Hace dos semana ha llegado a Netflix, un spin off ,de uno de los animes más aclamados de todos los tiempos, JoJo´s Bizarre Adventure, titulado, Thus Spoke Kishibe Rohan y sinceramente estuve un poco desanimada al verlo ya que es la historia de la cuarta temporada de la franquicia del controvertido y extraordinario mangaka, Hirohiko Araki, titulada ¨Diamond Is Unbreakable¨ pero bueno. Es Jojo´s pues, debo darle una oportunidad y no puedo dejar de verlo para realizar un análisis veraz , a parte, al ser fan de esta saga, los estándares estarán altos.
episodios 1
No tenía en mente que la cuarta temporada de Jojo´s se basaba en crímenes sin resolver y mucho misterio, lo que hace más jugosa esta historia y la cereza que corona el vaso es que el protagonista es el mismo mangaka, sí, Araki, ha comentado en varias oportunidades que Kishibe Rohan, es su personificación en un personaje de papel.
Ya con eso tenemos varios puntos ganados para que le des una oportunidad, este spin off es publicado por la revista Weekly Shonen Jump, además el primer volumen fue el 68° volumen de manga más vendido de 2014 en Japón y fue bien recibido por los críticos. La historia fue llevada a la pantalla chica acertadamente por el estudio David Production, que ha realizado toda la saga de Jojo´s desde su primera temporada.
Cover de la primera edición de Kishibe Rohan wa Ugokanai
La trama se basa en historias de misterios que Rohan Kishibe , va contando a diversas personas en la mesa de un café en la ciudad de Morioh, Japón, donde se desarrolla la historia de la temporada a la cual pertenece el personaje. Rohan es un mangaka famoso en esa ciudad, que es capaz de viajar miles de kilómetros con tal de encontrar inspiración para sus historias de papel y pluma. Nada alejado de la realidad con ,Araki, que viajó por varios años a Italia para poder crear la saga de Vento Aurio de Jojo´s.
Parte del trailer oficial: Thus Spoke Kishibe Rohan
Es en estos 4 capítulos de la OVA que los episodios son círculos, se inicia y el misterio se resuelve en el mismo episodio. Lo cual es gratificante para los que sufrimos de ansiedad con tantas historias que uno ve actualmente. Existen guiños, para los fanáticos de JoJo´s reconfortantes, como en el primer episodio que nuestro prota viaja a Italia para desarrollar un manga, obvio que es una confirmación de que el mismo Araki viajó a Italia ha desarrollar su quinta temporada.
La estética y la animación de David Production, sigue intacta, siendo fiel a sus predecesoras adaptaciones del manga. Las historias son frescas, además de incluir algunos personajillos de la cuarta temporada. El ritmo y la cadencia para el desarrollo de los hechos es de menos a más lo cual logra captar la atención de espectador.
Como conclusión puedo comentar que este spin off cumple con su cometido y más, así no seas seguidor de la saga de los herederos Joestar, estoy segura que Thus Spoke Kishibe Rohan gustará a muchos.
Versailles no Bara, traducido como La rosa de Versalles o Lady Oscar, es un título conocido no solo por los amantes del género shōjo, sino también por todo otaku latinoamericano nacido antes del 2000. Presenta a Oscar François de Jarjayes, última hija del Comandante de la Guardia Imperial, y criada como hombre para poder sucederlo.
Así como el anime presentaba temas transgresores para la época, como el travestismo, los otakus más jóvenes podrán encontrar en este manga varios temas refrescantes y muy actuales. Por ello, el día de hoy presentaremos, gracias a Ibero Librerías el volumen 1 de La rosa de Versalles.
Revisitando un clásico: antecedentes de Lady Oscar en el Perú
Lady Oscar o La rosa de Versalles es un título que no resulta ajeno a los jóvenes otakus. Mucho menos a aquellos que han disfrutado de los primeros animes en señal abierta ni quienes asistieron a las proyecciones de Club Sugoi en los años 90 e inicios del 2000.
Como parte del primer grupo, recuerdo la novedad cada vez que veía, cuando tenía nueve años, al personaje de Oscar, allá por el 2003 en canal 5. Por esa razón, no puedo evitar la emoción al leer el primer volumen. ¿Qué se siente, ahora a mis 27 años, visitar otra vez esta historia? ¿Qué puedo decir de nuevo sobre esta obra?
Oscar y María Antonieta. Primera página de La rosa de Versalles, ECC Ediciones (2020).
Lady Oscar llegó al Perú en 1989, diez años después de su estreno en Japón. Se trata de una obra inserta en el género shōjo, cuyos temas no solo coinciden con las propuestas que trajo el feminismo estadounidense de segunda ola en Japón -la necesidad de debatir sobre sexualidad, familia, trabajo, derechos reproductivos, entre otros- por los años 70. También tiene influencias del Takarazuka Revue, un teatro conformado exclusivamente por mujeres, donde un grupo performa un rol femenino -las musumeyaku– y otro performa papeles masculinos -las otokoyaku-, y la misma literatura de Clase S, género inaugurado por Yoshiya Nobuko en la preguerra y cuyas historias desarrollan la relación entre chicas adolescentes en un espacio exclusivamente femenino.
A la izquierda, una otokoyaku, y a la derecha una musumeyaku. Vía: Kageki Hankyu
Para el momento en el que Lady Oscar llegó a nuestro país, nuestra cultura no era ajena, en el ámbito literario, al “travestismo”. Basta recordar la imagen de la mujer-varón –mujer vestida con traje de varón para poder viajar con seguridad y pasar desapercibida en la esfera pública– en algunas obras de Shakespeare como Duodécima noche, o lo que quieras, o textos del Siglo de Oro español como la Historia de la Monja Alférez Catalina de Erauso, contada por ella misma. Este uso del traje lo que crea es una narrativa con un cuerpo ambiguo o trans, que, a su vez, permitirá abordar la tensión amorosa entre la mujer-varón y otras mujeres, tal y como sucede en el caso de Viola y Olivia en Duodécima noche, y Catalina de Erauso con sus múltiples prometidas.
Anne Hathaway en el rol de Viola, en la obra Duodécima noche de William Shakespeare. Vía: The New York Times
Asimismo, se estrenó en un momento en el que el feminismo y los movimientos LGBTIQ+ en el Perú habían cobrado fuerza. Muchas escritoras e intelectuales peruanas feministas habían unido esfuerzos desde la década del 70 para articularse y visibilizarse en la escena literaria y crítica local. Y en la década de los 80’s se crearon los primeros grupos LGBT en el Perú, con el surgimiento del MHOL y el GALF.
Todo ello permitió un boom de la literatura LGBTIQ+ peruana en la década de los 90, con la aparición de obras como Las dos caras del deseo (1994) de Carmen Ollé, Ximena de dos caminos (1994) de Laura Riesco, No se lo digas a nadie (1994) de Jaime Bayly, Efecto invernadero (1992) de Mario Bellatin y 56 días en la vida de un frik (1996) de Morella Petrozzi. Estos presentaron personajes con una sexualidad no heterosexual y una performance de género que cuestionaba la dicotomía masculino-femenino.
Finalmente, en el ámbito de la literatura, del 2000 en adelante encontramos obras que unen la identidad queer con la identidad fan. Títulos que ejemplifican ello son Cromosoma Z (2007) de Jennifer Thorndike, Kimokawaii (2015) de Enrique Planas y Compórtense como señoritas (2019) de Karen Luy de Aliaga.
Portada del libro Cromosoma Z (2007), Bizarro Ediciones
Portada del libro Kimokawaii (2015), Penguin Random House
Portada del libro Compórtense como señoritas (2019), Editorial Paracaídas
Para cerrar estos antecedentes, al contexto histórico-literario hay que sumarle la tendencia homosocial y la larga tradición de colegios femeninos, masculinos y católicos en la capital. Desde el lado de los colegios femeninos, estos fueron espacios predilectos -hasta casi inicios del 2000- para un sector social y económico de la población. Ellos no solamente permitieron a las jóvenes el desarrollo de sus gustos y su personalidad sin una mirada adulta o masculina que las ciñera siempre a los roles de género, sino también se situaba, en ocasiones, como un espacio medianamente transgresor. Este espacio homosocial femenino, permitía, durante festivales o celebraciones, que las chicas performaran papeles masculinos durante las obras, actuaciones o danzas del colegio. Asimismo, tampoco era un espacio ajeno a la violencia física, psicológica o verbal entre chicas, a diferencia del estereotipo de “inherente delicadeza” de la mujer.
Por todo lo anterior, al espectador peruano, especialmente al público adolescente femenino –target original del shōjo (1)-, no le serían ajenos los temas presentes en Lady Oscar (2).
La rosa de Versalles: shōjo y transgresión
El primer volumen de La rosa de Versalles no solo resultó transgresor en su época. También presenta algunos temas que podrían resultar llamativos para el lector contemporáneo.
En primer lugar, la obra presenta diversos tropos clásicos del shōjo: la madurez emocional y física de la joven protagonista -visto en María Antonieta y Oscar-, el desarrollo del amor heterosexual -entre María Antonieta y Hans Axel von Fersen, y más adelante entre Oscar y André-, la amistad apasionada entre chicas -en la relación de princesa y guardián entre María Antonieta y Oscar, y luego entre Oscar y Rosalie-, el principio de hermandad y la rivalidad entre hermanas -visto en Jeanne y Rosalie-, y la contraposición entre la shōjo y la mujer adulta -en el antagonismo entre María Antonieta y Madame du Barry (3)-.
Madame du Barry y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 142, 2020)
Oscar y María Antonieta. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 150, 2020)
Jeanne y Rosalie. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 180, 2020)
En segundo lugar, de los tres personajes principales del manga, María Antonieta, Hans Axel von Fersen y Oscar François de Jarjayes, será este último el más transgresor y que resalta las dificultades de ser un sujeto no normativo en la sociedad. Pese a haber nacido mujer, el padre lo cría como hombre y lo asigna como su heredero. Ello no solo le permitirá usar un traje de hombre en el espacio público, sino también el desempeñar un rol distinto al de otras mujeres de su época. Sin embargo, ¿ello supondrá una verdadera liberación y avance para Oscar?
Esta imposición del padre sobre Oscar creará un sujeto queer, es decir, un cuerpo que se mantiene en la periferia. Estolo podemos ver en múltiples escenas del manga, como cuando decide estar al margen en el conflicto entre María Antonieta y Madame du Barry, o cuando las damas de la corte señalan que se casarían con ella si hubiese nacido hombre. De esta forma, podemos observar a un personaje que es consciente de la posición ambigua en la que se encuentra.
María Antonieta se entera de la identidad de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 47, 2020)
Oscar escucha los comentarios de las damas de la corte. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 94, 2020)
Oscar no toma bandos. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 95, 2020)
Sobre la ambigüedad de su posición y el matrimonio, por un lado, el padre tiene la autoridad de darle a Oscar un espacio que, por lo general, es vetado a las mujeres. Pero, por otro lado, la corte de Versalles es un espacio que no garantiza la igualdad entre sus súbditos, ya que hay una distinción de las tareas por género -en su mayoría en correlación al sexo del individuo, salvo en el caso de Oscar- y no brindan una igualdad de derechos a Oscar -como la posibilidad de que se case con otros miembros de la corte- por tratarse de un cuerpo fuera de la norma.
Esto último se debe a que, en caso Oscar contraiga matrimonio con una mujer, no podría tener hijos legítimos -importante en el sistema de herencias de la corte y de las clases altas, y vital para entender la forma cómo se concibe actualmente la familia-, y de casarse con un hombre no podría cumplir exclusivamente con un rol maternal, ni cuidar del hogar ni administrar los bienes del esposo.
Además, Riyoko Ikeda resalta esta marginalidad, al situar a Oscar constantemente como espectadorincómodo ante los comentarios que realizan las mujeres sobre su “belleza” o “elegancia” (4), o cuando se señalan sus “cualidades femeninas”, supuestamente inherentes a su sexo. Esto nos lleva a un tercer punto, donde es interesante cómo -al menos en la traducción en castellano- hay una fluctuación entre los pronombres masculinos y femeninos para referirse a Oscar, lo cual resalta su carácter ambiguo.
Las damas de la corte señalan la «elegancia» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 84, 2020)
André señala la «intuición femenina» de Oscar. La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 200, 2020)
Las jóvenes de París describen a Oscar como «guapo». La rosa de Versalles, ECC Ediciones (p. 174, 2020)
En conclusión…
La rosa de Versalles es un shōjo que, en el primer volumen, nos presenta el crecimiento de Oscar François de Jarjayes, quien se sitúa como un sujeto marginal y fuera de la norma. Se trata de un personaje que vive en una sociedad clasista y conservadora, que encuentra paralelos no solo con la sociedad japonesa en la cual nace este manga, sino también con la sociedad peruana de los años 80’s.
Tal y como se señala en el artículo “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”:
No deja de ser curioso que un producto de la cultura japonesa —conocida por su apego a las tradiciones— sea el origen de estas reflexiones. Dice Andrea de Pablo que tiene que ver con que el manga es un territorio ficcional donde la ideología oficial se pone en entredicho por medio de comportamientos y reacciones que jamás serían permitidos en la vida real. Pero, es sabido, que este material sí tiene un impacto en quienes lo consumen. El innegable poder de la ficción
Catherine Subirana (2019)
Y este poder que tiene la ficción, específicamente el manga y anime shōjo, coloca en primer plano los problemas de la sociedad para crear una esperanza utópica en el espectador. Es decir, genera una esperanza de cambio social, donde todos los integrantes de la sociedad -sea cual sea su sexo, género o sexualidad- pueden gozar, algún día, de los mismos derechos e igualdad.
NOTAS
(1) Entonces, vemos paralelos entre el contexto que permitió el surgimiento del shōjo y sus espectadoras en el contexto peruano. Para más información, sobre los antecedentes y evolución del shōjo, leer el artículo sobre Catarsis de Mōto Hagio o el video del Centro de Estudios Orientales – PUCP sobre la evolución de la literatura de Clase S al shōjo y yuri.
(2) Público que, en comparación a la crítica y recepción que tuvo Ranma ½ en los 90’s, no criticó ni satanizó a Lady Oscar. Quizás, una razón de ello, es el rechazo hacia la homosexualidad masculina y la transexualidad femenina, en comparación al lesbianismo y la transexualidad masculina, donde la primera fue interpretada o codificada como una amistad, y la segunda presentada como pasajera.
(3) Lo cual corresponde también a un enfrentamiento entre la joven adolescente, quien se encuentra en una etapa liminal donde no ha contraído matrimonio ni ha tenido, supuestamente, relaciones sexuales, y la mujer adulta, de quien se espera haya contraído matrimonio y tiene una sexualidad al servicio del marido -o, en su defecto, al servicio de los hombres-.
(4) En ocasiones las damas de la corte se refieren a Oscar como “elegante” y las parisinas como “apuesto”. Vemos que en ambos casos hay incomodidad, pero en el adjetivo utilizado por las mujeres parisinas, aún más. Quizás se debe a la confusión de estas sobre el sexo de Oscar, ya que creen que es hombre, mientras que las primeras son conscientes de ello y optan por usar un adjetivo que podría usarse indistintamente en hombres y mujeres.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Arana Blas, Alexandra. 2017. Representación y mecanismos de silenciamiento de personajes femeninos queer en dos novelas peruanas de los años 90: Efecto invernadero y Las dos caras del deseo (Tesis de Licenciatura de Literatura Hispánica, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Perú).
Burkett, Elinor. “Women’s rights movement: political and social movement” Encyclopedia Brittanica. Consulta: 15 de enero de 2021.
https://www.britannica.com/event/womens-movemen
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Cuba, Lucero. 2012. Entre orgullo y resistencias. Una aproximación al movimiento LGBT en el Perú. Lima: Programa Democracia y Transformación Global. Consulta: 15 de enero de 2021. < https://democraciaglobal.org/wp-content/uploads/Entre-orgullos-y-resistencias-pdf.pdf>
Driscoll, Catherine. 2002. Girls: Femenine Adolescence in Popular Culture and Cultural Theory. Nueva York: Columbia University Press.
Escobedo, Angélica. “El travestismo en el siglo de oro español”. Retruécano. Rebeldía retórica. 1 de mayo de 2017. Consulta: 16 de enero de 2021.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
Ikeda, Riyoko. 2020. La rosa de Versalles. Volumen 1. Traducido por Yasuko Tojo. Barcelona: ECC Ediciones.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Subirana Abanto, Katherine. “Lady Oscar: cuarenta años de la serie animada que rompió esquemas”. El Dominical. Suplemento de El Comercio. 22 de octubre de 2019. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://elcomercio.pe/eldominical/lady-oscar-el-anime-que-rompio-esquemas-noticia/>
Takarazuka Revue. Página Oficial. Consulta: 15 de enero de 2021. <https://kageki.hankyu.co.jp/english/index.html>
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
En esta oportunidad hablaremos sobre la novela ligera escrita por Saori Kumi, publicada por Genko Books (Barcelona, 2005) y basada en el manga de Kaoru Mori (Editoriales: Enterbrain, Comic Bean; 2002-2006).
Sinopsis:
Londres, siglo XIX. William Jones, hijo Mayor y heredero de una rica familia de comerciantes londinenses, decide visitar a Kelly Stowner, su antigua institutriz. En casa de la señora Stowner conoce a Emma, su atractiva criada, y se enamora de ella. William se vale de todos los recuerdos a su alcance para seguir viendola, pero la escricta sociedad inglesa no ve con buenos ojos el romance entre un miembro de la alta burguesía y una doncella.
(Genko Books)
Basada en el manga del mismo título, Emma, relato en dos volúmenes publicados, profundiza en la psicología de los personajes y revela los detalles más íntimos y secretos de los protagonistas.
Volumen 1 y 2 de Emma (Novela). Fuente: Todocoleccion.net
Crítica:
El trabajo que ha realizado Saori Kumi con el apoyo de la mangaka Kaoru Mori ha dado como fruto una novela con un trasfondo bastante realista (en tanto la descripción de acontecimientos históricos narrados es bastante verosímil para la época) que, no obstante, no recae en un naturalismo detallado a lo Emile Zola, sino que más bien es acertadamente matizado con una atmosfera romántica propia de las historias de amor (dramático-trágicas) tan características de las escritoras occidentales del siglo XIX (como bien refleja la novela peruana de romance interclasista titulada «Herencia», de nuestra querida Clorinda Matto de Tuner).
Sin duda que este será un relato predilecto para aquellos amantes de las novelas ligeras ambientadas en épocas pasadas, especialmente aquellas ambientadas en una época particularmente representada (en su dimensión histórico estética) en el manganime y sus derivados, como lo es la Inglaterra victoriana (20 jun 1837 – 22 ene 1901).
Portada de la segunda temporada de Emma (versión anime).
Bonus track:
Te dejamos el primer opening de la versión animada de Emma, emitida por el Estudio Pierrot en los años 2005-2007.
Para los lectores de manga, es común quedarse maravillado ante la estética o calidad de una portada o ilustración y detener el flujo de la lectura para admirar alguna viñeta ante la que no podemos evitar contemplar cada detalle que nos interpela emocionalmente. Son esos momentos los que reafirman la creencia de que el manga es un arte con una increíble capacidad expresiva. Precisamente, los artbooks e illustrationbooks capitalizan dicha creencia cuando congregan lo mejor de la obra de algún mangaka o del imaginario visual de alguna historia que acelera el kokoro de los otaku. Ese es el caso de Naruto Illustration Book, vibrante protagonista de esta reseña.
Viz media (2010). Fuente de fotografía: Alessandra Gamarra
Edición Naruto +
Naruto Illustration Book se lanzó originalmente en Japón casi 9 años después de la publicación del manga y es el segundo de tres libros de ilustraciones de la obra de Kishimoto Masashi . La edición es de un atractivo tamaño A4 con una cubierta plástica que exhibe al ninja rubio en todo su esplendor y si se remueve, podemos encontrar una tapa blanda con la famosa viñeta del manga que muestra a Naruto tras su regreso del viaje de entrenamiento con Jiraiya, específicamente cuando se sube a un poste para admirar a su querida Konoha. Los dibujos son presentados en hojas plastificadas y sin duda es un artículo que todo fan querrá tener además por los extras que incluye (¡Sí, regalos!).
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Cuando se abre el libro, se puede encontrar una plancha de stickers de las primeras 46 portadas de los tankōbon, muchas de las cuales son icónicas como la del primer tomo o marcan hitos en la historia de Naruto según su propio autor como la del tomo 4 que muestra a Naruto con Haku y Zabuza, la 26 y la 27 que presentan a Naruto y a Sasuke respectivamente en su primera pelea en el Valle del fin o la 42 que expone la última reunión de Naruto con Jiraiya. Además, la edición trae un poster desplegable de los nueve jinchūriki con sus bijūcuya información sobre sus nombres y aldeas de origen fue por primera vez revelada a través de esta obra que es un deleite visual.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
El ninja, su aldea y su lucha a todo color
Uno de los elementos clave del Naruto Illustration Book y que se puede notar incluso pasando rápidamente sus páginas es la explosión de color que son cada una de sus ilustraciones más allá de la paleta base del manga. En relación con ello, en una entrevista en el 2015, Kishimoto-sensei reveló que Naruto fue hecho analógicamente y que se divertía con sus asistentes aplicando los tonos de color. Precisamente, el coloreado, las sombras y la iluminación son los elementos distintivos de esta obra que revelan el trabajo de artesano de su autor y su equipo quienes le dan personalidad, fuerza, vida y belleza a los dibujos y que transmite exitosamente el espíritu de la historia y su protagonista.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Las ilustraciones no solamente incluyen a algunas de las portadas, sino también a dibujos realizados por Kishimoto-sensei para la publicación en la Weekly Shōnen Jump, así que en muchas se emplean técnicas artísticas o conceptos particulares que provoca coleccionar. Además, todas estas se encuentran limpias de cualquier logo del título o texto de la publicación, así que el foco se centra totalmente en el arte. Dicho arte está dividido en tres secciones temáticas referidas a través de kanjis, de las cuales la primera lleva el nombre de Shinobi y presenta (a excepción de una imagen) una diversa selección de ilustraciones individuales de Naruto tras su regreso a Konoha.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
A diferencia del primero, los otros dos apartados sí muestran a otros personajes y no solamente se restringen a la segunda parte del manga. En ese sentido, el segundo lleva el nombre de Hoja y se concentra en el equipo 7, los 11 de Konoha, los maestros del protagonista u otros shinobi que conoce en su camino ninja. No obstante, el capítulo más sobresaliente es el llamado Guerra en el que se exhiben potentes ilustraciones del arco de Pain, de Akatsuki, de los conflictos de Sasuke y de la eterna lucha de este último con Naruto. Al respecto, ovación de pie para el dibujo final que compara su batalla con la de los kami Raijun y Fujin (narufans, tengan cuidado con su kokoro).
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
El festival artístico para los ojos está asegurado, pero esta edición tiene un ingrediente adicional que plantea otra lectura al libro y que emocionará a los fanáticos.
Feat. Kishimoto-sensei
En una entrevista del año 2012, Kishimoto-sensei aceptó que la agenda de un mangaka es bastante demandante, pero que era el trabajo perfecto para él por su amor a dibujar manga y precisamente los fans pueden tener un vistazo de este mundo personal del autor a través del Naruto Illustration Book que incluye sus comentarios a cada una de las ilustraciones. Llegamos a conocer desde el cansancio que sentía por momentos hasta las recomendaciones que recibía de parte de sus asistentes o de la Weekly Shōnen Jump, la revista en la que siempre soñó publicar. Asimismo, Kishimoto-sensei revela los conceptos detrás de cada uno de los dibujos.
Dichos comentarios revelan también muchas de las vivencias de otros mangakas como la autocrítica, las historias detrás del quehacer artístico o los elogios y autosatisfacción que se llegan a conseguir por el resultado final como es el caso de la ilustración del número 52 que es una de las favoritas de esta redactora. Del mismo modo, queda patente el sentido del humor de Kishimoto-senseique sin duda plantea divertidas relecturas a sus creaciones como cuando se ríe de su propio dibujo de un caballo o descubre la presencia de su propio gato Shu en una de las ilustraciones donde es presentado como una estatua. Sin duda, otro aspecto que los narufans amarán.
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Viz Media (2010)
Veredicto final
Recomendado para todos los narufans coleccionistas y aquellos narufans que no quieren quedarse atrás de los coleccionistas. También, es una muy buena adición para los fanáticos de todo el arte de las obras de la Weekly Shōnen Jump o del manga en general y si aún no tienen ningún artbook o illustration book anímense a adquirir alguno, no se van a arrepentir. Naruto Illustration Book consigue el objetivo de transmitir la vibrante energía y la fuerza dramática de la obra de Kishimoto-sensei al mismo tiempo que acerca a los lectores al autor y viene con un par de extras que todo fan estaría contento de tener.
Puedes encontrar Naruto Illustration Book en Ibero Librerías.
Viz Media (2010)
Ficha técnica
Editorial: VIZ MEDIA
Año: 2010
Páginas: 100
Presentación: Tapa Blanda
Peso: 0.5kg
Ancho: 21cm
Alto: 29cm
Aquí les dejamos un par de entrevistas a Kishimoto Masashi, donde habla de su trabajo como mangaka:
Los peruanos hemos crecido con animes y telenovelas. ¿Quién no llegaba del colegio y veía Dragon Ball o Sakura Cardcaptor? Los animes de la tarde que daban espacio a las telenovelas. La cuota diaria de melodrama (japonés o latino) para seguir nuestro día.
Y si de melodramas japoneses hablamos, no podemos dejar de hablar del shōjo. Por ello, el día de hoy presentaremos el libro Catarsis de Mōto Hagio, el cual llega a nosotros gracias a Íbero Librerías.
Catarsis es una compilación de mangas de Mōto Hagio (Fukuoka, 1949), considerada como la “madre fundadora” del manga shōjo contemporáneo, especialmente del shōnen-ai o Boys’ Love. En ella encontramos algunas de sus historias cortas más aclamadas.
Llama la atención cómo sus narrativas beben del shōjo y la “literatura de Clase S” de inicios de siglo XX, ya que presenta tópicos como la hermandad, el principio de semejanza, la idealización de los cuerpos y un imaginario lleno de imágenes occidentales -algunos paisajes y estructuras lejanas, como en Europa-. Asimismo, presenta una crítica a la construcción del género -tanto femenino como masculino- y aborda la interioridad y los sentimientos tanto de hombres como de mujeres. Finalmente, pese a que sus historias están dirigidas a jóvenes y adolescentes, aborda temas tabú.
Carátula del libro Catarsis de Mōto Hagio, TomoDomo Ediciones
De la literatura de Clase S al shōjo:
Algunas historias como “Mitad” y “La niña iguana” juegan con el “principio de semejanza” y de hermandad, propio del shōjo y la“literatura de Clase S”. En ambas vemos a una hermana que es considerada bella como un ángel, y otra que es, a los ojos de la sociedad o de la madre, un “monstruo”. La hermana “angelical”, quien es la menor, requiere de mayores cuidados, mientras que la mayor es constantemente regañada y relegada por la madre. Además, es la hermana mayor la que suele desarrollar una personalidad rebelde o más crítica con las normas.
Escena de «Mitad», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Resalta cómo en ambas historias las protagonistas experimentan un quiebre en su interior. Pese a que logran insertarse en la sociedad mediante el matrimonio o el enamoramiento, no pueden conciliarse fácilmente con el trauma experimentado en la niñez, especialmente con el rechazo de la madre.
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Camino a la adultez: personalidad y sexualidad
Otras historias que llama la atención por el desarrollo de la interioridad y los sentimientos de los personajes son “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis” y “Al Sol de la tarde”.Las dos primeras nos presentan protagonistas masculinos que se encuentran hastiados de la sociedad y de sus padres, quienes no toman en cuenta sus malestares ni la presión que sienten por alcanzar el éxito. Y como única solución deciden escapar del hogar o incluso de la realidad.
Escena de «Las pastillas de ir a la escuela», Catarsis de Mōto Hagio
Por otro lado, la protagonista de “Al Sol de la tarde” se aleja de la típica joven adolescente del manga shōjo, pues se trata de una señora de 42 años cuyo matrimonio está en crisis. La narración contrapone la idealización del matrimonio por parte de la protagonista y sus amigas en la adolescencia, y la realidad del matrimonio en la adultez. Además, a través de la imagen de Hitomi, la hija de la protagonista, se presenta un cambio generacional, donde las chicas tienen mayor independencia y agencia. Sin embargo, ¿hasta qué punto este deseo de cambio choca con la realidad?
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
“Al Sol de la tarde” nos presenta también una figura masculina joven e idealizada, construida como un bishōnen. Este personaje performa la masculinidad distinta a la del marido, ya que el primero es un hombre que, pese a estar desempleado, es sensible, atento y con gusto por las labores del hogar. El marido, por el contrario, solo se dedica al trabajo, va a locales de prostitutas y espera que su esposa lo sirva. De esta manera, desde el género shōjo se propone una nueva masculinidad (2).
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Shōnen-ai: la pérdida de la inocencia
Por último encontramos una representación del trauma y temas tabú en “Camuflaje de ángel”, “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis”, “El falso rey” y “El invernadero”. Los tres primeros nos presentan cómo los protagonistas lidian con el abandono de sus padres, la posibilidad del divorcio -con lo cual se derrumba la institución del matrimonio-, la depresión, el duelo, el suicidio y el aborto.
Las dos últimas,“El falso rey” y “El invernadero”, nos presentan protagonistas masculinos con un profundo sentimiento de desolación, soledad, abandono y desapego. Esto nos hace recordar a las protagonistas en la literatura deClase S escrita por Yoshiya Nobuko (1), donde la mayoría había sufrido la pérdida de la madre o sabían que terminada la escuela contraerían un matrimonio arreglado por su familia. Pero ante dicho destino, las protagonistas optarán por una relación de “hermandad” con alguna amiga o compañera de grados mayores, al igual como sucede entre L’Ange y Joschafat en “El invernadero”.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Asimismo, en ambas historias cortas vemos una exploración del cuerpo, la sexualidad y la violencia -ejercida a través de la violación-. En ese sentido, resulta intrigante por qué el shōjo opta por presentar el trauma y la violencia física sobre el cuerpo masculino. Para ello, tomemos en cuenta “El invernadero”. En la narración vemos cómo el invernadero es un espacio que cobra vida y seduce e invade a L’Ange. Este acto, que es observado en secreto por Joschafat, es percibido como traumático, casi como una violación -lo cual simboliza, a su vez, el fin de la pureza del “hermano” menor-. De igual manera, el protagonista de “El falso rey” cuenta, en un momento de máxima tensión, como fue violado por el rey durante “Las Fiestas de la Expiación”.
Al estar el shōjo dirigido a un público femenino adolescente, la autora desplaza estos eventos traumáticos hacia un cuerpo masculino -que simbolizaría el “otro”-. De esta manera, se genera una catarsis de las experiencias traumáticas pero se conservará a la vez la pureza del cuerpo femenino.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
En primer lugar, se produce una catarsis sobre el cuerpo masculino porque, pese a haber sido un cuerpo preparado para la guerra a partir de instituciones como la educación y los medios de comunicación -a través de las revistas para chicos de inicios de siglo XX-, es percibido como un cuerpo derrotado, o corrompido y “violado” en un sentido figurado, ante la guerra.
Por otro lado, la búsqueda por preservar la pureza en el cuerpo femenino podría ser producto de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El “sentido común” dictaría que las mujeres no habrían experimentado los traumas de la guerra porque no han participado de manera directa en la guerra. En otras palabras, la mujer “no habría padecido los traumas ni la violencia” del campo de batalla. Pero una segunda lectura podría indicarnos que, si bien Japón perdió la guerra, busca preservar su honor como nación al mantener “íntegro” el cuerpo y la virginidad de sus mujeres.
De esta manera, el shōjo aborda la experiencia traumática por la que han atravesado tanto hombres como mujeres, pero sin ir en contra del “sentido común”, que dicta que la mujer y su cuerpo son “inherentemente puros”, y sin poner en entredicho el honor de la nación.
Conclusión
Finalmente, Catarsis de Mōto Hagio resulta un recorrido interesante y necesario para entender el desarrollo del género shōjo. En ella se aprecia una exploración de los sentimientos tanto en personajes masculinos como femeninos -y en este grupo, en mujeres que se encuentran en varias etapas de la vida-. Son historias que beben de la narrativa para chicas precedente, y exploran temas tabú. Una lectura que vale la pena.
(2) Una nueva masculinidad vinculada a lasensibilidad promovida por la imagen de la otokoyaku en el Takarazuka Revue, a inicios del siglo XX.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
Ueno, Chizuko. 2004. Nationalism Gender. Boston: Trans Pacific Press.
Welker, James y Katsuhiko Suganuma. 2006. “Celebrating Lesbian Sexuality: An Interview with Inoue Meimy, Editor of Japanese Lesbian Erotic Lifestyle Magazine Carmilla”. Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context. Volumen 12. Consulta: 28 de octubre de 2020. <http://intersections.anu.edu.au/issue12/welker2.html>
«Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:
Izquierda:La portada de la sobrecubierta muestra dos estudiantes y árboles de sakura. No hay rastro de una historia de terror (aunque quién sabe. Solo hay que recordar el videojuego Doki Doki Literature Club!). Derecha: Por otro lado, la contraportada contiene la sinopsis que revela el motor de la trama: la enfermedad del páncreas de Sakura.
La brevedad de las cosas y el «mono no aware»
La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.
El prota es un introvertido ratón de biblioteca(o˘◡˘o)
La prota es una extrovertida ratona de biblioteca (≧◡≦) ambos empiezan a interactuar porque trabajan como encargados ahí.
La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«.Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cualno hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.
Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.
La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo
La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.
Las tres primeras páginas son a todo color. Cortesía de la editorial ECC. Así se puede apreciar que el árbol que suele aparecer es el sakura con su característica flor rosada.
Izquierda: Momento importante donde por primera vez el prota mira a Sakura y el árbol aparece de fondo acompañándola. Derecha: árbol aparece en primer plano. ¿Quizá es el tercer protagonista de la historia? Eso parece querer decirnos el mangaka.
Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.
Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?
El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.
Mientras Sakura en el anime está retratada como una adolescente; en el manga tiene una apariencia más infantil y moe debido al dibujo de los ojos y su corta estatura, . Esto hace que el manga sea aún más sad unu
Lo mismo sucede con el prota: su aspecto es infantil en el manga mientras en el anime parece un escolar de último año de secundaria por las facciones de su rostro y su alta estatura.
Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.
Pero,las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.
En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.
La alegre prota es un contraste con el chico serio de la clase, quien será el único que sepa su secreto y la acompañe hasta el fin de sus días. Se prioriza el uso de líneas delgadas en las comidas y bebidas que aparecen constantemente.
Cubierta original de la editorial japonesa. La edición de ECC Cómics trae ambas versiones: si le sacas la contracubierta se encuentra esta belleza.
Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español
El icónico manga Tetsuwan Atom, más conocido como Astroboy, empezó a publicarse en 1952 y el siguiente paso en el plan de su autor, Tezuka Osamu era dar el salto a la televisión, lo que se concretó el 1 de enero de 1963. Para lograr este objetivo, el dios del manga tomó una serie de decisiones que no solamente cimentaron el camino del éxito sin precedentes de su historia así como del llamado media-mix, sino que cambiaron para siempre a la industria del anime en Japón, que hasta la fecha muestra los rasgos de la—denominada por algunos autores—“maldición Tezuka”.
Fuente: Tezuka Productions
Era 1962. El anime y su industria—como los conocemos ahora—aún no habían nacido, así que era complicado encontrar inversionistas. Según Jonathan Clemments, con mucha dificultad, Tezuka-sensei consiguió el apoyo de la compañía de publicidad Mannen-sha, la empresa de confitería Meiji Seika, Fuji TV y NBC Enterpraises, que se suman, según Antonio Loriguillo a las jugueteras que compraron la licencia de la imagen de Atom. No obstante, Clemments revela que el capital de producción era insuficiente, pues, por ejemplo, Mannen-sha asumía que una serie anime debía costar la mitad de una serie live-action, así que sólo estaban dispuestos a aportar 300 000 yenes por episodio, lo que desanimó a Tezuka.
Loriguillo afirma que cada capítulo terminó costando 550 000 yenes que Tezuka manejó reduciendo los costos en varios sectores generando un escenario con el que ya estamos familiarizados. En primer lugar, apostó por la animación limitada para usar menos celuloide y para acelerar el proceso de producción con el objetivo de transmitir un capítulo semanal. En segundo lugar, Clemments señala que Tezuka optó por tercerizar el trabajo de animación con intensas sesiones para los animadores. Loriguillo precisa que a pesar de estos puntos, los episodios se vendían por menos de lo que costaban, así que la ganancias en realidad provenían del media-mix, es decir de la estrategia de explotación de la franquicia en distintos medios como merchandising.
Fuente: Tezuka Productions
El esquema de producción y negocio del dios del manga presionó a la competencia a seguir el mismo camino y esto configuró lo que Roland Kelts llamó la maldición Tezuka o la maldición Osamu. Para Loriguillo, «la limitación presupuestaria deficitaria inherente a la producción del anime» aún tiene un impacto actual y se refleja, según Mōri, en la gran diferencia de costos de realización del anime en comparación con series norteamericanas, así como en las ya mencionadas precarias condiciones de trabajo de los animadores. El autor explica una situación que no es ajena: los puestos de trabajo fijos son reemplazados por freelance o subcontratación a estudios de animación del sudeste asiático como Corea del Sur. Asimismo, los apretados deadlines afectan tanto la vida de los animadores (algunos renuncian también) como la calidad del producto final.
Otro punto importante que destaca el autor es la tendencia a la uniformización de las producciones debido a la intervención de las varias empresas que comparten los costos y conforman los comités de producción, que pugnan por un producto con el menor riesgo, lo que lleva—en muchos casos—a que se siga la fórmula que ha demostrado funcionar y que es la razón también detrás del kūru o temporadas de 12 o 13 episodios que son la tendencia en la actualidad. Además de estas circunstancias y la dependencia del media-mix, la maldición Tezuka también ha polarizado a muchos sobre los motivos del dios del manga detrás de su modelo y ha llevado a un intenso debate al respecto.
Fuente: tezukaosamu.net
De acuerdo con Roland Kelts, algunos señalan que Tezuka provenía de un sector privilegiado y una vez que se estableció como artista líder de la industria del manga y el anime no cambió su modelo en producciones posteriores, lo que presionó a la competencia a seguirlo. Según, Michael Rose, otros señalan que el ímpetu de Tezuka por aprovechar el momentum y difundir su trabajo por todo Japón y el resto del mundo lo llevó a seguir este modelo y que a través del mismo solidificó la posición del anime y abrió las puertas a jóvenes artistas a quienes introdujo además a publicistas y editores para que se labraran sus propias carreras.
Es discutible cargar la responsabilidad del mantenimiento de un modelo de industria a una sola persona sin considerar el resto de productoras que lo aplican, pero el dios del manga marcó un hito al respecto que es difícil ignorar. Sin duda, el debate sobre la maldición Tezuka continuará y quizás se transforme al mismo ritmo que lo haga la industria del anime y el manga que cambió para siempre con Tetsuwan Atom.
Fuentes
Les dejamos una lista de material que pueden revisar sobre la maldición Tezuka y la historia del anime.
Clements, J. (2019). Anime: A history. Bloomsbury Publishing.
Kelts, R. (2006). Japanamerica. How japanese pop culure has invaded the U.S. Palgrave Macmillan.
Loriguillo, A. (2018). La narración compleja en el anime postclásico: la ambigüedad narrativa en la animación comercial japonesa, Universitat Jaume I.
Sí, el título de esta nota no miente sobre la historia del anime Gaikotsu Shotenin Honda-san también llamado Skull-face Bookseller Honda-san. Si todavía no te acostumbras a la rareza de las premisas de varias series de animación japonesa, vas a tener problemas reconociendo que a veces hay mucho más detrás de estos curiosos relatos.
En este caso, Honda-san efectivamente es una calavera vendedora de libros, específicamente es el encargado de la sección de comics extranjeros y libros de arte. Además, entre sus compañeros de trabajo se encuentran personajes como Máscara de Gas (que sí, tiene una máscara de gas), Armadura (ya no tengo que decirlo), Linterna, Cabeza de conejo y otros personajes que—como todos ellos—cubren sus caras de maneras creativas. ¿La razón? Todos están basados en personas reales que conoció la autora, Honda, durante sus años vendiendo libros.
Como recoge Yulee Kim en su artículo, a pesar de la creciente popularidad del e-book en Japón, la cultura del libro impreso en el país del sol naciente aún mantiene su poder en el mercado, lo que se revela en la fama de la nación nipona, sobre todo Tokio (especialmente Jimbocho) como punto clave de venta de libros. Gaikotsu Shotenin Honda-san nos abre una puerta a este mundo en donde hay que preocuparse por categorizar y ordenar la mercancía que llega, organizar firmas de libros, atender a los clientes y decorar la tienda para navidad. Lo divertido está en que Honda-san y sus colegas son los que en cada uno de los dos pequeños scketch que conforman cada uno de los 12 episodios, enfrentan estos problemas, mientras evitan hacer referencias a títulos o empresas que les obliguen a pagar por derechos de propiedad intelectual.
El protagonista, Honda-san y sus compañeros son un claro ejemplo de lo señalado por Blautoothdmand acerca de que el encanto de un slice of life depende en gran medida de sus personajes, los cuales en este caso generan las situaciones más hilarantes. Como cuando el tímido pero trabajador Honda-san sufre mientras trata de explicarle a un cliente extranjero que el libro que le ha pedido comprar su hija es un «special yaoi book». Al mismo tiempo, pululan cerca un chico con una bolsa de papel en la cabeza cargando libros y una mujer que usa una máscara de médico de la peste negra mientras trata de intimidar a los distribuidores editoriales.
Esta particular combinación de cotidiana realidad, ajetreo y extravagancia, entretiene, enternece y provoca que queramos robarle el trabajo al buen Honda-san. Si están interesados en revisar la serie, está disponible en Crunchyroll y cada capítulo dura sólo 15 minutos.
Si desean también revisar más sobre la cultura del libro impreso en Japón y el slice of life, les dejamos unos links:
Hay historias que marcaron a gran parte de la audiencia peruana que a inicios de la década del 2000 disfrutaba de series anime en señal abierta. Una de esas historias es Cardcaptor Sakura, basada en el manga del mismo nombre del grupo de autoras CLAMP. Este clásico del comic japonés shōjo así como del subgénero mahō shōjo es una obra imprescindible, además de ser una narración a la que muchos le tenemos un inmenso cariño. Por esa razón, el lector comprenderá la emoción que embargó a esta redactora cuando tuvo en sus manos el primer volumen de la Collector’s Edition del manga de Cardcaptor Sakura, flamante protagonista de esta reseña.
Una historia conocida y una edición que todos deberían conocer
Para los recién iniciados y para aquellos que se quieren regodear en la nostalgia, les decimos que Cardcaptor Sakura cuenta la historia de Kinomoto Sakura, una niña de 10 años que va en cuarto año de primaria en la Escuela Tomoeda, pero además de su vida normal se dedica a capturar las llamadas cartas Clow que se liberaron de un misterioso libro que encontró en la biblioteca de su padre. Dicho libro era resguardado por un—aparentemente—pequeño guardián llamado Keroberos (Kero-chan para los amigos) que al emerger del libro y notar el poder mágico de Sakura, la elige para evitar el desastre que caerá sobre el mundo si las cartas siguen libres.
Esta edición de Cardcaptor Sakura, publicada originalmente entre 1996 y 2000 en la famosa revista Nakayoshi que también fue el hogar de Candy Candy, destaca en, primer lugar, por tener un tamaño más grande que el formato normal tankōbon, así que podemos disfrutar en mayor detalle del arte de CLAMP.La tapa es resistente y cuenta con hojas plastificadas que suman a la elegancia ya conseguida por la bella carátula, dibujada por las autoras especialmente para esta edición. Si bien está en inglés, la traducción ha sido revisada para esta versión que viene acompañada de unas cartitas al estilo Clow que al unirse con las de los otros volúmenes forman un dibujo sorpresa.
Kodansha (2019)
La magia del dibujo de CLAMP
En una entrevista del año 2001, Ohkawa Nanase, una de las cuatro miembros de CLAMP y guionista de Cardcaptor Sakura, señaló que desde el inicio pretendía que toda la propuesta visual de la obra transmitiera suavidad, así que Mokona, una de sus compañeras, señala en la misma entrevista que ella les pidió que se apostara por líneas curvas y delgadas. Lo maravilloso de la Collector´s Edition es que—precisamente por el tamaño—el lector puede apreciar perfectamente los inicios y finales de cada uno de los delicados trazos de las mangakas, así que el dibujo se siente vivo. Ohkawa tenía toda la razón en su propuesta ya que este tipo de líneas muestra todo su potencial en el mahō shōjo.
Como deben saber los amantes de este subgénero, el diseño de personaje de las heroínas, especialmente los trajes, es clave para el código visual de las obras. En otra entrevista del 2000, Mokona mencionó que, al estilo de Daijdouji Tomoyo, la mejor amiga de Sakura, diseñó 200 vestidos para la ama de las cartas y el nivel de detalle del manga así como su calidad supera en gran medida al anime y deja al lector con el deseo de convertirse en una chica mágica. Además, los fondos conformados por tramados, flores y encajes son una prueba del trabajo de las autoras que incluso, como señaló Nekoi Tsubaki en el 2001, tuvieron que revisar diccionarios de flores para conseguir el efecto deseado.
Kodansha (2019)
El inicio de una historia más que disfrutable
A diferencia del anime que inicia con un día normal en la vida de Sakura, el cual es alterado por el encuentro del libro con el mazo de las cartas Clow, el manga empieza en medio de la captura de la tercera carta: salto. En ese sentido, desde el comienzo el relato demuestra su dinamismo y buen ritmo, al mismo tiempo que cuenta con una muy buena comedia que se alimenta de las peculiaridades de cada uno de los personajes que vemos en este primer volumen. Los globos de pensamiento y las cartelas generan efectos muy divertidos, mientras que las narraciones de Sakura que, incluso rompe la cuarta pared, nos transmiten la vitalidad de su particular punto de vista.
En correspondencia con la propuesta de suavidad en Cardcaptor Sakura, Nekoi mencionó en el año 2000 que el manga tenía el objetivo de apostar por el blanco en los paneles antes que por el negro, en ese sentido, las hojas se perciben ligeras y la lectura no se siente sobrecargada. El público de la revista Nakayoshi comprende a niñas de cuarto, quinto y sexto de primaria, así que pensando en ellas, tampoco hay un exceso de texto, sino que se apuesta por lo visual que también apunta a la sutileza. Estos rasgos se pueden percibir en cada uno de los siete números que congrega este volumen y que suelen centrarse en la lucha por capturar las cartas, pero también van más allá.
Kodansha (2019)
¿Sólo una historia kawaii?
Si bien CLAMP ya había trabajado shōjo antes, Tim Lehmonn remarca que sus obras tenían un tono bastante oscuro con tendencia a la tragedia y esto puede sorprender a muchos fans que sobre todo conocen el trabajo de las autoras a partir de Cardcaptor Sakura. Como afirmó Ohkawa en el 2001, cuando ya habían terminado Magic KnightRayearth, querían hacer una historia kawaii, donde nadie muriera y el resultado fue la narración de nuestra querida Sakura. No obstante, a pesar del optimismo que transmite este título, el relato le da un lugar a la complejidad familiar y social correspondiente a partir de la mirada de una niña casi adolescente.
La muerte de la madre, el duelo de la familia, la dinámica familiar monoparental, la construcción de la feminidad y masculinidad, así como el cuestionamiento a las normas sociales en relación con el amor y la identidad de género son algunos de los temas que las CLAMP tratan en este primer volumen. Al mismo tiempo, no pierden la atención de su público, quien disfruta tanto de las batallas de su heroína, el enamoramiento de Sakura por Yukito, las ocurrencias de Kero y los trajes, así como es consciente de la pena de la familia Kinomoto, la controversia sobre el matrimonio entre los padres de la protagonista, el amor de Sonomi y Tomoyo por Nadeshiko y Sakura respectivamente y la sugerencia (al menos en este primer volumen) de los sentimientos entre Touya y Yukito.
Kodansha (2019)
Veredicto final
Cardcaptor SakuraCollector’s Edition volumen 1 es una edición más que necesaria para los fanáticos de la historia y del trabajo de CLAMP, además resulta atractiva para cualquier coleccionista de manga o recién iniciado que planea adentrarse en el subgénero mahō shōjo a través de un clásico en una muy buena versión. La obra es una combinación de calidad de formato, arte de gran nivel potenciado por las características de la edición y una historia divertida que no por ello sacrifica una complejidad pensada para su público. Sin duda, uno termina contando las monedas para adquirir los seis bellos volúmenes.
Puedes encontrar Cardcaptor Sakura Collector’s Edition 1-6 en Ibero Librerías, donde si eres seguidor de Proyecto Sugoi puedes adquirir tus mangas con 20% de descuento.
Kodansha (2019)
Extra
A raíz de esta reseña, la redactora se ha obsesionado un poco con las entrevistas a CLAMP, lo que ha dado como consecuencia que encuentre algunos datos curiosos. Uno de ellos es esta canción llamada Shoujo Jidai de la cantante Hara Yuko, la cual era escuchada por Ohkawa mientras trabajaba en Cardcaptor Sakura. La autora señaló que le inspiraba el ánimo correcto para recordar a su primer amor y escribir su obra. Este mismo tema es el ending número 3 del anime Yawara! que cuenta la historia de una chica que se debate entre su vida como judoka y como chica normal. Altamente recomendable para elevar la nostalgia al nivel dios.
Fuentes de las entrevistas
Lehmon, T. (2005). Manga: Masters of the Art. Harper Design.
CLAMP (2001). Card Captor Sakura Memorial Book. Kodansha. Entrevista traducida del japonés por Bell.
Puff (2000, octubre 1) A Puff Exclusive!? The “I Pressed CLAMP About Their True Intentions ♡” Interview. Puff (Zassosha). Entrevista traducida por Silano Sepiæ.
1. Este es un manga seinen, es decir, está diseñado para ser mostrado a un público de 18 años de edad en adelante. Por consiguiente, la redactora no se hace responsable de las imágenes eróticas y/o sexuales que aparecerán en esta reseña, dado que son indispensables para entender la historia de esta obra gráfica japonesa.
2. Las imágenes usadas para este trabajo corresponden al manga publicado por Vertical Comics (formato físico), y a páginas web con contenido manganime (blogs y redes sociales) que están referidas en la bibliografía.
3. Alerta de spoilers.
En un pueblo, hay una pequeña playa que nunca esta ocupada,
ni siquiera en medio del verano.
La uso para caminar allí, mirar las cosas.
Como viejos fuegos artificiales.
O algas.
Un sombrero golpeó la cabeza de alguien debido al viento.
Básicamente nunca encuentras los que estás buscando.
Y quizás no esperabas encontrar algo correcto desde el principio».
(La chica a la orilla del mar, traducción propia)
FICHA TÉCNICA
SINOPSIS
La Chica a la Orilla del Mar (A Girl on the Shore) relata la historia de Koume Sato y Kosuke Isobe, dos adolescentes que viven sus días de colegiales en un tranquilo pueblo costero japonés. Ambos deciden embarcarse en una relación puramente física (lo que llamamos en occidente relación de “amigos con derechos”) pero, a medida que pasa el tiempo y suceden cosas, digamos, «super densas» para chicos comunes de su edad, se darán cuenta de que dejar de lado los sentimientos resultará muy pero muy complicado.
Koume Sato
Kosuke Isobe
AMOR, SEXO Y SIN/SENTIDO DE LA VIDA
La historia de Sato e Isobe parece decirnos que «la vida es un absurdo», postulado existencialista que nos recuerda al filósofo y escritor francés Jean Paul Sartre, o (si hacemos una analogía quizá algo forzada entre occidente y oriente), a lo postulado por el famoso escritor japonés de posguerra Ozamu Dazai, quien fue uno de los primeros en detectar cómo la juventud nipona vivirá (o mejor dicho, se verá condenada a vivir) en tiempos carentes de ideales que les den un sentido a su existencia, que les hagan creer que «la vida vale la pena vivirla». Un sinsentido que los académicos contemporáneos occidentales llamamos (no sin cierra ironía) un síntoma de estos tiempos «posmodernos».
Con estos antecedentes, y tomando en cuenta cómo la crítica japonesa contemporánea considera a Inicio Asano como «el mangaka de su generación» (de la llamada «Generación Millenial» japonesa), es interesante ver cómo en los personajes de este manga podemos leer una proyección de los carácteres y/o personalidades del mangaka, en tanto joven japonés crecido en una década complicada y convulsa para el desenvolvimiento de su juvenil generación, como fue la de los años noventa e inicios del 2000.
Jean-Paul Sartre (1905 – 1980)
Osamu Dazai (1909 -1948)
Aldo Panfichi y Marcel Valcárcel han estudiado las características antropológicas de los adolescentes y jóvenes latinoamericanos (especialmente peruanos) durante la década de los noventa. En ese contexto, dado que tanto el Perú como el Japón de esta década pasaron por crisis socioeconómicas que afectaron de formas similares a sus poblaciones juveniles, es pertinente utilizar sus postulados para analizar el caso de la denominada “Generación Y» japonesa, dado que muchos de los caracteres de esta generación se mantiene o incluso se han agudizado en la juventud nipona de hoy.
De acuerdo a la opinión de los académicos mencionados, la década de los noventa se caracterizó por profundas transformaciones socioeconómicas, culturales y tecnológicas, que generaron novedosas situaciones críticas, como el hecho de que los jóvenes no pudieran gozar de una estabilidad laboral que asegure su desenvolvimiento profesional y su futuro económico, o el hecho de que el pensamiento respecto de su sexualidad estuviera mucho más libre de tabúes y prejuicios. Circunstancias distintas a las que confrontaron sus padres y sus abuelos.
En ese contexto, Panfichi y Valcárcel sostienen que
[…] los discursos épicos de protesta y reivindicación de décadas anteriores pierden consistencia y densidad y son reemplazados por la revalorización de la vida misma, la individualidad llena de conflictos, violencia, incertidumbres, búsqueda de placeres para olvidar los malos momentos, y esperanza».
A partir de esta cita, podemos comprender mejor los pensamientos y acciones «hedonistas» de los protagonistas. En ese contexto, Isobe, si bien tiene sentimientos de afecto por Sato, le manifiesta de manera directa que no le importa si ella lo utiliza como un juguete (sexual). Por su parte, si bien Koume no parece en ese momento corresponder a sus sentimientos, acepta la propuesta del chico, y es así como iniciarán sus diversos encuentros en búsqueda del máximo placer.
[…] Y ya que no es posible enamorarse viviendo la fugaz y satisfactoria fantasía de la inmortalidad, entonces se dedican al desamor. […] No se entregan. No se permiten ser vulnerables. Y, en el fondo, todavía están deseando ser o atraer príncipes azules”.
Como señalan Panfichi y Valcárcel, se sugiere la contradictora relación de amor y desamor que, como la generación de Asano, viven los protagonistas. En ese contexto, es interesante que Isobe, luego de tener relaciones sexuales con Koume, comente que sabe muy bien que «el amor es una ilusión», frase a partir de la cual se entiende que es consciente de que Sato tiene sexo con él no porque lo ame sino porque «le gusta su falo», como ella misma le dijo en uno de sus encuentros. No obstante, a medida que pasa la historia vemos como Isobe en el fondo anhela que Koume se quede con él más allá del tiempo del sexo, si bien en el fondo sabe que ella se irá y volverá cuando «le dé la gana».
JUNTOS PERO DESCONECTADOS
La extraña relación entre Koume y Sato los lleva a un círculo vicioso de placer que una vez terminado deja también a los lectores una sensación de vacío/soledad. Cuando no tienen sexo, los protagonistas suelen utilizar el tiempo que están juntos aislándose en sus propios mundos (virtuales-tecnológicos): él a través de la música, ella a través del celular. Si bien existen momentos donde vemos a ambos durmiendo juntos (escenas que aportan ese toque «romántico» propio de historias adolescentes), la necesidad de evitar el tedio los motiva a hablar más de sus vidas, si bien solo cuentan lo indispensable a saber (sobre los padres, amigos, etc.), razón por la que no podemos decir que el vínculo entre ambos sea muy sólido, como si quisieran mantener cierta distancia entre sí. En este punto, el hecho de que sigan llamándose por sus apellidos es un indicador también de que no han llegado a establecer un vínculo tan cercano a nivel afectivo.
Capítulo 4. Pág, 73. Sato e Isobe «matan el tiempo» que dura la tarde juntos
Sato e Isobe durmiendo «juntos»
BRECHA GENERACIONAL Y GRUPO DE PARES
Las brechas generacionales son universales en el mundo moderno, en gran parte debido a la tecnología y a los rápidos avances de la globalización. Sin embargo, en Japón se ha prestado especial atención a la brecha entre los jóvenes y los mayores porque el orden social adulto japonés ha exigido un gran sacrificio personal a los que entraban en él, pidiendo de forma estereotipada a los hombres que se dedicaran a sus empresas y a las mujeres que se dedicaran a sus hijos».
(Matthews, Gordon; Bibliografía)
La brecha generacional entre los padres y los hijos ha sentado un precedente en la sociedad japonesa contemporánea. En ese contexto, si bien la presión porque los japoneses sigan con las metas y roles asignados a su edad y género es vigente, es cierto que muchos nipones han decidido oponerse/rebelarse a la misma. Es así como surgen por ejemplo los NEETS, aquellos jóvenes adultos que no trabajan ni estudian, o los hikikomori, es decir, jóvenes que decidieron no salir, o evitar salir, de sus habitaciones y, por ende, de sus propias casas (en ambos casos suelen ser mantenidos por los padres, quienes se sienten culpables de que hayan acabado apartándose del mundo de esa manera).
Por los mangas, videojuegos y la música «retro» de Isobe, deducimos que es un otaku (un fanático del manganime y productos comerciales derivados de estos), quien hasta el día de hoy sigue siendo visto como un parásito o ser despreciable en tanto improductivo en la sociedad nipona (el mismo Kashima, amigo de infancia de Sato, lo llama despectivamente «otaku» cuando tienen una discusión en la escuela). De hecho, parece que la misma Sato no quiere que nadie más sepa de su «amistad» con un tipo así (al menos al principio de la trama).
Kosuke no tiene amigos en la escuela, ni le interesa tenerlos porqueconsidera al resto del mundo como «idiotas egoístas e hipócritas» que no valen la pena (más adelante se explicará porque piensa así). Nos enteramos que tiene un hermano mayor «ausente», por las dos camas y aparatos tecnológicos «retro» de su habitación, y que sus padres están mucho tiempo fuera de casa por sus trabajos corporativos. En un capítulo aparece el padre, quien comenta a Isobe que lo trasladarán de local laboral y ello le permitirá estar más tiempo con él, sin embargo al chico esto no parece importarle mucho (de hecho le hace una broma sarcástica sobre ello). Es así como nos enteramos que no hay un gran vínculo comunicativo entre Kosuke y sus padres. De hecho, más adelante el mismo Isobe explicará el porqué de la ausencia de su hermano y de la distancia también puesta hacia él de parte de sus progenitores.
En el caso de Sato, parece que su madre es ama de casa y el padre suele aparecer también en ciertos capítulos (su familia tiene un negocio de acupuntura). Tiene un hermano menor, y en general parece tener una familia bien constituida. Como típica adolescente, Koume no suele hablar con su madre sobre sus problemas amorosos ni amicales. No obstante, es interesante un episodio donde la protagonista le comenta a su padre que para ella no tiene sentido seguir los designios/roles que se esperan de todos si al final ello no los hará felices, mostrando de esa manera que aunque prefiere el sexo a estudiar, ya posee cierto juicio crítico sobre la sociedad japonesa contemporánea y su propia filosofía de vida en ese contexto.
Por último, es interesante como Isobe y Sato, a diferencia de otros chicos japoneses de su edad, no se sienten super presionados o preocupados al hablar sobre sus planes futuros. La joven manifiesta que no le gusta estudiar, pero que, como quiere ir a misma preparatoria/bachillerato que desea Keiko, piensa que debe poner más empeño. Por su parte, Isobe parece un chico inteligente y podría entrar a cualquier preparatoria. Sin embargo, él manifiesta que no piensa ir a ninguna (si bien más adelante vemos como cambiará de opinión por un motivo peculiar).
ADOLESCENCIA Y MORATORIA JAPONESA
La moratoria, según Panfichi y Valcárcel, es una forma de decir a los jóvenes que existe un tiempo donde hay ciertas licencias y mayores márgenes de prueba y equivocación, una suerte de mayor permisividad o vacaciones sociales, donde se espera que el joven se equivoque, pero que obtenga poco a poco los medios y capacidades para el mañana: al final se trata de construir caminos individuales que gratifiquen las expectativas de los mayores, y las propias de los jóvenes.
En el Japón contemporáneo, el «patriarcado confuciano» y su heredada estratificación y jerarquización de los roles de género siguen incentivando una mentalidad social «conservadora», razón por la que los jóvenes no tienen mucho tiempo ni opciones para poder decidir a qué carrera dedicarse con aras de vivir de ella (sin olvidar que mucha de su oferta profesional apuntan a empleos corporativos). No obstante actualmente existe, de manera indirecta o digamos disimulada, una moratoria de tipo sexual para los mismos. Esta es la razón por la cual la homosexualidad, el travestismo, o las prácticas sexuales no convencionales pueden ser pasadas por alto en esta etapa (mientras ello no genere un gran «escandalo» social, ni ponga en riesgo el futuro estudiantil de los mismos), ya que se entiende que esta es una etapa de la vida que una vez concluida debe conducir a los adolescentes a un consecuente estadio de madurez propio de la adultez.
ADOLESCENCIA y COMING-OF-AGE
En este punto, me gustaría señalar dos partes de la trama que me parece reflejan dos momentos determinantes donde los protagonistas toman decisiones que constituirán un antes y un después para su adolescencia.
En el capítulo 12, Isobe utiliza el blog de su hermano para redactar una carta virtual, como una suerte de autoexpiación y/o catarsis a través de la palabra. A través de esta, nos enteramos que el primogénito Isobe era víctima de bullying por ser «otaku» y tener cierto problema de salud, y al no poder soportar ello se habría suicidado arrojándose al mar del pueblo. Esto a su vez explica por qué los padres de Isobe ignoran o evitan hablar de este tema con él, y todos siguen con sus vidas, asumiendo los roles de padre e hijo que la sociedad japonesa espera que sostengan y asuman hasta el final (con todos los «sacrificios» y tabúes que ello implica).
Esta revelación es clave no solo porque explica el porqué de la actitud «oscura/negativa» de Isobe, sino porque nos devela cómo Asano es capaz de artícular esta trama de una forma tan magníficamente atrapante por su realismo para hablarnos de aspectos que en la sociedad japonesa siguen siendo tabués, como el suicidio (del hermano) y la depresión (que aparentemente estaría sufriendo Isobe).
El orden social adulto japonés descrito se basaba en el ideal cultural del wa (armonía interpersonal y social), que impone a los individuos la práctica del gaman (perseverancia), que consiste en la subordinación y la eliminación personal para adaptarse a los roles sociales adultos que se le asignan».
Mathews, Gordon
A partir de esta cita, entendemos, que si una persona japonesa habla sobre su depresión será mal vista socialmente, pues se asumirá que no practica la perseverancia (gaman) para luchar contra ello y seguir con su vida, como tiene que hacer todo el mundo para mantener la armonía social (wa). De acuerdo a entrevistas audiovisuales actuales de carácter antropológico, como las de Asian Boss, la reacción «más comprensiva» del japonés promedio frente a quien le confiesa algún tipo de problema mental es decir que «es solo una idea, o, ya pasará».
En base a esta reflexión, podemos entender que Isobe es consciente del rechazo de la sociedad japonesa frente a temas como estos asociados a gente marginada como los otaku o los «enfermos mentales», lo que explica porque no confía generalmente en los demás (a los que antes había llamado idiotas). Asimismo, esto repercute en que tampoco confíe lo suficiente en sus padres como parar contarles sobre sus indicios depresivos, o porqué solo le comenta a Koume (que no es ni amiga ni novia) sus «ansias de morir» pero no profundiza en ello de forma más clara, dejando a la chica confundida por no entender a qué se refiere con sus reflexiones, digamos, «filosóficas». Quizá es también por este «tabú» que los padres de Isobe prefieren guardarse lo que piensen sobre el suicidio de su hijo (para no mostrarse «débiles» frente a él), escudándose bajo el rol típico de padres supertrabajadores, lo que termina produciendo una sensación de incomunicación, soledad, falsedad y falta de unión/empatía de las que ya hablamos en un aparatado anterior.
Capítulo 12. Isobe escribe su carta-catársis sobre el hermano mayor
Capítulo 15. Sato escribe su carta de confesión de amor a Isobe
En el capítulo 15, Koume está ansiosa por saber si Isobe irá al festival de la escuela (dado el incidente que este tuvo con Kishima) y mientras medita sobre ello decide escribir una carta a mano donde le confiesa a Isobe que después de las cosas que pasaron en los últimos meses siente que se han distanciado más, y eso la pone triste porque la ha llevado a darse cuenta de que aunque no lo entiende del todo, lo extraña mucho y quiere estar a su lado. Esta confesión nos conmueve como lectores, más aun porque Koume se ha esmerado en conseguir el CD álbum del grupo Happy End que le gusta a Izobe para ofrecérselo junto a esta carta de amor. ¡Qué detalle más romántico podía esperarse de una chica enamorada! No obstante, cuando la protagonista vaya el encuentro de su amado, se encontrará con un escenario aterrador.
ESTÉTICA MANGA: realismo, romanticismo y mono no aware
Hablar de «estética» manga puede ser problemático, dado que en la cultura japonesa no existe este concepto per se. No obstante, usaré esta terminología occidental para aludir al estilo de dibujo y otros aspectos gráficos propios de esta obra.
El estilo de dibujo de Inio Asano es muy característico y reconocible. En el caso específico de este manga, destaca su estilo, digamos, «realista», tanto en el diseño de los escenarios como de sus personajes. En ese contexto, destaca la constante y coeherente exposición de la desnudez de los protagonistas durante los diversos actos sexuales que ejecutan. Si bien para algunos lectores las poses sexuales que ejecutan los personajes no lucen realistas, considero que tomando en cuenta la juventud, el cuerpo delgado y flexible de los mismos, son verosímiles.
Respecto de los escenarios, es interesante el ya mencionado estilo realista que utiliza Asano para retratar tanto ambientes externos como internos de esta obra. Sobre el primero, destacan diversas zonas del pueblo como los vecindarios, la playa, o netamente el mar. Sobre el segundo, destacan la minuciosidad con que retrata los diversos elementos que componen por ejemplo, la habitaciones de los protagonistas, a partir de los cuales podemos comprender mejor, sus gustos y, hasta cierto punto, su personalidad. El estilo gráfico de estos ambientes es tan realista que muchas viñetas parecen fotografías convertidas en dibujo mediante alguna técnica que implique la coloración en blanco y negro, una técnica que nos recuerda a estilos pictóricos vanguardistas como el hiperrealismo o el fotorrealismo.
Otro detalle interesante que resalta en el estilo de dibujo de Asano es la lluvia. Desde una perspectiva romántico-literaria, el uso de la lluvia puede ser una proyección de los sentimientos, emociones y decisiones de los protagonistas que, como los jóvenes otakus de los noventa encerrados en un melodrama tóxico entre el deseo y la nada, están constantemente asediados por este fenómeno natural en tanto simboliza la «fatalidad, intensidad y melancolía» de sus vidas adolescentes.
A lo largo del capítulo 16, aparece una fuerte lluvia que sirve como marco estético simbólico para la expiación que Isobe busca tras sentirse responsable de la muerte de su hermano, para lo cual planea vengarlo utilizando a Misaki como chivo expiatorio; una vez logrado el objetivo, la lluvia cae sobre Isobe, mezclándose así con sus lágrimas vertidas tras lo acontecido. Otra escena donde la lluvia simboliza la «fatalidad» ocurre el capítulo 18, cuando Sato regresa triste y conmocionada de la casa de Isobe al creer que ha decido acabar como su hermano.
En Japan Talk, un sitio dedicado a esos detalles de la cultura japonesa que pueden mejorar la experiencia de un extranjero en el país, puede leerse un post en el que John Spacey comparte 50 sustantivos que el idioma japonés tiene para la lluvia, 50 formas distintas para nombrar situaciones también específicas: la lluvia que cae mientras también hay neblina, el hecho extraordinario de la lluvia que proviene de un cielo sin nubes, la primera lluvia del verano o la lluvia que nos sorprende cuando conducimos un automóvil».
Otra forma de intentar comprender el sentido de la lluvia en el manga de Asano puede ser a partir de su contextualización en la propia cultura japonesa, donde existen, como menciona la cita anterior, por lo menos 50 formas de denominarla. En ese contexto,la lluvia puede ser leída como mono no aware.
El aware o mono no aware hace referencia a la sensibilidad o capacidad de sorprenderse o conmoverse, de sentir cierta melancolía o cierta tristezaante loefímero, ante la vida y el amor. Es la capacidad de sentir compasión o piedad, sin influencia alguna de religiones o credos. Es un sentimiento puramente humano que va más allá de lo superficial y se centra en algo más profundo.
Japonismo (Bibliografía)
Esta cita ha intentado transmitir en nuestra idioma el concepto japonés «mono no aware». En ese contexto, me atrevo a resignificarlo (con intenciones didácticas) como «la evocación del sentimiento de belleza y/o melancolía hacia lo que acontece en un instante de la vida». Una escena del manga donde la lluvia expresa el mono no aware acontece, por ejemplo, cuando Kosukese queda durante un tiempo inmóvil en medio de la calle y de una intensa lluvia, y no se inmuta ante ello (absorto como está en sus pensamientos). Asimismo, otra escena ligada a la lluvia que expresa este «sentimiento estético japonés» sucede cuando, una vez pasado el aguacero, Koume se queda parada en la muralla del puerto ycontempla cómo el cielo se va despejando para dar paso al amanecer.
REFLEXIONES FINALES
La chica a la orilla del mar es una manga que vale la pena leer para pasar un rato de ocio agradable, puesto que además de entretenido se lee rápido y es relativamente corto en volúmenesa comparación de otros mangas populares, o, si eres académico, para darle una mirada más analítica para examinar diversos temas con los que mencioné en esta reseña (existencialismo, estética manga, coming-of-age-, etc).
Parafraseando a un académico peruano experto en comics occidentales, creo que una historieta debe ser capaz de transmitir lo que cuenta tanto a través de la escritura como de la gráfica, y, en ese contexto, me parece que Inio Asano ha logrado un equilibrio «zen» al utilizar pocos diálogos para que sus personajes nos digan lo necesario, ya que lo que nos nos dicen o no necesitan decírnoslo directamente lo captaremos a través de las imágenes y de otros recursos narrativos, como la conveniente «voz en off» que Asano coloca en momentos precisos para la trama, por ejemplo, con la letra de «Gather the Wind», canción del grupo japonés «retro» Happy End, que es aludida a lo largo de esta historia; o como las frases de carácter reflexivo/poético que aparecen al inicio del manga (a modo de paratexto), que serán nuevamente enunciadas directamente por Koume casi al finalizar el mismo.
Por último, respecto al final del manga, debo confesar que, al igual que otros lectores, no me lo esperaba. No obstante, me parece que es un final asombrosamente verosímil, después de todo, Isobe ya estaba alejándose de Koume, y cuando se encuentra por fin con «la otra chica en la orilla» es normal que las hormonas de adolescente le hagan verla como una nueva donna angelicata. En ese sentido, me gusta que Isobe haya decidido cerrar el capítulo deduelo por el hermano y salir del pueblo parabuscar este nuevo amorío platónico, puesto que si bien no hay garantía de que funcione (y ello lo puede llevar a recaer en la «depresión») todo lo vivido le ha dado la suficiente madurez para comprender que «el que no arriesga, no gana».
En el caso de Koume, aclarar sus sentimientos y tomar el valor para terminar confesándoselos a Isobe, me pareció una muestra loable de su crecimiento emocional (considerando sus inseguridades, miedos e indecisiones iniciales). No obstante, cuando llega a la preparatoria y tiene un nuevo novio con el que replica su relación con Isobe (es decir, salir con él solo porque le dijo que le gusta) me quedé algo confusa, pero luego comprendí que era porque aún se sentía vacía y dispuesta a llenar esa falta con algo mientras intentaba encontrar eso que en el fondo le hacia falta, que le haría sentirse bien consigo misma, plena. Y es grato saber que finalmente encuentra esa plenitud en el mar.
Como sucede con los jóvenes japoneses de los 90 y de hoy, no hay garantía en el futuro. No sabemos si Koume y Sato encontrarán el amor que anhelan, si estudiarán y trabajarán en algo que les guste, si volverán a verse o si serán felices. El futuro se les presenta inevitablemente gris, y seguramente habrán más lluvias y tifones en el camino. Pero de lo que sí tenemos certeza es de que cada uno ha encontrado para sí pequeños atisbos de felicidad que los motiva a seguir vivos; lo que nos motiva, a su vez, a nosotros (como lectores de esta generación) a creer también que «después de la tormenta, viene la calma».
Cada héroe o personaje en un anime shōnen de acción suele tener una técnica de batalla icónica cuyo nombre quizás en nuestra infancia gritábamos a todo pulmón mientras tratábamos de imitarlos. Era evidente la espectacularidad de las luchas, pero además muchos comprendimos luego que estas ficciones empleaban a la cultura y tradiciones japonesas y de otros países como referentes para darles nombre y forma a estas habilidades. Asimismo, estas alusiones también se pueden leer en consonancia con las historias y conflictos de los personajes y este es el primero de una serie de artículos que pretende ser un acercamiento a ese objetivo y que inicia con el famoso Rasengan de Naruto.
Fuente: Aniplex, BANDAI NAMCO Entertainment America Inc., KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Todos giran y giran
La palabra Rasengan 螺旋丸 se puede traducir de manera literal como esfera o círculo en espiral y se relaciona con los tres procesos que el ninja tiene que aprender a efectuar en cuanto a su chakra para poder llevar a cabo esta técnica o jutsu. Cuando Jiraiya entrenó a Naruto dividió su preparación en tres lecciones: rotación, poder y compresión, es decir, primero debía hacer girar su chakra a gran velocidad, aumentar su densidad o poder y finalmente comprimirlo para darle la forma circular. Si bien parece sencillo en teoría, la serie expone que se necesita un cuidadoso manejo del chakra y es aquí donde Kishimoto Masashi, su autor, toma decisiones interesantes.
El chakra en Naruto es entendido como una forma de energía vital que emparenta con otros sistemas de poder como el ki, el nen, el reiatsu o el cosmos, empleados en otras series shōnen, pero el caso del anime del ninja rubio es particular. De acuerdo con Adalbert Schneider, chakra चक्र, un término proveniente de la tradición hinduista, significa en sánscrito rueda o disco, lo que lo vincula estrechamente con el Rasengan en tanto círculo y rotación. Al mismo tiempo, se une a una serie de referencias a la figura del espiral que se encuentran presentes en toda la obra de Kishimoto a nivel de símbolos como el de la Aldea de la hoja, nombres como Uzumaki, entre otros.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Incluso, el nombre de su protagonista, Naruto, se refiere tanto a la pasta de pescado con el dibujo de espiral, así como a la ciudad de Naruto, ubicada en la prefectura de Tokushima en Japón. Además, le da el nombre a un estrecho marino que separa las islas de Shikoku y Aiji y conecta al mar de Filipinas con el Mar interior de Seto en el Océano Pacífico, donde adivinen qué hay: los famosos remolinos de Naruto. Teniendo en cuenta esta referencia deliberada (sobre la que volveremos más adelante) no sorprende que Kishimoto haya elegido el término chakra aunque no se refiera estrictamente a energía vital. El hinduismo le confiere una definición relacionada, pero diferente.
Según Anodea Judith, se llama chakra a cada uno de los siete centros de recepción, asimilación y expresión de energía de fuerza vital que antes que emparentar con el chakra de Naruto parece ser un equivalente de las Ocho Puertas que, en la serie, controlan el flujo de chakra en el marco del sistema de circulación de chakra del cuerpo humano. Esto hace necesario referirse a la concepción del cuerpo que tiene la tradición oriental, clave para el Rasengan. Según, José Arlés Gómez Arévalo, las culturas japonesa, china e hindú comparten a grandes rasgos la idea del hombre como cuerpo, mente y espíritu, en ese sentido, hay una conexión entre cada una de estas dimensiones.
Fuente: Peter Hermes Furian
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De este modo, al igual que estas puertas, cada uno de los siete chakras se ubican en ciertas zonas del cuerpo humano y conectan le energía con dichas partes, en su caso, específicamente con los plexos nerviosos principales de la columna vertebral, glándulas del sistema endocrino y otros sistemas corporales como apuntan Brennan y Myss que son citados por Cohen. En la serie, se establece que las Ocho Puertas fungen como limitadores que evitan que el cuerpo físico se abrume por el exceso energético en el flujo de chakra y esa es la razón del peligro proveniente del Jutsu de la Liberación de las Ocho Puertas practicado por Rock Lee, Might Guy y Might Duy.
Más allá de estos casos particulares, la capacidad de los shinobi para realizar jutsus parte de su habilidad para liberar chakra del sistema de circulación a partir de los 361 tenketsu o puntos de presión equivalentes a los puntos de la acupuntura china. Según Ohnishi Tsuyoshi y Ohnishi Tomoko, la medicina oriental reconoce una relación distal entre los órganos internos del cuerpo físico y ciertos puntos en partes externas como las manos o pies. Dicha relación se establece a través del flujo de energía vital que, según la tradición china, se llama qi o chi y fluye por los meridianos mientras en el caso hindú lo hace por los nadis.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Fuente: 20 minutos
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Al respecto, los autores señalan que las artes marciales tienen en cuenta esta vinculación para atacar al oponente en determinados puntos externos para afectar internamente sus órganos y en la serie son particularmente empleados por el clan Hyūga en cuanto a varias técnicas como los Ocho Trigramas Palma de Retorno al Cielo. En el caso de la mayoría de los jutsus, estos involucran a los tenketsu de las manos y ese es el caso precisamente del rasengan y dentro de la teoría sobre el sistema de chakras tiene un particular significado dentro de la historia de Naruto.
Con el corazón en la mano
En consonancia con la concepción del hombre por parte de las tradiciones orientales y de acuerdo con Robert Beshara, los chakras del hinduismo también se asocian con funciones emocionales, así que no es de sorprender que cada uno de los siete corresponde con un aspecto emotivo particular. Incluso, la serie lo plantea del mismo modo cuando, por ejemplo, Naruto pierde el control de Kurama cuando se deja llevar por la ira. En el caso del Rasengan y las manos, Judith afirma que por su ubicación están conectadas especialmente al chakra cuatro llamado también chakra corazón que la autora denomina como el centro espiritual vinculado a los sentimientos por otros y al amor.
Fuente: Wheels of Life: A User’s Guide to the Chakra System/ Autora: Anodea Judith
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Más allá de las licencias que se puede tomar la historia al respecto—considerando que muchos villanos pueden hacer un muy buen uso del chakra quizás porque en el fondo todos aman algo más allá de ellos mismos—no deja de ser interesante lo que implica el correcto flujo de la energía y, en cuanto a la serie, el perfeccionamiento de un jutsu como el rasengan. Para Judith, uno de los aspectos que más afecta al flujo del chakra corazón es el rechazo, pues al basarse en el amor este chakra apunta a la integración y la exclusión lleva a un estado de autodestrucción. Es casi instantáneo pensar en esa conocida imagen de Naruto en el columpio fuera de la Academia Ninja.
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En el fondo y al inicio, Naruto es la historia de un niño rechazado por los pobladores de su aldea y sus pares por llevar dentro de sí a la bestia responsable de la destrucción de dicha aldea. De este modo, el deseo de ser Hokage por parte del héroe nace de su añoranza por ser reconocido, aceptado, por integrarse a ese mundo que le ha negado ese amor. Judith reflexiona al respecto del camino para abrir el chakra corazón y destaca la importancia de desarrollar compasión, conexión y entendimiento para con los otros a nuestro alrededor, lo que deriva en la urgencia de querer sanarlos o ayudarlos.
Cuando Naruto llega al episodio 86, donde Jiraiya entrena al protagonista en el Rasengan, Naruto ha ido paso a paso integrándose y relacionándose con sus compañeros ninja (especialmente Sasuke), su maestro y otras personas a su alrededor que lo reconocen y con las que empieza a desarrollar vínculos cada vez más profundos. En ese sentido, todo eso va sumando para el perfeccionamiento de él como héroe, ninja y como persona, lo que influye en ese chakra corazón y en él a nivel mental, espiritual y, por lo tanto, físico. Posteriormente, el objetivo del protagonista va mutando conforme va comprendiendo más sobre lo que implica ser Hokage y sobre los problemas del mundo ninja.
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Es particularmente paradigmático y fuertemente simbólico el rasengan del episodio 65 de Boruto: Naruto Next Generations, ya que refleja no solo todo el recorrido y ciclo de Naruto como héroe en relación con todas las personas que lo apoyaron profundamente como Jiraiya, Kushina, Neji, Minato, Sasuke y Hinata, sino que también implica todas las promesas que hizo. El camino ninja de Naruto le hizo darse cuenta de que ser Hokage implicaba también una misión de servicio, especialmente, para enfrentar el odio que cargaba su mundo, de ahí que Boruto diga que pesa tanto por el poder que refleja el entrenamiento, las experiencias, el amor y las responsabilidades.
Al seguir lo señalado por Judith en cuanto a su reflexión sobre el chakra corazón, eso mismo se aplica al otro gran objetivo de Naruto que se vincula al ya mencionado: salvar a Sasuke. Además de sus propias heridas por el rechazo y la oscuridad que eso creó dentro de él, el joven ninja se conecta con su rival y amigo, se reconoce en él. Cuando este deserta obsesionado con su camino de venganza, su deseo de ser fuerte, de conseguir realizar técnicas como el Rasengan se alimenta de su aspiración de querer salvarlo de su odio considerándolo casi un requerimiento obligatorio para convertirse en Hokage.
Si consideramos los episodios posteriores al 94 de la serie Naruto, cuando el héroe realiza exitosamente su famoso jutsu, el shinobi rubio ha desarrollado variaciones del Rasengan e incluso las ha combinado con otras técnicas como el modo Sennin, el modo Kyūbi, modo Sabio Seis caminos y todo ha ido a la par de este otro camino de apertura del chakra corazón. Hasta qué punto Kishimoto pensó en estas conexiones es difícil saberlo, pero las analogías no dejan de ser interesantes y aún falta una más por notar.
Viento de cambio
En teoría, cualquier ninja podría realizar un Rasengan, pero sólo algunos lo han conseguido como es el caso de su creador, Namikaze Minato, también Jiraiya, Hatake Kakashi, Sarutobi Konohamaru, Uzumaki Boruto y, por supuesto, su padre y protagonista, Naruto. No obstante, como se señaló en la serie, este jutsu estaba incompleto, ya que además de la manipulación de forma del chakra, el Rasengan estaba pensado para incorporar la naturaleza de chakra de su usuario, es decir, el elemento fuego, rayo, tierra, agua o viento y el primero en conseguirlo fue Naruto que consiguió incluir el elemento viento creando el Rasen Shuriken.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Ahora bien, ¿adivinen con qué elemento Anodea Judith identifica al chakra corazón que se ubica a la altura de los pulmones? Exacto. El aire, un elemento esencial para la energía vital. En la tradición hinduista, la fuerza de vida recibe el nombre de prana प्राण que Dhawal Makwana, Archana Pithadiya, Bavun Dubal y Jatin Rola señalan que en su aspecto visible se reconoce como el aire que respiramos y que en su aspecto invisible es la energía que nos permite vivir. Incluso, estos autores señalan que en sánscrito la palabra está formada por dos sílabas: an que significa movimiento y pra que se puede traducir como constante. De este modo, prana también puede referirse a movimiento constante.
Ya sea el aire que ingresa al cuerpo humano o la energía que a partir de ello fluye por los nadis del cuerpo, ambos están en movimiento. En cuanto al Rasengan hay dos cuestiones a considerar. La primera es que el chakra ya está rotando en la mano del usuario y la segunda es que cuando este lo arroja, avanza barriendo con todo por la onda que emite. No obstante, cuando Naruto incorpora el elemento viento, el Rasen Shuriken adquiere además de un incremento de fuerza, un poder cortante que destruye hasta las rocas y hasta pudo afectar al mismo protagonista.Es el aire en tanto fuerza vital en su máximo movimiento que hace que el jutsu adquiera el máximo de su potencial.
Es en este punto donde vale la pena recuperar la figura del espiral que mencionábamos en el primer acápite ya que el viento es el que lo forma en el caso del Rasen Shuriken y de los remolinos del estrecho de Naruto. Incluso, la palabra Shippuden se puede dividir en Shippu que significa vendaval o viento fuerte y den que se refiere a cuento o leyenda, así que la secuela de Naruto lleva el nombre de cuento o leyenda del vendaval. Más allá de que este título es algo exclusivo del anime, el elemento del viento es otro importante referente de la obra de Kishimoto y tiene un significado interesante.
Fuente: Japan Craft. Autor: Utagawa Hiroshige
Según Kokubo Hideyuki, el qi/chi chino que también hace referencia a la energía vital como el prana se puede traducir como movimiento de una nube y en Japón la palabra qi/ki aún se utiliza para expresar cambios en el clima.¿Y quién es el que trae dichos cambios? Gómez apunta que especialmente el qi se refiere al fenómeno del viento que es quien influye en el cambio del tiempo así como del cultivo de los granos. El mundo tiene un determinado modo en cuanto a la energía y el estado de cosas, pero llega el viento, entonces se produce el cambio que nace de esa fuerza vital que nos sostiene a todos.
En el primer arco del anime Naruto, Prólogo – País de las Olas, específicamente en el episodio 19, tras las muertes de Haku y Zabuza, el equipo 7 habla sobre la concepción de los ninjas como herramientas y Naruto declara que él está en desacuerdo, en cambio, señala que va a seguir su propio camino ninja sin arrepentirse de nada. Desde el inicio de la historia, Naruto piensa diferente sobre la ausencia de amor y sentimientos de compañerismo entre los ninjas como quizás muchos también lo hacen, pero algunos no lo manifiestan o no deciden persistentemente mantener sus opiniones para convencer a otros de que están en lo correcto. Es ahí donde entra el héroe shōnen.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
La primera vez que Naruto consigue realizar un Rasengan es debido precisamente a su persistencia para dominar en poco tiempo una técnica que a su creador tardó 3 años en dar forma y que exige un nivel superior a un genin (además consideremos que no era el ninja más brillante). Esto termina inspirando a Tsunade a aceptar convertirse en Hokage con todas las consecuencias positivas que ello trajo a la aldea y al mundo ninja. Ella es una de la larga lista de personajes, camaradas y villanos, que se convencieron de que el cambio es posible y que, para mantenerlo, hay que seguir creyendo.
El camino ninja de Naruto del Rasengan al Rasen Shuriken sólo acentúa más este aspecto de la historia y del personaje hasta que el niño cumple la profecía y se presenta como el viento, ese prana/qi/chi/ki, que inicia el cambio del clima de odio de la sociedad shinobi para que esta última abra ese chakra número cuatro en el que los sentimientos y el amor son sentidos, pero cuyo flujo ha sido bloqueado por años de guerras, injusticias y venganzas. Planteando el primer movimiento de rotación, luego el espiral sigue girando por todas esas personas que son inspiradas por él y mantienen el movimiento de cambio.
Fuente: Aniplex, KSS, Rakuonsha, Shueisha, Studio Pierrot, TV Tokyo, TV Tokyo Music
Sin duda, tiene lo idílico de todo héroe shōnen, pero Kishimoto propone estas ideas a través de un interesante sincretismo que conjuga las tradiciones de tres culturas orientales y es en esa particular combinación, que nos permite acercarnos a ellas al mismo tiempo que las conecta con su historia y su protagonista. La icónica técnica de su héroe despierta interesantes lecturas que esperamos replicar en futuros artículos orientados a otras series o personajes.
Aquí les dejamos más información sobre los chakras y todas las formas de energía vital mencionadas en el artículo:
👾 ¿Mala conexión? ¡Esperemos que no porque el día de hoy #GISugoi te recomienda Sarazanmai!
✔️ Anime de 11 capítulos creado por Kunihiko Ikuhara en el 2019, sigue la historia de Kazuki, Toi y Enta, jóvenes de 14 años que se sienten desarraigados y tienen una difícil relación con quienes los rodean. Tras destruir accidentalmente una estatua, se ven transformados en kappas para salvar a la ciudad de zombies que son enviados por el Imperio Nutria. Uno de los puntos más llamativos de la trama es cómo la serie propone una “interconexión” en distintos niveles: en la interacción con otras personas; en la interacción entre los objetos, habitantes y espacios que coexisten en la ciudad; y en las interacciones que se realizan en la misma red o Internet.
La “interconexión” entre personas es planteada en la serie a partir del grado de cercanía, confianza y honestidad que se establece con familiares y amigos. En este sentido el caso de los protagonistas es emblemático, ya que ninguno es honesto con la persona que más ama, y de ser conocidos sus secretos, sería motivo de vergüenza y estigma. Cuando ellos establecen una “interconexión” con la ciudad, sus espacios y objetos -por ejemplo, cuando interactúan con Keppi, el príncipe kappa que habitaba dentro de una estatua en la ciudad, o cuando luchan contra los zombies que tienen una “fijación” sobre determinados objetos de la ciudad y los roban-, logran cuestionar sus decisiones, así como replantearse el por qué guardan determinados secretos, y el origen de sus traumas. Esta información que ellos desean mantener oculta es revelada a los coprotagonistas a partir de un “leak” de la información, una filtración de datos que se realiza a través de la conexión que se establece entre ellos cuando derrotan a un zombie. Esto último provoca una última “interconexión” que se presenta con un lenguaje y metáforas que hacen referencia al Internet.
Finalmente, Sarazanmai expone la importancia de aceptar los deseos (por más bienintencionados o “fuera de lo normal” que estos sean) y saber comunicarlos a los otros para que estos no sean llevados a cabo de forma egoísta. Una vez logrado eso es que las acciones que los personajes realicen pueden ser guiadas por el amor, lo cual permitirá a los protagonistas establecer, por fin, relaciones estables y sinceras con quienes los rodean.
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