Proyecto Sugoi

Categoría: Anime

  • Recomendaciones de Anime y Manga 2021

    Recomendaciones de Anime y Manga 2021

    A continuación las recomendaciones de Anime y Manga que hemos visto a lo largo del 2021, ha sido realizado por algunos integrantes de nuestro equipo

    Rafael Flores

    Promare (2019)

    Dir. Hiroyuki Imaishi

    La combustión espontánea se convierte en metáfora de cismas raciales en el último largometraje de Hiroyuki Imaishi. El director de notables animes como Kill la Kill (2013) y Gurren Lagann (2007), apuesta en Promare por un relato de ciencia ficción con trazos de reflexión antropológica. Promare coloca en el núcleo de la anécdota a Galo Thymos, un tenaz bombero que debe luchar contra los «bruñidos», un colectivo de mutantes que pueden crear llamaradas con sus manos. Sin embargo, su misión será interrumpida por Lio Fotia, el líder de los bruñidos, y quien le hará cuestionarse a Galo la presunta naturaleza letal de los mutantes, y la honestidad del gobierno que el joven bombero defiende. Nunca tanta acción trepidante y estroboscópica estuvo acompañada de una reflexión tan llana y lúcida sobre el estado actual de las cosas. El fuego de esta cinta no solo está en los colores, sino también en su sustancia.

    Nuestra guerra de los siete días (2019)

    Dir. Yuta Murano

    Este drama adolescente es la segunda adaptación de la exitosa novela homónima de Osamu Soda. Dicha novela data de 1985 y cuenta la historia de Mamoru, un tímido jovencito que decide escaparse junto a su amor platónico, Aya, como una forma de evitar que esta se mude a Tokyo. Junto a otros amigos, huirán a una mina abandonada para conmemorar su escape con la celebración del cumpleaños número diecisiete de Aya. Sin embargo, su situación se complicará cuando se crucen con un niño inmigrante buscado por la policía. Esta cinta es dirigida por Yuta Murano, quien dosifica con solvencia diversos elementos como la pérdida de la inocencia, la ilusión del primer amor, la xenofobia e incluso la identidad de género. En 90 minutos, el relato transitará de la típica ficción romántica nipona hacia un agudo reflejo de la sociedad y el rol de los más jóvenes dentro de ella. Y el desenlace ofrece una vuelta de tuerca que trastoca la naturaleza de la cinta aún más. El idealismo en Nuestra guerra de los siete días viene acompañado de un final agridulce, pero sereno y optimista, que rehuye la solemnidad cursi: atributos raros en el cine popular contemporáneo.

    Los dioses mienten (2014)

    Mangaka: Kaori Ozaki

    Kaori Ozaki cuenta en este manga de un tomo la historia de Natsuru y Rio, un aficionado al fútbol y una niña que vive sola junto a su hermano pequeño. La anécdota adopta como escenario un verano de vacaciones escolares, donde ambos jovencitos se confesarán secretos por doquier. Este breve drama romántico privilegia las viñetas bucólicas y cotidianas de un Japón contemporáneo, y a través del romance adolescente se filtra una dura crítica a una sociedad incapaz de hacerse cargo de sus infantes. Si bien algunas escenas rozan lo inverosímil, el uso eficaz de la elipsis y la claridad de la narración le permite a Kaori Ozaki elaborar un ameno título de transición adolescente que es al mismo tiempo un canto al amor y un llanto anti autoritario. ¿Quién dice que la rebeldía no puede ser sentimental?

    Nos llamaron enemigo (2020)

    Autores: George Takei, Justin Eisinger y Steven Scott
    Ilustradora: Harmony Becker

    George Takei es el famoso actor nikkei que interpretó por varios años a Hikaru Sulu, el timonel de la famosa nave USS Enterprise de Star Trek. Nos llamaron enemigo es un relato en forma de novela gráfica que da cuenta del episodio más oscuro para la comunidad nikkei en Los Estados Unidos del siglo XX: en el año 1942, el presidente Roosevelt autorizó que alrededor de 120 mil personas de ascendencia japonesa fueran trasladadas a campos de concentración, con la finalidad de relocalizarlos. Estas conmovdoras memorias toman el testimonio de Takei y son adaptadas al lenguaje de los cómics de la mano de dos escritores, Justin Eisinger y Steven Scott. El apartado gráfico queda a cargo de Harmony Becker, quien utiliza sus pinceles para recrear aquella atmósfera hostil con melancolía monocromática y perfiles orviculares. El relato, a pesar de la distancia con que se rememora, tiene poco de amable y, por el contrario, se aboca a mostrar las penurias y los abusos que se cometieron contra la población nikkei como consecuencia de los ataques a Pearl Harbor. Es un documento valioso que visibiliza un episodio poco conocido de la historia contemporánea y denuncia los peligros de la xenofobia cuando se vuelve política de estado. Porque la violencia más cruel es la que se comete con la anuencia de las mayorías.

     

    Alexandra Arana

    Kageki Shōjo!!

    Editorial: Seven Seas Entertainment
    Idioma: inglés
    Género: shōjo
    Fecha de publicación:
    • Kageki Shōjo!! The Curtain Rises: precuela, noviembre 2020
    • Kageki Shōjo!!: tomo 1 y 2, julio de 2021 y setiembre 2021
    Anime: Estudio Pine Jam, 2021

    El manga nos presenta a Sarasa Watanabe, una chica alegre y radiante que estudia en la escuela de teatro Kouka y cuyo mayor deseo es ser otokoyaku. El primero día conoce a Ai Narata, cortante, fría y reservada, quien fue integrante del grupo idol JPX48 y se inscribe en la escuela para no tener que lidiar con los fans ni con los hombres. En el proceso, las dos jóvenes se convierten en mejores amigas y descubren más sobre sí mismas en el aprendizaje de la actuación.
    El manga es una reflexión sobre las artes escénicas en Japón ―desde el teatro kabuki, hasta el Takarazuka y las presentaciones idol―, donde cada una tiene sus peculiaridades. Así, si bien Sarasa puede implementar algunos principios del teatro Kabuki en Kouka, este último la anima a buscar su propia marca y darle una personalidad a su actuación. De igual manera, Ai, quien está habituada a los escenarios de conciertos idols y cuya personalidad podía ser percibida como un treat que le añadía carisma a su actuación, requiere sanar su pasado y permitirse sentir para brindar una actuación sincera.
    Otros elementos a tomar en cuenta son las múltiples referencias al anime y el manga, como La rosa de Versalles, JoJo, entre otros, y el diálogo entre la tradición y la modernidad, una premisa muy presente en la tradición del shōjo y en otros animes con temática musical como Love Live!.

     

    André Ramos Jiménez

    Brothers by Blood

    Brothers by Blood es un cómic de la artista peruana Gabriela Macchi, que empezó a publicarse en Webtoon Canvas y este año pasó a ser uno de los originales de Webtoon Latinoamérica.
    “Un día nos despojaremos de colores, de fronteras, creencias y patrones, quedaremos simplemente humanos y entenderemos entonces, al fin, que tenemos manchadas las manos con la sangre de nuestros hermanos”, con estas palabras empieza esta historia que nos presenta a Ernesto, un carismático y valiente niño, cuya vida cambia rápidamente cuando su familia es arrestada, y a Alexander, un militar que pese a verse obligado a cumplir su deber, ayuda a Ernesto y de esta manera se crea un vínculo que cambiará el destino de ambos y de sus naciones. Brothers by Blood presenta distintos problemas sociales, que ocurren en Perú y en general en Latinoamérica, que hacen que la historia conecte rápidamente con sus lectores, además que hay varias referencias a la cultura peruana y sus costumbres. La historia destaca por su calidad visual y también porque combina muy bien el drama y la comedia, además, el uso de recursos narrativos como el cliffhanger hace que el desarrollo de la historia sea más interesante y entretenido.
    Pueden leer Brothers by Blood accediendo al siguiente enlace

    Fumetsu no Anata e

    La autora de Fumetsu no Anata e, Yoshitoki Oima, también creadora de Koe no Katachi, presenta una historia cargada de emociones, en la que se puede notar su gran estilo de dibujo y la forma característica en que desarrolla los temas sobre las relaciones humanas. También conocido como To Your Eternity, este anime cuenta con veinte episodios realizados por el estudio Brain’s Base y narra la historia de una misteriosa forma de vida inmortal que ha sido enviada a la Tierra y es capaz de copiar la forma de otros seres vivos, una vez que esté en contacto con ellos. De esta manera, el protagonista empieza un viaje de aprendizaje, en el que desarrolla emociones, aprende a hablar y a relacionarse con otros personajes, lo que influye en su crecimiento y desarrollo como personaje, además, hace que cuestione su existencia y sus motivaciones. Se ha anunciado una segunda temporada para el 2022, así que si aún no has visto esta obra, estás a tiempo de subirte a una montaña rusa de emociones y dejarte llevar por el misterio y la fantasía.

     

    Natalia Jaira

    Under the Oak Tree

    (Bajo el Roble/ título original coreano: Sangsurinamu Arae 상수리나무 아래)

    Escritora Suji Kim
    Ilustrado por la artista P
    Guión para manhwa Namu.
    Para la plataforma Ridi (Coreano)/MANTA (inglés)
    Manhwa Josei, romance adulto, fantasía épica, misterio; cuenta con novela ligera

    Exitoso manhwa de temática Josei que recrea un mundo de fantasía épica occidental al estilo del Señor de los Anillos o Game Of Thrones. El Manhwa está basado en la novela ligera del mismo nombre de la escritora coreana Suji Kim, que ha sido considerado un bestseller en Corea con el primer tomo lanzado el 2017. Actualmente, se está publicando el segundo tomo de la novela que se entrega por capítulos en la webtoon coreana Ridi. Como manhwa tiene una temporada completa y la segunda está anunciada para vísperas de navidad en la plataforma de Manta en versión inglés.

    La historia gira en torno al desarrollo de la relación de dos personajes/pareja: Maximilian Croix (Maxi) y Lord Riftan Calypse en el reino de Wedon, un mundo inspirado en el siglo XV europeo. Maximilian es la hija mayor del Duque Croix, un ambicioso y perverso noble que no duda en entregar en matrimonio a su hija para salvarse de la responsabilidad de batallar contra la amenaza del Dragón Rojo.

    Ella ha crecido con muchas inseguridades y maltratos por parte de su padre, pero al ser de origen noble y mujer, tiene que aparentar ser feliz y buena hija. Riftan Calypse es el Comandante General de los caballeros Remdragon y es considerado el mejor guerrero del reino. De orígenes humildes, ha sufrido discriminación y exclusión desde su infancia; pero todo ello cambia cuando tuvo la oportunidad de demostrar su gran habilidad y fuerza en las batallas, lo que incluye la derrota del Dragón Rojo por sus propias manos. Ambos personajes unen sus vidas a través de un matrimonio arreglado políticamente por el Duque, lo cual hace que al principio se sienta una tensión emocional violenta entre ambos personajes, pero que irá disipándose a lo largo del desarrollo de la convivencia de la pareja. El diseño de los personajes es bastante atractivo y la historia es contada de manera ágil y dinámica, se debela varios secretos a lo largo de la trama y tiene contenido adulto sugerente. Esta obra ha ganado diversos premios como el más consumido por el público global y ha participado en el Stand oficial de Manta en la Comic-Con de San Diego de Noviembre 2021.

    Midnight PoppyLand

    (Poppy a la medianoche) (2020)

    Autora: artista y escritora coreana Lily Dusk
    Plataforma Webtoon
    89 capítulos a la fecha, 2 temporadas en emisión, disponibles en versiones inglés y castellano.
    Manhwa Josei, comedia romántica, policial, adulto-contemporáneo.

    Poppy es una joven editora que acaba de mudarse a la gran ciudad. Un día decide regresar a su pueblo para sorprender a su novio, pero la sorprendía resulta ser ella ya que lo descubre engañándola con otra chica. Herida y con muy mala suerte, de regreso a la ciudad tiene un accidente con su moto en la carretera. Allí se encuentra con las pistas de lo sería un misterioso ajuste de cuentas entre los clanes de la mafia de la ciudad. Tora, guardaespaldas y miembro de la corporación Balthuman, es uno de los hombres de mayor confianza de la organización y parte de la mafia.

    Por asares del destino encuentra a Poppy en el lugar donde dejaron las evidencias que involucran a su organización, y debe averiguar si ella está ligada con dicho incidente, comenzando así la aventura entre ambos personajes. Comedia romántica con mucha acción, misterio, desarrollo de personajes y aprendizaje sobre el autoconocimiento de las emociones y el amor propio. Esta historia ha ganado el reconocimiento de la plataforma Webtoon con una de las mejores series del año así como del gusto del público global debido a que se lanzó primero en inglés y en castellano, facilitando así su distribución por canales oficiales. Su autora tiene contacto directo con los fans a través de su cuenta Patreon donde desarrolla historia paralelas y dibujos sugerentes (+18) sobre la trama romántica entre la pareja de Tora y Poppy.

    Josefina. La emperatriz de las rosas

    (4 volúmenes)
    Guión Kaoru Ochiai
    Mangaka Yumiko Igarashi.
    Versión en castellano Arechi Manga (2021).
    Manga shojo, narrativa histórica, romance, drama.

    Manga que cuenta la vida de Josefina Bonaparte, esposa de Napoleón Bonaparte y emperatriz de Francia durante la Era Napoleónica a principios del s. XIX. Este manga salió a raíz del interés de la dibujante, Yumiko Igarashi, por la historia de Francia, país donde sus obras han tenido gran recepción debido al éxito y recuerdo de Candy Candy, de la cual ella es la diseñadora original del personaje.

    Bajo el cielo azul de Lorient

    Tomo único
    Escrito por Keiko Nagita
    Dibujado por Yoko Shima
    (Manga original, 1975). Versión en castellano Arechi Manga (2021).

    Miriam Blue

    Tomo único
    Escrito por Keiko Nagita
    Dibujado por Yasuko Aoike
    (Manga original, 1975). Versión en castellano Arechi Manga (2021).
    Shojo clásico, drama, romance, Europa s. XX.

    Ambos mangas son un excelente ejemplo de las publicaciones del “manga shojo clásico” que salieron a la luz en la década de los setenta, conocido por la crítica como la “era de la revolución del shojo manga”. En estas obras la famosa escritora Keiko Nagita hace gala de su versatilidad para narrar y ambientar historias románticas de mujeres jóvenes en Europa durante el siglo XX. Ambas historias son antecesoras de la famosa publicación Candy Candy y son un interesante ejemplo de cómo fue la evolución narrativa y estética del shojo, el aporte de las autoras mujeres en el mundo editorial del manga y su legado artístico.

    Arte

    (Anime) 2020; 1era Temporada, 12 episodios, Funinimation. (Manga, 14 volúmenes, en emisión) escritor y dibujante original Kei Ohkubo (2013). Versión en castellano Arechi Manga (6 volúmenes, en emisión) (2021).
    Manga seinen, protagonista mujer, histórico, romance, aventura, cuenta con versión anime.

    Arte Spalletti es una joven con aspiraciones artísticas muy fuertes que vive en Florencia a inicios del siglo XVI. Al ser parte de la nobleza local, su vida estaría destinada a seguir las expectativas de sus padres, que se case con un hombre rico y de buena posición; pero ella se rebela contra ese destino y decide seguir su vocación y pide ser la discípula del maestro Leo, veterano pintor que vive solo en la ciudad y tiene poco contacto con las personas. Ambos personajes tendrán una interesante interacción como maestro y aprendiz en un taller del periodo del renacimiento, además de tratar de vencer los prejuicios de convertirse en una mujer artistas, algo que la sociedad de aquel entonces no aceptaba.

    Luis Camasca

    Odd Taxi

    Un anime del que poco se habló en su momento y que, a mi parecer, merece mucha más atención, tanto por su calidad técnica como por lo bien construida que está su historia. Odd Taxi, una producción de los estudios OLM y P.I.C.S., nos presenta un misterio policiaco alrededor del cual se entrecruzan las vidas de distintos personajes, cada cual con sus respectivos problemas y ambiciones, sobre los que resulta interesante conocer cada vez más. Si bien el ritmo de la narración puede parecer lento, esto permite prestarle una especial atención a los diálogos, llenos de sutilezas, con un humor igual de inteligente y en medio de los cuales, de manera sorpresiva, ocurren ciertos giros en la trama que te vuelan la cabeza.

    Jojo’s Bizarre Adventure: Stone Ocean

    Esta es una mención especial porque, en realidad, no sé si recomiendo ver Jojo’s Bizarre Adventure. Pienso que es un anime que puedes amar o rechazar, y en ambos casos estarías haciendo lo correcto. Sin embargo, siempre defenderé el valor que tiene esta serie como algo distinto, que escapa de cualquier norma o de algo visto en otras producciones. Una nueva temporada de Jojo’s, como lo ha sido Stone Ocean durante este 2021, y que además mantiene la calidad de las anteriores entregas, es un evento casi milagroso en medio de una industria que, en muchos casos, sigue explotando y repitiendo las mismas fórmulas de siempre. Si logras conectar con el tono de la serie, te aseguro que la obra de Hirohiko Araki es un viaje lleno de geniales (y extrañas) sorpresas.

    Akatsuki no Yona

    Si bien este manga shōjo de Mizuho Kusanagi se publica desde el 2009, a la fecha sigue siendo una historia muy disfrutable y emocionante. La autora tiene una habilidad asombrosa para combinar con éxito elementos diversos como la fantasía épica, el romance, la aventura y el drama. Tanto los personajes, sus interacciones y desarrollo, como el mundo en el que transcurre la trama, resultan interesantes y ni hablar de los tantos momentos memorables que tiene el manga a lo largo de sus más de 200 capítulos hasta el momento. Mención especial para los instantes de comedia, otro aspecto que Kusanagi maneja con una soltura maravillosa.

    Vinland Saga

    Makoto Yukimura empezó a publicar este manga sobre vikingos en el 2005 y, si bien su primer arco cuenta con una adaptación animada igual de recomendable, es interesante ver los rumbos que ha tomado la historia a lo largo de los años. Vinland Saga empieza centrando su atención en el deseo de venganza de su protagonista y explora temas como la guerra, la violencia, el choque entre religiones, la libertad, entre muchos otros, con un primer tramo brutal y tras el cual la historia toma un giro inesperado. Se puede estar de acuerdo o no con dicha decisión del autor, pero pienso que, de todos modos, se trata de un manga que vale mucho la pena.

    Maje Chalco Aranibar

    Hanyo no Yashahime: Ni no Shou

    Emisión: Desde el 2 de octubre del 2021
    Director: Masakazu Hishida
    Estudio: Sunrise
    Estado: Al aire

    ¿Por qué me gustó?

    La segunda parte de la secuela de una de las obras clásicas de Rumiko Takahashi emitida el año pasado. La historia nos narra la continuación de las hijas gemelas de Sesshomaru, Towa y Setsuna, y Moroha, la hija de Kagome e Inuyasha. En este segundo arco, las chicas muestran un mayor desarrollo de sus poderes. También, tras una temporada introductoria, por fin nos revelan qué es lo que sucedió con los padres de las princesas y cómo es que terminan en mundos distintos. Finalmente, tengo que admitir que mi fascinación a este anime se debió a que uno de mis ships favoritos en el mundo otaku se vuelve canon en Hanyo no Yashahime.

    ¿A quiénes se lo recomiendo?

    Obviamente va dirigida a los fans de tan exitoso anime estrenado en los dos mil; sin embargo, la intención de los creadores y directores de Hanyo no Yashahime han expresado su deseo de introducir a nuevas generaciones de espectadores al mundo de Rumiko. Asimismo, si te gusta la acción, el romance y los shonen clásicos, este anime es para ti.

    Meng Qi Shi Shen: Zaijie Liangyuan

    Emisión: Desde el 9 de octubre al 18 de diciembre del 2021
    Total de episodios: 12
    Estudio: Wawayu Animation
    Estado: Finalizado

    ¿Por qué me gustó?

    Meng Qi Shi Shen, conocida también como Cinderella Chef, es un anime chino o Donghua que narra la historia de Ye Jiayao, una cocinera famosa, quien tras morir su alma es transportada al pasado en el cuerpo de Ye Jinxuan, la hija de un magistrado. Durante su camino al matrimonio, es secuestrada por un grupo de bandidos y allí conoce jefe Xia Chun Yu, con quien desarrollará un romance. Me gustó mucho esta secuela porque no pierde lo mágico de la primera: la animación de las comidas y una historia amorosa, además de cómica, muy de dorama.

    ¿A quiénes se lo recomiendo?

    Si te gustan los animes cuya temática gire en torno a la comida, el romance, los viajes en el tiempo o los isekais, este anime es para ti.

    Gyemoinde, Ttari Neomu Gwiyeowo ( 계모인데 딸이 너무 귀여워 )

    Título alternativo: Solo soy una madrastra, ¡pero mi hija es tan linda!
    Género: Isekai, Comedia, Romance, Fantasía
    Emisión: Desde el 10 de abril del 2021
    Autores: ILU (historia) y Gu-Raeng Mo (arte)

    ¿Por qué me gustó?

    Uno está acostumbrado a que en las historias de cuentos de hadas la madrastra adopte el papel de la villana; sin embargo, en este Manhwa, la autora da un giro de 180 grados volviéndola en la protagonista. La historia se centra en una diseñadora de moda infantil que reencarna en el cuerpo de Abigail, una reina malvada que le hacía la vida imposible a su hijastra Blanche. Motivada por sus sueños en su vida anterior, en esta nueva oportunidad hará todo lo posible para asegurar la felicidad de la hermosa pequeña princesa, incluso si esto significa llevarse bien con el rey.

    No solo la historia es atrapante, sino el dibujo también lo es. Si bien la historia nos presenta a la protagonista a quien todo le resulta bien, lo que me encanta es que no tiene miedo de abordar tópicos sensibles a los que usualmente se suelen evitar.

    ¿A quiénes se la recomiendo?

    El dibujo es muy solido y proporcionado, es de muy buena calidad, así como la trama. Si te gustan los cuentos de hadas, el romance y las protagonistas con carácter, este manhwa te encantará.

  • “Hakuoki” y el Espíritu del Guerrero

    “Hakuoki” y el Espíritu del Guerrero

    ¿Es posible que unos personajes históricos del periodo Bakumatsu se conviertan en objetivos amorosos de un harem inverso? Pues la respuesta es que sí. Hakuoki inicia cuando la protagonista, Yukimura Chizuru, una chica de Edo, parte a Kyoto con la finalidad de encontrar a su padre, un doctor con conocimientos en medicina occidental. En su primera noche, es interceptada por unos guerreros chupasangre, conocidos como “Rasetsu” pero es salvada por el Shinsengumi. A partir de ese momento sus vidas se entrelazan.

    Este artículo, tiene la intención de analizar las adaptaciones animadas de este juego otome donde, además de presentarnos un relato con tintes de ficción y romance, nos narra la historia de este mítico grupo de espadachines y la verdadera condición que hace a un guerrero: el espíritu.

    Primera aparición de Hijikata Toshizō, visión desde la perspectiva de Chizuru
    Primera aparición de Hijikata Toshizō, visión desde la perspectiva de Chizuru.

    El otome game y el harem inverso

    Hakuoki Shinsengumi Kitan (2010) y Hakuoki Hekketsuroku (2011), animes dirigidos por Osamu Yamasaki y realizados por el Studio Deen, se encuentran basados en los otome game homónimos desarrollados por la compañía Idea Factory desde el 2008. Hakuoki es el juego de esta categoría más famoso debido a los numerosos títulos de esta franquicia que se han adaptado a diversas plataformas como Play Station, Nintendo, Steam, Android y iOS. Cabe resaltar que cuenta, además, con un gran número de merchandisign y una película dividida en dos partes, las cuales fueron estrenadas en los años 2013 y 2014, así como con un musical.

    Los otome game, traducido de forma literal como “juegos para doncellas”, son novelas visuales románticas dirigidas a chicas adolescentes, aunque no de manera exclusiva. El juego se desarrolla mediante un sistema de decisiones donde un personaje principal femenino debe escoger la ruta amorosa de su preferencia para desarrollar una historia mediante una serie de cuadros de diálogos que la llevarán a un final, el cual puede ser malo o bueno. También, en el transcurso podrá conseguir una galería de imágenes complementarias a manera de recompensa.

    Los principales objetivos amorosos de la protagonista son representados como hombres atractivos. Cada uno posee una propia personalidad y poseen atributos físicos marcados
    Los principales objetivos amorosos de la protagonista son representados como hombres atractivos. Cada uno posee una propia personalidad y poseen atributos físicos marcados.

    En el caso de Hakuoki, son muchas las rutas a escoger e historias a desbloquear. Cabe resaltar que los personajes principales serían aquellos basados en los miembros originales del Shinsengumi, como, por ejemplo: Hijikata Toshizō, conocido como el “Vicecomandante Demonio”; Okita Sōji, el capitán de la primera división, Saitō Hajime, el capitán de la 3ra división; Toudou Heisuke, el más joven de los miembros y capitán de la 8va división, Harada Sanosuke, capitán de la 10ma división; Nagakura Shinpachi, capitán de la 2da división. Además, se introduce a otro personaje original, Kazama Chikage, quien se hace llamar “Oni” y que es el principal rival, tanto en el amor como en ideas, de Hijikata.

    La representación del Shinsengumi en el anime de Hakuoki

    Integrantes del Shinsengumi en la primera temporada del anime.
    Integrantes del Shinsengumi en la primera temporada del anime.

    El anime narra cómo Yukimura Chizuru conoce y entabla una relación con los integrantes del Shinsengumi. Ellos también buscan a Yukimura Todo, padre de la protagonista, por ser el responsable del origen de los “Rasetsu”. Por orden del Bakufu Yoshikawa este desarrolla un elixir, denominado como Ochimizu, el cual transforma al que lo beba en una especie de vampiro con velocidad y fuerza sobrehumana. Con el fin de mejorarla, experimenta en los Shinsengumi para realizar un ejército de capaz de derrotar a los grupos opositores. En el transcurso de los acontecimientos, develan secretos acerca de esta milagrosa pócima, además de la verdadera identidad de la familia de la protagonista.

    Hakuoki es un anime del género harem inverso, y como tal nos muestran a los personajes principales masculinos, como caracteriza Muñoz, como Bishonen; es decir, hombres atractivos y deslumbrantes. A pesar de esto, cabe destacar, que la trama aterriza en el campo del romance solo hasta el final, ya que esta queda relegada a un segundo plano y se centra en relatar el auge y caída de los espadachines.

    La imagen de los integrantes se idealiza, así como los valores e ideales del sacrificio, la fuerza, la caballerosidad, la fidelidad, la obediencia, entre otros. Estos últimos coinciden con los preceptos difundidos en el tan famoso Bushido o “camino del guerrero”, el cual era fielmente seguido por el Shinsengumi.

    Sin embargo, no olvidemos que este es un anime de samuráis y no todo es color de rosa. De manera constante nos recuerdan la época turbulenta en la que se desenvueven los personajes, que además de lidiar con los grupos extremistas y en contra del Shogunato, deben proteger la ciudad de Kyoto de la amenaza de los Rasetsu descontrolados y de los Onis, demonios antiguos que se alían con los clanes que pretenden instaurar un nuevo gobierno.

    Shinsengumi, los defensores del Bakufu

    La historia inicia a finales del periodo Bakumatsu, una fase caracterizada por la transición de un sistema de gobierno feudal donde el poder político recaía sobre la figura del Shogun – o Bakufu – hacia la instauración del imperio. Posteriormente, le sigue la era Meiji conocida por ser de suma importancia para la creación del estado moderno japonés.

    El origen de este mítico grupo se remonta a un dojo dirigido por Isami Kondo que después lo seguirían en su unión al Roshigumi o “Batallón de los Ronin”, un grupo de espadachines creados por el daimio de Aizu para proteger al Bakufu Tokugawa en su visita a la capital. Su misión era asegurar la protección del shogun en un Kyoto convulsionado, donde operaba el movimiento “joi”, grupo radical en contra de los extranjeros que comenzaban a arribar desde 1853 fecha en el que se rompió el aislamiento japonés. Además, estos extremistas estaban en contra del Bakufu y todo el sistema que representaba.

    Así pues, una vez finalizada esta visita, trece espadachines fieles al shogun se opusieron a retirarse a Edo, motivo por el cual se formó el Shinsengumi. Entre estos trece espadachines encontramos a los protagonistas de Hakuoki.

    Okita corta la cabeza de unos samuráis del clan Chosuu que habían disparado a Kondo, comandante del Shinsengumi. A pesar del género del anime no se excluyen escenas de acción, donde el gore es el protagonista. Fotograma de Hakuoki.
    Okita corta la cabeza de unos samuráis del clan Chosuu que habían disparado a Kondo, comandante del Shinsengumi. A pesar del género del anime no se excluyen escenas de acción, donde el gore es el protagonista. Fotograma de Hakuoki.

    Para retomar la idea mencionada en el apartado anterior, el Shinsengumi de Hakuoki seguía un código estricto de comportamiento: el bushido. Según se menciona en el libro El crisantemo y la espada: Patrones de la cultura japonesa, el bushido – camino del samurái – se caracteriza por la rectitud o justicia, valor, benevolencia, cortesía, sinceridad, honor, lealtad y autocontrol. Inclusive, estos portaban un estandarte con el kanji de sinceridad y, a la usanza de los samuráis, un uniforme, el cual consistía en un haori celeste con motivos geométricos blancos, que hacen recordar a formas montañosas, y un hakama.

    Reproducción del uniforme del Shinsengumi
    Reproducción del uniforme del Shinsengumi. Recuperado de https://shinsengumijapan.com/2020/10/17/asagi-iro/

    El verdadero espíritu del guerrero en Hakuoki

    Esta problemática sobre la autenticidad de su estatus como verdaderos guerreros es, a mi parecer, el principal argumento que Hakuoki desarrolla en su narrativa, incluso más que la trama amorosa. Al no provenir de familias samuráis o no tener un amo al cual proteger, los integrantes del Shinsengumi eran menospreciados y no van a ser respetados hasta, justamente, cuando demuestran su poder y destreza, tal como sucedió en el incidente de Ikedaya.

    Lo que resulta paradójico es que en el periodo Tokugawa (1600-1867) es donde el arquetipo del guerrero japones se forja. Como narra Hane, es en este cuando se establece un sistema rígido de clases definidos por nacimiento, donde el samurái pertenecía a un estatus privilegiado ya que era superior al pueblo.

    Una escena crucial y la cual pienso que grafica esto es al final de la primera temporada donde sucede un enfrentamiento de Hijikata contra Kazama.

    Como se mencionó antes, ambos son los principales intereses amorosos de la protagonista. Son rivales tanto en ese ámbito, como también en posiciones ideológicas y es que cada uno forma parte de las dos facciones opositoras enfrentadas a finales del Bakumatsu: Hijikata es el vicecomandante del Shinsengumi y Kazama es un demonio de sangre pura que apoya al clan Chosuu, quienes financian a los contendientes del shogun.

    En un primer plano, vemos a Hijikata sostener el frasco que contiene el Ochimizu, pócima que lo convertirá en Rasetsu, una copia de los Oni
    En un primer plano, vemos a Hijikata sostener el frasco que contiene el Ochimizu, pócima que lo convertirá en Rasetsu, una copia de los Onis.

    Así mismo, es en este enfrentamiento mortal que Hijikata Toshizō decide beber el Ochimizu para poder estar a la par en fuerza que Kazama, sacrificando, a la vez, su humanidad. Ahora bien, este brebaje no lo convierte en un “oni” verdadero, sino, utilizando las palabras de Kazama: una copia. Es este instante es que Hijikata menciona:

    He tenido suficiente. Se trate de los traidores del ejército del Shogunato u onis problemáticos… ¿Una imitación, dices? ¿Y qué si lo soy? ¿No siempre hemos sido considerados como imitaciones de guerreros? Pero no importa lo que pase mientras tenga fe, no me daré por vencido. Aunque no sea más que una imitación. Lo que he creído es real.

    Hijikata Toshizō a Kazama, en Hakuoki Shinsengumi Kitan (2010)
    En un plano americano, Hijikata Toshizo con su cabellera al viento pero esta vez es blanca debido a su transformación a Rasetsu.

    De tal manera, el anime nos presenta una metáfora donde el Ochimizu representa la apariencia del guerrero; esto son, la vestimenta, el manejo de la espada, el bushido, el defender al Shogun. Hijikata, nacido de una familia de comerciantes, es a la vez espadachín habilidoso y defensor de la causa acérrimo; no obstante, no provenía de un clan de samuráis por lo cual era menospreciado, tanto por Kazama Chikage que por otros guerreros.

    Sin embargo, tanto como un Rasetsu o un Shinsengumi, él pudo llegar herir al demonio dándonos a relucir que lo único que importa es el espíritu del guerrero, propulsor de fuerza, que lo motiva a seguir luchando a pesar de que la época de espadas y lanzas se encuentre en su última fase de vida.

    Incluso si la era de los guerreros llega a su fin, lo más importante es que tu espíritu de guerrero permanezca inmutable.

    Chizuru, en Hakuoki Hekketsuroku (2011)

    Fuentes:

    Benedict, R., & Alfaya, J. (2010). El crisantemo y la espada: Patrones de la cultura japonesa. Alianza Editorial.

    Bonillo, C. (2017, mayo 24). Shinsengumi I: Historia y formación de la policía japonesa del período Tokugawa. Revista Ecos de Asia.

    Gutiérrez. (2017, mayo 10). Samuráis, príncipes y palomas: Un breve recorrido por el otome game. Revista Ecos de Asia.

    HAKUOKI: KYOTO WINDS Official Website. (s. f.).

    Hane, M. (2011). Breve historia de Japón. Alianza Editorial.

    Ibarzabal, R. (2016, octubre 26). Asalto al Ikedaya: El día que los Shinsengumi salvaron al emperador de caer en manos de la rebelión. Historias de samuráis.

    Muñoz, J. (s. f.). Bakumatsu y Meiji: Una mirada critica de las representaciones históricas del periodo en el manga y anime.

  • De Rusia con amor: Cuadros de una exposición, de Osamu Tezuka

    De Rusia con amor: Cuadros de una exposición, de Osamu Tezuka

    ¿Qué tienen en común Modest Músorgski, el notable músico ruso del siglo XIX que compuso la ópera Boris Godunov, y Ozamu Tezuka, el dios del manga que dio vida a Astroboy? Para el aficionado ocasional, nada. En cambio, un avispado entusiasta de la animación sabrá relacionar aquellos nombres con un experimento audiovisual que reunió lo mejor de ambos.

    Me refiero a Cuadros de una exposición, auténtica rara avis cinematográfica que integra la abultada filmografía del creador de La Princesa Caballero.

    Afiche japonés de Cuadros de una exposición (1966)

    Historia de un zar accidental

    Boris Godunov es el título de una ópera compuesta en San Petersburgo, entre los años 1868 y 1873. La pieza se basa en el drama teatral homónimo de Alexander Pushkin, publicado en el año 1831. Esta obra toma prestado un suceso histórico ocurrido en Rusia en el siglo XVI.

    En el año 1584, tras la muerte de Iván el Terrible, primer monarca en adoptar el título de zar, su hijo Teodoro estaba destinado a ser el sucesor. Sin embargo, la fragilidad mental de Teodoro le impidió afrontar el mandato, por lo que su cuñado Boris se convirtió en el soberano de facto.  

    Boris Godunov, el zar renuente

    La ópera, que cuenta con cuatro actos y dura más de tres horas, arranca con la coronación de Boris como emperador de Rusia. El relato narra la lucha de este zar fortuito por conservar el poder y su posterior hundimiento inducido por Dimitri I el Impostor. Al final, Boris Godunov caerá preso de una demencia avivada por sus propios delirios de persecución.  

    Modest Músorgski, genialidad fronteriza

    Esta obra maestra del canto lírico es considerada una de las composiciones más importantes del canon musical ruso, y quizá su ópera más representativa. Su autor, Modest Músorgski, nacido el 9 de marzo de 1839, fue un notable artista que destacó por su originalidad en la manipulación de la tonalidad y la armonía. Casi toda su producción estuvo inspirada en la identidad rusa -sus mitos, su folclor, su historia- del periodo Romántico.

    Retrato de Musórgski, por Iliá Repin

    Músorgski murió prematuramente a los 42 años, el 28 de marzo de 1881. Esta es la razón por la cual su obra es relativamente reducida. Añádase el detalle de su personalidad, la cual destacaba por ser excéntrica y voluble. Muchas de sus obras quedaron inconclusas, quizá debido a su propia inconstancia.

    Pero es esa misma naturaleza indómita la que le otorga carácter a su música. Aunque antaño se le haya considerado técnicamente deficiente, es a partir de aquellos vaivenes sonoros que sus composiciones imponen atmósferas y estados de la mente con nítida minuciosidad. Son particularidades que podemos encontrar en sus piezas más populares: Una noche en la Árida Montaña y Cuadros de una exposición.  

    Fantasía: Walt Disney, Mickey Mouse y romanticismo ruso

    Los cinéfilos sabrán identificar con facilidad los primeros acordes que abren Una noche en la Árida Montaña . Esto debido a que dicho paisaje sonoro acompañó una secuencia del célebre film musical producido por Walt Disney en el año 1940, Fantasía.

    Fantasía fue el tercer largometraje de la fábrica Disney. Consta de ocho segmentos animados, cada uno de ellos puestos a la orden de sendas piezas famosas de música clásica. Quizá su segmento más reconocible sea aquel donde Mickey Mouse sale ataviado con indumentaria de hechicero, fracasando en su intento de manipular los encantamientos que su maestro domina sin esfuerzo.

    Mickey Potter

    Chernabog, desde el inframundo a Disney+

    Una noche en la Árida Montaña es el episodio que emplea el poema sinfónico del mismo nombre de Músorgski. Las imágenes son delirantes y ponen en escena la Noche de San Juan Bautista en su acepción mística religiosa; es decir, como un aquelarre donde un demonio gigante invoca espectros y duendes para hacer de las suyas.

    El segmento es una formidable suma de cuadros siniestros y representa uno de los picos creativos del equipo de animación de Disney. El recurso de rotoscopia (técnica que consiste en la reproducción animada de un fotograma con elementos reales, por medio del calco) es utilizado para darle textura cromática y relieve plástico a Chernabog, un lúgubre diablo armado con dos alas de murciélago de gran envergadura.

    Nunca un evento tan pecaminoso como un aquelarre fue escenificado con tanta picardía y sentido lúdico como en esta cinta.

    Chernabog, listo para el aquelarre

    Pinturas en movimiento

    Cuadros de una exposición, por otra parte, no está tan difundida en el imaginario popular, pero se trata de la composición de Músorgski que se interpreta más frecuentemente.

    Esta suite está conformada por diez piezas breves y cinco intervalos. El objetivo del compositor ruso fue describir, mediante la variación de compases y ritmos de varios leitmotivs, el recorrido de una exposición pictórica. Los intervalos llevan el nombre de Promenade, y representan paseos interiores que sirven de reposo entre cada cuadro. La naturaleza de los cuadros es trazada por una melodía independiente. Músorgski manipuló el timbre, el tono y la atmósfera de cada una para dibujar las pinturas en la mente del oyente. El resultado es una experiencia muy semejante a la reproducción de una película por medio de su banda sonora.

    Y quizá haya sido este último atributo el que animó al padre del manga en persona, Osamu Tezuka, a realizar la adaptación animada en formato fílmico.

    Mushi Production, cuna de la animación

    Cuadros de una exposición es un cortometraje experimental de 30 minutos, producido por el estudio Mushi Production y lanzado en noviembre de 1966. Esta casa animadora fue fundada por Osamu Tezuka en 1961, como una forma de hacerle frente a su rival, Toei Animation. Mushi Production cuenta en su haber con la elaboración de muchos títulos imprescindibles del anime para TV, como Astroboy, Princesa Caballero y Kimba, el León Blanco.

    Además, también fue un estudio pionero en la realización de películas animadas concebidas para el público adulto. De este último grupo, destacan títulos de culto como Las mil y una noches (1969), Cleopatra (1970) y La tristeza de la Belladonna (1973).

    • Astroboy, biscabuelo de Mega Man
    • Princeso Caballera, digo…
    • Simba nikkei
    • Las mil y una noches
    • Cleopatra
    • Tristeza de Belladonna

    Para la adaptación de la obra de Músorgski, Tezuka sensei pidió a Isao Tomita que produjera un arreglo musical exclusivo para el cortometraje. Tomita, por supuesto, no era cualquier compositor. Se trataba nada menos que de uno de los primeros artistas que empleó la música electrónica como vehículo de experimentación pop.

    Isao Tomita, samurái eléctrico

    Es útil recordar que Isao Tomita, junto a otros talentos como Wendy Carlos, Klaus Schulze, Jean Michel Jarre, Vangelis o Brian Eno, fueron la primera camada de compositores que llevaron la música electrónica a los oídos de los melómanos de a pie. Ellos se encargaron de sustraer artefactos electro mecánicos de los círculos académicos -que ya habían adoptado la creación de música sintética, pero como intervenciones sonoras y experimentos musicales-, impregnándolos de sensibilidad pop para su consumo radial.

    La colaboración Tezuka-Tomita se dio de manera orgánica. Ambos ya habían trabajado juntos para la banda sonora de Kimba, el León Blanco. Sin embargo, el arreglo que elaborara Tomita para Cuadros de una exposición se produjo antes de que se introdujera de lleno en el universo de la música electrónica y espacial.

    Tomita alcanzaría fama y prestigio seis años después con la aparición de su primer disco, intitulado Switched on Rock (1972) y publicado con el seudónimo de Electric Samurai. Este trabajo tomó temas famosos del rock contemporáneo -principalmente de los Beatles y Simon & Garfunkel-, para transformarlos en pasajes de meditación robótica.

    De Rusia con amor y directo al país del Sol Naciente

    Su segunda producción, Snowflakes are Dancing (1974), sería incluso más exitosa. Esta consistió exclusivamente en el uso de piezas originales de Claude Debussy. Por supuesto, todas ellas se recrean electrónicamente.

    Tomita, samurái eléctrico

    El mismo tratamiento recibiría la obra de Músorgski en el año 1976. Para esta nueva versión de Cuadros de una exposición, Tomita se encargaría de incorporar sus instrumentos de cabecera (sintetizadores Moog, secuenciadores, e incluso el mellotron). El disco posee un aura más sintética e inquietante, como si el oyente estuviera acudiendo a una exposición astral de pinturas digitales.

    Así las cosas, parece azar de la providencia que espíritus tan singulares como el de Músorgski, Tomita y Tezuka confluyeran en un mismo proyecto. Y el producto no deja de ser igual de anómalo, pero no por eso menos extraordinario.

    Cuadros de una exposición del dios del manga

    Cuadros de una exposición de Tezuka adopta la misma estructura que la obra musical homónima y la lleva un nivel literal. El punto de vista del cortometraje es aquel que fantaseara Músorgski cuando concibió su obra en 1874. Se trata, entonces, de una trayectoria que empieza fuera de una galería pictórica y que se va desarrollando episódicamente, en diez segmentos distintos. Cada segmento corresponde a un cuadro y a una melodía específicas, todas inspiradas en pinturas de Viktor Hartmann.

    Los episodios sonoros llevan el mismo nombre que los cuadros de Hartmann: Gnomos, El viejo castillo, Tullerías, Ganado, Ballet de polluelos en sus cáscaras, Samuel Goldenberg y Schmuyle, El mercado de Limoges, Catacumbas, La cabaña sobre patas de gallina y La Gran Puerta de Kiev. En la versión de Tezuka, estos cuadros cambian sus títulos originales por otros alternativos para cada escena.

    Y no solo los títulos cambian. El estilo de animación difiere de episodio a episodio, y fluctúa de lo convencional a lo alegórico, atravesando estéticas impresionistas por un lado y retro futuristas por otro. Además, Tezuka aprovecha el formato antológico para insertar referencias cinéfilas por doquier. He ahí el guiño a Metropolis (1927) de Fritz Lang en el episodio Dueño de una Gran Fábrica; o aquel otro a West Side Story (1961) de Jerome Robbins y Robert Wise en Beatnik.

    Osamu Tezuka: cineasta tornasol

    Independientemente de las referencias, Cuadros de una exposición es un ejercicio notable de puesta en escena. Y más importante aún, nos revela a un realizador inquieto y curioso, dispuesto a valerse del formato para llevarlo al límite. Cada episodio descarta la decisión obvia de subordinar su narración a la personalidad de la música. Por el contrario, Tezuka se arriesga y apuesta por diez maneras únicas de representar atmósferas y estados de la consciencia.

    A pesar de ser un cortometraje y una obra menor dentro de su vasta producción, Cuadros de una exposición funciona como una suerte de vitrina poliédrica. Es un contenedor tornasolado que nos acerca a aquella laboriosa fábrica humana de ideas que era el cerebro de Osamu Tezuka.

  • 12 animes con openings instrumentales

    12 animes con openings instrumentales

    En la mayoría de casos, el arte de los openings es una arista complementaria en la experiencia de ver anime. Algunos los saltan, otros escuchan el del episodio inicial y el del final, y unos cuantos se aprenden todos los que han visto. Para este último grupo en especial, viene dedicada una lista de viejos conocidos y olvidados títulos con openings instrumentales.

    Si uno hablara de endings también, la recopilación no encajaría en un breve artículo como este. No obstante, el grupo selecto de animes que abren cada episodio con una canción sin vocales no excede los treinta nombres. Salvo un par de ellos, la mayoría no suele aparecer en los clásicos anime quizzes, por lo que se espera que este listado resulte novedoso para muchos fans.

    Vale aclarar que la elección ha sido totalmente a dedo por quien escribe, más que nada para poder agruparlos en cuatro grupos de tres. No hay ninguna clase de preferencia por un anime u otro, ni se toma en cuenta la valoración que podría dársele a cualquiera de estos. Nunca hay que olvidar que el opening no incide directamente con la trama y los eventos de una serie.

    Los clásicos

    «Tank!», opening de Cowboy Bebop.

    Una lista así no podía empezar sin uno de los animes más icónicos de la historia. Cowboy Bebop, anime original del estudio Sunrise, se estrenó en la temporada de Primavera 1998. La fama de las aventuras en el espacio de Spike Spiegel y compañía, así como el tema interpretado por The Seatbelts, no necesitan mayor introducción.

    «GRAIN», opening de Monster.

    La adaptación del aclamado manga de Naoki Urasawa es otro de los viejos más conocidos de esta compilación. Monster fue llevado a las pantallas por Madhouse en la temporada Primavera 2004, y trata de la compleja historia alrededor del neurocirujano de élite Kenzou Tenma. El opening interpretado por Kuniaki Hishima cae al pelo con la atmósfera de la serie.

    «Free Bird», opening de Haibane Renmei.

    Aunque mucho menos popular que los dos anteriores, Haibane Renmei de Yoshitoshi Abe no deja de ser un anime de culto muy importante. El anime producido por el estudio Radix se emitió en la temporada de Otoño 2002, y cuenta la historia de Rakka, una joven Haibane –seres angelicales que nacen de un capullo. El calmado tema interpretado por Kou Otani refleja el místico y misterioso relato de la vida de Rakka y quienes la rodean en una ciudad cerrada y a cuyos habitantes no se les permite dejar.

    Los 2000s

    «Gun’s&Roses», opening de Baccano.

    Baccano es sin duda otro de los nombres que más suenan en esta lista, al igual que su opening interpretado por Paradise Launch y caracterizado por unas transiciones bien creativas entre los planos. Fue producido por el estudio Brain’s Base y emitido en la temporada de Verano 2007. Una serie muy aclamada por su narrativa poco convencional y cómo conecta eventos y personajes que parecen no tener relación alguna.

    «Main Theme», opening de Ghost Hunt.

    No suena mucho en la actualidad, pero Ghost Hunt tuvo también algo de apogeo en su momento. Producido por J.C.Staff y emitido en la temporada Otoño 2006, trata acerca de la incursión forzada de la joven Mai Taniyama en el mundo paranormal de cazar fantasmas tras romper una cámara fotográfica. El opening interpretado por Masuda Toshio invita de manera tétrica al espectador a una historia con algo de terror y comedia.

    «Paraiso», opening de Michiko to Hatchin.

    Con dirección, filtros y mezcla de colores muy particular, el opening de Michiko to Hatchin –interpretado por SOIL & “PIMP” SESSIONS- completa este grupo. Tiene una vibra occidental y está ambientada en un setting sudamericano, en la cual se desarrolla la historia de Michiko Malandro, una ex convicta, y de Hana Morenos, una niña a la que “secuestra” de una familia adoptiva abusiva. El anime fue producido por Manglobe, y se emitió en la temporada de Otoño 2008.

    Los OVAs

    «Opening», opening de Golden Boy.

    Debió entrar en el apartado de clásicos, pero para mantener uniformidad en el formato el histórico Golden Boy encabeza el grupo de OVAs. Un tema jovial y relajado, interpretado por Joyo Katayanagi, que va muy bien con la historia de un crack pervertido que acabó la universidad –como el mejor de su promoción- sin graduarse que viaja por Japón en su bicicleta, cruzándose con una serie de mujeres atractivas en el camino. Fue producido por APPP y lanzado por primera vez en octubre de 1995.

    «R.O.D no Theme», opening de R.O.D: Read or Die.

    R.O.D: Read or Die es otra serie que ya no suena mucho hoy en día, pero que cuenta con una reputación sólida y un tema con aire de misterio interpretado por Taku Iwasaki. Producido por Studio Deen y lanzado por primera vez en mayo de 2001, su popularidad desencadenó en un anime de TV en Otoño 2003 (R.O.D: The TV). El OVA sigue las aventuras de Yomiko Readman, una agente secreta afanada con los libros que tiene el poder de manipular el papel como un elemento supernatural.

    «optimistically», opening de Kubikiri Cycle: Aoiro Savant to Zaregototsukai.

    Aunque es la adaptación de únicamente el primer volumen de la serie de novelas ligeras Zaregoto, Kubikiri Cycle: Aoiro Savant to Zaregototsukai no falla en entregarle a los fans de Shaft lo que les gusta. La historia se centra en la resolución de un asesinato en una mansión isolada, pero con la “rareza” de lo que se espera del creador de Monogatari. Fue producido por Shaft –quienes más- y lanzado por primera vez en octubre 2016, con otra gran composición de Yuki Kajiura como opening.

    Los olvidados

    «Theme of D4», opening de D4 Princess.

    Este es uno al que le tengo cariño y que me hubiese gustado que se extienda más, pero me ayuda escuchar de vez en cuando el épico tema del gran Kenji Kawai. D4 Princess trata sobre la experiencia de la joven princesa Doris Ruridou en la Academia Teito como una “Panzer”, una persona con habilidades especiales que lucha con una “herramienta”. Fue producido por el estudio Daume, y se emitió en la temporada de Primavera 1999.

    «boomerang boogie», opening de Gad Guard.

    Gad Guard es uno de los clásicos sci-fi producidos por Gonzo, que entró en emisión en la temporada de Primavera 2003. Con el tema interpretado por Pe’z, muestra a los diversos personajes en un futuro en el cual los recursos de la tierra se han agotado y el mundo está dividido en “unidades”. El encuentro entre el protagonista Hajiki Sanada y un GAD, objeto que reconstruye materiales y reacciona a los sentimientos de una vida orgánica, es aquello que pone la historia en marcha.

    «Najica», opening de Najica Dengeki Sakusen.

    Este tema interpretado por el Diligent Circle of Ekoda es mi favorito personal de toda la lista, y muestra todo lo que puedes esperar de Najica Dengeki Sakusen: acción, panty shots y panty shots. Como fiel producción del Studio Fantasia, este anime emitido en Otoño 2001 es la “secuela espiritual” de la serie AIKa. La historia de la perfumera y agente secreta, Najica Hiiragi, junto a su pareja Lila, una “humaritt” -“androide” con habilidades de combate-, es una muy entretenida con mejor desarrollo de personaje del que aparenta.

  • El Duque de la Muerte y la Doncella Oscura

    El Duque de la Muerte y la Doncella Oscura

    De niño, un joven Duque recibió la maldición de una bruja: todo lo que toque morirá. Desde ese momento su familia lo acomoda en una mansión en lo profundo del bosque con la criada Alice y el mayordomo Rob como única compañía. Vemos el amor crecer entre Alice y el Duque de la Muerte. Es un coqueteo mortal que los impulsará a buscar anular la maldición.

    EL Duque siempre mira a Alice. Y ella lo sabe.

    Titulada “Shinigami Bocchan to Kuro Maid” pero traducida como El Duque de la Muerte y la Doncella Oscura, nos muestra una historia sencilla e hilarante sobre un joven maldecido con el “Toque mortal”. Cualquier ser vivo que toque hasta por accidente, morirá en el momento.

    El Duque y Alice

    El Duque

    No se menciona el nombre ni la edad del Duque pero no parece pasar de los 20s. Tiene los ojos y el cabello de color negro, siempre usa un sombrero de copa con un traje formal. Es de porte delgado y no muy alto.

    Cuando la Bruja Sade lo maldice siendo un niño aún, su madre decidió alejarlo de la familia principal por obvias razones, pero no deja de ser triste y cruel el alejarlo así. Había pasado tiempo en compañía de la entonces también pequeña, Alice y sabía bien lo que era el contacto humano.

    Aunque vive en una mansión en la parte norte del bosque con todas las comodidades y atenciones propias de su título su situación no le deja esbozar una sonrisa fácilmente. Es muy vergonzoso y tímido. Alice trata siempre de animarlo incluso insistiendo en visitar el pueblo cercano así tengan que disfrazarse.

    Alice se acerca demasiado al Duque de la Muerte

    Es muy consciente de lo peligroso que puede ser incluso tropezar con alguno de sus sirvientes, por eso siempre luce unas ojeras por la ansiedad y preocupación constantes. Está enamorado de Alice, la criada que siempre está atenta a cualquier cosa que necesite. Pero que lo avergüenza con sus constantes actos de seducción a las que no se permite ceder, no por mantener su virtud sino porque así le ponga solo un dedo encima…. la mata.

    Toca maravillosamente el piano, incluso compone bellas melodías en caso su familia lo desherede y pueda vivir de la música. Tiene dos hermanos menores Viola y Walter que lo visitan muy de vez en cuando.

    Alice Lendrott

    Alice Lendrott

    Es hija de la criada de la familia, Sharon Lendrott, tiene la edad del Duque. Es rubia, ojos azules y tiene unas curvas de infarto. Siempre viste un vestido y velo negros que acompaña con unas medias de red muy sexys que no duda en mostrar coquetamente al Duque de la Muerte. Tiene un busto bastante generoso cuyo escote amablemente deja mostrar deliberadamente al conde cada vez que se agacha hacia él.

    Una agachadita y el pobre Duque no puede apartar la mirada

    La joven criada ama al Duque y se lo deja bien claro con sus atenciones, insinuaciones y bromas de doble sentido. Disfruta tremendamente de inquietarlo y ponerlo nervioso. Su intenso y educado coqueteo roza el acoso. Pero lo hace de tal manera que resulta muy graciosa.

    El mayordomo por excelencia Rob

    Rob

    El mayordomo, sirve a la familia del Duque por años. Es bastante mayor aunque camina bien erguido, tiene el cabello y bigotes canos. Usa un parche en el ojo derecho y está casi ciego del ojo izquierdo. Esto lo tiene más estresado al joven Duque que en más de una ocasión ha tenido que esquivar las manos a punto de tocarlo del anciano.

    El mayordomo Rob

    Por si fuera poco también le falla el oído pero a pesar de esas pequeñas deficiencias es un mayordomo ejemplar al realizar las labores en tiempo récord y con excelencia.

    Estuvo alejado un tiempo de la mansión debido a una lesión en la espalda. El día que retornó a sus labores, Viola, la hermana menor del Duque aprovechó de visitar a su hermano so pretexto de ver al anciano mayordomo. Así viejito tiene su jale.

    Viola, hermana del Duque

    Estos personajes junto al hermano del Duque, la hermana de Sade, un par de magos y la súbita reaparición de la madre de Alice ayudarán al Duque en su búsqueda para anular la maldición de la Bruja Sade, de quien se dice ya está muerta pero si su magia aún está activa puede ser que reaparezca en algún momento.

    Pobre Duque

    El Manga

    Esta historia fuer creada por el mangaka Koharu Inoue. Fue publicada en Octubre del 2017 y luego de 12 volúmenes sigue en publicación con la editorial Shogakukan y es publicado en el Sunday Webry.

    La sexy pierna de Alice

    El Anime

    La animación tiene mucha ayuda digital manteniendo la fidelidad de diseño de personajes. El director del proyecto es Yoshiki Yamakawa. J.C Staff es el estudio encargado y la Producción y Shōgakukan Music & Digital Entertainment es el encargado de la Animación.

    Es muy pronto para predecir una siguiente temporada. Por ahora disfrutemos de los 12 episodios que nos trae esta nueva temporada.

    Alice disfruta de la música del Duque

    La Música

    La música de la serie estuvo a cargo de Gen Okuda y Takeshi Watanabe. Cabe destacar que el opening y el ending son interpretados por los seiyuus Natsuki Hanae (EL Duque) y Ayumi Mano (Alice)

    El Opening

    La canción «Mangetsu to Silhouette no Yoru» (La noche de Luna Llena y de una silueta) Ambos actores de voz expresan lo que sienten Alice y el Duque. La letra es muy dulce y graciosa. Les dejo el video subtitulado en español para que lo puedan disfrutar.

    https://youtu.be/7vP-PcFIPuM

    El Ending

    En «Nocturne» escuchamos como voz principal a Ayumi Mano (Alice) dulcemente pidiendo estar junto a su amado por siempre.

    https://youtu.be/hYoFJmh67MQ

  • Vanitas no carte – Los apuntes de Vanitas

    Vanitas no carte – Los apuntes de Vanitas

    Luego de la guerra, los vampiros están casi extintos y los pocos que quedan están siendo contagiados por La Maldición de la Luna Azul.  Un humano se proclama así mismo “Doctor de vampiros» y usando «Los apuntes de Vanitas», les devuelve la salud y cordura. Pero ese libro de apuntes fue creado para destruir vampiros.

    Noé y Vanitas forman un equipo inusual

    La mayoría de los vampiros nacen durante la luna roja, pero hubo uno, llamado Vanitas que nació durante la “luna azul” y eso lo condenó a ser despreciado por los de su raza al convertirse en portador de una maldición que puede transmitirse a otros vampiros. Vagó solo por el mundo y escribió «Los Apuntes de Vanitas» o «Libro de Vanitas» que condenaría a un destino peor que la muerte a aquellos vampiros que quisieran leer su contenido.

    Amelia casi se desmaya y es ayudada por Noé

    En un dirigible cuyo destino es París, una desfalleciente Amelia es ayudada por Noé. Ella es una vampiro que se contagió de la maldición de la Luna Azul, la cual iba a ser curada por Los Apuntes de Vanitas. Habían acordado encontrarse en ese viaje. Repentinamente aparece Vanitas para llevarse por la fuerza a la enferma joven pero Noé no se lo permite y ambos luchan. La magnífica agilidad de Noé se explica en su naturaleza: también es un vampiro.

    Lamentablemente Emilia empeora y termina mordiendo a Noé, causando pánico entre todos los presentes. Vanitas nuevamente aparece y el debilitado Noé teme que sea un cazador de la iglesia dispuesto a matar a la enferma Emilia. Pero no es así, Vanitas posee el «Libro de Vanitas» que le permite anular la maldición que afecta a los vampiros. Es así que devuelve a Emilia su cordura y su «nombre» que había sido mancillado por la maldición.

    El viaje a París es en dirigible

    Noé queda fascinado al ver el libro que su maestro le había encargado buscar para verificar su autenticidad. Vanitas se presenta y revela que es un humano que heredó el libro e incluso el nombre del mismo Vanitas, el vampiro maldito que nació la noche de «Luna Azul». Le invita a Noé a que sea su guardaespaldas y aunque se niega al instante sus destinos están unidos a partir de ahora.

    Van recién dos episodios y es uno de los animes más esperados de esta temporada así que las siguientes descripciones de los personajes tendrán un poco de spoilers.

    Vanitas

    Vanitas

    Es un joven humano de cabello azul oscuro que contrasta muy bien con sus bellos ojos azules claros. Lleva un corte de cabello diferente, corto adelante y largo atrás. Lleva piercings en ambas orejas aunque se aprecia más fácilmente el que lleva en la oreja izquierda en forma de reloj de arena.

    Aparte de su cabello, llama la atención el saco que lleva pues se nota que no es su talla. Le queda grande. ¿Quizás algo que heredó del vampiro Vanitas? En su cinturón lleva no sólo dos cuchillos sujetos por alambres, también lleva el Libro de Vanitas y algunas herramientas.

    Su comportamiento es muy extrovertido y arrogante. Actúa de manera impulsiva pero sabe ponerse serio cuando es necesario e incluso puede perder los papeles muy fácilmente. Se considera así mismo indigno de ser amado, llegando a pensar que sólo alguien muy repulsivo se fijaría en él.

    Al quedar huérfano fue sujeto de prueba de múltiples experimentos llevados a cabo por el Dr. Moreau. El mismísimo vampiro Vanitas de la Luna Azul lo rescató de ese laboratorio. Y aunque no se llevaban bien, el vampiro le enseñó al joven rescatado a curar las enfermedades de los vampiros. También recibió parte del poder del vampiro Vanitas cuando este bebió de su sangre.

    Poco se sabe de su pasado, se rumorea que incluso mató a su maestro.

    Noé

    Noé Archiviste

    Es un joven vampiro de piel oscura y ojos púrpura que se vuelven rojos cuando actúa como vampiro. Lleva cabello corto y blanco. Siempre luce estupendamente elegante. Es muy amable y cortés. Se sorprende como un niño por todas las novedades que hay en París al cual llega por recomendación de su maestro para encontrar información sobre los Apuntes de Vanitas.

    Aunque al principio se niega a unirse a Vanitas, no puede negar que le interesa descubrir la verdadera naturaleza del libro por lo que debe seguir de cerca a su portador. Noé pertenece al clan de los Archiviste, cuya capacidad es la de ver los recuerdos de la persona de quien beben sangre.

    Tiene un hermoso y exigente gato blanco pelilargo con heterocromía llamado Murr que se lleva mejor con las chicas que con su propio dueño.

    Se irán presentando otros personajes. Como el Conde Parks Orlok, un vampiro lleno de cicatrices encargado de mantener el balance entre los humanos y los pocos vampiros que habitan París. Está avocado en encontrar al vampiro llamado «Charlatán» que está propagando la maldición de la Luna Azul. Como se desconoce la cura, los afectados son decapitados.

    Para evitar la pronta decapitación de Emilia y convencer al conde, Noé le ofrece traer un vampiro afectado por la maldición para que delante de él Vanitas lo cure. También veremos a Jeanne y Luca, ambos vampiros, que quieren destruir el libro de la manera correcta para salvar a los portadores de la maldición.

    El hermano de Luca sufre la maldición. Jeanne es su guardaespaldas, lleva el «Guantelete Carmesí» llamado «Carpe Diem» y es llamada la «Bruja del Infierno». Se cuenta que derrotó a más de mil vampiros que se unieron al bando de los humanos durante la guerra.

    El Manga

    Esta historia pertenece al género Fantasía, Steampunk. El autor es Jun Mochizuki y comenzó su publicación por Square Enix el 22 de de diciembre del 2015. Van 9 volúmenes y sigue en publicación. Los fondos han sido detalladamente dibujados, ante las escenas de acción todo lo demás desaparece y se disfruta en detalle las peleas.


    El Anime

    El anime viene a cargo de Estudio Bones con el Director Tomoyuki Itamura, el guión estuvo a cargo de Deko Akao y fue licenciado por Funimation. El diseño de personajes es fiel al manga. Las calles de París están preciosamente detalladas. Miel para los ojos.

    La Música

    La música del anime estuvo a cargo de Yuki Kajiura. Muy conocida por su trabajo en ese ámbito por haber trabajado en Tsubasa Chronicle, Madoka, Noir, Hack//Sign, SWA, entre otros.

    Opening

    La canción se titula «Sora to Utsuro» y la canta Sasanomaly. Divertida canción en la que vemos un día en la vida de Noé. Desde el despertar vemos su casi infantil fascinación por todo. Arrastrando a Vanitas hasta caer a una pileta.

    Ending

    La canción curiosamente se llama 0 (Cero) y la canta LMYK Durante esa suave canción vemos lo opuestos que son Vanitas y Noé, cada uno iluminado por la Luna Azul y la Luna Roja. Se aprecia el afán de Noé por acercarse a Vanitas para que finalmente al estar cerca Vanitas amenace su cuello. ¿Será cierto que estos personajes se enfrentarán al final y solo uno sobrevivirá? ¡A DISFRUTARLA!

  • Peach Boy Riverside

    Peach Boy Riverside

    Una princesa aburrida y en búsqueda de aventuras se aleja de su castillo siguiendo los pasos Mikoto Kibitsu el exterminador de onis. Junto una chica/coneja irá formando un variopinto cuarteto en un mundo donde ser diferente es motivo de persecución o muerte. Sally y Mikoto luchan contra onis pero tienen diferentes ideales.

    Humanos, onis, vampiros, elfos… de todo como en botica

    Comienza la nueva temporada de animes y este título llamó mi atención. Y aunque comienza un poco diferente al manga no es más que una cuestión de orden de eventos. Así que hasta ahí todo bien. El primer capi deja ver que en este medieval mundo los semi-humanos son considerados peligrosos por los humanos pues su lado salvaje prevalece sobre la razón.

    La fuerza de los onis es tal que los humanos no son rival

    Los onis, son otro tema. Tienen inteligencia pero se alimentan de humanos y se acercan a los reinos para pedir “ofrendas vivas” a cambio de vivir en paz. Utilizan a los fuertes monstruos-oni, (animales con cuernos similares a los oni) para atacar a los humanos. Tienen diferentes niveles de poder. Incluso pueden desaparecer todo un reino con un solo ataque.

    Ex-princesa Saltherine. Prefiere que la llamen Sally

    Saltherine Aldarake

    Alias Sally, una princesa cansada de serlo y con sed de aventuras. Luego de ver como un muchacho delgado (no mas alto que ella y al que confundió al inicio con una chica) derrotar a un oni mucho más grande, decide finalmente enfrentar a su padre y hacer prevalecer su deseo de conocer el mundo.

    Pero esta princesa no solo sale de lo común por eso. Cuando está cerca algún oni, una fuerza ajena a ella se apodera de su ser y lucha contra su enemigo hasta derrotarlo solo para luego perder el sentido. Tiene un poder oculto similar al de Mikoto. Cuando lucha la pupila de su ojo derecho toma la forma de un durazno. Ni siquiera la bruja del bosque puede indicar de donde proviene el poder que posee.

    La persistencia de Sally logra que Frau sea apreciada

    Lo que comenzó con un viaje de aventuras se convirtió en una cruzada para Sally. Quiere que el mundo sea mejor, desea fervientemente que no haya discriminación. Hay diferentes tipos de seres en este mundo: Reptilianos, elfos, onis, semi-humanos, humanos, brujas o algún oni que se quedó sin poderes. Y Sally quiere lograr que todos se respeten y toleren entre si. Parecía imposible al inicio pero va teniendo pequeños logros que la motivan a continuar.

    Llegará el momento en el que controle su poder y con tal control comenzará a sentir que no debe quedarse mucho tiempo en un mismo lugar. Siente que alguien la está poniendo a prueba con cada oni que aparece en el camino y por el bien de sus nuevos amigos debe continuar su viaje. Afortunadamente, ellos no la dejarán ir sola.

    La poderosa Frau. ¿Coneja, angel o demonio?

    Frau

    La semi-humana, se llama Frau. Es muy fuerte y se comunica de manera muy sencilla y práctica. Tiene 300 años y renunció a sus poderes hace tiempo. Es una semi-humana fuera de lo usual y eso es porque al parecer ella proviene del cielo. Ha muerto más de una vez y está dispuesta a seguir a Sally porque no solo le dio una zanahoria, sino que considera que tiene el corazón en el lugar correcto.

    Hawthorn es humano pero uno fuerte y noble

    Hawthorn Grattor

    A Sally y Frau se les unirán Hawthorn Grattor, Comandante de los Caballeros Reales del Reino de Rimdarl. Muy querido y estimado por la gente del reino. Lamentablemente su reino fue vaporizado por un oni. Se une a las chicas y acepta enseñarle a luchar con la espada a Sally. No tiene prejuicios. Rapidamente hace amistad con Frau y con Karrot.

    Eye oni detesta a los humanos.

    Karrot

    La oni llamada Eye Oni tenía un cuerno y un ojo demoniaco que le permitía reproducir varios «ojos» y espiar todo de diferentes ángulos. También podía lanzar un poderoso rayo destructor que drenaba su energía y la dejaba reducida de tamaño. Pero Mikoto se cruzó en su camino y en lugar de matarla, la despoja de su cuerno y ojo de oni.

    Un horrible ojo pero poderoso

    Cualquier oni al quedar sin lo que lo marca como tal, es despreciado tanto por los onis como por los humanos. La muerte es mejor consuelo que continuar viviendo. Pero no sucede así con esta oni. Al inicio aceptará ser espía de su raza, pero conocerá la gentileza al lado de estos humanos lo cual hará que cambie de parecer. Frau la bautizará como Karrot. Comprensible pues ¿Qué más le puede gustar a una coneja?

    Mikoto en modo lucha

    Kibitsu Mikoto

    ¿Y que hay del joven al que Sally intenta alcanzar? Se hace llamar Kibitsu Mikoto, aparentemente es débil, pero tiene una capacidad de lucha muy grande. Cuando lucha, ambos ojos muestran un durazno donde la pupila normalmente se ve. Lo acompaña un perro que habla y que sirvió al verdadero Kibitsu Mikoto. Detesta a los oni y está dispuesto a erradicarlos del mundo. Disfruta de matarlos pero no siempre se deja llevar por la sed de sangre que siente. A veces el peor castigo es dejar a un oni sin poderes.

    Mikoto y Sally son imparables cuando luchan

    La máxima compañía que acepta es la del perro. Pero en algún momento le seguirá una oni vestida de monja que le hará gastar demasiado en comida. La idea de Sally quizás llegue a calar en él algún día.

    Imperial Oni

    Imperial Oni

    Detrás de todos los onis que se presentan a luchar con el grupo de Sally, está Imperial Oni. Es muy inteligente y no muestra su poder fácilmente. Es respetado incluso por God Oni que es más fuerte que él. De correcto hablar y de intenciones aún no muy claras, sigue los pasos de los viajantes y ofrece a Sally unirse para lograr el gran fin de acabar con el odio entre humanos y onis. Los gestos que hace cuando nadie lo ve hacen dudar sobre sus verdaderas intenciones.

    El manga

    Comenzó como una Webmanga en el 2008 escrito por Coolkyousinnjya. En el 2015 se presenta el remake escrito nuevamente por Coolkyousinnjya pero ilustrado por Johanne. Publicado por Kodansha ya tiene recopilados 9 volúmenes y sigue en publicación.

    El anime

    Asahi Production es el estudio a cargo de la animación. La dirección va a cargo de Shigeru Ueda y es escrito por Keiichiro Ochi y ha sido licenciado por Crunchyroll. Esta temporada constará de 12 episodios.

    La calidad de animación es estupenda, la dosis de gore bien balanceada, hay personajes con misteriosos pasados y una intención de tener un mundo mejor. Algo que todos queremos, es difícil de llevar a cabo pero no imposible.

    La música

    La música del anime está a cargo de Takaaki Nakahashi

    En cuanto al OPENING tenemos una muy animada «Dark spiral journey» cantada por Yuko Suzuhana.

    Vemos como Sally y Mikoto hacen camino por separado pero hay un vínculo entre ellos. Ese poder que tienen en común es uno de los misterios por resolver. No es el hilo rojo del destino pero la forma en que lo presentan hace pensar que quizás sean hermanos.

    El ENDING se llama «Yoru Wo Koeru Ashikto» cantada por Miteino Hanashi. Aqui les comparto la canción. La imagen aún no está en línea pues recién ha salido el primer capítulo y está calientito.

    https://youtu.be/1BzFVuFP0ZI

    Es uno de los más esperados de esta temporada. Y tanto misterio me ha dejado enganchada. Disfrútenlo!

  • Loveless: Solo un poco de amor

    Loveless: Solo un poco de amor

    Existen tres tipos de series: aquellas tituladas con un nombre significativo, las que llevan un título irónico, y Loveless. Aunque el fan promedio seguramente llega por el yaoi o por las orejas de gato, uno se termina yendo sin entender a qué carajos vino en primer lugar. Tiene, sin embargo, una atractiva pareja que merece más amor del que admiten los fanarts.

    «Michiyuki», ending de Loveless.

    Loveless es un anime de Primavera 2005 que adapta los primeros cuatro volúmenes del manga del mismo nombre. Al margen de que la falta de amor por la serie trasciende los límites del título, esta sí que da mucho para hablar. Un final original que te quema el cerebro –no en el buen sentido-, amnesia, un asesinato sin resolver y batallas con hechizos mágicos en parejas, son solo algunos de los elementos de una lista muy peculiar.

    Ritsuka, un escolar de 12 años, conoce a Soubi, un universitario de 20, mientras busca la verdad detrás de la muerte de su hermano. Este hombre resultó ser el Sentouki (Luchador) del fallecido, e inmediatamente declara que ama al protagonista, quien se convierte así en su Sacrifice (Sacrificio). Y si bien el BL de Ritsuka y Soubi acaparó siempre las portadas, esta nota decidió darle su merecido espacio a la única pareja yuri del anime: Kouya y Yamato.

    Más yaoi, mejor yuri

    Kouya Sakagami (Sentouki) y Yamato Nakano (Sacrifice) son la pareja que se enfrenta a Ritsuka y Soubi entre los episodios 8 y 10. Ambas fueron creadas como parte de los Zero, una serie de humanos artificiales sin receptores de dolor. Vale mencionar que no es necesario saber por qué luchan contra ellos, dado que el anime nunca explica con qué motivos los presuntos antagonistas envían a dos equipos más aparte de ellas a intentar derrotar a Soubi.

    Kouya (izquierda) y Yamato (derecha).

    Ahora, ¿qué de especial tienen estas dos como para dedicarles todo un artículo? Más allá de que una pareja de mujeres resalta en una historia en el que un hombre de 20 años tiene como línea característica decirle “Te amo, Ritsuka” a un niño de 12, el desarrollo de Kouya y Yamato es el que mejor trabaja del anime. Sí, la valla no es para nada alta, pero es de lo más rescatable si uno busca mencionar algo decente de la serie.

    A pesar de que la sola inclusión de temáticas BL resulta como un fuerte atractivo para gran parte de su público, en Loveless es algo relativamente secundario. De hecho, varios momentos homosexuales entre Ritsuka y Soubi se sienten algo aislados y aleatorios, como si quisieran recordarnos de vez en cuando que esto era un yaoi. El anime intenta centrarse en la naturaleza de las distintas relaciones que presenta en medio de un plot que nunca llega a nada.

    Out of context Loveless.

    Un poco de contexto

    En el mundo de Loveless, las personas nacen con orejas de gato y una cola que representa la castidad, y las pierden luego de tener relaciones sexuales. Una vez pactadas por mutuo acuerdo, las batallas toman lugar en un espacio alterno, y consisten en que el Sentouki canta hechizos y lucha siguiendo las órdenes de su Sacrifice. Las parejas están unidas por el “destino”, de manera que ambos tienen una marca física en el cuerpo con su “nombre”.

    En el caso de Kouya y Yamato, ambas tienen su “nombre” escrito en el pecho. Acá entramos un poco a terreno de spoiler, pero el arco centrado en esta pareja se basa en el conflicto que surge a partir de que Yamato tiene “algunos bugs en su estructura genética”. Nagisa Sagan, la creadora de los Zero y quien les da las órdenes, le advierte que la reemplazaría por otro Sacrifice mejorado en caso se convierta en un estorbo para Kouya.

    La marca con el «nombre» de Yamato. En el caso de Ritsuka, el anime nunca llega a mostrar la suya.

    Como se mencionó anteriormente, Loveless busca darle importancia a las relaciones Sacrifice – Sentouki, pero no logra convencer. Ni con Ritsuka y Soubi se aprecia un desarrollo importante o cambio tras doce episodios, y a las otras secundarias no se les da tiempo en pantalla muy relevante más allá de sus batallas contra los protagonistas. Sin embargo, Kouya y Yamato sí logran tener un cierre y aportan al tema de la naturaleza de las parejas en las serie.

    Fallas positivas

    Kouya es fría y seria, mientras Yamato es extrovertida y vivaz, pero ambas se quieren mucho. En un inicio, Yamato aparenta tomar a la ligera las advertencias de su creadora, mientras Kouya reacciona intranquila y no soporta el solo hecho de imaginar perder a su amada. En la siguiente escena, se puede apreciar que quien busca mostrar una faceta despreocupada en realidad deja una sensación de resignación ante su destino como un Sacrifice defectuoso.

    Segmento del episodio 9 de Loveless. Muestra la dinámica de la relación entre Kouya y Yamato, y cómo la segunda trata de evitar el tema de ser reemplazada y tener que separarse de su compañera.

    En el episodio 10, Soubi le dice a Ritsuka que Sacrifice y Sentouki no pueden vivir separados. Esta afirmación plantea una serie de incógnitas: ¿Están realmente unidas las parejas por el destino, cuya manifestación física es la marca con su “nombre” en sus cuerpos? ¿La unión entre Sacrifice y Sentouki depende de la aptitud del primero para luchar? La pareja Zero femenina es la única que logra, finalmente, darle la contra al sistema.

    Debido a los “bugs”, el “nombre” de Yamato comienza a desaparecer, y ella sufre en secreto ante la implicación de que no podrá ser más el Sacrifice de Kouya. Las breves escenas entre las dos dejan en claro que su vínculo va más allá de haber sido creadas para luchar juntas. En su derrota ante Ritsuka y Soubi, Kouya acepta ceder la batalla por el bien de una debilitada Yamato, a pesar de que ese acto era el equivalente simbólico a la muerte para un Sentouki.

    • Momento gay parte 1
    • Momento gay parte 2

    Lo mejor para antes del final

    Aunque tuvieron que luchar y perder para volver a empezar de cero –literalmente-, la revelación de que el “nombre” de Yamato se borró no hizo que tengan que separarse. El “destino” dictaba que un Sacrifice que no puede luchar no es de utilidad para su Sentouki, pero ambas querían y valoraban mucho más la una a la otra antes que a sí mismas. El desenlace de su arco en el episodio 10 logra representar muy bien el “renacimiento” de la pareja.

    Lo mejor en doce episodios de «Te amo, Ritsuka».

    En la escena anterior, resulta muy significativo el hecho que es la primera vez que Yamato llora y muestra debilidad ante Kouya. Ambas se sinceran en que morirían antes que tener que separarse, pero no deciden tomar el camino trágico. Kouya elige el amor sincero y construido hacia su pareja por encima de las ataduras y el destino impuesto por su creadora, y toma la fuerte decisión de anunciarle a Nagisa que Zero ha muerto.

    Hay un importante cambio desde un punto A (escena del episodio 9) a un punto B (escena del episodio 10) en la relación entre las dos chicas. Aunque sí fue el “destino” el que las juntó, aquello que las hizo inseparables no terminó siendo una marca física ni una dependencia para ser competentes en batalla. Mientras Ritsuka sigue sin entender qué pasa con Soubi luego de doce capítulos, Kouya y Yamato dejaron en apenas tres un bonito mensaje: siempre puedes encontrar algo de amor hasta en el anime que más carece del tuyo.

    Además de descubrir el ending de Kaori Hikita, de algo sirvió haberle dado una oportunidad a Loveless. Sólido 4/10.

  • Monthly Girls’ Nozaki-kun: amor en los tiempos de un mangaka

    Monthly Girls’ Nozaki-kun: amor en los tiempos de un mangaka

    ¿Tu sueño es ser un mangaka exitoso y planeas hacer todo lo posible para que ese sueño se concrete? Genial. Quiere decir que todavía estás a tiempo. Así es. Presta atención: arrepiéntete ahora que tienes chance. No es broma. Recapacita. Reacciona. Recula. Retrocede. Y luego, mira Monthly Girls’ Nozaki-kun y convéncete.

    Por supuesto, estoy exagerando. Monthly Girls’ Nozaki-kun (Gekkan Shoujo Nozaki-kun en su título original; Nozaki y su revista mensual para chicas, para su edición en español) fue lanzado originalmente el 25 de agosto del 2011 en el sitio web de Gangan Comics. Dicho sello editorial es propiedad del conglomerado empresarial Square Enix Holdings, famoso mundialmente gracias a su compañía subsidiaria Square Enix, desarrolladora de algunas de las franquicias de videojuegos de rol más populares de la historia (Final Fantasy, Dragon Quest, Kingdom Hearts y la lista sigue).

    A su vez, Gangan Comics cuenta entre sus publicaciones a títulos igual de célebres, como Fullmetal Alchemist, Akame ga Kill!, Black Butler y Kakegurui. La aparición de Monthly Girls’ Nozaki-kun, sin embargo, es inusual.

    Izumi Tsubaki: especialista en yonkoma

    Escrito e ilustrado por Izumi Tsubaki, el manga en cuestión no es uno tradicional, sino un yonkoma, que en español quiere decir “manga de 4 viñetas”. Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun está más próximo a lo que los occidentales conocemos como tira cómica, una historieta breve que relata un acontecimiento en pocos cuadros.  Pero, mientras que la tira cómica occidental normalmente presenta paneles distribuidos de forma horizontal, el yonkoma hace lo propio de manera vertical.

    De esa forma, cada anécdota suele concluir en una sola hoja, en cuatro fases diferentes. Esta configuración dramática se conoce como Kishoutenketsu, y remite a las estructuras narrativas clásicas japonesas, chinas y coreanas. En Japón, las cuatro fases llevan el nombre de kiku (introducción), shouku (desarrollo), tenku (giro inesperado) y kekku (conclusión). Cabe precisar que esta estructura contiene una etapa más que el modelo clásico aristotélico, el cual condensa el relato en tres actos: planteamiento, nudo y desenlace. Para Monthly Girls’ Nozaki-Kun, cada desventura puede contenerse en una sola hoja y contarse en cuatro momentos claves.

    • Primeros yonkomas de Monthly Girls’ Nozaki-kun

    Al tratarse, en esencia, de una tira cómica, hay que considerar las características del formato. Es decir, este manga no tiene una narración amplia que se suceda en varios episodios consecutivos. No. Un solo capítulo se divide en escenas independientes, cada una con su propia lógica interior. Y la lógica de este manga está subordinada al género donde encaja: la comedia romántica.

    Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun girará en torno a los malentendidos románticos provistos por dos protagonistas: Chiyo Sakura, una estudiante de secundaria, sensible, estudiosa e idealista; y Umetarou Nozaki, objeto amoroso de Chiyo, y mangaka en ciernes que vive y muere por su oficio (mangaka es el término japonés que designa al historietista). El germen cómico se erigirá a partir de estos objetivos opuestos e irreconciliables: Chiyo ama a Nozaki, pero Nozaki solo ama a su trabajo.

    Ganganonline: biblioteca manga al alcance de un click

    Este yonkoma de Tsubaki-san añade otra particularidad: su estirpe digital. Y es que Monthly Girls’ Nozaki-kun apareció primero en Gangan Online, la revista virtual gratuita de Gangan Comics que funciona en el dominio ganganonline.com.

    Dicho sitio web ofrece una variedad de mangas en distintas configuraciones. El acceso a algunos números es previo pago o mediante el acceso a una aplicación para celular. Asimismo, el visitante puede navegar por una serie de títulos con episodios de libre acceso. Incluso, algunos números de Monthly Girls’ Nozaki-kun se encuentran disponibles para su lectura. Hasta se pueden apreciar banners celebratorios por el aniversario de esta exitosa franquicia. Lamentablemente, la totalidad de la página se encuentra en japonés.

    • Página de inicio de ganganonline
    • Algunos títulos disponibles
    • Lectura al alcance de un click
    • Banner del aniversario de su título estrella
    • Yonkoma de Monthly Girls’ Nozaki-kun

    Pero el propósito de este texto no se ciñe al manga, sino al anime del mismo nombre, producido por el estudio de animación Doga Kobo y estrenado en la cadena TV Tokyo el 07 de Julio del 2014. Por eso, ocupémonos de lo que nos compete: lo bueno, lo malo y lo feo de la adaptación animada de Monthly Girls’ Nozaki-kun, que en verdad debería llamarse Cómo aprender a vivir como mangaka explotando laboralmente a tus amigos sin que se den cuenta.

    Romance ad-honorem

    El argumento del anime sigue la misma pauta del manga: una tarde cualquiera, Chiyo Sakura decide confesarle su amor a Umetarou Nozaki, su compañero de clase. Sin embargo, Nozaki, que secretamente se desempeña como autor de manga shoujo, confunde la confesión de Sakura con un pedido de autógrafo, al cual accede. La confusión empeora cuando Nozaki entiende al pie de la letra una segunda revelación de Sakura: ella admite que, en verdad, quiere estar con él. Nozaki entiende, por supuesto, que la jovencita quiere estar con él, pero literalmente a su lado por toda esa tarde, ayudándolo a pasar a limpio los bocetos de su historieta. De pronto, Sakura acaba de convertirse en la asistente ad-honorem de su amado.

    La manera en que este título presenta a ambos protagonistas es ideal. Sin siquiera ser consciente de ello, el espectador puede reconocer el conflicto principal que articulará todo el drama: el amor imposible entre los protagonistas.

    ¿Amor a primera vista?

    Esta pugna romántica irreconciliable no es original, pero no por eso la intriga deja de ser eficaz. ¿Cuántas ocurrencias es capaz de acometer Sakura para declararle su amor a Nozaki? ¿Qué tan imperturbable puede permanecer Nozaki ante las indirectas de nuestra heroína? Mientras tanto, el espectador sufre y goza con las idas y venidas de este romance, aderezado por las carencias presentes en la vida laboral de los mangakas en Japón.   

    Crónica de un naufragio laboral

    Y quizás aquel flanco de la anécdota sea el más interesante. Porque Monthly Girls’ Nozaki-kun no solo funciona como una comedia romántica, sino también como una crónica que desmenuza el día a día de los artistas gráficos en tierras niponas. Después de todo, Nozaki es un dibujante que se está abriendo paso en el ultra competitivo mercado gráfico japonés.

    El manga de su autoría, llamado Let’s Fall in Love (que en español quiere decir Enamorémonos) se publica en Monthly Girls’ Romance, una revista típica de manga shoujo que agrupa trabajos de varios autores, y que se imprime en papel económico (como suelen ser este tipo de revistas antológicas). Además, Let’s Fall in Love también se edita en tankobons (volúmenes serializados que recopilan los episodios de un único título, los cuales pueden haber sido publicados previamente en alguna revista similar a Monthly Girls’ Romance).

    Chiyo Sakura leyendo Let’s Fall in Love en Monthly Girls’ Romance

    Por lo tanto, Nozaki es un mangaka con presencia en el mercado. ¿Y cómo es la vida de un artista gráfico en actividad en el Japón de hoy? Según lo que podemos atestiguar en la serie, se trata de una vida sacrificada, por utilizar una expresión benigna. Porque la historieta no acaba con el trazo final de la última viñeta. Ese es solo el comienzo.

    ¿Todo sea por el amor al arte?

    Una vez que Nozaki concluye su primer boceto, debe recurrir a sus asistentes para que acaben de darle forma a su nueva entrega. Esto involucra a Sakura, que tiene el rol de entintadora (básicamente, ella es la que pasa a limpio el boceto).  Además de Sakura, Nozaki cuenta con tres asistentes adicionales: Mikoto Mikoshiba, que se encarga de decorar los fondos con detalles ornamentales; Masayuki Hori, responsable de diseñar las escenografías que adornarán los fondos; y Hirotaka Wakamatsu, hábil para la incorporación de sombras y texturas en la copia final que luego será enviada al editor.

    El trabajo no para

    Por supuesto, al tratarse de un artista de éxito relativo, Nozaki no puede darse el lujo de pagarle a sus asistentes, quienes lo ayudan de buena voluntad. Pero la necesidad de Nozaki no conoce límites: ahí están las arduas sesiones de dibujo del equipo, que puede incluir jornadas sin cenar, e incluso amanecidas; lo que sea con tal de terminar el último número pendiente. Y no hay que dejar de lado el trabajo de campo: incursiones en el exterior para encontrar material de referencia (desde modelos humanos hasta ejemplos escenográficos), y viajes a tiendas por departamento para suplir la falta de herramientas de dibujo.

    Y la única recompensa que reciben los amigos/asistentes de Nozaki es la satisfacción de haber colaborado con un mangaka auténtico. ¿Dónde está la Sunafil cuando se le necesita?

    ¿Comedia romántica o sátira de denuncia?

    Entonces, Monthly Girls’ Nozaki-kun nos permite experimentar, de primera mano, la trayectoria editorial de una historieta nipona, desde su gestación en la fase de inspiración (basta que algo mínimamente memorable le pase a Nozaki para que este extraiga su libreta y lo registre como potencial episodio próximo), hasta su tramo final, cuando el editor a cargo da el visto bueno (si es que no solicita alguna corrección inmediata).

    Y en el ínterin, sufrimos juntos a nuestros héroes la enredada madeja de problemas con los que tienen que lidiar: líos románticos, obligaciones académicas, minucias cotidianas (como comprar víveres o ropa) y hasta la presión de los jefes (no solo están los rígidos plazos de entrega, sino también la imperante necesidad de ofrecer un producto que no se aleje de las expectativas del público y que no arriesgue las ventas de la casa editorial).

    Ni siquiera la enfermedad disuade a nuestro mangaka favorito

    Aunque no se trata de un anime de denuncia, el mensaje entre líneas es evidente: la vida de los artistas gráficos nipones es una ordalía sin fin. El estado japonés no garantiza su estabilidad económica ni protege sus derechos laborales. Al contrario, sume a los artistas en la precariedad profesional. No hay día de descanso ni vacaciones y, la mayoría de las veces, el tiempo libre de los dibujantes debe ser puesto al servicio de la revista. Eso es justo lo que demuestra la actitud de Nozaki: contra viento y marea, aunque llueva o truene, siempre prevalece su afán por ser un verdadero obrero del manga.

    Amor en los tiempos del shoujo

    Pero Monthly Girls’ Nozaki-kun no es un documental y, a pesar de servir de retrato del arduo día a día de un mangaka, también es una irreverente comedia romántica. Todo asomo de solemnidad es desbaratado con la introducción de un elemento inesperado. La colisión de lo ceremonioso con lo absurdo en un entorno adolescente (donde los sentimientos más extremos aguardan a flor de piel) resulta en desatinos divertidísimos, que a su vez propician disparates de mayor envergadura.

    ¿shoujo dentro de otro shoujo?

    Además, hay un dimensión adicional que puede pasar desapercibida, y esa es la cualidad meta-dramática que posee la serie. Porque, recordemos, Nozaki es un fabricante de fantasías románticas para jovencitas adolescentes (su manga, Let’s Fall in Love, se rige bajo los preceptos del género shoujo). Al mismo tiempo, la propia historia romántica entre Chiyo y Nozaki se va desenvolviendo en una mecánica similar (y Nozaki lo evidencia cada vez que se esmera en incorporar las experiencias propias en sus ficciones gráficas). De esa forma, el espectador es capaz de reparar en las particularidades del género romántico gracias al efecto espejo que se crea por el reflejo de una ficción dentro de otra ficción.

    Al final de cuentas, de eso se trata: de como el romance siempre impone sus veleidades en el papel y en la vida. En Monthly Girls’ Nozaki-kun, el amor, como en casi todas partes, es un vehículo para poner en aprietos hasta a los más avezados; y es esa vorágine la que invita al espectador a ser cómplice de nuestros héroes colegiales. Es natural que cualquiera que disfrute con las desventuras de estos adolescentes se sienta identificado. Después de todo… ¿Quién no ha sido víctima de las peores torpezas a la hora de congeniar el amor con el trabajo, los estudios, o con cualquier cosa?

  • Sailor Moon Eternal La Película en Netflix

    Sailor Moon Eternal La Película en Netflix

    “Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La Película”  llegó a la plataforma streaming en junio

    Si eres una chica de los años 90, te debe sonar familiar la palabra sailor scout, ahora, la famosa Usagi y sus amigas que luchan por el amor y la justicia, llegaron a la plataforma de streaming más grande del mundo con uno de sus largometrajes más recientes de la franquicia escrita por Naoko Takeuchi.

    “‘Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La Película’. Es una película basada en el arco ‘Sueños’ de la icónica saga de Takeuchi”, que nos trae la batalla de todas las Sailors Scout contra el Circo Dead Moon. La película está dividida en dos partes de casi una hora y media de duración que seguro hará que sientas mucha nostalgia al verla.

    Serena y Darien

    En lo personal me gustó más la segunda parte ya que vemos en otras facetas a las Sailor Guardians Scout ( Las Sailors Saturno, Neptuno, Urano y Plutón) viviendo una vida ¨normal¨ después de la última batalla decisiva de la temporada Super S . La actual cinta fue creada y supervisada por la creadora del manga Takeuchi y con contó la dirección de Chiacki Kon.

    Valgan verdades tener una cinta de las guardinas de la galaxia en una plataforma familiar como Netflix hace recordar que la aceptación de los roles de género y opciones sexuales están en la palestra y nunca dejaron de estarlo.

    Michuru y Haruka en la película Pretty Guardian Sailor Moon Eternal : La película

    Recordemos que en el año 1994 se transmitía, por señal abierta, la serie de 1992 en América Televisión, y los capítulos no dejaban mucho a la imaginación respecto a la relación amorosa entre Haruka (Sailor Saturno) y Michiru (Sailor Neptuno) , era una pareja, perfecta, por decirlo menos que puso en aprietos muchas veces a la protagonista Usagi (Serena en español) al sentirse atraída por Haruka del mismo modo que Makoto (Sairlo Jupiter)

    En fin más de la trama no les puede mencionar por que sería entrar al campo de los spoilers y eso no me gusta, no es mi película favorita de la franquicia de las heroínas de la luna pero ten por seguro que hará soltar un par de suspiros de nostalgia al verla en HD.

  • Mugen no Jūnin: La Espada del Inmortal

    Mugen no Jūnin: La Espada del Inmortal

    La inmortalidad es un concepto que ha fascinado al ser humano desde sus orígenes. Ha sido parte de muchas culturas y religiones además de ser un elemento muy usado en diversas artes y entretenimientos; en su mayoría se convierte un un objetivo o ideal de búsqueda, una promesa luego de una vida terrenal, pero también nos hace entender que una existencia eterna hace que el valor de la vida pierda sentido, una bendición que a la larga se puede convertir en una terrible cruz.

    Mugen no Jūnin (El habitante del infinito) , más conocido en occidente como La Espada del Inmortal, es un manga seinen de género histórico con guion y arte de Hiroaki Samura, empezó a publicarse en la revista Monthly Afternoon de Kodansha desde junio de 1993 hasta diciembre del 2012, llegando a publicar 30 volúmenes; cuenta con dos adaptaciones al anime, una novela, una película Live Action y un manga secuela.

    Inmortal conoce a chica

    La historia gira en medio de la era Edo, en la cual vive un ronin llamado Manji, conocido como «El asesino de 100 hombres», el cual recibió de una extraña anciana llamada Yaobikuni (una especie de sirena del folclore japonés) unos extraños gusanos conocidos como «kessen-chū», los cuales le permiten curar cualquier herida que su cuerpo reciba. Luego de vivir dos años en esa condición, llega a un acuerdo con la anciana, en la cual se compromete a matar a 1000 criminales para redimirse de los crímenes anteriores, y así dejar de ser inmortal. Yaobikuni se pone en contacto con una joven que requiere un guardaespaldas ; de esa forma se inicia el sangriento y brutal camino de venganza y redención.

    Rin es una joven de 16 años, dos años antes el dojo de su padre fue atacado por un grupo grupo llamado Itto-Ryu, liderados por el carismático Anotsu Kagehisa, cuyo objetivo es derrotar y unificar a todos los dojos de Japón bajo un único concepto: ganar sin importar que técnicas o armas uses, y permitiendo que cualquier persona pueda practicarlo. Ellos asesinaron al padre de Rin y violaron a su madre, la cual luego desapareció. A pesar de no ser muy hábil en la lucha, está decidida en lograr su objetivo de venganza. Manji decide ayudarla ya que Rin le recordaba a su hermana menor, la cual murió por su culpa.

    Nuestro protagonista es cínico por naturaleza, en parte a los sucesos que lo condujeron a ser inmortal , en un inicio acepta de mala gana ser guardaespaldas de Rin, pero a medida que la historia avanza, muestra una mayor preocupación por ella; por otro lado, Rin suele ser ingenua e impulsiva, lo que ocasiona que Manji tenga que salvarla en varias ocasiones; poco a poco la veremos madurar y volverse mas fuerte a su manera ,e incluso arriesgar su vida para salvar a Manji.

    Mientras se dedican a dar caza a los miembros del Itto-Ryu, surge otro grupo llamado Mugai-ryu, los cuales también se encuentran persiguiendo a los del Itto-Ryu, peor aún las cosas se complican para todos cuando un poderoso magistrado empiece a involucrarse . Esta historia cuenta con un grupo variopinto de personajes, con diversas motivaciones por la cual luchar, destacando a Kagehisa, el serio líder del Itto-Ryu , el cual esta decidido a todo a cumplir su objetivo ; Otono Tachibana Makie, la melancólica guerrera; la astuta Hyakurin; el desquiciado Shira; entre otros.

    Muchas, pero muchas armas y un arte de primera

    Hay que destacar la cantidad de armas y técnicas que usan la mayoría de personajes, las cuales le pueden hacer competencia a Rurouni Kenshin , por lo estrambóticas y curiosas que son. Solo ver a Manji desplegar todas sus espadas, katanas, puñales, cuchillos, ect. ya en sí es una locura; el resto de armas que veremos son de lo más llamativos: la espada tipo hacha de Kagehisa, La lanza de Makie, las hoces con cadenas de Giichi, la espada doble de Taito, los puñales de Rin, etc. Las escenas de batalla son intensas y sangrientas, el autor no deja nada a la imaginación y veremos usar los mas variados estilos de lucha.

    El arte de Samura es una de los mejores que haya visto, un manejo integral del dibujo, composición, diseño de personajes y escenarios, cada escena de pelea parece una obra de arte, sin dejar de lado que el autor no escatima en mostrarnos escenas de mucha crudeza.

    Una excelente adaptación anime

    El 2008 tuvo su primera adaptación al anime, la cual contó con 13 episodios; de forma sorpresiva el 2019 se realizó una nueva versión, esta vez abarcando toda la historia del manga, la cual fue producida por los estudios Liden y fue proyectada en streaming por Amazon Prime Video. Hay que resaltar la buena calidad de esta última adaptación, la cual supo transmitir la esencia del material original. Esta serie contó con 24 episodios y contó con la participación del reconocido seiyuu Kenjirō Tsuda (Tatsu en Gokushusfudo) como Manji.

    Un detalle para resaltar es el símbolo que figura en el kimono de Manji, el cual es una esvástica invertida, conocida como sauvástica , el cual es considerado como símbolo de prosperidad y buena fortuna, no tiene nada que ver con el símbolo del partido Nazi ,por culpa de ello ha habido mucha polémica (en occidente) con el uso de esta imagen ,en especial con el anime de Tokyo Revengers, el cual curiosamente es también producido por el mismo estudio que hizo la versión anime de La Espada del Inmortal.

    Estamos ante uno de los mejores exponentes de su género, una historia adulta, perturbadora, con toques fantásticos y mucha acción, personajes carismáticos y un hermoso arte. Un clásico inmortal del manga.

  • Record of Ragnarok – Dioses vs Humanos

    Record of Ragnarok – Dioses vs Humanos

    La existencia de la humanidad ha llegado a su fin. Las deidades están cansadas de ver que los humanos descuiden el mundo que habitan y por mayoría de votos va a ser exterminada. Pero la Valkiria Brunilda propone la “Lucha Definitiva” Dioses vs humanos, el Ragnarok.

    La lucha entre Dioses y Humanos. El Ragnarok

    “Shumatsu no Valkyrie”, también titulada “Record of Ragnarok” es una historia cuyo manga ha tenido mucho éxito. La animación la ha licenciado Netflix, que nos ha dejado ver los 12 primeros episodios que son tan buenos que más de uno se lo termina en una noche, solo para quedar con la miel en los labios. Afortunadamente el público la ha colocado entre los 10 primeros puestos, así que fácilmente veremos la segunda temporada a finales del 2021 o comienzos del 2022.

    A primera vista parece una serie de peleas espectaculares pero es más que eso. Cada personaje tiene un llamativo o cuestionado trasfondo que a uno le pica la curiosidad. Como el porqué una valkiria, Brunilda, aboga por los humanos y es que ella es mitad humana. Desea que los dioses sean derrotados y humillados . O el hecho de que Adán al ser hecho a imagen y semejanza de Dios tiene un poder llamado «Reflejo Divino» que le permite copiar los ataques de sus enemigos. Y el caso del «Perdedor más Grande» que es elegido porque con la experiencia ganada en la derrota, obtenía una victoria virtual recrear la pelea «en su mente».

    Los dioses que más figuran son los griegos, como , Hermes, Zeus y Afrodita; nórdicos como Thor, Loki y Odín; hindúes como Shiva, entre otros. Todos pensaron que terminaría penosamente rápido, pero terminan disfrutando el ser testigos de unas peleas bastante parejas. Los humanos le ponen tanto empeño a querer sobrevivir que rozan el nivel divino.

    Brunilda, la Valkiria

    Brunilda sustenta su petición en el artículo No. 62, párrafo 15 de la constitución del Valhalla, el cual detalla que este enfrentamiento de 1 contra 1 entre los dioses y la humanidad, constará de  13 combatientes de cada lado, el primero en lograr 7 victorias será el ganador. Si la Humanidad pierde, serán extintos, pero si logran ganar, podrán vivir por 1000 años más.

    Claro que ese artículo fue puesto como una broma por parte de los dioses ya que es IMPOSIBLE que un humano derrote a un Dios. Y aunque los dioses protestaron por perder el tiempo en una propuesta tan inútil. Brunilda sugiere que quizás teman enfrentar a los humanos. Esto ocasiona que los orgullosos dioses acepten el reto de enfrentar a los humanos.

    Los luchadores

    La Valkiria Brunilda será la encargada de elegir a los 13 humanos que pelearan en el Ragnarok contra los dioses. Ella elegirá no solo a correctos paladines de la justicia, sino también a cuestionados asesinos, inventores, visionarios o escritores o a alguien que nunca en su vida ganó una batalla.

    Por parte de los dioses participarán Apolo, Susanoo, Belcebú, Shiva, Odín, Loki, Poseídon, Zeus entre otros conocidos. Los demás serán meros espectadores de las peleas más increíbles.

    Para hacer un poco más justa la pelea, las valkirias apoyarán al luchador humano al forjar con él un volundr, un arma adecuada a la técnica que usan y en la cual colocarán sus espíritus. Solo así potenciarán el poder de un humano sobresaliente para que pueda enfrentar a un dios. Pero al hacerlo el destino de la valkiria y del humano estarán unidos.

    Son 3 espectaculares peleas en la Arena Valhalla que veremos en esta temporada. El texto da solo una idea de lo grandiosas que fueron así que hay que verlas.

    Thor vs Lü Bu

    Todos tenemos una idea de cómo luce Thor: fuerte y digno. Aparte de eso, esta versión del Dios del Rayo, es pelirrojo y lleva unos guantes llamados Járngreipr los cuales le permiten sujetar al conocido y poderoso martillo Mjolnir. Pero no es así, dichos guantes evitan que la extrema fuerza del dios dañe al martillo mientras está dormido. Cuando Mjolnir despierta es cuando Thor puede sujetarlo sin dicha ayuda y se convierte en un poderoso martillo monstruoso que tiene un corazón que late y carne que sobresale de sus uniones.

    El poderoso Thor
    Lü Bu

    Luchando por la humanidad tenemos a Lü Bu, de procedencia china/mongol, un hombre que sobrepasaba su límites entrenando día a día, llegando a dividir las nubes con ayuda de su alabarda. Llega a obtener un técnica de pelea definitiva pero nunca tuvo un rival con quien aplicarla. Montaba su caballo Liebre Roja y tenía muchos seguidores que lo admiraban. Contra lo que se cuenta, él no murió suplicando por su vida, más bien esperaba la muerte pues estaba muy aburrido.

    Mjolnir no solo es monstruosamente enorme sino también esta vivo

    Al inicial la pelea Lü Bu con ayuda de la valkiria Randgríðr forja una alabarda con la que podrá enfrentar a la máxima defensa. Con ello logra que la primera sangre derramada en la arena sea de Thor. Ambos luchadores están contentos de pelear contra alguien tan fuerte. Lü Bu parece tener mejor dominio de la pelea pero Mjolnir despierta y todo cambia. Thor ataca con toda su fuerza pero es bloqueado por su contrincante. El bloqueo habrá sido efectivo pero el precio a pagar fue grande, ambas piernas tienen los huesos rotos y solo se sigue manteniendo en pie con fuerza de voluntad y la ayuda de su alabarda.

    Lü Bu peleó con toda su fuerza

    Thor se apresta a rematarlo, en ese momento ingresa a la arena el fiel caballo Liebre Roja. Lü Bu monta sobre él y no es descalificado porque en las batallas el caballo se volvía una extensión del cuerpo de su amo. La lucha contínua y ambos presentan su mejor técnica y es Lü Bu quien recibe el mayor daño. Pierde un brazo y una pierna, el brazo que le queda solo cuelga de piel. Su alabarda ha sido destruida, es decir Randgríðr, la valkiria ha muerto. Con los dientes se arranca el brazo que le queda y se lanza con orgullo guerrero hacia Thor, quien no duda en dar el último golpe que lo decapita. Los fieles seguidores de Lü Bu lo siguen también en la muerte. La victoria ha sido para los dioses.

    Zeus vs Adán

    El Padre de la mayor parte de los dioses contra el Padre de la Humanidad. Shiva iba a ser el dios que peleara en esta contienda pero Zeus insistió. A primera vista Zeus es solo un viejito enjuto cubierto por una túnica. Pero al momentos de la lucha cambia su cuerpo a uno muy musculoso. Adán es joven y sólo viste la hoja de parra usual. Ya que va a enfrentar a un dios, forja junto a la valkiria Reginleif un volundr que toma la forma de una nudillera. Parece poco, pero con su habilidad «Reflejo Divino», Adán logra golpear duramente a su contrincante sin recibir ningún golpe. El gran Zeus cae con la cabeza completamente volteada y casi dan por ganador a Adán.

    Zeus adopta la poderosa forma de Adamas

    El Padre de los Dioses, emocionado se ve obligado a cambiar físicamente a una forma llamada Adamas (Diamante) en la que se comprimen sus músculos para brindar golpes mucho más potentes. Pero al haber recibido tanto daño le queda poca energía. Adán por otro lado, ha estado usando demasiado su poder y su cuerpo está sufriendo daño. Ambos peleadores deben dar su máximo esfuerzo para definir al ganador YA.

    La pelea de Adán y Zeus parecía pareja al inicio

    El cuerpo de Adán colapsa primero, queda ciego y recibe el primero de muchos golpes por parte de Zeus. La humanidad mira horrorizada la escena. Pero Adán está decidido a luchar por sus hijos y logra coger del cabello al anciano. Los golpes ahora son repartidos mas equitativamente. Hasta que finalmente todo se paraliza. El único en pie con una sonrisa es Adán, mientras Zeus está de rodillas y su cuerpo vuelve a su forma enjuta. La victoria es para Zeus pues Adán, aún de pie, había dado su último aliento antes de que Zeus cayera.

    Zeus reconoce el poder de Adán

    Poseidón vs Kojiro Sasaki

    Poseidón, hijo de Zeus, es presentado al ingresar a la arena como muy poderoso, frío y letal. Mientras que a Kojiro se le presenta como el Mayor Perdedor de la Historia de la Humanidad, pero ojo, es un personaje que evoluciona cada vez que pierde. Por lo que incluso después de muerto ha seguido mejorando y tiende a «visualizar en su mente» el resultado de cada acción que fuera a tomar. Una vez que derrotaba en su mente a su rival, no veía necesario el enfrentarlo de la manera usual. En vida perdió ante los más grandes espadachines y a todos les ganó en su mente. Así había alcanzado el nivel perfecto. Se le ve avejentado pues ya tiene la experiencia y está en su mejor momento.

    Al iniciar la pelea ninguno da el primer paso. Poseidón espera que Kojiro se mueva para atacarlo sin más, mientras que Kojiro estudia la mejor manera de atacar sin ser eliminado. Finalmente lanza el primer ataque, dejando intrigado a Poseidón por la manera en que le devuelve el golpe. Para esta pelea, por medio del volundr, la valkiria Hrist se convierte en la espada Monohoshizao, que se traduce como Vara de secar la ropa. Junto a esta arma, Kojiro lucha conociendo los ataques de Poseidón pues ya los ha enfrentado en su hábil mente.

    Poseidón logra herir a Sasaki

    Pero Poseidón decide ser más rápido que el análisis de Kojiro y arremete de tal manera que lo hiere en un costado. El dios de los mares ahora no sólo mira a los ojos a un humano por primera vez, sino que también se dirige hacia Kojiro y se burla de su fallido análisis. La lucha continúa y esta vez Poseidón logra romper la espada de su rival. Con renovadas energías, Kojiro sujeta decidido los dos pedazos de su espada. La dualidad de la valkiria Hrist permite que aparezcan dos espadas. La lucha se reinicia y Sasaki usa todas las técnicas aprendidas en su derrotas. El cuerpo de Poseidón presenta cada vez más cortes y el suelo bajo sus pies se mancha de sangre.

    Sasaki ahora tiene dos espadas y está cerca del triunfo

    Finalmente, Sasaki recibe ánimos de todos los que fueron sus compañeros de lucha y de los cuales aprendió. Esto le da el último empujón para perfeccionar su técnica con la que logra literalmente hacer pedazos al orgulloso Poseidón. El Más Grande Perdedor ahora es el primer humano en derrotar a un Dios.

    Los dioses ahora si se tomarán en serio a los humanos en las siguientes peleas. La que sigue es el enfrentamiento de Ares vs Jack el Destripador. Pero eso lo veremos animado en la segunda temporada. Sino pueden esperar pueden leerlo en el manga.

    El Manga

    El manga es de estilo Seinen y fue escrito por Takumi Fukui y Shinya Umemura y dibujado por Azychika. Es publicado por Gekkan Comic Zenon desde el 25 de noviembre 2017 y ya tiene 11 volúmenes publicados. El personaje de Lü Bu tiene su propio manga Spin-off cortesía de Takeo Ono, el cual sigue en publicación y van 4 tomos publicados.

    El Anime

    La animación es ONA Original Net dirigido por Masao Ōkubo y el estudio Graphinica. Como fue licenciada por Netflix la pueden encontrar en su lista de estrenos de este mes. El diseño de los personajes es similar al del manga. Las peleas son brutales. Los personajes pueden tener un comportamiento muy serio que contrastan con los momentos cómicos. La primera temporada consta de 12 episodios y se espera para fines de año o inicios del 2022 la siguiente temporada.

    Opening y Ending

    El Opening se titula «Kamigami». La banda japonesa Maximum Hormone pone una canción fuerte de ritmo que presenta a todos los personajes que veremos esta estupenda animación.

    https://youtu.be/Lo9lCTgE3Cw

    El ending se titula «Inevitable» y la canta SymaG. Una canción oscura que sigue los pasos de Brunilda por los campos de batalla para elegir a los mejores guerreros.

    https://youtu.be/nhb95dJ4HNo