiro sí tenga una oportunidad de convertirse en un lugar mejor para todos.
No es de extrañar lo mucho que impresionó una historia como esta a una chica que rondaba la edad de las protagonistas cuando la vio. Me hizo pensar en la importancia de superar los miedos, el valor de la amistad, y cómo el rebelarse a las cosas establecidas puede ser necesario a veces para encontrar un equilibrio más justo.
La imperfección de las protagonistas fue también un gran plus, así como ese toque de humor siempre presente en la trama que restaba seriedad a acontecimientos que podrían haber sido más tristes. La animación llena de color, la agilidad con que se sucedían los acontecimientos, esas pequeñas dosis de romance y las batallas, sumaron para convertirla en una historia destacable que, más allá de las fallas que pudiera tener y que sin duda encontraríamos más evidentes en un revisionado luego de tantos años de creada, debe de haberse hecho de un lugar en los recuerdos de muchos chicos que, lo mismo que yo, pueden evocarla con mucho cariño.
El año pasado recibimos la sorprendente noticia de que el artículo centrado en el manga Asper Kanojo había sido compartido en el Twitter del autor de la obra, Hagimoto Souhachi. Gracias a la magia del internet, un texto escrito en español desde Perú llegó a las manos de un mangaka en Japón, quien tuvo el detalle de difundirlo. En medio de la efervescencia emocional que nos embargó a todos, nos aventuramos a proponerle una entrevista que tuvo la amabilidad de aceptar y que les presentamos el día de hoy. Aquí Hagimoto-sensei habla sobre Asper Kanojo, sus influencias, su vida como mangaka, el asperger en la sociedad japonesa y su conexión personal con la historia de Saito y Yokoi.
Ficha técnica
Título: アスペル・カノジョ Asper Kanojo
Autor: Hagimoto Souhachi (historia) y Morita Renji (arte).
Géneros: slice of life, drama, seinen, psicológico.
Editorial: Kōdansha
Publicación: 6 de marzo del 2018 al 26 de enero del 2021
Sinopsis: Yokoi Taku es un mangaka amateur que vive de repartir periódicos y dibujar dōujinshi erótico, pero que prefiere dedicar su tiempo a crear mangas sobre personajes con problemas sociales o psicológicos. Saito Megumi, una chica con asperger fanática de su trabajo, toca a su puerta y así inicia su particular historia juntos.
Entrevistadora: Alessandra Gamarra (A.G.)
Entrevistado: Hagimoto Souhachi (H.S.)
Traducción del japonés: Elodia Espinoza Vargas
A.G.: No puedo expresar con palabras lo honrados y emocionados que estamos de poder realizar esta entrevista. Soy una gran admiradora de Asper Kanojo, así que muchas gracias, Sr. Hagimoto por aceptar y quisiera empezar arrojando luz sobre los eventos que nos llevaron a este momento. ¿Cómo se enteró del artículo? Y ¿qué piensa acerca de la conexión con su manga en otros países y culturas como Perú?
H.S.: Gracias por tratar de difundir Asper Kanojo. Es un gran honor. El artículo de Proyecto Sugoi me fue mostrado por un seguidor de Twitter. Después de leer el artículo usando la función de traducción de Chrome, se lo presenté al editor encargado.
Captura de pantalla del Twitter de Hagimoto-sensei
A.G.: Se dice que cuando alguien escribe una historia, hay un interés o preocupación sobre los temas que son tratados en dicha historia, así que ¿por qué decidió crear un manga sobre una chica con asperger? ¿Cómo nació Asper Kanojo?
H.S.: La depresión y el comportamiento autodestructivo a nivel de su personalidad [de la protagonista] me son muy familiares. Yo también me he relacionado con amigos que han sido internados y dados de alta repetidas veces por depresión.
Además, fui afortunado de tener la oportunidad de obtener conocimientos con amigos con asperger que he conseguido por actividades grupales y con el intercambio con los lectores que también tenían asperger.
Originalmente, hubo una época en la cual investigué a nivel personal sobre el VIH y tenía la intención de hacer de esta investigación un tema para un manga, pero yo debía dibujar el manga al mismo tiempo que realizaba una investigación regular sobre el VIH. Por ello, antes de eso, pensé en probar y dibujar una obra, como un ensayo, con un tema con el que estaba informado muy a detalle y al publicar en mi sitio web solamente dos episodios de Asper Kanojo, los lectores me dijeron: “Deseamos leer más”, así que decidí continuarlo con seriedad.
[…] al publicar en mi sitio web solamente dos episodios de Asper Kanojo, los lectores me dijeron: “Deseamos leer más”, así que decidí continuarlo con seriedad.
A.G.: Creo que una de las dificultades que Saito-san (especialmente) y Yokoi-san deben enfrentar es la sociedad en general. Por ejemplo, la protagonista dice con respecto al embarazo que ella no quiere traer al mundo a una persona como ella, porque ha experimentado mucho dolor. En Perú, encontramos similitudes, pero ¿cómo diría que es la vida de una persona con Asperger en Japón?
H.S.: Hubo muchas “Saito Megumi” que, por mi parte, he venido viendo. Pienso que un personaje como ella existe por doquier en Japón. Sólo que hay peculiaridades en la situación de la enfermedad y en la del entorno. Hay muchos casos, desde niños a adultos mayores de diferentes edades. Hasta ahora yo sólo he conocido la situación de Japón, pero he recibido mensajes de Estados Unidos, China y Brasil, entonces, comprendí que la situación que el mundo enfrenta es igual a la de Japón.
Fuente: Comic Days / Kōdansha
A.G.: Hay un momento desgarrador cuando Saito-san dice que ella guarda un cutter en caso llegue el momento cuando ya no pueda soportar más y quiera morir, pero conforme la historia avanza, hay situaciones felices. Ella empieza a aprender cómo disfrutar vivir y ríe con Yokoi-san, canta en el karaoke e inicia una relación con él. Escribí sobre ello en mi artículo, así que me preguntaba ¿cómo se las arregló para balancear los momentos alegres y los oscuros? ¿Cuál es el propósito de mostrar este contraste?
H.S.: Estoy consciente de que una obra, normalmente, tiene elementos de entretenimiento. A mí mismo me gusta escribir escenas alegres, pero debido al contenido cubierto en la obra y al referirme a la vida de personas discapacitadas reales de todos modos aumenta el contexto sofocante.
También, pienso en el balance de una obra y, por ello, no puedo continuar con un despliegue optimista alejado de la realidad. Por esa razón, mientras voy desplegando tristeza y dolor, busco la oportunidad de incluir episodios alegres.
[…] mientras voy desplegando tristeza y dolor, busco la oportunidad de incluir episodios alegres.
A.G.: Creo que es innegable que Yokoi-san es un pilar en la historia. Él muestra una inmensa empatía humana por Saito-san que es la clave de su mejoría. Sin embargo, al mismo tiempo, Yokoi-san tiene sus propios problemas que lo hacen entender más a Saitou-san, pero dichos problemas pueden ser una carga y un desafío cuando necesita ayudarla. Además, él es forzado a acostumbrarse a la angustia de no saber si Saito-san perderá la esperanza de vivir. ¿Por qué piensa que es importante retratar esas dificultades?
H.S.: Al inicio, tenía previsto terminarlo en 2 a 3 episodios, por eso, sin pensar tan profundamente, elegí como personaje principal a Yokoi-kun, un hombre al igual que yo. Además, en los hogares de discapacitados que yo vi en la realidad, los casos más frecuentes eran aquellos en los que la mujer, la esposa, apoyaba al hombre, el esposo. Por esa razón, pensé que podría aprender más si escribía de un caso contrario.
Fuente: Comic Days / Kōdansha
A.G.: Además de Saito-san y Yokoi-kun, hay otras personas alrededor de ellos que enfrentan otros problemas como Takamatsu-san y Shimizu-san y actualmente en la ficción y los medios en general hay una tendencia a mostrar personajes con condicionamientos psicológicos similares, pero el retrato a veces se siente unidimiensional (ellos son los peculiares del grupo o el alivio cómico) y es difícil identificarse con ellos. ¿Cuál es su acercamiento al crear a sus personajes? ¿Cuál piensa que es la clave en estos casos?
H.S.: Cuando ocurre un problema, debido a su influencia, surge una cadena de problemas secundarios. Por ejemplo, en el caso de una persona discapacitada del brazo izquierdo y de otra discapacitada del brazo derecho, la causa y los problemas secundarios derivados son completamente diferentes.
Imaginando al detalle sobre esos problemas secundarios, se logra una real anticipación de un contexto que yo mismo no he visto en la realidad (diálogo dentro de una ambulancia, diálogo entre hermanos). Si hubiese peculiaridades en los problemas secundarios que se enfrentan, las posibles luchas diarias serán diferentes de acuerdo a cada personaje, por ello, las peculiaridades llegan a remarcarse.
Siempre me ha preocupado los humanos que son desechados en las obras creativas. Por ejemplo, cuando miro películas en donde hay un tiroteo entre la policía y los delincuentes en un club nocturno, no puedo evitar pensar en lo que pasa después con la vida de los clientes involucrados y de sus familias.
Las personas envueltas en medio de persecuciones de autos hacen que esté imaginando: “¿Qué habrá pasado con el costo de la reparación de los autos y con el tratamiento médico?» «¿Habrá heridos graves?», etc.
Pienso que esta parte de mi personalidad también está involucrada en la descripción que hago de los personajes.
A.G.: Yokoi-san es un mangaka como usted y aunque él crea historias para vivir, disfruta especialmente enfocarse en trabajos relacionados con personas con problemas psicológicos y emocionales. ¿Diría que está de alguna manera inspirado en usted? ¿Se identifica con alguno de sus personajes?
H.S.: Yo mismo he dibujado anteriormente una obra igual a la de Yokoi-kun, pero se posicionó como parte de mi repertorio y no tenía el mismo sentido de misión como Yokoi-kun.
La naturaleza del conocimiento que Yokoi-kun y yo compartimos es bastante diferente, por eso se puede decir que el resultado final es producto de mis conocimientos y de la personalidad de Yokoi-kun.
Fuente: Comic Days / Kōdansha
A.G.: Estoy segura de que muchas personas como nosotros, que aman el manga (la comunidad aquí es enorme) ha pensado en crear su propio trabajo y convertirse en mangaka, pero ellos se preguntan cómo es desde adentro y si ellos serían capaces de hacerlo. También leí en su Facebook que a veces es difícil seguir trabajando, pero que es capaz de renovar su motivación. En ese sentido, ¿por qué decidió dedicarse a escribir historias para manga? ¿Cómo es su rutina diaria? ¿Qué lo mantiene en marcha?
H.S.: Gracias por visitar mi Facebook. En Japón, el manga es una forma de entretenimiento muy familiar, por ello siempre recuerdo haber estado rodeado de mangas. Igualmente, también solía imitar mangas.
Si tengo dificultad dibujando una obra, dibujo otra completamente diferente y así me calmo y mantengo la motivación con esa especie de método.
Y también vuelvo a leer varias veces las cartas y mensajes de las personas que me expresan que tienen un gusto especial por mis obras. En fin, me ensimismo pensando que si no lo dibujara yo, no habrá nadie en el mundo que lo continúe.
Si tengo dificultad dibujando una obra […] también vuelvo a leer varias veces las cartas y mensajes de las personas que me expresan que tienen un gusto especial por mis obras.
A.G.: Como fans, realmente nos encanta descubrir las conexiones entre autores, así que me preguntaba, ¿cuáles son sus mangakas favoritos? ¿Cuáles son aquellos que lo inspiraron en general o en el caso de Asper Kanojo?
H.S.: El mangaka que me gusta es Takahashi Tsutomu-sensei.
Lo que es mi más grande inspiración no es el manga, sino el drama de Estados Unidos Star Trek.
No sólo Asper Kanojo, sino también en cualquiera de mis obras, surge la influencia de Star Trek.
Takahashi Tsutomu. Fuente: Intagram del autor (tsutomu69takahashi).
Jiraishin, obra de Takahashi Ysutomu. Fuente: Amazon / Editorial Kōdansha.
Fuente: Filmaffinity / Paramount Television.
A.G.: Yo soy guionista e investigadora también y he notado cómo las historias crean conexiones significativas entre las personas (esta entrevista es un ejemplo de ello), inician discusiones que destacan importantes temas o problemas sociales y a través de las emociones y la identificación, podemos cambiar la sociedad un poco. Probablemente, persona a persona y con optimismo tal vez se consiga un gran impacto. En esa línea, me gustaría saber sus pensamientos al respecto. ¿Puede el manga tener ese rol?
H.S.: Creo que depende de cómo lo hagas.
Las obras que se niegan a afrontar problemas, lamentablemente resultan ser obras en las que “sólo los seguidores estarán contentos”; no son aquellas que traen el cambio.
Por ejemplo, dentro de Asper Kanojo, si se dibuja como para condenar que “es malvado el ser humano que no comprende a los discapacitados”, esto, a la mayoría de las personas desorientadas les disgustará y se endurecerán.
Creo que es importante contar los hechos y mostrar la forma. Al final, pienso que es importante mantener “una actitud de espera”.
A.G.: Gracias de nuevo por esta oportunidad. Esperamos con ansias tener los capítulos de Asper Kanojo en más idiomas. Buena suerte en todos sus proyectos.
Pueden leer Asper Kanojo en la plataforma Comic Days y se ha anunciado que en verano de este año se lanzará la edición en inglés del manga.
By virtue of fan’s voices from all over the world, we’ve set in preparing for the official English version of “Asper-Kanojo”. We are sure that the theme this series have inside moves all people. Probably it will be published in 2021 summer. Please stay tuned for it.#Asperkanojo
A.G.: I cannot express with words how honored and excited we are for being able to make this interview. I am a huge fan, so thank you so much Mr. Hagimoto for agreeing and I would like to start by shed the light in the events that lead us to this moment. How did you find out about our article? And what do you think about the connection with your manga in other countries and cultures like Peru?
A.G.: It is said that when someone writes a story there is an interest or concern about the topics that are treated in that story, so why did you decide to make a manga about a girl with Asperger? How was Asper Kanojo born?
A.G.: I think one of the difficulties that Saitou-san (especially) and Yokoi-san must face is the society in general. For example, the protagonist says regarding pregnancy that she doesn´t want to bring a person like her into this world, because she experienced so much pain. In Peru we can find similarities, but how would you say is the life of a person with Asperger in Japan?
A.G.: There is this heartbreaking moment when Saitou-san says that she keeps a cutter in case the times comes when she wouldn’t stand anymore and wants to die, but as the story goes on there are happy situations, she starts to learn how to enjoy living and she laughs with Yokoi-san, she sings at the karaoke and she begins a relationship with him. I wrote about this in my article, so I would like to know how did you manage to balance those bright and dark moments? What is the purpose of showing this contrast?
A.G.: I think it is undeniable that Yokoi-san is a pillar in the story. He shows an immense human empathy for Saitou-san which is key to her improvement. However, at the same time, Yokoi-san has his own issues that makes him understand Saitou-san more, but they can be a burden and a challenge when he needs to help her. Also, he is forced to get used to the anguish of not knowing if Saitou-san will lose hope in life. Why do you think is important to portray his struggles?
A.G.: Besides Saitou-san and Yokoi-san, there are other people around them which face other issues like Takamatsu-san and Shimizu-san and nowadays in fictional stories and media in general there is a tendency of showing characters with same problems, but the portrayal sometimes feels unidimensional (they are the peculiar of the group or the comic relief) and hard to identify with. What was your approach to create your characters? What do you think is the key in these cases?
A.G.: Yokoi-san is a mangaka as you are and even though he creates stories for living, he enjoys mostly focusing on works related with people with psychological and emotional problems. Would you say he is kind of inspired in yourself? Do you identify yourself with any of your characters?
A.G.: I am sure that many people like us which love manga (the community here is huge) have thought about creating their own work and becoming mangaka, but they wonder how it is from inside and if they are capable of it. I also read in your Facebook that sometimes is hard for you to keep working, but you are able to renew your motivation. So, why did you decide to dedicate to write manga? How is your daily working routine? What keeps you going?
A.G.: As fans, we really like to uncover links between authors, so I was wondering, what are your favorite mangakas? What are those that inspired you in general and for Asper Kanojo?
A.G.: I am a screenwriter and a researcher as well and I have noticed how the stories can create meaningful connections between people (this interview is an example of that), initiate discussions that highlight important social topics or problems and through emotion and identification we can change society a little bit, probably person by person hopefully with great impact. So, I would like to know your thoughts about that. Can manga play that role?
A.G.: Thank you very much again for this opportunity. We look forward for the chapters of Asper Kanojo in more languages. Good luck in all your projects.
Una oficinista común y corriente llega a su departamento donde vive sola. No ha terminado de poner los pies en su hogar cuando de pronto es arrancada del mundo moderno hacia un reino parecido a nuestra época medieval. Un mundo donde la magia existe y donde necesitan una “Santa” que los ayude a enfrentar la creciente magia oscura que los amenaza. El ritual ha funcionado pero para su sorpresa no trajeron a una, sino a dos muchachas.
Sei es transportada a otro mundo
La traducción del título original Seijo noMaryoku wa Bannou Desu es “El poder de la Santa es omnipotente”. Tenemos la clásica historia de una chica que es llevada a otro mundo. Sí, un isekai de los que no soy mucho de elegir. Entonces ¿Por qué esta historia me gustó? Simple, me sentí identificada con la protagonista porque se reinventó. En un mundo tan diferente al suyo, Sei no sabe en qué ocupar su tiempo, comienza a aprender magia y a hacer cosas para las que ya no tenía tiempo en su mundo. No solo las hace, sino que disfruta de hacerlas y sin saber le suma su recién adquirido poder.
Sei tiene que aceptar que no volverá a su mundo
La Historia de la Santa
El resplandor que la rodeaba se disipa y Sei Takanashi aparece rodeada de gente que no conoce. Todos están alborotados pues la invocación tuvo éxito. El mago que ofició la ceremonia está inconsciente pues agotó su poder mágico. La recién llegada nota que no es la única «extranjera», cerca se encuentra una muchacha más joven. Es una chica de preparatoria que se ve tan asustada como ella. Ambas se encuentran ahora en un Reino llamado Salutalia.
El príncipe Kyle da por hecho de que Aira es la Santa
Ingresa al alborotado salón el príncipe Kyle y saluda a la más joven dando por hecho que ella es la esperada Santa. Aira Misono es el nombre de la joven y poco se verá de ella al inicio. A Sei le disgusta el haber sido dejada de lado. Quizás por ser mayor, usar lentes o tener un semblante algo cansado. Los presentes comentan que quizás como el miasma ha estado tan agresivo en los últimos tiempos es lógico que llegaran dos santas.
Johan cuida y orienta a Sei en el reino
Johan Valdec le informa que no será posible devolverla a su hogar pero que pueden ofrecerle vivir en palacio. Se disculpa por lo irrespetuoso del comportamiento del príncipe, aunque ella guarda un pequeño resentimiento. Todos se dirigen a ella con mucho respeto y la llaman «santa». Ella le pide a Johan que no la llamen así.
Sei comienza a aprender magia con Jude
Ubicada en una parte del Palacio, Sei es tratada con mucho respeto. Tiene un personal que cuida de ella y está pendiente de lo que pueda necesitar. Así que no tiene mucho que hacer. Muerta de aburrimiento consigue salir al gran jardín, donde conoce a Jude que trabaja en el Centro de Investigación donde realizan pociones con ayuda de las plantas y flores. Sei queda encantada y solicita a Johan convertirse en investigadora. Comienza a preparar pociones con la ayuda de la magia que aprende a manejar gracias a Jude. Se vuelve muy eficiente y sus pociones resultan tener un efecto mayor que el esperado.
Sei siempre se esmera y termina haciendo más de lo que le piden
Pasan los meses y un grupo de soldados de la Tercera Orden es atacado por una enorme salamandra. Se requieren todas las pociones posibles. Sei guarda en su bolsillo una poción de alto calibre que le dijeron que no era fácil de preparar pero para ella fue como cantar. Dicha poción ayuda a salvar la vida del capitán Hawke de la Tercera Orden.
La poción de alto calibre de Sei salva la vida del capitán Hawke
Gracias al estupendo trabajo de Sei, le dan un mejor presupuesto al Centro de Investigaciones por lo que le ofrecen lo que ella pida. Sin pensarlo dos veces, pide una cocina bien implementada. La comida del reino le resulta un poco sosa pero eso nunca se los dirá por el cariño y respeto que les tiene. Las recetas que prepara son novedad para todos. Es así que se solicita no solo más ingredientes para sus pociones sino también para sus recetas.
Los ingredientes que se requieren se obtienen del bosque. La incursión podría ser peligrosa pues los animales se tornan muy agresivos por la presencia del miasma. El capitán Hawke, se ofrece con todo y su escuadrón para resguardar a Sei y su grupo de investigadores. En dicha misión Sei cocina feliz para todos, lo cual trajo como descubrimiento que no solo eran deliciosas las comidas sino que también mejoraban las capacidades físicas de quien las deguste. Por lo que le prohíben cocinar en público.
Sei deja los anteojos y al estar feliz con sus logros practicamente brilla de hermosura
Sei sospecha que la verdadera Santa es ella, pero no quiere perder la libertad que goza por ahora. Usa lo aprendido en ella misma y deja de usar anteojos. El buen descanso y la buena comida prácticamente la hacen brillar. Está hermosa.
Elizabeth es la primera y única amiga de Sei. Y también es la prometida del príncipe
En su afán por aprender más sobre magia visita continuamente la biblioteca. Ahí conoce a Elizabeth Ashley, la prometida del príncipe Kyle, ella será su primera amiga. Otro personaje que toma mucho interés en Sei es el Capitán Hawke. Él la admira y comienza a verla con ojos más cariñosos. Cosa que Sei nota y no puede evitar sonrojarse pues disfruta mucho de su compañía.
Sei y el capitán Hawke salen a pasear
Entre salidas y paseos con el capitán, Sei no deja de lado su afán de aprender. Ahora se interesa en los encantamientos, los cuales logra hacer mejor que muchos magos. Por lo que le piden su apoyo en la Asamblea de Magos donde realiza un estupendo trabajo.
Su día libre lo aprovecha en aprender más sobre hechizos y sanación. Y al visitar un hospital encuentra a un soldado que conoce y que tendrá que volver a ser civil por haber perdido un brazo. Sei intenta un nuevo hechizo que vio en un libro y logra regenerar el brazo del joven y ya que hizo algo tan evidentemente grandioso que no iba a pasar desapercibido, decide sanar a todos los del hospital ejecutando un hechizo de alto nivel.
Todos los heridos y enfermos recuperaron su salud gracias a Sei
Ante lo sucedido no se puede evitar que el Gran Mago Yuri Drewes se entreviste con ella, casualmente ya despertó luego de quedarse varios meses inconsciente luego de la invocación. Él determinará si ella es la verdadera santa.
Luego de entrevistarse con Sei, el Gran Mago determina que la magia de ella es más poderosa que la de él. Ahora es el mismo Rey que quiere entrevistarse con ella. Lo primero que hace el rey es pedirle disculpas por el comportamiento de su hijo, el príncipe Kyle. El monarca le ofrece cualquier cosa que pida y aunque ella no necesita de tierras o palacios piensa en una mejor opción. Le pide acceso a los libros de magia prohibida y que le asignen un profesor. El rey se conmueve de su humilde petición y se la concede.
El príncipe Kyle insiste tercamente que Aira es la Santa
Por otro lado, el príncipe se entera de que su padre se disculpó por él con Sei. Él tercamente insiste en que la santa es Aira. Aunque Sei y Aira hagan magia, el destello dorado que emite Sei es único.
El Gran Mago será quien enseñe a Sei
El entrenamiento con el Gran Mago es duro y a Sei le cuesta un poco seguirle el paso pero lo toma como un reto pues cree que tanta preparación significa que acompañará a las expediciones en el futuro. Cuando finalmente pregunta directamente a Yuri si ella estará presente en las incursiones, el Gran Mago le dice que eso no era parte del plan, pero le parece una buena idea siempre y cuando él también le acompañe. Yuri nunca se topó con alguien más fuerte que él y siente mucha curiosidad por el desarrollo de la capacidad de Sei.
Una capacidad que ni ella misma entiende. Lo que queda claro es que se siente tan feliz y cómoda en este mundo que se está olvidando de su lugar de origen. Su bondadoso corazón es lo que le permite desarrollar su potencial y su creciente amor por el capitán Hawke será el detonante que liberará El Poder de la Santa.
Tal como Sei va progresando, el miasma que envenena este mundo tiene los días contados. Pero aún falta más por contar de esta historia que comenzó como una Novela Ligera escrita por Yuka Tachibana, quien empezó a escribirla en el 2016 y hasta ahora continua.
En Febrero del 2017 inició como Novela Gráfica siendo Yuka Tachibana apoyada en la ilustración por Yasuyuki Syuri. Siendo publicada por Fujimi Shobo. Van 6 volúmenes publicados y la historia aún continúa.
En su versión Manga inició en Julio del 2017. Continuando Yuka Tachibana como escritora pero en la ilustración estuvo a cargo de Fujiazuki. Es publicado por Kadokawa Shoten. Van 5 volúmenes publicados y aún no ve un final.
La versión Anime está dirigida por Shota Ihata con el estudio Diomedea (Kodomo no Jikan, Ika Musume, Gingitsune, Fuuka, etc) y ha sido licenciada por Funimation. Y constará de 12 episodios.
Opening
La canción de inicio se titula «Blessing» y la canta Aira Yuuki. Una hermosa y melodiosa canción que no solo nos va mostrando lo personajes que acompañan a Sei en su nueva aventura, sino también una hermosa variedad de fondos bellamente dibujados. La magia de Sei envuelve a sus amigos y aparecen algunos personajes aún en grises y sin rostro que son los que irán apareciendo más adelante.
https://youtu.be/qLnnjGEcZrw
Ending
La canción al final del anime se titula «Page of Tomorrow» y la canta NOW ON AIR. Una hermosa canción en la que vemos a Sei avanzar con paso decidido para finalmente llegar a lo alto de una colina donde puede apreciar el Reino de Salutalia. Pero Johan y Jude han seguido sus pasos. Johan la mira con mirada comprensiva pero Jude tiene un gesto de disgusto. Al parecer Sei salió sin permiso.
