Categoría: Notas

«Catarsis»: Mōto Hagio y la evolución del shōjo
Los peruanos hemos crecido con animes y telenovelas. ¿Quién no llegaba del colegio y veía Dragon Ball o Sakura Cardcaptor? Los animes de la tarde que daban espacio a las telenovelas. La cuota diaria de melodrama (japonés o latino) para seguir nuestro día.
Y si de melodramas japoneses hablamos, no podemos dejar de hablar del shōjo. Por ello, el día de hoy presentaremos el libro Catarsis de Mōto Hagio, el cual llega a nosotros gracias a Íbero Librerías.
Catarsis es una compilación de mangas de Mōto Hagio (Fukuoka, 1949), considerada como la “madre fundadora” del manga shōjo contemporáneo, especialmente del shōnen-ai o Boys’ Love. En ella encontramos algunas de sus historias cortas más aclamadas.
Llama la atención cómo sus narrativas beben del shōjo y la “literatura de Clase S” de inicios de siglo XX, ya que presenta tópicos como la hermandad, el principio de semejanza, la idealización de los cuerpos y un imaginario lleno de imágenes occidentales -algunos paisajes y estructuras lejanas, como en Europa-. Asimismo, presenta una crítica a la construcción del género -tanto femenino como masculino- y aborda la interioridad y los sentimientos tanto de hombres como de mujeres. Finalmente, pese a que sus historias están dirigidas a jóvenes y adolescentes, aborda temas tabú.
Carátula del libro Catarsis de Mōto Hagio, TomoDomo Ediciones
De la literatura de Clase S al shōjo:
Algunas historias como “Mitad” y “La niña iguana” juegan con el “principio de semejanza” y de hermandad, propio del shōjo y la“literatura de Clase S”. En ambas vemos a una hermana que es considerada bella como un ángel, y otra que es, a los ojos de la sociedad o de la madre, un “monstruo”. La hermana “angelical”, quien es la menor, requiere de mayores cuidados, mientras que la mayor es constantemente regañada y relegada por la madre. Además, es la hermana mayor la que suele desarrollar una personalidad rebelde o más crítica con las normas.
Escena de «Mitad», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Resalta cómo en ambas historias las protagonistas experimentan un quiebre en su interior. Pese a que logran insertarse en la sociedad mediante el matrimonio o el enamoramiento, no pueden conciliarse fácilmente con el trauma experimentado en la niñez, especialmente con el rechazo de la madre.
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «La niña iguana», Catarsis de Mōto Hagio
Camino a la adultez: personalidad y sexualidad
Otras historias que llama la atención por el desarrollo de la interioridad y los sentimientos de los personajes son “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis” y “Al Sol de la tarde”.Las dos primeras nos presentan protagonistas masculinos que se encuentran hastiados de la sociedad y de sus padres, quienes no toman en cuenta sus malestares ni la presión que sienten por alcanzar el éxito. Y como única solución deciden escapar del hogar o incluso de la realidad.
Escena de «Las pastillas de ir a la escuela», Catarsis de Mōto Hagio
Por otro lado, la protagonista de “Al Sol de la tarde” se aleja de la típica joven adolescente del manga shōjo, pues se trata de una señora de 42 años cuyo matrimonio está en crisis. La narración contrapone la idealización del matrimonio por parte de la protagonista y sus amigas en la adolescencia, y la realidad del matrimonio en la adultez. Además, a través de la imagen de Hitomi, la hija de la protagonista, se presenta un cambio generacional, donde las chicas tienen mayor independencia y agencia. Sin embargo, ¿hasta qué punto este deseo de cambio choca con la realidad?
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
“Al Sol de la tarde” nos presenta también una figura masculina joven e idealizada, construida como un bishōnen. Este personaje performa la masculinidad distinta a la del marido, ya que el primero es un hombre que, pese a estar desempleado, es sensible, atento y con gusto por las labores del hogar. El marido, por el contrario, solo se dedica al trabajo, va a locales de prostitutas y espera que su esposa lo sirva. De esta manera, desde el género shōjo se propone una nueva masculinidad (2).
Escena de «Al Sol de la tarde», Catarsis de Mōto Hagio
Shōnen-ai: la pérdida de la inocencia
Por último encontramos una representación del trauma y temas tabú en “Camuflaje de ángel”, “Las pastillas de ir a la escuela”, “Catarsis”, “El falso rey” y “El invernadero”. Los tres primeros nos presentan cómo los protagonistas lidian con el abandono de sus padres, la posibilidad del divorcio -con lo cual se derrumba la institución del matrimonio-, la depresión, el duelo, el suicidio y el aborto.
Las dos últimas,“El falso rey” y “El invernadero”, nos presentan protagonistas masculinos con un profundo sentimiento de desolación, soledad, abandono y desapego. Esto nos hace recordar a las protagonistas en la literatura de Clase S escrita por Yoshiya Nobuko (1), donde la mayoría había sufrido la pérdida de la madre o sabían que terminada la escuela contraerían un matrimonio arreglado por su familia. Pero ante dicho destino, las protagonistas optarán por una relación de “hermandad” con alguna amiga o compañera de grados mayores, al igual como sucede entre L’Ange y Joschafat en “El invernadero”.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
Asimismo, en ambas historias cortas vemos una exploración del cuerpo, la sexualidad y la violencia -ejercida a través de la violación-. En ese sentido, resulta intrigante por qué el shōjo opta por presentar el trauma y la violencia física sobre el cuerpo masculino. Para ello, tomemos en cuenta “El invernadero”. En la narración vemos cómo el invernadero es un espacio que cobra vida y seduce e invade a L’Ange. Este acto, que es observado en secreto por Joschafat, es percibido como traumático, casi como una violación -lo cual simboliza, a su vez, el fin de la pureza del “hermano” menor-. De igual manera, el protagonista de “El falso rey” cuenta, en un momento de máxima tensión, como fue violado por el rey durante “Las Fiestas de la Expiación”.
Al estar el shōjo dirigido a un público femenino adolescente, la autora desplaza estos eventos traumáticos hacia un cuerpo masculino -que simbolizaría el “otro”-. De esta manera, se genera una catarsis de las experiencias traumáticas pero se conservará a la vez la pureza del cuerpo femenino.
Escena de «El falso rey», Catarsis de Mōto Hagio
Escena de «El invernadero», Catarsis de Mōto Hagio
En primer lugar, se produce una catarsis sobre el cuerpo masculino porque, pese a haber sido un cuerpo preparado para la guerra a partir de instituciones como la educación y los medios de comunicación -a través de las revistas para chicos de inicios de siglo XX-, es percibido como un cuerpo derrotado, o corrompido y “violado” en un sentido figurado, ante la guerra.
Por otro lado, la búsqueda por preservar la pureza en el cuerpo femenino podría ser producto de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El “sentido común” dictaría que las mujeres no habrían experimentado los traumas de la guerra porque no han participado de manera directa en la guerra. En otras palabras, la mujer “no habría padecido los traumas ni la violencia” del campo de batalla. Pero una segunda lectura podría indicarnos que, si bien Japón perdió la guerra, busca preservar su honor como nación al mantener “íntegro” el cuerpo y la virginidad de sus mujeres.
De esta manera, el shōjo aborda la experiencia traumática por la que han atravesado tanto hombres como mujeres, pero sin ir en contra del “sentido común”, que dicta que la mujer y su cuerpo son “inherentemente puros”, y sin poner en entredicho el honor de la nación.
Conclusión
Finalmente, Catarsis de Mōto Hagio resulta un recorrido interesante y necesario para entender el desarrollo del género shōjo. En ella se aprecia una exploración de los sentimientos tanto en personajes masculinos como femeninos -y en este grupo, en mujeres que se encuentran en varias etapas de la vida-. Son historias que beben de la narrativa para chicas precedente, y exploran temas tabú. Una lectura que vale la pena.
NOTAS
(1) Para una profundización sobre el shōjo, el melodrama y sus orígenes en la literatura de Clase S, se invita a leer el artículo sobre Liz and the Blue Bird y Millennium Actress. Asimismo, se invita a ver el siguiente link del Centro de Estudios Orientales PUCP:
https://www.facebook.com/152388004837332/videos/2757810574439492
(2) Una nueva masculinidad vinculada a la sensibilidad promovida por la imagen de la otokoyaku en el Takarazuka Revue, a inicios del siglo XX.
¿Hambre de más? Te recomendamos los siguientes textos:
Chalmers, Sharon. 2009. Emerging Lesbian Voices From Japan. Nueva York: Routledge.
Frederick, Sarah. 2006. Turning Pages. Reading and Writing Women’s Magazines in Interwar Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Hartley, Barbara. 2015. “A Genealogy of Boys Love: The Gaze of the Girl and the Bishonen Body in the Prewar Images of Takabatake Kasho”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 21-41.
McLelland, Mark y James Welker. 2014. “An Introduction to “Boys Love” in Japan”. Boys Love Manga and Beyond. History, Culture and Community in Japan. Eds. Mark McLelland, Kazumi Nagaike, Katsuhiko Suganuma y James Welker. Jackson: University Press of Mississippi, pp. 3-20.
McLelland, Mark. 2016. “From Salor-Suits to Sadists: ‘Lesbos Love’ as Reflected in Japan’s Postwar ‘Perverse Press’”. U.S.- Japan Women’s Journal. Honolulu, número 27, pp. 27-50. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <http://www.jstor.org/stable/42771918>
Nagaike, Kazumi. 2010. “The Sexual and Textual Politics of Japanese Lesbian Comics: Reading Romantic and Erotic Yuri Narratives”. Electronic journal of contemporary Japanese studies. <http://www.japanesestudies.org.uk/articles/2010/Nagaike.html>
Robertson, Jennifer. 1992. “The Politics of Androgyny in Japan: Sexuality and Subversion in the Theater and Beyond”. American Ethnologist. Volumen 19, número 3, pp. 419-442. Consulta: 23 de setiembre de 2020. <www.jstor.org/stable/645194>
Shamoon, Deborah. 2011. Passionate Friendship. The Aesthetic of Girl’s Culture in Japan. Honolulu: University of Hawai’i Press.
Tsuchiya Dollase, Hiromi. 2001. “Yoshiya Nobuko’s ‘Yaneura no nishojo’: In Search of Literary Possibilities in ‘Shōjo’ Narratives”. U.S.-Japan Women’s Journal. Honolulu, número 20/21, pp. 151-178.
Ueno, Chizuko. 2004. Nationalism Gender. Boston: Trans Pacific Press.
Welker, James y Katsuhiko Suganuma. 2006. “Celebrating Lesbian Sexuality: An Interview with Inoue Meimy, Editor of Japanese Lesbian Erotic Lifestyle Magazine Carmilla”. Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context. Volumen 12. Consulta: 28 de octubre de 2020. <http://intersections.anu.edu.au/issue12/welker2.html>
12 noviembre, 2020
Sakuras, libros y melancolía: el manga «Quiero comerme tu páncreas»
«Quiero comerme tu páncreas» o «Kimi no Suizō o Tabetai» es un manga ilustrado en el 2016 por Idumi Kirihara basado en la novela web homónima escrita por Yoru Sumino en 2014. El título evoca una historia de canibalismo, terror o eroguro. ¿Por qué alguien quiere comerse el páncreas de otra persona?¿Por qué específicamente un páncreas? Observemos la carátula por si brinda al lector alguna pista sobre este título tan particular:
Izquierda: La portada de la sobrecubierta muestra dos estudiantes y árboles de sakura. No hay rastro de una historia de terror (aunque quién sabe. Solo hay que recordar el videojuego Doki Doki Literature Club!). Derecha: Por otro lado, la contraportada contiene la sinopsis que revela el motor de la trama: la enfermedad del páncreas de Sakura.
La brevedad de las cosas y el «mono no aware»
La sinopsis de la contraportada nos revela el misterio del páncreas: la trama gira en torno a dos jóvenes que son polos opuestos (el chico introvertido apático y la chica extrovertida alegre) que tienen que lidear con la enfermedad mortal del páncreas de la prota. Si bien deja al lector con el kokoro roto desde el arranque, nos recompensa con lecciones y reflexiones valiosas sobre la brevedad de la vida y la actitud hacia ella. ¿Vale la pena este intercambio equivalente? Pues claro que sí.
El prota es un introvertido ratón de biblioteca (o˘◡˘o)
La prota es una extrovertida ratona de biblioteca (≧◡≦) ambos empiezan a interactuar porque trabajan como encargados ahí.
La historia recoge la filosofía del «mono no aware«: un concepto japonés que se traduce como «la conciencia de la impermanencia«. Es decir, tener presente cuán efímeras son las cosas por la cual no hay que aferrarnos a ellas, sino disfrutar de su existencia mientras duren. El resultado es sentir melancolía como parte del proceso, pero no se ve como algo negativo. Los protagonistas tratan de disfrutar cada uno de los instantes que tienen juntos porque saben que la fecha límite está cerca.
Desde la primera hoja del manga (también de la novela y hasta del film homónimo) se anuncia la muerte de Sakura. Así, el autor deja claro que lo importante de la narrativa no es saber si ella murió o no, sino que hay algo más profundo que desea explorar. Los protagonistas están forzados a ser conscientes de la impermanencia, es decir, vivir el presente. Un gran logro del manga es su atmósfera: un equilibrio entre diversión y melancolía.
La melancolía es inevitable: el árbol de sakura como símbolo
La exploración del «mono no aware» se ve plasmado no solo narrativamente, sino también se refuerza de manera visual debido a la aparición constante del árbol de sakura (cerezo) que es el símbolo de dicho concepto en la cultura japonesa. El manga contiene muchísimas viñetas donde el sakura acompaña a los dos protagonistas en momentos clave y otras donde se convierte en un tercer protagonista. El árbol se ha ganado este lugar en Japón, pues representa lo efímero de la vida: florece una vez al año y su esplendor dura solo 3 semanas. Por ello, contemplarlo genera una tristeza/melancolía al saber que su belleza es breve y fugaz, pero lo importante es que su espíritu permanecerá.
Las tres primeras páginas son a todo color. Cortesía de la editorial ECC. Así se puede apreciar que el árbol que suele aparecer es el sakura con su característica flor rosada.
Izquierda: Momento importante donde por primera vez el prota mira a Sakura y el árbol aparece de fondo acompañándola. Derecha: árbol aparece en primer plano. ¿Quizá es el tercer protagonista de la historia? Eso parece querer decirnos el mangaka.
Con el sakura uno se vuelve consciente de la impermanencia de las cosas y aprende a disfrutar del instante sabiendo que la melancolía será inevitable. Así, se gana una actitud hacia la vida misma, dado que ambas son igual de breves. En el manga, la corta vida de la prota llamada Sakura Yamauchi (su nombre!) y su manera alegre de afrontarla evoca esta lección. ¿Qué tan fuerte hay que ser para disfrutar de un instante cuando sabes que vas a morir pronto? Por otro lado, el prota llamado Shiga (su apellido sí es un spoiler entonces se omitirá aquí) es todo lo contrario. El manga explora cómo aprende diferentes maneras de afrontar la vida este introvertido y apático joven amante de los libros desde que conoce a Sakura.
Si ya vi la película, ¿qué me ofrece el manga?
El manga fue publicado en dos volúmenes en el 2016 y 2017 por la editorial Futabasha siendo categorizada como seinen. Al año siguiente en el 2018, se estrenó la versión fílmica realizada por Shin’ichirō Ushijima de los estudios VOLN.
Mientras Sakura en el anime está retratada como una adolescente; en el manga tiene una apariencia más infantil y moe debido al dibujo de los ojos y su corta estatura, . Esto hace que el manga sea aún más sad unu
Lo mismo sucede con el prota: su aspecto es infantil en el manga mientras en el anime parece un escolar de último año de secundaria por las facciones de su rostro y su alta estatura.
Si bien los sucesos son similares en ambos formatos, en el manga la apariencia de los protagonistas es más infantil como se mostró en las viñetas de arriba. Esto le añade más tristeza a la obra dado que el destino de la prota es una muerte prematura y se siente más trágico mientras más joven sea la persona.
Pero, las y los invitamos a leer este manga porque contiene sucesos de la vida cotidiana de Sakura y Shiga que no aparecen en las otras adaptaciones de esta obra, lo cual enriquece la historia y demuestra un gran manejo de técnicas de dibujo por parte del mangaka.
En cuanto al estilo de dibujo del mangaka, prioriza el color blanco a lo largo de la obra lo cual genera una impresión de suavidad: esto va de acorde a la personalidad alegre de Sakura quien llena de vigor la vida de su sobrio compañero de clases. Pueden encontrar Quiero comerme tu páncreas en un solo tomo por la editorial ECC Cómics en Íbero Librerías.
La alegre prota es un contraste con el chico serio de la clase, quien será el único que sepa su secreto y la acompañe hasta el fin de sus días. Se prioriza el uso de líneas delgadas en las comidas y bebidas que aparecen constantemente.
Cubierta original de la editorial japonesa. La edición de ECC Cómics trae ambas versiones: si le sacas la contracubierta se encuentra esta belleza.
Si desean ver la película, se encuentra en animeflv.net con subtítulos en español
6 noviembre, 2020
¿Qué es la maldición Tezuka?
El icónico manga Tetsuwan Atom, más conocido como Astroboy, empezó a publicarse en 1952 y el siguiente paso en el plan de su autor, Tezuka Osamu era dar el salto a la televisión, lo que se concretó el 1 de enero de 1963. Para lograr este objetivo, el dios del manga tomó una serie de decisiones que no solamente cimentaron el camino del éxito sin precedentes de su historia así como del llamado media-mix, sino que cambiaron para siempre a la industria del anime en Japón, que hasta la fecha muestra los rasgos de la—denominada por algunos autores—“maldición Tezuka”.
Fuente: Tezuka Productions
Era 1962. El anime y su industria—como los conocemos ahora—aún no habían nacido, así que era complicado encontrar inversionistas. Según Jonathan Clemments, con mucha dificultad, Tezuka-sensei consiguió el apoyo de la compañía de publicidad Mannen-sha, la empresa de confitería Meiji Seika, Fuji TV y NBC Enterpraises, que se suman, según Antonio Loriguillo a las jugueteras que compraron la licencia de la imagen de Atom. No obstante, Clemments revela que el capital de producción era insuficiente, pues, por ejemplo, Mannen-sha asumía que una serie anime debía costar la mitad de una serie live-action, así que sólo estaban dispuestos a aportar 300 000 yenes por episodio, lo que desanimó a Tezuka.
Loriguillo afirma que cada capítulo terminó costando 550 000 yenes que Tezuka manejó reduciendo los costos en varios sectores generando un escenario con el que ya estamos familiarizados. En primer lugar, apostó por la animación limitada para usar menos celuloide y para acelerar el proceso de producción con el objetivo de transmitir un capítulo semanal. En segundo lugar, Clemments señala que Tezuka optó por tercerizar el trabajo de animación con intensas sesiones para los animadores. Loriguillo precisa que a pesar de estos puntos, los episodios se vendían por menos de lo que costaban, así que la ganancias en realidad provenían del media-mix, es decir de la estrategia de explotación de la franquicia en distintos medios como merchandising.

Fuente: Tezuka Productions
El esquema de producción y negocio del dios del manga presionó a la competencia a seguir el mismo camino y esto configuró lo que Roland Kelts llamó la maldición Tezuka o la maldición Osamu. Para Loriguillo, «la limitación presupuestaria deficitaria inherente a la producción del anime» aún tiene un impacto actual y se refleja, según Mōri, en la gran diferencia de costos de realización del anime en comparación con series norteamericanas, así como en las ya mencionadas precarias condiciones de trabajo de los animadores. El autor explica una situación que no es ajena: los puestos de trabajo fijos son reemplazados por freelance o subcontratación a estudios de animación del sudeste asiático como Corea del Sur. Asimismo, los apretados deadlines afectan tanto la vida de los animadores (algunos renuncian también) como la calidad del producto final.
Otro punto importante que destaca el autor es la tendencia a la uniformización de las producciones debido a la intervención de las varias empresas que comparten los costos y conforman los comités de producción, que pugnan por un producto con el menor riesgo, lo que lleva—en muchos casos—a que se siga la fórmula que ha demostrado funcionar y que es la razón también detrás del kūru o temporadas de 12 o 13 episodios que son la tendencia en la actualidad. Además de estas circunstancias y la dependencia del media-mix, la maldición Tezuka también ha polarizado a muchos sobre los motivos del dios del manga detrás de su modelo y ha llevado a un intenso debate al respecto.
Fuente: tezukaosamu.net
De acuerdo con Roland Kelts, algunos señalan que Tezuka provenía de un sector privilegiado y una vez que se estableció como artista líder de la industria del manga y el anime no cambió su modelo en producciones posteriores, lo que presionó a la competencia a seguirlo. Según, Michael Rose, otros señalan que el ímpetu de Tezuka por aprovechar el momentum y difundir su trabajo por todo Japón y el resto del mundo lo llevó a seguir este modelo y que a través del mismo solidificó la posición del anime y abrió las puertas a jóvenes artistas a quienes introdujo además a publicistas y editores para que se labraran sus propias carreras.
Es discutible cargar la responsabilidad del mantenimiento de un modelo de industria a una sola persona sin considerar el resto de productoras que lo aplican, pero el dios del manga marcó un hito al respecto que es difícil ignorar. Sin duda, el debate sobre la maldición Tezuka continuará y quizás se transforme al mismo ritmo que lo haga la industria del anime y el manga que cambió para siempre con Tetsuwan Atom.
Fuentes
Les dejamos una lista de material que pueden revisar sobre la maldición Tezuka y la historia del anime.
- Clements, J. (2019). Anime: A history. Bloomsbury Publishing.
- Kelts, R. (2006). Japanamerica. How japanese pop culure has invaded the U.S. Palgrave Macmillan.
- Loriguillo, A. (2018). La narración compleja en el anime postclásico: la ambigüedad narrativa en la animación comercial japonesa, Universitat Jaume I.
- Rose, M. (2013). God of manga or devil of the medium? Undergraduate Review, 9, 174-176.
30 octubre, 2020
El día a día de un esqueleto que vende libros
Sí, el título de esta nota no miente sobre la historia del anime Gaikotsu Shotenin Honda-san también llamado Skull-face Bookseller Honda-san. Si todavía no te acostumbras a la rareza de las premisas de varias series de animación japonesa, vas a tener problemas reconociendo que a veces hay mucho más detrás de estos curiosos relatos.

En este caso, Honda-san efectivamente es una calavera vendedora de libros, específicamente es el encargado de la sección de comics extranjeros y libros de arte. Además, entre sus compañeros de trabajo se encuentran personajes como Máscara de Gas (que sí, tiene una máscara de gas), Armadura (ya no tengo que decirlo), Linterna, Cabeza de conejo y otros personajes que—como todos ellos—cubren sus caras de maneras creativas. ¿La razón? Todos están basados en personas reales que conoció la autora, Honda, durante sus años vendiendo libros.
Como recoge Yulee Kim en su artículo, a pesar de la creciente popularidad del e-book en Japón, la cultura del libro impreso en el país del sol naciente aún mantiene su poder en el mercado, lo que se revela en la fama de la nación nipona, sobre todo Tokio (especialmente Jimbocho) como punto clave de venta de libros. Gaikotsu Shotenin Honda-san nos abre una puerta a este mundo en donde hay que preocuparse por categorizar y ordenar la mercancía que llega, organizar firmas de libros, atender a los clientes y decorar la tienda para navidad. Lo divertido está en que Honda-san y sus colegas son los que en cada uno de los dos pequeños scketch que conforman cada uno de los 12 episodios, enfrentan estos problemas, mientras evitan hacer referencias a títulos o empresas que les obliguen a pagar por derechos de propiedad intelectual.

El protagonista, Honda-san y sus compañeros son un claro ejemplo de lo señalado por Blautoothdmand acerca de que el encanto de un slice of life depende en gran medida de sus personajes, los cuales en este caso generan las situaciones más hilarantes. Como cuando el tímido pero trabajador Honda-san sufre mientras trata de explicarle a un cliente extranjero que el libro que le ha pedido comprar su hija es un «special yaoi book». Al mismo tiempo, pululan cerca un chico con una bolsa de papel en la cabeza cargando libros y una mujer que usa una máscara de médico de la peste negra mientras trata de intimidar a los distribuidores editoriales.
Esta particular combinación de cotidiana realidad, ajetreo y extravagancia, entretiene, enternece y provoca que queramos robarle el trabajo al buen Honda-san. Si están interesados en revisar la serie, está disponible en Crunchyroll y cada capítulo dura sólo 15 minutos.

Si desean también revisar más sobre la cultura del libro impreso en Japón y el slice of life, les dejamos unos links:
https://www.komabatimes.com/…/paper-book-culture-in-japan
https://www.abebooks.com/books/features/tokyo-bookstores/https://the-artifice.com/slice-of-life-anime/
https://the-artifice.com/slice-of-life-anime/
30 octubre, 2020
Cuando el viento se levanta hay que tratar de vivir
Hace un mes empecé a ver de nuevo una joya del estudio Ghibli titulada ¨Cuando el viento se levanta¨ ¨Kaze Tachinu¨ que tuve la suerte de ver en formato borroso hace algunos años, por ello cuando apareció en la paleta de recomendados en Netflix no dudé en darle ¨reproducir¨ y vaya que hermoso es el hd.
Podría llenar de halagos acostumbrados a la película por solo ser dirigida por Hayao Miyazaki y ese clan de ilustradores legendarios del estudio creador de éxitos como ¨El Viaje de Chihiro¨, ¨Mi vecino Totoro¨ o ¨Náusica del Valle del Viento¨ pero no, eso sería realmente injusto.
Haremos un merecido análisis a este joya de la animación japonesa que no puedes dejar de ver si en verdad te gusta el anime. Comencemos.
El director de la cinta animada, Hayao Miyazaki, aquel genio que le encanta presentarnos arquetipos de niños y personas adultas mayores que guían a los personajes, en este caso opta por llevar a la pantalla grande una novela corta de Tatsuo Hori.
La historia nos narra la vida de Jirō Horikoshi, ingeniero aeronáutico nipón que diseñó el avión de combate Zero, seee suena a Code Geas ese nombre pero en la vida real nuestro pequeño niño japonés fanático de los aviones existió, estudió mucho y logró revolucionar la ingeniería aeronáutica japonesa.
Como es de costumbre en Miyazaki nuestro prota es guiado por personas mayores que él, maestros que marcarán las pautas de sus hazañas y serán empuje en sus derrotas, en la primera parte de la historia el ingeniero aeronáutico italiano, Giovanni Caproni, lo sorprenderá en sueños a Jiro y más adelante un personaje de la realidad, el alemán, Hans Castrop, lo hará reflexionar del valor de la ciencia y como el orgullo de los países pueden convertir un sueño en una pesadilla. Cosa que sucede gracias al inicio de la Segunda Guerra Mundial.
La historia contiene muchos sucesos de la historia japonesa como el gran terremoto de Kanto de 1923 que remeció los cimientos sociales como económicos y la Gran Depresión, que Japón heredó gracias a la Primera Guerra Mundial, es en ese escenario que nuestro prota tendrá que sortear los vientos fuertes de crecer y convertirse en un profesional en medio de incendios, crisis financiera y un ambiente negativo de la misma sociedad que lo rodea.
En ese interín, en el mar de la adolescencia y juventud, conocerá a la pequeña , Nahoko Satomi, su futura esposa, que lo marcará de por vida. Sinceramente esta relación y creación del personaje de Nahoko es un 20 sobre 20 para Miyazaki. Ella representa ese viento que tanto amó Horikoshi, ese fugaz, maravilloso y efímero viento, que tanto deseaba dominar para cumplir su sueño de sacar a Japón del retraso industrial aeronáutico que estaba subyugado por causa de no querer innovar.
Nahoko lo es todo, una joven vivaz llena de vida que se le va acabando el tiempo por ser una paciente de Tuberculosis, enfermedad que era condena de muerte en esa época. A pesar del terrible final que la joven tendría, Jiro, apuesta por todo y se casa con ella, tal como los aviones que él desea fabricar, a pesar que sabe del trágico final que tendrán, a causa de la inminente guerra, él desea dar un paso más y seguir adelante por que ¨Cuando el viento se levanta, hay que tratar de vivir¨
Frase que se repite con precisión en puntos claves de la película. En estos tiempos de pandemia mundial ocasionada por el virus Covid-19, la película de Miyazaki, nos da una lección mas que solo entretener , debemos seguir firmes, agarrados de nuestro sueños, aunque sean imposibles o tengan la posibilidad de un trágico final, aprovechemos la fuerza de los vientos y sigamos adelante.
Puntaje
 5/5
26 octubre, 2020
VTubers: las creadoras de contenido animado del mañana
Aunque es un fenómeno, digamos, reciente en Latinoamerica (conocido más problamente por gamers y fans de este tipo de streamings), lo cierto es que, al ser un tema desconocido todavía por diversos investigadores de la cultura pop asiática (y por qué no, por otros “otakus”), he decidido traer a la palestra este “novedoso”, interesante y, por supuesto, “altamente tóxico” tema: el universo VTuber.
https://www.youtube.com/watch?v=aiZ6Et9ZpSs&t=2s
Famoso youtuber sueco reacciona al juego de Siro, VTuber japonesa, en Minecraft
Entonces….¿qué significa ser VTuber?
Según el canal de youtube La Madriguera Del Doc, el término VTuber(s) alude predominantemente a youtubers, que también son predominantemente mujeres, que crean un avatar digital animado con el cual interactúan con la audiencia, ahorrándose así el tener que invertir en una cámara, o hasta del uso de su voz real. Asimismo, señala que si bien este término alude a Youtube, recientemente el contenido de las Vtubers a cobrado popularidad en plataformas como Facebook Live o Twitch. La variedad de contenido de las VTubers es ilimitada: gamers, cantantes, tutoras de idiomas, pornografía, etc., etc.
VTubers japonesas, entre las que destaca al centro la más popular de todas: Kizuna Ai
Origen: ¿otro producto del softpower japonés?
Siguiendo los comentarios del youtuber aludido, el origen de este fenómeno se remonta al año 2011, no obstante estos avatars kawaii no surgieron en Japón (como yo misma pensé al inicio), sino en Gran Bretaña, pero tranquilos que hay un vinculo nipón de por medio: Ami Yamato, una bloguera japonesa radicada en el país anglosajón, que lanzaría una serie de videos animados con un avatar (suyo) animado que le hablaba a la cámara como si fuera un videblog normal para la época (es decir como el que haría uno youtuber de carne y hueso). Este formato, aunque nada parecido a lo que veríamos más tarde, sería considerado el primer prototipo de lo que años más tarde serían las VTubers.
Fuente: Página de Facebook oficial de Ami Yamato
Otra fuente sostiene que un antecedente de las VTubers pueden ser los youtubers que usaban Loquendo, un programa de software que emulaba voces «de estilo robótico», para sus Walfas, avatars creados por ellos/ellas mismos/as gracias a una página web especializada en ello, con características preponderantemente de personaje manganime; o para sus Renders, personajes manganime que eran sacados de la web cuantas veces era necesario para tener diversas expresiones, poses, actitudes de los mismos según la necesidad del loquendero youtubero. Todo esto con el fin de que crear historias divertidas, y por qué no super bizarras, contextualizadas en un mundo ficticio llamado Loquendo City (una ciudad que en realidad es un fondo de pantalla estilo manganime, osea más otaku no podia ser XD).
Pero no fue hasta el 2016 que aparecería en Japón, con el auge global de los streamings, Kizuna Ai, considerada como la primera Vtuber “hecha y derecha”. Al poco tiempo se convirtió en el fenómeno cultural pop más popular del país del sol naciente.
Cada vez este fenómeno se fue haciendo más grande, y con el aumento proporcional de los streamings, gracias sobre todo a plataformas como Twitch, comenzaron a surgir nuevas personalidades, gracias a que también empezaron a aparecer nuevas herramientas para que cualquiera pudiera crear su avatar virtual de manera digamos, sencilla y divertida.
Vtubers haciendo «streaming»
Impacto VTuber en Latinoamérica
En Occidente (tanto en el anglosajón como en el de habla hispana), las youtubers cada vez son más populares (al respecto, colocamos al inicio de esta nota un video donde el famoso youtuber sueco PewDiePie reacciona a la transmisión de una Vtuver japonesa llamado Siro en Minecraft). No obstante, (y dado que somos obviamente «latinos»), en este caso nos centraremos en el impacto que han tenido las Vtubers en nuestro continente.
En Latinoamérica existe una data creciente de youtubers como Asra, Suwie, y la famosa (y quizá hasta el momento más tildada de polémica) Nimu. Esta última es una Vtuber argentina que sería (incluso proclamada por sí misma en reiteradas ocasiones) «la más popular de nuestro continente», con una canal de youtube que rosa los 350 000 suscriptores y que cuenta además con una enorme cantidad de seguidores en Facebook Live, donde hace sus streamings. Entre los diversos factores a los que se les atribuyen su popularidad están su «peculiar sentido del humor» y su también “peculiar voz”, así como el hecho de que este avatar está poseída por una criatura morada que lleva “como adorno” en la cabeza (¿una referencia a una personaje manganime Yanguire?).
Fuente: Página oficial de Facebook de Nimu
Expectativas VTubers
Hasta el momento, existe una larga polémica respecto al futuro de las VTubers. Por un lado están los creadores de contenido que sostienen que es solo una moda pasajera (como sería el caso de Loquendo city, por ejemplo). Otros creen que, por el contrario, son la base de los youtubers del futuro, o del nacimiento de un siguiente nivel dentro del ecosistema digital, y así, existen un sinfín de opiniones/posturas sobre este tema, que solo el tiempo, esperemos, resolverá.
Y hasta aquí llegó la nota …
¿Qué por qué tan corta? ¿o por qué no hablamos de las polémicas VTubers latinoamericanas?… Para resolver estas y otras preguntas, recomendamos estar atentas y atentos al Facebook (y a la web Sugoi, porsupuesto), puesto que lanzaré un artículo más detallado sobre este tema el mes que viene. ¡No se lo pierdan!
Saludo de Vtubers a sus seguidores en Twitter (sí, también son activas en esta red XD)
Bonus track
Como parte del material extra audiovisual, les dejo este video (no apto para no fans del Yanguire ni del goré bélico «ultraviolento» XD) donde Nimu demuestra cómo una Loli juega con armas junto a su team .

23 octubre, 2020
La experiencia de la migración: el cine de Alice Wu
🎥 ¿Quién no ha aprovechado en leer algo durante la cuarentena? ¿Ver todas las series que tenía pendiente? O mejor aún: ver todo el catálogo de Netflix ☕️👀. Y entre todas las películas que uno ha podido encontrar, quizás se ha topado con The Half of It, también titulada en castellano Si supieras o Conquista a medias: la historia de una adolescente china que se encuentra, parcialmente, fuera de lugar en su escuela, ubicada en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Si has podido ver sobre su cineasta, Alice Wu, llama la atención la poca filmografía que tiene. Pero eso no nos detendrá para hablar sobre ella el día de hoy. Por ello, ¡#GISugoi te presenta el cine de Alice Wu!
🛬 Nacida en California, Estados Unidos, en 1970, estudió Ciencias de la Computación en la Universidad de Stanford, y trabajó como ingeniera de software en Microsoft. A finales de los noventa se inscribió en un curso de guión en la Universidad de Washington, donde realizó lo que sería la historia de su primera película: Saving Face. Su cine reflexiona sobre la relación del individuo con su comunidad, el bilingüismo, los orígenes familiares y la relación con los padres, y cómo el sujeto lidia con su sexualidad.
🎊 Saving Face (2004) fue la primera película de Alice Wu, y tiene como protagonista a Wilhelmina (Wil) Pang, una cirujana sinoestadounidense que vive en Nueva York. La historia narra dos tramas: por un lado, el deseo de la madre de Wil, Gao, para que su hija se case con otro miembro de la comunidad china pese a ser lesbiana; por otro, la expulsión de la madre de Wil de la casa del padre por estar embarazada fuera del matrimonio, y la búsqueda de un marido para recuperar el honor de la familia. Sin embargo las cosas se complican para Wil cuando, al poco tiempo que comienza a salir con Vivian -sinoestadounidense e hija de su jefe-, su madre se muda con ella.
La película aborda los problemas de la comunidad china en Estados Unidos: tanto el deseo por preservar la lengua -mandarín- y los “valores” entre sus integrantes, como el temor de integrar lo “distinto” y lo que sale a la estructura familiar “tradicional” -homosexualidad, hijos fuera del matrimonio, matrimonio entre personas de generaciones distintas-. En esta doble narración el título hará referencia a cómo Wil y Gao intentan salvar el «rostro» u honor en una familia y comunidad que las ha expulsado.
Vía: Medium
💌 The Half of It, su segunda película, fue ganadora de un premio en el Festival de Cine de Tribeca y fue estrenada en mayo del 2020 en Netflix. Presenta la vida de Ellie Chu, estudiante que obtiene ingresos adicionales a partir de la venta de ensayos en su escuela. Y si bien tiene la capacidad para postular a la Facultad de Artes en el Grinnell College, en un inicio opta por rechazar dicha oferta, ya que no desea abandonar a su padre, a quien ayuda en su trabajo como operador ferroviario porque no ha podido aprender el idioma. Un día Paul Munsky, miembro del equipo de football, le pide que escriba una carta para Aster Flores, la chica que le gusta. En este proceso, de intercambio de mensajes, Aster caerá en la cuenta de que la persona de la cual se enamoró era Ellie.
En esta historia llama la atención elementos como el cuidado a los padres, lo cual entra dentro del concepto de la “piedad filial” en la cultura china; la integración a la comunidad, esta vez a través de la amistad con otras personas de su escuela, quienes forman a su vez parte de comunidades distintas: “blanco”, asiático y latino; y la construcción de la identidad. Pese a que la narrativa no propone un cierre en la relación entre Ellie y Aster, el solo hecho de que el individuo pueda retornar a su comunidad de origen, donde retomará las amistades y relaciones que quedaron pendientes, ya supone un final feliz. Esto porque, si tomamos en cuenta la fuerte influencia que tiene ser sinodescendiente en las historias de Alice Wu, ser parte de la comunidad china muchas veces supone la ruptura con el lugar de origen (China o alguno de sus pueblos).
Vía: Cinemedios
‼️ En conclusión, el cine de Alice Wu presenta protagonistas intelectuales y no heterosexuales, donde se señalan las barreras idiomáticas (suelen ser narradas en inglés y mandarín), la convivencia dentro de la misma comunidad, y cómo se reformulan los “valores” de esta en un nuevo contexto. Se trata de un cine que apela mucho a los problemas de los descendientes de migrantes chinos en América (y aquí hago referencia al continente, donde los tusanes también podríamos empatizar con algunos de los problemas vistos en las dos películas), y cómo se produce en cierta medida una marginalidad semejante a la experiencia de los sujetos LGBT en la sociedad.
¿Quieres saber más sobre el cine de Alice Wu? Te recomendamos los siguientes links:
https://medium.com/la-chinese-film-festival/chinese-diaspora-in-alice-wus-saving-face-9b22d909b38e
https://dnyuz.com/2020/04/29/alice-wus-lesbian-rom-com-was-influential-but-her-follow-up-wasnt-easy/
https://variety.com/2020/film/reviews/the-half-of-it-review-netflix-1234592137/

16 octubre, 2020
¡Ya entregamos a los suscriptores la Sugoi N° 01 versión digital!
¿Nunca pudiste conseguir la Sugoi 1 original de 1997? ¡No te quedes entonces sin la versión digital! Hemos rescatado los archivos de producción originales para producir versiones electrónicas que puedas leer y disfrutar en tu computadora, tablet o teléfono.
Cada número ha sido restaurado y se le ha aplicado una corrección adicional a los textos, de modo que esta número 1 digital, sin ser propiamente una reedición, es ligeramente mejor que la versión impresa. Lo mismo se aplicará con los números siguientes.
Entre otros detalles de este primer número, hemos modificado la carátula para incluir el logotipo actual, y la circulina con el precio de tapa ahora indica que se trata de la versión digital. De ese modo, marcamos las diferencias y mantenemos el valor de la edición original.
Los tiempos cambian, y dado que cada vez quedan menos ejemplares físicos disponibles, nuestro nuevo proyecto con la revista es digitalizar las treinta ediciones, así como el resto de publicaciones que llegamos a editar.
Luego de nuestra etapa de lanzamiento, que contempla los tres últimos meses de este año, anunciaremos las tarifas anuales para el próximo año de suscripciones, así como los precios individuales de cada ejemplar digital en nuestra tienda virtual.
Adicionalmente a los bajos precios de estos planes, los suscriptores entrarán todos los meses en el sorteo de algunos productos sorpresa. ¿Qué esperas para suscribirte?
15 octubre, 2020
La grata sorpresa de Carole and Tuesday
Sinceramente, a primera vista cuando ví, como sugerencia, el anime Carole and Tuesday en mi paleta de ¨recomendados¨ en la plataforma virtual Netflix, no le tenía mucha fe.
Aunque la animación me atraía, las historias de chicas no son de animarme mucho, pero al ver la cantidad de nominaciones que tenían en los Crunchyrool Awards 2019 decidí darle una oportunidad. Y en verdad, me sorprendió.
Al inicio la historia creada por el estudio Bones, tiende a ser un poco lenta, pero poco a poco va tomando forma, y dando inquietud por cada personaje, a parte, el diseño futurista de los lugares donde se desarrolla la historia te hace tener más curiosidad y darle click en ¨siguiente episodio¨.
La historia puede pecar de clásica: dos chicas que sueñan con ser grandes artistas musicales pero el kit del asunto viene en el contexto donde se dan los acontecimientos. El anime dirigido por Shin’ichirō Watanabe, nos regala una historia común en un entorno futurista, donde la raza humana debe escapar de la tierra, por que la humanidad se ha encargado de volverla una zona inhabitable.
Es en esta coyuntura post apocalíptica que Carole, una joven huérfana que sobrevivió al planeta tierra, viajó a Marte para tratar de cumplir ese sueño tan lejano, ser una artista, de carácter dominante y con un ímpetu envidiable, conoce un día a la dulce Tuesday, jovencita que acaba de huir de su mansión para lograr su sueño de tocar guitarra en paz. En un puente se miran, tocan música y deciden darle ¨play¨ a su sueño, ser músicos.
Tuesday es mejor expresando sus emociones en escrito por ello se vuelve la autora de las canciones, y así se enrumban en un camino interesante lleno de drama pero sin pecar en lágrimas. Una narrativa creíble que viene salpicada con otras historias, también creíbles, como ¨Ego¨ DJ famoso que conquista a todos con la música electrónica de procesador, o el entrañable, Gus Goldman, que resume el futuro de las chicas sino tomen en serio su carrera musical, la voz de la experiencia, que con más defectos que virtudes llevará a las chicas a la fama.
También el aspecto filosófico y social no escapan en esta serie, lo cual hace atractiva e imposible dejar de ver. Tenemos a Desmond que nos hace reflexionar acerca del relativismo de la vida o la triste historia familia de Tuesday al estar encerrada toda su vida en la jaula de oro que fue su casa, al ser la hija de la futura presidenta de Marte, y no falta el asesor con malas intensiones que contamina las buenas acciones de Valerie Simmons.
Sin contar la tóxica relación familiar de la antagonista, Angela, con su madre, Dahlia Carpenter y su afan de ver sus sueños frustrados realizados a través de su hija adoptiva.
En fin, motivos sobran para ver esta seria de Netflix, que cumple con los objetivos básicos que un anime debe tener, a parte el Set List que nos presentan te harán rondar las melodías en tu cabeza por muchos días. Recomendable.

13 octubre, 2020
Un Viento Llamado Amnesia
Un Viento llamado Amnesia (Kaze no Na wa Amunejia) es una película animada de ciencia ficción dirigida por Kazuo Yamazaki en 1990. Está escrita por el gran Yoshiaki Kawajiri (creador de Ninja Scroll, Vampire Hunter D: Bloodlust), quien la adaptó de la novela homónima de Hideyuki Kikuchi. No es casualidad que el estudio que estuvo a cargo fuese Madhouse, pues fue fundado por Kawajiri y compañía.
Izquierda: Afiche promocional japonés. Derecha: Wataru, el protagonista.
El film gira en torno a Wataru, un joven que se vio infectado por este viento que ha borrado la memoria de todos las personas del planeta Tierra causando caos y destrucción dado que nadie puede recordar cómo hacer las cosas más básicas de la experiencia humana. Y un día ¡se topa con un niño llamado Johnny que no ha perdido la memoria! Es así como le re-enseña todo lo que necesita saber para poder sobrevivir en el mundo como un hombre contemporáneo (aprender a manejar un carro, etc).
Sophia y Wataru
Ahora Wataru tiene una nueva misión: viajar por el mundo en su jeep acompañado por la misteriosa Sophia (que siempre lo sigue sin mucha explicación) mientras tratan de encontrar humanos infectados en las calles desoladas para re-enseñarles costumbres de la vida antes de la llegada del viento llamado Amnesia.
9 octubre, 2020
DUSTCELL: el duo animado japonés que la rompe al estilo VOCALOID
🖌 Sabemos que les encantan nuestras notas musicales sobre Japón. Por eso ahora les traemos a DUSTCELL, un grupo nipón que ya está dando de qué hablar en la escena «otaku» alternativa de occidente.
🎧 Cómo muchos artistas asociados a la escena independiente, existe aún poca información de rigor periodístico sobre este grupo. No obstante, gracias a WIKI FANDOM compilamos los datos básicos para armar la biodata de esta interesante propuesta musica 🌸:
Izquierda a derecha: Misumi y EMA, miembros de DUSTCELL
—DUSTCELL es un dúo musical japonés compuesto por EMA, una vocalista capaz de cantar y rapear al mismo estilo impresionante que las idols de k-pop, pero sin perder el toque kawaii japonés; y Misumi, un productor musical que a menudo crea canciones con cantantes de VOCALOID. Ambos han firmado bajo el sello de KAMITSUBAKI STUDIO, con quien hicieron su debut en YouTube el 11 de octubre de 2019.
—Como suele pasar con artistas que, al iniciar sus carreras, poseen una propuesta musical y un nombre artístico que los identifica, surgieron en las redes comentarios críticos y preocupados en torno al rumbo que tomaba EMA al firmar como parte de un proyecto a dúo del mencionado estudio. En respuesta a esto, la cantante tuiteó el 21 de octubre de 2019 una declaración expresando que se unió a KAMITSUBAKI STUDIO por su propia cuenta porque ahora está donde quiere estar: comenzando de nuevo en la escena musical como EMA de DUSTCELL junto a Misumi y creando la música que tanto ama.
—DUSTCELL lanzó su primer álbum completo「SUMMIT」el 20 de mayo de 2020, disponible ahora en Youtube Music y Spotify.

Video promocional del primer álbum de DUSTCELL
—El estilo musical de esta banda es bastante ecléptico; no obstante, destacan por el uso del dubstep, género musical derivado del bass que surgió a finales de los años 90 y comienzos de los 2000 en Londres (Inglaterra); el trap, subgénero del rap también noventero, y notas electrónicas contemporáneas que nos recuerdan o conectan con el estilo de djs como el recordado Avicii y el conocido Dj “otaku” Porter Robinson. Asimismo, la estética de sus videoclips juega de manera lúdica con el diseño 2D, sobre todo para la elaboración de los personajes “anime”, y el 3D, utilizado especialmente para la creación de escenarios que nos recuerdan la atmósfera de videojuegos “retro” en primera persona como Half-life o Counter Strike, aunque claro, con una temática más orientada hacia lo histórico, lo fantástico y el ciberpunk japonés.
***DATO CURIOSO***
DUSTCELL trabajó con Ramdaram, ilustrador y animador coreano independiente que también la está rompiendo en occidente, para su single “SOPPY”:

📝REDES SOCIALES (y otros medios de contacto):
DUSTCELL – Canal de YouTube
@dust_cell – Cuenta oficial de Twitter
E MA – Canal de YouTube
@ eumza1 – Cuenta oficial de Twitter
Misumi – Canal de YouTube
@zeitms – Cuenta oficial de Twitter
25 septiembre, 2020
¿Conexión o Conectividad?: «Sarazanmai»
👾 ¿Mala conexión? ¡Esperemos que no porque el día de hoy #GISugoi te recomienda Sarazanmai!
✔️ Anime de 11 capítulos creado por Kunihiko Ikuhara en el 2019, sigue la historia de Kazuki, Toi y Enta, jóvenes de 14 años que se sienten desarraigados y tienen una difícil relación con quienes los rodean. Tras destruir accidentalmente una estatua, se ven transformados en kappas para salvar a la ciudad de zombies que son enviados por el Imperio Nutria. Uno de los puntos más llamativos de la trama es cómo la serie propone una “interconexión” en distintos niveles: en la interacción con otras personas; en la interacción entre los objetos, habitantes y espacios que coexisten en la ciudad; y en las interacciones que se realizan en la misma red o Internet.
La “interconexión” entre personas es planteada en la serie a partir del grado de cercanía, confianza y honestidad que se establece con familiares y amigos. En este sentido el caso de los protagonistas es emblemático, ya que ninguno es honesto con la persona que más ama, y de ser conocidos sus secretos, sería motivo de vergüenza y estigma. Cuando ellos establecen una “interconexión” con la ciudad, sus espacios y objetos -por ejemplo, cuando interactúan con Keppi, el príncipe kappa que habitaba dentro de una estatua en la ciudad, o cuando luchan contra los zombies que tienen una “fijación” sobre determinados objetos de la ciudad y los roban-, logran cuestionar sus decisiones, así como replantearse el por qué guardan determinados secretos, y el origen de sus traumas. Esta información que ellos desean mantener oculta es revelada a los coprotagonistas a partir de un “leak” de la información, una filtración de datos que se realiza a través de la conexión que se establece entre ellos cuando derrotan a un zombie. Esto último provoca una última “interconexión” que se presenta con un lenguaje y metáforas que hacen referencia al Internet.
Finalmente, Sarazanmai expone la importancia de aceptar los deseos (por más bienintencionados o “fuera de lo normal” que estos sean) y saber comunicarlos a los otros para que estos no sean llevados a cabo de forma egoísta. Una vez logrado eso es que las acciones que los personajes realicen pueden ser guiadas por el amor, lo cual permitirá a los protagonistas establecer, por fin, relaciones estables y sinceras con quienes los rodean.

Si deseas saber más sobre la serie te recomendamos:
La obra previa de Ikuhara y Sarazanmai como serie anti-capitalista: https://www.animenewsnetwork.com/review/sarazanmai/.150317
Sarazanmai y la búsqueda del deseo como parte de la vida: www.asianews.eu/content/feature-japan%E2%80%99s-%E2%80%98sarazanmai%E2%80%99-shows-life-about-having-desire-97601
18 septiembre, 2020