El aclamado basquetbolista Sakuragi llega desde el instituto Shohoku en esta breve reseña. Slam dunk es un anime deportivo emitido en el año 1993 hasta 1996 con un total de 101 episodios. Basado en el manga de Takehiko Inoue
Hanamichi Sakuragi es un estudiante de preparatoria muy pretencioso que se enamora de una chica: Haruko Akagi, una joven apasionada por el baloncesto. En su intento por conquistarla, la engaña y la hace creer que ama y practica el baloncesto, cuando en realidad no sabe absolutamente nada del deporte. Lo único que tiene a su favor es su altura y un buen estado físico.
A pesar de su poca experiencia e ignorancia en el baloncesto, logra ser aceptado en el equipo del instituto. Poco a poco va mejorando como deportista y terminará por hacer del baloncesto su pasión. A Sakuragi le gusta mucho presumir y puede ser provocado fácilmente, pero hay que reconocer que tiene talento y cuando se traza un objetivo se esfuerza en conseguirlo.
No puede faltar un rival para el protagonista, y aquí tenemos a Kaede Rukawa, un destacado deportista. Pertenece al equipo del instituto junto a Sakuragi, y el verdadero motivo de su rivalidad es que Haruko siente mucha admiración por él.
El hermano de Haruko, Takenori Akagi es el capitán del equipo, y nuestro protagonista logrará sacarlo de sus casillas infinidad de veces. Suele ser llamado «gorila» por Sakuragi gracias a su gran tamaño y físico. Takenori se encargará de enseñarle al protagonista desde cero todo acerca del baloncesto.
Este anime cumple con transmitirte la emoción de cada partido de baloncesto. Lamentablemente no se han adaptado todos los capítulos del manga, pero estoy seguro que cuando acabes con el anime inmediatamente empezarás a leer el manga hasta terminar la historia.
Hoy hablaremos sobre una referencia literaria clásica presente en “Kotonoha no niwa”, traducido en habla hispana como “El jardín de las palabras”. No obstante, antes realizaremos una breve sinopsis del filme para entender el contexto donde se inscribe esta valiosa fuente de la tradición japonesa.
Breve ficha técnica
Kotonoha no Niwa (言の葉の庭) es una película del aclamado director japonés Makoto Shinkai que se estrenó en el año 2013, a cargo del estudio CoMix Wave Films.
Sinopsis
Al mismo estilo de un poema tradicional japonés que ha quedado en la memoria por su sencillez y emotiva captación de la vida en su mismidad, el film cuenta la historia de un joven aprendiz de diseñador de zapatos llamado Takao Akizuki, que acostumbra a saltarse las clases en el instituto los días de lluvia, para pasar el rato en un jardín dibujando calzados. En uno de sus habituales visitas a este lugar conoce a Yukari Yukino, una misteriosa mujer varios años mayor que él, que también prefiere pasar los días lluviosos bajo el gazebo del mismo jardín, mientras bebe cerveza y disfruta unos chocolates. Desde su primer encuentro y solamente durante los días en los que cae la lluvia, ambos siguen reuniéndose y estrechando cada vez más sus vínculos.
El tanka y el vínculo de los amantes
La primera vez que los protagonistas se encuentran no se dirigen la palabra hasta que ella, Yukino, se marcha. Entonces decide despedirse con un hermoso tanka que dice así:
Narukami no shimashi toyomite sashi kumori ame mo furabaya kimi ga tomaran
“Un trueno lejano,
el cielo nublado,
en caso de que llueva,
¿te quedarás a mi lado?”
Según la filósofa española Marta Castaño, un tanka es un poema clásico japonés, digamos, tipo adivinanza, que sólo tiene una respuesta correcta. Se trata de un poema diálogo, que requiere una contestación.Consta de cinco versos con la siguiente métrica: (5,7,5,7,7). Apareció en Japón hace más de 1400 años y su utilidad principal era transmitir mensajes secretos entre amantes. Se enviaban generalmente escritos en un abanico o atados a una flor. Eran entregados en mano al destinatario por un mensajero al que se obsequiaba con un trago mientras el interesado escribía una respuesta a la primera parte del poema.
Este tanka se encuentra dentro de los Manyōshū (万 葉 集 , literalmente «Colección de las Diez Mil Hojas»). Es la antología de poesía japonesa más antigua que existe y una de las más veneradas de Japón. Fue compilada durante el período Nara (710-794) e inicios del período Heian (794-1185). Hoy en día se cree ampliamente que el compilador, o el último de una serie de compiladores, es Ōtomo no Yakamochi , aunque se han propuesto muchas otras teorías. La mayor parte de los poemas son anónimos. La colección se divide en veinte libros, una estructura utilizada en otras obras asiáticas similares. El tanka utilizado en la película aparece en el libro XI, y es el poema 2513-4. Asimismo, un dato interesante para los latinoamericanos amantes de Japón es que escritores de habla hispana como Jorge Luis Borges y Octavio Paz cultivaron este tipo de poesía.
Después de este episodio literario, la película se desarrolla alrededor de los silencios de los protagonistas, sus encuentros en el parque y la evolución de su relación. Con esto se mantiene al espectador a la espera de una contestación a la primera parte del poema por parte de Takao.
Ya en la parte final de la película, tras una larga temporada sin verse, Takao en un día aparentemente soleado se acerca al parque y se encuentra con Yukino. Ese será el último encuentro de ambos protagonistas en el jardín. Es el momento en el que Takao recita a Yukino la respuesta correcta a la primera parte del tanka:
Narukami no shimashi toyomite furazutomo ware wa tomaran imo shi todomeba
“Un trueno lejano, el cielo nublado, aunque no llueva, me quedaré a tu lado.”
En el instante en el que Takao da la respuesta acertada el cielo comienza a nublarse y se prepara una fuerte tormenta. Los protagonistas corren en busca de refugio y terminan juntos de nuevo bajo el gazebo, arrebatados por la tormenta que se puede interpretar como una metáfora de sus ya irreprimibles sentimientos.
Reflexiones finales
Para concluir, no cabe duda de que “El jardín de las palabras” es una de las animaciones japonesas donde el espíritu de la tradición literaria nipona convive, o mejor dicho, confluye armónicamente con la contemporaneidad.
Paru Itagaki, la mangaka creadora de Beastars, siempre fue una allegada a los animales. Como hija de Keisuke Itagaki, mangaka de títulos interesantes como Baki o Gauroden, heredó el talento en su pluma y plasmó sus emociones y sentimientos por medio de animales antropomorfos. Ella piensa que los animales y los humanos nos parecemos mucho, aunque el tema cognitivo nos diferencie.
Es así como Paru creó la historia de Beastars , mezclando el prejuicio social de los humanos con las características antropomorfas que le damos a los animales. Con un toque de fantasía que hace que cada capítulo se parezca más a la realidad, resulta una propuesta interesante. Y se los dice alguien que no se considera ¨furra¨. Lo siento tenía que decirlo.
No simpatizo con este tipo de anime, pero sinceramente, Beastars tiene lo necesario para ser un anime memorable. Comencemos con la reseña: nuestro tímido lobo Legosi, debe adaptarse a la complicada etapa de vida llamada adolescencia, siendo un carnívoro por excelencia debe ser una persona fuerte, viril, con iniciativa, pero nuestro Legosi es taciturno, relajado y con un noble corazón. Ese corazón que no puede controlar a veces y que lo lleva a ejecutar acciones que no desea, como la vez que el instinto le ganó y casi devora a una pequeña coneja blanca llamada , Haru, alumna de último año que es la hembra favorita de los herbívoros.
Ese corazón traicionero que tiene Legosi, es lo que lo lleva a enamorarse en poco tiempo de la pequeña coneja blanca, que es acosada de manera constante por las hembras de otras razas, ya que es la favorita en la sabana. Bueno, bien dicen que la secundaria es una jungla, en Beastars se demuestra este tema con firmeza. Competitividad, envidia, instinto de redención y más verás en esta obra de Paru Itagaki.
Recomiendo el título totalmente, es una historia fresca, aunque algunos digan que se parece a Zootopia, por favor, no sean injustos , esto es anime, lenguaje audiovisual no apto para niños. Aprovechen en ver una historia interesante, entretenida y que hará reflexionar con los roles que la sociedad nos impone día a día.
Actualmente la primera temporada se encuentra en Netflix y su próxima llegará a la plataforma el 2021.
Esta semana recordamos la adaptación de una famosa novela en su versión anime, que se emitió en la década de los 90. Torappu ikka monogatari mejor conocida como La novicia rebelde en Latinoamérica.
Al cumplir los 18 años de edad, María Kutschera decide ser monja y es aceptada en un convento. Así inicia su vida como novicia, ella destaca por su alegría y entusiasmo, es una mujer de mentalidad abierta que no se reprime en sus acciones y palabras. Las monjas del convento no comparten su forma de ser y esperan de ella una actitud más conservadora.
Deciden darle un tiempo fuera del convento para mejorar su actitud, y es así como es elegida para ser la institutriz de la hija de un capitán de la marina por un periodo de 9 meses. Se trata de la familia Trapp, el padre George Von Trapp quedó viudo y con 7 hijos.
Una de las hijas del capitán, María Trapp está muy delicada y la joven novicia será la encargada de su educación. Al principio los hijos no aceptan a María, antes de su llegada han pasado 25 profesoras y todas han dejado una experiencia negativa en los niños. Sin embargo, esto no será impedimento para ganarse el respeto y cariño de la familia Trapp.
La baronesa Matilda está a cargo de los hijos del señor Trapp, siempre está pendiente que los niños tengan la mejor educación y se comporten como nobles. Es muy estricta y tendrá muchas diferencias con María respecto a su trato con los niños.
La historia se desarrolla antes de iniciar la segunda guerra mundial y desafortunadamente esta situación traerá consecuencias en la familia Trapp. Este anime lo puedes disfrutar en familia, posee 40 capítulos que te traerá pegado de principio a fin.
Nada es fijo. La vida siempre es un constante cambio y Shiki Oriori reflexiona sobre la necesidad de adaptarse a estos.
Shiki Oriori (en Netflix Latinoamérica Shiki Oriori: Sabores de la juventud) es una película de anime estrenada el 2018. Es una coproducción chino-japonesa entre CoMix Wave Films y Haoliners Animation League que presenta tres relatos: “Fideos de arroz”, “Un pequeño desfile de modas” y “Amor en Shanghai”.
Si bien estos no se conectan hasta el final, el encuentro de los protagonistas en un aeropuerto es un elemento vital, ya que nos está planteando revisar las tres historias desde la perspectiva de la migración, el movimiento y el cambio. Estos temas nos pueden hacer recordar a las obras de Makoto Shinkai tanto por sus referencias al pasado, como lo efímero, la nostalgia y la pérdida del ser amado, pero Shiki Oriori los aborda desde una perspectiva distinta.
A partir de los “valores” y características de la cultura china, la película hace hincapié en la familia, los lugares y objetos de encuentro, la esperanza de una reunión y la reconciliación entre el presente y el pasado.
“Fideos de arroz”: ciudad, pasado y nostalgia
La primera entrega presenta a Xiao Ming, un joven adulto que vive en la ciudad de Beijing. En los primeros minutos lo vemos saliendo de una estación de tren y dirigiéndose a tomar desayuno en una tienda de comida rápida. Ahí reflexiona sobre sus sentimientos y su pasado: ¿vale la pena haber dejado su pueblo? ¿Qué recuerdos despierta en él dicho lugar?
La dura ciudad hace que los rostros sean inexpresivos. Probablemente yo soy uno de ellos […] siento que extravié algo. Adormecidos, perdemos el sabor del hogar […] ¿Adónde fueron todos los recuerdos?
Xiao Ming, “Fideos de arroz”
Para él la ciudad es un lugar con gente distante y sin afecto, donde algo se pierde. Y ni siquiera la comida que debería hacerle recordar al sabor de su hogar logra tranquilizar su alma. Así es como comienza una narración en racconto -cuando se presenta eventos del pasado que van progresando de manera lineal hasta el momento inicial de la historia-. Xiao Ming nos presenta sus días de niñez y juventud en Hunan, cuando desayunaba sopa de fideos San Xian con su abuela. Asimismo, recuerda su adolescencia y su primer amor.
En primer lugar, la historia nos presenta un contraste entre la ciudad (Beijing) y el campo/pueblo (Hunan). El primero es retratado como una ciudad donde siempre llueve y donde la comida -representada en la sopa de fideos- es diferente a la de su infancia: son fideos son casi perfectos, pero trae menos guarniciones y es más costosa. El pueblo de Hunan en el que nació y creció, por otro lado, es representado con colores brillantes y estaciones cambiantes (un gran verano o un lugar lleno de nieve). Y en cualquier clima, Xiao Ming recuerda que iniciaba su día tomando una sopa de fideos que se caracterizaba una preparación casera.
En estos recuerdos, vemos que el protagonista siente fascinación por la comida y su preparación, pero ante todo recuerda estos sabores con cariño porque le hace recordar a sus días con su abuela. De esta forma, la mesa y la comida son el espacio de reunión con su familia, especialmente con la abuela, quien representa su pasado.
Algunos autores han explorado la importancia de la comida en la cultura china, como Guansheng Ma, quien señala que esta ayuda a formar relaciones interpersonales y a crear una comunidad. En ese sentido, la comida en la sociedad china es importante para establecer o fortalecer vínculos, lo cual se puede apreciar en la costumbre de invitar a comer al otro, así como de servir los platos al centro de la mesa. Esta tradición de compartir la comida y comer en grupo permite el establecimiento y transmisión de una cultura.
A partir de ello podemos entender el fuerte apego que siente Xiao Ming hacia su abuela y, especialmente, la nostalgia hacia su lugar de origen. Asimismo, el hecho de que resalte la abundancia de ingredientes en la sopa San Xian que comía en Hunan no es un detalle gratuito no es para sacarnos pica o un fanservice para los amantes del food porn xP.
Esta descripción tiene el objetivo de desmentir la pobreza del campo y hacer una crítica hacia la ciudad. Para sustentar ello podemos retomar el argumento de Guansheng Ma, quien señala que la comida suele ser signo de estatus social: la presencia de carnes o ingredientes raros suelen demostrar mayor adquisición económica y suelen ser presentados con el deseo de mostrar respeto a los invitados. Además, la importancia de la comida en la cultura china llega a ser tal que incluso cada alimento tiene un simbolismo y se utiliza para conmemorar eventos importantes, o con ella se premia o castiga algún logro.
Y es que, pese a la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china (1), para Xiao Ming la comida de la capital no puede equipararse a la de Hunan.
Este componente de unión y calidez que le brinda la comida le hará recordar también otros eventos de su pasado, como el primer amor y las horas antes de la escuela. A su primer amor la recuerda con cariño: una chica de clases superiores a la que veía pasar todos los días frente al local donde él tomaba sopa. Sin embargo, nunca pudo hablar con ella, y con el tiempo dejó de verla. Pero no por ello siente angustia, lo cual muestra un personaje consciente de lo efímero de las cosas y que se caracteriza por estar acostumbrado al cambio.
De igual manera, es testigo de los cambios del negocio donde solía tomar sopa antes de ir a la escuela. Y aunque estos cambios lo apenan, Xiao Ming no se opone a ellos. Por el contrario, muestra una predisposición, tal y como la misma comida china se adapta a su entorno.
Por último, el retorno al pueblo de origen y la visita a la casa familiar con motivo del fallecimiento de su abuela, es un último signo de cambio -y aparente fin- en “Fideos de arroz”. El protagonista no percibe este evento como traumático. Lo acepta como parte de la vida, con lo cual el espectador nuevamente se reafirma en una lectura donde el protagonista tiene la capacidad de aceptar y adaptarse ante los cambios.
Xiao Ming no podrá olvidar su pasado ni su lugar de origen, y queda en él cómo reformula su relación con la ciudad.
Familia y cultura de chicas en “Un pequeño desfile de modas”
“Un pequeño desfile de modas” transcurre en Cantón. Nos presenta a Yi Lin, una de las modelos más famosas de China que cree que será próximamente desplazada por otras modelos más jóvenes. Dicho temor aumenta cuando ingresa un nuevo jefe a la compañía en la que trabaja y cuando su enamorado toma interés en una modelo que considera su “contrincante”: Shui Jing.
En este contexto, la angustia de Yi Lin provocará que se distancie de su hermana, la única familia que le queda, y de Steve, quien pese a ser su manager es la única persona fuera del hogar que la aprecia y reconoce fuera de su belleza externa.
Lo único que tengo es este cuerpo. La belleza se esfumará si lo permites […] Cuando dejé de trabajar, parecía que había desaparecido. Hay muchos reemplazos. El mundo seguirá sin mí.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
La película resalta muchos elementos que nos podrían remitir al shōjo bunka japonés: el principio de hermandad, la vida burguesa y el consumo -moda, revistas y películas-. A partir del caso japonés, sabemos que el surgimiento de una “cultura de chicas” se dio en las grandes ciudades, gracias a un contexto de bonanza económica que permitió a un grupo de mujeres tener mayor acceso a la educación y/o la economía.
En China, una de las ciudades que se desarrolló económicamente gracias a la industria de la seda fue Cantón (Guangdong), lugar que vio hasta 1920 una migración de mujeres que trabajaron en dicho rubro. Se sabe que tuvieron una relativa independencia económica que les permitió formar gremios y no contraer matrimonio. Asimismo, la ubicación de esta ciudad fue vital para el comercio marítimo y el intercambio cultural.
Todos estos factores serán importantes para entender por qué la locación de esta historia y los temas que trata. Pero a diferencia del shōjo bunka japonés, que resalta los lazos de “hermandad” entre adolescentes en la escuela, esta narrativa coloca en primer plano la importancia de la unidad familiar y el apoyo mutuo.
Yi Lin es un sujeto que ha interiorizado los “valores” de la economía de consumo (2) (3): como modelo -cuerpo que trabaja en la industria de la moda- se percibe como cuerpo efímero y que puede ser fácilmente desechado. Y este temor se acentúa cuando conoce a Shui Jing, joven modelo que la va desplazando en el espacio de la moda e incluso genera interés en su enamorado, quien la deja por ella. De esta manera, Shui Jing representa un sistema que promueve la competitividad entre mujeres, la preferencia por la juventud -pues son cuerpos que representan la productividad y reproductividad– y el quiebre en las relaciones de comunidad.
Como contraparte, se encuentra Lu Lu, la hermana de Yi Lin. Las dos son huérfanas y fueron criadas por separado por unos familiares. Sin embargo, cuando la protagonista obtuvo empleo en la industria de la moda decidió hacerse cargo de su hermana menor. Pese a vivir juntas, Yi Lin no le confía sus problemas a Lu Lu, lo cual provoca un quiebre en la relación familiar (4). De igual manera sucederá con Steve, manager y amigo de Yi Lin, quien pese a los años de trabajo juntos, no logra que Yi Lin sea honesta y le comente sus miedos (5).
Todo lo anterior muestra a una protagonista que ha roto con los lazos de comunidad y que se siente atomizada en la sociedad. Tal es el estado de Yi Lin que espacios como el hogar -y en especial el comedor-, que deberían permitir la unión familiar y amical, demuestran en la película la separación y el quiebre de las relaciones amicales y familiares.
Pero al final de la película, lo que paradójicamente unirá a las hermanas será aquello que causó la atomización de Yi Lin: la moda. Lu Lu tiene interés en estudiar diseño y establecer su propia compañía, en la cual desea trabajar junto con su hermana. De esta forma, ambas no solo volverán a restablecer los vínculos familiares, sino también recordar que este interés por la moda y la costura se lo deben a su madre.
El mundo cambia rápidamente. Las modas, la gente y nosotras, las modelos. Esta carrera no durará para siempre. Pero aún quiero brillar por mi hermana, mi única familia.
Yi Lin, “Un pequeño desfile de modas”
Por lo tanto, “Un pequeño desfile de modas” propone la posibilidad de un mercado de la moda y el consumo libre de la individualización y la atomización del sujeto. Esto se logrará a través de un modelo donde primen los lazos familiares y amicales, lo que se ve reflejado en el deseo de las hermanas por establecer en el futuro su propia firma de moda.
“Amor en Shanghai”: Recuperando la tradición (y el amor)
La última historia se titula “Amor en Shanghai”, y presenta a tres amigos de infancia -Pan, Li Mo y Xiao Yu- que viven durante su adolescencia en un antiguo barrio estilo shikumen.
Esta entrega nos presenta a Li Mo y Xiao Yu, quienes sienten atracción el uno por el otro, pero se tendrán que separar una vez terminen la escuela, ya que los padres de Xiao Yu desean que ella postule a la universidad de Yangpu. Sin decírselo a sus amigos, Li Mo decide sacrificar todo y postular a la misma universidad, ingresando a la carrera de arquitectura. Y aunque él es aceptado, no lo será Xiao Yu, lo cual supone una despedida para la pareja.
Dicho ingreso a la universidad supondrá una alegría para la familia, ya que encontrarán una razón para mudarse del antiguo shikumen, y con ello “progresar”y ascender socialmente. Aunque todo esto debería interpretarse como símbolo de éxito, para Li Mo aquellos sacrificios resultan ser una carga en la vida adulta. Pese a que estudió en una universidad prestigiosa y obtuvo trabajo en una compañía reconocida, siente que ha dejado de lado sus sueños y su creatividad -estos, desplazados ante la jerarquía y la obediencia a una autoridad-, así como el vínculo con sus amigos, su familia y su pasado.
Esta primera separación viene acompañada de una segunda, en la cual Xiao Yu viaja a Estados Unidos para estudiar. Vemos entonces como una constante la “idea del progreso” y la migración. Se considera de bajo estatus vivir en un lugar antiguo -pese a que el shikumen en algún momento fue símbolo de modernidad al ser un modelo arquitectónico basado en la estética occidental- y no lograr ingresar a una universidad estatal reconocida. Por ello, tanto los padres de Li Mo como de Xiao Yu estarán a la expectativa de que sus hijos logren los mejores puestos y trabajos.
En ese sentido, es tal el deseo de la familia de Xiao Yu por progresar que vemos cómo ella viaja a Estados Unidos con el fin de adquirir conocimiento en el extranjero y, en el mejor de los casos, quedarse, o retornar al país de origen para obtener un mejor trabajo. Este deseo que yace detrás de la migración se da con la expectativa de que la joven no pierda su cultura en el proceso.
Este “ideal del progreso” no solo lo vemos en las familias, sino también en la sociedad a través de la modernización de la ciudad. Al inicio de la película apreciamos que el jefe de Li Mo le encara que los inversionistas apuestan por grandes edificios. Y en la ventana de su cuarto él ve cómo, poco a poco, las zonas antiguas de Shanghai van desapareciendo.
Vemos entonces un proceso que busca “borrar” todo rastro de lo antiguo -edificios, objetos y hasta personas-, lo cual es considerado como signo de “atraso” y “pobreza”, y dar paso a lo “nuevo”. Esto lo podemos confirmar cuando Li Mo regresa al shikumen, el cual luce abandonado y casi destruido. Incluso parece habitar únicamente su abuela. De esta forma, podemos presenciar que en este ímpetu de modernización se desplaza e invisibiliza lo que se considera como “antiguo” e “inútil” o abyecto- para la sociedad (6).
No obstante, será la interacción con este espacio y con sus objetos lo que le permitirá a Li Mo reconciliarse con su pasado. Tras escuchar unos cassettes que había intercambiado con Xiao Yu, decide no abandonar su pasado y emprender un nuevo proyecto: modernizar el shikumen y convertirlo en un atractivo turístico. Con ello iría a contracorriente del sentido común: la destrucción de lo antiguo.
Finalmente, este rescate del pasado por parte de Li Mo vendrá acompañado con el retorno de Xiao Yu. Él, quien ha restaurado una zona llena de historia en Shanghai -lo cual simboliza un respeto por la tradición y el pasado-, podrá reencontrarse con Xiao Yu, quien regresa a China con el conocimiento del extranjero y la modernidad.
De esta forma, la narración propone la posibilidad de una sociedad que pueda lograr la modernidad sin que por ello tenga que borrar su pasado. Asimismo, este proceso de modernización y globalización no tiene que implicar una aculturación. Y por el contrario, se presenta a una generación de jóvenes que conciben el éxito como la posibilidad de establecer una convivencia entre la tradición y la modernidad.
CONCLUSIONES
Finalmente, llama la atención que Shiki Oriori cierre la película con los protagonistas de las tres historias en el aeropuerto. Y esto no debería extrañar al espectador, pues este espacio debe ser entendido como aquel que simboliza la esperanza de la adaptación, la comunicación y el cambio enuna sociedad globalizada.
Por lo tanto, a partir de los temas que hemos expuesto a lo largo del artículo –el pasado, la migración, la modernidad y la tradición– vemos cómo cada uno de los personajes se ha adaptado a su entorno. Y no solo eso; los protagonistas critican algunos sentidos comunes -la pérdida del pasado, la destrucción de lo antiguo y el desplazamiento de algunos cuerpos- y proponen nuevas soluciones ante los problemas que los rodean.
La película parecería recordarle al espectador que la sociedad china, tan acostumbrada al desplazamiento y la migración, siempre encuentra una forma de adaptarse al cambio sin perder en el proceso su pasado e identidad.
Notas:
(1) Autores como Chang señalan la gran flexibilidad y adaptabilidad de la comida china, pudiendo reemplazar ingredientes o prescindir de estos. Incluso un mismo alimento puede ser preservado de diversas maneras y presentar diferentes sabores gracias a los distintos procesos de conservación que tiene la cocina china. Esta también se caracteriza por su capacidad de aprovechar al máximo los ingredientes para hacer con ellos la mayor cantidad de platos posibles. Según Kathy Lin esto se debe al principio llamado “yi xing bu xing”, en el cual se debe usar para la cocina todas las partes del animal así como el ser humano utiliza todas las partes de su cuerpo en la vida diaria.
(2) Hay que recordar que China tiene un modelo mixto, donde en el plano económico prácticamente es un país capitalista.
(3) Sobre la noción de los cuerpos en una sociedad capitalista, extractivista y tecnologizada, revisar los artículos de Mononoke Hime y Shelter.
(4) Resulta de más curioso que el nombre del personaje se asemeje al término “lala”, el cual hace referencia al lesbianismo en China. Este dato, junto con la presencia de una “cultura de chicas” -que en Japón llevó a la creación de una cultura que promovía las “amistades apasionadas” entre mujeres adolescentes- lleva a pensar en una reformulación de la “cultura de chicas” en China. En ella, se mezclarían conceptos de piedad filial y los vínculos familiares. Por ello, la película resalta esta “cultura de chicas” donde hay una fuerte relación de hermandad y amistad. Sobre las “amistades apasionadas” y el “amor espiritual” en el shōjo bunka, leer el artículo de Liz and the Blue Bird, y sobre la importancia de la piedad filial y los vínculos familiares, ver Their Story y el cine de Alice Wu.
(5) Es interesante cómo esta “cultura de chicas” permite la inclusión del homosexual -visto en la figura de Steve-, un cuerpo que, por lo general, no suele ser aceptado en la sociedad.
(6) Sobre los cuerpos abyectos, revisar el artículo de Mononoke Hime, en el cual se señala la separación entre un cuerpo “productivo” e “improductivo”, así como el lugar que le da Lady Eboshi en la sociedad a los leprosos.
Bibliografía
Chang, K.C. 2008. “Food in Chinese Culture”. En Asia Society. Consulta: 20 de octubre de 2020.
Han, Qijun. 2019. “Diasporic Chinese family drama through a transnational lens: The Wedding Banquet (1993) and Saving Face (2004)”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 3, pp. 323-343.
Kennedy, Ryan. 2016. Fan and Tsai: Food, Identity, and Connections in the Market Street Chinatown. Doctorado en Filosofía, Departamento de Antropología. Indiana: Indiana University.
Li, Haili. 2019. “Representations and public discourse of Chinese family cultures across media platforms”. International Journal of Media & Cultural Politics. Volumen 15, número 2, pp. 239-247.
Lin, Kathy. 2000. “Chinese Food Cultural Profile”. En EthnoMED. Consulta: 20 de octubre de 2020.
Ma, Guansheng. 2015. “Food, eating, behavior, and culture in Chinese society”. Journal of Ethnic Foods. Volumen 2, número 4, pp. 195-199. Consulta: 20 de octubre de 2020.
¿Cuál es el deseo que le pedirías a un ser mágico?, solo recuerda, dura hasta el atardecer y luego todo regresará a la normalidad. Samed el duendemágico es un anime que se emitió en el año 1985 hasta 1987, estoy seguro que más de uno lo recuerda con cariño y nostalgia.
La historia sigue las aventuras de 4 niños (los hermanos Turner y su vecina Ann) que conocen a Samed, un duende que vive enterrado en las arenas y posee la habilidad de conceder un deseo por día. Sin embargo, tiene un límite, al caer la tarde el deseo se desvanecerá. No todo es color de rosa, cada deseo trae consigo diversas consecuencias y líos que pondrá en aprietos a los jóvenes protagonistas.
Sil, Robert y Jane son los hermanos Turner. Sil, es el hermano mayor y le gusta mucho Ann de hecho suele tener disgustos con Samed por ella. Robert es el segundo hermano posee una personalidad muy tranquila. Jane es una niña pequeña, la mayoría de veces estalla en llanto. El último de los hermanos es un bebé, en ocasiones jala los bigotes al duende mágico. Ann Hopkins es la vecina de los Turner, una bella y noble chica que los acompaña en sus aventuras.
Samed es un duende gruñón a pesar de ello ayuda a los niños con sus deseos, aunque esto luego traiga problemas. Su alimento preferido son los neumáticos, tiene miedo al agua ya que es su gran debilidad que puede llevarlo a la muerte.
Las historias contadas terminan en un solo capítulo. Luego de resolver el conflicto o ser salvados por el atardecer, los niños y hasta el mismo Samed han aprendido una nueva lección que fortalece su amistad o al menos eso parece. Este anime consta de 78 episodios
Quiero pensar que no soy el único que recuerda a un niño espadachín acompañado de un tigre y un buitre en busca de unas esferas misteriosas. Aquí una breve reseña para refrescar la memoria.
Yaiba Kurogane es un niño espadachín que entrenó con su padre Kenjuro Kurogane en una isla junto a sus fieles compañeros: un tigre y un buitre. Su padre le confiesa que ya no puede enseñarle y para ser más fuerte debe viajar a Japón. El rival de su padre y su hija Sayaka lo espera en el aeropuerto, a partir de la fecha vivirá con ellos en el dojo de la familia Mine. Para variar Yaiba causa problemas a unos policías y tiene un breve encuentro con Takeshi.
El chico nuevo en la ciudad acompaña a Sayaka al colegio y tiene un enfrentamiento con Takeshi Onimaru, un deportista destacado en kendo. Tras su derrota, Takeshi cegado por la ira utiliza la espada del diablo del viento y termina convertido en un demonio, luego vence a Yaiba.
Yaiba decide no quedarse atrás y busca una espada con poderes sobrenaturales, poco después logra obtener la espada del dios del trueno y a diferencia de Takeshi no es convertido en demonio por su espada. Así comienza la rivalidad entre estos dos personajes, sumado a esto existen unas esferas mágicas que otorgan un poder adicional a la espada de Yaiba y no dudará en obtenerlas todas.
Yaiba es un chico que tiene como objetivo principal ser el mejor espadachín, es muy hábil con la espada y tiene una gran sensibilidad ya que puede sentir cuando un enemigo se acerca por detrás. Sayaka lo acompañará en sus aventuras y juntos enfrentaran a diversos villanos. Este anime trae consigo muchas sorpresas y consta de 52 episodios.
El icónico manga Tetsuwan Atom, más conocido como Astroboy, empezó a publicarse en 1952 y el siguiente paso en el plan de su autor, Tezuka Osamu era dar el salto a la televisión, lo que se concretó el 1 de enero de 1963. Para lograr este objetivo, el dios del manga tomó una serie de decisiones que no solamente cimentaron el camino del éxito sin precedentes de su historia así como del llamado media-mix, sino que cambiaron para siempre a la industria del anime en Japón, que hasta la fecha muestra los rasgos de la—denominada por algunos autores—“maldición Tezuka”.
Fuente: Tezuka Productions
Era 1962. El anime y su industria—como los conocemos ahora—aún no habían nacido, así que era complicado encontrar inversionistas. Según Jonathan Clemments, con mucha dificultad, Tezuka-sensei consiguió el apoyo de la compañía de publicidad Mannen-sha, la empresa de confitería Meiji Seika, Fuji TV y NBC Enterpraises, que se suman, según Antonio Loriguillo a las jugueteras que compraron la licencia de la imagen de Atom. No obstante, Clemments revela que el capital de producción era insuficiente, pues, por ejemplo, Mannen-sha asumía que una serie anime debía costar la mitad de una serie live-action, así que sólo estaban dispuestos a aportar 300 000 yenes por episodio, lo que desanimó a Tezuka.
Loriguillo afirma que cada capítulo terminó costando 550 000 yenes que Tezuka manejó reduciendo los costos en varios sectores generando un escenario con el que ya estamos familiarizados. En primer lugar, apostó por la animación limitada para usar menos celuloide y para acelerar el proceso de producción con el objetivo de transmitir un capítulo semanal. En segundo lugar, Clemments señala que Tezuka optó por tercerizar el trabajo de animación con intensas sesiones para los animadores. Loriguillo precisa que a pesar de estos puntos, los episodios se vendían por menos de lo que costaban, así que la ganancias en realidad provenían del media-mix, es decir de la estrategia de explotación de la franquicia en distintos medios como merchandising.
Fuente: Tezuka Productions
El esquema de producción y negocio del dios del manga presionó a la competencia a seguir el mismo camino y esto configuró lo que Roland Kelts llamó la maldición Tezuka o la maldición Osamu. Para Loriguillo, «la limitación presupuestaria deficitaria inherente a la producción del anime» aún tiene un impacto actual y se refleja, según Mōri, en la gran diferencia de costos de realización del anime en comparación con series norteamericanas, así como en las ya mencionadas precarias condiciones de trabajo de los animadores. El autor explica una situación que no es ajena: los puestos de trabajo fijos son reemplazados por freelance o subcontratación a estudios de animación del sudeste asiático como Corea del Sur. Asimismo, los apretados deadlines afectan tanto la vida de los animadores (algunos renuncian también) como la calidad del producto final.
Otro punto importante que destaca el autor es la tendencia a la uniformización de las producciones debido a la intervención de las varias empresas que comparten los costos y conforman los comités de producción, que pugnan por un producto con el menor riesgo, lo que lleva—en muchos casos—a que se siga la fórmula que ha demostrado funcionar y que es la razón también detrás del kūru o temporadas de 12 o 13 episodios que son la tendencia en la actualidad. Además de estas circunstancias y la dependencia del media-mix, la maldición Tezuka también ha polarizado a muchos sobre los motivos del dios del manga detrás de su modelo y ha llevado a un intenso debate al respecto.
Fuente: tezukaosamu.net
De acuerdo con Roland Kelts, algunos señalan que Tezuka provenía de un sector privilegiado y una vez que se estableció como artista líder de la industria del manga y el anime no cambió su modelo en producciones posteriores, lo que presionó a la competencia a seguirlo. Según, Michael Rose, otros señalan que el ímpetu de Tezuka por aprovechar el momentum y difundir su trabajo por todo Japón y el resto del mundo lo llevó a seguir este modelo y que a través del mismo solidificó la posición del anime y abrió las puertas a jóvenes artistas a quienes introdujo además a publicistas y editores para que se labraran sus propias carreras.
Es discutible cargar la responsabilidad del mantenimiento de un modelo de industria a una sola persona sin considerar el resto de productoras que lo aplican, pero el dios del manga marcó un hito al respecto que es difícil ignorar. Sin duda, el debate sobre la maldición Tezuka continuará y quizás se transforme al mismo ritmo que lo haga la industria del anime y el manga que cambió para siempre con Tetsuwan Atom.
Fuentes
Les dejamos una lista de material que pueden revisar sobre la maldición Tezuka y la historia del anime.
Clements, J. (2019). Anime: A history. Bloomsbury Publishing.
Kelts, R. (2006). Japanamerica. How japanese pop culure has invaded the U.S. Palgrave Macmillan.
Loriguillo, A. (2018). La narración compleja en el anime postclásico: la ambigüedad narrativa en la animación comercial japonesa, Universitat Jaume I.
Sí, el título de esta nota no miente sobre la historia del anime Gaikotsu Shotenin Honda-san también llamado Skull-face Bookseller Honda-san. Si todavía no te acostumbras a la rareza de las premisas de varias series de animación japonesa, vas a tener problemas reconociendo que a veces hay mucho más detrás de estos curiosos relatos.
En este caso, Honda-san efectivamente es una calavera vendedora de libros, específicamente es el encargado de la sección de comics extranjeros y libros de arte. Además, entre sus compañeros de trabajo se encuentran personajes como Máscara de Gas (que sí, tiene una máscara de gas), Armadura (ya no tengo que decirlo), Linterna, Cabeza de conejo y otros personajes que—como todos ellos—cubren sus caras de maneras creativas. ¿La razón? Todos están basados en personas reales que conoció la autora, Honda, durante sus años vendiendo libros.
Como recoge Yulee Kim en su artículo, a pesar de la creciente popularidad del e-book en Japón, la cultura del libro impreso en el país del sol naciente aún mantiene su poder en el mercado, lo que se revela en la fama de la nación nipona, sobre todo Tokio (especialmente Jimbocho) como punto clave de venta de libros. Gaikotsu Shotenin Honda-san nos abre una puerta a este mundo en donde hay que preocuparse por categorizar y ordenar la mercancía que llega, organizar firmas de libros, atender a los clientes y decorar la tienda para navidad. Lo divertido está en que Honda-san y sus colegas son los que en cada uno de los dos pequeños scketch que conforman cada uno de los 12 episodios, enfrentan estos problemas, mientras evitan hacer referencias a títulos o empresas que les obliguen a pagar por derechos de propiedad intelectual.
El protagonista, Honda-san y sus compañeros son un claro ejemplo de lo señalado por Blautoothdmand acerca de que el encanto de un slice of life depende en gran medida de sus personajes, los cuales en este caso generan las situaciones más hilarantes. Como cuando el tímido pero trabajador Honda-san sufre mientras trata de explicarle a un cliente extranjero que el libro que le ha pedido comprar su hija es un «special yaoi book». Al mismo tiempo, pululan cerca un chico con una bolsa de papel en la cabeza cargando libros y una mujer que usa una máscara de médico de la peste negra mientras trata de intimidar a los distribuidores editoriales.
Esta particular combinación de cotidiana realidad, ajetreo y extravagancia, entretiene, enternece y provoca que queramos robarle el trabajo al buen Honda-san. Si están interesados en revisar la serie, está disponible en Crunchyroll y cada capítulo dura sólo 15 minutos.
Si desean también revisar más sobre la cultura del libro impreso en Japón y el slice of life, les dejamos unos links:
Hace un mes empecé a ver de nuevo una joya del estudio Ghibli titulada ¨Cuando el viento se levanta¨ ¨Kaze Tachinu¨ que tuve la suerte de ver en formato borroso hace algunos años, por ello cuando apareció en la paleta de recomendados en Netflix no dudé en darle ¨reproducir¨ y vaya que hermoso es el hd.
Podría llenar de halagos acostumbrados a la película por solo ser dirigida por Hayao Miyazaki y ese clan de ilustradores legendarios del estudio creador de éxitos como ¨El Viaje de Chihiro¨, ¨Mi vecino Totoro¨ o ¨Náusica del Valle del Viento¨ pero no, eso sería realmente injusto.
Haremos un merecido análisis a este joya de la animación japonesa que no puedes dejar de ver si en verdad te gusta el anime. Comencemos.
El director de la cinta animada, Hayao Miyazaki, aquel genio que le encanta presentarnos arquetipos de niños y personas adultas mayores que guían a los personajes, en este caso opta por llevar a la pantalla grande una novela corta de Tatsuo Hori.
La historia nos narra la vida de Jirō Horikoshi, ingeniero aeronáutico nipón que diseñó el avión de combate Zero, seee suena a Code Geas ese nombre pero en la vida real nuestro pequeño niño japonés fanático de los aviones existió, estudió mucho y logró revolucionar la ingeniería aeronáutica japonesa.
Como es de costumbre en Miyazaki nuestro prota es guiado por personas mayores que él, maestros que marcarán las pautas de sus hazañas y serán empuje en sus derrotas, en la primera parte de la historia el ingeniero aeronáutico italiano, Giovanni Caproni, lo sorprenderá en sueños a Jiro y más adelante un personaje de la realidad, el alemán, Hans Castrop, lo hará reflexionar del valor de la ciencia y como el orgullo de los países pueden convertir un sueño en una pesadilla. Cosa que sucede gracias al inicio de la Segunda Guerra Mundial.
La historia contiene muchos sucesos de la historia japonesa como el gran terremoto de Kanto de 1923 que remeció los cimientos sociales como económicos y la Gran Depresión, que Japón heredó gracias a la Primera Guerra Mundial, es en ese escenario que nuestro prota tendrá que sortear los vientos fuertes de crecer y convertirse en un profesional en medio de incendios, crisis financiera y un ambiente negativo de la misma sociedad que lo rodea.
En ese interín, en el mar de la adolescencia y juventud, conocerá a la pequeña , Nahoko Satomi, su futura esposa, que lo marcará de por vida. Sinceramente esta relación y creación del personaje de Nahoko es un 20 sobre 20 para Miyazaki. Ella representa ese viento que tanto amó Horikoshi, ese fugaz, maravilloso y efímero viento, que tanto deseaba dominar para cumplir su sueño de sacar a Japón del retraso industrial aeronáutico que estaba subyugado por causa de no querer innovar.
Nahoko lo es todo, una joven vivaz llena de vida que se le va acabando el tiempo por ser una paciente de Tuberculosis, enfermedad que era condena de muerte en esa época. A pesar del terrible final que la joven tendría, Jiro, apuesta por todo y se casa con ella, tal como los aviones que él desea fabricar, a pesar que sabe del trágico final que tendrán, a causa de la inminente guerra, él desea dar un paso más y seguir adelante por que ¨Cuando el viento se levanta, hay que tratar de vivir¨
Frase que se repite con precisión en puntos claves de la película. En estos tiempos de pandemia mundial ocasionada por el virus Covid-19, la película de Miyazaki, nos da una lección mas que solo entretener , debemos seguir firmes, agarrados de nuestro sueños, aunque sean imposibles o tengan la posibilidad de un trágico final, aprovechemos la fuerza de los vientos y sigamos adelante.
“Invoco a Zenki el guerrero guardián” directo desde la época dorada de los 90, cuando los canales de televisión de señal abierta nos ofrecían una gran variedad de animes, recordamos a la joven Cherry quien solía llamar a su compañero para enfrentar a los villanos poseídos por las semillas del mal.
Hace mucho tiempo el mundo era amenazado por las semillas del mal, el mago Ozunu Enno pudo detenerlos con la ayuda del guerrero guardián Zenki. Después de recuperar la paz, debido a su naturaleza salvaje, Zenki es sellado por Ozunu en una lápida de piedra ubicado en su templo y deberá ser liberado cuando la tierra corra peligro.
En la época actual, alguien libera una semilla del mal en el templo del mago Ozunu causando destrozos. Chiaki Enno (Cherry en la versión latinoamericana), es descendiente del famoso mago y poseedora de grandes habilidades, ella es la encargada de liberar a Zenki y siguiendo los consejos de su abuela Saki, logra traer de vuelta al guerrero guardián. Para sorpresa de muchos la apariencia de Zenki no es lo que esperábamos, por el contrario, aparece un niño muy rebelde. Chiaki necesita lanzar un hechizo dibujando una estrella de 5 picos para liberar al verdadero guerrero y lograr vencer a este primer villano.
La responsable de este ataque es Karuma (Karma en latino América) quien junto a sus lacayos Gulen, Goula y Anju buscan dominar el mundo en nombre del mal y para lograr sus objetivos deben de aniquilar a Zenki y Chiaki.
Desde que se conocen Zenki y Chiaki tienen muchas peleas entre ellos, sin embargo, deben aprender a trabajar en equipo, con el tiempo lograr mejorar su relación. Este anime consta de 51 capítulos y la buena noticia es que lo puedes encontrar completo en YouTube.
“Mi existencia no será en vano”, es la flamante frase de Yusuke Urameshi. Nombre del protagonista del anime que recordamos en este artículo.
Yu Yu Hakusho es un anime producido por estudio Pierrot basado en un manga de su mismo nombre creado por Yoshihiro Togashi, sí, el mismo autor de Hunter x Hunter pero no te desanimes porque esta historia si tiene final.
Yusuke Urameshi es un chico de 14 años, el típico chico problemático y rebelde que hace lo que quiere. Murió tras salvar a un niño de ser atropellado por un auto y la verdad nadie esperaba que él realice este acto tan heroico. Y en realidad absolutamente nadie esperaba esto, ni siquiera los responsables del otro mundo y es así como Botan, una Shinigami y mensajera del mundo espiritual le confirma que no hay lugar para él ni el cielo ni en el infierno por lo que tendrá una oportunidad de volver a la vida. Luego de unos peculiares sucesos y completar una misión especial consigue revivir. Sus aventuras no terminan aquí, al poco tiempo Koenma, lo recluta como detective del mundo espiritual.
En el mundo espiritual habita el gran Rey Enma, su hijo Koenma, los Shinigamis y ogros. Después de morir todas las almas se dirigen aquí para ser juzgados y encaminados hacia el cielo o el infierno. El rey se encuentra fuera y su hijo realiza su trabajo, tratando mantener el orden de lo contrario será severamente castigado.
Yusuke es acompañado por Kazuma Kuwabara quien pertenece a otra escuela, Shuichi Minamino ó Yoko Kurama un demonio que habita en un cuerpo humano y Hiei un demonio que colabora por beneficio propio.
El anime cuenta con 112 episodios, 2 películas 6 ovas y 1 capítulo especial del penúltimo manga.
