Durante los pasados días 22 y 23 de marzo en Japón, se llevó a cabo una nueva edición del evento AnimeJapan, siendo este el primero de los grandes eventos dedicados a la cultura del manga y anime, y en donde los más destacados estudios y creadores presentan la gran mayoría de sus nuevos proyectos para el resto del año.
Así que acompáñenos nuevamente a descubrir algunos de sus anuncios más importantes, y averigüemos cuales de ellos serán los más comentados durante el resto del año.
Los kaijus arrasan en el AnimeJapan
Uno de los primeros grandes anuncios del AnimeJapan 2025 corresponde a uno de los shonen más ambiciosos de los últimos años, la serie Kaiju N°8 que presentó un nuevo avance de su segunda temporada próxima a ser lanzada en julio de este año. Además, en su panel se promocionó la película recopilatoria de su primera temporada, anunciando que próximamente estará disponible en varios cines internacionales (en Perú por ejemplo llegará este 10 de abril).
Emociones de fin de año en la temporada de verano
La popular saga dramática Seishun Buta Yarou también dio que hablar durante el AnimeJapan, especialmente con las noticias previas sobre adaptar al c0mpleto el Arco de la Universidad de sus novelas para el futuro cercano. Con este precedente, en el evento se lanzó el primer tráiler de Rascal Does Not Dream of Santa Claus que llegará este próximo mes de julio, y marcará lo que será el inicio del último arco argumental de la franquicia.
¿El AnimeJapan es tomado por los villanos de Disney?
La siempre controvertida compañía del ratón también tuvo unas sorpresas para oriente, en la forma del primer avance de la adaptación anime de su videojuego Twisted Wonderland, donde sus famosos villanos son figuras clave. El proyecto ha sido planeado para tener tres temporadas en total, y la primera de estas llegará oficialmente este mes de octubre exclusivamente para el servicio de streaming de Disney Plus.
El pibe motosierra regresa con fuerza
El segundo día del AnimeJapan arrancó con fuerza gracias al panel dedicado a Chainsaw Man y su próxima película, que tras más de un año desde su último anuncio oficial presentó su primer tráiler completo y su fecha de estreno para Japón este 19 de septiembre. Más recientemente, gracias a Sony Entertainment y Crunchyroll, se confirmó que Chainsaw Man: Reze Arc será exportada internacionalmente llegando este 30 de octubre a cines peruanos.
Una sorpresa con mucho estilo
Días antes de la realización del AnimeJapan de este año, el último capítulo del manga romcom My Dress-Up Darling fue lanzado y su creador pidió que estuviesen atentos a cualquier plan a futuro de su adaptación al anime, la cual llevaba más de 2 años sin novedades. Para sorpresa de todos, esos planes se revelaron en su panel de la convención con un avance que fecha su estreno para julio de este año y una retransmisión de su primera temporada en la televisión japonesa a partir de este 11 de abril.
El regreso a este instituto de alta gama
Con un poco más de misterio por el momento, el panel dedicado a la franquicia de Classroom of the Elite celebró las más de 9.5 millones de copias de sus novelas originales actualmente en circulación con el primer teaser de su próxima cuarta temporada anime, en la cual además de presentar a nuevos personajes y se marcará el inicio del Arco del Segundo Año visto en las novelas.
Las dragonas favoritas de todos regresan este año
La renacida desde sus cenizas Kyoto Animation fue de los últimos estudios en presentar sus proyectos durante el AnimeJapan 2025, y el más comentado de estos fue sin duda la más reciente película secuela de Kobayashi-san Chi no Maid Dragon. Un nuevo avance especial de esta película fue presentado en su respectivo panel, confirmando su estreno para este 27 de junio y ofreciendo la posibilidad de ver una nueva temporada para su popular adaptación anime que lleva años inactiva pero no olvidada.
Obviamente hubo muchas otras grandes noticias durante esta edición del AnimeJapan, mas una buena parte de ellas ya tuvieron aparición durante otros eventos anteriores. Si desean saber más de ellos, los invito a ver la cobertura que se hizo al Jump Festa 2025 realizado a finales de diciembre del año pasado, o de la edición anterior del que será el próximo evento anime de este año, el Anime Expo.
Oscilando entre realidad y ficción, los creepy pastas de internet despiertan la duda de, ¿será cierto? A veces optamos por creer que lo son, pues es más divertido e interesante. Lo sucedido con Go for a punch, es un claro ejemplo de esto, un anime que quiere ser real.
En 2015, en el foro /x/ de 4chan un anónimo respondía a la pregunta de qué era lo peor que había visto en la deep web, y su descripción desató una tormenta que, aunque con menos intensidad, sigue activa hasta el día de hoy. Aquí un resumen:
Un grupo de chicas desnudas se encuentra en un baño cerrado, sin puertas o ventanas por donde puedan escapar. Mientras debaten la posibilidad de jamás salir de ahí, van perdiendo la razón hasta el punto de acabar con sus vidas debido a la desesperación y el hambre. Las maneras en que lo hacen van desde ahogamiento (donde una convence a otra de hacerlo en un lavabo), azotar la cabeza contra las paredes, hasta arrancarse trozos de carne del cuello con las uñas de las manos.
Post original de Go for a punch
El usuario comentó que el título era algo algo como“Go for a punch”, con una duración de media hora y una calidad que delataba su digitalización desde un VHS. La gente explotó para cuestionarle por más detalles, entre los que agregó ojos al estilo Miyazaki, que todas eran dibujadas con cabellos negros y espesos, excepto una que lo llevaba largo y blanco; igual agregó que lo vio en el 2011.
Siempre en 4chan, ese mismo año, pero en /a/ (anime y manga), otro usuario afirmaba conocer un OVA con características similares llamado Saki sanobashi, obteniendo así su otro nombre en japonés. De acá empieza la cruzada, con algunos hurgando entre la lista de viejos animes, y otros zambulléndose en la deep web en busca de respuestas.
Las respuestas
La incansable búsqueda por probar su existencia ha estado llena de altibajos. Y justo cuando varios se rinden, surge algo que reaviva la llama.
Junto a videos con enlaces borrados, al público se le ha engañado con montajes de fans que dicen ser imágenes extraídas del anime, siendo una de la más famosas la de la protagonista de Go for a Punch, que en realidad es el fotograma editado de otro anime.
También hubo teorías sobre el autor, debatiendo entre quién hizo la versión animada, o la de manga (un apartado menos mencionado, pero sí considerado en la búsqueda).
Hiroshi Harada, quien animó “Midori, la niña de las camelias”, fue quizás el nombre más conocido en el aspecto animado, siendo el candidato «Eternal paradise», un viejo proyecto suyo que se creía la anhelada respuesta, lo cual fue descartado después.
Shintaro Kago, con su manga «Brain damage», ha sido el más sonado del lado del manga, obviamente también fue desechado.
Estas especulaciones de los parecidos, teorías, y la decepción de descubrir que cada registro es una falsa alarma más, se fue dando en los foros de reddit de Saki sanobashi, donde aparecería una nueva polémica.
Desmintiendo el origen de todo
Cuatro años después, SakiSanobashiOP, un usuario de reddit, autoproclamado el autor del post que originó todo en 4chan, publicó que todo fue una farsa, una creepy pasta que se inventó esperando las diversas respuestas de los usuarios de la deep web y los curiosos.
La comunidad se partió entre los que aceptaron que estaban buscando un unicornio, y los que se negaron, llegando a entrevistar a SakiSanobashiOP para desmentir su confesión y sustentar que la búsqueda de Go for a punch estaba justificada, que estaba ahí afuera y nomás no habían tenido suerte.
Este intento desesperado de mantener a flote la expedición se reforzó con el descubrimiento de un metraje perdido.
The Lady in a sea of blood
Hasta el 2019, “The Lady in a sea of blood”, era un rumor más de internet como Saki Sanobashi. Este corto de bajo presupuesto sobre una mujer que termina cubierta de sangre en un baño mientras pierde la cordura, se consideraba una leyenda… Hasta que una copia probó su existencia.
De la página TwistedAnger, especializada en metrajes raros, y de donde apareció la copia de “The Lady in a sea of blood”, un usuario con un supuesto buscador especializado que arrojaba resultados no indexados en internet, se ofreció a contribuir a la cruzada de Saki Sanobashi.
Los resultados que proporcionó, nuevamente eran enlaces borrados o inaccesibles (y uno no relacionado). A pesar de que uno de dichos enlaces dio a muchos la esperanza de que sí existía el anime, también fue desmentido, pues las fechas entre la creación de la publicación y la creación de la plataforma donde se alojaba el video, no coincidían.
Si a esto se le suma la vaguedad del “investigador” en tanto a su software, cómo hizo las búsquedas y que convenientemente hackearon su usuario después de soltar la bomba, no queda duda de que era alguien aprovechando la situación para fastidiar gente.
¿Existe Go for a punch?
Como se dijo al inicio, creepy pastas y leyendas urbanas nos plantean la pregunta de si será cierto, y la búsqueda por Go for a Punch, demuestra que en algún momento, todos queremos creer, la diferencia radica en cuántas pruebas necesitamos para decidir lo contrario.
Si bien “The Lady in a sea of blood” rompió su maleficio, Go for a punch no ha gozado de esta suerte, y ha decantado más por el lado de la mentira, acompañado de aquéllos que no pierden la oportunidad de jugar con quienes aún creen que este anime es real.
Y quién sabe, igual y en unos años tenemos la sorpresa, y quienes conservaron la fe encuentran la aguja en el pajar. Por mientras, queda lo producido por los mismos fans de esta leyenda, que no solo se limita al fanart, dado que existe un juego para PC hecho en honor a esta historia.
Hoy jueves 11 de enero se estrena en Perú El Niño y la Garza y este artículo (con spoilers) es un análisis de la película, que pretende explicar algunos pequeños detalles. La obra, como darás cuenta, es una obra de arte y cuenta con el prestigio de toda película de Studio Ghibli. Además, vendría bien mencionar que ha sido la reciente ganadora de la Mejor Película Animada en los Globos de Oro. Para quienes han visto la película y para quiénes no, solo te comento brevemente que la trama gira al estilo de La tumba de las luciérnagas (1988). Japón está en medio de una guerra y, de repente, es atacado por un incendio a gran escala que se asemeja a un ataque aéreo. El protagonista, Mahito, corre buscando a su madre y esto augura la esencia de la película entre el trauma y la superación del duelo.
«El viento se levanta, hay que intentar vivir«
El Niño y la Garza
Mahito y dos referencias literarias[El spoiler comienza ahora]
Lo primero que se comenta mucho en redes sociales es el título original: ¿Cómo vives? [君たちはどう生きるか], título que es un directo (y muy sutil) homenaje a la novela de Genzaburo Yoshino de 1937. Aún así lo que marca huella es el hermoso viaje a la fantasía que remite al Libro de las cosas perdidas de John Connolly, libro favorito de Miyazaki y publicado en el 2018. Y es que quizás influenciado por la conmoción y la tristeza de perder a su madre, el mundo «real» que rodea a Mahito gradualmente se ve erosionado por la «irrealidad».
La Garza, aosagibi y yokai
En el viaje a la fantasía, la Garza desempeña un papel importante como puente entre ambos mundos. Quiero empezar comentando sobre este ser, un personaje misterioso e interruptivo que asocio al Aosagibi o garza azul. En el folclor japonés, la tonalidad azul de las garzas es parte de las creencias de que estas, al adquirir una mayor edad, se transforman en ese color y volverse yokai. Se las suele observar y su presencia, se dice, es peligrosa para el humano. Su aliento contenido de bolas de fuego ha sido objeto de miedo y de aseveraciones desde el período Edo hasta el Meiji. Incluso su representación más conocida es el retrato Garza Nocturna de Ohara Koson en 1910. La curiosidad por este mágico ser o yokai, no es novedad en Japón y justifica su prensencia como entidad del otro mundo. Por esa razón, la garza de la película de Miyazaki tiene que ver tanto con la invitación al otro mundo como con la representación de los deseos de Mahito. La Garza o Aosagibi le tienta a Mahito contándole sus deseos secretos y lo invita al infierno. Ese, se podría, decir es el truco del diablo. Hay una escena en la que, efectivamente, se dice que estas aves son mentirosas.
Garza Nocturna de Ohara Koson (1910)
Una garza real me dijo una vez que todas las garzas reales son mentirosas. Entonces, ¿es eso verdad o mentira?
El Niño y la Garza
El travesía de Mahito por la fantasía
En El Niño y la Garza, la garza azul desempeña el papel del pájaro de fuego o aosagibi. Ahora bien, el viaje fantástico que realiza junto a Mahito es el siguiente:
«Realidad» → «El mundo de los pelícanos y los periquitos» → «Paraíso» → «El mundo del tío abuelo» → «Realidad» →
La garza azul o aosagibi, como dije antes, capta los deseos internos de Mahito y hace declaraciones sobre su madre en base a eso. También ve a través de sus mentiras, sus malicia internas y lo acusa. Por eso, el viaje que emprende Mahito con la Garza implica no solo reconciliarse con la vida y volver a la realidad, sino expiar la malicia que yace interiormente de él. La garza real es una existencia que no está sujeta a las reglas de ningún mundo y puede interpretarse como un narrador que conecta todos los mundos que existen.
La primera aparición de la garza
La malicia de Mahito
Detengámonos ahora en la herida de Mahito. La autolesión de Mahito intenta mostrarle a quienes le rodean las cicatrices emocionales que siente, en especial, a su padre y a Natsuko. Su padre no se da cuenta de nada, pero Natsuko se da cuenta y termina culpándose a sí misma, diciendo: «Es mi culpa». Es un acto de malicia lo que hace Mahito porque busca culpar al resto de su dolor. Debido a esto, Natsuko es expulsada de su casa y se va a otro mundo. La aventura de Mahito es, por tanto , una aventura en la que repara la malicia que ha esparcido.
El mundo real está «arriba» y el otro mundo fantástico está «abajo». Mientras Mahito continúa cayendo, llega al mundo del mar que se convierte en su primera parada. Por su descenso y surrealismo, «el mundo del mar» recuerda el mundo de los sueños de Alicia. Este mundo se describe como «un mundo de vida y muerte», un lugar donde la muerte termina y la vida comienza y un mundo donde la vida y la muerte se integran armoniosamente. Si la Garza representa sus deseos, el mundo del mar sigue esa línea y responde a la metáfora de ser la conciencia de Mahito. Determinada por el descenso, ese mundo alberga su psicología profunda.
“Fecemi la divina potestate”: el descenso al infierno
El viaje de Mahito es la oportunidad para viajar por su conciencia, pero este mundo representado que pretende castigar su malicia es el infierno también. Pensemos en la escena en la que él se aproxima a la torre. Hay una hermosa puerta a la entrada de la torre por donde atraviesa Mahito y en ella dice:“«Giustizia mosse il mio alto Fattore / fecemi la divina potestate / la somma sapïenza e l’primo amore» (La justicia movió a mi alto Hacedor / me hizo la divina potestad / la suma sabiduría y el primer amor).” Esta pertenece a la Divina Comedia, la cual refiere cómo Dante es guiado por el antiguo poeta romano Virgilio a las profundidades del infierno. Si lo comparamos, el mundo del mar no tiene parangón con el infierno de la Divina Comedia, pero así como Dante fue en búsqueda de Beatriz asimismo Mahito va en búsqueda de Natsuko. Los pelícanos y periquitos pueden ser crueles, pero oscilan en lo tierno o gracioso, por tanto, mantiene la belleza de la fantasía sin descuidar la moraleja.
Lado izquierdo: la inscripcion en italiano que pertenece a la Divina Comedia.Lado derecho: la inscripción en japonés que pertenece a Qi Baishi
En este mundo donde se mezclan la vida y la muerte, las referencias y las citas no se acaban. El lugar especialmente fuerte es el cementerio. En la puerta hay una inscripción que dice : «La muerte son de los que aprenden».「ワレヲ學ブ者ハ死ス」Se señala así la necesidad de aprender y de morir al hacerlo. Esta frase asimismo se basa en una frase de Qi Baishi, un pintor y calígrafo chino nacido en 1864 y dice así: «Aprende mientras vivo, como yo mismo mientras muero «. Aosagibi, muchas veces comparado con un ave fénix tal vez sea el síntoma de la transformación del protagonista. El niño literalmente también está ardiendo en llamas. Su obsesión por la muerte de su madre lo ha llenado de sombras, por lo que morir es una acción inminente y una lección. Morir para vivir o aprender a morir…siempre para nacer de nuevo.
Para Mahito la «muerte» es inseparable de la «guerra» en esta época. Las imágenes de su madre ardiendo en fuego es una constante de la muerte, así como de la guerra que vive Japón. No hay imágenes de soldados en la lucha ni de aviones bombardeando, pero sí de una sirena que aturde los oídos de Mahito hasta llegar a su alma. El mundo del mar, la fantasía y conciencia de Mahito también no escapa a la guerra. Se puede decir que en ese mundo la guerra está simbolizada por la tumba de piedra. Esta representa la «malicia» y una «maldición» para aquellos que se sumerjan en ella como Mahito. Parece decirnos que adentranse en la muerte no trae nada bueno. En ese sentido, la idea es no intentar aprender sobre la muerte por ser catastrófico. Sin embargo, la visión de Miyazaki sobre la muerte es aferrarse a la vida. Pongamos un contraste: los pelícanos se aproximan a la muerte; los walla walla, en cambio, mueren y renacen. Son dos visiones de vivir, también dos pensamientos filosóficos o espirituales. No existen ni buenos ni malos, solo diferentes. La forma en que vuelan los pelícanos es concreta y racional. La forma en que vuela el walla walla es, en cambio, misteriosa; además de que pueden renacer. Cristianismo y budismo se ejemplifican como religiones, pero ¿Qué tipo de vida es la que busca Mahito? Al final, Mahito solo busca vivir. Y es suficiente.
Los pelícanos y walla walla: dos visiones distintas del mundo
Mahito, que ha sufrido una pérdida en el mundo real y es incapaz de reconciliarse con su familia , deambula hacia otro mundo, emprende una misteriosa aventura y regresa. El tiene que aprender a vivir y a expiar su malicia. También tiene que aprender a amar a su familia. Recordemos que, incluso después de ir a ese mundo fantástico, todavía se refiere a Natsuko como «la persona que le gusta a mi padre» y no se refiere a ella como parte de su familia. Mahito tiene que curar sus heridas y curar sus heridas significa regresar a la sociedad, desde lo más simple que es regresar a la escuela a lo más complejo que es aceptar a Natsuko. En el momento que él dijo: «¡mamá Natsuko!»,reconoció a Natsuko y a su nuevo hijo como familia por primera vez. Y así, se puede decir que aprendió a vivir.
Como dice al final de la película: «¡Hay que intentar vivir!»
En 1988, la película Akira de Katsuhiro Otomo golpeó como una bomba cultural en los cines y lo sigue haciendo hasta ahora para un nuevo público que se anima a verla. Su trama es, para muchos, la expresión sincera del ciberpunk japonés, con el lema “high tech, low life” que se fagocita en un Tokio postapocalíptico, plagado de pandillas de motociclistas y un gobierno misterioso. Por esa razón, te invito a hacer memoria sobre este clásico y, de pasada, a reparar en su encomiable manga para analizar su arquitectura y relacionarla con temas como la rebeldía, opresión del sistema y búsqueda espiritual.
«Llegará en día en el que nosotros también seremos. Ese día no ha llegado».
Akira (1988)
Neo-Tokio: ciudad metabólica
Como sabrás, Neo-tokio es una ciudad ciberpunk. Lo interesante es que su desarrollo urbano está condicionado por la verticalidad. Proliferan los rascacielos y estos grandes bloques arquitectónicos se conectan a través de puentes, pasadizos elevados y estructuras aterrazadas. Es, en su conjunto, símbolo de progreso, el capitalismo y las corporaciones, o como diría Cho (2011) una “arquitectura moderna de triunfo”.Este tipo de arquitectura se relaciona con el Movimiento Metabolista, una corriente arquitectónica que imagina una ciudad horizontal en expansión, compuesta de estructuras gigantes y verticales. Se puede decir que la arquitectura metabólica presenta a la ciudad como una corporeidad que se extiende a la par del capitalismo. La visión crítica del ciberpunk precisamente es criticar esa expansión y los personajes de Akira participan de eso a través de su rebeldía.
Opresión vertical
En la distopía de la ciudad, las jerarquías sociales y la marginalidad conviven bajo una idea de falsa igualdad. Pensemos en las grandes autopistas que conectan la ciudad de Neo-tokio: dan la impresión democrática de que conecta lugares y personas, dan la impresión de modernidad para una ciudad. Y en medio de ese torrente de progreso vemos jóvenes como Tetsuo y Kaneda que, con su pandilla “Las cápsulas”, exhiben su poder a la velocidad de las motocicletas. Son los rebeldes sin causa, los James Dean japoneses que retan a la autoridad con procacidad. Y sin embargo, la pregunta cae por sí sola, ¿en realidad tienen tal poder? En realidad, no. Las pandillas como «Las cápsulas» o «Los payasos» se empoderan gracias a su rebeldía, pero eso no impide que sean absorbidas por la megalópolis. Si observamos el manga nos daremos cuenta de que lo minúsculo que llegan a ser los motociclistas frente a los rascacielos. Sobre esa diferencia abismal es que se construye una opresión vertical de la infraestructura sobre el individuo. En la figura 1, los paneles dan cuenta de la ciudad como inmensa y devoradora de la invidualidad.
Figura 1: al lado izquierdo, un diminuto Kaneda camina frente a los inmensos rascacielos destruidos en una imagen desoladora. Al lado derecho, los motociclistas de Las píldoras se perciben minúsculos comparados con los rascacielos.
La arquitectura de Neo-Tokio no es una estructura de liberación, sino una estructura de opresión ejercida por el capitalismo (Scavnicky, 2021). Pensemos en otro ejemplo.En la figura 2, Tetsuo se yergue sobre un edificio derruido y su postura demuestra control sobre la ciudad. Su poder es concluyente, pues al desarrollar poderes psíquicos se convierte en una “amenaza de violencia física” como reacción contra la acción policial (Riessland, 2013, 202-203). Dicho de otro modo, Tetsuo logra subvertir su marginalidad de pandillero gracias a su poder y con eso se apropia de la ciudad. Esto lo diferencia de Kaneda, quien camina sobre la ciudad destruida con apariencia inestable, caótica y completamente asustadiza. Hay una diferencia notorio en la composición de cada uno, pero sobre ambos se plasma un posicionamiento sobre la ciudad. Una conquista posterior a la opresión.
Figura 2: en el extremo izquierdo, Tetsuo se yergue sobre el edificio. Kaneda, en cambio, se yerque sobre los escombros inestables de los edificios al medio y al etremo derecho
Opresión geométrica
No solo la verticalidad, la opresión de la ciudad futurística de Neo-Tokio se expresa en la geometría de los espacios interiores. Proliferan los pisos de losetas cuadradas como en la figura 3, así como los muebles simétricos y techos cuadriculados en otros panles. Estos elementos transmiten, en su conjunto, la sensación de asfixia y limitación para el individuo. Pero los espacios geométricos alcanzan no solo a las estructuras laicas, sino también a las religiosas. El templo sintoísta regido por Miyako sama tiene una estructura alejada del entorno natural, desprovista de jardines y espacios naturales. Mientras que en la figura 4 podemos observar sus pisos anquilosados de cuadros, en la figura 5 vemos un contraste fatal: un templo tradicional en ruinas detrás de una templo contemporáneo de estructuras geométricas que ponen enfásis nuevamente a la verticalidad. La sociedad distópica de Neo-Tokio exhibe debajo de sus pomposas estructuras la pérdida de la espiritualidad, del sentido de la vida. La opresión del capitalismo corporativo termina por aniquilar la existencia.
Figura 3: el piso plagado de losetas cuadradas.
Figura 5: estructura del templo sintoísta derrumbado y atrás de él otro templo imponiéndose
Figura 4: la arquitectura geométrica del templo sintoísta, con abundancia de cuadros en los techos y muros
La arquitectura de Akira refleja los códigos de una sociedad alejada de lo espiritual. Santiago Beruete señala: “La geometría brinda un refugio perdurable a las personas que se sienten olvidadas de los dioses y de los hombres, desengañadas del mundo y en conflicto consigo mismas, al mismo tiempo exiliadas de un pasado glorioso” (2016, 35). Pensemos otra vez en las referencias religiosas de Akira. Un ejemplo bastante sutil es la figura 6: una estructura arquitectónica que refleja los rayos del sol propios de la diosa Amateratsu, rayos que además iluminan a Kaneda de forma particular, muy similar a la figura 7. En cambio, la sede de Naciones Unidas tiene una estructura de hexágonos que en el budismo indica equilibrio y unión de contrarios. Recordemos que es el lugar desde donde se estudia el problema, aunque sin una resolución favorable.
Podemos decir que los ciudadanos de Neo-Tokio, debido a las circunstancias que viven en la ciudad distópica, poseen un vacío espiritual que intentan llenar sin éxito con el progreso. El resultado es infructuoso y ni la religión puede salvarlos, pues se retrata lo religioso como un artilugio más del capitalismo. La religión se ve contaminada por el sistema neoliberal y su destrucción es igual de inevitable.
Figura 6: a la izquierda se puede apreciar a Kaneda en un fondo luminoso que remiten a los rayos del sol, a la derecha la sede las Naciones Unidas y su estructura hexagonal Figura 7: la arquitectura que refleja el sol abre paso a la experiencia mística de Kaneda, quien logra ver un sol gigantesco y las olas alrededor.
Destrucción diagonal
Frente a la opresión sucede la destrucción y así nos encontramos igualmente con la destrucción diagonal. Cuando Neo-Tokio colapsa a manos de Akira, la arquitectura lo hace de formas interesantes. En la figura 8 observamos cómo los rascacielos se derrumban en inclinación diagonal. Dicha destrucción representa la más grande catástrofe de la ciudad y, cual apocalipsis mileniarista, conjuga la destrucción con la inundación del mar y la presencia de grandes nubes. La destrucción de los edificios se convierte así en los mejores paneles del manga.
Figura 8: la destrucción de Neo-Tokio es diagonal y asó corresponde con la caída de edificios
Parece ser que lo diagonal cobra relevancia y nuevamente tintes espirituales. En el sintoísmo lo diagonal significa ascender a lo divino. Por ejemplo, en la arquitectura sintoísta, para acceder al templo que era el centro, el camino no debía ser lineal sino diagonal o sinuoso, representa una peripecia para el hombre en su camino a la espiritualidad.
Podemos decir finalmente que la destrucción de Neo-Tokio tiene así matices religiosos porque combina la purificación del agua y la orientación diagonal de la luz que marcan, sin duda, el ascenso divino. En esa línea, nótese la luz circular en la figura 9. En el budismo zen, el círculo simboliza lo infinito contenido en la perfección de la armonía. La destrucción ha sucedido ya en Neo-Tokio y ahora se espera de ella su renacimiento.
Figura 9: tras la catástrofe, la luz del cielo da paso a lo que sería el renacimiento de la ciudad. La atmósfera mística impregna así los destinos de los protagonistas y habitantes de Neo-Tokio
Bibliografía
Beruete, Santiago. (2016). Jardinosofía. Historia filosófica de los jardines, 1ª edición.Turner: Madrid.
Cho, Hyunjung (2011). Competing Futures: War Narrativesin Postwar Japanese Architecture 1945-1970.
Johnson, Craig y Tulloch, Rowan (2017). “Videogames and dystopia: total cities, post-cities and the political unconscious”, Journal of Gaming & Virtual Worlds, 9(3), pp. 243-256.
Riessland, Andreas (2013).The Public Perception of the Bōsōzoku in Japan. 『人類学研究所 研究論集』
Santos, Antonio (2019). Tierras de ningún lugar. Distopía y cine, Cátedra.
Scavnicky, Ryan (2021).Cyberpunk 2077 es una crítica de arquitectura sin nada que decir.The Architect’s Newspaper. https://www.archpaper.com/2021/01/cyberpunk-2077-is-an-architecture-critique-with-nothing-to-say/
El final de la década de los 70s marcó el fin de una etapa en la sociedad peruana. Tras 12 años de revoluciones y retrocesos, la dictadura militar llegaba a su fin. Al mismo tiempo, en la televisión peruana se producían otros grandes cambios. El color empezaba a reemplazar al blanco y negro y los canales dejaban de estar en manos del gobierno militar para volver a sus legítimos dueños. En ese contexto, la TV local estrenó unos animes de corte dramático protagonizados por niños. Nos referimos a las series Marco y Remi.
Marco
Haha wo Tazunete Sanzenri (10 mil leguas en busca de mamá) fue el título de la serie televisiva de anime que el canal Fuji TV estrenó en Japón en enero de 1976. Producida por Nippon Animation y dirigida por Isao Takahata, Haha o Tazunete Sanzenri (titulada en muchos países como Marco) narraba la historia de un niño italiano que debe viajar solo hacia Argentina para encontrar a su madre, la cual había partido hasta esas lejanas tierras en busca de mejores oportunidades para ayudar a su familia.
La serie de 52 episodios estaba basada en el relato Marco de Los Apeninos a los Andes, el cual forma parte de la mundialmente famosa novela Corazón (Cuore,1886) del escritor italiano Edmundo de Amicis.
El origen literario de Marco no era sorprendente para una serie de anime, pues formaba parte del sello World Masterpiece Theater ( Teatro mundial de obras maestras) un conjunto de series producidas por Nippon Animation basadas generalmente en relatos de la literatura mundial para niños y jóvenes. Entre esas series se encuentran animes como Las Aventuras de Tom Sawyer, Mujercitas o La Novicia Rebelde. ( estas últimas emitidas en nuestra TV de señal abierta)
Marco fue un éxito en la televisión mundial, la serie llegó a España donde fue doblada y emitida en 1977. Posteriormente fue doblada para Latinoamérica en Mexico con recordados actores de doblaje. Un hecho curioso es que el opening interpretado para el doblaje español por el niño José María López Pascual se mantuvo en la versión latina.
En el Perú la transmisión de Marco fue especial por varios motivos: horario, frecuencia de emisión y su repercusión más allá de lo televisivo. Panamericana Televisión (Canal 5) la estrenó el domingo 08 de abril de 1979 en el horario prime time de las 6:30 pm (al parecer, ese día se emitieron juntos los dos primeros episodios). Nada de emisiones de lunes a viernes o de horarios de mañana en el fin de semana. Marco se estrenó en el Perú con el respeto propio de una gran obra en dibujos animados.
Tras ese día de estreno, cada domingo a las 7 pm las familias se sentaban frente a los enormes televisores (muchos en blanco y negro) a seguir las aventuras y desventuras del pequeño Marco Rossi, ejemplo de valentía y amor filial.
Diario OJO 08 de abril 1979, nota y programación señalando el debut de Marco
A partir de setiembre de 1979 se empezaron a emitir dos episodios seguidos cada domingo (primero a las 6:30, luego a las 6:00 pm) hasta que la serie llegó a su episodio final el último domingo de aquel año, el 30 de diciembre del 1979. Una semana antes el 23 de diciembre se transmitió el famoso penúltimo episodio de la serie en el cual se produce el encuentro más esperado. Tiempos navideños, nos podemos imaginar las reacciones de las familias que vieron la emotiva escena. Como si hubiera sido calculado por Canal 5, ese episodio fue repetido la siguiente semana para acompañar el episodio final el domingo 30. Se acababa el año y Marco llegaba a su fin.
El fenómeno de Marco se vió reflejado en la mercadería asociada aparecida tanto en juguetes como en material impreso. Además Marco aparecía en medios y publicidades alejadas para otros dibujos animados: cancioneros, secciones políticas, etc. Incluso Marco dejó frases que quedaron marcadas en el habla popular: «Está mas perdido que la mamá de Marco(s)»
Diario Expreso 21 de diciembre de 1979, anunciando la emisión del antepenultimo y penultimo capitulo de Marco el domingo 23 y del penultimo (repeticion) y ultimo capitulo el domingo 30.Cancionero de Marco en la revista Teleguia y comercial de la tienda Hogar, 1979
No toque su televisor
A inicios de los 70s la televisión peruana contaba con 7 canales de televisión en la capital: Estos eran los canales 2, 4, 5, 7, 9 y 11 (Había también un pequeño canal 13 de corte educativo). Los principales canales eran América Televisión (Canal 4) y Panamericana Televisión (Canal 5). Este último se encontraba desarrollando producciones que estaban conquistando el mercado internacional como las telenovelas Simplemente Maria o Natacha.
Sin embargo, todo cambió cuando el gobierno militar «expropió» los canales de televisión en 1971. El pretexto fue evitar la influencia de la programación extranjera con sus ideas anti-revolucionarias y el influjo consumista de la televisión comercial.
¿El resultado? Para 1980 solamente sobrevivían 3 canales: América Televisión, Panamericana Televisión y TV Perú (Canal 7, el cual siempre estaba en manos del gobierno de turno). La televisión peruana si bien mantuvo o aumentó su programación nacional, perdió mucho de su competitividad y su crecimiento económico.
Paradojicamente, lo que no cambió fue la llegada de programas de la televisión extranjera: películas y series principalmente norteamericanas y dibujos animados entre los que se encontraba el anime japonés.
Remi
Comercial de Remi promocionando sus «imágenes tridimensionales», febrero de 1980
Ienakiko ( El niño sin hogar) fue una serie de anime estrenada en la cadena japonesa Nippon TV en octubre de 1976. Fue producida por TMS y Madhouse, contó con la dirección del legendario Osamu Dezaki y la música de Takeo Watanabe (el mismo de Candy Candy)
Conocida como Remi en esta y otras partes del mundo, la serie de 51 episodios estaba basada en la novela Sin Familia (Sans Familie, 1878) del autor francés Hector Malot. Al igual que el libro, el anime narra la historia de Remi, un niño campesino huérfano con talento para la música que es vendido y separado a la fuerza de su madre adoptiva para convertirse en un artista ambulante mientras recorre Francia. En el camino la tragedia y la adversidad lo perseguirán, pero siempre se repondrá para continuar la búsqueda de sus sueños, como le dice su mentor, el señor Vitalis: «Siempre adelante».
La serie con doblaje mexicano fue estrenada en varios países de Latinoamérica. En el caso de la televisión peruana, su estreno se produjo en enero de 1980 los sábados a las 7:30 pm a través del canal América Televisión (Canal 4). En las publicidades del canal, Remi era anunciado como «el primer dibujo animado tridimensional».
Sobre la tridimensionalidad de Remi esa característica se refiere sin duda al movimiento de los paisajes en los cuales los planos del fondo se movían en diferentes velocidades. A veces se agregaba unas figuras como luces de colores en primer plano que se movían en la dirección opuesta.
Programación de televisión con destacado de Remi, febrero 1980
Remi se emitió todos los sábados a razón de un episodio por semana hasta culminar su transmisión en febrero de 1981. A diferencia de Marco, su emisión no tuvo una repercusión similar.
¿Por qué la diferencia entre la recepción del público entre Remi y Marco? Ambas series eran animes dramáticos con niños protagonistas, incluso sus historias terminan siendo bastante parecidas ( Los objetivos de Remi al avanzar los capítulos se parecen cada vez más a los de Marco). Se emitieron en horario prime time a razón de una vez por semana ( Marco luego pasó a dos capítulos juntos por semana). Fueron bien publicitados. Entonces ¿Cuál fue la razón que Remi se despidiera sin mayor trascendencia mientras que Marco marcó el inicio de un boom en el anime transmitido en la TV local?
Una razón puede ser el día de transmisión y contra que programas competía cada anime. Mientras que Marco se transmitió los domingos y competía contra películas y series de Canal 4, Remi se transmitió los sábados donde tenía que competir con un monstruo del rating nacional en Canal 5: Trampolín a la Fama.
Tal vez le hubiera ido mejor a Remi si se hubiera programado los domingos por la tarde. Pero para 1980 ya Panamericana Televisión tenía listo el reemplazo para Marco los días domingo. Se trataba del anime Heidi.
Se nota la diferencia
La «toma» de los canales de televisión por parte del gobierno militar en 1971 resultó fatal para las emisoras pequeñas, solamente el Canal 4 y el Canal 5 (junto con el estatal Canal 7) lograron continuar en el aire.
En 1974 se crea Telecentro, una productora conjunta que decidía el contenido y la programación de los canales 4 y 5. Hasta 1980, cuando el gobierno militar llegó a su fin, Telecentro controló lo que se veía en los únicos canales comerciales sobrevivientes en ese entonces. Curiosamente, durante esos años estatistas, Canal 7 se convirtió en una emisora tan comercial que casi no se diferenciaba de la programación de los otros dos canales. Incluso fue el primer canal en transmitir a colores.
Durante la época de Telecentro, se produjo el paso de la televisión a blanco y negro a la televisión a color. Demoró varios años desde las primeras transmisiones a fines de los 70s como el mundial de Argentina 78. Para 1979 la guías de programación señalaban si el programa era a color o blanco y negro. Generalmente los programas a color eran extranjeros como por ejemplo los animes. Poco a poco los canales fueron adquiriendo los equipos para grabar y transmitir televisión a color. En 1979 se inicia la gran campaña de ventas de televisores a colores cuando ya era inminente el paso total al color.
El 28 de Julio de 1980 asume la presidencia Fernando Belaunde por segunda vez, la democracia regresa y los canales de televisión son devueltos a sus legítimos dueños. Al mismo tiempo la televisión nacional termina de pasar totalmente al color (excepto para aquellos programas antiguos grabados en blanco y negro)
Esa fecha también marca el fin de Telecentro. Durante su periodo el Canal 5 aprovechó mejor las oportunidades frente a Canal 4. El coordinar la programación de forma conjunta llevó a que no compitieran programas similares al mismo tiempo. Por ejemplo, Remi tuvo que ir los sábados para no chocar los domingos con Heidi.
Heidi
Nota de la revista Teleguia sobre Heidi, marzo 1980
Arupusu no shoujo Heidi (Heidi la niña de los Alpes) es una serie de 52 episodios estrenada en Japón por Fuji TV el 6 de enero de 1974. Producida por Nippon Animation,dirigida por Isao Takahata y basada en un libro infantil ( Heidi de la autora suiza Johanna Spyri, 1880) Heidi fue la antecesora directa del ciclo World Masterpiece Theater.
Heidi fue doblada y emitida en México a fines de los años 70s. En la televisión peruana Canal 5 la estrenó en febrero de 1980 los días domingo a las 6:30 pm convirtiéndose en el evidente reemplazo de Marco. A diferencia de su predecesor, solamente se emitía un episodio semanal por lo cual su transmisión se prolongó hasta el verano de 1981.
A pesar de todos sus méritos Heidi tampoco alcanzó la repercusión de Marco entre los televidentes nacionales.
También viene…
-Tras la finalización de su primera emisión en 1979, Marco fue repetido en distintos horarios durante las décadas de los 80s y 90s principalmente por Panamericana Televisión. En los 90s se emitió una versión con un nuevo doblaje latino que alteraba el nombre de varios personajes: su mono mascota pasa a llamarse Peppino, mientras que el señor Peppino se convierte en señor Pepe, en tanto que Fiorina cambia de nombre a Violeta.
– Caso contrario, tras el fin de su primera transmisión en 1981 Remi ya no volvió a ser repetido por America Television. Recién en 1990 volvió a ser emitido nada menos que por Panamericana Televisión en el horario de lunes a viernes por la tarde. Durante esa emisión la serie se repitió más de una vez por ello es más recordada que su transmisión original. Como dato curioso los comerciales televisivo de Canal 5 volvían a mencionar el aspecto de 3D de Remi mientras mostraban secuencias de la serie donde se mostraba los movimientos de fondos y luces delanteras.
– La programación de Panamericana Television de series de anime un día a la semana los domingos por la tarde/noche iniciada con Marco continuó durante inicios de los 80s. Tras Marco vino, como hemos visto, Heidi, y luego continuó Capitan Raimar (Capitan Harlock, Japón 1978-79). Lamentablemente esa gran idea de programación se detuvo y nos privamos de poder seguir viendo animes en un horario y frecuencia adecuados. Hubiera sido extraordinario poder ver en la TV de señal abierta series cortas como Robotech, Cobra, Conan elNiño del Futuro o Lady Oscar en un horario y frecuencia adecuados.
Entre el 1ero y el 4 de julio de este año, el Centro de Convenciones de Los Ángeles, California fue el escenario para el evento de anime, manga y videojuegos más importante de occidente: La Anime Expo 2023. Este evento multitudinario contó con la presencia de algunos de los estudios de anime más importantes de los últimos años, así como de algunas de las plataformas que traerán sus nuevos proyectos a occidente. Sin más tiempo que perder, conozcamos algunos de los proyectos más destacados de esta importante convención.
El dúo de ángeles más caótico regresa
En octubre del 2010, los famosos estudios Gainax presentaron a Japón, y tiempo después al resto del mundo, la bizarra historia de un par de ángeles expulsadas del Cielo guiadas por un pervertido sacerdote a enfrentar a las distintas monstruosidades que acechaban en la ciudad a la que fueron a terminar. Con un estilo de dibujo que recuerda más a caricaturas occidentales como «Las Chicas Superpoderosas», pero con una gran dosis de desenfreno que uno normalmente vería en un anime de acción más adulto y combinado todo con el estilo de animación explosiva de su estudio, «Panty & Stocking with Ganterbelt» se convirtió en un favorito de muchos amantes de las historias maduras y bizarras pero entretenidas.
Cuando la serie finalizó de una forma tan abrupta tras solo 13 episodios, muchos fueron los que pusieron el grito en el cielo para poder ver más de estos personajes y su loco mundo; una plegaria que por mucho tiempo permaneció en oídos sordos hasta el mencionado evento de Los Ángeles, cuando en el panel de los estudios Trigger (el estudio «hijo» de Gainax) se reveló que ellos habían adquirido los derechos de la serie para producir un nuevo proyecto titulado simplemente como «New Panty & Stocking with Ganterbelt».
Desafortunadamente, salvo un pequeño avance y una imagen promocional, no se ha revelado más información como lo es el formato de este nuevo proyecto o una tentativa fecha de estreno, por lo que habrá que esperar un tiempo más para ver el regreso de estos queridos caóticos personajes.
Warner Bros x WIT Studios = ¿Un isekai de DC Comics?
La situación de los míticos estudios de Warner Bros ha sido bastante problemática en los últimos años, con varios problemas tanto en su administración interna como en el lanzamiento y recepción de varios de sus grandes proyectos (la película de Flash por ejemplo). Pero un aspecto que afortunadamente permanece constante en cuanto a calidad son las producciones animadas, más específicamente las relacionadas al universo de superhéroes de DC.
La división de Warner Bros de Japón, mismos encargados de proyectos como «Batman Ninja», aprovechó el Anime Expo 2023 para presentar un nuevo proyecto que se venía preparando al lado de WIT Studios, que en el pasado han producido series del calibre de «Shingeki no Kyojin», «Ousama Ranking» y «Spy x Family», y que según filtraciones antes del anuncio oficial tendría a personajes de la editorial de DC como protagonistas. ¿Cuál es este ambicioso proyecto se estarán preguntando? Pues más de uno salió sorprendido de la sala de conferencias al revelarse que se trataba de un anime isekai protagonizado por los locos personajes de «El Escuadrón Suicida».
Así como lo has leído, el proyecto se titulará «Suicide Squad Isekai» y tendría como figuras centrales a Harley Quinn y al Joker junto con los personajes de este particular equipo que hicieron que ahora sea James Gunn el jefe de las películas del DC Universe. De momento solo tenemos unas pocas imágenes y sin una fecha de estreno en concreto, pero eso no evitará que los fans más curiosos le den un vistazo cuando sea estrenada.
Una sorpresa para todos los servants
Una saga muy querida para muchos fanáticos de los videojuegos y del anime es la épica serie de «Fate», la cual cuenta con múltiples spin-off y secuelas incluyendo una que es de las más esperadas de los últimos meses. Las novelas ligeras «Fate/Strange Fake» son la nueva etapa de esta saga y en el «Aniplex Online Fest» celebrado en septiembre del 2022, se anunció un especial anime que originalmente iba a estrenarse a fin de ese año, pero que tuvo que postergarse indefinidamente por problemas de producción en su casa productora A-1 Pictures.
«Fate/Strange Fake: Whispers of the Dawn», como se le llamó a este especial, no vio su estreno oficial hasta el pasado 2 de julio durante el evento del Anime Expo 2023, y en el panel precedido por la desarrolladora de juegos Type-Moon (responsables del desarrollo de los juegos de la franquicia de «Fate») se dio a conocer que este especial servirá como episodio introductorio para una nueva serie anime de la saga cuyo estreno y casa productora aún no son anunciados oficialmente.
Desde Corea para el resto del mundo
Otra adaptación anime que también ha pasado por diferentes complicaciones es la del webtoon coreano «Solo Leveling»; desde las complicaciones de su estudio productor A-1 Pictures que postergaron su estreno hasta la temporada de invierno del 2024, pasando por el fallecimiento de uno de sus artistas no mucho después del anuncio de su adaptación anime, y diferentes reacciones de lectores japoneses que acusaron a la obra de racista contra los nacidos en la Isla Imperial.
Pese a todos estos inconvenientes, este anime tuvo una aparición sorprendente en el panel de Crunchyroll del Anime Expo 2023; presentando un nuevo avance que dejó más que contentos a todos aquellos fanáticos que mantuvieron la fe en esta serie, y que en una entrevista hecha tiempo después del evento su productor, Atsushi Kaneko, prometió que se volverá una de las sagas más importantes del anime comparándola con «Sword Art Online», otra de sus producciones. ¿Qué opinan de esta declaración?
Un cierre muy elegante para el Anime Expo 2023
El Anime Expo 2023 finalizó el pasado 4 de julio sin muchos anuncios demasiado relevantes, pero eso no evitó que se diera un anuncio bastante interesante durante sus últimas instancias. Y es que se dio una gran sorpresa cuando se anunció la producción de una nueva temporada del querido anime «Kuroshitsuji», también conocido como «Black Butler», que será estrenado oficialmente en 2024 (15 años después del estreno de su último episodio).
En detalles más técnicos, se reveló el regreso de Daisuke Ono y Maaya Sakamoto como los seiyuus de sus protagonistas (Sebastian Michaelis y Ciel Phantomhive respectivamente); así como también que el anime será producido por Cloverworks en lugar de A-1 Pictures. ¿Preparados para un servicio elegantemente siniestro?
Las últimas temporadas de estrenos anime de otoño e invierno vinieron presentando algunas de las series más esperadas en Japón y el mundo, y al mismo tiempo han sido de los periodos de tiempo más complicados para la distribución de estas series. Actualmente, muchos de los estrenos programados para estrenarse durante los últimos meses vieron su producción y estreno suspendidos por motivos poco definidos y que no han sido bien recibidos por varios fanáticos o expertos en este mercado.
La mala suerte del tío de otro mundo
Isekai Ojisan, el anime más desafortunado de los últimos meses
“Isekai Ojisan” es el anime al que más se ha relacionado la palabra hiatus desde la última temporada del año pasado, estrenado originalmente en julio del 2022 se volvió uno de los estrenos más populares en su momento gracias a su divertido humor y referencias a videojuegos clásicos. Cuando se anunció una pausa repentina antes del estreno de su quinto episodio, la noticia fue recibida con gran sorpresa por parte de los seguidores que acumuló entonces.
Mayor fue la sorpresa al ver que solo hubo repeticiones de los episodios ya estrenados durante el resto de la temporada y que la serie iba a empezar desde cero en la siguiente temporada de estrenos, provocando ya no solo inconformidad entre los seguidores de esta serie sino también entre otros fandoms que sentían que algo más estaba ocurriendo con esta serie y querían respuestas antes de que otras series estrenadas y por estrenar pasaran por algo similar.
Dos lados del mismo caso de pausas indefinidas
Según comunicados oficiales, la razón detrás de estas pausas era que el personal fue víctima de rebrotes de COVID-19 dentro del estudio, un problema otras producciones han experimentado durante los años de la pandemia, provocando que varios miembros no pudiesen trabajar en las diferentes facetas de la producción y derivando en .
Sin embargo, un comentario por parte de uno de los animadores de la serie afirmó que el retraso estaría relacionado a que los horarios de producción de la misma eran demasiado exigentes para el personal de la serie. Se comentó también que se había contratado a personal freelance para el desarrollo de los últimos episodios al no contar con trabajadores suficientes para cubrir las demandas del estudio, resultando en . Esto último se vería respaldado por el hecho de que el último episodio de la única temporada, hasta el momento, se estrenó el pasado 8 de marzo tras una pausa prolongada y sin anunciar que se vaya a producir una segunda temporada como ocurre con otras series exitosas.
El caso de las series de Aniplex
La misión más difícil de «NieR Automata», completar su anime antes de que acabe el año
Con este precedente, es imposible no notar que varias de las series estrenadas en la temporada de invierno 2023 también enfrentaron problemas similares, atrayendo miradas críticas por varios seguidores y miembros de prensa expertos. Los más afectados que podemos encontrar son la esperada adaptación anime del videojuego de “NieR: Automata”, que consiguió gran popularidad por parte de los fanáticos de este juego pese a las críticas negativas por parte de críticos, que tras su octavo episodio entró en pausa indefinida tras experimentar una entre enero 28 y febrero 18 de este año.
Comedias románticas en crisis
Otros casos más preocupantes corresponden a 2 comedias románticas estrenadas en esta misma temporada, ambas con considerables detalles a tener en cuenta:
Por un lado tenemos a “Ayakashi Triangle”, obra escrita por el creador de la popular “To Love-Ru” y que al igual que el anime de “NieR: Automata” ha entrado en suspensión por segunda ocasión provocando que el resto de la temporada solo se emitan recopilatorios que no interfieran con la continuidad de la misma. Y por otro lado encontramos a “Kubo-san wa Mob wo Yurusanai”, que entró en pausa desde el pasado día de San Valentín y recién fue reestrenado desde el inicio a partir del próximo 4 de abril. Este último caso preocupa más la situación actual, debido a que el manga original de esta serie finalizó el pasado 2 de marzo de este año y lo más probable es que no se pueda producir una segunda temporada para cerrar la historia presentada en esta serie.
La fama de su autor no logró prevenir esta problemática
En situación complicada por el reciente final de su manga
Extrañas casualidades
Las 3 series mencionadas arriba comparten la casa productora: Aniplex, misma que buscó justificar los hiatus con la existencia de casos de COVID entre el personal (similar al caso de «Isekai Ojisan»). Fuentes no oficiales se revelaron que estas series operaban bajo cronogramas demasiado exigentes para sus trabajadores, llegando a recurrir a freelancers para apresurar el desarrollo de la serie. Esto provocó errores en los episodios estrenados tras las pausas y afectó también la imagen del material original al punto de que no sepamos de estas series por bastante tiempo.
La industria del anime atraviesa por una situación poco favorable para sus trabajadores, y los fanáticos y autores sufren las consecuencias de estas políticas demandantes. ¿Para ustedes cuál sería otra razón para estas pausas? ¿Cómo solucionarlas?
Actualización
«Kubo-san Wa Mob wo Yurunasai» anunció el estreno de su episodio 7 para el próximo 16 de mayo, terminando de momento con su pausa.
«NieR: Automata» emitió sus episodios finales el pasado 23 de julio, en forma consecutiva para cerrar la temporada.
El sábado 11 de febrero, tuvimos la suerte de asistir al «GRAND CONCERTO» Concierto Sinfónico Coral de anime vs videojuegos organizado por Edison Adrián Animepianist en el auditorio del Colegio San Vicente de Paul. Una excelente locación que nos hacía recordar el ambiente de las viejas reuniones del Club Sugoi. La propuesta era muy original: enfrentar a las canciones del anime contra las de los videojuegos, donde el público votaría por sus preferidos vía Facebook. Una idea muy interesante ya que casi siempre los otakus locales son fans de los videojuegos del momento.
Empieza el encuentro
Una amplia orquesta delante de nosotros como pocas veces se puede ver, ya era un buen augurio de lo que vendría. Las butacas saltaron de emoción con la potente interpretación de Tank! de Cowboy Bebop que dejó más que felices a los fans del anime, pero vendría el turno de los videojuegos con el tema central de Kingdom Hearts (Hikari) con otra impecable performance de la orquesta y todo con geniales videoclips de fondo. En estos eventos, uno suele tener en mente que canciones podrían venir, pero aquí me saco el sombrero ante los organizadores pues si bien pudieron darnos un playlist con las que todos esperarían, nos sorprenden con una selección muy interesante y bien pensada, sobre todo por el lado de los videojuegos.
Pudimos escuchar geniales versiones orquestales de Jojo´s , Zelda, Boku No Hero Academia, Super Smash Bros, Lady Oscar (una de las mejores de la tarde y que se ganó a los fans del anime), un mix de Megaman (que hizo delirar a los gamers del evento), seguido de Butterfly de Digimon (en castellano y japonés) y una hermosa canción de Final Fantasy IV (Theme of Love).
Megaman, un clásico de los videojuegosLa pantalla iba mostrando el resultado del duelo Anime vs VideojuegosEl opening de Lady Oscar fue el tema más antiguo del concierto y se ganó a los fans del anime.
Avanzan los rounds
A partir de aquí llegaron las sorpresas con temas de No Game No LifeZero , The Elder Scrolls: Skyrim, un inesperado y genial tema de Ace Combat (Simulador de vuelo que “despegó” en la era Playstation), seguido de el tema central de Genshin Impact.
En el siguiente tramo nos hicieron cantar a los fans con el opening de Tokyo Revengers, seguida del tema de Kira de Death Note (otra tremenda interpretación).
El anfitrión luego hizo gala de su buen gusto gamer cantando Baba Yetu del videojuego de estrategia Civilization IV seguido de un tema de Cronocross.
El anime volvió a la carga con Howl no Ugoku Shiro y una potente selección orquestal de Dragon Ball. Pero los video juegos contraatacaron con el tema de Sephiroth de Final Fantasy VII (lo mejor de la noche de parte de los videojuegos) y el A Call To Arms de World of Warcraft.
Ya llegando la noche y a punto de culminar, se cierra con broche de oro con el Shinzou wo Sasageyo de Shingeki No Kyojin.
El opening de Tokyo Revengers puso a cantar a los fansEdison Adrian tomó el micrófono para interpretar Baba Yetu del videojuego Civilization IVEl tema de Black Goku, de lo mejor de Dragon Bal SuperEl tema de Sephiroth de Final Fantasy VII, uno de los altos representantes de los videojuegos en el conciertoShinzou wo Sasageyo de Shingeki no Kyojin, el final más épico.
Y el ganador es… el público
El evento dejó en claro lo bien salen las cosas cuando las personas involucradas aman lo que hacen y saben del tema. Pudimos ver un compromiso total de los músicos, cantantes y equipo en escena, sacando adelante el show a pesar de los pequeños problemas técnicos que suelen ocurrir.
Si bien al final los votos del anime superaron a los de los videojuegos, la platea queda más que satisfecha con todos los temas. Aplaudo la originalidad del playlist pues habría sido fácil poner los temas de Dragon Ball, Pokemon, Mario, o Sonic que todos conocen, para apostar por una lista de calidad y que debió sorprender a más de uno.
Palmas para los artistas que nos regalaron un “teaser” de sus siguientes eventos con un tema de Candy Candy en violín y el anuncio de su concierto sinfónico de Evangelion. Espero una segunda edición con algunos temas de Street Fighter.
NOTA: Edison Adrian anuncia la reedición del Grand Concerto Anime vs Videojuegos en las fechas del 11 y 12 de marzo. Más detalles en el link del evento.
Producida por Toei, Kōsoku Denjin Arubegasu (Electroide Albegas a la velocidad de la luz), se proyectó desde finales de marzo de 1983 hasta finales de febrero de 1984. Kageyama Shigenori interviene en el diseño de personajes, Koichi Ohata en el diseño mecánico y Morishita Kozo en la dirección.
Albegas
Albegas nos sitúa en un futuro cercano, donde la Tierra es amenazada por una raza alienígena invasora, los Deringer. Los Deringer planean el control de todo el universo, y su siguiente objetivo es la Tierra. El evento coincide con un concurso de diseño de robots en la preparatoria Aoba, el cual es ganado por tres jóvenes llamados Daisaku Enjoji, Tetsuya Jin y Hotaru Mizuki (en los tres primeros puestos, respectivamente). Al ver el ataque inminente, este grupo se enfrenta a los invasores, pero sin resultados positivos.
La derrota sirve para que el profesor Mizuki, padre de Hotaru y director del Centro de Investigación de Ingeniería Robótica, intervenga y dote a los robots de un sistema que permitía su acoplamiento, pero no del tipo al que estabamos acostumbrados: Los tres robots individuales se forman apilándose uno encima del otro para formar otro super mecha. El nombre de los robots se deriva de las primeras 3 letras del alfabeto griego (alfa, beta y gamma), y su fusión en el super robot es denominada Albegas.
El arma preferida de Albegas es la espada de plasma Sanbai, con la que derrota a los robots Derinjer enemigos, cortándolos por la mitad.
La principal característica de Albegas es que puede alcanzar en la modalidad llamada Dimension Magnética (Denjin) la velocidad de la luz, la que lo hace prácticamente imparable ante sus enemigos.
Datos técnicos
Albegas
Altura: 40 Mts.
Peso: 1,200 Tons.
Propulsión: Motor antigravitacional
Velocidad máxima: 300,000 Km/s (Velocidad de la luz)
Abega y Super Abega
Abega
Al comienzo de la serie, cada piloto también usaba un avión pequeño, que volaba a través de pequeñas escotillas en la parte trasera de los robots para pilotarlos. Los tres aviones también podrían combinarse en un solo avión llamado Abega.
Fueron reemplazados muy rápidamente por una escuadrilla diferente de aviones pequeños que podían transformarse en diferentes formas de droides bípedos, y combinados de manera similar en el nuevo Super Abega.
Dimensiones
El escarlata, el azul y el negro
Los tres robots que conforman a Albegas se combinan de 6 formas diversas, de modo que el robot mejor adaptado para el campo de batalla pueda sobresalir del resto. A estos acoplamientos se les conoce como dimensiones.
Al haber 3 robots, existen 2 dimensiones para cada uno y con estas características será posible enfrentar a los robots enemigos que envíen los Derringer, llamados «Mecha-Fighters».
Las seis dimensiones resultantes pueden intercambiarse indistintamente del tiempo y el uso de las unidades. Varias Dimensiones pueden emplearse en la misma misión.
Cada robot también usa una arma individual aparte de sus espadas, como nunchakus, tonfas y boomerangs.
Las dimensiones desconocidas
Sky dimension
1. Dimensión Aérea: Forma ideal para la lucha en el aire. Su velocidad alcanza hasta mach 5 y su arma más poderosa son los misiles torácicos. Piloteado por Tetsuya.
La combinación de los robots es Beta, Alpha, Gamma, y el color de Albegas es Azul, negro, rojo.
Ataques
Sky Shot
Sky Missile
2. Dimensión Magma: tiene una forma para el ataque en subsuelo y una alta resistencia al calor, además de contar con el Boomerang Flash como arma. Piloteado por Tetsuya.
La combinación de los robots es Beta, Gamma, Alpha, y el color de Albegas es azul, rojo y negro.
Ataques
Magma Beam
Magma Cutter
Magma Harpoon
3. Dimensión Marina: Con una alta resistencia a la presión de las profundidades del mar, utiliza armas de plasma, flechas y también lanzador de misiles. Piloteado por Hotaru.
La combinación de los robots es Gamma, Alpha, Beta y el color de Albegas es rojo, negro y azul.
Ataques
Guard Dimension
Marine Arrow
Marine Full Power
Marine Napalm
4. Dimensión Guardia: Se utiliza generalmente para la defensa, pues está provista de una poderosa barrera casi invulnerable. Piloteado por Hotaru.
La combinación de los robots es Gamma, Beta, Alpha y el color de Albegas es rojo, azul y negro.
Space dimension
5. Dimensión Espacio: Con esta forma se puede luchar en el espacio sin ningún problema, y como armas están el Boomerang Espía y un Rifle Láser. Piloteado por Daisaku.
La combinación de los robots es Alpha, Gamma, Beta y el color de Albegas es negro, rojo y azul.
Ataques
Laser Rifle
6. Dimensión Magnética (Denjin): Esta dimensión está basada en el electromagnetismo, la combinación más poderosa de Albegas, y es piloteada por Daisaku, Tetsuya y Hotaru en conjunto. Para esto, todos los robots se combinan y se asimilan las capacidades de cada uno en la dimensión más poderosa y mejor adaptada para el combate. Posteriormente, por la necesidad de luchar en el espacio, se le adaptaron propulsores adicionales.
La combinación de los robots es Alpha, Beta, Gamma y el color de Albegas es negro, azul y rojo.
Ataques
Espada de Plasma Sanbai
Robot Alpha
Alpha
Daisuke Enjoji (17 años) fué el ganador del concurso de robots. Cursa el 2do año de la preparatoria Aoba y practica el Kendo. Su robot es el más poderoso, pues domina la dimensión del electromagnetismo. La sexta dimensión es la del electromagnetismo, la combinación más poderosa de Albegas, y es piloteada conjuntamente por Daisaku, Tetsuya y Hotaru.
Su creador fue el profesor Mizuki y tiene como base de operaciones el Centro de Investigación de Ingeniería Robótica. Posteriormente, por la necesidad de lucha en el espacio, se le adaptaron boosters. Esta dimensión es la mejor dotada para el combate.
Color: negro
Altura: 20 mts.
Peso: 400 ton.
Piloto: Daisuke Enjoji
Robot Beta
Beta
Tetsuya Jin (17 años) también asiste a la preparatoria Aoba y su hobby es jugar futbol.
El poder de su robot se centra en la dimensión Magma y Aérea.
Su arma favorita es el Nunchaku y el Tonfa.
Color: azul
Altura: 20 metros
Peso: 400 toneladas
Piloto: Tetsuya Kani
Robot Gamma
Gamma
Hotaru Mizuki (16 años), además de ser la hija del profesor que modificó los robots para transformarlos en el Albegas, es la líder del equipo de tenis de la preparatoria.
Su robot Gamma tiene la capacidad de defensa y lucha submarina.
Color: rojo
Altura: 20 metros
Peso: 400 toneladas
Piloto: Hotaru Misuki
Robot Gori
Un amigo de los tres pilotos, Goro, también pilotó el divertido Gori Robo que, a pesar de solo sirve como comic relief(en la misma tradición de Boss Borot de Mazinger Z), sacó de aprietos al Albegas en más de una ocasión.
El Omega
En mi gusto personal esta es la mejor serie japonesa para niños basada en un robot. A diferencia de Mazinger o Voltron, aquí tenemos una historia más corta, dinámica, ágil y atractiva. Para cualquier niño no difícil seguir esta serie, que en muchos sentidos es el anime definitivo en este género. Un plus es el doblaje al español hecho en Argentina, que estuvo soberbio. Tanto los personajes de los héroes como los villanos son sencillos y las pocas complejidades en cada capítulo se resuelven con la destrucción de villanos. Para todo fanático del buen anime es una serie obligatoria de presenciar y en especial para los que la vimos en su transmisión original, es un recuerdo impercedero.
Creado a partir de un concepto diferente a los hasta ese momento usados, según los cuales el Mecha era manejado a distancia por un operador mediante un radio control (Tetsujin 28), o tenía movimiento propio mediante inteligencia artificial (Tetsuwan Atom), Mazinger Z era operado desde dentro de sí mismo mediante el uso de un acoplamiento entre el robot y la nave del piloto.
Mazinger Z, el arma secreta
La histora de Mazinger Z se inicia cuando el Dr. Juzo Kabuto, un genio científico al servicio de la humanidad, descubre junto a su colega y amigo, el Dr. Hell, los restos de una antigua civilización que había desarrollado una avanzada tecnología robótica.
A partir de ese momento y motivado por tal descubrimiento, en el Dr. Hell nace la ambición de dominar el mundo por medio de la construcción de grandes robots basados en esta nueva tecnología, a los que llama Kikaijus. Luego de adivinar las intenciones del que había sido hasta entonces su amigo, el Dr. Kabuto decide construir en secreto un arma que contrarrestara las maquinas del Dr. Hell. Dado que esta máquina tendría un poder que rivaliza incluso con un dios o un demonio, Kabuto la llamó Mazinger Z (de las palabras japonesas «Ma» (魔), demonio, «Jin» (神), dios).
Mazinger Z fue construido sobre la base de la «super aleación Z» una aleación muy especial descubierta por el Dr. Kabuto y cuyo componente principal era el «Japanium», un extraño metal cuyas propiedades resultaban imposibles de igualar por cualquier otro mineral conocido sobre la tierra. Afortunadamente, sólo el Dr. Kabuto conocía la ubicación de la única veta en todo el mundo, que estaba bajo los estratos del monte Fuji. Con la finalidad de alejar esta veta de manos de Hell, el Dr. Kabuto construyó su laboratorio sobre ella.
Dr. Juzo KabutoMazinger Z, Koji Kabuto y el Dr. Hell
Lamentablemente, éste secreto fue descubierto por Hell, el cual ordenó a su principal esbirro, el Barón Ashler, atacarlo. Como consecuencia de este ataque, el Dr. Kabuto fue herido de muerte. Pero a pesar de sus graves heridas, en sus últimos minutos de vida pudo explicar a sus dos nietos, Koji y Shiro, el secreto de la existencia de Mazinger Z y del peligro que correría la humanidad si el Japanium llegaba a caer en las manos de Hell. Tras esta dramática revelación, Koji heredará de su abuelo la lucha contra Hell y su ambición de dominar el planeta.
Sin embargo, sus inicios no son en absoluto promisorios, pues sus primeras pruebas en el manejo de Mazinger Z resultan desastrosas ante la dificultad para operar el gigantesco robot. Tras sufrir varios accidentes, Koji llega a dominar los principios básicos de los mandos de Mazinger Z y a partir de ese momento inicia un largo proceso de aprendizaje que perfecciona en cada batalla. Finalmente, ambos se convierten en una invencible dupla hombre-máquina.
Dimensiones
Corte esquemático
Altura: 18 metros
Peso: 20 toneladas métricas
Circunferencia del cuello: 5,6 metros
circunferencia del torax: 13,6 metros
Circunferencia del brazo: 5,3 metros
Circunferencia de la pierna: 6,2 metros
Largo del brazo: 7 metros
Longitud de las piernas: 9 metros
Prestaciones
Velocidad al caminar: 50 kilómetros por hora
Velocidad de carrera: 360 kilómetros por hora
Velocidad de natación: 20 nudos
Velocidad de vuelo: Mach 3
Techo: 630 metros
Elevación máxima: 150 toneladas métricas
Empuje: 65.000 caballos de fuerza
Album de figuras
Una enorme fuente de luz
Lo que más llamó la atención de Mazinger Z fue su tremenda capacidad de adaptarse a cualquier condición a la que se enfrentó, debido en gran parte a que fué sujeto a mejoras a medida que éstas eran requeridas, sobre todo en cuestión de armamento, lo que repercutió en su capacidad de respuesta.
Los sistemas de ataque de Mazinger Z estaban basados en un principio en las propiedades del material del que estaba construido, el Japanium. De éste emanaban enormes cantidades de fotones, los que fueron transformados adecuadamente en sistemas de armas de rayos.
Sistema de armas
Rayos fotónicos
Rayos fotónicos(Koushiryoku Beam): Disparados desde los ojos de Mazinger Z, eran rayos de pura energía fotónica concentrada, de gran alcance. Debido a que los lentes para enfocar los rayos eran enormes, pero muy delicados, generalmente estaban expuestos a descalibración durante los combates.
Rayos fotónicos
Rayos fotoatómicos (Breast Fire): Las grandes aletas rojas en el pecho de Mazinger Z actúan como disipadores de calor para su reactor de energía fotónica. Mazinger Z puede disparar esta energía térmica almacenada como un poderoso rayo al rojo vivo de 30,000 grados centígrados que derrite casi cualquier cosa. Su poder era devastador, pero su alcance medio la hacía un arma muy peligrosa para el combate cuerpo a cuerpo.
Viento huracanado
Viento huracanado (Rust Hurricane): Las poderosas turbinas en la cabeza de Mazinger Z crean vientos huracanados, lanzándolos a través de la rejilla de la boca. El ataque incluye partículas altamente corrosivas (que se cree que es hidrógeno ionizado), causando casi instantáneamente que un enemigo se oxide y se desmorone. La presión ejercida sobre el aire era capaz de repeler misiles y prácticamente desbaratar a cualquier robot enemigo.
Rayos congelantes (Reitou Beam): Disparados desde las puntas de las púas de la cabeza, convertían las partículas de aire en hielo inmediatamente al alcanzar el cero absoluto (-273° C). Usados en el agua eran un arma formidable.
Rocket punchRocket punch con Iron cutter
Puños destructores (Rocket punch): El ataque más representativo de Mazinger Z: dispara su antebrazo como un misil, golpeando directamente a un enemigo a larga distancia antes de regresar y acoplarse con el codo nuevamente. El arma de más uso por su piloto, pues su velocidad y fuerza cinética la hacían muy efectiva.
Cortador de hierro (Iron cutter): Diseñado por el profesor Morimori, esta arma era una modificación del rocket punch. Consistía en dos cuchillas similares a hachas de batalla que se desplegaban a ambos lados del brazo lanzado. Sentó las bases para las futuras «armas cortantes» de Mazinger. Cabe mencionar que el Iron cutter es la única arma del armamento de Mazinger Z que es capaz de dañar la super aleación Z.
Armamento mejorado
Misiles taladro (Drill Missile): Almacenados en los antebrazos del robot, eran ráfagas de micro misiles puntiagudos que se lanzaban al doblar el brazo de Mazinger fuera de su articulación. Gracias a seis tubos lanzadores, podían dispararse individualmente o en secuencia. Su función era taladrar las corazas de los nuevos ingenios del Dr. Hell.
Misiles digitales (Finger Missile): Usados sólo una vez, eran las falanges de la mano del robot que se lanzaban a manera de misiles. Debido a su escasa eficacia y poco poder ofensivo, se restringió su uso en combate.
Misil punch: Enorme misil alojado en el adbomen de Mazinger Z. Una de las últimas armas instaladas en el robot, le otorgaba un poder de fuego muy superior al de sus oponentes. Mazinger puede almacenar varios misiles de reserva.
Sistema de armas
Jet scrander: Propulsor supersónico diseñado para darle a Mazinger Z capacidad aérea. Se acoplaba al robot mediante una especie de cinturón a la altura del abdomen. Sus alas poseían geometría variable para vuelos subsónicos y supersónicos. Dichas alas incorporan la tecnología del iron cutter. Las alas del Jet Scrander son lo suficientemente fuertes y afiladas como para usarse como cuchillas.
Envergadura: 12,8 metros
Peso: 1 tonelada métrica
Velocidad máxima: Mach 3
Altitud máxima: 20.000 metros
Shurikens (Southern Cross knives): Similares a las estrellas usadas por los ninjas en sus incursiones, de las cuales proviene el nombre. Los lanzadores se ubican en el borde de ataque de las alas, a razón de tres por banda.
Hidrofoils: Potentes turbinas propulsoras diseñadas para la lucha submarina, ubicadas en los pies del robot.
El pilder: Los controles de Mazinger Z
Pilder
Como dato adicional, mencionaremos que Koji Kabuto ingresa a Mazinger Z mediante un planeador llamado «hover piloter» (Pilder). Era llamado así por las dos hélices eléctricas tipo hovercraft en los tips de ala que usaba para suspenderse en el aire, auxiliadas por dos turbinas para el vuelo de crucero. Dichas alas se plegaban 90° para acoplarse sobre la cabeza del robot.
El armamento del Pilder estaba compuesto de 2 lanzamisiles en la parte anterior del fuselaje, a ambos lados de la cabina, y un lanzador de rayos fotonicos en el centro de la misma.
Jet piloter
El modelo posterior, denominado «jet piloter», reemplazaba las alas plegables por alas retráctiles más aerodinámicas y dos turbinas vasculantes para el despegue y el aterrizaje vertical, a la vez que para propulsar la nave horizontalmente. Este pequeño deslizador emplazaba el lanzador de rayos fotónicos a ambos lados de la cabina, y remplazaba los lanzamisiles por 2 enormes cohetes ubicados delante de los impulsores laterales. El poder de estos cohetes era similar a los empleados en los dedos de Mazinger Z.
El fin de un coloso
El final de Mazinger Z es realmente memorable. Abatidos física y materialmente tras la derrota de las huestes del Dr. Hell, un debilitado Koji Kabuto y Mazinger se enfrentan a un nuevo enemigo.
El fin de Mazinger
El Duque Gorgón, un demonio subterráneo del reino de Mikenes, inicia la conquista contra la Tierra aprovechando la debilidad de Mazinger y los suyos. Así pues, lanzan una invasión, dirigida por las «Bestias peleadoras». Tras un enfrentamiento, el robot y su piloto se encuentran superados ante uno de los nuevos robots salidos del infierno. Estos tienen la capacidad de dañar e incluso destruir la super aleación Z. Sin embargo, no todo esta perdido. Kenzo Kabuto, el desaparecido padre de Koji, activa en el último momento un nuevo modelo de Mazinger, pilotado por Tetsuya Tsurugi. Tanto el entrenamiento del Great Mazinger como el de Tetsuya se completan justo a tiempo para acudir en ayuda de Kouji cuando las bestias de batalla del reino de Mikenes derrotan a Mazinger Z.
Con el Mazinger original destruido, Kouji se fue a Estados Unidos a estudiar viajes espaciales y dejó la defensa de Japón en manos de Tetsuya y los demás.
Ashura Mazinger
El emperador del dios demonio
En el OVA Mazinkaiser de 2002, Mazinger Z recibió un rediseño (cortesía de Keiichi Sato, el diseñador mecánico de The Big O) para parecerse al aspecto original de Mazinger en el manga de Go Nagai.
Este Mazinger carece del Jet Scrander, pero conserva los ataques más famosos del original. Desafortunadamente, Mazinger Z no es rival para el ataque del ejército de monstruos mecánicos del Doctor Hell, y queda gravemente averiado en el primer episodio.
Capturado por el Baron Ashler, Mazinger Z es reconstruido como el Ashura Mazinger, y ataca el laboratorio de energía fotónica. Sin embargo, Koji reaparece pilotando al Mazinkaiser, una versión más grande y desarrollada de Mazinger Z, y rápidamente despacha al Ashura Mazinger y a los otros Mecha.
Hasta el infinito y más allá
Mazinger Z: Infinity (劇場版 マジンガーZ ／ INFINITY, Gekijōban Majingā Zetto / Infiniti) es una película animada japonesa de super robots de 2017 dirigida por Junji Shimizu. Sirve como una secuela de la serie de anime Mazinger Z y Great Mazinger.
Diez años después del final de la guerra contra el Dr. Hell y sus Bestias Mecánicas (los eventos de Great Mazinger no se mencionan. Sin embargo, Tetsuya Tsurugi y Great Mazinger tienen un papel importante en la película), el mundo vive en una era de paz gracias a la desarrollo de la energía fotónica con fines pacíficos. El piloto de Mazinger Z, Koji Kabuto, se ha convertido en un distinguido científico, después de su padre y su abuelo, mientras que Sayaka Yumi es ahora la directora del nuevo Instituto de energía fotónica, después de que su padre, el Dr. Yumi, se convirtiera en Primer Ministro de Japón. El piloto de Great Mazinger, Tetsuya Tsurugi, todavía está en el ejército y está casado con Jun Hono, quien está esperando su primer hijo. El hermano menor de Koji, Shiro, también es piloto de mechas militares.
Breast fire
Mientras construyen el nuevo edificio del instituto, encuentran un enorme robot enterrado bajo el monte Fuji, al que llaman Infinity. Cuando Koji va a investigar, una chica emerge del interior. Lisa es la unidad de control principal del robot, una IA 91% orgánica con sentimientos. Poco antes, el presunto muerto Dr. Hell ataca el instituto con nuevas Bestias Mecánicas, así como a sus secuaces, el Barón Ashura y el Conde Brocken, y roba el Infinity, usando un Tetsuya capturado y un Gran Mazinger como clave de activación improvisada, ya que no pudo conseguir a Lisa. Lisa revela que el poder final de Infinity es Goragon, la capacidad de intercambiar su universo con otro, provocando una superposición cuántica forzada. El Dr. Hell planea usarlo, ya que cree que este mundo no vale la pena existir.
mazinger contra el Garada K7Mazinger repotenciado
El Dr. Nossori y el Dr. Sewashi usan una impresora 3D de energía fotónica gigante para reparar y actualizar el Mazinger Z original (que estaba escondido en el antiguo Instituto de Investigación de energía fotónica). Koji y Lisa, en el renovado Mazinger Z, se infiltran en el Instituto fotónico invadido, dándonos una de las mejores batallas en el anime contra las Bestias Mecánicas en el interior. Después de derrotar al Barón Ashura y al Conde Brocken, Mazinger Z se enfrenta al robot del Dr. Hell, pero resulta gravemente dañado. Shiro rescata a Great Mazinger y detienen la cuenta regresiva de Goragon, pero el Dr. Hell tiene una copia de seguridad del código de activación de Great Mazinger en su cetro de Bardos y toma el control de Infinity, activando a Goragon.
En la dimensión adyacente, Koji ve un universo alternativo donde Lisa es su hija y la de Sayaka. Lisa se usa a sí misma como clave para darle a Mazinger un poder equivalente al de Infinity, al transmutar la energía fotónica en materia. Todos en el planeta le dan su energía fotónica a Mazinger Z, y Koji golpea y lanza a Infinity con el Dr. Hell fuera del planeta, donde explota. Lisa desaparece y le asegura a Koji que se volverán a ver. Mientras tanto, Jun da a luz a un hijo suyo y de Tetsuya.
Posteriormente, Koji y Sayaka se casan y se les ve caminando con una niña, Lisa.
Una lista que funciona como un recuento y
reseña de las producciones de anime más destacadas del 2021, año en que la industria y la actividad del público resurgieron de los momentos más duros de la pandemia.
Introducción
Después del impacto que a nivel global tuvo la pandemia de la COVID-19, la industria del anime ha intentado recuperarse entre nuevos y ambiciosos lanzamientos, especiales, películas y OVA’s de franquicias de fama internacional (Evangelion, Jujutsu Kaizen y Kimetsu no Yaiba), remakes de clásicos (Shaman King) y reprogramaciones de estrenos para inicio, mediados o finales de este 2022 (Shuumatsu no Harem, Uzumaki, Love Is war, etc.).
Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time (2021)Kimetsu no Yaiba: Mugen Ressha-hen (2020)Gekijō-ban Jujutsu Kaisen 0 (2021)
Según la Association of Japanese Animations (AJA) en su más reciente “Reporte de la Industria del Anime”, en el año 2020 se produjo un total de 98 448 minutos de anime para la televisión, un 6.5% menos respecto a los 105 294 minutos producidos a lo largo del 2019:
Hubo, sin embargo, en 2021 una minuciosa voluntad compartida por las diversas casas animadoras del mercado japones por contribuir a la reactivación de una de las industrias culturales más importantes del país; una que, en tanto responsable del lanzamiento de productos audiovisuales y narrativos de diversas calidades, géneros, demografías y audiencias, resulta capaz de movilizar legiones de atentos espectadores alrededor del globo. Incluso en proporciones mayores o equiparables a los de cualquier serie o película occidental exitosa.
De esto último nos hablan datos que ubican al periodo que va entre el 2020 y el 2021 como uno de los mayores en cuanto a consolidación y masificación del anime a escala internacional. En gran parte ello se debe, por un lado, a la popularidad ganada por franquicias como Kimetsu no Yaiba y su rol de salvador del sector tras la crisis post-pandemia (Kimetsu No Yaiba: Mugen Ressha-hen, es uno de los filmes que más ingresos recaudó en la historia del cine japonés); y, por otro lado, la recuperación ha sido propiciada por el auge de las plataformas de reproducción en línea que han procurado intervenir de lleno en el segmento de anime, como Crunchyrollo Funimation; o que, en contraposición, no han querido quedarse atrás y decidieron invertir en la producción y distribución de contenido auspiciado por su marca, como es el caso de Netflix y, dentro de muy poco, el propio Disney +.
Kimetsu no Yaiba: Mugen Ressha-hen es la película de anime más taquillera de la historia, la película anime más taquillera de 2020 y la película más taquillera del mundo en 2020
Este es el panorama actual en el que se mueve la industria del anime a pesar de presentar problemas cuya resolución resulta urgente para una economía que se ha caracterizado casi desde siempre por la tercerización de la mano de obra, la sobre explotación de sus artistas, la subcontratación de animadores y la precarización de los derechos sociales de muchos de los directores, dibujantes, animadores, coloristas y escritores del gremio. Sobre dicho tema, pueden revisar el siguiente reportaje para conocer más sobre las difíciles condiciones laborales que habían en la industria del anime antes de la pandemia y que, a la fecha, son todavía más complicadas:
El panorama es difícil y, en muchos casos, no ha hecho más que agravarse en medio de la lucha diaria contra la COVID-19 y sus consecuencias transversales en cada ámbito productivo. No obstante, han surgido movimientos que visibilizan estas y otras dificultades de cara a las audiencias y se espera que la situación pueda ser abordada con responsabilidad en medio de una industria que aporta un importante porcentaje al PBI de su economía nacional. Una industria que, a ojos del público proveniente de otras latitudes, funciona como una vitrina llamativa para las distintas expresiones populares de la cultura japonesa.
Una de las pruebas más recientes de la importancia que Japón le otorga al rubro del manga y el anime, incluso a nivel institucional, sucedió en noviembre de 2021 cuando Kanji Yamanouchi, el Embajador y Cónsul General de Japón en Nueva York, interpretó un cover del tema Gurenge de la cantante LISA en el marco de la convención Anime New York City. La canción fue usada como opening de la primera temporada de Kimetsu no Yaiba por lo que el diplomático lució en su interpretación el mismo haori que viste Tanjiro Kamado en su historia:
Visto lo anterior, considero importante hacer un repaso por algunas de las producciones que, en pleno 2021 y bajo el peso de muchas de las situaciones previamente esbozadas en este artículo, brillaron con historias únicas en su tipo, ya sea que se tratasen de creaciones originales de los estudios a su cargo o que adaptasen personajes, mundos y narraciones cobijadas inicialmente por el manga, la novela ligera, los videojuegos y hasta el cómic occidental.
A continuación, mostramos entonces algunos títulos en función a las cuatro temporadas de emisión televisiva que operan en Japón, es decir, desde el invierno de 2021 al Otoño de 2021. Presentaremos, además, algunas menciones a manera de bonus track para que puedan ser seguidas cuando el lector así lo prefiera.
Temporada Invierno de 2021
Shingeki no kyojin: The final season
Dirección: Jun Shishido y Yūichirō Hayashi
Estudio: MAPPA
Episodios: 16
Reconocido como uno de los animes con más impacto de los últimos años, y el único con tres episodios contenidos en el ranking de los mejores capítulos de series de TV elaborado por la plataforma de crítica y database IMDb, SNK se consolida como uno de los gestores de la expansión de la cultura popular japonesa animada a públicos que sobrepasan los del «nicho» otaku(algo que, en el pasado, habían logrado Evangelion, Death Note o GANTZ).
¿El motivo? La construcción de una propuesta cruda, adulta y que no abandona su intención por auscultar temas tan complicados como las disputas raciales, el trauma de la guerra y la violencia política en una historia que combina insumos mitológicos, steampunk y bélicos.
En esta temporada, siguiendo el manga de Hajime Isayama, se nos replantea el universo que hasta entonces habíamos conocido, uno donde la humanidad debía ocultarse de los titanes devora hombres detrás de muros inmensos. Ahora, en cambio, parte del protagonismo recae en Marley, un Estado fascitoide responsable, en parte, del aislamiento del pueblo de Eldia al que pertenecen nuestros protagonistas; perpetradores de la sistemática marginación y desprecio que sufren los descendientes de Ymir (la primer titán) y uno de los agentes que movilizan el gran conflicto armado en la que el mundo se encuentra sumido al usar a los titanes cambiantes como armas de destrucción masiva.
Aquí descubrimos los intereses que se mueven más allá de las murallas de la isla Paradise, lugar donde se había desarrollado hasta el momento toda la historia. Y atendemos al levantamiento de los eldianos bajo el mando de un Eren Jaeger más reacio y bruñido por la demencia de un enfrentamiento étnico que pone en peligro a los suyos, “los demonios de Paradise”.
¿Podrá Eren salvar a sus seres amados? ¿Recurrirá al “retumbar” despertando a los titanes de los muros para causar un apocalipsis y destruir a los enemigos de su pueblo? ¿Qué papel juega su padre Grisha Jaeger y su medio hermano Zeke? ¿Habrá un final satisfactorio para uno de los dramas bélicos más épicos de la última década? Lo averiguaremos el 9 de enero de 2022 cuando se estrene la segunda parte de esta temporada final… O también pueden adelantarse revisando el manga que concluyó hace apenas unos meses.
Wonder Egg Priority
Director: Shin Wakabayashi
Estudio: CloverWorks
Episodios: 12
De la mano del dúo Cloverwork/Aniplex, WEP es una imponente mezcla entre Madoka Mágica, Paprika y los dramas del estilo Makoto Shinkai. Pero su belleza no solo se limita al apartado visual, sino a la audacia con que desarrolla tópicos como la divergencia, la diversidad sexual, el abuso sistemático del que son objeto las niñas, la cultura de la meritocracia oriental castrante, el bullying escolar, la depresión y sus consecuencias, entre ellas: las autolesiones, el suicidio en chicas de edad escolar (con estadísticas peligrosamente altas en Japón) y el proceso de duelo en jóvenes.
Ai, Neiru, Rika y Momoe son cuatro chicas escogidas por un par de cyborgs (alguna vez científicos humanos) para rescatar la mayor cantidad de conciencias de adolescentes que cometieron suicidio y que ahora yacen atrapadas en un plano de realidad virtual/onírica dominado por la inteligencia artificial Frill. A cambio de completar la misión, se le promete a las protagonistas que recuperarán un ser querido al que perdieron en el pasado y por el que aún siguen sufriendo (una amiga, una hermana mayor, una fan y alguien enamorada de una de las chicas).
Y aunque cada misión pueda aparentar ser sencilla desde que escogen un huevo proporcionado por una máquina gachapon y conocen el caso de la víctima a la que deben defender, nada les garantiza que los «monstruos» a los que deben vencer para permitir que todas esas chicas «descancen en paz» no acabarán antes con su propia integridad. Pronto, cada una descubrirá que el peligro de morir intentando salvar a otros es real.
Entre el drama surrealista, la exploración de eventos traumáticos y el armazón estético de un subgénero maho shojo —chicas con armas o poderes mágicos capaces de enfrentarse a monstruos—, la producción será del agrado de quienes buscan ficciones bien construidas, desafiantes por lo inusuales y, a la vez, consientes del legado que hay detrás del hermoso arte del anime original de estudio.
WEP es un canto coral donde la sororidad pretende imponerse a la violencia. Un canto que se da el lujo de hilar en paralelo una discusión final (¿y abierta?) sobre la inteligencia artificial, la violencia de género y el uso de la tecnología para trascender la muerte.
Horimiya
Dirección: Masashi Ishihama
Estudio: CloverWorks
Episodios: 13
Comedia romántica y slice of life que adapta el webmanga y manga spin-off homónimos. La historia tiene como columna vertebral la relación que Kyōko Hori e Izumi Miyamura forjan a pesar de sus diferencias iniciales y cómo, en el proceso, el espectador se acerca a los vínculos que la pareja sostiene con muchos de sus amigos y amigas en común, todos miembros de la misma escuela.
La trama explora entonces diversos tópicos del romance adolescente a través de una comedia de situaciones fresca. Así, despliega el tratamiento de problemas de la autoestima y la autopercepción del individuo (plasmados gráficamente en la pareja protagónica y su doble estándar de vida dentro y fuera de las aulas) hasta la puesta en escena de relaciones problemáticas entre miembros de una familia. Aunque por supuesto, también se da tiempo de ensamblar triángulos amorosos y, por supuesto, exhibir el temor generacional hacia las expectativas de construir una vida en pareja en medio de la asfixiante vida cotidiana del Japón del nuevo milenio.
Mushoku Tensei: Isekai Ittara Honki Dasu
Dirección: Manabu Okamoto
Estudio: Studio Bind
Episodios: 11 (primera temporada) y 12 (segunda temporada estrenada en octubre 2021)
Concebido bajo la lógica del subgénero isekai (historias que se desarrollan en otros mundos y que siguen algunas de las lógicas de los videojuegos RPG de fantasía), MT opta por un tratamiento clásico del viaje del héroe, aunque con sutiles particularidades. Un viaje que se inicia con la muerte del protagonista en un accidente de tráfico y que lo llevará a abandonar una vida en la que solo podía encasillársele dentro del arquetipo de NEET (sujeto marginado que abandona los estudios y permanece desempleado, una especie de subproducto del realismo capitalista japonés) para asumir en su lugar, y por los caprichos de “un dios sin rostro”, una nueva identidad mesiánica dentro de un mundo caótico y completamente diferente al suyo.
https://www.youtube.com/watch?v=iU39QxPVnto
De esta forma, el protagonista de 34 años renace como Rudeus Greyrat, un joven mago prodigio al que seguiremos a lo largo de sus aventuras, en tanto aún conserva los recuerdos y la experiencia de su vida pasada. La historia nos revela así la cosmogonía del universo al que hemos ido a parar: una especie de eterna Edad Media, donde los demonios y las criaturas mágicas son combatidas en gremios y en el que los dioses tutelan habilidades que van desde el dominio de la muerte hasta el conocimiento total de las técnicas de pelea.
Quizá lo mejor de MT, además de su apartado gráfico y de banda sonora, sea el tono mítico con el que abordan las situaciones y catástrofes por la que pasará Rudeus y que lo forzarán a dejar su antigua desidia en pos de salvar a los nuevos seres queridos que ha conseguido en este reinicio.
Dr. Stone: Stone Wars
Dirección: Shinya Iino
Estudio: TMS Entertainment
Episodios: 11
Segunda esperada temporada de la adaptación del manga escrito por Riichiro Inagaki e ilustrado por Boichi. Dr. Stone plantea una premisa digna de cualquier relato de Ballard: un buen día un destello luminoso envuelve a la Tierra y de pronto la humanidad queda petrificada por 3700 años, pero manteniendo la conciencia crono-espacial.
Ya en el año 5738 y casi por accidente, el protagonista Senku Ishigami sale de su letargo y tras despertar a sus camaradas se plantea el desafío de reinstaurar la civilización humana que, como era de esperarse, ha caído. Para hacerlo, Senku deberá enfrentarse no solo a un mundo que ha cambiado su geografía radicalmente, sino a las limitaciones tecnológicas propias de la edad de piedra.
Y si la dificultad central en la primera temporada para Senju radicaba en reunir aliados y hacerse de algunos instrumentos cruciales para su cruzada; en la segunda, en cambio, el peligro lo representará Tsukasa Shishio, un joven luchador que, tras ser despertado y conocer los planes de Senku, resuelve que la reinstauración de la civilización moderna, con sus aspectos y personajes nocivos, no sería lo adecuado para empezar “un mundo nuevo” que se aleje de los vicios del anterior.
De ahí que el enfrentamiento irreconciliable entre ambas facciones, cada cual con sus aliados, no haga sino explotar en una guerra que probará la fuerza y el ingenio de los participantes, al tiempo que el espectador “toma lecciones” de química, física y biología elemental y se pregunta en el camino si una sociedad basada en la ciencia puede triunfar por sobre la fuerza pura.
Convertido en uno de los shonen más populares del momento, TR adapta el increíblemente popular manga homónimo de Ken Wakui y nos revela una historia de realismo violento sobre las pandillas japonesas de las primeras décadas del 2000, matizada, a la par, con los elementos de ciencia ficción/fantasía de historias de “saltos o viajes temporales” de la talla de Erased, Stein’s Gate o Re: Zero.
Takemichi Hanagaki es un joven de 26 años atrapado en la monotonía de un trabajo mediocre y una vida asediada por la precariedad de una sociedad con brechas sociales espantosas como la tokiota. Un día escucha en las noticias cómo Hinata Tachibana, su ex novia de la secundaria, muere en un accidente junto a su hermano Naoto. Las autoridades sospechan que la responsable fue la Tokyo Manji Gang, una ex pandilla juvenil convertida ahora en una mafia de crimen organizado.
Con eso en mente, Takemichi se encamina a esperar la llegada del metro para comenzar su jornada hasta que, de repente, es empujado a las vías segundos antes de que el veloz vagón lo arrollase. Pero, en lugar de morir aparatosamente (como era lo esperado), Takemichi viaja doce años al pasado, hasta el 2005, momento en el que él era todavía un delincuente de secundaria y salía con Hina.
Después de alterar algunos hechos de relevancia y de cambiar al futuro, Takemichi logrará ir a una línea de tiempo en la que Naoto Tachibana está vivo y labora como oficial de policía. Desde ahí ambos resuelven utilizar el poder de Takemichi para ensamblar un plan de sucesivos viajes al pasado-presente que les permita evitar que la Tokyo Manji Gang pierda el rumbo y acabe causando el incidente donde su amada Hina perderá la vida.
https://www.youtube.com/watch?v=5DOuioA1ouA
El universo de Wakui plantea relaciones de grupos homosociales de varones jóvenes fuertemente anclados a entornos de violencia callejera. Además, logra resquebrajar la imagen arquetípica de un Japón pacífico, civilizado y moderno, para mostrarnos el lado sórdido de las peleas a mano armada, las amenazas, el maltrato intrafamiliar y la desmesurada reputación de las pandillas de un Tokyo post crisis económica. Todo esto bajo el influjo de una estética y cultura Bōsōzoku con todo lo que ello implica: motocicletas modificadas, uniformes extravagantes y que recogen elementos de los trajes militares de la segunda guerra mundial, banderolas y reminiscencias de valores Bushido, especialmente, la defensa del honor y la lealtad a los camaradas.
Fumetsu no Anata e
Director: Masahiko Murata
Estudio: Brain’s Base
Episodios: 20
Emparentada con la literatura de viajes y la de contenido metafísico, FNAE nos muestra el periplo de un orbe que es lanzado por su creador a la Tierra con la finalidad de que aprenda de la vida que aquí existe, crezca, viaje, se desarrolle y pueda experimentar sensaciones orientadas a sublimar su conciencia y, en último tramo, a convertirlo también en una deidad.
El orbe iniciará su existencia terrenal convirtiéndose en una roca, luego asumirá la forma de un lobo vagabundo que morirá sobre uno de sus dorsos y, finalmente, tomará la apariencia del niño esquimal que cuidaba del animal. A partir de allí, el ente conocido posteriormente como “Fushi” emprende un periplo en el que conocerá a personas con las que trabará relaciones de afecto en tanto lucha, en el proceso, con una serie de infortunios y momentos de felicidad que irán humanizándole, a pesar de su cuerpo inmortal y cambiante.
La historia pertenece a la mangaka Yoshitoki Ōima, quien renueva su interés por escudriñar en sus obras la naturaleza del afecto, la memoria y las relaciones sociales en las que priman el dolor, la pérdida y la aceptación. Con FNAE consolida una trayectoria catapultada por la lectoría de trabajos como Koe no Katachi, pero, en esta ocasión, la autora optar por abrir terreno en el subgénero de la fantasía mítica.
86: Eighty Six
Director: Toshimasa Ishii
Estudio: A-1 Pictures
Episodios: 11 (primera temporada) y 12 (segunda temporada de octubre de 2021)
Dueña de una producción impecable, 86 se asienta en el género de la ficción científica y las grandes narraciones bélicas, situando al espectador en un futuro distópico en el que parte de la humanidad es atormentada por la invasión de máquinas exterminadoras de apariencia insectoide llamadas Legión. La República de Magnolia, una nación dirigida por un grupo étnico de piel y cabello blancos, decide repeler el ataque usando robots parecidos a artrópodos a los que denominan juggernauts, mismos que, según dicen sus jerarcas y medios, resultan ser aparatos “no-tripulados”.
Lo cierto es que la República no cuenta con mecanismos de defensa automatizados y, por el contrario, usa como pilotos de sus unidades suicidas a ciudadanos jóvenes (ninguno pasa los 15 años), desprovistos de cualquier derecho y noción de humanidad a los que llaman los “ochenta y seis” debido al nombre del gueto en el que permanecen confinados como animales. Y no dudo que con este trasfondo oscuro habrá más de un espectador que le encuentre similitudes con ese excelenete exponente del género mecha que es Mobile Suit Gundam: Iron-Blooded Orphans.
Nuevamente, las disputas políticas, los rigores de la guerra, el racismo y la violencia ocupan el centro de un anime que pretende dibujar un paralelo entre la crueldad rampante de ciertas sociedades humanas y las peores amenazas para su supervivencia, como el avance de las máquinas asesinas.
Vivy: Fluorite Eye’s Song
Director: Shinpei Ezaki
Estudio: Wit Studio
Episodios: 13
De la mano de gigantes de la animación como Wit Studios (SNK y Vinland Saga), VFES aborda tópicos clásicos en la ficción científica contemporánea como los pormenores de la inteligencia artificial, los dilemas fundamentales sobre el límite de la vida y la muerte, los aspectos más urgentes de la deontología de la ciencia (¿es una buena idea crear conciencias artificiales no humanas?) y el abordaje de las vicisitudes éticas que vienen aparejadas al avance de la tecnología.
El anime se emparenta con las historias de Harlan Ellison que narran la amenaza de un futuro en el que un conflicto con las IA y las máquinas acaba diezmando a los humanos y en dónde, para evitarlo, un científico envía al pasado a una IA aliada con un plan: encontrar al androide cantante Diva y prevenir una serie de hitos trágicos que irán construyendo el apocalipsis a evadir.
Y aquí es donde entra la influencia de autores como Aldiss y P. K. Dick sobre la reflexión de la humanidad en las IA. ¿Sienten? ¿Desean? ¿Sufren? Diva está programada para hacer feliz a la gente con su canto, pero si no queda gente que la pueda escuchar, eso la llevará a replantearse su misión y a asumir la identidad de Vivy para extender su misión inicial y, así, ya no solo cantar, sino pelear por la supervivencia de su público, los seres humanos.
Cada capítulo explora distintas derivas. Una de ellas es la regulación de las IA desde reconocer su identidad como seres sintientes y autónomos hasta la posibilidad de casarse con humanos. Y en medio la lucha de organizaciones terroristas que se oponen a su inclusión en la sociedad y que buscan la erradicación absoluta de dicha tecnología.
El papel del yo y las aspiraciones (como en las obras de Ted Chiang) y el de Diva/Vivy con la adopción de un propósito definido más allá de la “misión” para la que ha sido concebida inicialmente (guiño a las obras de Russ) completan una trama que, con cada escena, se revela brillante y hermosa.
Esta producción es una legítima sucesora de las inquietudes de Mamoru Oshii (Ghost in the Shell) y de animes como Ergo Proxy, Eve no jikan, Psycho-pass, Laín, Inuyashiki, por mencionar ejemplos. Y su virtud subyace en que vuelve sobre un tópico aparentemente agotado y lo redefine/refresca por completo.
Odd Taxi
Director: Baku Kinoshita
Estudio: OLM, P.I.C.S.
Episodios: 13
https://www.youtube.com/watch?v=u2h_–ng8rk
Quizá una de las apuestas más osadas del 2021 fue la serie de tinte noir Odd Taxi. Emparentada a los dramas de cine policiaco que involucran urbes atestadas de gente y taxistas con un pasado oscuro, la narración nos sienta a bordo del vehículo conducido por la “morsa” Hiroshi Odokawa en un Tokyo poblado aparentemente por animales antropomórfico (muy en la estela de Beastars).
Con un final en clave “vuelta de tuerca” y estrategias propias de la ficción de misterio y asesinatos, con Odd Taxi veremos un complejo entramado de relaciones suscitadas en un largo reparto de personajes que, a su vez, nos conducirán a la develación de una cadena de crímenes verdaderamente trepidante.
Odd Taxi nos recuerda por momentos que las trifulcas y conflictos pueden iniciarse aun por los motivos más absurdos o inverosímiles y que, tristemente, nadie suele ser lo que aparenta en realidad. Puro músculo de monólogos, diálogos y guion.
Super cub
Director: Toshiro Fuji
Estudio: Estudio Kai
Episodios: 12
Super cub fue una de las sorpresas gratas de la temporada. Con una paleta de colores pastel y diseños cuidados al dedillo, el anime que adapata las novelas homónimas de Tone Kōken se propone a mostrar que a veces son las historias modestas las que acaban redefiniendo el modo en que percibimos nuestro entorno y entendemos a los otros.
Koguma es una estudiante de preparatoria del área rural de Mukawa de Hokuto en la Prefectura de Yamanashi. Es tímida, muy callada y lleva una vida solitaria en casa sin sus padres. Su jornada cotidiana se desliza bajo un manto de melancolía rutinaria y, con frecuencia, se siente atrapada en un tedio que, aunque no lo exteriorise, hace que sus días luzcan en retrospectiva apagados.
Una tarde decide pasar por la tienda local de scooter y motocicletas con la finalidad de averiguar si contaba con el dinero suficiente para adquirir algún modelo que le permita dejar de pedalear la pendiente que separa su casa de la escuela. Sin embargo, pronto constata que no podría comprar ningun vehículo con sus fondos actuales.
Por suerte para Koguma, el dueño de la tienda le ofreció un modelo de motocicleta Honda Super Cub usada y gracias a ello su vida empezaría a cambiar. Ahora, junto a su pequeña cub, Kaguma irá afianzando su seguridad, viajará por su cuenta a donde ella quiera, podrá trabajar a medio tiempo e, inclusive, forjará nuevas amistades con otras chicas de su escuela.
Super cub es un homenaje audiovisual a la sencillez y la ternura de los pequeños triunfos cotidianos.
La historia matriz se inicia con Kyōya Hashiba, un joven economista de 28 años, amante del manga y los productos de la cultura popular japonesa que pasa sus días en un trabajo extenuante dentro de una compañía independiente de videojuegos y novelas visuales.
Kyōya sabe que con su profesión podría estar trabajando en alguna área más sólida o lucrativa, pero prefiere quedarse en el rubro de trabajo que ha escogido dado que es la forma que halló para mantenerse cerca del trabajo de muchos de los artistas que admira y que conforman, entre escritores, ilustradores y músicos, la muy prestigiosa “generación de platino”.
Sin embargo, no importa cuanto esfuerzo o dedicación le haya puesto a su trabajo individual, esfuerzo que muchas veces acaba excediendo sus funciones y lo obliga a desempeñar un sinfín de tareas que no le son remuneradas; para su infortunio, el grueso de los proyectos en los que participa fracasa estrepitosamente, a veces porque la propia empresa entra en bancarrota debido a la ferocidad de la competencia del mercado o porque no hubo una buena acogida del público.
Así que, tras caer en el desempleo (por segunda vez), Kyōya retorna a casa de sus padres, siendo el hermano mayor de su familia (lo cual en la sociedad oriental tiene una pesada carga estigmatizatoria). En ese sentido, es interesante el viso exploratorio que BNR hace del fracaso y el estrés que sufren muchos jóvenes trabajadores nipones frente a condiciones laborales difíciles y que, de hecho, han orillado a más de uno a periodos anímicos complicados, cuando no al hermetismo o, en el peor de los casos, al suicidio.
https://www.youtube.com/watch?v=fFNK9IiJL-0
Una tarde antes de quedarse dormido, se pregunta qué hubiera pasado si en lugar de preferir economía, bajo la promesa de un futuro sólido, seguía una carrera que se adecuase a su vocación en la universidad de artes a la que también había ingresado.
Al despertar, nuestro protagonista inexplicablemente se encuentra con que ha viajado al pasado justo al preciso momento en el que debe decidir a qué universidad irá. Por lo que esta vez decide «hacer las cosas bien» y probar suerte con su vocación. ¿Qué consecuencias traerá ello para las personas que conoce? ¿Qué sucederá con “la generación platino”? ¿Qué pasará con el futuro añorado? Son preguntas que la primera temporada de la adaptación de la novela ligera escrita por Nachi Kio e ilustrada por Eretto nos plantea siempre desde el cifrado en la metodología del slice of life y las historias de saltos temporales y vidas alternativas.
Tsuki ga Michibiku Isekai Douchuu
Director: Shinji Ishihira
Estudio: C2C
Episodio: 12
TGMID bien puede ser agrupado en la categoría de anti-isekai, un sub género que toma las mecánicas narrativas del isekai y las retuerce al punto de elaborar una parodia o un pastiche (como es el caso de KonoSuba) o, incluso, reconstruir un producto completamente distinto al esperado, desafiando los lugares comunes que tradicionalmente se reservan a los héroes protagonistas de los isekai genéricos y buscando, en el camino, presentar protagonistas desprovistos del carácter de “elegidos” o de “héroes benditos”.
TSUKIMICHI es un ejemplo de esta reinvención que encarna en el accidentado camino de Makoto Misumi, un muchacho que, de improviso y sin que pueda hacer nada para evitarlo, es llamado por una diosa a un mundo mágico donde deberá cumplir el rol de héroe, justo como en algún momento lo fueron sus propios padres.
Por desgracia Makoto es rechazado por la diosa (debido a que su apariencia física le resulta repulsiva a la deidad) y es arrojado a un yermo moribundo únicamente acompañado por la bendición de Tsukuyomi-no-Mikoto, el único dios que, tras ver cómo ha sido desechado, acabó compadeciéndose de él.
De ahí en adelante, el pobre y «feo» Makoto deberá empezar su nueva existencia casi alejado de los humanos, para quienes resulta también una criatura desagradable y extremadamente poderosa (esto último debido a razones que se irán desarrollando a lo largo de la trama).
Felizmente, en el camino, Makoto forjará aliados entre criaturas no humanas como el Dragón Shen y la Araña negra de la calamidad, quienes, personificadas como dos mujeres del japón feudal, le ayudarán a establecer sus propios dominios y, de esa forma, ir dando cobijo a diversas razas de seres fantásticos desplazados por alguna catástrofe acontecida en aquel nuevo universo.
Bien podemos apuntar que TSUKIMICHI, en conclusión, cuenta una aventura rocambolesca que utiliza la comedia de situaciones y explota los ya desgastados tópicos del isekai para desarrollar una historia de héroes alternativa.
Sonny Boy
Director: Shingo Natsume
Estudio: Mad House
Episodios: 12
Es difícil apuntar cuál es el punto de Sonny boy, uno de los aciertos originales de Mad House en el 2021, pero si es posible señalar que hay una idea desarrollada a lo largo de sus doce capítulos lleno de un onirismo surrealista que va más allá de lo estrafalario: graficar lo difícil que es crecer.
La historia central no tiene un ritmo predecible y creo que en ello radica su acierto. Lo único que el espectador sabe es que un grupo de chicos es trasladado, junto a su escuela entera, a un espacio vacío que irá mutando en diferentes realidades y dimensiones, mismas que interactuarán caóticamente con los poderes sobrehumanos que casi todos han conseguido de forma inexplicable. El objetivo será, entonces, volver al mundo que conocen y retomar el ritmo de sus vidas.
Nakano, Nozomi, Mizuho y Asakaze serán algunos de los protagonistas conductores del relato. Y gracias a las transformaciones que irán operando en sus personalidades, con ellos el espectador notará que, a pesar de lo estrafalario de las aventuras episódicas del grupo, el propósito de la serie subyace en la formación de vínculos afectivos y el crecimiento personal de cada uno.
Sonny boy nos muestra que cada persona es moldeada a través de sus experiencias, fracasos, temores y logros. Por lo que la madurez, además de ser un proceso que está lejos de ser único y homogéneo, radica también en hacerse cargo de la persona que somos y, de ese modo, plantar cara al porvenir, alejados de un individualismo que nos aparta de los demás.
Vanitas no Carte
Director: Tomoyuki Itamura
Estudio: Bones
Episodios: 24
Dirigido por Tomoyuki Itamura, director que ha sido responsable de llevar a buen puerto la saga vampiresca de Monogatari, Vanitas no Carte estructura desde la sensualidad de las formas y sendas cuotas de erotismo un relato clásico de vampiros en un Paris decimonónico en el que, a su vez, cunde la leyenda del vampiro Vanitas de la luna azul y la maldición que supuestamente este ha urdido en un grimorio para exterminar a los demás vampiros nacidos bajo el influjo de una luna de sangre.
Lastrados por el peso de esta amenaza, nuestro protagonista, el joven médico humano Vanitas (discípulo de la criatura legendaria) y el vampiro Noe se lanzan en una cruzada para demostrar que el referido grimorio en vez de aniquilar a los otros vampiros puede curarlos de una maldición que los corrompe al punto de convertirlos en bestias descontroladas.
Para conseguirlo, la pareja de protagonistas deberá enfrentar en su trayecto los prejuicios arraigados en la sociedad vampírica, la iglesia del mundo humano y, por sobre todo, tendrán que encontrar la manera de acabar con un ente al que denominan “El charlatán”, culpable de esparcir la maldición que está erradicando poco a poco a los vampiros nacidos la noche de una luna de sangre.
Siempre desde una estética performativa cercana a lo queer y al goce por lo peculiar y estridente, la sexta entrega de la saga familiar Joestar concebida por el gran Hirohiko Araki nos presenta a Jolyne Cujoh, hija del ya famoso Jotaro Kujo, mientras trata de sobrevivir a una condena en la prisión estadounidense Green Dolphin Street después de que fuera encerrada por un crimen que no cometió.
Tales circunstancias obedecen al plan de Enrico Pucci para acabar de una vez por todas con la familia Joestar. Ello, por cuanto Enrico, además de ser un sacerdote y portador de un peligroso stand, resulta ser uno de los últimos discípulos insignes del vampiro Dio Brando, quien, a estas alturas se consolida como uno de los más grandes villanos mesiánicos del shonen y el causante de todas las desgracias padecidas por cada uno de los Jojos desde hace casi doscientos años.
En esta primera temporada distribuida por Netflix bajo la tónica de una serie occidental de escape de la prisión, Jolyne y sus camaradas no solo deberán evitar ser asesinados por los secuaces de Pucci, sino que esta vez han de salvar a Jotaro, quien ha sido despojado de sus memorias y de su poderoso stand Star Platinum como parte de un plan complejo de Pucci para, según las propias palabras del antagonista y siguiendo las indicaciones de su maestro Dio, “alcanzar el cielo en la Tierra”.
Komi-san wa, Komyushou desu.
Director: Ayumu Watanabe y Kazuki Kawagoe
Estudio: OLM
Episodios: 12
Quizá una de las comedias románticas del año, Komi-san acaba haciendo una muy esperada entrada después del éxito de su manga escrito e ilustrado por Tomohito Oda desde 2016.
En esta adaptación en formato corto (esto es de dos o tres minicapítulos por episodio) nos acercamos a la vida escolar de la joven Shouko Komi, quien padece de un desorden comunicativo que le impide relacionarse con otros normalmente, por lo que debe utilizar un cuaderno para comunicarse. A eso se suma el hecho de que Shouko es considerada por los demás prácticamente como una «diosa» gracias a su belleza y coportamiento «reservado».
Rodeada de un grupo de amigos y amigas peculiares y que parodian diversos estereotipos propios de este subgénero de ficciones, Tadano Hitohito forma una relación de confianza con Komi y se propone a ayudarla a alcanzar su sueño de tener cien amigos con los cuales poder crecer. Claro, sin sospechar que, con el tiempo, ambos llegarán a albergar sentimientos románticos el uno por el otro.
https://www.youtube.com/watch?v=lE__9gZoUBk
Como en el manga, el tratamiento episódico ayuda a dotar de dinamismo a la serie, pero el punto fuerte reside en varios de sus personajes que, con frecuencia, impulsarán la trama y dispararán los conflictos nodulares o, simplemente, apoyarán la meta de la protagonista, ayudando a su desarrollo personal y a que cada vez pueda relacionarse con otros. Tal es el caso de Osana Najimi, una persona de genero fluido que se volverá el cómplice de Tadano y Komi en su objetivo de socializar con más y más personas.
Recientemente se ha anunciado la segunda temporada del anime para 2022 y, de acuerdo a lo que hemos visto en el manga, la incorporación de un nuevo grupo de compañeros hará de las interacciones del grupo base conformado por Komi-Najimi-Tadano un dechado de experiencias que van desde las enternecedoras a las desopilantes.
Mieruko-chan
Director: Yuki Ogawa
Estudio: Passione
Episodios: 12
Mieruko-chan fusiona los motivos tiernos de cualquier slice of life de colegialas con escalofriantes monstruos sacados de la peor imaginería fantasmagórica japonesa. Razón por la que no pocos la han calificado de una fusión entre lo moe y las ilustraciones perturbadoras de Junji Ito.
Miko Yotsuya es una chica de preparatoria que de improviso un día nota que puede ver espíritus, yokai y fantasmas tenebrosos que nadie más parece distinguir. Al principio creerá que todo es fruto del estrés, pero pronto se percatará que estas criaturas intentan insistentemente llamar su atención en tanto que ella trata mediante cualquier método de ignorarlos para evitar cualquier tipo de consecuencia nefasta para ella o para las personas que la rodean.
Entre el horror y algunas dinámicas del ecchi y la demografía shonen, Mieruko chan es una interesante adaptación del manga homónimo de Tomoki Izumi y un ejercicio curioso para un genero a veces saturado como el sobrenatural.
Ousama Ranking
Director: Yousuke Hatta
Estudio: WIT Studio
Episodios: 23
Ousama ranking se ha convertido en el favorito de muchos espectadores por muchas razones, sin embargo, me gustaría enlistar dos de las más potentes. La primera es su revisión de un género clásico en la literatura occidental: los cuentos de hadas de reyes y príncipes en entornos medievales. Y la segunda, es la construcción de un reparto atípico estelarizado por nuestro protagonista Boiji, un joven y pequeño príncipe sordomudo de quien todos se burlan a pesar de ser el heredero al trono, y su aliado Kage, una criatura hecha de sombras que, al ser el último sobreviviente de su clan, llega a simpatizar con el niño después de arrepentirse de robarle diariamente sus ropas y ver cómo los demás lo trataban con desprecio.
En este mundo propio de los Märchen europeos, existe un ranking global que mide el poder de todos los monarcas existentes. Los reyes pelean por hacerse con el número uno y libran proezas sobrehumanas y hasta batallas titánicas contra monstruos por hacerse de posiciones cada vez más altas. El sueño de Boiji es poder ser el Rey más poderoso de todos, a pesar de sus limitaciones/habilidades diferentes y, sobre todo, a pesar de las mofas y la subestimación que los demás le reservan.
A lo largo de la primera temporada, acompañaremos a Boiji en el inicio de su viaje para alcanzar su sueño. Al mismo tiempo, veremos desde intrigas palaciegas, que sucederán tras la muerte del Rey padre de Boiji, hasta la irrupción de elementos sobrenaturales con criaturas mágicas, demonios, contratos oscuros, posesiones corporales y, por supuesto, batallas animadas bajo la calidad a la que Wit studio ya nos tiene acostumbrados.
Blue period
Director: Koji Masunari
Estudio: Seven Arcs.
Episodios: 12
Hay opiniones escindidas respecto a la adaptación televisiva que se ha hecho del manga de Tsubasa Yamaguchi. Pues, aunque se le emplaza el hecho de no haber adaptado algunos paneles icónicos de introspección y optar por un ritmo un tanto más veloz, tampoco puede desconocerse el destacado trabajo de una animación fluída y el calado de su mensaje: el arte no se construye únicamente de talento, sino de un continuo ejericio de ensayo y error, práctica, entrenameinto, constancia y creatividad. Si se quiere, un punto de vista cuasi flaubertiano.
Aquí es cuando conocemos a Yatora Yaguchi, un joven que, a pesar de sus buenas calificaciones y de su reputación rebelde entre sus colegas, no puede dejar de sentir un profundo vacío interior atizado por la proximidad del término de sus estudios.
Gracias a la guía de sus compañeros y maestras, Yaguchi comprende que lo que quiere hacer después de la escuela es dedicarse al arte, asumiendo los riesgos que aquello implica y aceptando que, hasta ahora, nunca había intentado dibujar o pintar en serio (lo que lo pone en desventaja frente a quienes lo han hecho toda su vida), pero animado por el recuerdo del amanecer azul profundo que solía ver en las calles desiertas de Shibuya.
El anime nos irá mostrando el proceso de autoconocimiento de Yatora y de sus amigos, así como las decisiones que los llevarán a postular a la competitiva Universidad de Artes de Tokyo, haciendo al espectador parte de sus sesiones de estudio y horas de trabajo con miras a pasar el examen de ingreso (uno de los más competitivos del país).
Considero que uno de los puntos sólidos de la narrativa consiste en airear los conflictos personales que afectan a los protagonistas de Blue Period. Por ejemplo, tales desarrollos abarcan desde Yatora y su inseguridad al compararse con otros aspirantes a artistas (una inseguridad en parte alimentada por la precaria situación económica de su familia) hasta situaciones mucho más algidas y complejas, como la padecida por Ruka-chan al estar atrapada en un hogar paterno disfuncional y profundamente homofóbico/transfóbico.
De cualquier forma, Blue Period es un ejericio para pensar en el arte y, por sobre cualquier otro detalle, en la fragilidad de quienes quieren dedicarse profesionalmente a alguna de sus disciplinas.
Supercrooks
Director: Motonobu Hori
Estudio: Bones
Episodios: 13
Basado en el universo de cómics creado por Mark Miller, el también director de otra joya de estilo sobrio y animación preciosista como Carole & Tuesday nos trae una épica que contribuye a engrosar la lista de adaptaciones audiovisuales críticas con las producciones de super héroes y sus arquetipos desgastados.
De hecho, uno de los aciertos de Supercrooks es que parte de la visión del mundo desde los ojos de los villanos de poca monta, carreados constantemente a la prisión, con vidas marginales y mucha mala suerte por doquier, y la unifica a los argumentos minuciosos de las series criminales de estafas elaboradísimas, al mejor estilo de The great pretender.
Así, seguiremos las desventuras de Johnny Bolt desde su juventud, cuando descubre sus poderes eléctricos y accidentalmente mata a casi todos sus conocidos en un día de piscina, hasta su adultez cuando se convierte en un ex presidiario y criminal de baja estofa, acostumbrado a fracasar con rotundidad y perdidamente enamorado de su novia Kasey Anne, un psíquica que desea tener una vida funcional y un “gran golpe” que le permita hacerse millonaria.
No obstante, las cosas se complican cuando Johnny y Kasey son reclutados por el villano en retiro Heat y, junto a una cuadrilla de desadaptados con poderes estrambóticos, deban lanzarse a una misión que puede volverlos ricos o matarlos.
La construcción de una estética tributaria a la de ciertos suburbios americanos de finales de los ochenta, la irrupción de música funky, la banda sonora, el estilo de vestimenta de los personajes, la construcción proverbial de un opening que hace alarde de la capacidad de la animación que veremos en la serie, son algunos de los elementos invaluables de cada una de las doce entregas que conforman el total de la obra.
Sin duda, la trama del anime se mantiene en constante tensión y, gracias a sus giros, podremos atestiguar el desenvolvimiento de una sociedad planteada por el grueso de los cómics del millarworld, donde un grupo de super héroes rigen por sobre la justicia, sin ser ajenos ni a la corrupción ni a los escándalos, y donde los sindicatos del crimen buscan un lugar en el mercado para mantener un equilibrio que nunca llega. Supercrooks, en ese sentido, se emparenta más a trabajos como Watchmen del británico Alan Moore y el The boys de Garth Ennis. Y este solo hecho aporta el frescor necesario para un subgénero que en la actualidad es famoso en el shonen por sus dinámicas de escuelas heróicas (Boku no Hero Academia) o por los esquemas de rankings (One Punch Man).
Tal vez esta apuesta por el anime de calidad sea una señal satisfactoria para quienes creemos que la animación oriental puede llevar a las ficciones occidentales a un potencial que, muchas veces, resulta tristemente desaprovechado por live-action fallidos como el ya cancelado Jupiter’s Legacy. Por lo menos Netflix ya lo notó.
¿Quién no ha soñado de pequeño con ser un superhéroe? No lo puedes negar, tengas la edad que tengas, que en algún momento de tu vida te has puesto una sabana como capa, e imaginabas que volabas por lo cielos para combatir el mal y salvar a los inocentes. No importa si eres hombre o mujer, todos hemos querido ser algún superhéroe, quizá en un principio los superhéroes de Marvel o DC o porque no, un Power Ranger, hasta que después llegaron a nosotros los superhéroes de universo del manga y anime. ¿Cuántas veces quisiste ser Goku y transformarte en un Super Saiyajin para salvar al planeta tierra? ¿Te acuerdas cuando invocabas el poder el Prisma Lunar para convertirte en una Sailor Scout? Todos en algún momento hemos querido ser ese superhéroe que salva al mundo.
My Hero Academia (Boku no Hiro Akademia por su nombre en japonés), nos trae un mundo donde se puede ser un superhéroe, o por que no, un super villano. Con su quinta temporada recién estrenada (27 de marzo del 2021), este anime nos acerca a un mundo donde el 80% de la población nace con algún super poder y donde muchos aspiran a ser el más grande héroe que ha existido.
La historia nos trae la vida de Izuku Midoriya, un adolescente quien desde muy niño aspiraba a ser un gran superhéroe como su ídolo, All Might, el símbolo de la paz y el más grande héroe de todos los tiempos, pero que lamentablemente con el pasar de sus primeros años, le dan la noticia que pertenece a ese 20% de la población que nace sin poderes, o como se le conoce en ese mundo, sin Quirks. A pesar de todo esto, el mismo Izuku Midoriya nos cuenta desde el opening como llegará a convertirse en Deku, en el más grande héroe de todos los tiempos, superando incluso a su ídolo, All Might.
Si no le has dado una oportunidad a esta serie, realmente te lo recomiendo. Vas a encontrar batallas intensas, vínculos de amistad y lealtad bastantes grandes, poderes realmente curiosos y muchos valores y sentimientos por hacer las cosas como un símbolo de la paz lo haría.
***ALERTA DE SPOILERS***
La quinta temporada nos trae una nueva realidad. Con la última batalla de All Might, donde dejó todo en el campo de batalla, y cuando nos referimos a todo, nos referimos a haber perdido sus poderes, ya que como podemos recordar, en las temporadas anteriores, su cuerpo cada vez que peleaba, le daba un máximo de tiempo en el que podía estar a todo su poder.
El símbolo de paz nos dejó y ahora todos los ojos están sobre el héroe número 2 del mundo, Endeavor, quien tendrá la difícil tarea de ser este símbolo de la paz, después de haber vivido tantos años en la sombra de All Might. Y esta tarea no será nada fácil, ya que en el último capítulo de la temporada 4, vimos una increíble batalla entre Endeavor y un Nomu, la cual a duras penas es ganada por nuestro nuevo héroe numero 1.
La quinta temporada tiene un inicio interesante, viendo nuevamente como Izuku Midoriya y sus amigos de la clase A1, siguen aprendiendo a desarrollar y controlar sus habilidades a fin de poder ser los más grandes héroes de su generación, con difíciles tareas que les ponen en la Academia U.A., y donde serán ayudados por los 3 mas grandes estudiantes de esta (conocidos como “Los 3 Grandes”), Nejire Hado, Tamaki Amajiki y Mirio Togata (de quien me gustaría hablar en otro artículo). Después de entretenidas situaciones veremos a la clase A1 salir victoriosos.
Pero lo interesante no termina ahí, lo mejor de este primer capitulo de esta quinta temporada, es la escena post créditos, donde vemos a Endeavor tendido en una camilla de hospital, quien comienza a recordar lo que había pasado. Endeavor, herido y agotado, sin poder moverse después de haberle ganado por la mínima diferencia a Nomu, y a punto de desmayarse y es auxiliado por Hawks (el ahora héroe numero 2), mientras entre el humo y polvo aparece Dabi, uno de los miembros de la Liga de Villanos y para intercambiar unas palabras con Endeavor a modo de reto diciéndole que es la primera vez que se ven cara a cara, luego de esto Endeavor despierta en su habitación del hospital pensando en el futuro que le espera. Finalmente, vemos a Dabi en una especie de almacén diciéndole a alguien que esta tarde a su encuentro, esta persona termina siendo Hawks.
¿Qué significa esto? ¿Hawks esta yendo a pelear contra Dabi o estamos a punto de presenciar una nueva alianza, y por lo tanto una traición al mundo de los superhéroes? ¿Bajo este pensamiento, Deku y sus amigos, tendrán que adelantar su proceso de convertirse en héroes para ayudar a Endeavor y demás?
Definitivamente, Boku No Hero se viene con muchas intrigas para esta quinta temporada.
